El arte ha existido en la vida humana desde la antigüedad. Nuestros antepasados pintaban siluetas de animales en las paredes de las cuevas con carbón y jugos de plantas. Gracias a los fragmentos sobrevivientes de su trabajo, ahora imaginamos cómo los antiguos obtuvieron comida, recibieron fuego y cómo era su vida.
Gracias al arte, una persona se inspira, se revela espiritualmente, puede transmitir sus sentimientos y pensamientos a otras personas. Por ejemplo, las pinturas modernas al estilo del "abstraccionismo" se han puesto de moda. Muchos no entienden cómo algunas manchas caóticas en el lienzo pueden costar mucho dinero, ¿qué tienen de hermoso? Pero si miras de cerca, sentirás cómo la imagen transmite el estado de ánimo. Las manchas difuminadas evocan melancolía, consideración o agresión, las brillantes al contrario: alegría, diversión o incluso pasión. Es por estos sentimientos que los conocedores están dispuestos a pagar un dinero fabuloso a un artista que ha logrado "representar un sentimiento con color". Hay fotografías de una belleza realmente increíble cuando es impresionante mirarlas, y es difícil creer que esto no sea una fotografía. Paisajes encantadores, animales, retratos de personas. La habilidad de dibujar maravillosamente es un arte.
La pintura no es el único arte. Hay muchas más formas de creatividad e implementación de diferentes ideas. La gente esculpe estatuas de varias formas a partir de piedras y arcilla, decora las fachadas de los edificios con molduras de estuco e incluso aprendió a construir ciudades de hielo. Hermosos toboganes iluminados y estatuas a menudo adornan las plazas de la ciudad en la víspera del Año Nuevo.
La cinematografía y la escritura se pueden llamar arte con seguridad. Estas dos cosas magníficas son capaces de separar completamente al lector o espectador de la realidad y sumergir cualquier cosa en el maravilloso mundo. Puede ser fantasía, aventura, salvaje oeste, espacio, drama, historia, ciencia o incluso terror. Hay muchos géneros diferentes.
El arte se encuentra en todas partes. V mundo moderno muchas profesiones diferentes dedicadas a la creatividad. Los fotógrafos son casi colegas de artistas, su diferencia es la inutilidad de los lienzos y pinturas, capturan el mundo con el clic de una cámara. Las imágenes también tienen su propio carácter, estilo y estado de ánimo.
Los diseñadores son profesionales que modelan ropa, interiores, paisajes en patios, exteriores de automóviles e interiores, edificios en exteriores y mucho más. Todo esto se hace para que estas cosas sean agradables a la vista. Para que agraden a la gente o provoquen otros sentimientos. Por ejemplo, el estilo de la ropa puede enfatizar el carácter y las preferencias de una persona, resaltar la brutalidad de un hombre o la fragilidad de una mujer, su estilo de vida y gustos.
Si hablamos de una dirección en el arte que puede transmitir el estado de ánimo mejor que otras, ¡entonces esto es música! Las melodías nos hacen sentir una variedad de sentimientos: nostalgia, tristeza o felicidad y amor. La música apareció hace mucho tiempo y no hay una sola persona que no la amaría.
Sin arte, la vida no sería como la vemos ahora. No podríamos entendernos mejor, transmitir nuestros sentimientos emocionales y compartir partes de nosotros mismos. El mundo sería completamente gris y aburrido. ¡Es bueno que podamos crear!
opcion 2
En nuestro mundo moderno, la mayoría de la gente cree que el arte no afecta la vida de una persona. Las personas dan la principal contribución a la calidad de vida, la conveniencia y la comodidad a la ciencia, que explica cómo se organizan el mundo y el hombre. Los descubrimientos científicos hacen que las personas se olviden de la importancia de la creatividad. A pesar de que la ciencia realmente juega uno de los roles más importantes en la vida humana, uno no debe olvidarse del papel del arte en la vida humana.
Para comprender la necesidad del arte, intente imaginar cómo sería la vida de las personas sin él. ¿Qué pasaría si no hubiera libros, música, películas o pinturas en nuestro mundo? ¿Qué forma de vida adquiriría la gente sin la oportunidad de relajarse escuchando música, la oportunidad de ver sus películas favoritas, ir al teatro, a un concierto o leer un libro?
Se han realizado muchos descubrimientos científicos a través de la creatividad. La ciencia no se desarrollará de ninguna manera sin la imaginación de las personas. Las personas serán como robots insensibles, en cuya cabeza sólo habrá necesidades fisiológicas básicas. Incluso en la antigüedad, sin un enfoque creativo, la gente no habría evolucionado a los resultados actuales.
Recuerda las emociones que sientes al escuchar tus canciones favoritas. Cuánta adrenalina se liberó al ver una película de acción o de terror, cuánto en la infancia todos esperaban un nuevo episodio de la caricatura, cómo los padres leían un cuento de hadas antes de acostarse. Algunas obras de arte son capaces de tocar las cuerdas del alma y provocar una tormenta y una oleada de diversas emociones.
Sin arte, la imaginación y los pensamientos de las personas se desvanecerán y serán escasos, llenos solo de vacío. Sin arte, la ciencia no será tan interesante, porque no habrá más descubrimientos a través de enfoques creativos. El arte existe para despertar las emociones de una persona, motivarla, entristecerla o alegrarla, inspirarla y darle las pistas necesarias en el camino de su vida.
Una persona no puede ser feliz si no tiene emociones. Cada persona se desarrolla espiritualmente a lo largo de su vida. No hay gente en nuestro mundo que sea indiferente a cualquier tipo de creatividad. El arte fue, es y será relevante en la vida de las personas. El arte enseña moralidad a las personas y las encamina por el camino correcto en la vida, desarrollando en él sentimientos espirituales, estéticos y morales.
Composición 3
La humanidad está evolucionando a grandes pasos. Se están construyendo casas muy inusuales, se están aprendiendo nuevos datos experimentales, se están aprendiendo el espacio y el océano, nuevos y modernos tecnologías de la información... Todo esto es un campo de la ciencia. Y, por supuesto, juega un papel muy importante en nuestro desarrollo. Sin embargo, hay algo que, junto con la ciencia, no se puede rechazar y se está desarrollando a gran velocidad. Esto es arte.
Estos o aquellos tipos de arte comenzaron a manifestarse desde la aparición del hombre como especie. Las tallas rupestres, el procesamiento de pieles de animales como ropa y luego el tallado de falsificaciones, la quema de adornos y más, fueron las primeras obras de arte. Con el tiempo, el arte se ha expandido y atraído cada vez a más personas. Luego se convirtió en una rama separada del conocimiento y las habilidades humanas. Los genios nacieron y crearon obras maestras: grandes libros y pinturas, esculturas y monumentos arquitectónicos. Todo esto se desarrolló lo suficientemente rápido y con gran pasión. Comenzaron a enseñar arte, y ahora nuestro país y el mundo entero posee cursos especiales en muchos tipos de creatividad, así como instituciones de educación secundaria y superior especializadas para la preparación de nuevos artistas.
El papel del arte para la humanidad es grandioso. Esta área de la vida no solo dio a luz a toda la cadena evolutiva, no solo nos dotó de pinturas, libros y música increíbles, sino que también nos brindó a cada uno de nosotros una oportunidad increíble: disfrutar. Obtenemos placer estético cuando miramos los productos de la pintura y la arquitectura. Podemos satisfacer nuestras necesidades de desarrollo espiritual mediante la lectura de obras maestras literarias. Las funciones del arte son también desarrollar la fantasía, el talento, la capacidad de sentir la belleza en cada persona. Gracias a la creatividad, una persona aprende la profundidad de su alma, revela todo el mundo interior y sus habilidades y talentos inherentes, y también desarrolla el gusto y el sentido del estilo.
Por supuesto, todo lo anterior no se aplica a las necesidades humanas básicas, como el mantenimiento de la vida y la descendencia. ¡Pero piensa cómo sería la vida si no fuera por el arte! De hecho, mucha, muchísima gente encuentra consuelo en él. Para todos los grandes escritores, músicos, actores y artistas, el arte es la pasión y el deleite de toda su vida. Crean cuando están inspirados, crean cuando no están contentos. Escribiendo poemas, trabajando sobre sinfonías, no solo se revelan a sí mismos, revelan la peculiaridad de toda la época en la que viven, el estado de ánimo de los contemporáneos, la forma de vida establecida en ese momento en particular y los hechos que afectan este período de tiempo.
No se debe subestimar el papel del arte en la vida humana. Esta área de actividad nunca perderá su relevancia. Para cada trabajador del arte, esto es una pasión y toda una vida. Para toda la humanidad, el arte es de gran beneficio, preservando los monumentos de la creatividad, poniéndose en el camino del desarrollo y sacando a la luz componentes morales, sensuales y estéticos en toda la población del planeta.
Existe el mito de que Catalina II ordenó un gran mapa de Rusia y lo recorrió, reflexionando sobre el tamaño del Imperio Ruso y su importancia para el mundo.
Fue esta obra la última que pudo completar el escritor. En este trabajo, mostró al lector toda la verdad sobre los terratenientes y lo que realmente son.
Las obras del notable escritor Moliere reflejan los principales problemas y fenómenos que sucedieron en su país en el siglo XVIII, y también en ellas revela los principales puntos.
1. La finalidad del art.
La pregunta es qué papel juega el arte en vida humana, es tan antiguo como los primeros intentos de su comprensión teórica. Es cierto, como señala L.N. Stolovich , en los mismos albores del pensamiento estético, a veces expresado en forma mitológica, de hecho, no había duda. Después de todo, nuestro antepasado lejano estaba seguro de que perforar la imagen de un bisonte con una flecha real o dibujada significa asegurar una caza exitosa, realizar una danza guerrera significa seguramente derrotar a nuestros enemigos. La pregunta es, ¿qué dudas podría haber sobre la efectividad práctica del arte si estuviera entretejido orgánicamente en la vida práctica de las personas, fuera inseparable del oficio que creó el mundo de los objetos y cosas necesarias para la existencia de las personas? asociados a rituales mágicos, ¿gracias a los cuales la gente buscaba influir en el entorno de su realidad? No es de extrañar su creencia de que Orfeo, a quien la mitología griega antigua atribuye la invención de la música y la versificación, podía, con su canto, arquear las ramas de los árboles, mover piedras y domesticar animales salvajes.
El mundo de las imágenes artísticas, según las creencias de los pensadores y artistas antiguos, "imitando" la vida, se convirtió en una parte integral de la verdadera vida de una persona. Eurípides, por ejemplo, escribió:
No, no me iré, Musas, tu altar ...
No hay verdadera vida sin arte ...
Pero, ¿cómo afecta a una persona el maravilloso mundo del arte?
La estética antigua ya intentó dar respuestas a esta pregunta, pero no fueron inequívocas. Para Platón, quien reconoció solo las obras de arte que fortalecen los fundamentos morales de un estado aristocrático, enfatizó la unidad de la efectividad estética del arte y su significado moral.
En la "imitación" de la realidad, según Aristóteles, el arte se basa en la capacidad del arte para ejercer un impacto moral y estético en una persona, moldeando la naturaleza misma de sus sentimientos: los mismos sentimientos y ante la realidad ”.
Historia cultura artística Capturó muchos casos en los que la percepción del arte servía como impulso directo para realizar determinadas acciones, para cambiar la forma de vida. Despues de leer romances caballerescos El pobre hidalgo Kehana se convirtió en Don Quijote de La Mancha y se fue sobre un flaco Rocinante a hacer justicia en el mundo. La propia imagen de Don Quijote se ha convertido desde entonces en un nombre familiar, ha servido como ejemplo a seguir ya en vida real.
Así, vemos que los orígenes del arte están en la realidad, pero una obra de arte es un mundo especial que presupone una percepción diferente a la percepción de la realidad de la vida. Si el espectador, tomando el arte por la realidad, intenta establecer la justicia matando físicamente al actor que interpreta al villano, disparando a la pantalla de cine o arrojándose a la imagen con un cuchillo, amenazando al novelista, preocupándose por el destino del héroe de la película. novedoso, entonces todos estos son síntomas obvios o patología mental en general. o al menos la patología de la percepción artística.
El arte no actúa sobre ninguna habilidad y fuerza humana, ya sea la emoción o el intelecto, sino sobre una persona en su conjunto. Forma, a veces inconsciente, inconscientemente, el mismo sistema de actitudes humanas, cuya acción se manifestará tarde o temprano y, a menudo, de manera impredecible, y no persigue simplemente el objetivo de impulsar a una persona a una acción en particular.
La genialidad artística del célebre cartel de D. Moore “¿Te has apuntado como voluntario?”, Tan ampliamente promocionado durante la Segunda Guerra Mundial, radica en que no se limita a una tarea pragmática momentánea, sino que apela. a la conciencia humana a través de todas las habilidades espirituales de una persona. Aquellos. el poder del arte consiste en apelar a la conciencia humana, despertando sus capacidades espirituales. Y en esta ocasión, puedes citar las famosas palabras de Pushkin:
Parece que ese es el verdadero propósito del arte.
El arte no se vuelve obsoleto. En el libro del filósofo académico I.T. "Perspectives of Man" de Frolov contiene argumentos sobre por qué el arte no se vuelve obsoleto. Así, en particular, señala: “La razón de esto es la originalidad única de las obras de arte, su carácter profundamente individualizado, que en última instancia está condicionado por la apelación constante al hombre. La unidad única del hombre y el mundo en una obra de arte, la "realidad humana", reconocida por él, distingue profundamente el arte de la ciencia no solo por los medios utilizados, sino también por su objeto mismo, siempre correlacionado con la personalidad del artista. , su cosmovisión subjetiva, si bien la ciencia tiende a salir más allá de estos límites, aspira a lo "sobrehumano", guiada por el principio de objetividad. Por tanto, la ciencia también se esfuerza por una estricta no ambigüedad de la percepción del conocimiento por parte de una persona, encuentra el medio adecuado para ello, su propio lenguaje, mientras que las obras de arte no tienen tal singularidad: su percepción, refractando a través del mundo subjetivo de un persona, genera toda una gama de matices y tonos profundamente individuales que hacen que esta percepción sea inusualmente diversa, aunque subordinada a una cierta dirección, tema común» .
Este es precisamente el secreto del extraordinario impacto del arte en una persona, su mundo moral, estilo de vida, comportamiento. Volviendo al arte, una persona va más allá de los límites de la no ambigüedad racional. El arte revela lo misterioso, no susceptible de conocimiento científico. Por eso una persona necesita el arte como parte orgánica de lo que está contenido en sí mismo y en el mundo que conoce y disfruta.
El renombrado físico danés Niels Bohr escribió: "La razón por la que el arte puede enriquecernos es su capacidad para recordarnos armonías más allá del alcance del análisis sistemático". En el arte, los problemas a menudo se destacan para toda la humanidad, "eternos": lo que es el bien y el mal, la libertad, la dignidad humana. Las condiciones cambiantes de cada época nos obligan a resolver estos problemas de nuevo.
2. El concepto de arte.
La palabra "arte" se usa a menudo en su significado original y muy amplio. Esto es cada sofisticación, cada habilidad, dominio en la implementación de cualquier tarea, requiriendo algún tipo de perfección en sus resultados. En un sentido más estricto de la palabra, esto es creatividad"Según las leyes de la belleza". Obras de arte, como obras Artes Aplicadas, se crean de acuerdo con las "leyes de la belleza". Las obras de todo tipo de creación artística contienen en su contenido una conciencia generalizadora de la vida que existe fuera de estas obras, y ésta es principalmente la vida humana, social, nacional-histórica. Si el contenido de las obras de arte contiene una conciencia generalizada de vida historica Entonces en él, por tanto, es necesario distinguir entre el reflejo de algunos rasgos generales, esenciales de la vida misma y la conciencia del artista generalizándolos.
Una obra de arte, como todos los demás tipos de conciencia social, es siempre la unidad del objeto cognoscible en ella y el sujeto que conoce este objeto. El "mundo interior" conocido y reproducido por el artista lírico, incluso si es su propio "mundo interior", es siempre el objeto de su conocimiento - conocimiento activo, que contiene la selección de las características esenciales de este " paz interior»Y su comprensión y valoración.
Esto significa que la esencia de la creatividad lírica radica en el hecho de que generalmente reconoce principalmente las peculiaridades de las experiencias humanas, ya sea en su propio estado y desarrollo temporal, o en su enfoque en el mundo exterior, por ejemplo, en el fenómeno de la naturaleza. como en la letra del paisaje.
La epopeya, la pantomima, la pintura, la escultura tienen grandes diferencias entre sí, derivadas de las peculiaridades de los medios y métodos de reproducir la vida en cada uno de ellos. Y sin embargo, todas son artes visuales, en todas ellas se reconocen en sus manifestaciones externas los rasgos esenciales de la vida histórico-nacional.
En una sociedad primitiva anterior a las clases, el arte como un tipo especial de conciencia social aún no existía de forma independiente. Fue entonces en unidad indiferenciada, indiferenciada con otros aspectos de la conciencia sincrética y la creatividad que la expresa - con mitología, magia, religión, con leyendas sobre la vida tribal pasada, con conceptos geográficos primitivos, con exigencias morales.
Y luego el arte en el sentido propio de la palabra se desmembró con otros aspectos de la conciencia social, destacándose entre ellos en su especial variedad específica. Se ha convertido en una de las formas de desarrollo de la conciencia social. diferentes naciones... Por lo que debe tenerse en cuenta en sus cambios posteriores.
Así, el arte es una variedad especial rica en contenido de la conciencia de la sociedad, es un contenido artístico, no científico ni filosófico. L. Tolstoi, por ejemplo, definió el arte como un medio de intercambio de sentimientos, oponiéndolo a la ciencia como medio de intercambio de pensamientos.
El arte a menudo se compara con un espejo reflectante. Esto no es exacto. Sería más exacto decir, como señaló Nezhnov, autor del folleto "El arte en nuestra vida": el arte es un espejo especial con una estructura única e inimitable, un espejo que refleja la realidad a través de los pensamientos y sentimientos del artista. . A través del artista, este espejo refleja aquellos fenómenos de la vida que atrajeron la atención del artista, lo emocionaron.
3. Socialización artística de la personalidad y formación del gusto estético.
Introducción 3
1. La esencia del arte y su lugar en la vida de una persona y la sociedad 4
2. El surgimiento del arte y su necesidad para los humanos 8
3. El papel del arte en el desarrollo de la sociedad y la vida humana 13
Conclusión 24
Referencias 25
Introducción
Una persona entra en contacto con el arte todos los días. Y, por regla general, no en los museos. Desde el nacimiento y durante toda su vida, las personas están inmersas en el arte.
El edificio del hotel, la estación, la tienda, el interior del apartamento, la ropa y Joyas pueden ser obras de arte. Pero puede que no sea así. No todo servicio de pintura, estatua, canción o porcelana se considera una obra maestra. No existe una receta en la que se establezca con precisión qué y en qué proporciones deben combinarse para hacer una obra de arte. Sin embargo, puede desarrollar su capacidad para sentir y apreciar la belleza, lo que a menudo llamamos gusto.
¿Que es arte? ¿Por qué tiene tal poder mágico sobre una persona? ¿Por qué la gente viaja miles de kilómetros para ver con sus propios ojos las grandes obras del arte mundial: palacios, mosaicos, pinturas? ¿Por qué los artistas crean sus creaciones, aunque parezca que nadie las necesita? ¿Por qué están dispuestos a arriesgar su bienestar para hacer realidad su visión?
A menudo se hace referencia al arte como una fuente de placer. De siglo en siglo, millones de personas disfrutan de las imágenes de hermosos cuerpos humanos en los lienzos de Rafael. Pero la imagen de Cristo crucificado y sufriendo no está destinada al disfrute, y esta trama es común a miles de pintores durante muchos siglos ...
A menudo se dice que el arte refleja la vida. Por supuesto, esto es en gran parte cierto: a menudo, la precisión y el reconocimiento de lo que el artista describe es asombroso. Pero es poco probable que un simple reflejo de la vida, su copia, despierte un interés tan fuerte por el arte y una admiración por él.
En este ensayo, consideraremos el lugar y el papel del arte en la vida humana.
1. La esencia del arte y su lugar en la vida de una persona y una sociedad
La palabra "arte" en ruso y en muchos otros idiomas se usa en dos sentidos: en un sentido estricto (una forma específica de dominio práctico-espiritual del mundo) y en un sentido amplio, como el nivel más alto de dominio, habilidad, independientemente de la esfera de la sociedad en la que se manifiesten (liderazgo militar, habilidad de un cirujano, zapatero, etc.) (2, p. 9).
En este ensayo nos interesa el análisis del arte en el primer sentido estrecho de la palabra, aunque ambos significados están históricamente relacionados.
El arte como forma independiente de conciencia social y como rama de la producción espiritual surgió de la producción material; originalmente se entrelazó con él como un momento puramente utilitario, aunque estético. Una persona, enfatizó A.M. Gorky, es un artista por naturaleza, y siempre se esfuerza por traer belleza de una forma u otra (1, p. 92). La actividad estética de una persona se manifiesta constantemente en su trabajo, en la vida cotidiana, en vida publica, no solo en el arte. Hay una asimilación estética del mundo por parte de una persona social.
El arte implementa una serie de funciones sociales.
Primero, es su función cognitiva. Las obras de arte son una valiosa fuente de información sobre procesos sociales complejos, a veces sobre aquellos, cuya esencia y dinámica la ciencia capta mucho más difícil y tardíamente (por ejemplo, giros y rupturas en la conciencia pública).
Por supuesto, no todo en el mundo que nos rodea está interesado en el arte, y si lo hace, entonces en diversos grados, y el enfoque mismo del arte al objeto de su conocimiento, la perspectiva de su visión es muy específica en comparación con otros. formas de conciencia social. El objeto general del conocimiento en el arte siempre ha sido y sigue siendo una persona. Por eso el arte en general y en particular ficción se llaman estudios humanos, un libro de texto de la vida, etc. Así, se enfatiza una función más importante del arte: la educativa, es decir, su capacidad para tener un impacto indeleble en la formación ideológica y moral de una persona, su superación personal o, por el contrario, su caída.
Y, sin embargo, las funciones cognitivas y educativas no son específicas del arte: estas funciones son realizadas por todas las demás formas de conciencia social. La función específica del arte que lo convierte en arte en el verdadero sentido de la palabra es su función estética. Percibir y comprender obra de ficción, no solo asimilamos su contenido (como el contenido de la física, la biología, las matemáticas), pasamos este contenido por nuestro corazón, nuestras emociones, le damos a las imágenes sensualmente concretas creadas por el artista una valoración estética como bella o fea, sublime o básica. , trágico o cómico. El arte forma en nosotros la capacidad misma de dar tales valoraciones estéticas, de distinguir lo verdaderamente bello y sublime de todo tipo de sucedáneos.
El arte cognitivo, educativo y estético se fusiona. Gracias al momento estético disfrutamos del contenido de una obra de arte, y es en el proceso del placer que nos iluminamos y educamos. En este sentido, a veces se habla de la función hedonista del arte (del griego "hedone" - placer).
Durante muchos siglos en la literatura socio-filosófica y estética ha existido una disputa sobre la relación entre la belleza en el arte y la realidad. En este caso, se encuentran dos posiciones principales. Según uno de ellos (en Rusia, N.G. Chernyshevsky partió de él en su disertación "Sobre las relaciones estéticas del arte con la realidad"), la belleza en la vida es siempre y en todos los aspectos más alta que la belleza en el arte (1, p. 94). En este caso, el arte aparece como una copia de los personajes y objetos típicos de la propia realidad y un sustituto de la realidad. Obviamente, es preferible un concepto alternativo (Hegel, A.I. puede encenderlos, inspirarlos, enderezarlos con su arte. De lo contrario, en función de sustituto o incluso de duplicado, la sociedad no necesitaría del arte (4, p. 156).
Cada forma de conciencia social refleja la realidad objetiva de una manera específica y única.
El resultado específico de la reflexión teórica del mundo es un concepto científico. Es una abstracción: en nombre de conocer la esencia profunda de un objeto, nos distraemos no solo de su directamente perceptible, sino también de muchas características deducidas lógicamente, si no son de suma importancia. Otra cosa es el resultado del reflejo estético de la realidad. Se trata de una imagen artística, concreta-sensual, en la que un cierto grado de abstracción (tipificación) se combina con la preservación de características concretas-sensuales, individuales, a menudo únicas, del objeto reflejado.
Hegel escribió que “las imágenes y los signos sensuales aparecen en el arte no solo para sí mismos y su manifestación inmediata, sino para satisfacer intereses espirituales superiores en esta forma, ya que tienen la capacidad de despertar y tocar todas las profundidades de la conciencia y evocar su respuesta en espíritu "(4, p. 157). Revelando la especificidad del pensamiento artístico en comparación con otras formas de conciencia social, esta definición, en plena conformidad con el paradigma principal del sistema filosófico hegeliano, conduce a la conclusión sobre la imagen artística como expresión de una idea abstracta en un contexto concreto. forma sensual. En realidad, no es la idea abstracta en sí misma lo que se captura en la imagen artística, sino su portador concreto, dotado de características tan individuales que hacen que la imagen sea vívida e impresionante, no reducible a las imágenes del mismo orden que ya conocemos. Recordemos, por ejemplo, los Artamonov de M. Gorky y los Forsytes de D. Golsworthy (5).
Así, a diferencia del concepto científico, la imagen artística revela lo general en singular. Al mostrar al individuo, el artista revela en él lo típico, es decir, lo más característico de todo el tipo de fenómenos sociales o naturales representados.
Lo singular en la imagen artística no se intercala simplemente con lo general, sino que lo "anima". Es el individuo en una obra de arte genuina que se convierte en el concepto de un tipo, una imagen. Y cuanto más brillantes, pequeños, individuales y concretos se notan con mayor precisión, cuanto más amplia es la imagen, más generalización contiene. La imagen del caballero codicioso de Pushkin no es solo una imagen concreta de un anciano codicioso, sino también una exposición de la codicia y la crueldad en sí. En la escultura de Rodin, El pensador, el espectador ve algo más que una imagen específica recreada por el autor.
En relación con la fusión de lo racional y lo concreto-sensual en la imagen y el impacto emocional resultante del arte, la forma artística es de particular importancia. En el arte, como en todas las esferas del mundo que nos rodea, la forma depende del contenido, está subordinada a él, le sirve. No obstante, hay que destacar esta conocida posición, teniendo en cuenta la tesis de representantes de la estética formalista y del arte formalista sobre una obra de arte como una "forma pura", un "juego de formas" autónomo, etc. Al mismo tiempo, la comprensión científica del arte siempre ha sido ajena a una actitud nihilista hacia la forma, e incluso a cualquier menosprecio de su papel activo en el sistema de la imagen artística y la obra de arte en su conjunto. Es imposible imaginar una obra de arte en la que el contenido no se expresaría en forma artística.
En varias formas de arte, el artista tiene diferentes medios para expresar contenido. En pintura, escultura, gráfica, es color, línea, claroscuro; en - música - ritmo, armonía; en literatura - una palabra, etc. Todos estos medios de representación constituyen los elementos de la forma artística, con la ayuda de los cuales el artista encarna su concepción ideológica y artística. Una forma de arte es una formación muy compleja, cuyos elementos están naturalmente interconectados. En la pintura de Rafael, el drama de Shakespeare, la sinfonía de Tchaikovsky, la novela de Hemingway, es imposible cambiar arbitrariamente la construcción de la trama, el personaje, el diálogo, la composición, es imposible encontrar otra solución a la armonía, el color, el ritmo para no violar el integridad de toda la obra.
2. El surgimiento del arte y su necesidad para una persona
El arte como un área especial de la actividad humana, con sus propias tareas independientes, cualidades especiales, servidas por artistas profesionales, se hizo posible solo sobre la base de la división del trabajo. La creación de las artes y las ciencias: todo esto fue posible solo con la ayuda de una división del trabajo intensificada, que se basó en una gran división del trabajo entre las masas dedicadas al trabajo físico simple y los pocos privilegiados que administran el trabajo. dedicados al comercio, los asuntos públicos y, más tarde, también a la ciencia y el arte ... La forma más simple, formada completamente espontáneamente de esta división del trabajo fue precisamente la esclavitud ”(2, p. 13).
Pero como la actividad artística es una forma peculiar de cognición y trabajo creativo, sus orígenes son mucho más antiguos, ya que la gente trabajaba y en el proceso de este trabajo conocía el mundo que los rodeaba mucho antes de la división de la sociedad en clases. Durante los últimos cien años, los descubrimientos arqueológicos han descubierto numerosas obras de arte del hombre primitivo, que se remontan a decenas de miles de años. Son pinturas rupestres; estatuillas de piedra y hueso; imagenes y patrones ornamentales tallado en trozos de astas de ciervo o losas de piedra. Se encuentran en Europa, Asia y África, son obras que aparecieron mucho antes de que pudiera surgir una idea consciente de creación artística. Muchos de ellos, que reproducen principalmente figuras de animales - ciervos, bisontes, caballos salvajes, mamuts - son tan vitales, tan expresivos y fieles a la naturaleza que no solo son preciosos monumentos históricos, sino que también conservan su poder artístico hasta el día de hoy (2 , pág.14).
El carácter material y objetivo de las obras de creatividad visual determina condiciones especialmente favorables para el investigador del origen de las artes visuales en comparación con los historiadores que estudian el origen de otros tipos de artes. Si las etapas iniciales de la epopeya, la música, la danza tienen que ser juzgadas principalmente por datos indirectos y por analogía con el trabajo de las tribus modernas en las primeras etapas del desarrollo social (una analogía muy relativa, en la que solo se puede confiar con gran cuidado ), entonces surge ante nosotros la infancia de la pintura, la escultura y la gráfica.
No coincide con la infancia de la sociedad humana, es decir, las épocas más antiguas de su formación. Según la ciencia moderna, el proceso de humanización de los antepasados simios del hombre comenzó incluso antes de la primera glaciación de la época cuaternaria y, por lo tanto, la "edad" de la humanidad es de aproximadamente un millón de años. Los primeros vestigios del arte primitivo se remontan a la era del Paleolítico superior, que comenzó alrededor de varias decenas de milenios antes de Cristo. NS. Este fue el momento de la madurez comparativa del sistema comunal primitivo: el hombre de esta era en su constitución física no era diferente de hombre moderno, ya hablaba con fluidez y sabía cómo hacer herramientas bastante complejas de piedra, hueso y cuerno. Lideró una caza colectiva de un gran juego utilizando lanzas y jabalinas. Los clanes se unieron en tribus, surgió el matriarcado.
Más de 900 mil niños tuvieron que pasar, separándose la gente mas antigua de una persona moderna, antes de que la mano y el cerebro estuvieran maduros para la creación artística.
Mientras tanto, la fabricación de herramientas de piedra primitivas se remonta a tiempos mucho más antiguos del Paleolítico Inferior y Medio. Ya Sinanthropus (cuyos restos se encontraron cerca de Beijing) alcanzó un nivel suficientemente alto en la fabricación de herramientas de piedra y supo utilizar el fuego. Las personas del tipo neandertal posterior procesaron las herramientas con más cuidado, adaptándolas a propósitos especiales. Sólo gracias a esta "escuela", que duró muchos milenios, se logró la necesaria flexibilidad de la mano, la fidelidad del ojo y la capacidad de generalizar lo visible, destacando lo más esencial y rasgos específicos, es decir, todas aquellas cualidades que se manifestaron en los maravillosos dibujos de la cueva de Altamira. Si una persona no hubiera ejercitado y refinado su mano, procesando un material tan difícil como la piedra para obtener alimento, no podría aprender a dibujar: sin dominar la creación de formas utilitarias, no podría crear una forma artística. . Si muchas, muchas generaciones no hubieran concentrado la capacidad de pensar en la captura de la bestia, principal fuente de vida del hombre primitivo, no se les habría ocurrido retratar a esta bestia.
Entonces, en primer lugar, "el trabajo es más antiguo que el arte" y, en segundo lugar, el arte debe su origen al trabajo. Pero, ¿qué provocó el paso de la producción de instrumentos de trabajo extremadamente útiles y prácticamente necesarios a la producción, junto con ellos, de imágenes "inútiles"? Fue esta cuestión la que más debatió y más confundió a los científicos burgueses, que se esforzaron a toda costa por aplicar al arte primitivo la tesis de I. Kant sobre la "falta de objetivo", el "desinterés", el "valor intrínseco" de la estética. actitud hacia el mundo.
K. Bücher, K. Gross, E. Grosse, Luke, Breuil, W. Gausenstein y otros que escribieron sobre el arte primitivo argumentaron que los pueblos primitivos estaban comprometidos con el "arte por el arte", que el primer y definitorio estímulo de la creatividad artística era el deseo humano innato de jugar (2, p. 15).
Las teorías del "juego" en sus diversas variantes se basaron en la estética de Kant y Schiller, según la cual el rasgo principal de la experiencia estética, artística es precisamente el deseo de " juego gratis por apariencia "- libre de cualquier propósito práctico, de evaluación lógica y moral.
“La motivación creativa estética”, escribió Schiller, “construye imperceptiblemente en medio del terrible reino de las fuerzas y en medio del sagrado reino de las leyes, un tercer reino alegre del juego y la apariencia, en el que se quita las cadenas de todos relaciones de una persona y la libera de todo lo que se llama compulsión en el sentido físico y moral ”(2, p. 16).
Schiller aplicó esta tesis básica de su estética a la cuestión del surgimiento del arte (mucho antes del descubrimiento de auténticos monumentos de la creatividad paleolítica), creyendo que el “alegre reino del juego” se erigió ya en los albores de la sociedad humana: “. ... ahora el antiguo germánico busca para sí pieles de animales más brillantes, cuernos más magníficos, vasijas más gráciles, y el caledonio busca las conchas más hermosas para sus festividades. Pero, contento con el hecho de que se ha introducido un excedente de estética en lo necesario, el libre impulso al juego se rompe finalmente por completo con los grilletes de la necesidad, y la belleza misma se convierte en el objeto de las aspiraciones del hombre. Se decora a sí mismo. El placer gratuito se atribuye a sus necesidades, y lo inútil pronto se convierte en la mejor parte de su gozo ". Sin embargo, este punto de vista es refutado por los hechos.
No se puede negar que los colores, las líneas, así como los sonidos y los olores, también afectan al cuerpo humano, algunos de manera irritante, repulsiva, mientras que otros, por el contrario, fortalecen y promueven su correcto y activo funcionamiento. Esto, de una forma u otra, es tomado en cuenta por una persona en su actividad artística, pero de ninguna manera se encuentra en su base. Los motivos que obligaron al hombre paleolítico a dibujar y tallar figuras de animales en las paredes de las cuevas, por supuesto, no tienen nada que ver con los motivos instintivos: este es un acto creativo consciente y resuelto de una criatura que ha roto durante mucho tiempo las cadenas del instinto ciego. y se embarcó en el camino de dominar las fuerzas de la naturaleza y, por lo tanto, y comprender estas fuerzas.
El hombre dibuja a la bestia: así sintetiza sus observaciones sobre él; reproduce cada vez con mayor seguridad su figura, sus hábitos, sus movimientos, sus diversos estados. En este dibujo formula sus conocimientos y los consolida. Al mismo tiempo, aprende a generalizar: en una imagen de un ciervo, se transmiten las características observadas en varios ciervos. Esto en sí mismo da un tremendo ímpetu al desarrollo del pensamiento. Es difícil sobreestimar el papel progresivo de la creatividad artística en el cambio de la conciencia humana y su relación con la naturaleza. Este último ahora no es tan oscuro para él, no está tan encriptado; poco a poco, todavía a tientas, lo estudia.
Así, las bellas artes primitivas son al mismo tiempo el embrión de la ciencia, más precisamente, el conocimiento primitivo. Es evidente que en esa etapa infantil y primitiva del desarrollo social, estas formas de cognición aún no pudieron ser desmembradas, como fueron desmembradas en épocas posteriores; En un principio, aparecieron juntos, todavía no era arte en el ámbito completo de este concepto y no había conocimiento en el sentido propio de la palabra, sino algo en lo que los elementos primarios de ambos se combinaban inseparablemente (3, p. 72 ).
En este sentido, resulta explicable por qué el arte primitivo presta tanta atención a la bestia y comparativamente poca al hombre. Está dirigido principalmente al conocimiento de la naturaleza externa. En el mismo momento en que los animales ya han aprendido a representar maravillosamente realista y vívidamente, las figuras humanas casi siempre se representan de manera muy primitiva, simplemente con torpeza, salvo algunas raras excepciones, como los relieves de Lossel. En el arte paleolítico, todavía no existe ese interés predominante por el mundo de las relaciones humanas, que distingue al arte, que delimitaba su ámbito del ámbito de la ciencia. Es difícil aprender algo sobre la vida de la comunidad tribal de los monumentos del arte primitivo (en el mar - arte visual) aparte de sus actividades de caza y ritos mágicos relacionados; el lugar principal lo ocupa el objeto mismo de la caza: la bestia. Fue su estudio el de mayor interés práctico, ya que él fue la principal fuente de existencia, y el enfoque utilitario-cognitivo de la pintura y la escultura se reflejó en el hecho de que representaban principalmente animales, y tales razas, cuya extracción fue especialmente importante y al mismo tiempo difícil y peligroso, y por lo tanto exigía un estudio particularmente cuidadoso. Rara vez se representaban aves y plantas.
Al dibujar la figura de un animal, en cierto sentido, el hombre realmente "tomó posesión" del animal, ya que lo conoció, y el conocimiento es la fuente del dominio sobre la naturaleza. La necesidad vital del conocimiento figurativo fue la razón del surgimiento del arte. Pero nuestro antepasado entendió esta "maestría" en el sentido literal y realizó rituales mágicos alrededor del dibujo que hizo para asegurar el éxito de la caza. Repensó fantásticamente los verdaderos motivos racionales de sus acciones. Es cierto que es muy probable que no siempre las bellas artes tuvieran un propósito ritual; aquí, obviamente, estaban involucrados otros motivos, que ya se mencionaron anteriormente: la necesidad del intercambio de información, etc. Pero, en cualquier caso, difícilmente se puede negar que la mayoría de pinturas y esculturas sirvieron también a fines mágicos.
Las personas comenzaron a involucrarse en el arte mucho antes de que tuvieran un concepto de arte, y mucho antes de que pudieran comprender su significado real, sus beneficios reales.
Al dominar la capacidad de representar el mundo visible, las personas tampoco se dieron cuenta del verdadero significado social de esta habilidad. Estaba sucediendo algo similar a la formación posterior de las ciencias, que también se fueron liberando paulatinamente del cautiverio de las ingenuas ideas fantásticas: los alquimistas medievales buscaron encontrar la "piedra filosofal" y dedicaron años de arduo trabajo a ello. Nunca encontraron la Piedra Filosofal, pero adquirieron una valiosa experiencia en el estudio de las propiedades de los metales, ácidos, sales, etc., lo que allanó el camino para el posterior desarrollo de la química.
Hablando del hecho de que el arte primitivo fue una de las formas iniciales de cognición, el estudio del mundo que nos rodea, no debemos asumir que, por lo tanto, no había nada de estética en él en el sentido propio de la palabra. La estética no es algo fundamentalmente opuesto a lo útil.
El contenido del arte primitivo es pobre, sus horizontes cerrados, su propia integridad descansa sobre el subdesarrollo de la conciencia social. El progreso ulterior del arte sólo podría llevarse a cabo a costa de la pérdida de esta integridad inicial, que ya vemos en las últimas etapas de la formación comunal primitiva. En comparación con el arte del Paleolítico superior, marcan un cierto declive de la actividad artística, pero este declive es solo relativo. Al esquematizar la imagen, el artista primitivo aprende a generalizar, abstraer los conceptos de línea recta o curva, círculo, etc., adquiere las habilidades de construcción consciente, distribución racional de elementos de dibujo en un plano. Sin estas habilidades acumuladas de forma latente, la transición a esos nuevos valores artísticos, que se crean en el arte de las antiguas sociedades esclavistas, habría sido imposible. Podemos decir que en la época del arte primitivo finalmente se formaron los conceptos de ritmo y composición. Por lo tanto, creación artística el sistema tribal muestra claramente la necesidad del arte en la vida humana.
3. El papel del arte en el desarrollo de la sociedad y la vida humana
Hubo y hay mucha controversia sobre el papel del arte en el desarrollo de la sociedad y en la vida de un individuo, los críticos de arte propusieron una variedad de conceptos, pero el nivel de la cultura del arte de masas en la Federación de Rusia ha caído tan bajo como, quizás, en ningún otro país civilizado.
Probablemente, somos el único estado donde el arte y la música han sido eliminados de la educación general. Incluso el avance de la humanitarización prevé sin cambios el papel "residual" de las artes. Desafortunadamente, el principio científico ha estado dominando la educación durante mucho tiempo y de forma indivisa. En todas partes, en todos los documentos pedagógicos, se dice solo sobre el dominio del método científico de cognición, la asimilación de conocimientos y habilidades científicas, la formación de una cosmovisión científica. Y así en todos los documentos, desde los más tradicionales hasta los más innovadores. Además, incluso en el análisis del arte, no solo en la escuela secundaria, sino también en la educación superior, se ha establecido un enfoque puramente científico (6, p. 12).
El mal ha echado raíces; una idea distorsionada de la ausencia de una conexión seria entre el desarrollo artístico, en primer lugar, con la moralidad del hombre y la sociedad, y en segundo lugar, con el desarrollo mismo del pensamiento humano.
Sin embargo, el pensamiento humano tiene inicialmente dos caras: se compone del lado racional-lógico y emocional-figurativo a partes iguales. La actividad científica y artística de una persona se basa en diferentes formas de pensamiento que provocaron su desarrollo, objetos de cognición completamente no idénticos y el requisito resultante de formas fundamentalmente diferentes de transferir la experiencia. Estas posiciones que surgen naturalmente de la fórmula “el arte no es ciencia” pueden provocar dudas y rechazo. Y se basarán en una actitud cotidiana hacia las artes absolutamente no científica, sino trivial; entendiendo su papel solo como una esfera de recreación, entretenimiento creativo, placer estético, y no una esfera de conocimiento especial, igual a científica e insustituible.
Se cree ampliamente que el pensamiento emocional-figurativo, que históricamente floreció antes, es más primitivo que racional, algo no completamente humano, mitad animal. Hoy en día, el rechazo de este camino de la cognición como insuficientemente desarrollado y “insuficientemente científico” se basa en tal delirio, y se olvida que se ha desarrollado y mejorado de la misma manera desde la aparición de la humanidad (6, p. 13).
No hay pensamiento humano, que consiste sólo en conciencia teórica racional-lógica. Este tipo de pensamiento está inventado. Una persona holística participa en el pensamiento, con todos sus sentimientos, sensaciones, etc. "irracionales". Y, desarrollando el pensamiento, es necesario formarlo integralmente. De hecho, en el desarrollo de la humanidad, se han desarrollado dos sistemas de conocimiento más importantes del mundo. Pensamos en su interacción constante, lo queramos o no. Sucedió tan históricamente.
Si comparamos estos dos lados del pensamiento en el esquema, obtenemos lo siguiente:
Formas de pensamiento Alcance de la actividad y resultado del trabajo Sujeto de conocimiento (lo que se conoce) Modos de dominar la experiencia (cómo se conoce) Resultados de dominar la experiencia
Actividad científica racional-lógica. Resultado - el concepto de Objeto real (sujeto) Estudio del contenido del Conocimiento. Comprender las leyes de los procesos naturales y sociales.
Actividad artística emocional-figurativa. El resultado es una imagen artística Actitud hacia el objeto (sujeto) Experiencia del contenido (vivir) Criterios emocionales y valorativos de la vida, expresados en los estímulos de acciones, deseos y aspiraciones
La tabla muestra que todo en estas dos filas es diferente, tanto el tema del conocimiento como las formas y resultados de su desarrollo. Por supuesto, las áreas de actividad se indican aquí donde estas formas se manifiestan solo de manera más clara. En todas las esferas de trabajo, "trabajan" juntas, incluidas las científicas, industriales y artísticas.
La actividad científica (y la cognición) desarrolla la esfera del pensamiento teórico más activamente que cualquier otra.
Pero la actividad artística también desarrolla su propia esfera de pensamiento como una prioridad. Es más probable que el científico pueda explotarlo y utilizarlo para ayudarse a sí mismo (6, p. 14).
Al estudiar cualquier planta: sus flores, frutos u hojas, a un científico ruso o mexicano le interesan datos completamente objetivos: su género y especie, forma, peso, composición química, sistema de desarrollo - que no depende del observador. Cuanto más precisos e independientes del alumno sean los datos y las conclusiones de la observación, cuanto más valiosos sean, más científicos. Pero la observación artística y sus resultados son fundamentalmente diferentes. Por lo general, no pueden ni deben ser objetivos. Son necesariamente personales, míos. El resultado es mio actitud personal a esta planta, flor, hoja - me causan placer, ternura, tristeza, amargura, sorpresa. Por supuesto, toda la humanidad está mirando este objeto a través de mí, pero también mi gente, mi historia. Construyen los caminos de mi percepción. Percibiré una ramita de abedul de manera diferente a un mexicano. Fuera de mí, no hay percepción artística, no puede tener lugar. Las emociones no pueden ser impersonales.
Por eso es imposible trasladar la experiencia del pensamiento emocional-figurativo a las nuevas generaciones a través del conocimiento teórico (como lo hemos intentado con tanta insistencia). Esta experiencia es inútil solo para estudiar. Con tal "estudio", por ejemplo, los sentimientos morales, como los sentimientos de ternura, odio, amor, se convierten en reglas morales, en leyes sociales que nada tienen que ver con los sentimientos. Seamos sinceros: todas las leyes morales de la sociedad, si no son experimentados por una persona, no están contenidos en sentimientos, sino solo en conocimiento, no solo no son fuertes, sino que a menudo son objeto de manipulaciones antimorales.
LN Tolstoi dijo correctamente que el arte no convence a nadie, simplemente contagia de ideas. Y los "infectados" ya no pueden vivir de otra manera. La conciencia de pertenencia, asimilación, empatía es el poder del pensamiento humano. La tecnocratización global es desastrosa. El psicólogo Zinchenko escribió sobre esto muy correctamente: "Para el pensamiento tecnocrático, no hay categorías de moralidad, conciencia, experiencia humana y dignidad". Es duro, pero preciso.
B.M. Nemensky aclara por qué: el pensamiento tecnocrático es siempre la primacía de los medios sobre el significado (6, p. 16). Porque el sentido de la vida humana es precisamente la mejora humana de la relación del hombre con el mundo, la armonización de estas relaciones. Con la integridad de los dos caminos del conocimiento, el científico proporciona los medios para la armonización, mientras que el artístico incluye la introducción de estos medios en el sistema de acciones y determina la formación de los deseos humanos como incentivos para la acción. Cuando se distorsionan los criterios de valor emocional, el conocimiento se dirige hacia objetivos antihumanos.
Con la depresión, el subdesarrollo de la esfera emocional-figurativa, el desequilibrio de hoy ocurre en nuestra sociedad: la primacía de los medios, la confusión de los objetivos. Y esto es peligroso, porque, lo queramos o no, entendemos o no entendemos, son nuestros sentimientos los que determinan los "primeros movimientos del alma", determinan los deseos. Y los deseos, incluso contrarios a las creencias, dan forma a las acciones.
Dos caminos de cognición surgieron precisamente porque hay dos objetos, o sujetos, de cognición. Y el objeto (sujeto) de la cognición para la esfera emocional-figurativa del pensamiento no es la realidad de la vida misma, sino nuestra actitud emocional-personal humana hacia ella. En este caso (la forma científica) se conoce el objeto, en el otro (artístico) se conoce el hilo de la conexión de valor emocional entre el objeto y el sujeto: la relación del sujeto con el objeto (objeto). Y aquí está la raíz de todo el problema.
Y luego el hilo de la comprensión de la actividad de la esfera emocional-figurativa del pensamiento se extiende a aquellos tipos de trabajo donde más se manifiesta esta forma, al arte. El arte es multifuncional, pero su papel principal en la vida de la sociedad es precisamente este: análisis, formulación, consolidación en forma figurativa y transferencia a las próximas generaciones de la experiencia de las relaciones emocionales y de valor con ciertos fenómenos de las relaciones de las personas entre sí y con la naturaleza. Naturalmente, como en la forma científica, hay una lucha de ideas, tendencias en relación con los fenómenos de la vida. Ideas no solo útiles sino también perjudiciales para la sociedad viven y luchan. Y la sociedad selecciona intuitivamente y consolida a partir de ellos lo que necesita hoy para la prosperidad o el declive.
¿No es hora de buscar formas de desarrollo armónico, pero no entre las generaciones adultas, que es demasiado tarde, sino entre la generación que está entrando en la vida? Solo necesita darse cuenta de que no ofrecemos un flujo de desarrollo en lugar de otro. Es necesario lograr precisamente la armonía en el desarrollo del pensamiento. Pero para ello, es necesario aceptar como objetivo dada la doble vertiente de nuestro pensamiento: la presencia del pensamiento racional-lógico y emocional-figurativo, la presencia de diferentes círculos de cognición que les corresponden: el objeto real y la relación. del sujeto al objeto. Y si aceptamos estos dos lados, entonces es fácil aceptar dos formas de dominar la experiencia: estudiar el contenido de la experiencia y vivir, experimentar el contenido. Aquí, es aquí donde se sientan las bases de la didáctica artística, no se da nada más (6, p. 17).
Sin embargo, tras un análisis cuidadoso, se pueden sentir los diferentes roles de las tres formas de pensamiento plástico-artístico en el comportamiento y la comunicación de las personas.
Decoración. Solo los ciudadanos romanos nacidos libremente tenían derecho a usar el atuendo. Ya en el siglo XIII se emitieron decretos especiales sobre el vestuario en Europa. En la mayoría de ellos, se establecieron reglas estrictas para qué clase y qué disfraces se podían usar. Por ejemplo, en Colonia en el siglo XV. los jueces y los médicos tenían que vestir de rojo, los abogados, de púrpura, otros expertos, de negro. Durante mucho tiempo en Europa, solo una persona libre podía llevar sombrero. En Rusia bajo Isabel, las personas sin rango no tenían derecho a usar seda o terciopelo. En la Alemania medieval, bajo pena de muerte, los siervos tenían prohibido llevar botas: este era el privilegio exclusivo de los nobles. Y en Sudán existe la costumbre de pasar alambre de latón por el labio inferior. Esto significa que la persona está casada. Su peinado habla de lo mismo. Y hoy, eligiendo por sí mismo uno u otro tipo de ropa o su corte, una persona que se considera parte de un determinado grupo social los utiliza como símbolos sociales que actúan como regulador de las relaciones entre las personas. El negocio de decorarse uno mismo, armas, ropa, hogar no ha sido un evento de entretenimiento desde la formación de la sociedad humana. A través de la decoración, una persona se distinguió entre las personas, denotando su lugar en ella (héroe, líder, aristócrata, novia, etc.) y presentándose a una determinada comunidad de personas (guerrero, miembro de una tribu, miembro de casta o empresario, hippie, etc.). etc.). A pesar del juego más multifacético de la decoración, su papel fundamental sigue siendo el mismo hoy: un signo de iniciación y aislamiento; un letrero de mensaje indicando un lugar ésta persona, un determinado grupo de personas en el entorno de las relaciones humanas, - es aquí donde se fundamenta la existencia de la decoración como fenómeno estético (6, p. 18).
El hecho de que las masas de rusos sean analfabetas en esta área conduce a mucha confusión social y rupturas morales personales. Los expertos señalan correctamente que la sociedad aún no ha desarrollado un sistema sistemático de enseñanza del lenguaje de las artes decorativas. Todo el mundo pasa por la escuela del idioma de dicha comunicación de forma completamente independiente y espontánea.
La línea constructiva del pensamiento artístico y plástico realiza un cambio diferente. Función social y responde a una necesidad diferente. Puede rastrear el papel de esta línea de pensamiento en el arte, donde se revela más claramente y aparece abiertamente como la principal. La construcción de cualquier objeto está directamente relacionada con la comunicación humana, pero aparte de la decoración. La arquitectura (como el diseño) expresa más plenamente esta línea de pensamiento artístico. Ella construye casas, pueblos y ciudades con sus calles, parques, fábricas, teatros, clubes, y no solo para la comodidad de la vida. El templo egipcio por su construcción expresaba ciertas relaciones humanas. El templo gótico, y la propia ciudad medieval, su construcción, la naturaleza de las casas son completamente diferentes. Fortaleza, castillo del señor feudal y finca noble Siglo XIII fueron la respuesta a diferentes relaciones sociales, económicas, de diferentes formas formaron el entorno de comunicación de las personas. No en vano se llama a la arquitectura la crónica de piedra de la humanidad, según la cual podemos estudiar el cambio en la naturaleza de las relaciones humanas.
La influencia de las formas de arquitectura en nuestra vida es fácil de sentir hoy. Por ejemplo, cuánto ha cambiado la destrucción de los patios de Moscú en el desarrollo de los juegos infantiles. Hasta ahora, no se han encontrado formas orgánicas de autoorganización del entorno de los niños en estas enormes estructuras indivisas. Y la relación entre adultos y vecinos se construye de otra manera, o mejor dicho, casi nunca. Por cierto, hay algo en lo que pensar. ¿En qué medida nuestra arquitectura cotidiana expresa correctamente el tipo de relación humana que queremos? Necesitamos un entorno para la comunicación, para crear fuertes lazos humanos. Ahora los vecinos, incluso en el mismo piso, pueden no conocerse en absoluto, no tener ninguna relación. Y la arquitectura contribuye a esto de todas las formas posibles, no hay un entorno para la comunicación en ella. Incluso en las facultades de humanidades de la Universidad Estatal de Moscú, la gente no tiene dónde sentarse y hablar. Solo hay salas de conferencias y salas de reuniones. No se planifica ningún entorno en el que uno pueda comunicarse con una persona individual, discutir, hablar, reflexionar. Aunque, quizás, en los períodos anteriores de la historia de nuestra sociedad, esto no fue necesario. Y fuera de la arquitectura y a pesar de ella, es sumamente difícil crear las condiciones para la comunicación. Así, además de su función estrictamente utilitaria (protección del frío, la lluvia y condiciones para el trabajo), la arquitectura juega un importante papel social, “espiritualmente”. papel utilitario ”en la formación de las relaciones humanas. Desempeña la función de un elemento constructivo del pensamiento artístico: forma un entorno real que determina el carácter, el estilo de vida y las relaciones en la sociedad. De esta manera, ella establece los parámetros y los hitos de un cierto ideal estético y moral, crea un entorno para el desarrollo de este. La formación del ideal estético comienza con la construcción de sus cimientos y propiedades fundamentales. El reino constructivo cumple su propósito a través de todas las artes.
La base pictórica del pensamiento plástico-artístico se manifiesta en todas las artes, pero se convierte en la línea principal en las bellas artes propiamente dicha, e incluso más nítida que todas en el caballete: en pintura, gráfica, escultura. ¿Para qué necesidades de la sociedad se desarrollaron estas formas de pensamiento? Las posibilidades de estas formas, en nuestra opinión, son las más sutiles y polisilábicas. Son actividades de investigación en muchos aspectos y son algo similares a las actividades científicas. Aquí se analizan todos los aspectos de la vida real. Pero el análisis es emocional-figurativo, y no las leyes objetivas de la naturaleza y la sociedad, sino la naturaleza de las relaciones personales y emocionales de una persona con todo su entorno: la naturaleza y la sociedad. Es a través de la personalidad de cada uno de nosotros que solo nuestro humano, el común, puede manifestarse. Una sociedad sin personalidades es un rebaño. Entonces, si en ciencia la conclusión es: "Lo sé, lo entiendo", entonces aquí: "Amo, odio", "Disfruto esto, es repugnante". Estos son los criterios de valor emocional de una persona.
La forma pictórica de pensar amplía las posibilidades sistemas figurativos llenándolos de la sangre viva de la realidad. Aquí, el pensamiento tiene lugar en imágenes visuales reales (y no solo en una representación de la realidad). Es pensar en imágenes reales lo que permite analizar todos los aspectos más complejos y sutiles de la realidad, realizarlos, construir una actitud hacia ellos, de forma variable y sensorial (a menudo intuitiva) para comparar sus ideales morales y estéticos con ella y consolidar esta actitud en imagenes artisticas... Asegurar y transmitir a otras personas.
Es por esto que las bellas artes son una poderosa y sutil escuela de cultura emocional y su crónica. Es este lado del pensamiento artístico el que hace posible Bellas Artes plantear y solucionar los problemas espirituales más complejos de la sociedad.
Elementos del pensamiento artístico, como tres corazones, tres motores. proceso artístico, participan en la formación del carácter de la sociedad humana, a su manera afectan sus formas, métodos, desarrollo.
El cambio en las tareas del arte en las diferentes etapas de la formación del ideal moral y estético de cada época se manifiesta en la pulsación de estas tres tendencias. El auge y caída de cada uno de ellos es una respuesta a los cambios en los requerimientos de la sociedad para que el arte sea una herramienta que lo ayude no solo a formar el ideal moral y estético de la época, sino también a aprobarlo en La vida cotidiana... Desde la práctica a través de su maestría espiritual, emocional, moral y estética nuevamente hasta la práctica diaria de la vida, esta es la manera de implementar estos fundamentos. Y cada base (esfera) tiene su función propia, única e insustituible, generada por lo específico, la naturaleza de sus capacidades.
El arte aparece en su verdadero significado como una de las formas más importantes de autoconciencia y autoorganización del colectivo humano, como manifestación de la forma insustituible de pensamiento desarrollada a lo largo de millones de años de existencia humana, sin la cual la sociedad humana no pudo haber sucedido en absoluto.
Conclusión
En este trabajo, examinamos el papel del arte en la vida de la sociedad y de cada persona, nos detuvimos en los detalles de una de las formas de manifestación del pensamiento emocional-figurativo: la esfera de actividad plástico-artística.
Este no es solo un problema teórico. La falta de voluntad existente para ver la realidad de estas formas de pensamiento da como resultado la formación de un intelecto unilateral. Hubo una fetichización mundial del camino racional-lógico del conocimiento.
El profesor del Instituto de Tecnología de Massachusetts J. Weizenbaum escribe sobre este peligro: "Desde el punto de vista del sentido común, la ciencia se ha convertido en la única forma legal de cognición ... las fuerzas son todas las demás formas de conocimiento". Nuestros científicos también expresaron esos pensamientos. Baste recordar al filósofo E. Ilyenkov. Pero la sociedad no los escucha en absoluto.
Perdido, no desarrollado y no transmitido por los antepasados de las tradiciones de la cultura de valores emocionales. Y son ellos quienes constituyen la cultura de la actitud hacia el mundo, que está en la base de toda la vida humana, la base de la acción humana.
Bibliografía
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6. Nemensky B.M. La cognición emocional-figurativa en el desarrollo humano / En el libro. Arte Moderno: desarrollo o crisis. - M.: Conocimiento, 1991 S. 12-22.
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Gorina Elena, 17 años
BOU NPO "PU No. 33", Nazyvaevsk
Jefe Bondarkova Tatiana Viktorovna,
Profesora de lengua y literatura rusa
El papel del arte en la vida de la sociedad
(ensayo)
La cultura de la gente se ha desarrollado durante muchos siglos. El arte es la comprensión creativa del mundo circundante por una persona talentosa. Es tan hermoso que fue creado por los elegidos, pero pertenece a millones y se transmite de generación en generación. Inmortales son las hermosas creaciones de Rafael y Aivazovsky, Dante y Shakespeare, Mozart y Tchaikovsky, Pushkin y Lermontov. “Todos los tipos de artes sirven a la más grande de las artes: el arte de vivir en la tierra”, observó acertadamente Bertolt Brecht. La cultura de las generaciones pasadas nos ha creado hoy. Sin pasado, no hay presente y no puede haber futuro.
Las preguntas sobre el papel del arte en la sociedad, sobre la responsabilidad del artista por su trabajo se reflejaron en la historia "Retrato" de Nikolai Gogol. A través de la imagen del artista Chartkov, el escritor muestra que hay obstáculos en el camino de un verdadero creador: este es el deseo de hacerse famoso y el deseo de enriquecerse rápidamente con dinero. Un artista, como cualquier persona, está sujeto a la tentación. “En la pasión por el arte - dijo Gogol - hay mucho encanto tentador del enamoramiento - pero solo en combinación con el amor por el bien, por la luz en una persona, puede iluminar tanto al creador como a aquellos por quienes crea ".
El personaje principal elige un camino diferente. Destruye cuadros hermosos, mata bien. Y un talento que se ha separado del bien es un destructor de personalidad. Y el autor pronuncia el veredicto: "La gloria no puede complacer a quien la robó y no se la merecía". Después de todo, no todas las personas están dotadas de talento, por lo tanto, debe dirigir hábilmente sus habilidades y fuerzas, debe difundir amor, luz, calidez, enseñar. En general, N.V. Gogol consideraba el arte incluso como una especie de servicio público. El que tiene talento debe ser más limpio.
El talento sin fe, sin arrepentimiento por los pecados, tampoco benefició a Chartkov, quien no logró limpiar su alma y se volvió loco, tampoco beneficiará a la gente.
El verdadero arte debe tener un buen comienzo humano con tradiciones ancestrales. Y a la sociedad actual, donde muchos están perdidos valores morales, donde una persona se evalúa con mayor frecuencia por su situación financiera, debe aprender a ver lo bello, poder admirarlo y superarse. Debe escuchar las sabias palabras del escritor, actor, director y solo una persona Vasily Makarovich Shukshin:
"La literatura debería ayudarnos a comprender lo que nos está sucediendo". Es imposible que todos sean creadores, pero está en nuestras manos intentar penetrar en la esencia de la creación de un genio, acercarnos a la comprensión de lo bello.
Estoy seguro de que una obra de arte maravillosa puede influir en una persona, hacerla más amable y limpia, honesta y empática.
Composición "El papel del arte en la vida humana". (Opción 1)
Muchas personas descuidan el arte y no ven suficientes beneficios en él. La ciencia es mucho más importante. Las personas con gran entusiasmo siguen nuevos inventos y descubrimientos en el campo de las ciencias naturales. Todo esto es muy importante. Esto ayuda a comprender no solo la esencia de muchas cosas, sino también a simplificar la vida. Gracias a esto, se pueden controlar muchos procesos. Pero no subestimes el arte.
Un mundo sin creatividad
Para comprender el papel del arte, debes imaginar tu vida sin él. ¿Y si nunca hubiera existido la música, el teatro, el cine, la literatura? Definitivamente, una vida así no agradaría a nadie. La gente se parecería entonces a los robots, simplemente a máquinas destinadas al progreso tecnológico. Pero, ¿qué pasa con los sentimientos maravillosos, la relajación, la expresión de emociones?
El papel del arte es mucho más de lo que parece. Ayuda de muchas maneras a abrirse, mostrar sus habilidades, expresar experiencias emocionales. No es solo el aburrimiento lo que empuja a una persona a ver una película o leer un libro. Así es como el individuo puede satisfacer sus necesidades estéticas. Muchas obras de arte motivan, animan, ayudan a resolver un dilema.
El papel del arte en la vida humana
Basta recordar qué emociones evoca tu canción favorita. Alguien estaba encantado con la representación teatral. Todos lloramos cuando vieron la película conmovedora. Otros están interesados en el arte del dibujo. Puede mirar la imagen que le gusta durante mucho tiempo, encontrar nuevos detalles en ella y comprender el mensaje del autor. Y en estos momentos suceden cosas inexplicables en el alma. Para eso existe el arte. Está diseñado para despertar emociones humanas, inspirar, ayudar. El arte puede agradar o dar motivo de tristeza, esperanza, alegría y mucho más.
Cuando nos resulta difícil, podemos escuchar música o ver una película. Incluso en tiempos de guerra, la gente se reunió para esto. Después de todo, las obras creativas son capaces de dar una fuerte motivación, esperanza, fuerza para la lucha.
No se puede pensar que el arte no conlleva nada importante. Es imposible imaginar a una persona en toda regla que no pueda experimentar ninguna emoción. Cada persona debe desarrollarse, incluso en la esfera sensorial. No hay personas que sean indiferentes a la creatividad.
Composición "El papel del arte en la vida humana". (Opcion 2)
El arte es inseparable de la vida humana. De hecho, toda nuestra vida está relacionada con el arte, tanto en la vida cotidiana como en la vida ociosa.
El amor es el arte principal. Amor por el padrastro en casa, por la naturaleza, amor por las personas, por la vida. En realidad, esto es arte. Porque se crea a partir del amor por lo bello, por esa alegría impecable que vemos a nuestro alrededor. Vemos la belleza e intentamos trasladarla al lienzo o ponerla en las notas de una música encantadora. Creemos que el bailarín está flotando sobre el escenario, creando arte, y está volando de amor. Porque sin amor, sin inspiración, no puede haber arte.
Si amamos algo, poco a poco se nos va revelando el secreto del mundo interior de una persona u objeto. Y luego notamos el menor resplandor y los medios tonos de lo que nos es querido. Tratando de mostrar nuestro amor al mundo, creamos arte. Así es como aparecieron las verdaderas obras de los grandes maestros, los maestros del arte mundial.
