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“En primer lugar, la creatividad es el proceso de generar ideas originales que tengan valor. Este es precisamente un proceso, no un evento que sucedió de la noche a la mañana. Las ideas originales rara vez surgen por accidente (aunque suceden). Por lo general, se necesita mucho tiempo y esfuerzo para resolver un problema complejo. Entonces esta solución debe implementarse y el resultado final puede ser muy diferente de la idea original.

En segundo lugar, el pensamiento creativo es un pensamiento original. No es en absoluto necesario inventar algo nuevo para todo el mundo, el pensamiento debe ser original para ti y, posiblemente, para tu círculo. A veces hay descubrimientos que cambian por completo la forma en que las personas ven el mundo que les rodea, pero esto no es un requisito previo para la creatividad.

En tercer lugar, en cualquier proceso creativo tenemos que evaluar y criticar nuestras obras para lograr el "ideal". Ya sea que estés escribiendo un poema, diseñando un diseño o planeando un discurso, es natural que cuando miras tu trabajo sientas que "esto es un poco diferente de lo que pretendía" o "no estoy seguro de haber hecho un buen trabajo con eso ". Constantemente estamos evaluando, cambiando algo, porque la creatividad no es un proceso espontáneo que tiene un principio y un final. A menudo, todo comienza con una lluvia de ideas, teorías e hipótesis, seguido de un trabajo incansable, tratando de hacerlo bien una y otra vez.

Existe la opinión de que la creatividad no se puede apreciar. Sin embargo, si volvemos a la definición, los conceptos clave de la creatividad son la originalidad y el valor. En cualquier campo, puede definir criterios de originalidad y también pensar en qué ideas pueden considerarse valiosas. Por ejemplo, ¿cómo calificaría su trabajo en matemáticas? Puede pedir la opinión de personas que entiendan esta área y puedan juzgar qué tan original es el trabajo. Pero recuerde que el dibujo de un niño y un campeón olímpico no se pueden juzgar con el mismo criterio.

Otro mito es que la creatividad no se puede enseñar. De hecho, cuando la gente dice esto, se basa en una idea muy limitada de lo que es la enseñanza. Sí, enseñar creatividad no es lo mismo que enseñar a conducir un automóvil. No se le puede enseñar a ser creativo con instrucciones directas: "Simplemente haga lo que yo hago e inmediatamente se volverá más creativo". En cualquier campo, existen técnicas y técnicas que deben dominarse. Pero enseñar es mucho más que instrucciones. Enseñar significa descubrir nuevas oportunidades, inspirar, instruir y apoyar. Los maestros dotados ayudan a las personas a descubrir sus talentos creativos, a nutrirlos y, como resultado, a ser más creativos.

Puedes ser creativo en cualquier área. La gente suele decir: "No soy una persona creativa en absoluto", lo que significa solo que están lejos del arte. No tocan ningún instrumento, no pintan, no suben al escenario y no bailan. Olvidamos que es posible ser un matemático creativo, un químico creativo o un chef creativo. Todo aquello en lo que está involucrado el intelecto humano es el campo en el que son posibles los logros creativos ".

Sir Ken Robinson es un escritor británico, orador motivacional y experto de renombre mundial en educación, creatividad y pensamiento innovador. Uno de los inspiradores y organizadores de programas de educación positiva basados ​​en las ideas de la psicología positiva.

El famoso director de teatro G. Tovstonogov afirma: “A un futuro pintor se le pueden enseñar los conceptos básicos de la perspectiva y la composición, pero no se puede enseñar a una persona a ser artista. En nuestro negocio también ”.

Si esta afirmación se entiende de tal manera que para convertirse en artista se necesita un talento especial, un potencial creativo, entonces es imposible discutir con esto. Hoy en día, a menudo hay casos en los que los padres superdotados, ya sean artistas, compositores, etc., se esfuerzan por hacer que sus hijos sigan sus pasos. Sin embargo, al hacerlo, la mayoría de las veces cometen un error y distorsionan el destino de sus hijos. El hecho es que existe una ley de regresión al nivel medio (ver con más detalle: Luk A.P. Psicología de la creatividad. - M., 1978). Esta ley no afirma que la descendencia de una persona talentosa ciertamente degenerará. Pero la misma ley dice que solo en un número muy reducido de casos ella es tan talentosa como sus padres. Los descendientes de premios Nobel no reciben premios Nobel (a excepción de la hija de Pierre y Marie Curie y el hijo de Niels Bohr). La mayoría de las veces, la capacidad de la descendencia se encuentra a medio camino entre el nivel medio y el nivel de los padres. De la ley de la regresión al nivel medio, es necesario trasladar a la descendencia de los grupos profesionales a los que pertenecen los padres a otros grupos profesionales que requieran otras dotes especiales.

Si es imposible convertir a cada persona en un artista, entonces ¿tal vez sea posible sacarle una personalidad creativa a cada persona? La mayoría de los científicos dan una respuesta positiva a esta pregunta. Más compleja y discutible es la cuestión de qué lugar en esta educación pertenece a los procesos de enseñanza, aprendizaje, escuela en el sentido amplio de la palabra. En el futuro, hablaremos de arte, escuela de pintura.

Existe un punto de vista de que la escuela impide la identificación del potencial creativo de la personalidad del artista. Esta posición encontró su expresión más extrema en la declaración de Derain, un artista francés, uno de los “salvajes” (fauvistas), “Un exceso de cultura”, cree, “es el mayor peligro para el arte. Un verdadero artista es una persona sin educación ". La posición del artista ruso A.N. Benoit: “… ¡todo es dañino si lo aprendes! Hay que trabajar con placer, placer, ilusión, llevar lo que se encuentre, amar el trabajo y estudiar desapercibido en el trabajo ".

Incluso aquellos que están a favor de la escuela, de la ciencia, no pueden dejar de ver las contradicciones objetivas entre las reglas de enseñanza, las leyes y la creatividad. Cuando el destacado pintor ruso M.A. Vrubel comenzó las clases en la Academia de Artes con el famoso y talentoso "maestro general de artistas rusos" (en palabras de Stasov) P.P. Chistyakov, le pareció que los "detalles de la tecnología", los requisitos de una escuela seria, difieren fundamentalmente de su actitud hacia el arte.

El hecho es que la enseñanza contiene inevitablemente elementos de "esquematización de la naturaleza, que, según Vrubel," ultraja tanto el sentimiento real, tanto lo oprime que ... se sabe que le quita la mitad de su calidad ". Por supuesto, esto logró cierto objetivo: se asimilaron los detalles técnicos. Pero el logro de este objetivo no puede compensar la enormidad de la pérdida: “una mirada ingenua e individual es todo el poder y la fuente del placer del artista. Esto, lamentablemente, sucede a veces. Luego dicen: la escuela ha puntuado talento ". Pero Vrubel "encontró un camino de regreso a él". Esto sucedió porque las principales disposiciones del sistema pedagógico de Chistyakov, como luego entendió el artista, “no eran más que la fórmula de mi relación viva con la naturaleza, que estaba invertida en mí”. Solo hay una conclusión de esto: es necesario construir un sistema de formación, una escuela para que no solo no interfiera con el desarrollo de la personalidad creativa del artista, sino que de todas las formas posibles contribuya a ello.

En este sentido, el pensamiento del notable escultor A.S. Golubkina, expresada por ella en un pequeño libro "Unas palabras sobre el oficio de un escultor" (1923). La escultora también cree que, al iniciar sus estudios, los autodidactas pierden sinceridad y espontaneidad en la escuela y se quejan de la escuela que ella mató en ellos. "Esto es parcialmente cierto". A menudo, antes de la escuela, hay más originales en las obras, y luego se vuelven "incoloros y estereotipados". Sobre esta base, algunos incluso niegan la escuela. "Pero eso no es cierto ..." ¿Por qué? Primero, porque las mujeres autodidactas sin escuela eventualmente desarrollan su propio patrón, y "la modestia de la ignorancia se convierte en la vulgaridad de la ignorancia". Como resultado, no puede haber un puente hacia el arte real. En segundo lugar, la inmediatez inconsciente de la ignorancia no puede durar mucho. Incluso los niños muy pronto comienzan a ver sus errores y ahí es donde termina su inmediatez. No hay forma de volver a la inconsciencia y la inmediatez. En tercer lugar, la escuela puede y debe organizarse de manera que no solo neutralice los aspectos negativos asociados con la necesidad de dominar un oficio, habilidades, reglas o patrones, sino que incluso en el proceso de aprendizaje de un oficio, simultáneamente "enseñe" la creatividad.

¿Cuáles son los puntos principales de la organización del proceso educativo que contribuyen a la formación de la personalidad creativa del artista? En la pedagogía del arte nacional y mundial, se ha acumulado una experiencia reconocida en este sentido. Por ejemplo, muchas cosas valiosas están contenidas en el sistema pedagógico de Chistyakov, Stanislavsky, G. Neuhaus y otros. Esto se explica por el hecho (entre otras cosas) de que los maestros sobresalientes a veces de manera intuitiva y a menudo teóricamente consciente las leyes psicológicas más importantes de la actividad creativa.

La creatividad es gratuita, impredecible e individual. ¿Cómo se puede combinar esto con la necesidad de realizar determinadas tareas (ejercicios), de acuerdo con las reglas (principios, etc.) comunes a todos los que estudian en esta escuela? En el sistema pedagógico de P.P. Chistyakova, como recuerda el artista V. Baruzdina, había un principio: "Había una sola ley para todos, y se proporcionaban diferentes formas de abordar la solución del problema a la individualidad del estudiante". La diferencia de métodos se debe a dos circunstancias, sobre las cuales Golubkina escribe bien.

En primer lugar: debe comenzar a trabajar deliberadamente, ver en la tarea algo interesante para usted. Si no hay tal interés, el resultado no será obra, sino un "ejercicio perezoso" que, sin ser iluminado por el interés, sólo cansa y extingue al artista. Si miras la tarea con interés, siempre habrá algo completamente inesperado. Por supuesto, la capacidad de ver cosas interesantes es innata en muchos sentidos, pero "puede desarrollarse hasta una gran penetración", y un papel importante aquí pertenece al maestro, su imaginación, su capacidad para tener en cuenta la individualidad del alumno.

La segunda circunstancia, que determina la posibilidad de diferentes enfoques para realizar una misma tarea técnica, es que cada uno tiene sus propias manos, ojos, sentimientos y pensamientos, a diferencia de los demás. Por tanto, la "técnica" no puede dejar de ser individual, "si uno no contiene en ella un extraño, despersonalizador". ¿Cuál es la tarea del profesor al respecto? PÁGINAS. Chistyakov tenía razón en que no había necesidad de enseñar la "singularidad" o el "manierismo" de la tecnología, es inherente a todos "por naturaleza". Pero parece importante centrar la atención del alumno en la realización individual de una tarea obligatoria e idéntica, porque esto ya implica que V.D. Kardovsky (alumno de Chistyakov, un conocido artista gráfico) lo describió acertadamente como "una premonición del arte".

Aún más de esta "premonición" no era obligatoria, sino en tareas creativas, practicadas amplia y variadamente en el sistema de entrenamiento de Chistyakov. Había mucho más espacio para la libertad, la imprevisibilidad y la autoexpresión individual del estudiante.

Al invitar a los estudiantes a completar una tarea creativa obligatoria y gratuita, el maestro debe tener en cuenta las leyes psicológicas del desarrollo creativo... Una de estas leyes, o principios, del famoso psicólogo soviético L.S. Vygotsky lo llamó "una situación social de desarrollo". Existe una relación especial entre los procesos de desarrollo internos y las condiciones externas, típica de cada etapa de la edad. El psicólogo estadounidense, reconocido experto en el campo de la pedagogía del arte W. Lowenfeldo, designa este principio como un "sistema de crecimiento". La práctica de la educación, la formación de una personalidad creativa en los procesos de creatividad artística y del habla permite interpretar el "sistema de crecimiento" de manera más amplia, teniendo en cuenta no la etapa de edad, sino la etapa de desarrollo creativo. Por ejemplo, el psicolingüista soviético Yu.I. Schechter, en relación con la creatividad del habla, distingue tres fases de desarrollo: inicial, avanzada y finalizada. Al dar asignaciones a un alumno, estableciendo tareas creativas para él, es necesario tener en cuenta la fase de desarrollo (individual para cada persona) en la que se encuentra.

Teniendo en cuenta este importante factor en la práctica de la educación artística se puede volver a mostrar utilizando el sistema de P.P. Chistyakov. Por ejemplo, como técnica metodológica, utilizó la copia de los grandes maestros del pasado (Tiziano, Velázquez, etc.), tomándolos como modelo. Pero tal tarea ya fue encomendada a un artista bastante independiente. Cuando se trataba de estudiantes menos avanzados, Chistyakov, a sus solicitudes de copiar a Tiziano, respondió sin rodeos: "Temprano, no a tiempo". Creía que la copia debe usarse con mucho cuidado, solo en los últimos años, en esa etapa del desarrollo del estudiante, cuando puede comprender completamente para qué está copiando y qué quiere ver en el original seleccionado. Se les asignaron tareas estrictamente en los pasos. En conversaciones, cartas a jóvenes artistas, siempre recordaba exactamente qué fase, paso había que ayudar a superar y, además, solo uno, sin saltarse las fases inexploradas del desarrollo. Uno de los preceptos más importantes de Chistyakov: "Precaución". Como argumentó el maestro, "necesitas empujar la rueda con cuidado, rodará cada vez más rápido, obtienes energía, pasatiempo, pero puedes empujar la rueda con fuerza y ​​dejarla caer, y empujándola en la dirección opuesta, detenerla. "

En el proceso de enseñanza de la creatividad, el docente debe conocer los principales "enemigos" del desarrollo creativo, los factores de inhibición. La psicología de la creatividad afirma que el principal enemigo de la creatividad es el miedo... El miedo al fracaso limita la imaginación y la iniciativa. C.A. Golubkina, en el libro que ya hemos mencionado sobre el oficio del escultor, escribe que un verdadero artista, un creador, debe estar libre de miedo. "No poder, e incluso ser un cobarde, no es divertido".

En relación con lo anterior, una muy una pregunta práctica importante sobre la idoneidad de los exámenes, evaluaciones en el proceso de enseñanza de la creatividad... Por ejemplo, P.P. Chistyakov creía que, dado que "las fuerzas jóvenes aman la competencia", completar las tareas de evaluación es en principio útil y puede estimular el éxito en el aprendizaje. Sin embargo, consideró perjudicial el trabajo constante "por el número", es decir, por el examen y la competencia. Este trabajo está inevitablemente asociado al miedo a no cumplir con el plazo. El estudiante se distrae de la solución creativa del problema y lo reemplaza con la búsqueda de la implementación de reglas obligatorias. Se respeta la "formalidad", pero el asunto se escapa; queda relegado a un segundo plano. Con prisa por terminar su trabajo para el examen, el artista escribe "aproximadamente medio dimensional", y no se le puede culpar por eso.

Hoy en día, muchos docentes, preocupados por el desarrollo y formación simultáneos de la personalidad creativa del alumno en el proceso de aprendizaje (por ejemplo, lenguas extranjeras), llegan a la conclusión de que en general es necesario eliminar el sistema de evaluación del desempeño académico y cambiar para determinar la dinámica del rendimiento académico mediante pruebas. Los resultados de las pruebas son importantes para el profesor, para quien gestiona el proceso de aprendizaje y desarrollo. El estudiante debe saber que está avanzando. Chistyakov, por ejemplo, enfatizó constantemente que un artista joven debe sentir el curso de un aumento gradual y constante. El miedo debe ser reemplazado por emociones positivas, un factor poderoso en el desarrollo creativo.

Otro enemigo de la creatividad es la autocrítica excesivamente alta., convertirse en una persona creativa, miedo a los errores y las imperfecciones. Un artista joven debe comprender con firmeza al menos dos circunstancias. El artista francés Odilon Redon dijo bien y poéticamente sobre la primera circunstancia: “La insatisfacción debe habitar en el estudio del artista ... La insatisfacción es la enzima de lo nuevo. Renueva la creatividad ... ”El famoso pintor belga James Ensor expresó una idea interesante sobre los beneficios de las deficiencias. Habiendo instado a los artistas jóvenes a no tener miedo a los errores, "compañeros habituales e inevitables" de los logros, señaló que en cierto sentido, es decir, desde el punto de vista de las lecciones de dibujo, las deficiencias son incluso "más interesantes que las ventajas", carecen de "la misma perfección", son diversos, son en sí mismos la vida, reflejan la personalidad del artista, su carácter.

Golubkina señaló la segunda circunstancia con mucha precisión. Para un artista joven, cree, es importante poder encontrar y apreciar lo bueno en su trabajo. "Es tan importante como poder ver tus errores". Bueno, tal vez no tan bueno, pero por un tiempo dado es mejor, y hay que protegerlo "como un escalón" para un mayor movimiento. No hay por qué avergonzarse de admirar y apreciar los lugares bien ocupados en su trabajo. Esto desarrolla el gusto, aclara la técnica inherente a este artista. No se puede tratar todo lo que hace un artista de la misma manera. ¿Pero no se desarrollará entonces una complacencia que frene el desarrollo? No hay por qué tenerle miedo, porque lo que es bueno ahora puede ser inútil en un mes. Esto significa que el artista ha "superado" este paso. "Después de todo, si te alegras de tu bien, el mal, en el que nunca falta, te parecerá aún peor".

El tercer enemigo serio del desarrollo creativo de la personalidad es la pereza, la pasividad.... Contra tal enemigo, no hay antídoto más efectivo que la habilidad y el arte del maestro para despertar y mantener el interés del estudiante en el trabajo, la atención y la energía con la ayuda de tareas emocionantes, incluso cuando se enseña tecnología "elemental". Y a los estudiantes se les debe enseñar a hacer esto. Chistyakov les dijo: "Nunca dibujes en silencio, pero hazte una tarea constantemente". "Es necesario complicar las tareas de forma gradual y constante, y no repetirlas mecánicamente". Chistyakov, por ejemplo, utilizó el contraste: "un ejercicio claramente opuesto": escriba inmediatamente una cabeza en lugar de una naturaleza muerta. El propósito de tales técnicas es mantener el interés, el tono emocional. “Llevar tierra en una carretilla”, dijo Chistyakov, “puede ser silencioso, mesurado y monótono; no se puede aprender arte así. El artista debe tener energía (vida), "almas hirvientes, sea cual sea la tarea, grande o pequeña ..."

Los métodos pedagógicos de P.P. Chistyakov merece mucha atención y, sin duda, se puede aplicar en cualquier tipo de creación artística, no solo en pintura.

En los capítulos anteriores, hemos prestado mucha atención a la empatía como una de las habilidades más importantes necesarias para la personalidad creativa del artista. Es fácil adivinar que para enseñar con éxito la creatividad, es necesario crear condiciones favorables para el desarrollo, entrenamiento de habilidades creativas, incluida la empatía. Consideremos brevemente lo que la ciencia moderna tiene que decir al respecto.

Establecido experimentalmente (principalmente en estudios extranjeros, en nuestro país el estudio experimental de la empatía apenas comienza a desarrollarse) la conexión entre aprender empatía (simpatía) y aprender a imitar... La discrepancia se observa en las respuestas a las preguntas, qué viene primero y qué viene después. El poder de la empatía está muy influenciado por la similitud entre profesor y alumno.... La creencia en lo que otros dicen sobre la similitud del alumno con el modelo también juega un papel. Se ha notado: cuanto más imitan, más ven la similitud. La similitud es especialmente eficaz en la enseñanza de la empatía cuando resulta atractiva para el alumno. El atractivo del modelo (en particular, el profesor o el alumno) con el que se produce la identificación se describe a menudo como especial. sentimiento de amor, que es la principal palanca motivacional de la empatía... Surge un problema de investigación: cómo mejorar la enseñanza del amor. El amor es una de las leyes de la enseñanza de la creatividad.... Además de ella, son importantes motivos como el "cuidado", la "causa común" del grupo al que pertenece o quiere pertenecer el alumno. En este tipo de grupo (el llamado grupo de referencia), el mecanismo de la experiencia sustituta, o experiencia sustituta, opera efectivamente. El estudiante se identifica y empatiza con otros estudiantes (la llamada "identificación de roles"). Los mecanismos de estímulo ("refuerzo") también son más efectivos. No es solo la empatía del alumno con el profesor lo que importa, sino también la capacidad del profesor para entrar en el mundo de la imaginación y las experiencias de los alumnos. Alguna evidencia sugiere que la imitación y la identificación proporcionan satisfacción por sí solas, sin refuerzo.

Entre los objetos de identificación en la enseñanza de la creatividad, se le da un lugar importante al trabajo que realiza el grupo de referencia. Identificación con el caso- el camino hacia la formación de una personalidad creativa con una motivación superior, una personalidad madura y autorrealizada.

La identificación, especialmente a una edad temprana, apuntala la eficacia del aprendizaje imitativo en los años posteriores.

En la formación de la personalidad creativa del artista, los métodos, técnicas (por ejemplo, animación, personificación, etc.) son de particular importancia. contribuyendo a la identificación con la forma de arte, con medios de expresividad (líneas, formas espaciales, color, etc.), con material y herramientas (pincel, cincel, violín, etc.) de la creatividad.

Se podrían señalar muchos más resultados experimentales relacionados con la enseñanza de la capacidad empática. El conocimiento de estos datos es necesario para mejorar la eficacia de la enseñanza de la creatividad. Solo hay que recordar que muchas teorías de la educación y la crianza del arte, tanto en Occidente como en nuestro país, se caracterizan a menudo por un enfoque funcionalista. Su unilateralidad radica en que la formación y educación en esta área no se interpreta como la formación de una personalidad artística y creativa como integridad, sino como el entrenamiento de solo habilidades individuales (aunque importantes), motivaciones estrechamente dirigidas, etc. El desarrollo de habilidades no individuales es más productivo, sino de la personalidad como un todo, y con ella habilidades. En nuestra opinión, es necesario centrarse en esto en la práctica de formar el potencial creativo de una personalidad artística.

Energía Artística

Considere ahora Aspecto energético del proceso de nacimiento del "yo" artístico. La identificación de la motivación de la actividad con su suministro de energía es errónea. Este es exactamente el error que cometen los freudianos en su concepto de energía psíquica de las pulsiones. Pero no es menos erróneo ignorar el aspecto energético de la actividad mental, incluso en el campo de la creatividad artística.

El estudio del problema del aspecto energético de la creatividad artística en general y de la empatía en particular es una tarea teórica, práctica e ideológica urgente. Teóricamente, este problema es urgente porque sin su solución el cuadro de la psicología de la creatividad artística, su aspecto personal queda inconcluso. Sin el aspecto energético, la actividad mental es tan imposible como sin el informativo. Por tanto, el análisis informativo de la empatía debe complementarse con uno enérgico.

La trascendencia práctica del problema del aspecto energético de la empatía en la creación artística está directamente relacionada con la cuestión de la "capacidad de trabajo" (después de todo, la energía es precisamente la capacidad para realizar un trabajo), "fiabilidad", "energía" del creador. . No es casualidad que muchos investigadores que estudian experimentalmente las cualidades de una persona creativa llamen, entre otras, "energía", es decir, la capacidad de movilizar fácilmente la propia energía, etc.

En nuestra literatura existe un punto de vista según el cual la activación de las capacidades energéticas se realiza a nivel inconsciente en un estado de hipnosis o estados cercanos a él. Sin negar que los recursos energéticos se activan a nivel inconsciente, asumimos que su principal fuente está en el ámbito de la conciencia artística (ya que estamos hablando de creación artística).

B.G. Ananiev planteó la hipótesis de que la transformación de la información - y la creatividad, como hemos visto, incluye necesariamente la transformación de la información, la experiencia mental tanto a nivel de imágenes como a nivel de "yo" - implica no solo consumo, sino también la producción (generación) de energía. En la esfera de la inteligencia creativa madura, hay un fenómeno que es paradójico para una persona moderna, que, según cree el científico, se volverá común, todos los días para una persona futura: esta es la reproducción de recursos y reservas cerebrales en el proceso de Actividad neuropsíquica de una persona como persona, sujeto de trabajo, cognición y comportamiento social. (El lector puede familiarizarse con esta hipótesis con más detalle en el libro: Ananiev B.G. El hombre como sujeto de conocimiento. L., 1969.)

Desarrollando esta hipótesis, los psicólogos llegan a la conclusión de que la energía de las transformaciones informativas en el campo de la inteligencia madura tiene la más alta calidad, es decir, una alta eficiencia. Fenómenos como el afecto, los esfuerzos de la voluntad, la tensión del pensamiento, reflejan el hecho de que los niveles superiores de los procesos de información regulan su propio suministro de energía, son capaces de controlar ciertos aspectos del metabolismo (es decir, el intercambio) y, dentro de los límites apropiados, controlan la procesos de producción, distribución y consumo de energía para la implementación de acciones focalizadas. Todo esto da motivos para hablar de la constante expansión del abanico de posibilidades de autorregulación, automejoramiento de la creatividad (D.I.Dubrovsky).

De lo anterior se desprende que la efectividad de la empatía artística desde un punto de vista energético depende de la capacidad del artista para generar energía de “reserva” en el acto de la creatividad, para distribuir y consumir económicamente toda la energía disponible para la implementación de intenciones artísticas y creativas. comportamiento. Al parecer, la experiencia convence de ello, talento artístico, y más aún un artista brillante, tal habilidad es inherente al más alto grado.

La afluencia de energía de reserva, en nuestra opinión, explica la facilidad y libertad de realizar tareas creativas, en particular, la fusión "completa" con la imagen, y al mismo tiempo la claridad de la conciencia crítica del "yo" artístico, que distinguir el estado de inspiración creativa. En la descripción de Stanislavsky, esto significa un completo, por así decirlo, olvido de uno mismo en la imagen (papel) y una fe absoluta e inquebrantable en “tu“ yo ”reencarnado (“ yo soy ”). Un artista "no cuesta nada" para "dividirse en dos": vivir simultáneamente en la imagen de un héroe y corregir lo que está mal. Y todo esto lo hace él "fácilmente" y "agradablemente".

¿Cuál es el "impulso" para la entrada de energía de reserva? La empatía artística a nivel de contenido, en última instancia, responde a la principal necesidad de la creatividad artística: descubrir los valores estéticos necesarios para crear su propio concepto del significado de la vida. Un descubrimiento artístico siempre va acompañado de una falta de información, lo que genera tensión psicológica. Depende del significado personal del objetivo de la actividad, la valoración de la situación en la que se encuentra una persona.

En consecuencia, la fuente de tensión psicológica en el acto de creación artística son tensiones de valor surgiendo en la conciencia estética, artística en el proceso de interacción del "yo" y el "otro", el "yo" real y lo artístico. Entonces, por ejemplo, la fuente de energía para la creatividad sinfónica de Glazunov, según B.V. Asafiev, hay continuas "tensiones de la conciencia musical" del compositor. En La reina de espadas de Tchaikovsky, el investigador ve un reflejo del "rostro tenso y emocional" del compositor, etc.

Las tensiones valorativas-estéticas y artísticas, donde todos los demás tipos de tensiones valorativas (morales, políticas, religiosas, etc.) se "eliminan", crean directamente tensiones emocionales que, como se describe en detalle en la literatura psicológica, tienen la capacidad para movilizar "reservorios de energía" y gestionar el uso de sus recursos energéticos. La "psicotecnia" única de dicha gestión en el campo de la creatividad artística fue creada por el brillante Stanislavsky en relación con el trabajo de un actor, pero también tiene un significado y una aplicación prácticos más generales.

La ciencia materialista generalmente reconoció la existencia de dos formas principales de materia: masa (materia) y energía. Lo más preferible es la interpretación de la psique humana, sus fenómenos espirituales, su personalidad como una especie de energía especial.

De los conceptos energéticos recientes de la personalidad, el más prometedor es el punto de vista del científico inglés V. Firsov (Life Outside the Earth, 1966). El autor, no sin razón, ve la conexión entre la personalidad y la energía extrasensorial telepática (ESP), investigada en los experimentos de parapsicología (J. B. Rhine y otros). En el concepto de Firsov, no hay explicación del lado del contenido de la personalidad. Para tal explicación, es necesario postular, además de la conexión de la personalidad, en particular la personalidad del artista, su conexión con la información. Donde información debe entenderse como un fenómeno energético.

Solo con tal interpretación de la personalidad, incluida la personalidad del artista, es posible comprender fenómenos que aún no han sido explicados por la ciencia, como la conexión entre el arte y la telepatía, la hipnosis y el magnetismo espiritual personal.

Las personalidades de algunos artistas (Goethe los llama "demoníacos") tienen un alto grado de magnetismo personal. Hoy se les llama psíquicos. El magnetismo de estos artistas explica el atractivo de sus obras.

¿Se puede aprender la creatividad?

Sabemos que el trabajo es la manifestación más importante de la actividad humana. Con su ayuda, una persona se proporciona las condiciones necesarias para la existencia. La ciencia moderna interpreta el trabajo como una actividad destinada a crear un producto socialmente útil que pueda satisfacer las necesidades materiales o espirituales de una persona. En consecuencia, podemos determinar fácilmente la esencia social de la creatividad: este es un trabajo destinado a crear sustancialmente nuevo un producto que satisface las necesidades materiales o espirituales de las personas. De ahí la particular complejidad del proceso de trabajo, la visión de la creatividad como la forma más elevada de trabajo.

En una sociedad desarrollada, la creatividad, como cualquier trabajo, adquiere un carácter especializado. ¿Qué significa esto?

Una persona tiene muchas necesidades. La sociedad, como organismo que une a las personas, tiene aún más. El desarrollo y la diferenciación del sistema de necesidades son continuos. Para obtener ciertos objetos para su satisfacción, son necesarias las áreas de creatividad correspondientes. Y surgen, tomando forma en instituciones sociales específicas: organizaciones, asociaciones, instituciones. Todas estas áreas están subordinadas a las leyes generales de la creatividad y, por lo tanto, están unidas. Pero cada uno de ellos también tiene sus propias leyes, y esto los separa, les da su especificidad (más correctamente, es su especificidad). Se refleja en las ideas de las personas sobre algunos rasgos comunes, rasgos característicos de productos de un tipo particular de creatividad. Ya un niño de tres años, en respuesta a una oferta para bailar, no recitará una rima ni cantará una canción; girará o saltará en el baile.

Tales ideas se forman espontáneamente y su papel en la formación de la personalidad humana es muy importante: en las primeras etapas de desarrollo, actúan como un incentivo para probar las fuerzas creativas, un mensaje para la elección del espacio creativo de uno. Pero para la sociedad en su conjunto, estas ideas son de gran importancia: en el proceso de división del trabajo, especialización de la creatividad, se mejoran sobre la base del conocimiento científico emergente, se refinan y se realizan gradualmente como modelos generadores de un tipo particular de actividad creativa. susceptible de dominio. En la mente de los profesionales, forman una especie de "pasarela" del proceso creativo y al mismo tiempo son semáforos que iluminan la "pasarela": para "encajar" en ella hay que seguir un rumbo determinado. Por eso salen lienzos pintorescos de debajo del pincel del artista, salen esculturas de debajo del cincel del escultor y los proyectos de ingeniería se convierten en máquinas. Por eso el resultado del trabajo de un periodista no es una sinfonía, ópera o poema, sino un trabajo periodístico.

Un área especial de creatividad son las artes escénicas. A primera vista, esta es una simple réplica de obras maestras que alguna vez se presentaron al mundo. ¡Pero recordemos cuán diferentes son a veces las imágenes que nacieron de diferentes intérpretes sobre la misma base literaria o musical! En este caso, es esta base la que se utiliza como modelo generativo para la creación de nuevas creaciones únicas de la mente y el alma humanas. En la historia de la cultura, los roles de ballet de Galina Ulanova y Maya Plisetskaya, los programas de conciertos de Emil Gilels y Svyatoslav Richter, las actuaciones de Anatoly Efros y Mark Zakharov, los roles interpretados por Faina Ranevskaya, Yuri Nikulin, Lyubov Orlova se conservarán como los mejores valores ...

Debe tenerse en cuenta, sin embargo, que los modelos generativos también contienen un cierto peligro para la creatividad: la estandarización. Las personas que no se preocupan por desarrollar su creatividad suelen estar expuestas a ella. La definición de "artesano" se suele aplicar a los mismos. Esto solo significa una cosa: una persona no logra arrancar el “avión” de la creatividad de la “pasarela”. Ha subido, quizás, levemente y vuelve a descender al plano del modelo generador. Y asume "un aumento de volúmenes", sin embargo, esto ya se ha discutido. Las casas de Gaudí, aunque en casa, son al mismo tiempo algo absolutamente fantástico, cautivando con la audacia de penetrar las conexiones invisibles entre el hombre y la naturaleza.

Sin embargo, el uso de la palabra "artesano" en tales situaciones parece incorrecto. El concepto de "artesanía" nació en el ámbito de la producción material, y su significado directo es muy específico: la fabricación de productos a mano, artesanías, en la mayoría de los casos - individualmente. ¡Tal producción no excluye en absoluto las soluciones creativas! Al mismo tiempo, asumió conocimiento del caso, es decir. la capacidad de realizar bien los elementos reproductivos de actividades enfocadas a copiar productos ya existentes, de acuerdo con el orden social para su replicación. Esto dio un comienzo en la vida al significado figurativo del concepto de "artesanía": la capacidad de actuar sobre la base de soluciones ya existentes, nada más. En otras palabras, la palabra "artesanía" se ha convertido en realidad en sinónimo del concepto de "actividad reproductiva". Pero ya lo hemos descubierto: cualquier tipo de creatividad, en un grado u otro, incluye el principio reproductivo: prácticamente no se puede encontrar "creatividad pura". La cuestión es cómo se relacionan lo reproductivo y lo creativo en la variedad misma de la actividad creativa y en la motivación del creador.

Y ahora volvamos a la pregunta de la que partieron nuestras reflexiones: ¿se puede enseñar la creatividad? A veces responden así: “Por supuesto que no puedes. Pero la artesanía como elemento del proceso creativo es posible y necesaria ". Probablemente, no vale la pena discutir con esto. Sin embargo, a la hora de caracterizar posiciones teóricas, es preferible no utilizar significados figurativos de las palabras. Por lo tanto, nuestra respuesta sonará algo diferente: sí, no se puede enseñar creatividad, pero se puede enseñar forma profesional de tal o cual actividad creativa. Su estructura es bastante compleja y de ninguna manera se reduce al aspecto técnico del asunto.

En una sociedad desarrollada, todas las áreas de actividad creativa existen de dos formas: aficionado y profesional. Cualquier creatividad nace como aficionado. Esta es la primera fase de su existencia, la forma original de organización. Se destaca por el hecho de que la actividad creativa se lleva a cabo fuera del marco de las funciones oficiales, sin una formación especial y una estricta responsabilidad por la calidad del resultado. Su área es elegida por una persona de manera espontánea, dependiendo de las inclinaciones en las que se manifiesta la naturaleza de las inclinaciones de la personalidad. (Goethe comentó sobre este punto: en nuestros deseos ya hay una premonición de las posibilidades de cumplirlos).

La creatividad profesional, por otro lado, se forma sobre la base de la creatividad amateur en el proceso de división del trabajo. Se caracteriza por el hecho de que se convierte en la ocupación principal de una persona, se lleva a cabo en el marco de la cooperación con una determinada comunidad profesional, se asocia con el desempeño de los deberes relevantes y con la responsabilidad por la calidad del resultado. Y aquí surge la necesidad de una formación especial.

Cómo esencialmente Cuál es la diferencia entre la creatividad amateur y la profesional? Solo una cosa: la primera es espontáneo adherencia a las leyes de este tipo de actividad, mientras que la segunda se basa en lo fijo en la actitud profesional estudio consciente estos patrones y el deseo de seguirlos.

Sin embargo, con el surgimiento de la creatividad profesional, el aficionado no muere en absoluto. Vive en paralelo: es producido por la naturaleza creadora del hombre. Y las situaciones no son infrecuentes en las que los clásicos surgen de los aficionados, y otros profesionales no pueden compararse con los aficionados promedio. No se trata solo de diversos grados de talento. Esto se evidencia de manera convincente en el destino de Konstantin Sergeevich Stanislavsky, un amante del teatro que creció como un reformador del teatro. ¿Qué circunstancias marcaron la formación de su personalidad creativa? Primero, por supuesto, ricas inclinaciones, que eventualmente se convirtieron en talento. En segundo lugar, un raro sentido de propósito, que le permitió alcanzar un alto nivel de cualidades adquiridas necesarias para un artista y director. En tercer lugar, un entorno favorable: un entorno creativo en el que recibió impulsos para el desarrollo.

De ahí la conclusión: si una persona con inclinaciones bien definidas se encuentra en circunstancias favorables, en un entorno creativo, puede dominar de manera espontánea y profunda el método de uno u otro tipo de creatividad, formarse como una persona apta para este campo de actividad. . En este caso, los profesionales lo aceptan de buen grado en su entorno. Al mismo tiempo, una persona que ha elegido tal o cual ocupación en su profesión puede, por diversas razones (por ejemplo, inclinaciones poco brillantes o condiciones de aprendizaje desfavorables), no dominar la forma de trabajar profesionalmente, incluso habiendo recibido un documento sobre educación. Y esto se convierte en un drama: la comunidad profesional lo rechaza, no lo acepta como colega. Tales procesos son muy dolorosos. Desafortunadamente, se pueden observar en una amplia variedad de áreas de creatividad y con frecuencia. Por lo tanto, es muy importante verificar con anticipación si está listo para ingresar a un entorno profesional.

Un análisis de las circunstancias de la adaptación del estudiante de ayer a una vida profesional "adulta" nos permite afirmar que la disposición para una actividad exitosa está determinada, en primer lugar, por los siguientes puntos:

• 1) el grado de veracidad de las ideas sobre el rol social de la profesión y las características estables de las obras de este tipo de creatividad, así como su método (está claro que el camino para crear una sinfonía no es el mismo que el proceso de preparar un proyecto de ingeniería original);
• 2) una medida del desarrollo de habilidades y cualidades personales correspondientes a este tipo de creatividad;
• 3) la presencia de las habilidades y habilidades necesarias para resolver las tareas creativas principales y secundarias;
• 4) la riqueza del potencial creativo general del individuo, que depende en gran medida del nivel de su desarrollo social, intelectual y moral;
• 5) la estabilidad y calidad de la motivación profesional de la actividad (es decir, el predominio de motivos profesionalmente significativos de comportamiento creativo en la misma).

Todo esto se manifiesta más o menos claramente tan pronto como una persona se encuentra "en el campo"; en la práctica, comienza una vida creativa independiente entre los profesionales.

La experiencia demuestra que la profesionalidad se puede lograr siendo estudiante. Pero hay que tener en cuenta que tiene tres etapas. El primero, el original - capacitación. Este es un nivel de dominio de la profesión, en el que el proceso de actividad creativa es exitoso, cuando es necesario resolver problemas fundamentalmente familiares y, por lo tanto, es posible hacerlo principalmente utilizando métodos y medios ya conocidos. En tales casos, la fuente de la novedad del producto resulta ser el objeto de la actividad creativa. La novedad de un objeto es inevitablemente dominada por una persona y se refleja en el propósito del acto de creatividad, lo que significa que se materializa en un producto.

Quienes han estado en el Arbat más de una vez, probablemente, prestaron atención a los artistas que pintan retratos de la naturaleza. Como regla general, aquí no verá ninguna originalidad especial de los medios expresivos. Sin embargo, hay obras que te hacen detenerte.

La cara de un anciano sabio ... Los ojos divertidos de una niña ... La mirada desesperadamente tensa de una mujer hermosa, pero de alguna manera herida ... Probablemente, para un conocedor de las bellas artes, estas obras parecerían de poco interés, así que, copia, ¿Dónde está la creatividad aquí?

Y hay creatividad. Primero, el artista logré ver en el tema del despliegue lo irrepetible, único. En segundo lugar, logró transmitir son los medios que ha dominado. Y en tercer lugar ... Copiar significa hacer una copia, una reproducción exacta de algo. Es imposible copiar la naturaleza: siempre es mucho más rica. Uno solo puede captar su esencia y hablar de ella, pero este es siempre un proceso creativo, incluso si el autor está en el primer peldaño de la profesionalidad.

La segunda etapa del profesionalismo - habilidad. Se distingue por la capacidad de una persona para resolver nuevos problemas creativos sobre la base de técnicas y métodos dominados, a menudo en nuevas condiciones. Aquí, la novedad del producto se logra no solo por el objeto de la actividad: el objetivo del acto creativo refleja tanto nuevas tareas como nuevas condiciones, formando sus nuevas características. Aquí hay un ejemplo de la práctica de la ingeniería.

Como tarea de diploma, un estudiante del Instituto de Aviación desarrolló un proyecto para una nueva piel para el cuerpo del helicóptero, teniendo en cuenta una circunstancia importante: la máquina iba a participar en la extinción de incendios forestales. En el proceso de trabajar en el tema, el estudiante descubrió que existen tales máscaras, pero solo para aviones. Para helicópteros, los materiales utilizados no son adecuados para una serie de parámetros. Al darse cuenta de que la tarea que tenía ante él era nueva y nada educativa, comenzó su investigación estudiando las condiciones laborales de los aviadores como bomberos, además de las condiciones reales. Llevó un viaje de negocios a un destacamento de pilotos de helicópteros, pero no había dinero para ello en el instituto. Fui por mi cuenta, me dejé llevar por el negocio y no pude parar. Luego, consultas con metalúrgicos, químicos, diseñadores de helicópteros. Estudié montañas de literatura técnica, me familiaricé con publicaciones periódicas. Y sucedió una inspiración ... Cuando se sentó a calcular, sintió como si le hubieran crecido alas. Se defendió brillantemente y para la implementación del proyecto fue invitado a trabajar en una gran oficina de diseño. ¡Pero este fue en realidad su primer acto de creatividad independiente serio! Pero demostró tanto la habilidad del graduado como su motivación bien establecida para las actividades de ingeniería y diseño.

La máxima manifestación de profesionalismo - habilidad. Esta etapa es un libre vuelo en la profesión, cuando un especialista alcanza un máximo en el desarrollo de su potencial creativo y es capaz de mejorar aún más el método mismo de este tipo de creatividad. Puede manejar cualquier tarea creativa, es capaz de enriquecer los medios de actividad, para formar nuevos métodos. Naturalmente, la novedad del resultado de la creatividad se vuelve máxima. Al mismo tiempo, no todo lo que ofrece el Maestro es aceptado por sus contemporáneos: a veces sus creaciones se adelantan en su significado, y pueden pasar décadas hasta que sus ideas sean comprendidas y aceptadas. Incluso la Torre Eiffel fue inicialmente calificada de escandalosa por los parisinos. Estaban tan orgullosos de sus monumentos antiguos, y de repente una estructura de metal, como ninguna otra cosa, ascendió sobre esta belleza monumental. La gente tardó años en apreciar su ligereza y armonía, majestuosidad y delicadeza y, lo más importante, comprender que simboliza los nuevos tiempos venideros.

También hay ejemplos de este tipo en el periodismo. ¡Digamos cuántas discusiones hubo en los años 50 del siglo pasado en torno a la "Komsomolskaya Pravda" sobre el "diseño llamativo" de los números y el "yak" de los periodistas! Y hoy no sorprenderás a nadie con esto. Pero el tiempo da lugar a nuevas discusiones. El avance de las altas tecnologías de la información y la comunicación pone en la agenda la cuestión de las formas de desarrollar el periodismo, y esto actualiza las disputas de larga data sobre la legitimidad de abordarlo como una actividad creativa. La ciencia moderna sobre los medios, centrada en los aspectos comunicativos de los medios, deja sus aspectos creativos en la sombra. Esto contribuye sin saberlo a la difusión de opiniones que niegan la naturaleza creativa del periodismo. Como resultado, existe una tendencia a disminuir la calidad de los productos de información que ofrece el sistema de medios de comunicación a la sociedad. Mientras tanto, hay muchas razones para ver el producto de la creatividad incluso en una pequeña nota periodística.

Pensemos: ¿qué es esta pequeña nota en principio? Aparece en los canales de información de la sociedad, porque lleva Noticias, es decir. informa sobre algún cambio significativo en la realidad para las personas. Por lo tanto, satisface una necesidad muy importante para ellos: saber lo que está sucediendo en el mundo para poder comportarse en consecuencia. Cómo, qué medios utiliza un periodista al crear un texto es una cuestión de calidad. En principio, el mensaje sobre las noticias es la aparición en la imagen de información del día, que es necesaria para el hombre y la humanidad para una orientación social segura, un nuevo vínculo, una nueva celda, cuyo nacimiento no es en absoluto un reflejo automático. de lo que está pasando. Verifiquemos esto con un ejemplo específico. Aquí hay un breve mensaje publicado en ese momento por Komsomolskaya Pravda:

¡POR PRIMERA VEZ EN EL MUNDO, EL COCHE SUPERA LA VELOCIDAD DEL SONIDO!

1229,77 km / h - El piloto de carreras británico Andy Green corrió a tal velocidad a través del desierto en el estado estadounidense de Nevada, convirtiéndose en la primera persona del mundo en el planeta que logró superar la barrera del sonido en la tierra. El Thrust SSC fue propulsado a través del desierto por un motor a reacción Rolls-Royce. La tarea principal de los diseñadores del automóvil milagroso no era tanto proporcionar potencia al motor como mantenerlo en la superficie de la tierra. ...

Como puede ver, este texto no se diferencia en la originalidad de su presentación. Y, sin embargo, como producto de la actividad, se caracteriza por la novedad: hasta ahora, esta información no ha estado contenida en los fondos de la sociedad. No es en vano que el título "Sensación" fuera precedido del material. Evidentemente, la novedad se consigue aquí por el tema de la narración. Esta es la situación fundamentalmente cambiante en la industria automotriz. El autor cita cuatro hechos en el mensaje que demuestran este cambio:

• 1) El piloto de autos de carrera británico Andy Green corrió por el desierto en el estado estadounidense de Nevada a una velocidad de 1229,77 km / h;
• 2) el Thrust SSC fue acelerado por un motor a reacción Rolls-Royce;
• 3) Green se convirtió en la primera persona que logró superar la barrera del sonido en la tierra;
• 4) los diseñadores del maravilloso automóvil vieron su principal tarea en mantenerlo en la superficie de la tierra.

Y sin explicaciones detalladas, está claro que en realidad la situación no se puede reducir a estos cuatro hechos. También incluye muchos otros, unidos por una variedad de conexiones: el evento en Nevada estuvo precedido por mucho trabajo de diseñadores, participantes en la producción y montaje del automóvil, organizadores de pruebas, etc. Sin embargo, no se habla de ellos en el texto, el mensaje no es un reflejo de la realidad. En la cara resultado de la recepción y el procesamiento información sobre eventos válidos. Además, el procesamiento está orientado de cierta manera, de modo que al final no aparece un poema, una canción, una fórmula o una carta a un amigo, sino una nota que lleva una noticia. Pero ya lo hemos visto: tal procesamiento de la información primaria, que conduce a la aparición de un nuevo fragmento del mundo real, y forma la cara interna de cualquier proceso creativo, siempre en mayor o menor medida asociado a la actividad reproductiva. La peculiaridad en nuestro caso se debe a que los máximos esfuerzos creativos del autor van encaminados a identificar y aislar la noticia como sujeto de comunicación en sus conexiones más esenciales. Pero esta es una de las manifestaciones esenciales de la tarea creativa que está condicionada por las necesidades públicas, ¡expectativas públicas del trabajo periodístico del autor!

Has hecho una pregunta muy interesante, Alyosha. Los objetos del mundo material de los que habla, en su versión original, son sin duda el resultado de la creatividad. Fantaseamos un poco: imaginemos cómo, por ejemplo, apareció una rueda.

La vida presentaba a las personas una tarea para la que no tenían los medios: ¿cómo acelerar el movimiento? ¿Cómo facilitar la entrega de pesos pesados? ... Y entonces, un día, alguien Brainy llamó la atención: una piedra redonda sale corriendo de la montaña mucho más rápido que sus contrapartes de múltiples formas. Una imagen apareció en el ojo mental de una persona: ¡un círculo rodaba por la carretera! (Diríamos ahora: un aro). Y Brainy se puso manos a la obra. Comenzó a seleccionar material, herramientas que fueran adecuadas para el negocio, mientras la mente y las manos estaban en sintonía todo el tiempo: vio - lo pensó - hizo - apreció - descartó - tomó otro material ... Por ensayo y error, Finalmente encontré lo que le convenía ... ¡Hizo un aro! Nació la rueda.

Por supuesto, las circunstancias externas del proceso de la invención podrían ser muy diferentes. Pero su esencia, presumiblemente, consistía precisamente en esto: descubrimiento - diseño - experimento - encarnación del diseño ... Pero ahora mire: una rueda es un objeto material; no cabe duda de que es fruto de la creatividad. Pero, ¿qué determinó su nacimiento?

- ¡Información! El procesamiento de la sustancia, aunque fuera de gran volumen, fue dirigido por equipos de información. Y nacieron sobre la base del procesamiento, la recombinación de información. - acumulado antes y entrante de nuevo. Resulta - "en el principio era la palabra"?

- En cierto sentido, sí. Al principio había un "producto de información", una imagen mental del objeto de necesidad, que se convirtió en el objetivo de la actividad. Puede existir en forma de palabra o representación (visual, auditiva, táctil), pero en realidad esta imagen es siempre un modelo superador del resultado futuro de una actividad, que se convierte en su objetivo y dirige todo su proceso.

- Otra circunstancia interesante es sorprendente: resulta que la actividad incluye principios materiales y espirituales en todos los casos, al crear tanto productos materiales como productos de información.

¡Exactamente! Los científicos dicen: la actividad humana es una unidad de procesos de control de información y de energía material, y ambos están mediados, es decir, incluyen herramientas de actividad: herramientas de signos y energía material. Pero la proporción del volumen de estos procesos y la dirección de la actividad al crear productos materiales y al crear productos de información difieren significativamente. Y todo esto se aplica no solo a la creatividad, sino también a la actividad reproductiva, diseñada para reproducir, replicar realidades una vez creadas.

- YO SOY, quizás me comprometa a determinar las diferencias entre ellos ...

- ¿Entre actividades creativas y reproductivas? Probablemente, ¿quiere decir que uno fluye en agonía, mientras que el otro puede irse automáticamente?

- Esto, por supuesto, es cierto, pero tenía algo más en mente. El objetivo de la actividad reproductiva es, por así decirlo, dado a una persona desde el exterior, pero el objetivo de la creatividad nace dentro, parece que al principio no está, viene después ...

- Estás cerca de la verdad. El objetivo de la actividad reproductiva, incluso si una persona se lo fija, se le da en una forma terminada: siempre representa una imagen de un objeto ya existente que necesita ser replicado. Y el objetivo de la creatividad finalmente se forma en el curso del proceso creativo:

en un primer momento, se afirma como un problema que no tiene solución y provoca una actividad dirigida a la búsqueda. Esta búsqueda es la etapa inicial de cualquier acto de creatividad: hay una acumulación consciente o inconsciente de información - la "materia prima" necesaria para procesar en un plan específico, en una meta específica - una anticipación mental del resultado. El mismo resultado se obtiene en medio de la realización del plan, y aquí no se puede prescindir del esfuerzo físico y los costos de materiales y energía.

- Ahora entiendo por qué al comienzo de nuestra conversación dijiste:

"Objetos del mundo material en su versión original ..." Los mismos edificios ... La mayoría de ellos hoy en día se crean de acuerdo con proyectos estándar, ¡pero el primer proyecto fue creativo!

- ¡No solo el primero! ¿Has visto alguna vez las casas de los artesanos del pueblo? Puede encontrar cabañas únicas: funcionalmente todo está ingeniosamente inventado y la apariencia es agradable a la vista. Por cierto, la arquitectura es un tipo de creatividad, donde el enfoque en satisfacer las necesidades materiales y espirituales de una persona está igualmente representado (o puede representarse). Las creaciones de grandes arquitectos, que resolvieron problemas aparentemente utilitarios, emocionan como obras de arte. Pero incluso en ellos, si miras de cerca, siempre encontrarás componentes que han surgido sobre la base de la reproducción. Barcelona tiene edificios asombrosos diseñados por Antoni Gaudi, se le llama el inventor de la arquitectura. Volúmenes curvos de edificios, tejados ondulados, balcones en forma de flor ... ¡Pero tejados, balcones! Desde el punto de vista funcional, los elementos de la vivienda humana se reproducen, repiten y, desde el punto de vista estético, son únicos. Y esta característica es visible en todas las manifestaciones de la creatividad: hace que lo repetitivo sea único. Ningún creador puede prescindir de "inclusiones" de la actividad reproductiva. Pero incluso en los casos en que la meta le es dada por circunstancias o personas, la transforma de tal manera que, encarnando, da un resultado sin precedentes.

- Esto también se aplica a la creación de obras ... quiero decir, a la creación de productos de información. ¿Tampoco hay creatividad "pura" allí?

De hecho, generalmente es difícil encontrar algo "en su forma pura". Y en cuanto al entretejido de los principios reproductivo y creativo ... La cuestión está en la relación entre uno y otro, en lo dominante, lo principal. Dime: ¿hay elementos reproductivos en "Eugene Onegin" de Pushkin?

- ¡Ofendes a Pushkin! Es reconocido por todos: "Eugene Onegin" es una nueva palabra en la poesía.

- Pero en ¡poesía! Esto significa que también contiene algunas características comunes y recurrentes de una obra poética. Bueno, piensa: ¿no es así? Ritmo, rima ... Son signos de un texto poético, y Alexander Sergeevich los reproduce. Otra cosa es que les insufló algo único. La famosa estrofa de Onegin nació ...

- Sí ... Entonces resulta que cada tipo de creatividad tiene algún ... ¡algún tipo de mensaje reproductivo!

- ¡Por supuesto! Veamos de dónde viene este mensaje, quizás realmente pueda llamarse así. Y aquí tenemos que mirar la creatividad desde otro lado. Después de todo, ¿todavía no hemos dicho que la creatividad es trabajo?

- ¡Pero no hace falta decirlo!

- Oh, por supuesto. Sin embargo, también aquí hay puntos sobre los que me gustaría llamar la atención. Primero, se cree que esto no es solo trabajo, sino la forma más elevada de trabajo. Y en segundo lugar ... Sin embargo, no nos apresuremos, veamos todo en orden.

Como saben, el trabajo es la manifestación más importante de la actividad humana; con la ayuda del trabajo, una persona se proporciona las condiciones necesarias para su existencia. La ciencia moderna interpreta el trabajo como una actividad destinada a crear un producto socialmente útil que pueda satisfacer las necesidades materiales o espirituales de una persona. En consecuencia, podemos determinar fácilmente la esencia social de la creatividad es un trabajo destinado a crear sustancialmente nuevo un producto que satisface las necesidades materiales o espirituales de las personas. En una sociedad desarrollada, la creatividad, como cualquier trabajo, está institucionalizada y adquiere un carácter especializado. ¿Qué significa esto?

Una persona tiene muchas necesidades. La sociedad como organismo que une a las personas tiene aún más de estas necesidades. (Entre ellos se encuentran, por ejemplo, la necesidad de mejorar los medios de actividad, los medios de trabajo.) El desarrollo del sistema de necesidades, su diferenciación son continuos. Para obtener ciertos objetos para su satisfacción, se necesitan las áreas de creatividad correspondientes. Y surgen, tomando forma en determinadas instituciones sociales: organizaciones, asociaciones, instituciones. Todas estas áreas están subordinadas a las leyes generales de la creatividad, y por eso están unidas. Pero cada uno de ellos también tiene sus propias leyes, y esto los separa, les informa de su especificidad (es más correcto decir, constituye su especificidad).

Esta especificidad se refleja en las ideas de las personas sobre algunos rasgos comunes de los productos de un tipo particular de creatividad, sus rasgos característicos. Ya un niño de tres años, en respuesta a una oferta para bailar, no recitará una rima ni cantará una canción; girará o saltará en el baile.

- ¡Además, pedirá acompañamiento musical!

- Exactamente. Tales ideas se forman espontáneamente y su papel en el desarrollo de la personalidad humana es muy significativo:

actúan, en cierto sentido, como un incentivo para una prueba de creatividad, un mensaje, como usted notó. Pero para la sociedad en su conjunto, estas ideas son de gran importancia: en el proceso de división del trabajo, en el proceso de especialización de la creatividad, se mejoran a partir del conocimiento científico emergente, se refinan y comienzan a actuar como generadoras. modelos de un tipo particular de actividad creativa que se puede dominar.Forman una especie de semáforos que iluminan la pista del aeródromo:

para "encajar" en él al aterrizar, hay que seguir una ruta determinada.

- Bueno, sí, lo entiendo ... El proceso de la creatividad es un “avión”, cuyo rumbo en el “campo de despegue” está marcado por tal modelo generativo. Por eso surgen lienzos pintorescos bajo el pincel del artista, estatuas bajo el cincel del escultor y los proyectos de ingeniería se convierten en máquinas.

- Por cierto, esta es precisamente la razón por la que el trabajo de un periodista no resulta en una sinfonía, ni en una ópera, ni en un poema, sino en un trabajo periodístico.

Tome las artes escénicas. A primera vista, parece que se trata de una simple réplica de obras maestras que alguna vez se presentaron al mundo. ¡Pero recordemos cuán diferentes son a veces las imágenes que nacieron de diferentes intérpretes sobre la misma base literaria o musical! Debe asumirse que aquí esta misma base se utiliza como modelo generativo para la creación de nuevas creaciones únicas de la mente y el alma humanas. En la historia de la cultura, los roles de ballet de Galina Ulanova y Maya Plisetskaya, los programas de conciertos de Emil Gilels y Svyatoslav Richter, las actuaciones de Anatoly Efros y Mark Zakharov, los roles interpretados por Faina Ranevskaya, Yuri Nikulin, Lyubov Orlova se conservarán como los mejores valores ...

- Sin embargo, me parece que existe un grave peligro para la creatividad en todos estos modelos generativos: ¡la estandarización!

- Alfombrilla de ratón. Las personas con bajo potencial creativo a menudo están expuestas a él. Has escuchado esta definición: "artesano". Simplemente dice que en este caso, el "plano" de la creatividad no logra romper con la "pasarela". Ha subido, tal vez un poco, y vuelve a descender al plano del modelo generador. Y supone "un aumento de volúmenes", sin embargo, ya hemos hablado de esto. Las casas de Gaudí, aunque en casa, son al mismo tiempo algo absolutamente fantástico, cautivando por la audacia de penetrar en las conexiones invisibles entre el hombre y la naturaleza.

- Pero aquí está la cuestión ... Nosotros, en el entorno estudiantil, a menudo discutimos: ¿qué es el periodismo, la creatividad o el oficio? ¿Quizás todavía muestren la sensación de que nuestra profesión no es muy creativa?

- O hablaremos de la esencia de nuestra profesión un poco más adelante. Mientras tanto, hablemos de esta oposición: creatividad o artesanía. De hecho, me parece incorrecto. El concepto de "artesanía" nació en el ámbito de la producción material, y su significado directo es muy específico: la fabricación de productos a mano, artesanías, en la mayoría de los casos - individualmente.

¡Tal fabricación no excluye en absoluto las soluciones creativas! Por otro lado, la producción artesanal involucró conocimiento del caso, es decir, la capacidad de realizar bien los elementos reproductivos de actividades enfocadas en copiar productos ya existentes - de acuerdo con el orden social para su replicación. Y este "otro lado" dio un comienzo en la vida al significado figurativo del concepto de "artesanía": la capacidad de actuar sobre la base de soluciones ya existentes, y nada más. En otras palabras, la palabra "artesanía" se ha convertido en realidad en sinónimo del concepto de "actividad reproductiva". Pero tú y yo ya lo hemos descubierto: cualquier tipo de creatividad en un grado u otro incluye el principio reproductivo, prácticamente no hay “creatividad pura” que se pueda encontrar. Se trata de cómo se relacionan, reproductivas y creativas, en la forma misma de la creatividad y en la motivación del creador.

Y ahora, Alyosha, me gustaría volver a tu pregunta, de la cual comenzaron nuestras conversaciones. Es posible ...

- ... para enseñar creatividad? Creo que ahora yo mismo puedo responder. No se puede enseñar creatividad, pero la artesanía como elemento del proceso creativo es posible y necesaria. ¿Es eso así?

- Podrías decirlo. Pero prefiero no usar significados figurativos cuando se trata de problemas teóricos. Por tanto, mi respuesta sonará así: sí, no se puede enseñar creatividad, pero se puede enseñar de forma profesional una u otra actividad creativa, cuya estructura es bastante compleja y de ninguna manera se reduce al aspecto técnico del asunto. .

En una sociedad desarrollada, todos los ámbitos de la creatividad conocen dos formas de organización: la creatividad amateur y la profesional. Toda creatividad nace como aficionado. Esta es la primera fase de su desarrollo, la forma inicial de organización. Se destaca por el hecho de que la actividad creativa se lleva a cabo fuera del marco de las funciones oficiales, sin una formación especial y una estricta responsabilidad por la calidad del resultado. Su área es elegida por una persona de manera espontánea, dependiendo de las inclinaciones en las que se manifiesta la naturaleza de las inclinaciones de la personalidad. (Por cierto, Goethe comentó sobre este punto que nuestros deseos ya contienen un presentimiento de las posibilidades de realizarlos).

La creatividad profesional, por otro lado, se forma sobre la base de la creatividad amateur en el curso del proceso de división del trabajo. Se caracteriza por el hecho de que se convierte en la ocupación principal de una persona, se lleva a cabo en el marco de la cooperación con una determinada comunidad profesional, se asocia con el desempeño de los deberes oficiales relevantes y con la responsabilidad por la calidad del resultado. Y aquí surge la necesidad de una formación especial.

Cómo esencialmente¿Existe alguna diferencia entre la creatividad amateur y la profesional? Solo una cosa: la primera es espontáneo adherencia a las leyes de este tipo de actividad, y la segunda se basa en lo fijo en la actitud profesional estudio consciente estos patrones y el deseo de seguirlos.

- Pero, en mi opinión, con el surgimiento de la creatividad profesional, ¡el aficionado no está en absoluto inclinado a morir!

- ¡Indudablemente! Existe en paralelo: es producido por la naturaleza creativa del hombre. Al mismo tiempo, las situaciones no son infrecuentes en las que los clásicos surgen de los aficionados, y otros profesionales no pueden compararse con los aficionados promedio. ¿Cómo se puede explicar esto?

- ¡Probablemente una medida diferente de talento!

- En parte sí. Pero no es solo eso. Tratemos de entender qué es la sal, usando un ejemplo específico. Recordemos cómo se desarrolló la formación de un amante del teatro, que se convirtió en un reformador del teatro, el conocido Konstantin Sergeevich Stanislavsky. Primero, por supuesto, hay un alto nivel de inclinaciones de personalidad, que se convierten en talento con el tiempo. En segundo lugar, un asombroso sentido de propósito, que le permitió alcanzar un alto nivel de cualidades adquiridas necesarias para un artista, para un director. En tercer lugar, un entorno favorable, un entorno creativo en el que recibió impulsos de desarrollo ... Entonces: resulta que si una persona con inclinaciones bien definidas se encuentra en circunstancias favorables, en un entorno creativo, puede de manera espontánea y suficientemente profunda dominar el método de esta u otra forma de creatividad, para formarse como una persona apta para este campo de actividad. Y luego los profesionales lo aceptan voluntariamente en su entorno. Al mismo tiempo, una persona que ha elegido tal o cual negocio como su trayectoria profesional puede, por diversas razones (por ejemplo, inclinaciones poco ricas o condiciones de aprendizaje desfavorables), no dominar la forma profesional de trabajar, incluso habiendo recibido un título. certificado de educación. Y esto se convierte en un drama: la comunidad profesional lo rechaza, no lo acepta como colega. ¡Qué dolorosos son estos procesos! Por desgracia, se pueden observar en una variedad de áreas de creatividad y con frecuencia.

- ¡No te asustes, por favor! No me gustaría vivir a través de un Lama así. ¡Y de alguna manera puedes comprobar si estás listo o no para entrar en un entorno profesional!

- Puedes trabajar. Un análisis de las circunstancias de la adaptación del estudiante de ayer a una vida profesional "adulta" muestra que la disposición para una actividad exitosa está determinada principalmente por esos momentos.

¿Por qué necesitas conocer el nivel creativo de los chicos? Es imposible comprender la psicología de una persona sin comprender cuáles son sus habilidades creativas, es imposible comprender la psicología de una persona sin comprender cuáles son sus habilidades creativas. la creatividad es siempre la encarnación de la individualidad, es una forma de autorrealización de la personalidad; es una oportunidad para expresar su actitud especial y única hacia el mundo.La creatividad es siempre la encarnación de la individualidad, es una forma de autorrealización del individuo; es una oportunidad para expresar su actitud especial y única hacia el mundo.

La creatividad es armonía inconsistente, choque predecible, revelaciones habituales, sorpresa familiar, egoísmo generoso, duda confiada, tenacidad inconsistente, bagatela vital, libertad disciplinada, constancia embriagadora, esfuerzo repetitivo, alegría pesada, ruleta predecible, variedad efímera, firmeza exigente, misma indulgencia, expectativa de la sorpresa inesperada y habitual (Prince JM Practice of creative. - Nueva York, 1970)

Un proyecto de formación es una forma organizativa de trabajo que se centra en el estudio de un tema de formación completo o sección de formación. En la escuela, puede verse como una actividad conjunta educativa y cognitiva, de investigación, creativa o lúdica de los alumnos socios, teniendo un objetivo común, métodos consensuados, métodos de actividad orientados a lograr un resultado común en la resolución de cualquier problema que sea significativo para el participante del proyecto. actividades conjuntas de investigación educativa y cognitiva, creativas o lúdicas

El proyecto se centra completamente en el programa y el plan de estudios actuales. El proyecto se centra completamente en el programa y el plan de estudios actuales. Un enfoque exploratorio de los materiales recopilados y analizados. Un enfoque exploratorio de los materiales recopilados y analizados. Las actividades del proyecto curricular ayudan a los estudiantes a interpretar, evaluar y organizar la información. Las actividades del proyecto curricular ayudan a los estudiantes a interpretar, evaluar y organizar la información. Utilizando una amplia gama de fuentes primarias. Utilizando una amplia gama de fuentes primarias. Se basa en la tecnología del aprendizaje en colaboración. Se basa en la tecnología del aprendizaje en colaboración. El trabajo lo llevan a cabo todos los miembros del grupo. El trabajo lo llevan a cabo todos los miembros del grupo.