A continuación se presentarán artistas que son famosos en todo el mundo gracias a su habilidad para dibujar con un lápiz de pizarra común. Cada uno tiene su propio estilo, personalidad, así como temas favoritos para la creatividad. Además, el nombre de cada autor también es un enlace a la galería personal en línea del artista, donde se pueden estudiar los dibujos a lápiz y la biografía de cada uno de ellos con más detalle y detalle.
Al mirar las imágenes, notará algunas características interesantes en las fotos de todos. Algunos se distinguen por líneas suaves, transiciones suaves de luz y sombra y formas aerodinámicas. Otros, por el contrario, utilizan líneas duras y trazos claros en su arte que crean un efecto dramático.
Anteriormente, en nuestro sitio, ya publicamos imágenes de algunos de los maestros. Aquí hay una lista de artículos donde puede ver algunos dibujos a lápiz igualmente atractivos.
- Álbum de increíbles ilustraciones de Matthias Adolfsson;
Jd hillberry
Las habilidades naturales y un fuerte deseo de llamar la atención sobre su trabajo aparecieron en JD Hillberry cuando era niño. El esfuerzo y el talento hicieron del maestro uno de mejores artistas dibujo a lápiz en el mundo. Mientras aún estudiaba en Wyoming, comenzó a desarrollar su propia técnica, mezclando carbón y grafito para lograr un efecto fotorrealista en sus dibujos. JD utiliza luz monocromática para llamar la atención del espectador sobre el juego de luces, sombras y texturas. A lo largo de su carrera, ha intentado ir más allá del realismo y la expresión. Después de mudarse a Colorado en 1989, Hillberry comenzó a experimentar con dibujos con trucos. Tradicionalmente, este tipo de trabajo se realiza al óleo, pero logró transmitir el realismo de la trama con la ayuda de un lápiz. El espectador, al mirar esas imágenes, se engaña pensando que el objeto está en un marco o en una ventana, aunque en realidad todos estos elementos están dibujados. Trabajando desde su estudio en Westminster, Colorado, J.D. Hillberry continúa ampliando la percepción pública con sus dibujos.
Brian Duey
Brian es uno de los artistas de dibujo a lápiz más asombrosos que interactúa maravillosamente con el lápiz para crear obras de arte inspiradoras. Esto es lo que él mismo dice sobre su trabajo y sobre sí mismo:
"Mi nombre es Brian Duey. Nací y crecí en Grand Rapids, Michigan. Asistí a una escuela pública en un pequeño pueblo llamado Granville, donde me familiaricé con el arte por primera vez. Nunca pensé en la seriedad de mi pasión, pero encontré un fuerte deseo de dibujar a lápiz a los 20. Estaba sentado solo en mi casa, y por aburrimiento decidí tomar un lápiz y empezar a dibujar. Inmediatamente me enamoré del dibujo y quería hacerlo todo el tiempo. Con cada dibujando cada vez mejoré. Mi propia técnica y trucos originales mientras trabajo. Me esfuerzo por crear dibujos realistas y agregar mis propias ideas conceptuales. A menudo me preguntan qué me inspira y dónde aprendí a dibujar. Puedo declarar abiertamente que soy autodidacta.
Mis ilustraciones se han publicado en libros y tarjetas de felicitación, en portadas de CD y en varias revistas. Llevo realizando trabajos comerciales desde 2005 y durante ese tiempo he adquirido clientes en todo el mundo. La mayoría de mis pedidos provienen de Estados Unidos, Gran Bretaña y Canadá, pero también trabajo con clientes en Irlanda. Mis pinturas se han expuesto en galerías de Estados Unidos. En 2007, me pidieron que pintara un retrato de Britney Spears, que se incluyó en una galería de arte en Hollywood, California. El evento fue cubierto por MTV y gané fama mundial. No me voy a conformar con lo que ya se ha logrado y seguiré trabajando. Tengo nuevas ideas y planes. Uno de mis objetivos para el futuro es publicar un libro de dibujo educativo.
T. S. Abe
Aunque no encontramos muchas de las obras de Abe, se desprende de sus ilustraciones que se trata de un maestro de clase alta. La artista tiene excelentes habilidades con el lápiz y es experta en representar ideas complejas utilizando sus propias técnicas. Las pinturas de Abe son armoniosas y equilibradas, complejas y, al mismo tiempo, fáciles de percibir. Ella es una de las dibujantes a lápiz más talentosas de nuestro tiempo.
Cesar del Valle
El artista utiliza una técnica única especial de dibujo a lápiz en sus obras. Las ilustraciones de Caesar no solo muestran su talento, sino que también reflejan la sutil percepción del autor del entorno.
Henrik
El trabajo de Henrik aparece en la Deviant Art Gallery. Sus dibujos son un interesante ejemplo de arte a lápiz. El maestro usa milagrosamente tonos blanco y negro para transmitir imágenes originales e ideas inusuales.
La colección de gráficos rusos de finales del siglo XIX y XX en el Museo-Reserva de Sergiev Posad es de pequeño volumen, menos sistemática y completa que su colección pictórica de este período. Pero tiene su propio significado artístico en el complejo del museo en general.
La especificidad de la colección gráfica del museo (así como pictórica) es el predominio de obras de artistas locales y un cierto enfoque temático asociado a la iconografía de la Trinidad-Sergio Lavra y la ciudad. Una parte especial se compone de hojas individuales (rara vez, ciclos de obras) de famosos maestros de las bellas artes rusas: I.I. Shishkina, B.M. Kustodieva, K.S. Petrova-Vodkina, V.A. Favorsky, T.A. Mavrina y otros (unas 80 obras).
Los primeros pasos hacia la formación de la colección se dieron al comienzo de la actividad del museo, en 1920-1921: se compraron más de 30 obras gráficas de artistas locales de la "Exposición de motivos arquitectónicos de TSL".
La parte más valiosa de la colección es la donación y compra de obra gráfica a particulares. De esta forma, las obras de I.I. Shishkina, B.M. Kustodiev, V.A. Favorsky, L.S. Bakst. Los "nombres" (I. Repin, V. Makovsky, I. Shishkin, K. Korovin y otros) son "nombrados", pero están representados por obras individuales. La "personalia" del arte gráfico ruso en la colección del museo es esencialmente la misma: T.A. Mavrina (la colección SPMZ permite mostrar su trabajo en desarrollo, desde la década de los 40 hasta la de los 70, con el ejemplo de las mejores obras). Sin embargo, para una colección de arte "provincial" de finales del siglo XIX y XX, las obras individuales de artistas clásicos son extremadamente valiosas.
Muestras más tempranas gráficos impresos en el conjunto de obras que estamos considerando se refieren a los años 80 del siglo XIX. Están asociados con una "personalidad", una significativa y significativa en la historia del grabado ruso de este período: I.I. Shishkin (1832 1898).
Recordemos que la década de 1870 fue un período de transición y "paso" para los gráficos impresos rusos, la época del dominio del grabado tonal. Pero incluso en este período no más creativo hubo auténticos virtuosos del grabado en madera (V.V. Mate) y el grabado (I.I.Shishkin). En nuestra colección hay cuatro aguafuertes del artista, creados por él en la década de 1880 (un período especialmente fructífero en la obra de Shishkin). Estas son las hojas "Gurzuf" (1885), "Selva Negra" (1885), "Abril" (1885), "Pantano en el ferrocarril de Varsovia" (1886), brillantes en la habilidad de ejecución y la sutileza de transmitir el estado de la naturaleza. . La colección del museo también contiene dibujos de famosos pintores rusos como el artista itinerante Vladimir Egorovich Makovsky (1846-1920) y Valentin Alexandrovich Serov (1865-1911). Retratos de V.E. Makovsky, ejecutado en el dibujo, es tan impecable en composición e integridad como sus pinturas al óleo. Como maestro de retratos, V.E. Makovsky tenía el talento para transmitir correctamente no solo el parecido exterior de la persona que se retrata, sino también las características de sus movimientos mentales, destacando los rasgos principales del personaje que determinan las acciones de una persona, sus pensamientos y sentimientos. Valentin Serov, como cualquier artista real, trabajó notablemente no solo en pintura al óleo, sino que también dominó magistralmente la técnica del dibujo. Numerosas de sus obras a lápiz y carboncillo poseen la misma vivacidad y precisión para transmitir el carácter de las personas representadas, la misma perfección de ejecución que sus pinturas al óleo.
La colección del museo contiene varias obras de famosos artistas rusos de finales del siglo XIX y principios del XX. Este es, en primer lugar, un dibujo de Mikhail Vrubel (1856-1910), el mayor representante del simbolismo y el Art Nouveau en las bellas artes rusas. Junto con las hojas de L.S. Bakst y M.A. El apogeo de Vrubel de los gráficos rusos a finales de los siglos XIX y XX y la década de 1910 está representado por el trabajo de K.A. Korovin (1861-1939): un boceto de 1917 para la ópera de N.A. Rimsky Korsakov "Sadko". Este boceto es el único ejemplo "sobreviviente" de gráficos teatrales y decorativos. Estilísticamente, nuestra hoja se acerca a una serie de obras teatrales de K. Korovin a finales de los años 1900 y 1910. Los bocetos de K. Korovin para "Sadko" en 1906, 1914 se distinguen por una construcción compositiva más compleja, incluyen no solo la imagen del "Coro", sino también una terraza abierta, a través de cuyos tramos el paisaje - "mar azul " es visible. Nuestra hoja tiene un sonido de cámara: representa el interior de una cámara con bóveda alta, ventanas pequeñas, estufa de azulejos y bancos.
La colección de gráficos del museo también tiene un pequeño dibujo de Ilya Efimovich Repin "Retrato del escritor Leontyev-Shcheglov". ILLINOIS. Leontiev-Shcheglov (1856-1911) - talentoso escritor y dramaturgo ruso
Hojas gráficas de B.M. Kustodiev en la colección del Museo-Reserva Sergiev Posad: estos son tres grabados en linóleo de 1926 (firmados, fechados por el autor), recibidos en 1928 de una colección privada. La gráfica ocupó un lugar importante en la obra del artista, aunque fue, en su mayor parte, pintor. En la década de 1920, Kustodiev hizo muchas ilustraciones de libros, carteles y grabados de caballete (xilografía, litografía, linograbado). En 1926 B.M. Kustodiev creó varias composiciones con "Bañistas" en las técnicas de grabado en linóleo, grabado en madera y acuarelas. En las entradas del diario de 1926 del primer biógrafo V.V. Kustodiev. Voinov (artista gráfico, historiador de arte, crítico de arte), el tema del trabajo de Boris Mikhailovich en el linograbado "Bañista" y "Bañista" se escucha constantemente. Modelo constante en últimos años vida de B.M. Kustodiev "para retratos, personajes en pinturas, portadas, grabados, ilustraciones" sirvió a su hija Irina. También posó para su padre para el grabado "El bañista".
Encima de la serie "Bañistas" de B.M. Kustodiev trabajó, en el sentido literal de la palabra, hasta los últimos días de su vida: el último grabado de este ciclo lo realizó el 4 de mayo de 1927 (y el 26 de mayo falleció el artista).
Obra de una de las figuras destacadas del arte ruso del siglo XX, el clásico del grabado en madera V.A. Favorsky (1886-1964) está representado en la colección del museo por dieciséis hojas gráficas de diferentes épocas: se trata de obras de caballete, y ilustraciones de libros y muestras de sus "gráficos de fuentes".
La selección de láminas es en gran parte aleatoria, no todas son obras de primera clase o icónicas del maestro. En 1919 1939. Los miembros de esta familia (incluido Vladimir Andreevich Favorsky) vivían en Sergiev Zagorsk, estaban arraigados en su vida espiritual y cultural, crearon muchas de sus obras aquí, y V.A. Favorsky fue uno de los organizadores de nuestro museo.
Entre ellos, una de las obras más famosas y significativas de este período de la obra del maestro, el grabado de caballete "Octubre de 1917" 1928 Este grabado en madera fue creado por la primera orden estatal del Consejo de Comisarios del Pueblo para el décimo aniversario de la Revolución de Octubre. Entonces Favorsky concibió la serie "Años de la Revolución", donde "los dibujos dispuestos en orden cronológico fueron para recrear la historia completa del estado soviético durante los primeros 10 años año tras año". La xilografía "Octubre de 1917" es una narración detallada y, al mismo tiempo, una composición simbólica y metafórica con muchos actores y varios episodios, fusionados de forma bastante orgánica.
El último período de V.A. Favorsky en nuestra colección son grabados de sus mejores y más famosos ciclos de la década de 1950, por los que el artista fue galardonado con el Premio Lenin en 1962: ilustraciones de 1950 para "El regimiento de laicos de Igor" y para "Boris Godunov" 1955., Donado al museo en 1965.
Demuestran a la perfección el "estilo tardío" de las xilografías de Favorsky, donde se presta más atención a la apariencia de los personajes, el escenario, el vestuario, donde los medios pictóricos cambian naturalmente: el ascetismo de las soluciones gráficas con contornos y sombreado abierto es reemplazado por cierto "pintoresquismo". La solemnidad épica y el carácter épico del Lay suenan con mucho cuerpo en la composición de múltiples figuras (Antes de la batalla), en la que Favorsky incluye imágenes de soldados rusos bajo un estandarte de batalla y Guslyar. De la variedad de ciclos gráficos V.A. Favorsky de los 50 al drama de A.S. Pushkin ("Boris Godunov", "Pequeñas tragedias") en la colección del museo solo hay una ilustración para la tragedia "Boris Godunov" - "Pimen y Grigory" 1955.
La colección de obras de la destacada artista gráfica y pintora rusa Tatyana Alekseevna Mavrina en el Museo-Reserva Sergiev Posad en términos de su volumen, nivel de obras, su diversidad de género se puede comparar solo con las colecciones de museos más grandes del país, que tienen colecciones de gráficos del siglo XX. (Museo Pushkin, Galería Estatal Tretyakov, Museo Estatal Ruso). Se trata de sesenta y dos hojas que nos llegaron en 1977 1978 después de que se realizara en el museo la exposición personal del autor. Cuarenta y cinco trabajos fueron presentados por T.A. Mavrina como regalo.
Cronológicamente, la colección de obras de Mavrin abarca un gran período de la obra del artista (las últimas fechas son 1944 y 1976; además, un número aproximadamente igual de hojas se refiere a los períodos de los años 40, 50, 60 y 70). Representa una variedad suficiente de técnicas gráficas en las que Mavrina trabajó fructíferamente: acuarelas, gouaches, láminas realizadas en técnica mixta (temple, gouache o tempera, gouache, acuarela), dibujos a lápiz, dibujos a tinta.
"Ciclo de Zagorsk" T.A. Mavrina, expresando vívidamente su actitud, prioridades en el arte, su estilo único, a menudo y con razón llamado "Mavrinsky", comenzó a tomar forma en la década de 1940. La "serie argumental" de las obras de Mavrin de los años 50 - el conjunto "fabulosamente visto" de Lavra, el monasterio Pyatnitsky, el casco antiguo y la vida de sus habitantes - cotidiana y festiva, encarnada en su clave especial, metafórica y poética asociado con la imaginería del arte popular y el folclore. Las hojas de las décadas de 1960 y 1970 son igualmente expresivas y libres, atrevidas en el dibujo, la composición y el color. En su composición temática aún prevalecen los paisajes de género, en cuyo nombre se enfatiza el aspecto eficiente y cotidiano. El ejemplo clásico del "retrato de Mavrinsky" en nuestra colección es "Demidova" 1973. "Demidova" es un ejemplo maravilloso de la combinación orgánica de dos géneros - "retrato en un paisaje": una imagen grande, frontal, de medio cuerpo una "anciana rusa" con un chal blanco sobre un paisaje de pueblo de verano, donde, según la antigua tradición de pinturas populares y grabados populares, se dan inscripciones en las propias imágenes.
) en sus expresivos trabajos de barrido, supo conservar la transparencia de la niebla, la ligereza de la vela, el suave balanceo del barco sobre las olas.
Sus cuadros son llamativos por su profundidad, volumen, saturación y la textura es tal que es imposible apartar la vista de ellos.
Cálida sencillez Valentina Gubarev
Artista primitivo de Minsk Valentin Gubarev no persigue la fama y solo hace lo que ama. Su trabajo es increíblemente popular en el extranjero, pero casi desconocido para sus compatriotas. A mediados de los 90, el francés se enamoró de sus bocetos cotidianos y firmó un contrato con el artista por 16 años. Las pinturas, que, al parecer, deberían ser comprensibles solo para nosotros, los portadores del "modesto encanto del socialismo subdesarrollado", gustaron al público europeo, y comenzaron las exposiciones en Suiza, Alemania, Gran Bretaña y otros países.
Realismo sensual de Sergei Marshennikov
Sergey Marshennikov tiene 41 años. Vive en San Petersburgo y crea en las mejores tradiciones de la escuela clásica rusa de retratos realistas. Las heroínas de sus lienzos son mujeres mansas e indefensas en su semidesnudez. En muchos de los Pinturas famosas representa a la musa y esposa del artista, Natalya.
El mundo miope de Philip Barlow
En la era moderna de las imágenes de alta resolución y el apogeo del hiperrealismo, el trabajo de Philip Barlow atrae inmediatamente la atención. Sin embargo, se requiere un cierto esfuerzo por parte del espectador para obligarse a mirar las siluetas borrosas y los puntos brillantes en los lienzos del autor. Probablemente, así es como las personas con miopía ven el mundo sin gafas y lentes de contacto.
Los conejitos de sol de Laurent Parsellier
La pintura de Laurent Parcelier es un mundo maravilloso en el que no hay ni tristeza ni abatimiento. No encontrarás imágenes lúgubres y lluviosas con él. Hay mucha luz, aire y colores brillantes, que el artista aplica con trazos característicos y reconocibles. Esto crea la sensación de que las pinturas están tejidas con mil rayos de sol.
Dinámica de la ciudad en la obra de Jeremy Mann
El artista estadounidense Jeremy Mann pinta retratos dinámicos de una metrópolis moderna en óleo sobre paneles de madera. "Formas abstractas, líneas, contraste de puntos claros y oscuros: todo crea una imagen que evoca la sensación que una persona experimenta en la multitud y el bullicio de la ciudad, pero también puede expresar la tranquilidad que uno encuentra al contemplar la belleza tranquila", dice el artista.
El mundo ilusorio de Neil Simon
En las pinturas del artista británico Neil Simone, no todo es lo que parece a primera vista. “Para mí, el mundo que me rodea es una serie de formas, sombras y límites frágiles y en constante cambio”, dice Simon. Y en sus pinturas, todo es realmente ilusorio e interconectado. Las fronteras se borran y las parcelas fluyen entre sí.
Drama de amor de Joseph Lorasso
Italiano de nacimiento, el artista estadounidense contemporáneo Joseph Lorusso trae al lienzo las escenas que había visto en La vida cotidiana la gente común. Abrazos y besos, impulsos apasionados, momentos de ternura y deseos llenan sus emotivas imágenes.
La vida del pueblo de Dmitry Lyovin
Dmitry Levin es un reconocido maestro del paisaje ruso, que se ha establecido como un talentoso representante de la escuela realista rusa. La fuente mas importante su arte es su apego a la naturaleza, que ama con cariño y pasión y de la que se siente parte.
El este brillante de Valery Blokhin
Los gráficos son los más especies antiguas Artes visuales. Las primeras obras gráficas se consideran pinturas rupestres de un hombre primitivo, que reflejan su visión del mundo que lo rodea. Los libros de papiros de los antiguos egipcios contenían símbolos gráficos (jeroglíficos) e ilustraciones. Desde la antigüedad, nos han llegado maravillosos ejemplos de gráficos en forma de pinturas en jarrones y vasijas de cerámica.
Durante mucho tiempo, solo la escritura y la caligrafía se consideraron gráficos. En la Edad Media, la gráfica de libros se generalizó: los libros escritos a mano se decoraron con magníficos dibujos y miniaturas, y la creación de fuentes se convirtió en un área de arte hotelera.
Artistas gráficos destacados y sus obras notables
El mayor maestro del Renacimiento de Europa Occidental, Alberto Durero, es uno de los fundadores del grabado. Sus obras de cobre más famosas son El caballero, la muerte y el diablo (1513), St. Jerónimo en su celda "y" Melancolía "(1514).
El gran artista y científico italiano del Renacimiento, Leonardo da Vinci, fue un dibujante inimitable. Su vasto patrimonio gráfico incluye: dibujos preparatorios para pinturas, imágenes de animales y plantas, ilustraciones para desarrollos técnicos, dibujos para tratados.
Técnica y tipos de gráficos.
El dibujo es la base de todo tipo de artes gráficas. Por lo general, un gráfico se dibuja en una hoja de papel que desempeña el papel de espacio. Para crear sus obras, el artista puede utilizar todo un arsenal de herramientas: lápiz, bolígrafo, carboncillo, tinta, tinta, sanguina (lápices de color marrón rojizo hechos de caolín y óxidos de hierro), tiza de colores, salsa (una de las variedades de pasteles), acuarela, gouache.
El principal instrumento del dibujo europeo durante el gótico tardío y el Renacimiento fue la pluma. A finales del siglo XVII, comenzaron a utilizar lápices de grafito para crear dibujos, dibujos, bocetos. En los gráficos, el lienzo prácticamente no se usa, ya que las acuarelas y el gouache no le quedan bien. El color en las imágenes gráficas se usa mucho menos que en las pinturas. Los principales medios gráficos de los gráficos son la línea, el punto, el claroscuro, el trazo y el punto.
Los gráficos tienen la misma variedad de géneros que la pintura. Pero aquí el género de retrato y paisaje es más común, en menor medida: naturaleza muerta, histórico, cotidiano y otros. Los gráficos se dividen tradicionalmente en monumentales (cartel, gráficos de pared), caballete (dibujo y grabado), libro (ilustraciones, postales), así como gráficos por computadora, que, sin embargo, se hace a un lado, ya que no utiliza materiales tradicionales.
El arte gráfico se distingue por una amplia variedad de técnicas que el artista utiliza en forma pura o en diversas combinaciones. Hay dos tipos de gráficos por técnica: dibujo y gráficos impresos (grabado). El dibujo se crea solo en una única copia. En la antigüedad, los artistas usaban papiro, pergamino y, a partir del siglo XIV, comenzaron a dibujar sobre papel.
Por el contrario, los gráficos impresos existen en muchas copias. Para la replicación, se usa un grabado: un dibujo en un material sólido, que se cubre con pintura y luego se imprime en una hoja de papel. Dependiendo del material, se distinguen diferentes tipos y técnicas de grabado: xilografía (xilografía), linograbado (dibujo tallado en linóleo), aguafuerte (grabado en metal), litografía (grabado en piedra). Con la llegada del grabado, apareció el libro impreso y comenzaron a desarrollarse los gráficos del libro. Hoy en día, el desarrollo de los gráficos no se detiene, están surgiendo nuevos géneros y técnicas, pero, como en la antigüedad, los gráficos siguen siendo un componente importante de las artes visuales en nuestra vida.
Llevamos mucho tiempo planeando hacer una calificación de las obras más caras en papel de artistas de la órbita del arte ruso. El mejor motivo para nosotros resultó ser un nuevo récord en los gráficos rusos: 2.098 millones de libras por un dibujo de Kazimir Malevich el 2 de junio.
Al publicar nuestras calificaciones, nos gusta mucho quedarnos con todo tipo de reservas para advertir de posibles preguntas. Entonces, el primer principio: solo gráficos originales. Segundo: utilizamos los resultados de las subastas abiertas para obras de artistas incluidos en la órbita del arte ruso, de acuerdo con la base de datos del sitio (quizás las ventas de las galerías fueron a precios más altos). Tercero: por supuesto, sería tentador colocar $ 3.7 millones en primer lugar para Husatonic de Arshil Gorka. Como saben, él mismo se esforzó de todas las formas posibles por ser considerado un artista ruso, sin rehuir los engaños, tomó un seudónimo en honor a Maxim Gorky, etc.; en 2009, el Museo Ruso y la Galería Tretyakov mostraron las obras de Gorki en la exposición "Artistas estadounidenses del Imperio Ruso", la incluimos en la base de datos de IA de resultados de subastas, pero a partir de ella, la calificación de los gráficos rusos es injusto por motivos formales. Cuarto: una hoja, un resultado. Para esta calificación, seleccionamos solo trabajos que constan de una hoja; un enfoque formal nos obligaría a tener en cuenta tres elementos más, cada uno de los cuales se vendió como un solo lote: 122 dibujos originales a tinta para el "Libro de la Marquesa" de Konstantin Somov, dos carpetas con 58 dibujos y gouaches para "El Brothers Karamazov "de FM Dostoevsky de Boris Grigoriev y parte de la colección de Yakov Peremena. Quinto: un autor, una obra. Si tomáramos formalmente los 10 primeros por precio (excluyendo los resultados de Gorka y los lotes prefabricados), entonces habría cinco hojas de Kandinsky, tres de Chagall y una de Malevich y Serebryakova de cada una. Aburrido. Sexto: analizamos el período desde 2001 hasta la actualidad. Séptimo: la calificación de precios se compiló en dólares, los resultados en otras monedas se convirtieron a dólares al tipo de cambio del día de negociación. Octavo: todos los resultados se dan teniendo en cuenta la comisión del vendedor.
El dibujo de Kazimir Malevich "Cabeza de campesino", que es un boceto preparatorio para la pintura perdida "Funeral campesino" en 1911, se esperaba que se convirtiera en el lote principal de la subasta rusa de Sotheby's el 2 de junio de 2014 en Londres. Las obras de Malevich aparecen en el mercado del arte con muy poca frecuencia, "The Peasant's Head" es la primera obra que se subasta desde la venta de "Suprematist Composition" por $ 60 millones en Sotheby's en 2008, y una de las últimas cosas significativas del artista. en colecciones privadas. Este boceto fue una de las 70 obras expuestas por el artista en Berlín en 1927, y luego abandonadas en Alemania para salvarlas de la prohibición y el olvido artificial que inevitablemente les aguardaría en Rusia. La obra llegó a la subasta en Sotheby's de una poderosa colección privada alemana de la vanguardia rusa. Casi todos los lotes de esta colección se habían ido con un exceso de la estimación, pero el dibujo de Malevich simplemente estaba fuera de competencia. Para él, dieron tres veces más estimación: 2.098 millones de libras. Esta es, con mucho, la obra gráfica más cara de un artista ruso.
La lista de las obras gráficas más caras de Wassily Kandinsky incluye hasta 18 dibujos originales por valor de más de un millón de dólares. Sus acuarelas en su mensaje abstracto no son de ninguna manera inferiores a las pinturas. Recordemos que es precisamente a partir de la obra gráfica de Kandinsky - "La Primera Acuarela Abstracta" de 1910 - que se acostumbra contar la historia del arte abstracto moderno. Como dice la leyenda, una vez Kandinsky, sentado en la penumbra de su taller en Munich y mirando su obra figurativa, no pudo distinguir nada en él excepto manchas de color y formas. Y luego se dio cuenta de que tenía que abandonar la objetividad y tratar de capturar a través del color del "movimiento del alma". El resultado fue una obra desprovista de conexión con el mundo exterior: "La primera acuarela abstracta" (París, Centro Georges Pompidou).
Los lienzos de Kandinsky son raros en el mercado y son muy caros, pero los gráficos encajarán perfectamente en cualquier colección y se verán dignos en ella. Los gráficos de producción se pueden pagar por varios miles de dólares. Pero para el dibujo original, que, por ejemplo, es un boceto de una pintura famosa, tendrá que pagar varias veces más. La acuarela más cara Sin título (1922) se vendió durante el auge del arte de 2008 por 2,9 millones de dólares.
Marc Chagall fue un artista inusualmente productivo para su época. Hoy en día, Damien Hirst y Jeff Koons cuentan con la asistencia de un ejército de asistentes, y Mark Zakharovich ha creado, sin ayuda de nadie, miles de obras gráficas originales durante 97 años de su vida, sin mencionar las obras de circulación. Nuestra base de datos de los resultados de las subastas de Chagall incluye más de 2000 obras originales en papel. El precio de este artista aumenta constantemente y las perspectivas de inversión para comprar sus obras son obvias; lo principal es que el Comité Chagall confirma la autenticidad de la obra. De lo contrario, la obra casi puede quemarse (esto es precisamente lo que el Comité Chagall amenaza al propietario, que recientemente envió una pintura para su examen a París, que resultó ser una falsificación). Por lo tanto, la elección solo debe hacerse a favor de gráficos incondicionalmente auténticos. Su precio puede llegar a 2,16 millones de dólares - esto es lo que se pagó en mayo de 2013 por el dibujo "Jinetes" (papel sobre cartón, gouache, pastel, lápices de colores).
El pastel Lying Nude no solo es la obra gráfica más cara de Zinaida Serebryakova, sino también su obra más cara en general. El tema del cuerpo femenino desnudo fue uno de los principales temas de la obra de la artista. Los desnudos de Serebryakova evolucionaron desde imágenes de bañistas y bellezas rusas en una casa de baños en el período de la creatividad rusa hasta yacer desnudos, más en el espíritu del arte europeo en el período de París. Al mirar a la hermosa, sensual e idealizada desnuda Serebryakova, es difícil imaginar cuán trágico fue el destino de la artista: su esposo murió de tifus, dejándola con cuatro hijos en brazos; Tuve que vivir al día y, al final, emigrar a París (como luego resultó, para siempre), dejando a los niños en Rusia (entonces solo dos pudieron ser transportados a Francia, los otros dos tuvieron que ser separados por más de 30 años).
Zinaida Serebryakova cultivó la belleza clásica, eterna y perfecta en sus obras. El pastel de alguna manera transmite aún mejor su ligereza y ligereza. imagenes de mujeres, en el que casi siempre hay algo de la propia artista y de sus hijos (la hija Katya era una de sus modelos favoritas).
El pastel Reclining Nude bastante grande se compró durante el auge del arte en junio de 2008 por £ 1.07 millones ($ 2.11 millones). Ningún otro trabajo desde entonces ha logrado batir este récord. Curiosamente, en las 10 principales subastas de ventas de Zinaida Serebryakova solo desnudo, y tres obras son solo pasteles.
En la subasta londinense de Sotheby's el 27 de noviembre de 2012, dedicada a la pintura y los gráficos de artistas rusos, el lote superior no fue en absoluto una pintura, sino un dibujo a lápiz sobre papel: "Retrato de Vsevolod Meyerhold" de Yuri Annenkov. Ocho participantes defendieron el trabajo en la sala y en los teléfonos. Como resultado, el dibujo, estimado en 30-50 mil libras, le costó al nuevo propietario varias decenas de veces más caro que el estimado. El resultado de 1,05 millones de libras (1,68 millones de dólares) de la noche a la mañana convirtió al "Retrato de Vsevolod Meyerhold" en el gráfico más caro del autor y ocupó el tercer lugar en la lista de los precios de subasta más altos para las obras de Annenkov en general.
¿Por qué fue tan fuerte el interés por el retrato? Annenkov es un brillante retratista que dejó imágenes de las mejores figuras de la época: poetas, escritores, directores. Además, era muy talentoso en la gráfica: en su manera combinó las técnicas del dibujo clásico con elementos vanguardistas del cubismo, futurismo, expresionismo. Logró como artista de teatro y cine, como ilustrador de libros... La atención del público sin duda fue atraída por la personalidad del modelo en el retrato: el famoso director Vsevolod Meyerhold. Bueno, para colmo, este dibujo proviene de la colección del compositor Boris Temkin, natural de Kremenchug, quien emigró a los Estados Unidos y se convirtió en un famoso compositor estadounidense, cuatro veces ganador del Oscar por obras musicales al cine.
Uno de los principales artistas de la asociación World of Art, Lev (Leon) Bakst, por supuesto, debería haber estado en nuestra lista de los artistas gráficos de mayor éxito comercial. Sus exquisitas obras teatrales - bocetos de vestuario para los mejores bailarines de la época, escenografía para representaciones - nos dan hoy una idea del espléndido espectáculo de las estaciones rusas de Diaghilev.
La obra gráfica más cara de Bakst, The Yellow Sultana, se creó el año en que el ballet de Diaghilev estuvo de gira por primera vez en los Estados Unidos. En ese momento, Bakst ya estaba ancho Artista famoso, el estilo reconocible de su obra teatral se ha convertido en una marca, su influencia es palpable en la moda, el diseño de interiores y joyas... El desnudo sensual "The Yellow Sultana", que surgió de sus bocetos teatrales, provocó una feroz batalla entre los dos teléfonos en la subasta de Christie's el 28 de mayo de 2012. Como resultado, la cifra alcanzó las 937,250 libras ( 1 467 810 dólares) tomando en cuenta la comisión, a pesar de que la estimación fue de 350-450 mil libras.
El mundo de los nidos nobles, los parques señoriales brumosos y las elegantes señoritas que pasean por los callejones, que están desapareciendo en el olvido, aparece en las obras de Viktor Elpidiforovich Borisov-Musatov. Algunos llaman a su estilo "una elegía en la pintura", se caracteriza por la ensoñación, la tranquila melancolía, la tristeza de una época pasada. Para Borisov-Musatov fincas nobles eran el mundo del presente, pero hay algo de otro mundo en sus representaciones de este mundo, estos parques, terrazas y estanques parecían haber sido soñados por el artista. Parecía tener el presentimiento de que pronto este mundo no sería y él mismo no sería (una grave enfermedad se llevó al artista a los 35 años).
Victor Borisov-Musatov prefirió los pasteles y las acuarelas a la pintura al óleo, le dieron la ligereza necesaria del trazo y la neblina. La aparición en la subasta rusa de Sotheby's en 2006 de sus pasteles "El último día" fue un evento, ya que las principales obras de Borisov-Musatov se encuentran en museos, y solo una docena de obras han llegado a la subasta abierta para todos los tiempo. Pastel "The Last Day" proviene de la colección de V. Napravnik, hijo del director y compositor ruso Eduard Napravnik. Este pastel fue representado en el "Retrato de Maria Georgievna Napravnik" de Zinaida Serebryakova, ahora conservado en el Museo de Arte Chuvash. En la monografía "Borisov-Musatov" (1916) NN Wrangel menciona "El último día" en la lista de obras del artista. Entonces, sin duda, lo genuino alcanzó un precio récord para un artista de 702.400 libras, o 1.314.760 dólares.
Alexander Deineka fue un calendario brillante, en las primeras etapas de su camino creativo los gráficos lo atrajeron incluso más que la pintura, en primer lugar, por su potencial propagandístico. El artista trabajó mucho como ilustrador de libros y revistas, creó carteles. Más tarde, este "trabajo de revista-cartel" lo cansó, comenzó a trabajar cada vez más en la pintura, en el arte monumental, pero las habilidades adquiridas de un dibujante resultaron ser muy útiles, por ejemplo, al crear bocetos preparatorios para pinturas. "Niña atando una cinta en la cabeza" - un boceto para la pintura "Bañista" (1951, colección de la Galería Estatal Tretyakov). Esta es la obra más cara de Deineka que hoy pertenece al período tardío de la creatividad, cuando el estilo del artista desde las búsquedas vanguardistas de las décadas de 1920 y 1930 ya había evolucionado fuertemente hacia el realismo socialista. Pero Deineka fue sincero en el realismo socialista. El poder y la belleza de un cuerpo humano sano es uno de los temas favoritos de Deineka. "La chica que ata la cinta" nos refiere a su desnudo, similar a las diosas griegas, las Venus soviéticas que encuentran la felicidad en el trabajo y los deportes. Este es un dibujo del libro de texto Deineka y, por lo tanto, no es sorprendente que se vendiera por un récord de 27.500.000 rublos (1.012.450 dólares) en la subasta de Sovcom.
Boris Dmitrievich Grigoriev emigró de Rusia en 1919. En el extranjero, se convirtió en uno de los artistas rusos más famosos, pero al mismo tiempo en su tierra natal fue olvidado durante muchas décadas, y sus primeras exposiciones en la URSS tuvieron lugar solo a fines de la década de 1980. Pero hoy en día es uno de los autores más demandados y apreciados en el mercado del arte ruso, sus obras, tanto pictóricas como gráficas, se venden por cientos de miles y millones de dólares. El artista era extremadamente trabajador, creía que podía manejar cualquier tema, cualquier orden.
Probablemente los más conocidos sean sus ciclos "Raza" y "Rostros de Rusia", muy cercanos en espíritu y que solo difieren en que el primero se creó antes de la emigración y el segundo ya estaba en París. En estos ciclos, vemos una galería de tipos ("rostros") del campesinado ruso: viejos, mujeres, niños miran con tristeza al espectador, atraen la mirada y al mismo tiempo lo alejan. Grigoriev no se inclinó en absoluto a idealizar o embellecer a quienes escribía, al contrario, a veces lleva las imágenes a lo grotesco. Una de las "caras", ejecutada en gouache y acuarelas sobre papel, se convirtió en la obra gráfica más cara de Boris Grigoriev: en noviembre de 2009, en la subasta de Sotheby's, pagaron por ella 986.500 dólares.
Y, finalmente, el décimo autor en nuestra lista de las obras más caras de gráficos rusos: Konstantin Somov. Hijo del curador de las colecciones del Hermitage y músico, el amor por el arte y todo lo bello le fue inculcado desde la infancia, después de haber estudiado en la Academia de las Artes con Repin, Somov pronto se encontró en la sociedad World of Art, que promovió el culto. de la belleza cercana a él. Especialmente este ansia de decoración y "belleza" se manifestó en sus numerosos dibujos basados en las imágenes de la época galante, cuyo interés se observó en la obra de otros artistas del mundo (Lancer, Benois). Marqueses "Somovskie" y caballeros galantes en citas secretas, escenas de recepciones sociales y mascaradas con arlequines y damas con pelucas remiten a la estética del barroco y el rococó.
Los precios de las obras de Somov en el mercado del arte comenzaron a crecer a un ritmo fenomenal y no siempre comprensible desde 2006, algunas de sus pinturas superaron las estimaciones en 5, o incluso 13 veces. Su pintura cuesta millones de libras. En cuanto a los gráficos, aquí el mejor resultado de Somov hasta ahora es de 620.727 dólares; este es solo uno de los dibujos de la serie "galante" "Masquerade".
El 22 de abril de 2010 en Sotheby's en Nueva York, 86 obras (pinturas y dibujos) de casi dos docenas de autores se vendieron como un solo lote número 349. Esta venta, por cierto, introduce confusión en las estadísticas de subastas de aquellos artistas cuyas obras se incluyeron en este lote. Sí, la colección es muy valiosa en sí misma, tiene una historia larga, compleja y trágica y, por un lado, es bueno que la colección haya caído en las mismas manos. Pero, por otro lado, si algún día el propietario decide vender obras individuales, entonces, para la mayoría de los autores, simplemente no existe ningún nivel de precios. Después de la ensordecedora "preparación de artillería" que precedió a la venta de la colección, podría haber aparecido, pero no, y si se revendiera funcionaría con un enorme inconveniente.
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