1.La pintura y sus características
1.1 Tipos de pintura
1.2 géneros de pintura
2.La naturaleza muerta y su papel en el entorno de género de la pintura.
2.1. El concepto de naturaleza muerta y tipos de naturaleza muerta
2.2. La historia del surgimiento de la naturaleza muerta
2.3. Características de las naturalezas muertas de artistas rusos
Conclusión
Bibliografía
1. Pintura y sus características.
1.1 Tipos de pintura.
La palabra "pintar" se deriva de las palabras "vivo" y "escribir". "Pintar", explica Dahl, "retratar correcta y vívidamente con un pincel o con palabras, con un bolígrafo". Para una persona que pinta, representar correctamente significa transmitir con precisión la apariencia externa de lo que vio, sus características más importantes. Fue posible transmitirlos correctamente por medios gráficos: línea y tono. Pero es imposible transmitir vívidamente con estos medios limitados el multicolor del mundo circundante, la pulsación de la vida en cada centímetro de la superficie coloreada de un objeto, el encanto de esta vida y el movimiento y cambio constante es imposible. La pintura, uno de los tipos de bellas artes, ayuda a reflejar verdaderamente el color del mundo real.
Una gran variedad e integridad de fenómenos, impresiones, efectos que la pintura es capaz de encarnar. Todo el mundo de sentimientos, personajes, relaciones, vivencias está disponible para pintar. Tiene acceso a las observaciones más sutiles de la naturaleza, ideas eternas, impresiones, sutiles matices de humor.
La tarea de pintar no es solo mostrar algo, sino también revelar la esencia interior de lo que se representa, reproducir "personajes típicos en circunstancias típicas". Por tanto, una verdadera generalización artística de los fenómenos de la vida es la base de los cimientos de la pintura realista.
Tipos de pintura.
La pintura se subdivide en pintura monumental, decorativa, teatral y decorativa, miniatura y de caballete.
La pintura monumental es un tipo especial de pinturas a gran escala que adornan las paredes y techos de estructuras arquitectónicas. Revela el contenido de los principales fenómenos sociales que han tenido un impacto positivo en el desarrollo de la sociedad, los glorifica y perpetúa, ayudando a educar a las personas en el espíritu del patriotismo, el progreso y la humanidad. La sublimidad del contenido de la pintura monumental, el tamaño significativo de sus obras, la conexión con la arquitectura requieren grandes masas de color, estricta sencillez y composición lacónica, claridad de contornos y generalización de la forma plástica.
La pintura decorativa se utiliza para decorar edificios, interiores en forma de paneles de colores, que, con una imagen realista, crean la ilusión de un avance en la pared, un aumento visual en el tamaño de una habitación o, por el contrario, las formas deliberadamente aplanadas confirman la planitud de la pared y el recinto del espacio. Patrones, coronas, guirnaldas y otros tipos de decoración, que adornan obras de pintura y escultura monumentales, unen todos los elementos del interior, enfatizando su belleza, coherencia con la arquitectura.
La pintura teatral y decorativa (escenografía, vestuario, maquillaje, utilería, realizada según los bocetos del artista) ayuda a revelar más profundamente el contenido de la actuación. Las especiales condiciones teatrales para la percepción de la escenografía requieren tener en cuenta los múltiples puntos de vista del público, su gran distancia, los efectos de la iluminación artificial y las luces de colores. La escenografía da una idea del lugar y el momento de la acción, activa la percepción del espectador de lo que sucede en el escenario. El artista teatral se esfuerza por expresar con precisión el carácter individual de los personajes, su estatus social, el estilo de la época y mucho más en bocetos de vestuario y maquillaje.
La pintura en miniatura se desarrolló mucho en la Edad Media, antes de la invención de la imprenta. Los libros escritos a mano estaban decorados con los mejores tocados, terminaciones, ilustraciones detalladas, miniaturas. Los artistas rusos de la primera mitad del siglo XIX utilizaron hábilmente la técnica de la pintura en miniatura para crear pequeños retratos (en su mayoría en acuarela). Los colores puros y profundos de las acuarelas, sus exquisitas combinaciones, la sutileza de la escritura de joyería distinguen estos retratos, llenos de gracia y nobleza.
La pintura de caballete, realizada en una máquina de caballete, utiliza madera, cartón, papel como base material, pero la mayoría de las veces lienzo estirado en una camilla. Una pintura de caballete, al ser una obra independiente, puede representar absolutamente todo: real y ficticio del artista, objetos y personas inanimados, modernidad e historia; en resumen, la vida en todas sus manifestaciones. A diferencia de los gráficos, la pintura de caballete tiene una riqueza de color, que ayuda a transmitir emocional, psicológicamente, multifacética y sutilmente la belleza del mundo circundante.
En cuanto a técnica y medios de ejecución, la pintura se divide en óleo, temple, fresco, cera, mosaico, vidrieras, acuarela, gouache, pastel. Estos nombres provienen de una carpeta o del método de uso de medios materiales y técnicos.
1.2 Géneros de pintura.
Los géneros de pintura (fr. Género - género, especie) es una división históricamente establecida de obras de pintura de acuerdo con los temas y objetos de la imagen. En la pintura moderna existen los siguientes géneros: retrato, histórico, mitológico, batalla, vida cotidiana, paisaje, naturaleza muerta, género animal.
Aunque el concepto de "género" apareció en la pintura hace relativamente poco tiempo, existen ciertas diferencias de género desde la antigüedad: imágenes de animales en cuevas del Paleolítico, retratos del Antiguo Egipto y Mesopotamia del 3000 aC, paisajes y naturalezas muertas en mosaicos helenísticos y romanos. y frescos. La formación del género como sistema en la pintura de caballete comenzó en Europa en los siglos XV-XV. y finalizó principalmente en el siglo XVII, cuando, además de la división de las bellas artes en géneros, apareció el concepto de géneros "altos" y "bajos", según el tema de la imagen, tema, trama.
El género de las bellas artes, que refleja la apariencia externa e interna de una persona o un grupo de personas, se llama retrato. Este género está muy extendido no solo en pintura, sino también en escultura, gráfica, etc. Los principales requisitos para un retrato son la transferencia de similitudes externas y la revelación del mundo interior, la esencia del carácter de una persona.
Un género de bellas artes dedicado a eventos y personajes históricos se denomina género histórico. El género histórico, que se caracteriza por la monumentalidad, se desarrolló durante mucho tiempo en la pintura mural. Desde el Renacimiento hasta el siglo XIX. los artistas utilizaron tramas de la mitología antigua y leyendas cristianas. A menudo, los eventos históricos reales representados en la imagen estaban saturados de personajes alegóricos mitológicos o bíblicos.
El género de batalla (del francés bataille - batalla) es un género de pintura que forma parte del género histórico, mitológico y se especializa en representar batallas, hazañas militares, acciones militares, glorificar el valor militar, la furia de la batalla, el triunfo de la victoria. El género de batalla puede incluir elementos de otros géneros: cotidiano, retrato, paisaje, animal, naturaleza muerta.
El género de las bellas artes, que muestra escenas de la vida cotidiana y personal de una persona, la vida cotidiana de la vida campesina y urbana, se denomina género de género. El atractivo de la vida y las costumbres de las personas ya se encuentra en las pinturas y relieves del Antiguo Oriente, en la pintura y escultura de vasijas antiguas, en los iconos medievales y en los libros de horas. Pero el género cotidiano se destacó y adquirió sus formas características solo como un fenómeno del arte de caballete secular.
El género de las bellas artes, donde lo principal es la imagen de la naturaleza, el medio ambiente, las vistas al campo, las ciudades, los monumentos históricos, se llama paisaje (fr. Paysage). Distinguir entre paisaje rural, urbano, arquitectónico, industrial, marino (marina) y fluvial.
El género de bellas artes que muestra animales se llama género animal (del latín animal - animal). El pintor de animales presta atención a las características artísticas y figurativas del animal, sus hábitos, la expresividad decorativa de la figura y la silueta. Los animales a menudo están dotados de rasgos, acciones y experiencias humanas.
2. Naturaleza muerta y su papel en el entorno de género de la pintura.
2.1 El concepto de naturaleza muerta y tipos de naturaleza muerta.
Un género de bellas artes que muestra objetos de la vida cotidiana, trabajo, creatividad, flores, frutas, caza, pescado capturado, colocado en un entorno doméstico real, se llamanaturaleza muerta (Nature morte francés - naturaleza muerta).
El género de la naturaleza muerta es muy rico e interesante. Se ha acumulado una experiencia considerable en este género. Los objetos se representan de manera confiable, se transmiten su belleza y cualidades pictóricas únicas.
Hay diferentes tipos de bodegones:
1. Bodegón de cuerpos geométricos de yeso.
2. Bodegón de artículos para el hogar, de forma sencilla.
3. una naturaleza muerta de artículos para el hogar, de forma simple en color.
4. naturaleza muerta de objetos de color similar.
5. Bodegón de objetos de colores contrastantes.
6. Bodegón de objetos oscuros.
7. Bodegón de objetos blancos.
8. Bodegón en el interior.
9. Bodegón al aire libre.
Junto con el género de la vida cotidiana, la naturaleza muerta se ha considerado durante mucho tiempo un tipo secundario de pintura, en el que es imposible expresar altas ideas sociales, virtudes cívicas. De hecho, mucho de lo característico de las obras históricas, de batalla y otros géneros es inaccesible a la naturaleza muerta. Sin embargo, los grandes maestros demostraron que las cosas pueden caracterizar tanto el estatus social como el estilo de vida de su dueño, dando lugar a este tipo de imágenes, diversas asociaciones y analogías sociales.
La naturaleza muerta se utiliza como escenario educativo, la etapa principal en el estudio de la naturaleza durante el período de aprendizaje. Un artista profesional a menudo se refiere a este género como un boceto pictórico de la naturaleza. La naturaleza muerta, al no ser uno de los géneros de la pintura, representa una característica de tantas oportunidades para practicar búsquedas pictóricas formales. También puede convertirse en una pintura independiente, revelando a su manera el tema eterno del arte: el tema de la existencia humana. Tal capacidad de funciones del género de la naturaleza muerta hace de la pintura de objetos inanimados una esfera de búsqueda no solo de formas y contenido, sino también de búsqueda de la visión personal del artista sobre el entorno, su comprensión y sentimiento de la vida, y el desarrollo de su propio estilo.
La alegría de la comunicación directa con la naturaleza, fuente viva de las bellas artes, adquiere un significado especial al trabajar en un bodegón. "La naturaleza muerta es una de las conmovedoras conversaciones del pintor con la naturaleza". Al trabajar en una naturaleza muerta, nadie distrae al artista, obligándolo a centrarse en su propia pintura, porque la belleza y profundidad de una imagen expresiva en una naturaleza muerta depende de la belleza, profundidad y expresividad del discurso pictórico, la agudeza de las asociaciones que esta imagen suscita en el espectador. La comprensión de los objetos simples como una partícula de realidad hace que este maravilloso género de pintura sea así.
El mundo de las cosas en una naturaleza muerta siempre está diseñado para revelar su originalidad objetiva, cualidades únicas, belleza. Al mismo tiempo, es siempre el mundo humano, que expresa la estructura del pensamiento y los sentimientos, la actitud hacia la vida de las personas de una determinada sociedad.
¿Cuál es la diferencia entre este género y otros? ¿Qué puede dar un pintor a una imagen de cosas inanimadas?
A diferencia de la pintura de retratos, que trata solo de una persona, o un paisaje que recrea la naturaleza y la arquitectura, una naturaleza muerta puede constar de varias cosas del uso doméstico y personal de una persona, elementos flora, obras de bellas artes y mucho más.
La naturaleza muerta, más que cualquier otro género, elude las descripciones verbales; una naturaleza muerta debe ser observada con atención, examinada, sumergida en ella, ya que nos enseña a comprender la pintura misma, a admirar su belleza, fuerza, profundidad; esta es la única manera de comprender el verdadero contenido de cualquier cuadro, su imagen.
En la naturaleza muerta, el pintor se vuelve hacia el mundo de las cosas inanimadas, distinguiéndolas de toda la riqueza del mundo circundante.
La naturaleza muerta se distingue por principios especiales de construcción de una composición, con todas las diferencias en las formas históricas e individuales de este género en las diferentes etapas de su desarrollo. Los objetos aquí se suelen acercar para que la mirada pueda, por así decirlo, sentirlos, evaluar, en primer lugar, sus cualidades materiales reales: su pesadez, formas plásticas, relieve y textura de la superficie, detalles, así como su interacción con el medio ambiente, su vida en el medio ambiente. La escala de una composición en una naturaleza muerta suele centrarse en el tamaño de una habitación pequeña, de la que hay una mayor intimidad de una naturaleza muerta en comparación con otros géneros. Al mismo tiempo, la forma misma de la naturaleza muerta es profunda y de múltiples niveles, polisilábica, significativa: la estructura de la naturaleza muerta, la puesta en escena, la elección, el punto de vista, el estado, la naturaleza de la interpretación, los elementos de la tradición, etc.
En la naturaleza muerta, el artista no solo representa un objeto, sino que a través de ellos expresa su representación de la realidad, resuelve una variedad de problemas estéticos.
La esencia del "contenido" de una naturaleza muerta (según B. Wipper) está en relación con una persona y un objeto en el sentido de la objetividad de la vida, la naturaleza de la materia ... Esto es "en cierto sentido, una cosmovisión completa, una cierta comprensión de la visibilidad, un sentido de la realidad".
A estas palabras, solo se puede agregar que los objetos son el lenguaje que habla el artista, y debe dominar este lenguaje a la perfección.
Como género de arte independiente, la naturaleza muerta tiene un fuerte efecto en el espectador, ya que evoca ideas y pensamientos asociativos durante la percepción de objetos inanimados, detrás de los cuales se ven personas de ciertos personajes, visiones del mundo, diferentes épocas, etc.
La influencia de una naturaleza muerta depende principalmente del tema elegido y divulgado correctamente, así como de las peculiaridades de la individualidad creativa de un artista en particular.
La naturaleza muerta, como ningún otro género, está directamente relacionada con la relación con la imagen, con la solución de un determinado problema visual.
Con toda la diversidad, la gran cantidad de formas de variedad, la naturaleza muerta sigue siendo un "pequeño género", pero eso es precisamente lo valioso, porque atrae la pintura, en primer lugar, hacia sí misma y sus valores y problemas eternos.El mundo de las cosas en la naturaleza muerta siempre está diseñado para revelar su originalidad objetiva, su calidad única y su belleza. Al mismo tiempo, siempre es el mundo humano, reflejando la estructura de pensamientos y sentimientos, una actitud hacia la vida. Los temas son el idioma que habla el artista, y debe dominar este idioma. En un montón de vegetación, el pintor expresa la plenitud de la vida, en una concha de mar, la habilidad sofisticada de la naturaleza, en los utensilios de cocina, la alegría del trabajo diario, en una flor modesta, el universo entero.
La naturaleza muerta es "no sólo una tarea artística", sino también una cosmovisión completa. El mundo de las cosas es el mundo humano, creado, formado y habitado por el hombre. Esto hace que la naturaleza muerta, con toda la modestia exterior de sus motivos, sea un género profundamente significativo.
Un artículo del hogar, calentado por la calidez de la comunicación diaria con las personas, le permite tocar su vida de manera más tangible e íntima de lo que es posible en una historia detallada. Las cosas en la pintura, por supuesto, no siempre aparecen en el género "duro" de la naturaleza muerta especialmente dedicada a ellas. Reviven y llenan las habitaciones en imágenes pintorescas de interiores, a veces juegan un papel no menos importante que las personas en el género o escenas históricas, finalmente, a menudo acompañan a una persona y en un retrato.
La naturaleza muerta es, ante todo, objetos que están organizados temáticamente, conectados por contenido semántico y portan una determinada idea.
Se pueden dividir en dos grandes grupos: objetos naturales (flores, frutas, comida, pescado, caza, etc.) y cosas hechas por manos humanas.
Las peculiaridades de los objetos naturales de la naturaleza muerta son su fragilidad. Por regla general, pertenecen al mundo natural (aunque hay excepciones). Arrancados de su entorno natural, están condenados a una muerte rápida, las flores se marchitan, los frutos se pudren, se estropea la caza. Por tanto, una de las funciones de este género es impartir inmutabilidad a lo cambiante, consolidar una belleza inestable, ganar el paso del tiempo, hacer eternos las cosas perecederas.
Los objetos hechos por humanos generalmente están hechos de materiales duraderos: metal, madera, cerámica, vidrio, son relativamente estables, sus formas son estables.
La diferencia entre las cosas hechas a partir de objetos naturales radica en el lado del contenido que juegan en una naturaleza muerta. En mucha mayor medida, sirven como una característica de una persona y sus actividades, dan contenido social a un bodegón y le dan un lugar al tema del trabajo y la creatividad.
Con todas las diferencias entre los objetos naturales y artificiales, tienen características comunes que les permiten combinar orgánicamente estos objetos en una naturaleza muerta. Ambos forman parte del interior, de tamaño relativamente pequeño, combinados armoniosamente entre sí (jarrones y flores, platos y frutas). Lo principal que los une es el impacto en una persona.
La enorme variedad del mundo de las cosas expande infinitamente las posibilidades significativas de la naturaleza muerta.
Al introducir imágenes de pinturas, grabados, dibujos, se pueden introducir elementos de otros géneros: retrato, paisaje interior, creando nuevas y peculiares relaciones espaciales, semánticas y decorativas.
La naturaleza muerta también se enriquece a menudo con la imagen de pinturas (en bandejas, tazas), pequeñas esculturas (bustos, estatuillas, bajorrelieves, tallas en jarrones), etc.
La imagen de los espejos proporciona ricos efectos pictóricos, espaciales y significativos.
Además de los artículos para el hogar, la ropa tiene una esencia icónica. Esta característica es muy importante, ya que sin tenerla en cuenta es imposible comprender el bodegón y sus posibilidades.
Características de las imágenes de naturaleza muerta, que transmiten a través de objetos inanimados los rasgos y caracteres de las personas, el tiempo es la principal actividad compositiva del artista en este género.
La naturaleza muerta como tal no existe objetivamente, se inventa, se compone, se ensambla, específicamente para ser representada. No importa que pueda tener una apariencia real completamente realista.
Todo el trabajo compositivo se centra en la ubicación de la naturaleza muerta dentro del plano pictórico. Dependiendo de la naturaleza del grupo de bodegones de su altura y ancho, la profundidad del espacio, el grado de contraste de los objetos en tamaño y color, se determinan el formato y las dimensiones del plano, la posición del centro compositivo es la solución tonal y de color, se está buscando la composición más óptima en la que las cuestiones de equilibrio encontrarán su solución, relación proporcional.
Para organizar la composición, se utilizan varios tipos de ritmos: lineal, tonal, color. Los contrastes juegan un papel especial. Al resaltar ciertas áreas de la imagen, las hacen más visibles y luego se desvanecen. La obra, construida sobre abetos de marcadas fluctuaciones de luz y sombra sin "destellos" definidos que acentúen la atención del espectador, parece monótona, monótona, desprovista de expresividad pictórica. Los contrastes de sonido agudo crean tensión, dinámica, a diferencia de la simetría, una imagen dinámica se construye sobre cambios bruscos del centro hacia la composición y el eje del plano de la imagen. En estos casos, los ritmos tienen como objetivo lograr el equilibrio visual de las masas.
El ritmo organiza la imagen. Incluido en la base estructural de la naturaleza muerta, crea un marco visual que guía nuestra percepción. Comparando visualmente algunos elementos de la imagen con otros, resaltamos los principales y nos enfocamos en ellos.
Las cuestiones de formato dependen básicamente del concepto, que, a su vez, expresa la naturaleza de la agrupación de objetos, sus proporciones.
Las sutilezas de la búsqueda de formato incluyen averiguar la cantidad de lugares libres a la izquierda y a la derecha, debajo del grupo de objetos. El concepto en la naturaleza muerta sugiere la naturaleza de la solución al espacio en la naturaleza muerta. Esto se debe a las peculiaridades del sistema de colores. La naturaleza de la solución espacial también está relacionada con la cantidad de espacio relativamente libre de izquierda a derecha.
Como regla general, en una naturaleza muerta, el grupo principal de objetos se coloca en el segundo plano espacial, donde se ubica el centro compositivo de la trama. El objetivo de lograr, la relación de la composición de un grupo de objetos con el formato es la solución rítmica del plano pictórico, la alternancia de manchas, pausas, equilibrio con el plano pictórico con la definición de un centro compositivo semántico, la colocación de partes secundarias, con la búsqueda de contrastes cromáticos y tonales.
Además, los efectos de resolver una composición tanto en un bodegón creado a partir de una idea como cuando se trabaja con un tipo especial de puesta en escena depende de la necesidad de tener en cuenta los diferentes niveles de visión y las características de una construcción en perspectiva. Diferentes niveles de visión para la producción permiten al artista ver la mejor variante inesperada de la solución compositiva, que lleva la novedad de la percepción estética de objetos famosos.
El plano de la imagen se puede utilizar como composición decorativa, donde es necesario mantener la impresión de un plano, y el color juega un papel importante. En este caso, es necesario prestar atención a la naturaleza del esquema de color, a la fuerza de su impacto emocional.
Un papel importante en la creación de una composición holística de una naturaleza muerta se juega al llevar el esquema de color en el trabajo a la unidad colorista, que es la más alta calidad de la pintura. El esquema de color de la composición de naturaleza muerta puede ser cálido o frío.
El color es el alma de la pintura, la pintura no existe sin color. No percibido por el color, todavía no conocemos, en esencia, esta obra. Por eso, cualquier reproducción monocromática de un cuadro le quita lo principal que tiene en cuanto a medios de expresión. El color es la vida de la pintura. La función más importante del color en la pintura es llevar al límite tanto la fiabilidad sensual de la imagen como la expresividad semántica y emocional de la obra.
El concepto de color está indisolublemente ligado a la definición de luz. En los esfuerzos artísticos, acepte la definición limitada de luz como una radiación energética que se percibe visualmente. El color es la porción de luz que nuestro ojo percibe directamente desde una fuente o cuando se refleja en una superficie. El color de una superficie depende del tipo de luz con la que se ilumina y de la cantidad de energía luminosa que se refleja en esta superficie.
La superficie que refleja todos los rayos de luz, dispersándolos en todas direcciones es blanca, la superficie que absorbe casi todos los rayos es negra, la superficie que refleja parte de la energía luminosa y absorbe el acero es de color.
El color tiene una serie de características como tono, luminosidad, saturación. El color también puede evocar sensaciones que no son de color, como frescura, ligereza, frescor e incluso aroma.
El conocimiento de cómo se utilizan los fundamentos científicos y teóricos de la ciencia del color en la organización de una pintura le brinda a la pintura la oportunidad de fundamentar científicamente las técnicas creativas de varios maestros y, en consecuencia, encontrar formas de enseñar estas técnicas.
Pero el conocimiento por sí solo no conduce al éxito. Solo trabajando de forma práctica, mezclando diferentes colores, estudiando su comportamiento en interacción, podremos conocer todas sus propiedades.
Toda la variedad de colores en la obra está sujeta a la intención del artista y al color general. El artista transforma la riqueza del color observado en la realidad en una armonía holística. Esta unidad de color de la imagen se llama coloración.
El color decide la primera impresión que causa una pintura; dependiendo de ello, el espectador que camina por la galería se detiene o pasa. Para causar una gran impresión a primera vista, se deben evitar todos los efectos triviales o artificiales; la calma y la sencillez deben dominar toda la obra. Esto es de gran ayuda por la amplitud de colores uniformes y limpios. La impresión de grandeza se puede lograr de dos formas opuestas. Uno: reduce el color a casi un claroscuro. Otra es dar colores de manera muy clara, definitiva e intensa, pero en ambos casos, la simplicidad sigue siendo el principio básico. Aunque se puede admitir que una exquisita armonía de color, la transición gradual de un tono a otro significa para el ojo lo mismo que exquisitas armonías en la música para el oído.
La coloración de las pinturas se puede mantener en varias escalas de colores. Así es como distinguen entre coloración rosácea, coloración sostenida en azul, dorado y otras escalas. Aquí, coloración significa que todos los colores de la obra tienen tonos similares o el mismo tono.
Además, el color de la imagen se puede expresar mediante colores cercanos o contrastes. También se habla del color en relación a la variedad de matices de color que encuentra el artista. Aquí estamos tratando con los términos "riqueza" y "color pobre".
Así, el concepto de color engloba todas las relaciones de los colores de la imagen en cuanto al número y variedad de matices, en la fuerza e intensidad del color, en combinaciones armoniosas, etc.
Diferentes pintores usaron sus colores para resolver diferentes problemas. El color de la obra depende de la idea de la imagen, de los sentimientos que el artista quería expresar.
2.2 La historia del surgimiento de la naturaleza muerta.
Naturaleza muerta, término tan familiar para denotar cierto género en las artes visuales, apareció en el siglo XVIII. Las primeras pinturas que reproducen ciertos objetos inanimados generalmente se llamaban la palabra alemana "naturaleza inmóvil". La naturaleza muerta como género de pintura se originó en Europa en la frontera de 16-17
siglos, pero su prehistoria comenzó mucho antes. Junto con el género de la vida cotidiana, la naturaleza muerta se ha considerado durante mucho tiempo un tipo secundario de pintura, en el que es imposible expresar altas ideas sociales, virtudes cívicas. Sin embargo, los grandes maestros demostraron que las cosas pueden caracterizar tanto el estatus social como el estilo de vida de su dueño, dando lugar así a diversas asociaciones y analogías sociales.
el pintor Pernakos, que vivió en la época helenística. Es posible que sus pinturas sirvieran de modelo para los frescos de Pompeya. Estas son imágenes brillantes y jugosas de flores, frutas, así como vasijas rituales, instrumentos de escritura, monedas.
El tipo más común de naturaleza muerta es
imagen de artículos para el hogar. Este tipo de naturaleza muerta, estrechamente asociado con el desarrollo del género de género, interior, paisaje, floreció brillantemente en el arte de Europa occidental del siglo XVII. Cada escuela de arte nacional, a su manera, resolvió originalmente este problema. Por ejemplo, un bodegón holandés del siglo XVII llama la atención por su riqueza de temas. En todos los centros artísticos del país, los pintores prefirieron sus composiciones: en Utrecht, de flores y frutas, en La Haya, de pescado. En Haarlem escribieron modestos "desayunos", en Amsterdam - lujosos "postres", y en la Universidad de Leiden - libros y otros objetos para el estudio de las ciencias y símbolos tradicionales de la vanidad mundana - una calavera, una vela, un reloj de arena.
En naturalezas muertas que se remontan a principios del siglo XVII, los objetos están dispuestos
en estricto orden, como exhibiciones en una vitrina de museo. En tales pinturas, los detalles están dotados de un significado simbólico: las manzanas recuerdan la caída de Adán y las uvas, el sacrificio expiatorio de Cristo. El caparazón es un caparazón
dejadas por una criatura que alguna vez vivió en él, las flores marchitas son un símbolo de muerte.
Una mariposa nacida de un capullo significa resurrección. Tales son, por ejemplo, los lienzos de Balthasar van der Ast (1590-1656)
Para los artistas de la próxima generación, las cosas ya no recuerdan tanto las verdades abstractas, sino que sirven para crear
imágenes artísticas. En sus pinturas, los objetos familiares adquieren una belleza especial, antes inadvertida. El tipo de naturaleza muerta, llamado "desayuno", adquirió los rasgos más perfectos y completos en la obra de los pintores de la escuela de Haarlem, Peter Claes y Willem Heda. Se convirtieron en los creadores de un bodegón nacional que representaba mesas colocadas alineadas con un modesto conjunto de objetos típicos de la familia del burgués holandés de las décadas de 1630 y 1640. La intimidad, sencillez y seriedad de estas obras reflejan la vida cotidiana, los gustos, las simpatías y los estados de ánimo de la primera generación de burgueses holandeses que crecieron en un país libre e independiente.
El pintor de Haarlem Peter Claes (1597-1661) enfatiza sutil y hábilmente la originalidad de cada plato, vaso, olla, encontrando un barrio ideal para cualquiera de ellos. Las naturalezas muertas de su compatriota Willem Klas Kheda (hacia 1594 - hacia 1680) son un pintoresco desorden. La mayoría de las veces, escribió "desayuno interrumpido". Un mantel arrugado, artículos para servir confusos, comida que apenas se ha tocado, todo aquí recuerda la presencia reciente de una persona. Las pinturas están animadas por varios puntos de luz y sombras multicolores sobre vidrio, metal, lienzo ("Desayuno con un cangrejo", 1648)
En la segunda mitad del siglo XVII, el lugar de los modestos "desayunos" de Klas y Kheda
ocuparán los más ricos y espectaculares "postres" de Adrian van Beyeren y Willem Kalf. Sus lienzos representan pirámides grandiosas hechas de platos caros y frutas exóticas. Aquí y persiguió plata y loza azul, y copas de conchas marinas, flores, uvas, frutas semi peladas. En estas naturalezas muertas llama la atención la amorosa atención a las peculiaridades de cada objeto, la capacidad de yuxtaponer sutilmente material y textura, una variedad de composiciones, exquisitas combinaciones de colores, habilidad virtuosa en la transmisión de cada objeto.
Las pinturas parecen un fuerte contraste con estos pequeños lienzos.
artistas flamencos de la misma época. Se trata de enormes bodegones decorativos que representan frutas maduras y jugosas, frutas, aves de corral muertas, cabezas de jabalí y ciervo, cadáveres de carne degollada, varios peces, desde las especies más comunes hasta las más raras y exóticas. El autor de estos cuadros fue Frans Snyders (1579-1657), y los propios lienzos constituyen un tipo original y peculiar de naturaleza muerta, denominada "tiendas" ("Pescadería", "Frutería", "Naturaleza muerta con cisne"). Snyders transmite con amor y habilidad el color, la forma y la textura de los objetos, organizando los regalos de la naturaleza en combinaciones inesperadas y con una iluminación intensa, y los combina en lujosos ciclos decorativos e integrales de pinturas.
La doctrina artística del clasicismo atribuyó el bodegón al número
géneros bajos, pero fue en el siglo XVIII en Francia cuando
magníficos lienzos de J. B.S. Chardin (1699-1779). El maestro conocía las tradiciones holandesa y española de este género, pero su actitud ante la naturaleza muerta es única y original. Para sus pinturas, eligió varios objetos muy simples ("Tanque de cobre", "Tuberías y una jarra"), componiendo una estricta y clara composición de los mismos. Los colores del artista son brillantes o apagados, a la manera del rococó. Chardin fue el primero en pintar la carne misma, la cuestión de las cosas con su verdadero color, en lugar de pintarlas.
El interés por la naturaleza muerta aumentó significativamente en la segunda mitad del siglo XIX. Los impresionistas en Francia ponen énfasis en la percepción pictórica del mundo de las cosas, resuelven los problemas de las relaciones de luz y color, a menudo interpretan una naturaleza muerta como una especie de panel decorativo.
Postimpresionistas (P. Cezanne, V. Van Gogh, A. Matisse) en naturalezas muertas
acentuar la frescura de la primera impresión, desarrollar problemas complejos de composición y soluciones de color de la imagen. La extraordinaria expresividad colorista de A. Matisse es visible en las obras: "Girasoles en jarrones" - colores cálidos; "Fruit and Coffee Pot" - escala fría; "Blue Pot and Lemon" es el color dominante. P. Cezanne en sus naturalezas muertas utilizó magníficamente las propiedades de los tonos fríos para adentrarse en las profundidades y los cálidos para avanzar ("Frutas", "Naturaleza muerta con manzanas", "Melocotones y peras"). También argumentó que "todo en la naturaleza está moldeado en forma de bola, cono, cilindro ..."; la percepción espacial de un objeto depende de su color.
Desde principios del siglo XX, la naturaleza muerta se ha convertido en una especie de creatividad
laboratorio de pintura. Los maestros del fauvismo siguen el camino de agudizar la identificación de las posibilidades emocionales y decorativas-expresivas del color y la textura, mientras que los representantes del cubismo (P. Picasso) afirman nuevas formas de trasmitir el espacio y los objetos: construyen volúmenes en un plano, desmembran formas en simples cuerpos geométricos, percibidos desde diferentes puntos de vista, utilizan tonos duros, casi monocromáticos, y luego introducen collages en las pinturas: varios polvos, trozos de periódicos y otros materiales.
En bodegones extranjeros de mediados y segunda mitad del siglo XX,
obras del pintor italiano D. Morandi, caracterizadas por suaves
estado de ánimo contemplativo, construcciones compositivas claras, descolorido colores... Las tendencias sociales se reflejan en las obras expresivas de los mexicanos D. Rivera, D. Siqueiros, el italiano R. Guttuso.
2.3. Características de las naturalezas muertas de los artistas rusos.
Las primeras naturalezas muertas rusas - "trampantojo" - de G. Teplov y T. Ulyanov aparecieron en Rusia en el siglo XVIII. Las naturalezas muertas "engañosas" que representan objetos colgados en una pared de madera y estanterías se distinguen por el hecho de que los artistas intentaron llevar la ilusión al límite: el espectador tuvo que ser engañado, tomar la imagen por la naturaleza. El bodegón hablaba del círculo de ocupaciones de los artistas intelectuales (leer, tocar música, pasión por el arte, correspondencia comercial) y solo sobre artículos para el hogar.
A principios del siglo XIX, existía una moda para la "naturaleza muerta botánica": eran naturalezas muertas de F. Tolstoi: "Bayas de grosellas rojas y blancas", "Ramo de flores, mariposas y pájaros". A finales del siglo XIX, a principios del siglo XX, la naturaleza muerta abandona el género del paisaje. Los artistas admiran los objetos no tanto por su propia belleza como por su participación en un hermoso mundo lleno de aire y luz. Nuevas naturalezas muertas emergen de debajo de la maleza pintores de paisajes famosos, p.ej; I. Levitan "Dientes de león"; ES DECIR. Grabar "Crisantemos", "Florero con phlox"; K. Korovin “Naturaleza muerta. Rosas "," Lila "," Ramo a la orilla del mar ".
A principios del siglo XX floreció la naturaleza muerta rusa. K. Korovin
y los maestros de la asociación "Jack of Diamonds" crean grandes y jugosos
trabaja alabando la belleza pura de la vida. Las obras de Ilya Mashkov demuestran perfectamente las peculiaridades del "cezanneísmo ruso". Sus naturalezas muertas son piezas de vida, estos son los objetos más comunes, pero presentados desde su mejor lado. En el bodegón "Ciruelas azules", el artista intentó transmitir el jugoso azul de las frutas y su forma elástica. En otras obras “Comida de Moscú. Panes ”, el maestro se esforzó por llamar la atención sobre la belleza de los colores mismos: espesos y muy brillantes.
En el arte soviético de los años 20-30 y en los años siguientes, más de
los siguientes artistas trabajaron con naturalezas muertas: P. Konchalovsky, A. Kuprin, A. Lentulov, M. Saryan, A. Osternin, A. Gerasimov. De estilo peculiar, que refleja las características esenciales de la era moderna, los bodegones fueron creados en los años 40-50 por P. Kuznetsov, Y. Pimenov. En los años 60-80, la tendencia hacia una mayor objetividad de la imagen, el deseo de estetizar el mundo de las cosas alrededor de una persona se observó en las naturalezas muertas de V. Stozharov, A. Nikich.
Muy peculiares bodegones de representantes del pop art, que proclamaron tras el dominio del abstraccionismo "volver a la realidad". Sus obras reproducen artículos para el hogar, embalajes de mercancías, piezas de máquinas y están diseñadas para una variedad de asociaciones en el espectador.
Bodegón educativo.
Naturaleza muerta educativa: puesta en escena de objetos de varios colores, formas y estructuras, destinada a mejorar la percepción de los materiales de los objetos por parte de artistas jóvenes. Los bodegones educativos son temáticos, de género, claros y oscuros, destinados al estudio de una estructura particular de materiales. Por ejemplo, configurando sus 7 botellas de diferentes colores y densidades de vidrio. Propósito: transmitir la diferencia de materiales. O Jarrón blanco con una flor blanca sobre fondo blanco. Propósito: captar la diferencia entre objetos blancos, etc.
Bodegón científico.
El género de naturaleza muerta "erudita" que se originó en la Universidad de Leiden se llama "vanidad de vanidades" o "memento mori" y es el tipo más intelectual de naturaleza muerta, que requiere que el espectador conozca la Biblia y las tradiciones del simbolismo religioso (las pinturas de Peter Stenwijk y David Bailey son características). A menudo, en las naturalezas muertas de esta dirección hay técnicas ilusionistas que crean una hábil ilusión óptica. A su vez, el entusiasmo por la transferencia ilusionista de la naturaleza condujo al surgimiento de un tipo especial de naturaleza muerta: el llamado "trompe l'oeil" (trompe l'œil). Tales naturalezas muertas eran especialmente comunes a mediados del siglo XVII y ganaron una popularidad increíble en el país y en el extranjero.
Bodegón floral.
Desde los años 40 del siglo XVII, la naturaleza muerta en la pintura holandesa se ha generalizado como género independiente. El bodegón floral fue uno de los primeros en destacar en las obras de artistas como Ambrosius Bosschaert the Elder y Baltasar van der Ast, y continuó su desarrollo en las lujosas naturalezas muertas de Jan Davids de Hem y sus seguidores en la segunda mitad del siglo XVII. Las razones de la popularidad de los bodegones de flores se pueden encontrar en las peculiaridades de la vida cotidiana en la sociedad holandesa, la tradición de tener jardines, villas de campo o plantas de interior, así como en las condiciones naturales favorables para el desarrollo de la floricultura.
Bodegón contemporáneo.
La principal tarea del artista es revelar en la naturaleza muerta moderna esa belleza que no se nota en la vida cotidiana. Una vista fabulosa de una pintura de naturaleza muerta sobre un fondo de montañas al atardecer, tales naturalezas muertas generalmente no están pintadas de la naturaleza, sino de acuerdo con la imaginación del artista.
El trabajo de los artistas contemporáneos pertenece a la era del posmodernismo. Recientemente, también se ha utilizado la expresión "arte contemporáneo" para definirlo. Esto incluye obras desde principios de la década de 1970 hasta la actualidad.
1970 fue un punto de inflexión en la historia de las artes visuales. Fue entonces cuando apareció el término "posmodernismo". Además, a partir de ese momento, los movimientos artísticos se volvieron muy difíciles de clasificar. Esto se debe al conjunto de herramientas e innovaciones técnicas que se han puesto a disposición de los artistas contemporáneos. Un rasgo distintivo del arte contemporáneo es también su orientación social.
En los últimos años, el mismo término "arte contemporáneo" se ha llegado a identificar en Rusia con ciertas características del arte de vanguardia. Por ejemplo, los retratistas rusos contemporáneos utilizan con más frecuencia las capacidades técnicas de la fotografía, Internet y programas de computadora en su trabajo, combinando tecnologías tan modernas con algún desafío social, una visión no estándar del mundo, a veces exagerando los colores y elevándose incluso en un género aparentemente estático como el retrato. , profundos problemas sociales. Su investigación creativa puede verse como una búsqueda de alternativas al posmodernismo, que se expresa en el uso de medios y materiales de alta tecnología para representar la realidad.
En cualquier galería, en cualquier colección privada, en cualquier interior, hay bodegones. Un símbolo de comodidad, un creador de un estado de ánimo, un indicador del gusto: la naturaleza muerta de hoy es quizás uno de los géneros de pintura más populares. La estética de la naturaleza muerta rusa se caracteriza por la perfección de las técnicas de pintura, la espiritualidad y la vivacidad de la “naturaleza muerta”. La actitud personal y reverente del artista hacia los objetos banales de la vida, la capacidad de revelar el significado secreto con este mundo objetivo son los componentes del arte de la pintura de naturaleza muerta. Solo un verdadero maestro de la pintura puede invertir lo más íntimo en este derroche de colores, el juego de luces y sombras.
En la época soviética, los bodegones se convirtieron en una salida ideológica para muchos artistas que no glorificaban al régimen. Como forma de autoexpresión, las pinturas de los artistas "bodegones" son una especie de crónica de la creatividad de los marginados de la Unión Soviética. mundo artístico... Los artistas contemporáneos están comprometidos no en la lucha ideológica, sino en la creatividad pura.
Los bodegones de artistas contemporáneos se pueden dividir en dos categorías: los que representan directamente objetos tradicionales (cosas, comida, flores) y los que tienen un profundo significado simbólico. El interés en este último está alimentado por profundos mensajes sociales e ideas codificadas en ellos.
Artistas contemporáneos:
Artista Nikolay Mazur.
Sus obras son sorprendentes por su realismo, dominio del color, composición precisa.
El pintor Mazur Nikolai Vladimirovich nació en la ciudad de Krasnoyarsk. Se ha dedicado profesionalmente a la pintura durante más de 20 años. Participante de numerosas exposiciones
El artista prefiere el género de la naturaleza muerta al estilo del realismo.
Artista Alexey Antonov.
El pintor Alexei Antonov nació en Rusia en 1957;
Desde la más tierna infancia mostró creatividad. Ya a los 3 años pintó sus primeros cuadros
Tiene una técnica de escritura realista única, un respeto por los detalles.
Desde 1990 vive y trabaja en Estados Unidos.
Conclusión
Este género le permite crear una imagen de cierto estado de ánimo utilizando objetos simples. A lo largo de su historia de desarrollo, la naturaleza muerta contenía simbolismo, es decir, ciertos objetos tenían un cierto significado. Con la ayuda de este género, los artistas transmiten su actitud al mundo que los rodea.
Por ello, especialmente en los últimos años, cuando ha surgido la cuestión de la formación de la autoconciencia nacional, se ha prestado gran atención a la cosmovisión nacional-cultural, al desarrollo estético, y se comenzó a estudiar el arte con mayor profundidad y detalle como factor que incide en el desarrollo de la generación joven de nuestro país.
Los bodegones dedicados al arte popular revelan la historia de nuestro país, sus tradiciones, lo que nos permite formar el patriotismo y la identidad nacional.
Los bodegones se suman a lo eterno, a la cultura.
Utilizando diversos medios de expresividad en un bodegón, el artista nos muestra sus sentimientos, su actitud ante lo representado.
La naturaleza muerta expresa la actitud de una persona hacia el mundo que lo rodea. Revela esa comprensión de lo bello, inherente al artista como persona de su tiempo.
El arte de una cosa ha sido, mucho antes de su transformación en un área independiente de creación artística, una parte integral de cualquier obra significativa. El papel de una naturaleza muerta en una pintura nunca se ha limitado a una simple información, una adición accidental al contenido principal. Dependiendo de las condiciones históricas y las necesidades sociales, los objetos participaron más o menos en la creación de la imagen, sombreando uno u otro lado del concepto.
En comparación con una pintura temática o un paisaje en una naturaleza muerta creativa, el artista tiene más libertad para disponer de la disposición de los objetos, que, si es necesario, se pueden intercambiar, mover, eliminar y, finalmente, se puede cambiar el nivel de visión de la producción.
Observando la realidad circundante, el artista presta especial atención a aquellos objetos que resultan atractivos por su forma, color, es decir, contenido estético. La ley de la integridad compositiva se basa en las peculiaridades de la percepción visual.
La expresividad de la imagen está indisolublemente ligada a la manifestación de la ley de los contrastes, que, a su vez, se fundamenta en las leyes de la visión humana y las peculiaridades de la percepción visual de la realidad.
La solución tonal de un bodegón suele basarse en el contraste de objetos oscuros sobre una superficie clara o, a la inversa, en el contraste de objetos claros sobre una superficie oscura. Al comparar la relación entre objetos, debe lograr las gradaciones correctas en blanco y negro, cuya peculiaridad es que cada objeto tiene su propio tono, diferente de los demás. Los contrastes tampoco deben olvidarse. Cuanto más cerca esté el objeto de la fuente de luz, más brillantes serán los contrastes de luz y sombra.
Así, trabajar con una naturaleza muerta requiere un buen gusto artístico y estético, conocimiento de las leyes de composición, contrastes, tonalidades y matices de luces y sombras.
La naturaleza muerta es la confesión de un artista. Y no puede dejar de ser poeta. La poesía es el estado en el que vive y vive constantemente. La emoción es lo que inevitablemente se manifiesta en la imagen, si acompaña a su creación. El arte frío está muerto. No puedes imitar sentimientos, fingir que los estás experimentando. Tienes que amar y preocuparte.
Reflejando la belleza de los objetos de la naturaleza circundante o las cosas creadas por el trabajo humano, las naturalezas muertas pueden emocionarnos tanto como las pinturas de género.
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El proceso creativo y el resultado están estrechamente relacionados con la cosmovisión del artista. Sus pensamientos, sentimientos, imaginación, destreza, actitud hacia lo representado participan en el cuadro que crea El artista siempre busca la solución más expresiva a su idea, ponderando la trama, la composición. Las imágenes que aparecen en su imaginación tienen un origen objetivo, nacen de las propiedades visibles de la realidad y tienen sus propias formas específicas. Por tanto, el pintor, encarnando su idea, se vuelve hacia aquellas propiedades de los objetos y fenómenos que percibe visualmente. Solo en presencia de la confiabilidad visual de lo representado se pueden expresar ciertos sentimientos, pensamientos, evocar experiencias correspondientes en el espectador, cuyas representaciones asociativas están asociadas con el mundo objetivo. En un buen paisaje, el espectador verá no solo objetos materiales, sino también el juego natural de luz y color, el brillo plateado del rocío o el juego de colores en el cielo matutino. Tal imagen recuerda impresiones olvidadas, hace funcionar la imaginación, pone en movimiento pensamientos y sentimientos asociados con experiencias pasadas, con experiencias previas. Las peculiaridades de esta percepción asociativa están asociadas al impacto emocional y estético de las pinturas.
No se debe pensar que el autor de una pintura, en un esfuerzo por lograr la autenticidad visual de la pintura, debe copiar mecánicamente la apariencia de la persona que está siendo representada. El trabajo educativo se caracteriza principalmente por la cognición, el estudio profundo y completo de la naturaleza. Muy a menudo, los bocetos educativos son excesivamente "secos", "fraccionarios", "protocolos", similares entre sí no solo en el plan temático y de la trama, sino también en el rendimiento técnico. Todo esto es bastante natural, y la "sequedad" y la timidez de la labor educativa no pueden considerarse signos de su debilidad ni de la falta de talento creativo del autor.
Al mismo tiempo, la actitud libre del alumno ante las tareas del estudio, un cierto "galimatías" no son signos de creatividad, como a veces piensan. Los trabajos educativos no son lo suficientemente emocionales, frescos y originales, porque aún son imperfectos en términos artísticos, ya que los estudiantes aún no tienen experiencia, habilidad, no conocen toda la variedad de medios para resolver un problema educativo o encarnar un plan. Sólo con la experiencia llegará el dominio creativo libre de la naturaleza y sus leyes, así como la perfección técnica.
El punto es que el trabajo educativo debe abordar de manera coherente y clara el conjunto educativo tareas educativas y en conexión con esto, los estudiantes fueron educados y desarrollados talentos creativos.
Parte principal
La capacidad de ver y transmitir en un plano las formas y colores tridimensionales de los objetos es la esencia de la pintura. Este diploma se adquiere principalmente en ejercicios de la naturaleza. Cuanto más un artista pinta bocetos de la naturaleza, más agudo se vuelve su sentido del color, la armonía de los colores y el ritmo de las líneas. Como resultado de ejercicios constantes en la representación de naturalezas muertas, paisajes, la cabeza y la figura de una persona de la naturaleza, se desarrolla la observación, se desarrolla la capacidad de enfatizar lo esencial, descartar lo secundario, expresar sus emociones causadas por la belleza de la naturaleza circundante, la diversidad de la vida.
El camino hacia el dominio comienza con el estudio de los fundamentos teóricos de la pintura y la implementación sistemática de ejercicios prácticos. Sin el conocimiento de las leyes de la pintura, el trabajo práctico de los estudiantes se realiza a ciegas y el desarrollo profesional se ralentiza.
Retratar es, ante todo, razonar. Al comenzar a pintar, debe pensar bien su tarea, definir claramente su objetivo.
Incluso Leonardo da Vinci dijo que “los que se enamoran de la práctica sin ciencia son como escritores que navegan sin timón ni brújula, porque nunca pueden estar seguros de hacia dónde van. La práctica debe basarse siempre en una buena teoría, y sin ella nada se puede hacer bien en la pintura ".
El tema de la naturaleza muerta ocupa un lugar importante en la enseñanza de las bellas artes, ya que a través de la naturaleza muerta se pueden resolver tareas tanto creativas como educativas a través de una amplia variedad de tipologías de este género.
Naturaleza muerta (literalmente naturaleza muerta) - en las artes visuales - la imagen de objetos inanimados, en oposición a los temas de retrato, género, histórico y paisajístico. “La naturaleza muerta es uno de los géneros de bellas artes dedicados a la reproducción de artículos para el hogar, frutas, verduras, flores, etc. Dibujar una naturaleza muerta es especialmente útil en práctica de entrenamiento para dominar el arte de pintar, ya que en él un artista novato comprende las leyes de la armonía del color, adquiere la habilidad técnica de pintar una forma ”.
Antes de que la naturaleza muerta se convirtiera en un género independiente, las cosas que rodean a una persona en la vida cotidiana, solo en un grado u otro, se incluían como un atributo en las pinturas de la antigüedad. La historia de la naturaleza muerta se desarrolla desde hace casi 600 años. Se transformó gradualmente en un género significativo separado, y este proceso tomó más de cien años. Actualmente, la naturaleza muerta es el mejor medio para estudiar los patrones de la forma de los objetos, su iluminación y color.
Hay varios tipos de bodegones:
Formación;
Tema-temático;
Educativo y creativo;
Creativo.
Cada tipo de naturaleza muerta realiza diferentes tareas. La Tabla 1 presenta las características de cada tipo.
Tabla 1.
Características y tareas de diferentes tipos de bodegones.
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Vista de naturaleza muerta |
caracteristicas: |
Las tareas que resuelve |
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Diseñado para la formación de habilidades: coordinar objetos en tono, textura, tamaño, revelar las características de diseño de los objetos, estudiar proporciones. Un bodegón educativo se diferencia de uno creativo en que en él se plantean y realizan tareas educativas específicas, como enseñar los fundamentos visuales y activar las habilidades cognitivas a través del análisis de la naturaleza. |
Practicando habilidades específicas: Disposición de artículos; Coordinación de asignaturas; Revelando la proporción; Divulgación de las características de diseño de los objetos; Encontrar un color, una solución tonal; Estudio de proporciones; Revelando plásticos de diversas formas. |
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Tema-temático |
Implica la unificación de objetos por tema, trama. Refleja a una persona, sus intereses, cultura y todo tipo de aspectos de la vida. Caracteristica principal es una clara expresión del tema a través de objetos y elementos de composición. |
Revelando la imagen a través de la selección de objetos, solución compositiva, esquema de color. Tareas educativas, educativas: conocimiento de la historia, la cultura, el arte popular, etc. |
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Educativo y creativo |
Una visión de transición de este género. |
Practicando destrezas, destrezas, pero al mismo tiempo, y revelando la manera creativa del autor. |
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Creativo |
Implica la libre autoexpresión del artista, la revelación de su intención, el reflejo de su manera. |
Así, podemos concluir que la inclusión de actuaciones temáticas en la enseñanza de los escolares juega un papel importante no solo en términos de adquisición de habilidades visuales, sino también para desarrollar la mirada del alumno, inculcarle gusto, orientaciones valorativas y actitudes positivas. Utilizando naturalezas muertas temáticas en producciones educativas en pintura, el profesor enseña a los alumnos a mirar los objetos a los que están acostumbrados de una manera nueva, a observar la belleza en las pequeñas cosas, en los objetos cotidianos o en los objetos históricos que hace tiempo que están fuera de circulación. Transmitir a través de los objetos el estado de ánimo, el carácter y el estilo de vida de su dueño es una tarea difícil, un estudiante que lo ha superado está listo para pasar a tareas más difíciles. Al mismo tiempo, además de las tareas artísticas, una naturaleza muerta temática también conlleva una carga educativa, a través de ella el alumno puede conocer su historia y cultura nativas, el propósito utilitario de los objetos, así como sus características compositivas y semánticas.
La ambientación de cualquier naturaleza muerta temática requiere un enfoque competente por parte del profesor, comenzando por establecer un objetivo y terminando con una selección precisa de temas. “Cabe señalar que no existen leyes para la puesta en escena de una naturaleza muerta, ninguna regla, habiendo dominado lo que se puede aprender a escenificar una naturaleza muerta. Ni siquiera puede nombrar signos exhaustivos y precisos de una naturaleza muerta bien compuesta, así como indicar alguna norma. Sin embargo, es posible señalar algunas leyes generales o, por el contrario, algunas posibilidades particulares de este género. Puedes dar algunos consejos metodológicos, tras los cuales el artista-maestro podrá descubrir nuevas posibilidades en la puesta en escena de un bodegón ". Las principales etapas de la organización de un bodegón temático se presentan en la Tabla 2.
Tabla 2.
Etapas de organización y características de la puesta en escena de un bodegón temático.
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P / p No. |
Etapa |
caracteristicas: |
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Determinación de las metas, objetivos de esta formulación |
El propósito de un bodegón temático no es solo la adquisición de habilidades artísticas, sino la creación de una imagen. En la imagen de una naturaleza muerta, se pueden resolver las siguientes tareas: 1) composicional, 2) Asunto 3) Tonal |
Trate de identificar metas y objetivos que deben cumplirse en el proceso de elaboración de la declaración. Una naturaleza muerta temática no debe ser solo un ejercicio de formación, que debe desarrollar las habilidades de determinar las proporciones de los objetos y sus cortes de perspectiva, el tono y las relaciones de color, sino también una tarea artística, es necesario componer una naturaleza muerta de tal manera que contenga una imagen artística, tenga un tema pronunciado. que debe combinar los elementos en la producción. |
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Determinando el tema del futuro bodegón. |
El tema de la naturaleza muerta del futuro debe ser relevante, interesante no solo para el maestro, sino también para los escolares. Puede dedicarse a cualquier época, profesión, temporada, etc. |
Puede realizar una encuesta a los escolares o proporcionar una selección de varios objetos del fondo natural e invitar a los estudiantes a que intenten componer una naturaleza muerta ellos mismos. Así, se revelará el interés de los estudiantes por un tema en particular, así como este método contribuye al desarrollo de la imaginación y el pensamiento espacial. |
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Selección de artículos, determinación de colores. |
Poner un bodegón temático de alta calidad es bastante difícil, ya que es necesario seleccionar objetos que correspondan a las tareas educativas, al mismo tiempo que se unen en significado y temática, así como se combinen en color. |
Al configurar una naturaleza muerta, es necesario seleccionar elementos adecuados para una configuración a escala completa. Hay que recordar que todos ellos pueden estar unidos por un tema común y están interconectados según su finalidad, lucen naturales entre sí. Se pueden utilizar tanto artículos modernos como antigüedades seleccionados en el fondo de bodegones de una institución educativa (samovares, ruecas, sandalias, etc.). |
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Organización composicional de la producción |
El valor artístico y la importancia de la pintura dependerán principalmente de cómo se escenifique la naturaleza muerta. Por lo tanto, al componer una naturaleza muerta, es necesario tener en cuenta todos los matices de la disposición semántica y compositiva de los objetos. |
Una base importante para dibujar una naturaleza muerta es dicha selección de objetos, en la que el contenido general, la certeza del concepto y el orden de los objetos en la producción y, lo más importante, el tema se expresaron con mayor claridad. Muy a menudo, en una naturaleza muerta, un tema se convierte en el principal. Es al mismo tiempo el objeto más grande, crea el centro de toda la composición. |
Es imposible enumerar todas las posibilidades de utilizar un bodegón educativo temático pictórico, pero sí se pueden destacar las reglas básicas para la puesta en escena. La búsqueda composicional con un cambio de perspectiva e iluminación ayudará a revelar la imagen más interesante de un bodegón. Es muy importante decidir en qué iluminación es más rentable pintar una naturaleza muerta, ya que la luz juega un papel importante en la composición de una puesta en escena de naturaleza muerta. Considere las principales opciones para organizar la luz:
La iluminación frontal hace que las sombras sean sutiles;
El pozo lateral revela la forma, el volumen, la textura de los objetos;
La retroiluminación da a los objetos una forma de silueta.
Cambiar el ángulo ayuda a crear una imagen de naturaleza muerta. Si miras un mismo bodegón desde diferentes puntos de vista en busca de la composición más interesante y expresiva. Se puede notar que la puesta en escena de un bodegón al nivel de los ojos de los estudiantes es especialmente importante en las primeras etapas del entrenamiento, porque permite ver y representar objetos como un punto, sin distraerse por el volumen, percibiendo solo siluetas, analizando la forma del objeto.
Para completar con éxito el dibujo de los estudiantes, es necesario dividir el proceso de trabajo en las siguientes etapas:
1) análisis preliminar del desempeño;
2) colocación composicional de la imagen en una hoja de papel;
3) la transferencia de los personajes de la forma de los objetos y sus proporciones;
4) revelar el volumen de los objetos mediante claroscuro;
5) dibujo detallado de la forma de los objetos;
6) síntesis: resumen del trabajo en el dibujo.
El cumplimiento de estas reglas permitirá a los estudiantes en el proceso de trabajo práctico en una naturaleza muerta educativa identificar con mayor claridad las principales relaciones pictóricas, se centrará en la visión correcta de las diferencias tonales, contribuyendo a la correcta transferencia de color de la materialidad de las cosas.
Así, resumiendo lo anterior, podemos concluir que con la ayuda de un bodegón temático se pueden resolver muchas tareas, como el estudio y desarrollo del conocimiento sobre las leyes de la alfabetización gráfica, la formación de habilidades artísticas. Además, a través de un bodegón temático, podrás conocer la vida e historia de nuestros antepasados, sus intereses y aficiones, ver con claridad lo que hacían y qué valores vivían. Sin embargo, una naturaleza muerta compuesta sin éxito afectará directamente a la calidad de asimilación del material educativo por parte de los estudiantes y, como resultado, a la efectividad. Por lo tanto, siempre debe recordar que la base para la compilación de una naturaleza muerta temática es una selección de objetos en la que el contenido general y el tema de la naturaleza muerta se expresan con mayor claridad para que los estudiantes comprendan y completen la tarea educativa.
INTRODUCCIÓN ...................................................................................................3
1.1. ...............................................................................................6
1.2. ..................................................................9
2.1. ...................17
2.2. .................................................................................20
2.3. Etapas de trabajo en una naturaleza muerta .................................................24
2.4. ..............................................29
CONCLUSIÓN .........................................................................................32
BIBLIOGRAFÍA ......................................................................34
INTRODUCCIÓN
La relevancia de la investigación. En la formación de la personalidad de un niño, varios tipos de actividades artísticas y creativas son invaluables: dibujar, modelar, recortar figuras de papel y pegarlas, crear varios diseños a partir de materiales naturales, etc.
Estas actividades les dan a los niños la alegría del aprendizaje y la creatividad. Habiendo experimentado este sentimiento una vez, el niño se esforzará en sus dibujos, aplicaciones, manualidades para contar lo que aprendió, vio y experimentó.
Un rasgo característico del arte es el reflejo de la realidad en imágenes artísticas, que afectan la conciencia y los sentimientos del niño, educan en él una cierta actitud hacia los eventos y fenómenos de la vida, ayudan a comprender la realidad más profunda y plenamente. La influencia del arte en la formación de la personalidad de una persona, su desarrollo es muy grande. El alma del niño está predispuesta a la percepción de la belleza, el niño es capaz de sentir sutilmente la pintura.
La actividad visual de los niños de primaria como tipo de actividad artística debe ser emocional, creativa. El maestro debe crear todas las condiciones para esto: en primer lugar, debe proporcionar una percepción emocional e imaginativa de la realidad, formar sentimientos e ideas estéticos, desarrollar el pensamiento y la imaginación imaginativos, enseñar a los niños cómo crear imágenes, los medios de su desempeño expresivo.
Según los métodos de enseñanza de las bellas artes, la primera etapa de la educación en una escuela de educación general debe, a través del arte, sentar las bases de la percepción artística y estética de los fenómenos de la realidad circundante. Durante cuatro años de educación primaria, es necesario en la conciencia y el desarrollo emocional del niño crear la base de las representaciones artísticas, en las que puede confiar en toda la educación posterior. Desde el comienzo de la enseñanza, el profesor debe crear una "situación de asimilación" en torno al tema de la lección. atmósfera de alegría, participación de los niños en el proceso de percepción del material y necesidad de retroalimentación creativa activa al realizar el trabajo práctico de cada tarea.
La actividad artística de los escolares en el aula encuentra diversas formas de expresión: imágenes en un plano y en volumen, obra decorativa y constructiva; percepción de fenómenos de la realidad y obras de arte (diapositivas, reproducciones); discusión sobre el trabajo de los compañeros, los resultados de su propia creatividad colectiva y el trabajo individual en el aula; estudio del patrimonio artístico; búsqueda del trabajo de los escolares sobre la selección de material ilustrativo para los temas estudiados; escuchar obras musicales y literarias (folclóricas, clásicas, modernas).
El proceso de aprendizaje debe estar dirigido al desarrollo de las bellas artes de los niños, al reflejo creativo de las impresiones del mundo circundante, las obras literarias y artísticas.
Objeto de investigación el trabajo de este curso sigue siendo un medio para desarrollar excelentes habilidades.
Sujeto de estudio es un método para enseñar naturaleza muerta a estudiantes más jóvenes.
Objetivo - considerar las peculiaridades de la metodología para la enseñanza del dibujo de naturaleza muerta a estudiantes más jóvenes.
De acuerdo con el objetivo, se establecieron los siguientes tareas:
1. considerar la naturaleza muerta como un género de bellas artes;
2. determinar el papel del arte en el desarrollo de un estudiante de primaria;
3. estudiar la organización del trabajo pedagógico para familiarizar a los niños con la naturaleza muerta;
4. identificar las etapas del trabajo en una naturaleza muerta;
5. considere las reglas para la elaboración de una naturaleza muerta.
Bases teóricas trabajo sirvió como investigación Komarova T.S. Kosminskaya V.B., Khalezova N.B., Maksimova Yu.V. y etc.
Métodos de búsqueda:
1) análisis de la literatura científica y metodológica sobre el problema de investigación;
2. Observación intencionada del desarrollo de los niños, análisis de programas existentes y documentación científica y educativa.
Estructura de trabajo - introducción, dos capítulos, conclusiones y bibliografía.
CAPÍTULO 1. LA VIDA FIJA COMO GÉNERO DE BELLAS ARTES
1.1. Características de la naturaleza muerta como un tipo de bellas artes
Naturaleza muerta (fr. Naturemorte, alp. Naturaleza muerta) - en las bellas artes - la imagen de objetos inanimados, en contraste con el retrato, el género, los temas históricos y paisajísticos.
La naturaleza muerta es uno de los géneros de bellas artes dedicados a la reproducción de artículos para el hogar, frutas, verduras, flores, etc. La tarea del artista que representa un bodegón es transmitir la belleza colorista de los objetos que rodean a una persona, su esencia volumétrica y material, y también expresar su actitud hacia los objetos representados. Dibujar una naturaleza muerta es especialmente útil en la práctica educativa para dominar las habilidades pictóricas, ya que en él un artista novato comprende las leyes de la armonía del color, adquiere el dominio técnico del modelado de formas pictóricas.
Como género independiente en el arte, la naturaleza muerta apareció en la
Siglos XVI - XVII en Holanda y Flandes, y desde entonces ha sido utilizado por muchos artistas para transmitir la conexión directa entre el arte y la vida de las personas y la vida cotidiana. Es la época de los artistas que se glorificaron en el género de la naturaleza muerta, P. Klas, V. Heada, A. Beyeren y V. Kalf, Snyders, etc.
La naturaleza muerta es el género favorito en el arte de muchos artistas contemporáneos. Se pintan bodegones al aire libre, en el interior, producciones simples y complejas, conjuntos de objetos tradicionales y muy arreglados de la vida cotidiana.
En una pintura de naturaleza muerta, los artistas se esfuerzan por mostrar el mundo de las cosas, la belleza de sus formas, colores, proporciones, para capturar su actitud hacia estas cosas. Al mismo tiempo, una persona, sus intereses, nivel cultural y la vida misma se reflejan en naturalezas muertas.
Dibujar una naturaleza muerta implica la capacidad de representar la forma de varios objetos utilizando claroscuro, perspectiva, las leyes del color.
La composición principal de una naturaleza muerta es una selección de objetos en la que el contenido general y el tema se expresan con mayor claridad.
Hay varios tipos de bodegones:
Tema-temático;
Formación;
Educativo y creativo;
Creativo.
Se distinguen naturalezas muertas:
Por color (cálido, frío);
Por color (cercano, contrastante);
Por iluminación (iluminación directa, iluminación lateral, contraluz);
Por ubicación (naturaleza muerta en el interior, en el paisaje);
En el momento de la actuación (a corto plazo - "mancha" y a largo plazo - muchas horas de actuaciones);
Estableciendo una tarea educativa (realista, decorativa, etc.).
La naturaleza muerta en un paisaje (al aire libre) puede ser de dos tipos: uno - compuesto de acuerdo con el tema elegido, el otro - natural, "casual". Puede ser independiente o ser parte integral de una pintura o paisaje de género. A menudo, un paisaje o una escena de género solo complementa la naturaleza muerta.
La naturaleza muerta en el interior implica la disposición de objetos rodeados de un gran espacio, donde los objetos de la naturaleza muerta están subordinados con el interior a la trama.
La naturaleza muerta sujeto-temática implica la unificación de objetos por tema, trama.
Bodegón educativo. En él, como en la trama y la temática, es necesario coordinar los objetos en tamaño, tono, color y textura, revelar las características de diseño de los objetos, estudiar las proporciones e identificar los patrones de plasticidad de diversas formas. La naturaleza muerta educativa también se llama académica o, como se mencionó anteriormente, escenificada. Un bodegón educativo se diferencia de uno creativo por un estricto establecimiento de objetivos: dar a los estudiantes los conceptos básicos de la alfabetización visual, promover la activación de sus habilidades cognitivas e involucrarlos en un trabajo creativo independiente.
En una naturaleza muerta decorativa, la tarea principal es identificar las cualidades decorativas de la naturaleza, crear una impresión general de elegancia "Una naturaleza muerta decorativa no es una representación precisa de la naturaleza, sino un reflejo de esta naturaleza: es la selección e impresión de lo más característico, el rechazo de todo lo aleatorio, la subordinación de la estructura de una naturaleza muerta a una tarea específica del artista" ...
El principio básico para resolver un bodegón decorativo es la transformación de la profundidad espacial de la imagen en un espacio plano condicional. Al mismo tiempo, es posible utilizar varios planos, que deben ubicarse a poca profundidad. La tarea educativa a la que se enfrenta el alumno en el proceso de elaboración de un bodegón decorativo es "identificar la característica, la cualidad más expresiva y realzarla en su procesamiento decorativo, en la solución decorativa del bodegón debe intentar ver la característica en él y aprovechar este procesamiento".
La naturaleza muerta decorativa permite desarrollar un sentido de armonía cromática, ritmo, proporciones cuantitativas y cualitativas de los planos cromáticos, en función de su intensidad, ligereza y textura.
1.2. Materiales y técnicas artísticas utilizadas en la representación de un bodegón
Como regla general, no se requieren herramientas complejas para dibujar. Cada uno tenía que dibujar con lápices, rotuladores o estilográficas sobre papel, pero no es fácil lograr el dominio en la transferencia exacta del movimiento, la naturaleza de la textura. En general, si hablamos de papel, deje que los niños prueben sus diversas variedades para dibujar.
Como saben, el papel se fabrica principalmente a partir de una masa de fibras de madera especialmente procesadas con la adición de minerales (caolín, tiza) y aprestos, tintes, etc. Según la leyenda, el papel se inventó en China en el siglo I d.C. ANTES DE CRISTO. Estaba hecho de líber de madera, y en el siglo II. ANUNCIO - de fibras de seda, su nombre latino está asociado a esto. Los secretos de la producción de papel se conocieron en Europa solo después de varios siglos. Estaba hecho principalmente de trapos de lino, comenzaron a usarse para dibujar a partir del siglo XIV. ...
Existen diferentes tipos de papel. Para trabajar con un lápiz o pinturas, necesita papel blanco grueso, whatman o semi-whatman, el papel de la más alta calidad con una superficie rugosa, fuerte y bien pegado. Lleva el nombre del propietario de la fábrica de papel inglesa J. Whatman.
El papel recubierto con una capa uniforme de tiza con una pequeña cantidad de carpetas es papel recubierto o papel de tiza. Ella percibe bien la pintura, el trazo y la línea adquieren nitidez, la tinta se deposita de manera muy uniforme y firme. Pero lo más importante es que se puede retocar el dibujo terminado, es decir, realizar cambios y correcciones con aguja, bisturí, cuchillo, etc. Aquí aparece incluso una técnica tan nueva como una línea blanca y un trazo sobre un fondo negro, que se asemeja al grabado (el principio del linograbado). Sin embargo, no debe usarse en exceso.
Dibuja bien en papel de colores. Esta tradición de los viejos maestros tiene mucho significado y ricas capacidades técnicas, el papel de color le da al dibujo un medio de tono, es posible trabajar en él tanto oscuro como claro al mismo tiempo. Dicho papel se puede preparar de la siguiente manera: pastel finamente triturado o algún otro polvo colorante, frótelo uniformemente sobre toda la hoja con un hisopo de algodón. El papel coloreado o teñido también se fabrica vertiendo una solución débil de té o café, acuarelas simples o gouache El color y el tono de la pintura del papel pueden variar infinitamente. Las posibilidades artísticas del papel son muy amplias.
La práctica educativa ha demostrado que los lápices de grafito y de colores, los rotuladores, las acuarelas, la tinta, la salsa, los crayones, así como el carbón, la sanguina y el pastel son los más preferidos para completar las tareas de dibujo.
En la etapa inicial de aprender a dibujar una naturaleza muerta, un lápiz gráfico es aceptable. Se ajusta bien, sujeta y se quita con una banda elástica, lo cual es importante a la hora de corregir errores. Hay lápices de varios grados de dureza y suavidad (duro, blando, medio).
Un lápiz de grafito es igualmente conveniente para trabajos educativos y creativos. Tiene un bonito tono gris y algo de brillo, se puede borrar fácilmente con una goma elástica y se puede corregir. Con este lápiz se crean dibujos de un punto lineal, lineal y tonal pictórico. Para dibujar, un lápiz de grafito es la herramienta más simple y asequible de todos los materiales. El grafito en combinación con otros materiales artísticos ofrece grandes oportunidades para todos los artistas.
El grafito se adapta bien a cualquier papel y no se desmorona. Tome lápiz y papel de acuerdo con las tareas. Primero, debes aprender a trabajar con un lápiz y tratar de utilizar todas sus posibilidades expresivas. Las líneas y los trazos funcionan bien en papel grueso y suave, mientras que el papel granulado funciona bien en tono. Los dibujos a lápiz sobre papel que se han vuelto amarillos con el tiempo quedan bien.
Cuando trabaje con un lápiz de grafito, no debe dejarse llevar especialmente por el sombreado, ya que puede tener la impresión de una imagen gastada y grasienta. Un lápiz de grafito es bueno para dibujos en un álbum, en una hoja Whatman, pero si necesita cerrar superficies grandes, generalmente se usa carbón.
La expresividad del trazo, sus posibilidades dependen del método de trabajo con lápiz.
Un borrador no es de poca importancia cuando se trabaja con un lápiz. La buena calidad del elástico está determinada por su suavidad.
Los lápices de colores también pueden lograr una variedad de efectos gráficos o de pintura, especialmente los lápices de acuarela que se pueden lavar con agua.
El carbón como material de dibujo ha sido utilizado por los artistas desde la antigüedad, ya que tiene una gran capacidad expresiva, se utiliza para pintar paisajes, retratos, naturalezas muertas y composiciones temáticas. El carbón se puede trabajar de dos formas; usando líneas y trazos y aplicando sombreado tonal. Para líneas finas, el carbón vegetal se afila oblicuamente, ya que la parte media (núcleo) del carbón vegetal hecho de ramitas está más suelta. Al trabajar sobre lienzo, el carbón se afila. Las brasas de dibujo deben ser de diferente tamaño y forma. Dibuje líneas anchas, sombree rápidamente superficies grandes con el costado. El carbón produce negros profundos y aterciopelados y una amplia gama de transiciones tonales. Realizan bocetos rápidos, bocetos y dibujos extensos. Es muy fácil de usar y fácil de lavar. El carbón revela claramente la forma del objeto, le permite transmitir luces y sombras. Dibujan sobre papel, cartón, lienzo, paredes y otras superficies. Es mejor usar papel rugoso o papel de dibujo grueso, que debe limpiarse ligeramente con papel de lija fino. Se obtienen interesantes dibujos al carboncillo sobre un fondo coloreado de tonos suaves.
Está permitido combinar carbón con otros materiales: sanguina, tiza, pasteles, lápices de colores, acuarelas, lápiz de carbón especial para retoques.
Se recomienda triturar el carbón con un trapo o una mezcla especial de gamuza, cuero de cabrito o papel grueso en forma de rodillo bien enrollado con extremos puntiagudos. En este caso, no use una banda elástica, ya que después de ella el carbón cae de manera desigual. Puede aclarar el tono quitando el exceso de carbón con un paño o un cepillo de cerdas. Es posible resolver los lugares iluminados del formulario con tiza.
Los dibujos al carboncillo deben fijarse con un fijador especial o laca para el cabello. Se pulveriza gradualmente, en varios pasos, desde una distancia de aproximadamente un metro, evitando la formación de gotas. Tenga en cuenta que incluso la fijación más cuidadosa hace que el patrón sea más oscuro.
Al dibujar con un rotulador, debe tener en cuenta sus capacidades. El rotulador se desliza fácilmente sobre el papel y deja una hermosa línea suave que no se puede borrar, por lo que deben trabajar con una mano firme y segura. Los rotuladores son finos y gruesos, de varios colores, lo que caracteriza sus capacidades artísticas. El dibujo se realiza mediante líneas, trazos o manchas decorativas. Los rotuladores son buenos para dibujar de la vida, dibujar paisajes, trabajos decorativos y de diseño.
Sanguin, un material marrón rojizo, fue utilizado en el dibujo de Leonardo da Vinci. Otro nombre para este material es tiza roja. Sanguine se produce en forma de barras redondas o cuadradas de diferentes tonalidades. Los dibujos sanguinarios son lineales, discontinuos y de tono. Combina bien en papel rugoso, cartón, lienzo imprimado. A menudo, los artistas combinan sanguina con carboncillo, tiza, lápiz. Se recomienda trabajar como optimista para aquellos que ya tienen habilidades de dibujo. Para dominar la técnica de trabajar con este material, debe comenzar con bocetos y continuar con dibujos más largos de la naturaleza o de la imaginación.
Las obras de maestros destacados: Leonardo da Vinci, Rafael, Rubens, Miguel Ángel, Rembrandt, Tiziano, Chardin y muchos otros, creados por el sanguíneo, son diversas en técnicas técnicas.
La salsa es un material para dibujar en forma de varillas gruesas hechas de tintes prensados \u200b\u200bcon pegamento, envueltos en papel de aluminio. Se utiliza en dibujos, bocetos y bocetos grandes y extensos. La salsa brinda una rica oportunidad en el patrón tonal, tiene un color negro aterciopelado profundo (a veces gris o marrón), matiza bien; aplicado sobre papel con un trazo, sombreado (salsa seca) o lavado con pincel con agua. Similar a las acuarelas (salsa húmeda). Los dibujos hechos con la técnica de la salsa seca se fijan o almacenan mejor, cubiertos con papel fino y también debajo de un vidrio.
La salsa como material gráfico se hizo conocida a finales del siglo XVIII y principios del XIX. Está especialmente extendido en Rusia. A I. Kramskoy, I. Repin, A. Savrasov y otros les gustaba trabajar en esta técnica. La salsa combina bien con carbón, tinta y otros materiales. Esto abre nuevas posibilidades expresivas del dibujo.
El método "húmedo" es el siguiente: la salsa en polvo rallada se diluye con agua hasta obtener la consistencia requerida. Primero, el pincel se usa para cubrir sus propias sombras y las que caen con una solución de saturación media. A continuación, se recubren grandes partes del molde y del medio ambiente con una solución débil. Luego proceda a un estudio detallado del tema. Por lo tanto, el método de trabajar con salsa "húmeda" se acerca a su manera a la técnica de trabajar con acuarelas (grisalla). Puedes trabajar con una salsa de forma combinada.
El uso de materiales de carbón, salsa y sanguina al dibujar permite a los niños abordar creativamente la solución de las características figurativas de una producción a gran escala.
El dibujo a lápiz es una gran escuela para la educación de las manos y los ojos. Las plumas vienen en una variedad de tamaños y materiales. La pluma es la herramienta del artista. Se utiliza para escribir hermosas letras en caligrafía y para dibujos gráficos,
Antiguamente pintaban con plumas de aves (ganso, cisne, cuervo, pavo real, etc.). Por ejemplo, A.S. Pushkin hizo bocetos en los márgenes de sus manuscritos con una pluma de ganso. Dibujar con plumas de pájaro no ha perdido su significado hasta ahora. La flexibilidad y elasticidad de tales plumas le permiten hacer líneas de muy diferentes grosores, sin embargo, esta herramienta se descompone muy rápidamente y preparar una nueva pluma es bastante laborioso y requiere cierta habilidad. El extremo de la pluma se corta oblicuamente con un cuchillo afilado y luego se corta a lo largo unos pocos milímetros (el nombre "navaja" está asociado con este proceso).
Distribución significativa para el dibujo a tinta en el pasado y ahora ha palo de madera... Su preparación es muy sencilla, un palito fino ordinario al final se afila como una pluma, según lo necesite el propio artista.
La naturaleza muerta se puede realizar junto con materiales gráficos, así como con pintura.
La imagen realista no es un reflejo de la naturaleza. Su propósito es crear una imagen artística que transmita fielmente el significado y contenido del fenómeno de la naturaleza y la vida. La pintura, como el dibujo, se basa en patrones estrictamente definidos para construir una forma realista. La formación en pintura es una forma de estudiar los métodos, técnicas y medios de construir una forma pictórica de color. Los factores que afectan el cambio de color incluyen el ambiente de luz, el ambiente de color y las fuentes de luz.
Los escolares más pequeños necesitan desarrollar la capacidad de ver objetos en el entorno, mirar una naturaleza muerta como un grupo armonioso de objetos con conexiones reflexivas y espaciales. El único método que puede crear con éxito una imagen visual de la naturaleza es el método de relación. El desarrollo de la percepción visual va de la mano de la acumulación de conocimientos y habilidades.
Los colores se clasifican en colores acromáticos (blanco y negro). Se diferencian en ligereza. Todas las pinturas de colores se llaman cromáticas. Los colores pueden ser cálidos o fríos. Además, cuando trabajamos con una naturaleza muerta, nos enfrentamos a un fenómeno: el contraste. Cualquier color acromático rodeado por uno más oscuro se aclara, rodeado por uno más claro se oscurece. Es un ligero contraste. El cambio de tono de color en función del color adyacente se denomina contraste de color.
El tono es una medida de cromaticidad que distingue un color de otro. La luminosidad es la diferencia de luminosidad, la saturación es la severidad de un tono de color particular. El medio tono es una parte intermedia de la forma entre la luz y la sombra.
El trabajo de la naturaleza muerta se realiza con diversos materiales de pintura. Uno de estos materiales es la acuarela.
Pintura de acuarela: acuarela - acuarelas, del francés aguarell, del latín agua - agua. A veces es duro - en baldosas, semiblando en tazas, blando - en tubos. La principal propiedad de las acuarelas es la transparencia de la capa colorante. Esta propiedad debe tenerse en cuenta al imponer un color sobre otro.
Hay dos formas de trabajar en acuarela:
Glaseado: la imposición de una capa transparente de pintura sobre otra, mientras que la primera capa se seca.
Alla prima: todos los colores se toman a la vez con la fuerza deseada, cada detalle de color comienza y termina en un solo paso. También se llama trabajo en bruto.
El resaltado del tono saturado ocurre diluyendo la acuarela con agua. La pintura con acuarela se basa en la técnica de que primero se aplican al papel colores claros de pinturas, dejando el deslumbramiento al descubierto, luego se introducen gradualmente colores saturados.
El siguiente material de pintura es gouache, la palabra francesa para gouache, acuarelas opacas. La tecnología de producción de gouache está cerca de las variedades suaves de acuarelas, pero se diferencia de ella en la opacidad. Posee buenas propiedades para esconderse. Esto le permite aplicar un color a otro. La aclaración del color se consigue añadiendo blanco. Los colores derivados se obtienen mediante la mezcla preliminar de pinturas en una paleta. Después del secado, las pinturas gouache aclaran. El conocimiento de la técnica del gouache debe comenzar con una naturaleza muerta, en la que las relaciones de color se describen claramente.
Así, la naturaleza muerta como forma de bellas artes tiene sus propias características. Al enseñar a los estudiantes más jóvenes el arte de la naturaleza muerta, para una comprensión más accesible y sistemática de este tema, es necesario aplicar métodos y técnicas de enseñanza especiales que fueron desarrollados por muchos maestros anteriormente y que se están desarrollando y actualizando en la actualidad.
CAPÍTULO 2. LA VIDA FIJA COMO MEDIO DE DESARROLLAR LAS DESTREZAS ARTÍSTICAS Y FINAS EN LOS ALUMNOS
2.1. El papel del arte en el desarrollo de un alumno de primaria
El análisis de la actividad artística de los escolares muestra que el arte es una herramienta indispensable para la formación de la personalidad; es gracias a él que los escolares más pequeños pueden familiarizarse con ideas y conceptos socialmente significativos, afirmarse en sus orientaciones de valores. Una introducción al arte le da a un estudiante más joven la oportunidad de sentir y reproducir formas primarias y especiales de creatividad, de tocar las capas más ricas y medio olvidadas de la cultura humana universal; es un buen punto de partida para dominar las etapas posteriores del desarrollo del arte.
La formación de las orientaciones valorativas de los escolares en el arte se ve facilitada por su comprensión de cómo el artista utilizó correctamente los medios expresivos de uno u otro de sus tipos; la relación entre el arte y la personalidad, sus necesidades espirituales, preferencias emocionales y experiencia práctica.
Como saben, un componente importante de la formación de una actitud estética hacia la realidad es la forma de su manifestación: un incentivo para las experiencias sensuales, la comprensión de una obra de arte.
La forma más característica de motivación es el interés artístico, la orientación a valores en el campo de la cultura artística y la necesidad estética, las formas de comprensión del arte - percepción artística, valoración estética e interpretación creativa.
Se sabe que la creatividad artística juega un papel importante en la formación de la personalidad de un estudiante más joven. Desarrollando una habilidad humana universal para ver y comprender lo bello, es una de las formas de activar su pensamiento imaginativo, imaginación e intuición.
Las lecciones de bellas artes en una escuela de educación general están diseñadas para desarrollar las habilidades de los niños para la autoexpresión, revelar su potencial creativo y agudizar el sentido de la belleza. Para aumentar el interés de los niños de primaria por la creatividad artística, es necesario, en nuestra opinión, desarrollar en ellos, junto con estas habilidades, una actitud emocional y creativa hacia un tipo particular de actividad, para promover la expectativa alegre de un trabajo interesante y la oportunidad de demostrar su punto de vista, mostrar su yo.
El análisis de la literatura científica ha demostrado que el dominio de las habilidades artísticas es de gran importancia práctica para el trabajo futuro de un estudiante, ya que permite utilizar un registro gráfico y un método visual de explicación al transmitir sus pensamientos, desarrolla la claridad y la integridad de las representaciones visuales necesarias en el diseño y el diseño, enseña más distingue sutilmente colores y formas.
Se sabe que la influencia educativa del arte en una persona es un proceso bidireccional, que es una interacción activa de una obra de arte y una persona. Una característica de tal influencia pedagógica en la generación más joven es la formación de su actitud estética hacia el arte. La familia juega un papel importante en la formación del desarrollo artístico y creativo del alumno como un "microambiente" en el que recibe sus primeras impresiones artísticas.
Se observa que el mayor interés por el arte se desarrolla en aquellos niños cuyos padres sienten pasión o se involucran en actividades creativas. Debe admitirse que la autoridad de la familia y los padres disminuye con la edad del niño.
Es por ello que en la formación de los intereses artísticos de los escolares, se le asigna un papel importante a la escuela, que les otorga un cierto nivel de conocimiento, desarrolla la cultura, satisface necesidades espirituales y es la principal fuente de conocimiento sobre el arte. A diferencia de la familia, la escuela se ocupa de la formación de los intereses artísticos de los niños de manera intencionada y sistemática.
La forma principal del trabajo artístico y pedagógico de la escuela son las clases de ciclo de arte. Sin embargo, con la edad, como muestran las observaciones, los escolares se vuelven menos dependientes de la información recibida en el aula: sus preferencias gustativas se forman no solo bajo la influencia de la familia y la escuela, sino también a través del sistema de medios.
Es por ello que la educación estética de los escolares de primer ciclo debe construirse teniendo en cuenta las peculiaridades de la psicología de su época, para introducirlos en el arte, formando su potencial creativo.
Además, la creatividad artística, como saben, desarrolla la flexibilidad y la productividad del pensamiento en los escolares, permite ver sus inclinaciones naturales hacia un tipo particular de actividad, crea las condiciones para su implementación. Al ser una actividad prácticamente espiritual, presupone la presencia obligatoria de habilidades escénicas específicas. Como saben, cualquier proceso artístico y creativo prevé el dominio del entorno del sujeto por determinados medios. Por eso la necesidad de despertar el interés de los adolescentes por la creatividad artística viene dictada por el hecho de que su fructífera introducción al arte sólo es posible a partir de su verdadera conciencia en el campo de la cultura artística. Participación de los niños más pequeños edad escolar La actividad visual y creativa es un aspecto indispensable del proceso educativo.
Se sabe que la práctica de la actividad visual se basa en el arte popular tradicional, en el que se sintetizan todo tipo de artes visuales. Con este enfoque, la educación se vuelve universal, asequible y eficaz.
un medio para desarrollar a un estudiante más joven, revela sus habilidades creativas, forma habilidades y habilidades artísticas. Una característica de la actividad artística y gráfica es, a nuestro juicio, su carácter creativo, la espontaneidad de los fragmentos de la lección, la improvisación del profesor y los alumnos. Todo esto contribuye al desarrollo de las habilidades creativas de los niños en todas las situaciones en las que se actualizan la imaginación, la escritura, la observación. Inventando, imaginando, fantaseando, hacen descubrimientos, revelando por sí mismos el ilimitado mundo del arte.
2.2. Organización del trabajo pedagógico para familiarizar a los niños con la naturaleza muerta.
Habiendo elegido una naturaleza muerta de los géneros de la pintura, consideraremos cómo puede enseñar a los niños a comprender el lenguaje del arte. El mundo del arte está organizado de tal manera que un niño no puede entrar en él sin la ayuda de un adulto que le revelará a una persona en crecimiento el significado y las leyes del arte, le enseñará el lenguaje de varias artes. La búsqueda metodológica de un docente tendrá éxito siempre que él mismo realice un trabajo práctico, como resultado de lo cual domine los medios de representación y se incorpore al mundo del arte. Por tanto, nos parece significativo revelar la actividad creativa de un educador-docente en las bellas artes, donde, junto a una percepción emocional-figurativa del mundo del arte, se revelaría una búsqueda metódica de los medios de su representación.
La naturaleza muerta es el primer género de la pintura que, como muestran los estudios de profesores y psicólogos, debe introducirse a los estudiantes más jóvenes. No solo evoca la mayor respuesta emocional en niños de 3 a 4 años, asociaciones con su propia experiencia de vida, sino que también atrae la atención de los niños sobre los medios de expresividad de la pintura, les ayuda a mirar más de cerca la belleza de los objetos representados y admirarlos. Experimento N.M. Zubareva demostró que la pintura de género y la naturaleza muerta atraen la mayor atención de los niños. La motivación para la elección de estos géneros de pintura por parte de los niños es comprensible: están en consonancia con su experiencia, ya que con muchos objetos representados, por ejemplo, en la naturaleza muerta, los niños se encuentran todos los días en la vida cotidiana. NUEVO MÉJICO. Zubareva estableció los niveles de percepción estética de los niños de una pintoresca naturaleza muerta. En el primer nivel, el más bajo, al niño le gusta representar objetos familiares que ha reconocido en la pintura. Los niños de tres años están en este nivel, pero si no se realiza trabajo pedagógico con ellos, entonces en el mismo nivel se quedan a los 6, 7 y más años. En el segundo nivel, el niño comienza a darse cuenta de las cualidades estéticas elementales del trabajo: pueden apreciar en la imagen tanto el color como las combinaciones de colores de los objetos y fenómenos representados, con menos frecuencia, la forma y la composición. En el tercer nivel, el niño puede captar las características internas de la imagen artística. Esta sigue siendo una comprensión parcial, no completa de la imagen artística, pero permite al niño experimentar estéticamente al menos parte de la intención del artista.
El arte despierta un comienzo emocional y creativo en niños en edad escolar primaria. Con la ayuda de la pintura, a los estudiantes más jóvenes se les enseña a comprender la armonía de la naturaleza. Cuando miramos una serie de naturalezas muertas de diferentes artistas, vemos cuán diversos son en contenido, medios de expresión y en la forma creativa individual de cada artista. Los críticos de arte no subdividen las naturalezas muertas por tipo, pero para el trabajo pedagógico con niños nos parece importante. La naturaleza muerta de un tipo representa objetos de un tipo específico: solo verduras, solo frutas, solo bayas, hongos, flores; posibles alimentos o artículos para el hogar, por ejemplo: P. Konchalovsky "Melocotones"; I. Repin "Manzanas y hojas"; I. Levitan "Lila"; V. Stozharov “Pan. Kvass "; P. Konchalovsky "Pinturas secas" y otros. Si la imagen muestra varios objetos (verduras y frutas, flores y frutas, platos y verduras y otros), convencionalmente definimos tal naturaleza muerta como mezcla de contenido, por ejemplo: I. Khrutsky "Flores y frutas"; I. Mikhailov "Verduras y frutas"; K. Petrov-Vodkin "Vaso y limón". Naturalezas muertas que representan seres vivos: pájaros, animales, seres humanos - o naturalezas muertas con un paisaje incluido, por ejemplo: F. Tolstoy “Un ramo de flores, una mariposa y un pájaro”; I. Serebryakova "En el desayuno"; P. Krylov "Flores en la ventana" y otros.
En los grados de primaria, a los niños se les debe mostrar una variedad de naturalezas muertas. Además de naturalezas muertas de orden único y mixtas, ofrecemos naturalezas muertas infantiles de carácter argumental, así como aquellas escritas de forma realista generalizada, detallada y decorativa, en escala cálida, fría y contrastante, lírica, solemne y otras. Las naturalezas muertas se seleccionan en una variedad de composiciones.
La selección de obras por forma tiene en cuenta el principio de variedad de medios de expresión y forma de ejecución utilizados por el artista. Para ver con niños, se seleccionan imágenes en las que las imágenes artísticas se ubican en un círculo, un triángulo, asimétricamente, simétricamente, en el centro, estáticamente, dinámicamente ... También se tiene en cuenta el principio de concentricidad, cuya esencia es volver a las imágenes percibidas anteriormente, pero en un nivel superior de cognición. ... La misma imagen se ofrece repetidamente a los niños durante el año escolar. Pero la atención de los niños se dirige a diferentes objetivos: resaltar imágenes individuales, nombrar el color, determinar el estado de ánimo, analizar las conexiones lógicas de la imagen, establecer la relación entre el contenido y los medios de expresión.
Las pinturas, las naturalezas muertas, deben reflejar de manera realista los fenómenos de la vida social y la naturaleza familiar para los niños. La imagen debe expresar claramente la idea, la intención del artista. Al seleccionar naturalezas muertas para su visualización, es necesario comprender claramente de qué se trata la imagen, cuál era la idea principal del artista, por qué creó esta obra, cómo transmitió el contenido (qué medios artísticos utilizó). El tema de una naturaleza muerta debe estar cerca de la experiencia social del niño, sus impresiones de vida. Al seleccionar naturalezas muertas para conocer a los estudiantes más jóvenes, tienen en cuenta la visión creativa individual de la realidad en temas similares de naturalezas muertas. A los escolares más pequeños se les presentan naturalezas muertas creadas por diferentes artistas sobre el mismo tema. Al percibir estos bodegones, los niños adquieren la capacidad de comparar diferentes formas de realizar un mismo fenómeno por diferentes artistas, para resaltar su relación con lo representado.
El trabajo pedagógico para familiarizar a los niños con el arte requiere la creación de condiciones materiales y un ambiente creativo y alegre especial, contacto emocional entre adultos y niños. Las explicaciones, las comparaciones, el método para acentuar los detalles, el método para evocar emociones adecuadas, el método táctil-sensual, el método para revivir las emociones de los niños con la ayuda de imágenes literarias y de canciones, el método de "entrar en la imagen" se utilizan ampliamente para familiarizar a los escolares más pequeños con la pintura, en particular con la naturaleza muerta. , método de acompañamiento musical, técnicas de juego. La unidad de las técnicas y métodos utilizados para trabajar con niños en el aula asegura la formación de un interés estable por el arte, la profundidad, la viveza de las impresiones, la emocionalidad de su relación con el contenido de la pintura en los estudiantes más jóvenes. “Un niño por naturaleza es un explorador curioso, un descubridor del mundo. Así que deje que un mundo maravilloso se abra frente a él en colores vivos, sonidos brillantes y vibrantes, en un cuento de hadas, un juego, en su propia creatividad, en la belleza ", dijo V.N. Sukhomlinsky.
2.3. Etapas de trabajo en una naturaleza muerta
Primero, debe considerar la naturaleza muerta desde diferentes puntos de vista y elegir el más exitoso, prestando atención a los efectos de iluminación, es decir, desde qué punto de vista las formas de los objetos se ven más interesantes. Por lo general, se ven más interesantes y expresivos con iluminación lateral. No se recomienda sentarse a contraluz.
Debería pensar qué tamaño de papel elegir y cuál es la mejor forma de organizar la naturaleza muerta en la hoja, vertical u horizontalmente. Por ejemplo, si necesita incluir una esquina de la mesa en la composición, entonces es mejor colocar una hoja de papel verticalmente.
Alberti escribió: "Nunca toque un lápiz o un pincel hasta que haya pensado correctamente en lo que tiene que hacer y cómo debe hacerse, porque es realmente más fácil corregir los errores en su mente que borrarlos de la imagen".
Siempre debe comenzar a dibujar con la ubicación compositiva de la imagen. Es muy importante organizar todo el grupo de objetos para que la hoja de papel se llene uniformemente. Para hacer esto, combinamos mentalmente todo el grupo de objetos en un todo y pensamos en su ubicación de acuerdo con el formato de una hoja de papel.
El maestro debe explicar a los estudiantes que se debe dejar más espacio arriba que abajo; entonces el espectador tendrá la impresión de que los objetos están firmemente en el plano. Al mismo tiempo, es necesario asegurarse de que los objetos representados no se apoyen contra los bordes de la hoja de papel y, a la inversa, para que no quede mucho espacio vacío.
El problema compositivo no siempre es fácil de resolver. A veces, un estudiante tiene que dedicar mucho tiempo y esfuerzo para tener éxito. Y si el entorno es muy difícil, no puede prescindir de la ayuda de un maestro. Esto se explica por el hecho de que, además de colocar la imagen en una hoja de papel, el alumno también necesita encontrar un centro de composición en el plano de la imagen.
En la mayoría de los casos, el centro visual no coincide con el compositivo, que depende de la ubicación del objeto principal, alrededor del cual se agrupan el resto. Después de todo, la posición espacial de los objetos entre sí en la imagen también depende de la elección del punto de vista, lo que sin duda afectará el diseño de la naturaleza muerta en el formato previsto.
Para que el trabajo educativo sea exitoso, el docente debe tener todo esto en cuenta con anticipación y brindar asistencia a los estudiantes a tiempo. En la pizarra, el profesor debe demostrar la secuencia de construcción lineal del dibujo de naturaleza muerta, prestando especial atención a determinar la disposición compositiva de todo el grupo de objetos de naturaleza muerta en una hoja de papel. El profesor también debe mostrar el diseño correcto e incorrecto del dibujo en la hoja.
Luego, el maestro borra los dibujos de la pizarra y los estudiantes se ponen a trabajar.
Primero, tocando ligeramente el papel con un lápiz, delineamos la naturaleza general de la forma de los objetos, sus proporciones, así como su ubicación en el espacio. Los estudiantes limitan la disposición espacial general de todo el grupo de objetos de naturaleza muerta con segmentos de línea cortos.
A los estudiantes que no logren determinar la composición general de un grupo de objetos de naturaleza muerta en el dibujo se les puede permitir dibujar cada objeto por separado, empezando, sin embargo, con una estimación aproximada del tamaño de cada uno de ellos. A continuación, debe aclarar el tamaño de cada artículo por separado.
Construimos la forma de los objetos de la misma manera que en las tareas para dibujar objetos individuales. Delimitamos las superficies de cada objeto, tanto visibles como invisibles. Por tanto, el dibujo es como una imagen de modelos de alambre.
Entonces, en el medio del contorno delineado del objeto (por ejemplo, una tetera), se dibuja una línea vertical axial, en la que se especifica la altura, y se dibujan segmentos horizontales a través de los puntos que determinan su altura. Determinan el ancho del cuello y el fondo de la tetera. Consideramos las proporciones de la parte principal de la tetera: el recipiente y dibujamos el fondo y el cuello. Delimitamos el pico, la tapa, el asa de la tetera con líneas finas. Verificamos nuevamente e inmediatamente aclaramos las proporciones tanto de la forma completa de la tetera como de las partes principales.
De la misma manera, debes trabajar en la imagen de la manzana. No debe dibujar y refinar inmediatamente el contorno de los objetos; lo principal es determinar las dimensiones y proporciones de cada uno de los objetos (en alto, ancho, profundidad).
Al identificar la base constructiva de la forma de los objetos, es necesario verificar cuidadosamente la perspectiva. Se debe prestar especial atención a la imagen en perspectiva de las bases de los objetos. No debe permitirse que en el dibujo la huella de un objeto “pisó” la huella de otro, es decir, el alumno debe comprender claramente qué objeto está en primer plano y cuál en segundo. Los dibujantes novatos generalmente no siguen esto y no obtienen espacio entre los objetos en su dibujo. Luego comienzan a inyectar tono en el dibujo, esperando que el defecto se pueda corregir de esta manera, pero esto no da los resultados deseados.
El método de imágenes constructivas lineales ayuda a resolver este problema. Es importante que el alumno imagine claramente la ubicación de los objetos (pistas) en el plano de la mesa, la distancia entre ellos. Entonces debe imaginar este plano con huellas, representado en perspectiva.
PP Chistyakov escribió: “En primer lugar, debe prestar atención al plan, los puntos que toca la figura. Por ejemplo, huellas en el suelo ". Aquí, en las líneas, es necesario delinear los límites de luz y sombra, para que luego no se busquen en cada objeto por separado.
Por separado, hay que decir sobre la imagen de la cortina, que desciende desde arriba y cubre el plano del objeto. Al dibujar las cortinas, primero definimos los planos horizontal y vertical, y solo luego procedemos a dibujar los pliegues. El tejido, ligero en tono y fino en estructura y material, forma pliegues expresivos en términos de plasticidad y modelado de recortes en el plano vertical. En el plano del objeto, los pliegues de las cortinas están ligeramente delineados. Al construir pliegues volumétricos, puede usar el método de generalizar la forma (cortar). El estudiante debe generalizar al máximo la forma compleja de los pliegues en formas geométricas rectilíneas. Este método lo ayudará a comprender la forma de los pliegues y resolverá correctamente los problemas de tono del patrón de cortinas.
Luego dibujamos con más detalle todos los objetos de la naturaleza muerta, eliminando las líneas de construcción.
En el proceso de aprender a dibujar de la naturaleza, los estudiantes deben aprender a ver y comprender la relación entre la estructura de un objeto y los fenómenos del claroscuro, dominar los medios del dibujo del claroscuro. Sin conocer las leyes de distribución de la luz sobre la forma de un objeto, copiarán pasivamente las manchas claras y oscuras de la naturaleza, pero no lograrán imágenes convincentes y creíbles.
En el proceso de estudio, el maestro debe detenerse con más detalle en la teoría del tono y el blanco y negro en el dibujo.
Comenzando a identificar el volumen de los objetos, en primer lugar, es necesario determinar el lugar más claro y oscuro de la naturaleza muerta. Habiendo establecido estos dos polos, debes prestar atención a la penumbra. Para hacer esto, trazamos cuidadosamente la dirección de los rayos de luz y determinamos en qué plano del objeto caen directamente los rayos de luz, es decir, dónde estará la luz y sobre cuál no caerán en absoluto, es decir, dónde estará la sombra. Luego delineamos las sombras que caen de cada objeto.
Al principio, tocando ligeramente el papel con un lápiz, colocamos lugares sombreados en cada objeto en tono: en una tetera, una manzana, una cortina. Esto te ayudará a ver más claramente la masa de cada objeto y, por lo tanto, volver a comprobar las proporciones y el estado general del dibujo.
Luego colocamos penumbra, fortaleciendo el tono en los lugares de sombra y finalmente, las sombras cayendo de los objetos. Es este orden de revelar el volumen de los objetos en tono por parte de todos los artistas lo que se considera obligatorio.
Leonardo da Vinci escribió: “Primero ponga una sombra general en toda la parte llena que no ve la luz, luego coloque la penumbra y las sombras principales, comparándolas entre sí. Y de la misma forma aplica la luz de relleno, mantenida a media luz, y luego coloca las luces central y principal, comparándolas también.
Cuando el dibujo general de la naturaleza muerta se describe correctamente, puede aumentar la presión del lápiz sobre el papel y establecer el tono, procediendo con un dibujo detallado de cada objeto.
Al final de la lección, el docente debe organizar la repetición y consolidación del material teórico en las artes visuales.
Al dibujar una forma en detalle, es necesario observar cuidadosamente todos los tonos y transiciones de luz y sombra, para todos los detalles de la forma. Pero cuando se trabaja en una pieza, no se debe olvidar compararla con la que está al lado. PP Chistyakov recomendó: “No debes trabajar en un detalle durante mucho tiempo, ya que la nitidez de la percepción desaparece, es mejor ir a otra parte cercana. Cuando regresa al trabajo realizado al principio, es fácil ver las imperfecciones. Entonces, en el proceso de todo el trabajo, moviéndose de un lugar a otro, mantenga la figura completa en su ojo, no se esfuerce de inmediato por lo general, pero profundice en los detalles, no tenga miedo de la variedad inicial, no es tan difícil generalizar, sería algo para generalizar ".
Al elaborar las formas de los objetos de naturaleza muerta, debe realizarse un trabajo analítico serio. Es necesario dibujar cuidadosamente cada detalle del objeto, revelar su estructura, transmitir los rasgos característicos del material, rastrear cómo los elementos constituyentes están vinculados entre sí y con la forma general, por ejemplo, el mango, el pico de la tetera, la textura y la forma de la manzana, que el deslumbramiento en varios objetos difieren entre sí.
Dibujamos cuidadosamente las sombras que caen de los detalles: la sombra de la tetera, la manzana. Esta elaboración de la forma ayudará a que el dibujo sea convincente y expresivo.
Al finalizar el dibujo, los estudiantes, bajo la guía del maestro, analizan cuidadosamente las relaciones tonales de los objetos de naturaleza muerta, determinando el tono general de la tetera, manzana, cortinas, varios tonos de tono a la luz, a la sombra, en sombra parcial: en primer plano y fondo. Se debe tener cuidado para asegurarse de que los objetos individuales no tengan un tono demasiado fuerte (negro) y no se caigan (no se rompan) del dibujo. Para hacer esto, debe mirar el dibujo desde la distancia con los ojos entrecerrados y comparar el poder de los reflejos con la naturaleza. Cabe recordar que los reflejos no deben ser muy brillantes ni discutir con la luz, con la penumbra. Y cuando el pintor los mira con los ojos entrecerrados, deberían desaparecer, fundirse con las sombras.
2.4. Reglas para dibujar una naturaleza muerta.
La elaboración de un bodegón debe comenzar con una idea, en nuestro caso particular, con la formulación de una tarea educativa (constructiva, gráfica, pictórica, etc.). A través de un análisis comparativo, llegan a la definición de los rasgos más característicos de la forma y la generalización de observaciones e impresiones. Hay que recordar que cada nuevo objeto de la producción es "una nueva medida de todas las cosas incluidas en ella, y su aparición es como una revolución: los objetos cambian y cambian sus relaciones, como si entraran en otra dimensión".
Es importante elegir correctamente un determinado punto de vista, de acuerdo con una determinada tarea educativa, es decir, línea del horizonte (escorzo). La siguiente etapa de la elaboración de un bodegón es la disposición de los objetos en el espacio del plano del sujeto, teniendo en cuenta la idea de agrupación en la composición.
El momento de la elaboración de un bodegón por los propios alumnos es importante, ya que tales ejercicios permitirán realizar tareas plásticas y las agrupaciones de objetos más ventajosas.
Uno de los elementos debe convertirse en el centro compositivo de la producción y destacar en tamaño y tono. Debe colocarse más cerca de la mitad del escenario y puede moverse hacia la derecha o hacia la izquierda para hacer el escenario más dinámico (movimiento de los puntos).
Con la solución espacial de una naturaleza muerta, en primer plano en forma de acento, puedes poner un objeto pequeño que difiera en textura y color de otros objetos. Para completar la composición, así como la conexión de todos los objetos en un solo todo, se agregan cortinas a la producción, enfatizando así la diferencia entre los objetos duros y la textura suave y fluida de la tela. La tela puede ser lisa y estar estampada o estampada, pero no debe distraer la atención de los demás, especialmente de los elementos principales. A menudo se coloca en diagonal para dirigir la vista del espectador hacia la profundidad, hacia el centro compositivo para una mejor solución espacial.
Así, podemos concluir que la esencia de la composición es encontrar tal combinación, la organización de los elementos pictóricos que faciliten la identificación de contenidos.
La iluminación juega un papel importante en la composición de la puesta en escena de un bodegón, artificial o natural. La luz puede ser lateral, direccional o difusa (desde una ventana o con iluminación general). Al iluminar un bodegón con una luz direccional desde el frente o desde el lateral, los objetos tienen un claroscuro contrastante, mientras que para resaltar el primer plano (o principal), se puede cerrar parte de la luz que cae al fondo. Al iluminar un bodegón desde una ventana (si los objetos se colocan en el alféizar de una ventana), habrá una solución de silueta de oscuro sobre claro, y parte del color desaparecerá si el bodegón se resuelve en color. La diferencia tonal en los objetos es más notable con luz difusa.
En los bodegones educativos, se seleccionan objetos de diferentes tonos, no combinando solo objetos claros u oscuros en un escenario, y al mismo tiempo teniendo en cuenta las formas de las sombras que caen.
Consta de tres elementos (uno grande: el centro de la composición y dos o tres más pequeños) y cortinas;
Los objetos son de diferente color, pero no de colores intensos;
Los objetos pequeños pueden tener un color activo (comparan las características del color);
Los objetos y las cortinas deben tener una diferencia tonal pronunciada;
Colocación de la producción a la luz del día directa (las proporciones de color grandes son fáciles de leer, tienen un atractivo decorativo).
El cumplimiento de estas reglas permitirá a los estudiantes en el proceso de trabajo práctico en una naturaleza muerta educativa identificar con mayor claridad las principales relaciones pictóricas, se centrará en la visión correcta de las diferencias tonales, contribuyendo a la correcta transferencia de color de la materialidad de las cosas.
CONCLUSIÓN
De acuerdo con la metodología de la enseñanza de las bellas artes, la primera etapa de la educación en una escuela de educación general debe, a través del arte, sentar las bases de la percepción artística y estética de los fenómenos de la realidad circundante. Durante cuatro años de educación primaria, es necesario en la conciencia y el desarrollo emocional del niño crear la base de las representaciones artísticas, en las que puede confiar en toda la educación posterior. Desde el comienzo de la enseñanza, el profesor debe crear una "situación de asimilación" en torno al tema de la lección. atmósfera de alegría, participación de los niños en el proceso de percepción del material y necesidad de retroalimentación creativa activa al realizar el trabajo práctico de cada tarea.
La actividad artística de los escolares en el aula encuentra diversas formas de expresión: imágenes en un plano y en volumen, obra decorativa y constructiva; percepción de fenómenos de la realidad y obras de arte (diapositivas, reproducciones); discusión sobre el trabajo de los compañeros, los resultados de su propia creatividad colectiva y el trabajo individual en el aula; estudio del patrimonio artístico; búsqueda del trabajo de los escolares sobre la selección de material ilustrativo para los temas estudiados; escuchar obras musicales y literarias (folclóricas, clásicas, modernas).
El desarrollo de la percepción artística y la actividad práctica se presentan en el programa en su unidad de contenido. Una variedad de actividades prácticas lleva a los estudiantes a comprender los fenómenos de la cultura artística, el estudio de las obras de arte y la vida artística de la sociedad se apoya en el trabajo práctico de los estudiantes.
La introducción al arte comienza en escuela primaria, se está expandiendo gradualmente - desde el entorno inmediato hasta el arte de los pueblos originarios y otros, el arte extranjero.
La actividad visual del niño, que apenas está comenzando a dominar, necesita la guía de calificación de un adulto.
Un rasgo característico del arte es el reflejo de la realidad en imágenes artísticas, que afectan la conciencia y los sentimientos del niño, educan en él una cierta actitud hacia los eventos y fenómenos de la vida, ayudan a comprender la realidad más profunda y plenamente. La influencia del arte en la formación de la personalidad de una persona, su desarrollo es muy grande. El alma del niño está predispuesta a la percepción de la belleza, el niño es capaz de sentir sutilmente la pintura.
Las pinturas, ricas en su contenido ideológico y perfectas en su forma artística, forman el gusto artístico, la capacidad de comprender, discernir, apreciar la belleza no solo en el arte, sino también en la realidad, en la naturaleza, en la vida cotidiana. La pintura recrea toda la riqueza y diversidad del mundo. Al pintar el mundo real con profundidad espacial, se recrea el volumen, el color, la luz, el aire.
Una naturaleza muerta para enseñar a los más pequeños a dibujar es una naturaleza muy cómoda en todos los aspectos: está inmóvil, conserva su apariencia durante mucho tiempo, los objetos de naturaleza muerta se pueden colocar en cualquier posición y se puede obtener una interesante combinación de formas, movimientos, texturas, tamaños y colores. El bodegón enseña a resolver problemas educativos básicos y, con ellos, tareas creativas. Es más conveniente comenzar a dominar las técnicas de la imagen de la naturaleza muerta dibujando objetos volumétricos conocidos con un lápiz y pintura del mismo color.
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La naturaleza muerta es uno de los géneros de bellas artes dedicados a la reproducción de artículos para el hogar, frutas, verduras, flores, etc. La tarea del artista que representa un bodegón es transmitir la belleza colorista de los objetos que rodean a una persona, su esencia volumétrica y material, y también expresar su actitud hacia los objetos representados. Dibujar una naturaleza muerta es especialmente útil en la práctica educativa para dominar el arte de la pintura, ya que en él un artista novato comprende las leyes de la armonía del color, adquiere la habilidad técnica del modelado pictórico de la forma.Como género independiente en el arte, la naturaleza muerta apareció a finales de los siglos XVI y XVII. en Holanda y Flandes, y desde entonces ha sido utilizado por muchos artistas para transmitir la conexión directa entre el arte y la vida de las personas y la vida cotidiana. Es la época de los artistas que se glorificaron en el género de la naturaleza muerta, P. Klas, V. Heada, A. Beyeren y V. Kalf, Snyders, etc.
La naturaleza muerta es el género favorito en el arte de muchos artistas contemporáneos. Se pintan bodegones al aire libre, en el interior, producciones simples y complejas, conjuntos de objetos tradicionales y muy arreglados de la vida cotidiana.
En una pintura de naturaleza muerta, los artistas se esfuerzan por mostrar el mundo de las cosas, la belleza de sus formas, colores, proporciones, para capturar su actitud hacia estas cosas. Al mismo tiempo, una persona, sus intereses, nivel cultural y la vida misma se reflejan en naturalezas muertas.
Dibujar una naturaleza muerta implica la capacidad de representar la forma de varios objetos utilizando claroscuro, perspectiva, las leyes del color.
La composición principal de una naturaleza muerta es una selección de objetos en la que el contenido general y el tema se expresan con mayor claridad.
Hay varios tipos de bodegones:
- - trama y temática;
- - educativo;
- - educativo y creativo;
- - creativo.
Se distinguen naturalezas muertas:
- - por color (cálido, frío);
- - por color (cercano, contrastante);
- - por iluminación (iluminación directa, iluminación lateral, contraluz);
- - por ubicación (naturaleza muerta en el interior, en el paisaje);
- - por el momento de la actuación (a corto plazo - "mancha" y a largo plazo - muchas horas de actuaciones);
- - sobre la formulación de una tarea educativa (realista, decorativa, etc.).
La naturaleza muerta en un paisaje (al aire libre) puede ser de dos tipos: uno - compuesto de acuerdo con el tema elegido, el otro - natural, "casual". Puede ser independiente o ser parte integral de una pintura o paisaje de género. A menudo, un paisaje o una escena de género solo complementa la naturaleza muerta.
La naturaleza muerta en el interior implica la disposición de objetos rodeados de un gran espacio, donde los objetos de la naturaleza muerta están subordinados con el interior a la trama.
La naturaleza muerta temática implica la combinación de objetos por un tema, una trama. Un bodegón temático es una obra de arte compleja, con la ayuda de la cual puede contar sobre los pasatiempos, las vistas y la cosmovisión del propietario de los objetos.
Bodegón educativo. En él, como en la trama y la temática, es necesario ponerse de acuerdo sobre los objetos en tamaño, tono, color y textura, revelar las características de diseño de los objetos, estudiar las proporciones y revelar los patrones de plasticidad de varias formas / 5, p. 57 /. La naturaleza muerta educativa también se llama académica o, como se mencionó anteriormente, escenificada. Un bodegón educativo se diferencia de uno creativo por un estricto establecimiento de objetivos: dar a los estudiantes los conceptos básicos de la alfabetización visual, promover la activación de sus habilidades cognitivas e involucrarlos en un trabajo creativo independiente.
En una naturaleza muerta decorativa, la tarea principal es identificar las cualidades decorativas de la naturaleza, crear una impresión general de elegancia "Una naturaleza muerta decorativa no es una representación precisa de la naturaleza, sino un reflejo de esta naturaleza: es la selección e impresión de lo más característico, el rechazo de todo lo aleatorio, la subordinación de la estructura de una naturaleza muerta a una tarea específica del artista" ...
El principio básico para resolver un bodegón decorativo es la transformación de la profundidad espacial de la imagen en un espacio plano convencional. Al mismo tiempo, es posible utilizar varios planos, que deben ubicarse a poca profundidad. La tarea educativa a la que se enfrenta el alumno en el proceso de elaboración de un bodegón decorativo es "identificar la característica, la cualidad más expresiva y realzarla en su procesamiento decorativo, en la solución decorativa del bodegón debe intentar ver la característica en él y aprovechar este procesamiento".
La naturaleza muerta decorativa hace posible que los futuros diseñadores del entorno arquitectónico desarrollen un sentido de armonía de color, ritmo, proporcionalidad cuantitativa y cualitativa de los planos de color, según su intensidad, ligereza y textura, y en general activa las fuerzas creativas de los estudiantes.
