"ESCUELA DE GRÁFICOS IMPRESOS" es un proyecto social y educativo para amplia gama amantes del arte. El proyecto implica la creación e implementación práctica de un programa de formación multinivel en gráficos impresos en el sistema de clases magistrales. Así, el nivel básico de formación estará pensado para todo aquel que empiece a entrenar desde cero o que tenga poca experiencia en dibujo. Los estudiantes de este curso podrán estudiar varias técnicas de impresión de gráficos, familiarizarse con las herramientas de un artista de grabado, crear un grabado simple en cartón, imprimirlo en una máquina, obtener una impresión, colorear y colocarlo en un tapete, y firmar correctamente. El curso "para profesionales" será de interés para todas las personas creativas interesadas en las técnicas de impresión clásicas y modernas, estudiantes de secundaria Instituciones educacionales(gimnasios, liceos, colegios, internados), alumnos de facultades especializadas, docentes. El curso comenzará con una descripción general y un análisis de varias técnicas de impresión (alta, profunda, plana, esténcil). La parte introductoria irá seguida de trabajo practico en las siguientes áreas de gráfica impresa: linograbado, aguafuerte, fotograbado, litografía, monotipo, serigrafía, xilografía, serigrafía.
A lo largo de los años, los gráficos impresos han sido y siguen siendo el fenómeno más brillante y distintivo de Rusia. cultura artística... Muchos artistas rusos se hicieron famosos precisamente en este tipo de creatividad, creando obras en el campo de los gráficos de caballete originales, el grabado impreso, ilustración de libro... (V.V. Mate, V.D. Falileev, A.P. Ostroumova-Lebedeva, A.P. Shillingovsky, V.N. Masyutin, D.I. Mitrokhin, V.A. y etc.)
Sin embargo, desde principios de los 90, una vasta galaxia de notables artistas gráficos rusos se vio prácticamente privada de la oportunidad de trabajar en las técnicas de litografía y grabado: se liquidaron los talleres de impresión y la producción de imprentas para artistas, el estado dejó de financiar el casas creativas de artistas gráficos, en las que hubo un constante estudio, intercambio de experiencias y fusión creativa de ideas y tecnologías en el campo de la gráfica impresa. La afluencia de artistas jóvenes a esta especie casi se ha detenido Artes visuales, pero los gráficos impresos rusos han sido tradicionalmente muy brillantes, siendo parte de la colección mejores museos mundial, premiado en concursos internacionales, famoso por la diversidad de tendencias artísticas y su continuidad. A la fecha se ha perdido prácticamente la base teórica, metodológica y técnica para el estudio y uso de la gráfica impresa en el proceso creativo y las cuestiones de comprensión de las bellas artes. V Federación Rusa cada año son cada vez menos los lugares con equipos especiales y artesanos capaces de trasladar su experiencia en la creación de grabado, grabado en linóleo, aguafuerte, fotograbado, litografía, serigrafía, serigrafía, xilografía, serigrafía a artistas jóvenes , estudiantes, estudiantes de escuelas de arte. Al mismo tiempo, el plan de estudios de las instituciones educativas incluye la asignatura "Gráficos". Pero, en esencia, los estudiantes se ven privados de la oportunidad de estudiar el tema en la práctica y los graduados no pueden organizar y enseñar un tema interesante en las escuelas de arte y las escuelas de arte.
Nuestra "Escuela de Gráfica Impresa" está llamada a revivir el profesionalismo perdido, el conocimiento y la accesibilidad de la población en general de la región a uno de los tipos de arte más importantes: la gráfica impresa (grabado).
Hoy en Veliky Novgorod, gracias al apoyo de la Agencia Federal de Prensa y Comunicaciones Masivas y la Administración de la Región de Novgorod, hay un taller de Imprenta de Novgorod, cuyo equipo profesional permite realizar cursos de capacitación. Aquí, artistas jóvenes y profesionales, estudiantes de facultades de arte, estudiantes de escuelas de arte pueden dominar una nueva técnica de grabado, grabado en linóleo, monotipos y también tener la oportunidad de trabajar en el equipo provisto.
Por supuesto, con el advenimiento de las tecnologías digitales, el papel de las técnicas tradicionales ha cambiado significativamente, pero son precisamente las ventajas expresivas especiales de los gráficos impresos, de las que disfrutaron P. Picasso, P. Gauguin y A. Durer, y E. Degas, que permiten, en palabras de V. Favorsky, Considerar la gráfica impresa como la más moderna de todas las artes visuales.
Esperamos que el trabajo de la Escuela de Gráficos Impresos contribuya realmente a la preservación y el desarrollo del arte gráfico contemporáneo en Rusia.
Tipos de gráficos impresos
Estamp
Tipos de impresiones
Impresión tipográfica
Xilografía
Linograbado
Grabado de cartón
Grabado de cartón
Impresión en huecograbado
Grabando
Grabado mezzotinto
Técnica de mezzotinto
Impresión plana: litografía, monotipo.
Litografía
Monotipia
Monotipia
Impresión de pantalla:
Serigrafía
Gráficos únicos
Dibujo
Gráficos de libros
Ilustración
Viñeta
Viñetas
Sobrecubierta
Gráficos aplicados
Póster
Carteles de V. Mayakovsky
Gráficos de computadora
Otros tipos de gráficos
Entablillar
Escribir gráficos
Caligrafía
Arte Sumi-e
Los gráficos como forma de arte se originaron en los días de la pintura rupestre, aunque la palabra en sí tiene raíces griegas y significa "escribir", "dibujar". Hoy en día, es una especie independiente y multifacética con géneros y cánones propios. Tipos de artes gráficas Según su finalidad, las obras gráficas se subdividen en los siguientes tipos: Gráficos de caballete. Como forma de arte, está cerca de la pintura, ya que transmite la visión y el mundo emocional del artista. Además, el maestro logra esto no debido a la variedad de la paleta de pinturas y las diversas técnicas para aplicarlas al lienzo, sino con la ayuda de líneas, trazos, manchas y el tono del papel. Gráficos aplicados como una especie de arte. Ejemplos de ello nos rodean en todas partes, tiene un propósito específico. Por ejemplo, las ilustraciones de libros ayudan al lector a percibir más fácilmente su contenido, los carteles y carteles transmiten conocimientos o información publicitaria. Esto también incluye etiquetas de productos, sobres, sellos, dibujos animados y muchos otros. Cualquier tipo de bellas artes (gráficos, imágenes no son una excepción) comienza con un boceto de un dibujo. Todos los artistas lo utilizan como primer paso antes de pintar el lienzo principal. Es en él donde se crea la proyección de la posición del objeto de la pintura en el espacio, que posteriormente se traslada al lienzo. Dibujo gráfico Los gráficos como un tipo de bellas artes, los tipos de gráficos en cualquier dirección comienzan con un dibujo, como los lienzos en la pintura. Para el dibujo gráfico, se utiliza papel, la mayoría de las veces blanco, aunque existen opciones. Su principal contraste es el contraste de dos o más colores: negro, blanco, gris. Son posibles otros tipos de contrastes, pero incluso si el maestro usa un lápiz negro sobre papel blanco, los tonos de los trazos son ricos en variedad, desde el negro suave al negro profundo. Las imágenes en blanco y negro con la adición de un color de contraste son emocionalmente fuertes. Esto llama la atención y la mirada del espectador se centra en el punto brillante. Tales gráficos como una forma de bellas artes (la foto lo muestra muy claramente) se convierte en un trabajo asociativo cuando un acento brillante evoca recuerdos personales en el espectador. Herramientas para crear un dibujo gráfico Las herramientas más sencillas y asequibles son los lápices de grafito y un bolígrafo normal. A los maestros también les gusta usar tinta, carboncillo, pastel, acuarela y sanguina. El lápiz de mina es la herramienta más popular. Es una caja de madera o metal, en la que se inserta una varilla de color negro grisáceo grafito, o una de color, a la que se le han añadido tintes. Los lápices pastel no tienen cuerpo, pero sus colores se pueden mezclar para crear nuevos matices. La tinta tiene un color negro intenso, cabe fácilmente en el papel y se utiliza para caligrafía, bocetos y dibujos. Se puede aplicar con bolígrafo o pincel. Para obtener diferentes tonos de negro, la tinta se diluye con agua. Los gráficos como forma de arte no han escatimado en herramientas como el carbón. El carbón vegetal para pintar se usó en la antigüedad, y en el siglo XIX, el carbón vegetal artístico se creó a partir de polvo de carbón comprimido y adhesivos. Los artistas gráficos modernos también usan rotuladores con un grosor de varilla diferente. Gráficos impresos Esta categoría de bellas artes incluye: Grabado en madera es un grabado en madera que se utiliza para imprimir una imagen con tinta aplicada. Se originó en China en el siglo VI d.C., apareció en Oriente en el siglo IX y en Europa en el siglo XV. El grabado en metal, para el que se utilizaron placas de latón, cobre o plomo, se dividió en profundizado, repujado e inciso. Dependiendo del método, el dibujo se aplicó al metal, se cubrió con pintura y luego se transfirió al papel. El linóleo apareció en el siglo XX junto con materiales como linóleo, plexiglás y plástico. Se diferencia en simplicidad y velocidad de creación de plantillas artísticas. Esta técnica se caracteriza por fuertes contrastes en blanco y negro y de cualquier tamaño. Numerosos artesanos eminentes han trabajado en este tipo de gráficos. Por ejemplo, Picasso, Matisse, Ivan Pavlov. Estos están lejos de todos los tipos utilizados en la impresión. Gráficos de libros Este tipo de bellas artes incluye lo siguiente: Miniaturas de libros. Una forma antigua de diseñar manuscritos, que se utilizó en el antiguo Egipto. En la Edad Media, el tema principal de las miniaturas eran los motivos religiosos, y solo a partir del siglo XV comenzaron a aparecer los temas seculares. Los principales materiales utilizados por los maestros de la miniatura son el gouache y la acuarela. El diseño de la portada es la transmisión del mensaje emocional del libro, su tema principal. Aquí, la fuente, el tamaño de las letras y el patrón correspondiente a su nombre deben ser armoniosos. La portada presenta al lector no solo el autor de la obra, su obra, sino también la editorial y el propio diseñador. Las ilustraciones se utilizan como una adición al libro, lo que ayuda a crear imágenes visuales para que el lector tenga una percepción más precisa del texto. Este arte gráfico como forma de arte se originó en la época de la imprenta, cuando las miniaturas hechas a mano fueron reemplazadas por grabados. Una persona se encuentra con ilustraciones en su primera infancia, cuando todavía no sabe leer, pero aprende los cuentos de hadas y sus héroes a través de imágenes. La gráfica de libros como un tipo de bellas artes en las instituciones educativas preescolares se aprende a través de libros ilustrados que llevan información en imágenes para los niños más pequeños, y a través de textos con imágenes explicativas para los niños mayores. El cartel como forma de arte Otro representante de la pintura gráfica es el cartel. Su función principal es transmitir información mediante una frase corta con una imagen de refuerzo. Por campos de aplicación, los carteles son: Políticos, cuya finalidad es una llamada a la acción. Los temas de agitación política son diversos, desde la protección (paz, animales, democracia, ecología) hasta la exposición. Los carteles sociales instan a una persona a cambiar algo o unirse a quienes lo hacen. Los gráficos de carteles publicitarios contienen información sobre el producto, los eventos y sus participantes. Como ejemplo, esta es una película y teatro pósters, stands publicitarios. Su principal tarea es atraer el interés del espectador y el deseo de adquirir aquello sobre lo que informa. Se distinguen por colores brillantes y lemas sonoros que son fáciles de recordar. Los carteles instructivos contienen información educativa que debe ayudar a reforzar el conocimiento de los estudiantes. Esta categoría también incluye imágenes con reglas de seguridad, prevención y tratamiento de enfermedades y muchos otros tipos de advertencias. El cartel es uno de los tipos de gráficos más comunes. Gráficos aplicados Otro tipo de arte gráfico es el diseño de etiquetas, sobres, sellos y carátulas para videos y CD de música. Una etiqueta es un tipo de gráfico industrial, cuyo objetivo principal es dar la máxima cantidad de información sobre un producto con un tamaño de imagen mínimo. Al crear una etiqueta, se tienen en cuenta los colores, lo que debe inspirar simpatía y confianza en el producto en el espectador. Las carátulas de los discos llevan la máxima información sobre una película o un grupo musical, transmitiéndola a través de un dibujo. El diseño gráfico de sellos y sobres tiene una larga trayectoria. Para ellos, los temas más a menudo se convierten en eventos que tienen lugar en diferentes países, el mundo que los rodea y las grandes fiestas. Los sellos se pueden emitir tanto como copias separadas como en series completas, unidas por un solo tema. El sello es quizás la forma más común de arte gráfico que se ha vuelto coleccionable. Gráficos modernos Con el advenimiento de la tecnología informática, comenzó a desarrollarse un nuevo tipo de arte gráfico: los gráficos por computadora. Se utiliza para crear y corregir imágenes gráficas en una computadora. Junto con su aparición, aparecieron nuevas profesiones, por ejemplo, un diseñador de gráficos por computadora.
Etapas de trabajo en un monotipo
1. Tome vidrio (o cualquier superficie lisa y uniforme: plástico, hule) y aplique pintura no espesa, sino húmeda: acuarela o gouache (colores arbitrarios).
2. A continuación, coloque encima el papel del tamaño que necesite. Presione ligeramente sobre el papel y retírelo un poco en cualquier dirección. O puede tirar un poco de la sábana de un lado a otro.
3. Cuando mires el papel, la tinta debe estar impresa en él. Después de examinar esta impresión, es posible que vea algún tipo de dibujo. Si tienes una imagen de algo o simplemente una buena composición, entonces podemos decir que el resultado es un monotipo.
4. Examine cuidadosamente la impresión seca y encierre en un círculo todo lo que vea: (criaturas, plantas, arquitectura, etc.) con un lápiz o bolígrafo, rotulador o tinta, agregando los detalles necesarios como desee. Y si es necesario, retoca un poco con la pintura deseada.
Narbut Georgy Ivanovich(1886-1920) - Artista gráfico ucraniano. Una influencia significativa en la formación de la manera creativa del maestro fue ejercida por la conexión con la asociación de arte de San Petersburgo "World of Art", cuyos miembros prestaron mucha atención al resurgimiento del arte de los libros. Obras tempranas Narbuta - ilustraciones para cuentos de hadas. En las ilustraciones de las fábulas de I. Krylov, el artista usa un estilo gráfico antiguo, una silueta, a la que luego recurrió repetidamente.
En 1917-1920, Narbut trabajó en Kiev; La pasión por el arte antiguo ucraniano lo impulsó a crear una serie de obras destacadas. Desde enero de 1919, Narbut fue rector de la Academia de Artes de Kiev.
Pablo Picasso. Don Quixote
Tipos de gráficos impresos
Estamp
Print (Estampe francés) es una impresión en papel a partir de una plancha de impresión (matriz). Las estampas originales son aquellas impresiones realizadas por el propio artista o con su participación.
El grabado se conoce en Europa desde el siglo XV. Al principio, el grabado no era una sección independiente de las artes visuales, sino solo una técnica para reproducir imágenes.
Tipos de impresiones
Los tipos de impresiones difieren en el método de creación de la placa de impresión y el método de impresión. Por tanto, existen 4 técnicas de impresión principales.
Impresión tipográfica: xilografía; linograbado grabado sobre cartulina.
Xilografía
Xilografía: un grabado en madera o una impresión en papel hecha a partir de dicho grabado. El grabado en madera es la técnica de grabado en madera más antigua. Se originó y se extendió en países Del lejano oriente(Siglos VI-VIII). Los primeros ejemplos de grabado de Europa occidental realizados con esta técnica aparecieron a finales de los siglos XIV-XV.
Los maestros del grabado en madera fueron Hokusai, A. Durer, A. Ostroumova-Lebedeva, V. Favorsky, G. Epifanov, J. Gnezdovsky, V. Mate y muchos otros. otro.
J. Gnezdovsky. tarjeta de Navidad
Linograbado
El linograbado es un método de grabado sobre linóleo. Este método surgió a finales de los siglos XIX y XX. con la invención del linóleo. El linóleo es un buen material para impresiones grandes. Para el grabado, se utiliza linóleo con un grosor de 2,5 a 5 mm. Las herramientas para linograbado se utilizan de la misma manera que para el grabado longitudinal: cinceles angulares y longitudinales, así como un cuchillo para el corte preciso de piezas pequeñas. En Rusia, el alumno de Vasily Mate, N. Sheverdyaev, fue el primero en utilizar esta técnica. Más tarde, esta técnica se utilizó para realizar grabados de caballete y especialmente en la ilustración de libros de Elizaveta Kruglikova, Boris Kustodiev, Vadim Falileev, Vladimir Favorsky, Alexander Deineka, Konstantin Kostenko, Lidia Ilyina, etc.
B. Kustodiev "Retrato de una dama". Linograbado
Henri Matisse, Pablo Picasso, Frans Maserel, expresionistas alemanes, artistas estadounidenses trabajaron en el extranjero en la técnica del grabado en linóleo.
De artistas contemporáneos El linograbado es utilizado activamente por Georg Baselitz, Stanley Donwood, Bill Fike.
Se utiliza linograbado tanto en blanco y negro como en color.
R. Guseva. Linograbado de color. Naturaleza muerta "Frozen"
Grabado de cartón
Una especie de impresión. Un tipo de grabado tecnológicamente simple, se usa incluso en lecciones de bellas artes.
Pero en el siglo XX. Algunos artistas gráficos importantes han utilizado el grabado en cartón en su práctica profesional. La impresión en relieve para imprimir se realiza mediante un aplique compuesto por elementos individuales de cartón. El grosor del cartón debe ser de al menos 2 mm.
Grabado de cartón
Impresión en huecograbado: técnicas de grabado (aguafuerte con aguja, aguatinta, lavis, línea de puntos, forma de lápiz, punta seca; barniz suave; mezzotinto, grabado de incisivos).
Grabando
El aguafuerte es un tipo de grabado en metal, una técnica que permite obtener impresiones de planchas de impresión ("tableros"), en el proceso de crear una imagen en la que la superficie está grabada con ácidos. El aguafuerte se conoce desde principios del siglo XVI. Albrecht Durer, Jacques Callot, Rembrandt y muchos otros artistas trabajaron en la técnica del grabado.
Rembrandt "El sermón de Cristo" (1648). Aguafuerte, punta seca, cortador
Grabado mezzotinto
Mezzotinto ("manera negra") - un tipo de grabado en metal. La principal diferencia con otras formas de grabado no es la creación de un sistema de hendiduras (trazos y puntos), sino el suavizado de los lugares de luz en la tabla de vetas. Los efectos Mezzotinto no se pueden obtener de otras formas. La imagen se crea aquí debido a la diferente gradación de las áreas de luz sobre un fondo negro.
Técnica de mezzotinto
Impresión plana: litografía, monotipo.
Litografía
La litografía es un método de impresión en el que la tinta se transfiere bajo presión desde una placa de impresión plana al papel. La litografía se basa en un principio fisicoquímico, que implica obtener una impresión a partir de una superficie completamente lisa (piedra), que, gracias a un procesamiento adecuado, adquiere la propiedad de aceptar pintura litográfica especial en sus áreas individuales.
Terraplén Universitetskaya, siglo XIX, litografía de Müller según dibujo de I.Charlemagne
Monotipia
El término proviene de mono ... y griego. τυπος - impresión. Se trata de un tipo de gráfica impresa, que consiste en aplicar pinturas a mano sobre una superficie perfectamente lisa de una plancha de impresión, seguido de la impresión en una máquina; la impresión obtenida en papel es siempre la única, única. En psicología y pedagogía, la técnica de la monotipificación se utiliza para desarrollar la imaginación en niños en edad preescolar mayores.
Monotipia
Todos pueden dominar la técnica del monotipo. Es necesario aplicar pinturas al azar (acuarelas, gouache) sobre una superficie lisa, luego presionar este lado contra el papel. Durante el desgarro de la hoja, los colores se mezclan, que posteriormente se suman a una hermosa imagen armoniosa. Entonces su imaginación comienza a funcionar y, sobre la base de esta imagen, crea su obra maestra.
Los colores para la siguiente composición se eligen intuitivamente. Depende del estado en el que se encuentre. Puede crear un monotipo con ciertos colores.
Impresión de pantalla: técnicas de serigrafía; plantilla de corte.
Serigrafía
Método de reproducción de textos e inscripciones, así como imágenes (monocromáticas o en color) mediante una plancha de estarcido a través de la cual la tinta penetra en el material impreso.
I. Sh. Elgurt "Vezhraksala" (1967). Serigrafía
Gráficos únicos
Los gráficos únicos se crean en una sola copia (dibujo, aplique, etc.).
Tipos de gráficos por propósito
Gráficos de caballete
Dibujo- la base de todo tipo de bellas artes. Sin el conocimiento de los conceptos básicos del dibujo académico, un artista no puede trabajar de manera competente en una obra de arte.
El dibujo se puede realizar como una obra gráfica independiente o sirve como etapa inicial para la creación de diseños pictóricos, gráficos, escultóricos o arquitectónicos.
En la mayoría de los casos, los dibujos se crean en papel. En el dibujo de caballete se utiliza todo el conjunto de materiales gráficos: variedad de crayones, pinturas aplicadas con pincel y bolígrafo (tinta, tinta), lápices, lápiz grafito y carboncillo.
Gráficos de libros
Incluye ilustraciones de libros, viñetas, tapas, tapas, cubiertas, guardapolvos, etc. Los gráficos de libros también pueden incluir gráficos de revistas y periódicos.
Ilustración- un dibujo, fotografía, grabado u otra imagen que explique el texto. Las ilustraciones para los textos se han utilizado desde la antigüedad.
Las miniaturas dibujadas a mano se utilizaron en antiguos libros escritos a mano en Rusia. Con la llegada de la impresión de libros, las ilustraciones dibujadas a mano se sustituyen por el grabado.
Algunos artistas famosos, además de su ocupación principal, también recurrieron a la ilustración (S.V. Ivanov, A.M. Vasnetsov, V.M. Vasnetsov, B.M. Kustodiev, A.N. Benois, D.N. Kardovsky, E. E. Lancere, V. A. Serov, M. V. Dobuzhinsky, V. Ya. Chambers.
Para otros, la ilustración fue la base de su trabajo (Evgeny Kibrik, Lydia Ilyina, Vladimir Suteev, Boris Dekhterev, Nikolai Radlov, Viktor Chizhikov, Vladimir Konashevich, Boris Diodorov, Evgeny Rachev, etc.).
Viñeta(fr. viñeta) - decoración en un libro o manuscrito: un pequeño dibujo o adorno al principio o al final del texto.
Normalmente, el tema de las viñetas son motivos florales, imágenes abstractas o imágenes de personas y animales. La tarea de la viñeta es darle al libro un aspecto artístico, es decir, este es el diseño del libro.
Viñetas
En Rusia, el diseño del texto con viñetas estaba muy de moda en la era moderna (se conocen viñetas de Konstantin Somov, Alexander Benois, Eugene Lansere).
Sobrecubierta
Gráficos aplicados
Henri de Toulouse-Lautrec "Moulin Rouge, La Gulya" (1891)
Póster- el tipo principal de gráficos aplicados. V formas modernas el cartel se formó en el siglo XIX. como publicidad comercial y teatral (carteles), y luego comenzó a realizar las tareas de agitación política (carteles de V.V. Mayakovsky, D.S.Moor, A.A. Deineka, etc.).
Carteles de V. Mayakovsky
Gráficos de computadora
En gráficos por computadora, las computadoras se utilizan como una herramienta para crear imágenes y para procesar información visual obtenida de el mundo real.
Los gráficos por computadora se subdividen en científicos, comerciales, de diseño, ilustrativos, artísticos, publicitarios, de animación por computadora y multimedia.
Yutaka Kagaya "Canción eterna". Gráficos de computadora
Otros tipos de gráficos
Entablillar
Un tipo de gráfico, una imagen con pie de foto, que se caracteriza por la sencillez y la disponibilidad de imágenes. Vista inicial arte popular... Se realizó en la técnica de la xilografía, el grabado en cobre, la litografía y se complementó con la coloración a mano alzada.
El lubok se caracteriza por la simplicidad de la técnica, el laconismo de los medios pictóricos (trazo áspero, coloración brillante). A menudo, la férula contiene una narración detallada con inscripciones explicativas e imágenes adicionales a las principales (explicativas, complementarias).
Escribir gráficos
La escritura de gráficos forma un área de gráficos especial e independiente.
Caligrafía(Caligrafía griega - escritura hermosa) - el arte de escribir. La caligrafía acerca la escritura al arte. Artesanos insuperables en el arte de la caligrafía se considera a los pueblos de Oriente, especialmente a los árabes. El Corán prohibió a los artistas representar seres vivos, por lo que los artistas mejoraron en ornamentos y caligrafía. Para los chinos, japoneses y coreanos, el jeroglífico no solo era un signo escrito, sino al mismo tiempo una obra de arte. El texto, escrito de manera fea, no puede considerarse perfecto en contenido.
Arte Sumi-e(sumi-e) es una adaptación japonesa de una técnica de pintura con tinta china. Esta técnica es lo más expresiva posible debido a su brevedad. Cada pincelada es expresiva y significativa. Sumi-e muestra claramente la combinación de simple y elegante. El artista no pinta un objeto específico, representa la imagen, la esencia de ese objeto. Las obras en la técnica sumi-e están desprovistas de detalles excesivos y proporcionan al espectador un espacio para la imaginación.
¿Hay plazas presupuestarias en el programa de Máster de la Escuela de Diseño?
La Escuela de Diseño cuenta con 6 programas de maestría: Diseño, Diseño de Comunicación, Moda, Arte Contemporáneo, Diseño de Interiores y Diseño Contemporáneo en la Enseñanza de Bellas Artes en la Escuela. En el programa "Diseño" - 18 plazas presupuestarias, en el programa "Diseño moderno en la enseñanza ..." - 15 plazas cuasi presupuestarias, programas "Diseño de comunicación", "Moda", "Diseño de interiores", "Prácticas arte contemporáneo"- comercial.
¿Hay algún beneficio para las personas con discapacidades en el programa de maestría en HSE?
No habrá preferencias para los exámenes. Pero si tiene una discapacidad, tiene derecho a presentar una solicitud sin colas y recibir un estipendio social mientras estudia.
¿Cuál es el puntaje de aprobación para el lugar del presupuesto en el programa de Diseño?
Recibiré un suplemento al título de licenciatura después del 20 de julio. ¿Me impedirá esto solicitar una magistratura?
Si el solicitante tiene un diploma en la mano y se retrasa la emisión de una solicitud con calificaciones, la oficina de admisiones puede recibir un diploma o una copia del mismo sin una solicitud, con la posterior disposición de la solicitud antes de la inscripción.
¿Es obligatorio registrarse en su cuenta personal para enviar documentos?
Aceptaremos documentos incluso si no se ha registrado en su cuenta personal. Pero aún así recomendamos a todos que se registren: esto ayudará a ahorrar mucho tiempo, inscribirse para una visita a la oficina de admisiones en un momento conveniente para usted y no pararse en primera línea, y también le evitará el riesgo de olvidar cualquier documento necesario. Además, es a través de su cuenta personal que puede registrarse en el albergue. La recepción de documentos se realiza en la dirección: calle Myasnitskaya, 20, sala 111.
¿Es necesario tener una educación en diseño o experiencia en diseño para poder matricularse en una maestría en la Escuela de Diseño?
Depende del perfil. Especialmente para aquellos que no tienen experiencia en el campo del diseño, hemos abierto el perfil “Diseño de comunicación. Un nivel básico de ". Simplemente permite a las personas obtener una nueva profesión en 2 años sin una formación previa en el campo del diseño. Además, no se requiere experiencia y conocimientos especiales para la admisión al perfil "Creación de una marca de moda".
¿Qué pasa si quiero continuar mi formación en diseño, pero no he encontrado la especialización que me interesa entre los perfiles?
Puede solicitar la admisión al programa de Diseño, perfil de Dirección de Arte. Para los estudiantes de este perfil, la Escuela de Diseño ofrece pistas educativas individuales de acuerdo con las ambiciones profesionales, metas y objetivos del solicitante: por ejemplo, existe la oportunidad de desarrollarse no solo como diseñador de comunicación, sino también para mejorar sus habilidades. en el campo de la animación, la ilustración, el diseño de joyas, etc. para discutir un posible programa para su capacitación adicional, asegúrese de informar a los miembros del comité de examen sobre qué dirección de diseño le interesa.
¿Puedo solicitar varios perfiles a la vez?
El solicitante ingresa al programa educativo y elige solo un perfil dentro de él.
Los gráficos impresos, como forma de reproducir imágenes, se conocen desde la antigüedad. A diferencia de la pintura, es mucho más accesible y, por lo tanto, más barata.Los gráficos impresos se generalizaron en Europa en la Edad Media con la llegada del papel y la apertura de la imprenta.
Las características importantes de los gráficos son su capacidad para responder rápidamente a eventos actuales, la facilidad de replicación en muchas copias, la capacidad de revelar el concepto de manera consistente en varias imágenes. Por lo tanto, originalmente se utilizaron para ilustrar temas religiosos. Más tarde, estas cualidades fueron ampliamente utilizadas en gráficos políticos satíricos y de agitación, cuyo rápido desarrollo cae en los años de los principales eventos históricos ("hojas volantes" de la Guerra Campesina de 1524-26 en Alemania, grabados de la Gran Revolución Francesa, estampados populares Guerra patria 1812, carteles de las Grandes Guerras Patrióticas y Civiles).
A pesar de algún papel secundario, los gráficos impresos tienen una serie de virtudes expresivas que los hicieron populares entre los grandes artistas del pasado.
Al mismo tiempo, muchas técnicas de impresión de gráficos son muy laboriosas, por lo que el artista solía entregar su boceto a maestros grabadores, quienes transfirieron esta imagen a un tablero y luego la imprimieron. Se difundió especialmente la técnica de la litografía, que, con una posible gran circulación sin mermar la calidad, permitió alcanzar la máxima similitud con las imágenes realizadas en técnicas pictóricas. Fue a finales de los siglos XIX y XX cuando los propios artistas y sus marchantes comenzaron a utilizarlo ampliamente para popularizar su trabajo. En Europa, estos talleres litográficos son habituales en la actualidad.
En Rusia, durante la era soviética, el régimen comunista era muy consciente del peligro de una posible circulación sin censura, por lo que los talleres litográficos estaban bajo la supervisión de fondos de arte, y principalmente aseguraban la impresión de piedras con derechos de autor (realizadas por el propio autor). Esto se debe al hecho de que hoy en Rusia la litografía, como una de las técnicas de impresión de gráficos, se equipara prácticamente con la reproducción tipográfica y no tiene un valor artístico generalmente aceptado.
Sin embargo, en Europa, con un costo muy alto de pinturas originales, las imágenes reproducidas litográficamente de pinturas de un artista popular pueden alcanzar precios muy altos.
En 1994, el autor de estas líneas organizó en Riga una exposición de 15 litografías de Salvador Dalí de las colecciones de los talleres litográficos franceses, que sirvieron como ilustraciones para libros. En ese momento, el costo de estas litografías alcanzó los $ 1000-2000. Hoy estas litografías se venden en subastas por 10-15 mil dólares y más.
El valor de los gráficos impresos como forma de arte por derecho propio depende de muchos factores. En primer lugar, en el tamaño de la tirada y en el número de serie de la impresión.
Las tecnologías de impresión actuales permiten lograr grandes circulaciones con calidad constante, mientras que con técnicas antiguas como la punta seca, el grabado y otras, la plancha de impresión se atasca durante el proceso de impresión y las impresiones en sí se modifican. Por lo tanto, las impresiones que se imprimen primero en una tirada son tradicionalmente de mayor valor.
Para proteger los gráficos impresos modernos de la depreciación, se han adoptado restricciones especiales que se aplican al número de impresiones, así como reglas especiales para su atribución.
De acuerdo con las reglas internacionales, las impresiones originales deben contener la siguiente información.
- 19/99 es el número de serie de la impresión, a través de una fracción es la tirada total de impresión.
- of, litas, xyl, etc. es el nombre abreviado de la técnica de interpretación.
- Nombre de la obra y año de creación.
- Firma original del autor.
Además, en lugar del número de serie de la impresión, puede haber letras que denoten una prueba de impresión o la impresión de un autor.
La presencia de estas designaciones de letras indica que esta opción fue rechazada por el autor e hizo ajustes. Sin embargo, no se destruye ni se firma.
Estas impresiones son de gran valor entre los coleccionistas, ya que son únicas y únicas.
El valor adicional de la circulación depende del número de serie de la impresión y, por regla general, las primeras 10 tienen el costo más alto, etc.) deben destruirse por la imposibilidad de impresiones posteriores.
Desafortunadamente, muchos artistas gráficos que imprimen imágenes por su cuenta en sus talleres no siguen estas reglas. Por ejemplo, el conocido artista gráfico letón Karlis Cīrulis (Kārlis Cīrulis 1925.1.IX - 1994.17.II), que creó una serie de grabados asombrosos con vistas de Riga, imprimió cientos de sus imágenes durante su vida y no puso copias. en absoluto en muchos, o poner los poco fiables. Después de su muerte, estas opiniones de su cónyuge se siguieron reproduciendo en los pizarrones sin la firma del autor. Con todo mi más profundo respeto a este virtuoso maestro del grabado, que creó la imagen de la tarjeta de invitación para nuestra galería "Splendid Palas", esto ha llevado a que hoy su obra esté devaluada y no valga tanto como debería.
También se conocen las numerosas ediciones de Salvador Dalí creadas después de 1981, cuando no pudo trabajar en absoluto por enfermedad. Algunos investigadores de su trabajo afirman que dejó una gran cantidad de hojas en blanco firmadas en las que se imprimieron estas litografías.
En el caso de nuestra exposición de litografías de Salvador Dali, se trataba de litografías creadas a partir de las ilustraciones originales de Salvador Dali, y que existían únicamente en esta técnica. El taller de litografía firmó un contrato con el artista por el derecho a imprimir sus litografías, y Dalí controló el proceso de su creación, hizo ajustes y firmó la edición terminada. Posteriormente, se borró la piedra litográfica y el taller de litografía emitió un certificado especial que confirma la autenticidad de esta circulación y una descripción de la litografía en sí, indicando el tamaño del papel original y su nombre.
En tales casos, parte de la tirada, por regla general, las primeras copias, se entregan al propio autor, y el resto va a disposición del taller de litografía, que las vende.
Es por eso que todavía se pueden encontrar en los antiguos talleres de grabado y litografía europeos, a menudo funcionando como tienda de arte, gráficos antiguos que han permanecido en la colección de los propietarios.
Las tiendas modernas de baguette a menudo tienen que lidiar con el diseño de gráficos impresos. A menudo, sus propietarios ni siquiera son conscientes de su posible valor real. Desafortunadamente, los recepcionistas de pedidos y los propios artesanos tampoco son especialistas y, por lo tanto, a menudo admiten diseños analfabetos o incluso simplemente estropean el trabajo.
A continuación intentaremos hablar de las peculiaridades de la técnica de cada uno de los gráficos impresos, así como de la diferencia entre su diseño y otros soportes en papel.
San Petersburgo. 2007 año
Aivar Pozharsky.
IMPRESIÓN DE GRÁFICOS Si se acerca a los gráficos impresos en términos de técnicas, entonces consta de cuatro elementos tecnicos: 1. Tablero, generalmente la superficie sobre la que se aplica el dibujo. 2. Herramientas. 3. Tinta de impresión. 4. Impresión. Según el material de la placa impresa y los métodos de su desarrollo, existen tres tipos principales de gráficos impresos. I. Grabado convexo. Todos los lugares que deberían salir blancos en el papel se eliminan de la superficie del tablero mediante corte o ranurado y, a la inversa, las líneas y planos correspondientes al dibujo permanecen intactos - en el tablero forman un relieve convexo. Este grupo incluye grabados en madera (xilografías) y linóleo, y también se conoce como excepción, grabado en metal convexo). II. Grabado en profundidad. La imagen se aplica a la superficie en forma de surcos, rayones o surcos más profundos. La tinta entra en estos huecos, que se transfiere al papel bajo la fuerte presión de la imprenta. La presión de la imprenta deja hendiduras en el papel (Plattenrand) en los bordes del tablero, que separan el dibujo de los márgenes. En este grupo se incluyen todos los tipos de grabado sobre metal: grabado con cincel, aguafuerte, etc. III. Grabado en piedra plana. Aquí el dibujo y el fondo están al mismo nivel. La superficie de la piedra se trata con una composición química de tal forma que la pintura grasosa, al enrollarla, se percibe solo en determinados lugares que transmiten la imagen, y la pintura no cae sobre el resto de la superficie, dejando el fondo. del papel intacto - esta es la técnica de la litografía. Además de la piedra, las planchas de aluminio también se utilizan en la impresión plana, la denominada algrafía.
xilografías Las xilografías más antiguas, las xilografías (xilografías), aparecieron en los siglos VI-VII en China y luego en Japón. Y las primeras impresiones europeas comenzaron a imprimirse solo a fines del siglo XIV en el sur de Alemania. Eran de diseño absolutamente simple, sin adornos, a veces se pintaban a mano con pinturas. Eran hojas con imágenes de escenas de la Biblia y la historia de la iglesia. Hacia 1430 se elaboran los primeros libros "block" (xilografía), durante cuya publicación se esculpió la imagen y el texto en una tabla, y hacia 1461 se mecanografió el primer libro, ilustrado con xilografías. De hecho, el libro impreso de la época de Johannes Gutenberg era en sí mismo un grabado, ya que el texto que contiene está dispuesto y multiplicado por estampas de clichés en relieve. El deseo de hacer una imagen en color y "dibujar" no solo con líneas, sino también con una mancha, "esculpir" claroscuro y dar tono llevó a la invención de las xilografías en color "claroscuro", en las que la impresión se realizaba a partir de varias tablas utilizando los colores principales del espectro de colores. Fue inventado y patentado por el veneciano Hugo da Carpi (c. 1455 - c. 1523). Sin embargo, esta técnica era laboriosa y rara vez se usaba; su "renacimiento" tuvo lugar solo a fines del siglo XIX. Los grabados en madera se caracterizan por la distinción y cierto aislamiento de las líneas; Cuantos más detalles, transiciones, líneas cruzadas en el dibujo, más difícil es para el tallador y menos expresivo es el grabado en madera: la técnica más natural y orgánica para decorar un libro, para la ilustración de libros Se realizó una importante revolución técnica en el cambio de los siglos XVIII y XIX por el grabador inglés Thomas Buick - xilografía de tono o final
Durero. Apocalipsis. 1498. Xilografía La herencia gráfica de Durero es extensa. Actualmente, hay 105 grabados en cobre, entre aguafuertes y grabados a punta seca, y 189 xilografías.
Hans Holbein. "Juan el Bautista con un hacha", "St. Barbara ". Ilustraciones para el "Jardín del Alma". 1522-23 bienio
G. Dore. Ilustración para el cuento de hadas de C. Perrault El gato con botas. 1862, grabado final
Grabado en profundidad de metal Todas las opciones de impresión en profundidad se combinan con el mismo metal (generalmente una plancha de cobre) y el mismo proceso de impresión. Se diferencian en la forma en que crean un dibujo en la pizarra. En este caso, se deben tener en cuenta tres tipos principales de impresión en huecograbado: mecánica (que incluye grabado de incisivos, punta seca, mezzotinto), química (aguafuerte, barniz blando, aguatinta) técnica mixta (a modo de lápiz y línea de puntos).
Grabado con cincel sobre metal La nueva historia de las invenciones en el grabado fue directamente proporcional al deseo de aumentar el número de impresiones, de llevar el dibujo a una mayor complejidad y de reproducir los detalles más pequeños con mayor precisión. Entonces, casi siguiendo el grabado en madera, a fines del siglo XV. - apareció un grabado de cincel sobre metal (tablero de cobre), que permitió trabajar de manera más flexible en el dibujo, variar el ancho y la profundidad de la línea, transmitir contornos ligeros y móviles, condensar el tono con varios matices, reproducir con mayor precisión lo que el artista pretendía, de hecho, hacer un dibujo de cualquier complejidad. Los maestros más importantes que trabajaron en esta técnica fueron los alemanes - Albrecht Durer, Martin Schongauer y los italianos - Antonio Pollaiolo y Andrea Mantegna. El siglo XVI apreció el grabado como un arte elevado, similar a la pintura, pero utilizando el diseño gráfico con su intriga técnica y su peculiar belleza. Entonces, los maestros destacados del siglo XVI. convirtieron el grabado de material aplicado en masa en arte superior con su propio lenguaje, sus propios temas. Tales son los grabados de Alberto Durero, Luke Leiden, Marco Antonio Raimondi, Tiziano, Pieter Bruegel el Viejo, Parmigianino, Altdorfer, Urs Graf, Lucas Cranach el Viejo, Hans Baldung Green y muchos otros maestros destacados.
Aguja seca La aguja seca es una aguja de acero con una punta afilada. Con esta aguja, dibujan sobre metal de la misma manera que con una mina de metal sobre papel. La punta seca no corta el metal, no causa astillas, pero raya la superficie, dejando pequeñas elevaciones, bordes (púas) en los bordes. El efecto de la punta seca se basa precisamente en que, a diferencia del grabado incisal, estas púas no se quitan con llana y dejan marcas negras aterciopeladas en la impresión. la punta seca permite un número muy reducido de impresiones (de doce a quince), ya que las púas que determinan el efecto principal del grabado se borran pronto. Quizás es por eso que algunos viejos maestros (en el siglo XVII) usaron la punta seca solo en combinación con otras técnicas, por ejemplo, el grabado (el efecto suave y tonal de la púa fue especialmente hábil por Rembrandt en sus grabados). Solo en el siglo XIX, cuando la "ostalivanie" del tablero de cobre hizo posible arreglar las púas, los artistas comenzaron a recurrir a la aguja seca en su forma pura (entre los maestros de la aguja seca la llamaremos Ella, G. Vereisky) .
mezzotinto, o "manera negra", es un tipo de grabado incisivo. La técnica del grabado a la "manera negra" no fue inventada por un artista, sino por un aficionado: el alemán Ludwig von Siegen, que vivía en Amsterdam y estaba fuertemente influenciado por los contrastes en blanco y negro de la pintura de Rembrandt. Su primer grabado mezzotinto data de 1643. En la técnica de mezzotinto, la tabla se prepara con una herramienta especial "balancín": una hoja arqueada tachonada con dientes finos y afilados (o una espátula con un fondo redondeado), de modo que toda la superficie de la tabla se vuelva uniformemente rugosa o granulada. Recubierto con pintura, da una impresión negra aterciopelada uniforme y espesa. Luego, con una paleta afilada (raspador), comienzan a trabajar de oscuro a claro, alisando gradualmente la aspereza; en lugares que deben ser completamente livianos, el tablero se pule limpio. Entonces, mediante más o menos pulido, se logran transiciones de un destello de luz brillante a las sombras más profundas (a veces se usaba un cortador, una aguja, un grabado para enfatizar los detalles de los maestros de la "manera negra"). Las buenas impresiones de mezzotinto son raras ya que las tablas se desgastan pronto. Los maestros de Mezzotinto rara vez crearon composiciones originales, estableciéndose principalmente objetivos reproductivos. Mezzotinto alcanzó su mayor florecimiento en Inglaterra en el siglo XVIII (Earlom, Green, Ward y otros), convirtiéndose en una especie de técnica gráfica nacional-inglesa y creando una reproducción magistral de retratos pictóricos de Reynolds, Gainsborough y otros destacados retratistas ingleses.
Aguafuerte La búsqueda de efectos sofisticados de luces y sombras y un patrón más sofisticado llevó a experimentos con acción química sobre la placa - grabado y, en última instancia, contribuyó al nacimiento de una nueva técnica - grabado, que floreció en el siglo XVII. Era la época de los mejores maestros grabadores, diferentes en temperamento, gustos, tareas y actitud hacia la técnica. Rembrandt realizó impresiones por separado, logrando los efectos de luces y sombras más complejos al grabar y sombrear en diferentes papeles. Jacques Callot hizo grabar su vida y grabó todo un universo de retratos, escenas, tipos humanos; Claude Lorrain reprodujo todos sus cuadros en aguafuertes para que no fueran falsificados. Llamó al libro de grabados que había recopilado "El Libro de la Verdad". Peter Paul Rubens incluso instaló un taller especial, donde se hicieron copias de sus pinturas en grabados, Anthony van Dijk grabó toda una serie de retratos de sus contemporáneos con una aguja de grabado. En este momento, se representaron una variedad de géneros en el grabado: retrato, paisaje, pastoral, escena de batalla; la imagen de animales, flores y frutos. En el siglo XVIII, casi todos los grandes maestros probaron el aguafuerte - A. Watteau, F. Boucher, O. Fragonard - en Francia, G. B. Tiepolo, G. D. Tiepolo, A. Canaletto, F. Guardi - en Italia. Aparecen grandes series de láminas de grabado, unidas por temas, tramas, en ocasiones se recogen en libros enteros, como, por ejemplo, láminas satíricas de W. Hogarth y miniaturas de género de D. Chodovetsky, libros de arquitectura de JB Piranesi, o una serie de aguafuertes al aguatinta de F. Goya.
Jacques Callot. Molino de agua. De una serie de 10 paisajes italianos. 1620 Grabado El primer maestro del grabado en realizar totalmente equipado con tecnología
Jacques Callot. Aguafuerte de la serie "Gitanos"
Rembrandt Harmenszoon van Rijn. Rembrandt con el pelo despeinado, grabado. Rembrandt eleva el grabado a una altura inalcanzable, lo convierte en "un poderoso medio de expresión artística
Parmigianino (Francesco Mazzola). Pareja amorosa. Aguafuerte, punta seca. es en sus grabados donde empieza a sonar por primera vez lo inesperado de la invención, la combinación de lo esquemático y lo completo de la imagen, la dinámica del trazo, que son una característica integral del grabado.
Una variedad de grabado es el llamado barniz suave. Aparentemente, fue inventado en el siglo XVII, pero ganó popularidad real en la segunda mitad del siglo XIX. La manteca de cerdo se mezcla con la tierra de grabado habitual, lo que la ablanda y se retrasa fácilmente. El tablero está cubierto con papel en el que se dibuja con un lápiz duro y sin punta. La rugosidad del papel se adhiere al barniz por la presión del lápiz, y cuando se despega el papel arrastra las partículas del barniz suelto. Tras el grabado se obtiene un jugoso toque granulado, que recuerda a un dibujo a lápiz.
El florecimiento de las técnicas de grabado se debe en gran parte a la necesidad de una publicación de libros en rápido desarrollo. Y el amor por el arte, que constantemente requería reproducciones cada vez más precisas de pinturas famosas, contribuyó al desarrollo de la reproducción del grabado. El papel principal que desempeñaba el grabado en la sociedad era comparable al de la fotografía. Fue la necesidad de reproducción lo que condujo a un gran número de descubrimientos técnicos en el grabado en finales del XVIII siglo. Así es como aparecieron las variedades de grabado: línea de puntos (cuando las transiciones de tono se crean al engrosar y adelgazar puntos llenos de varillas puntiagudas especiales, punsons, puntos), aguatinta (es decir, agua coloreada; un dibujo en una tabla de metal está grabado con ácido a través de polvo de asfalto o colofonia aplicado), lavis (cuando el dibujo se aplica con un pincel humedecido con ácido directamente sobre el tablero, y al imprimir, la tinta llena los lugares grabados), a modo de lápiz (reproduce el trazo áspero y granulado de un lápiz). Al parecer, una segunda vez a finales del XVIII - principios del XIX siglo, se descubrió el grabado en tono mezzotinto, inventado en 1643. Un desarrollo aún mayor de la técnica de reproducción fue facilitado por la invención del inglés Thomas Buick en la década de 1780 del grabado final sobre madera. Ahora el artista no dependía de la estructura de las fibras de la madera, como antes, cuando se ocupaba del aserrado longitudinal, ahora trabajaba en el corte transversal de la madera dura y podía crear composiciones más complejas y sofisticadas con un cincel.
Aguatinta Un tipo especial de grabado es el aguatinta. Se considera que su inventor es el artista francés Jean-Baptiste Leprinse (1765). El efecto que logró con su invento es muy similar a los medios tonos de un dibujo a tinta lavada. La técnica del aguatinta es una de las más difíciles. Primero, se graba un boceto de contorno del dibujo en el tablero de la manera habitual. Luego se aplica nuevamente la imprimación de decapado. De aquellos lugares que deberían estar oscuros en la impresión, la tierra se lava con una solución y estos lugares están polvorientos con polvo de asfalto. Cuando se calienta, el polvo se derrite de tal manera que los granos individuales se adhieren al tablero. El ácido corroe los poros entre los granos, lo que da como resultado una superficie rugosa que le da un tono uniforme a la impresión. El re-grabado proporciona sombras más profundas y transiciones de tono (en este caso, por supuesto, las áreas claras se cubren con barniz ácido). Además de la técnica de Leprens descrita aquí, existen otros métodos de aguatinta. en aguatinta, las transiciones de tonos de luz a sombra ocurren no en afluencias suaves, sino en saltos, en capas separadas. La técnica de la aguatinta se usaba a menudo en combinación con el grabado al aguafuerte o incisivo y, a veces, junto con la impresión en color. En el siglo XVIII, la aguatinta se utilizó principalmente con fines reproductivos. Pero también hubo destacados maestros originales que lograron notables resultados en aguatinta. Entre ellos, el primer lugar debe ser otorgado a F.Goya, quien extrajo de la aguatinta, a menudo en combinación con el aguafuerte, contrastes expresivos de tonos oscuros y repentinos golpes de manchas de luz, y al artista francés L.Debucourt, cuyas aguatinta coloreadas atraen con la profundidad y suavidad de los tonos y sutiles matices cromáticos. Después de un debilitamiento del interés por la aguatinta en el siglo XIX, está experimentando un nuevo renacimiento en el siglo XX.
Una mujer suiza escotada del siglo XVI, sosteniendo con confianza una jarra de cerveza, posiblemente un jarrón de flores. Aguatinta, basado en un dibujo de Hans Holbein el Joven de la Biblioteca Pública de Basilea. Basilea. 1790 año
Noble suizo del siglo XVI armado con una espada a dos manos
La combinación del grabado inciso con el aguafuerte dio lugar a dos tipos más de grabado en profundidad en el siglo XVIII. La forma del lápiz recuerda algo al barniz suave. En esta técnica, el grabado se realiza sobre un fondo de grabado, procesado con varias cintas métricas y el llamado matuar (una especie de maja con dientes). Después del grabado, las líneas se profundizan con un cortador y una aguja seca directamente sobre la tabla. El efecto de impresión recuerda mucho a las líneas anchas de un lápiz italiano o sanguina. El estilo del lápiz, destinado exclusivamente a fines reproductivos, estaba especialmente extendido en Francia. Demarto y Bonnet reproducen magistralmente los dibujos de Watteau y Boucher, imprimiendo sus grabados ya sea en sanguina o en dos tonos, y Bonnet, imitando pasteles, a veces usaba más blanco (para conseguir un tono incluso más claro que el papel). La línea punteada, o forma punteada, es una técnica ya conocida en el siglo XVI y tomada de los joyeros: se utilizaba para decorar armas y utensilios metálicos. La línea punteada se une estrechamente al estilo de lápiz, pero al mismo tiempo está estilísticamente cerca del mezzotinto, ya que opera con transiciones y manchas tonales anchas. La técnica de la línea punteada es una combinación de grabado de incisivos con aguafuerte: grupos frecuentes de puntos, como si se fusionaran en un tono, se aplican con varias agujas, ruedas y cintas métricas en el suelo de grabado y luego se graban. Los puntos delicados en la cara y el cuerpo desnudo se aplican directamente a la tabla con una aguja o graver punteada curvada. La técnica punteada fue especialmente apreciada en impresiones en color de una tabla, pintadas con hisopos, repitiendo el corte para cada nueva impresión. Esta técnica fue más extendida en Inglaterra en la segunda mitad del siglo XVIII. Las impresiones punteadas eran casi exclusivamente de naturaleza reproductiva.
Desde un punto de vista práctico, el grabado en metal cumplió dos requisitos importantes a la vez: 1. Dio muestras y motivos para composiciones decorativas. 2. Fue la técnica más adecuada para fines reproductivos: dibujos, pinturas, estatuas, edificios. 3. Además, a diferencia de las xilografías, algunas épocas (siglos XVII-XVIII) cultivaron el grabado en profundidad de muy gran formato, enmarcándolo y utilizándolo para decorar las paredes. 4. Por último, la xilografía suele ser anónima; el grabado en metal es desde el principio la historia de los artistas; incluso cuando no conocemos el nombre de la autora del grabado, siempre tiene los signos de cierta personalidad. El grabado en madera y el grabado en metal son igualmente diferentes en origen. - La xilografía está asociada a un libro, con letras, con una máquina de imprimir. - El grabado en profundidad en su origen no tiene nada que ver ni con la imprenta ni con la escritura en general - se distingue por un carácter decorativo, nació en el taller de un joyero (es curioso que los grabadores de cobre se formaran en el taller de orfebres, donde decoraban los mangos de espadas, platos, copas talladas y perseguidas). En este sentido, el grabado con cincel tiene raíces muy antiguas: incluso los joyeros antiguos pueden llamarse gráficos, ya que se puede obtener una impresión de cada superficie metálica (por ejemplo, de un espejo etrusco). Y en el grabado posterior con cincel, en su brillo y esplendor y al mismo tiempo en precisión, se han conservado restos del arte de la joyería.
litografía La siguiente "revolución" tuvo lugar en 1796, cuando Aloysius Senefelder inventó la litografía: impresión plana de piedra. Esta técnica salvó al artista de la mediación del reproduccionista, ahora él mismo podía aplicar un dibujo en la superficie de la piedra e imprimirlo sin recurrir a los servicios de talladores y grabadores. La litografía, o impresión plana, se imprime en una piedra de un tipo especial de piedra caliza, de color azulado, gris o amarillento (las mejores variedades se encuentran en Baviera y cerca de Novorossiysk). La técnica litográfica se basa en la observación de que la superficie en bruto de una piedra no acepta sustancias grasas y la grasa no permite que el líquido pase, en una palabra, en la reacción mutua de la grasa y el líquido (o ácido). El artista dibuja en la piedra con un lápiz atrevido; después de eso, la superficie de la piedra se graba ligeramente (con una solución de goma arábiga y ácido nítrico). Donde la grasa toca la piedra, el ácido no actúa, donde lo hace el ácido, la tinta grasosa no se pega a la superficie de la piedra. Si, después del grabado, la pintura se enrolla sobre la superficie de la piedra, solo se aceptará en aquellos lugares tocados por el lápiz audaz del dibujante; en otras palabras, en el proceso de impresión, el dibujo del artista se reproducirá completamente.
Del 2º cuarto del siglo XIX. Con la creciente popularidad de la litografía, comenzó la era de los gráficos impresos en masa, y esto se asoció, en primer lugar, con la publicación de libros. Los grabados se utilizaron para ilustrar revistas de moda, revistas satíricas, álbumes de artistas y viajeros, libros de texto y manuales. Todo estaba grabado: atlas botánicos, libros de historia regional, "folletos" con atracciones de la ciudad, paisajes, colecciones de poesía y novelas. Y cuando la actitud hacia el arte cambió en el siglo XIX, los artistas finalmente dejaron de ser considerados artesanos y los gráficos dejaron el papel de sirvientes de la pintura, comenzó un renacimiento del grabado original, que era inherentemente valioso en su características artísticas y técnicas de impresión. Representantes del romanticismo - E. Delacroix, T. Gericault, paisajistas franceses - C. Corot, J. F. Millet y C. F. Daubigny, impresionistas - Auguste Renoir, Edgar Degas y Pizarro desempeñaron su papel aquí. En 1866, se creó una sociedad de acuafortistas en París, cuyos miembros eran E. Manet, E. Degas, J.M. Whistler, J. B. Jongkind. Se dedicaron a la publicación de álbumes de aguafuertes de autor. Así, por primera vez, se creó una asociación de artistas que se ocupó de los problemas actuales del arte del grabado, la búsqueda de nuevas formas, que designó sus ocupaciones como un tipo especial de actividad artística. En 1871, se fundó una sociedad de este tipo en San Petersburgo con la participación de N. Ge, I. Kramskoy y. Shishkin.
Además, el desarrollo del grabado ya estaba en consonancia con la búsqueda de su idioma original. Hacia el siglo XX, la historia de las técnicas del grabado y este arte en sí parecía haber cerrado un ciclo: de la simplicidad, el grabado pasó a la complejidad, y una vez alcanzada, se volvió a buscar la agudeza expresiva de un trazo lacónico y la generalización a una señal. Y, si durante cuatro siglos trató de evitar exponer su material, ahora volvió a interesarse por sus capacidades. Un fenómeno significativo en la historia de los gráficos impresos a fines del siglo XIX y principios del XX fue el florecimiento de la escuela de grabado rusa y soviética, representada por una gran cantidad de artistas talentosos y varios fenómenos importantes. vida artística Escala europea, como la asociación de San Petersburgo "World of Art", las tendencias de vanguardia de los primeros años del siglo XX, la búsqueda de formas para los gráficos del círculo Favorsky y el arte no oficial de los años sesenta y ochenta. .
El fotograbado o heliografía representa el método de preparación más avanzado técnica y artísticamente utilizando fotografías de tableros en profundidad, similar al grabado en cobre. Los tablones se obtienen mediante grabado directo de metal o acumulación de cobre en una imagen positiva. Heliografía. Niepce. 1824 g.
