El romanticismo - (romantisme francés, del romántico francés medieval - novela) es una tendencia en el arte que surgió en el marco del movimiento literario general a finales de los siglos XVIII y XIX. en Alemania. Se extendió por todos los países de Europa y América. El pico más alto del romanticismo cae en el primer cuarto del siglo XIX.
La palabra francesa romantisme se remonta al romance español (en la Edad Media se llamaba así a los romances españoles, y luego al romance caballeresco), el romántico inglés, que se convirtió en el siglo XVIII. en romantique y luego significa "extraño", "fantástico", "pintoresco". A principios del siglo XIX. el romanticismo se convierte en la designación de una nueva dirección, opuesta al clasicismo.
Al entrar en la antítesis del "clasicismo" - "romanticismo", la dirección presuponía la oposición del requisito clasicista de las reglas a la libertad romántica de las reglas. El centro del sistema artístico del romanticismo es la personalidad, y su principal conflicto es la personalidad y la sociedad. Los acontecimientos de la Gran Revolución Francesa se convirtieron en el requisito previo decisivo para el desarrollo del romanticismo. El surgimiento del romanticismo está asociado con el movimiento anti-ilustración, cuyas razones radican en la desilusión con la civilización, en el progreso social, industrial, político y científico, que resultó en nuevos contrastes y contradicciones, nivelación y devastación espiritual del individuo.
La Ilustración predicó la nueva sociedad como la más "natural" y "razonable". Las mejores mentes de Europa justificaron y presagiaron esta sociedad del futuro, pero la realidad resultó estar más allá del control de la "razón", el futuro: impredecible, irracional, y la estructura social moderna comenzó a amenazar la naturaleza humana y su libertad personal. El rechazo a esta sociedad, la protesta contra la falta de espiritualidad y el egoísmo se refleja ya en el sentimentalismo y el prerromántico. El romanticismo expresa este rechazo de la manera más tajante. El romanticismo se opuso a la Ilustración también verbalmente: el lenguaje de las obras románticas, que buscaba ser natural, "simple", accesible a todos los lectores, era algo opuesto a los clásicos con sus temas nobles, "sublimes", característicos, por ejemplo, de la tragedia clásica. .
Entre los románticos tardíos de Europa occidental, el pesimismo en relación con la sociedad adquiere proporciones cósmicas, se convierte en la "enfermedad del siglo". Los héroes de muchas obras románticas se caracterizan por estados de ánimo de desesperanza y desesperación, que adquieren un carácter humano universal. La perfección se pierde para siempre, el mundo está gobernado por el mal, el caos antiguo está resucitando. El tema del "mundo aterrador", característico de toda la literatura romántica, se encarnó más vívidamente en el llamado "género negro" (en la "novela gótica" prerromántica - A. Radcliffe, C. Maturin, en el " drama de rock "o" tragedia del rock "- Werner, G. Kleist, F. Grillparzer), así como en las obras de Byron, C. Brentano, E. T. A. Hoffmann, E. Poe y N. Hawthorne.
Al mismo tiempo, el romanticismo se basa en ideas que desafían el "mundo terrible", sobre todo, las ideas de libertad. La decepción del romanticismo es una decepción en la realidad, pero el progreso y la civilización son solo una cara. El rechazo de este lado, la falta de fe en las posibilidades de la civilización abren otro camino, un camino hacia lo ideal, hacia lo eterno, hacia lo absoluto. Este camino debe resolver todas las contradicciones, cambiar la vida por completo. Este es el camino hacia la perfección, "hacia la meta, cuya explicación debe buscarse al otro lado de lo visible" (A. de Vigny). Para algunos románticos, fuerzas incomprensibles y misteriosas dominan el mundo, que deben ser obedecidas y no intentar cambiar el destino (Chateaubriand, V.A. Zhukovsky). Para otros, el "mal mundial" provocó una protesta, exigió venganza, lucha (temprano A.S. Pushkin). Lo que todos tenían en común era que todos veían una sola esencia en el hombre, cuya tarea no se reduce en absoluto a resolver problemas cotidianos. Por el contrario, sin negar la vida cotidiana, los románticos buscaron desentrañar el misterio de la existencia humana, volviéndose hacia la naturaleza, confiando en su sentimiento religioso y poético.
El héroe romántico es una personalidad compleja y apasionada, cuyo mundo interior es inusualmente profundo, interminable; es todo un universo lleno de contradicciones. Los románticos estaban interesados en todas las pasiones, tanto altas como bajas, que se oponían entre sí. La gran pasión es el amor en todas sus manifestaciones, la baja pasión es la codicia, la ambición, la envidia. La práctica material de base de los románticos se oponía a la vida del espíritu, especialmente la religión, el arte, la filosofía. Interés en sentimientos fuertes y vívidos, pasiones que lo consumen todo, en movimientos secretos del alma: estos son los rasgos característicos del romanticismo.
Puede hablar del romance como un tipo especial de personalidad: una persona de fuertes pasiones y grandes aspiraciones, incompatible con el mundo cotidiano. Esta naturaleza va acompañada de circunstancias excepcionales. La ficción, la música folclórica, la poesía, las leyendas se vuelven atractivas para los románticos, todo lo que durante siglo y medio se consideró como géneros menores, no dignos de atención. El romanticismo se caracteriza por la afirmación de la libertad, la soberanía del individuo, una mayor atención a lo singular, único en el hombre, el culto al individuo. La confianza en la autoestima de una persona se convierte en una protesta contra el destino de la historia. A menudo, el héroe de una obra romántica es un artista capaz de percibir creativamente la realidad. La "imitación de la naturaleza" clasicista se opone a la energía creativa del artista transformador de la realidad. Se crea un mundo especial, más hermoso y real que la realidad percibida empíricamente. Es la creatividad el significado de la existencia, es el valor más alto del universo. Los románticos defendieron con pasión la libertad creativa del artista, su fantasía, creyendo que el genio del artista no obedece las reglas, sino que las crea.
Los románticos se volvieron hacia diferentes épocas históricas, se sintieron atraídos por su originalidad, atraídos por países y circunstancias exóticos y misteriosos. El interés por la historia se ha convertido en una de las conquistas más duraderas del sistema artístico del romanticismo. Se expresó en la creación del género de la novela histórica, cuyo fundador es considerado W. Scott, y en general de la novela, que adquirió una posición de liderazgo en la época considerada. Los románticos reproducen en detalle y con precisión los detalles históricos, los antecedentes, el sabor de una época en particular, pero los personajes románticos se dan fuera de la historia, ellos, por regla general, están por encima de las circunstancias y no dependen de ellas. Al mismo tiempo, los románticos percibieron la novela como un medio para comprender la historia, y de la historia pasaron a la penetración en los secretos de la psicología y, en consecuencia, la modernidad. El interés por la historia también se reflejó en las obras de los historiadores de la escuela romántica francesa (O. Thierry, F. Guizot, F.O. Meunier).
Fue en la era del romanticismo cuando se descubrió la cultura de la Edad Media, y la admiración por la antigüedad, característica de la era pasada, tampoco disminuyó a fines del siglo XVIII y principios del siglo XX. Siglos XIX. La variedad de características nacionales, históricas e individuales también tenía un significado filosófico: la riqueza de un solo mundo entero consiste en una combinación de estas características individuales, y el estudio de la historia de cada pueblo por separado permite rastrear, en palabras de Burke , vida ininterrumpida a través de sucesivas nuevas generaciones.
La era del romanticismo estuvo marcada por el florecimiento de la literatura, uno de cuyos rasgos distintivos fue la fascinación por los problemas sociales y políticos. Al tratar de comprender el papel del hombre en los acontecimientos históricos en curso, los escritores románticos se inclinaron hacia la precisión, la concreción y la fiabilidad. Al mismo tiempo, la acción de sus obras a menudo se desarrolla en un entorno inusual para un europeo, por ejemplo, en el Este y América, o, para los rusos, en el Cáucaso o Crimea. Entonces, los poetas románticos son principalmente letristas y poetas de la naturaleza y, por lo tanto, en su trabajo (sin embargo, al igual que muchos escritores de prosa), el paisaje ocupa un lugar significativo: en primer lugar, el mar, las montañas, el cielo, el elemento tormentoso con el que el El héroe está asociado a relaciones complejas. La naturaleza puede ser similar a la naturaleza apasionada de un héroe romántico, pero también puede resistirlo, convertirse en una fuerza hostil con la que se ve obligado a luchar.
Imágenes inusuales y vívidas de la naturaleza, la vida, el modo de vida y las costumbres de países y pueblos lejanos, también inspiraron a los románticos. Buscaban los rasgos que conforman el principio fundamental del espíritu nacional. La originalidad nacional se manifiesta principalmente en el arte popular oral. De ahí el interés por el folclore, la elaboración de obras folclóricas, la creación de obras propias basadas en el arte popular.
El desarrollo de los géneros de la novela histórica, cuento fantástico, poema lírico-épico, balada es mérito de los románticos. Su innovación se manifestó en la letra, en particular, en el uso de la ambigüedad de la palabra, el desarrollo de la asociatividad, la metáfora, los descubrimientos en el campo de la versificación, la métrica y el ritmo.
El romanticismo se caracteriza por una síntesis de géneros y géneros, su interpenetración. El sistema del arte romántico se basó en una síntesis de arte, filosofía y religión. Por ejemplo, para un pensador como Herder, los estudios lingüísticos, las doctrinas filosóficas y las notas de viaje sirven como una búsqueda de formas de revolucionar la cultura. Muchos de los logros del romanticismo heredaron el realismo del siglo XIX. - inclinación por la fantasía, lo grotesco, una mezcla de lo alto y lo bajo, lo trágico y lo cómico, el descubrimiento de la "persona subjetiva".
En la era del romanticismo, no solo florece la literatura, sino también muchas ciencias: sociología, historia, ciencias políticas, química, biología, doctrina evolutiva, filosofía (Hegel, D. Hume, I.Kant, Fichte, filosofía natural, la esencia de que es esa naturaleza - una de las vestiduras de Dios, "la vestidura viviente de la Divinidad").
El romanticismo es un fenómeno cultural en Europa y América. En diferentes países, su destino tuvo sus propias características.
El romanticismo en la pintura es una corriente filosófica y cultural en el arte de Europa y América de finales del siglo XVIII y la primera mitad del siglo XIX. El sentimentalismo en la literatura de Alemania, cuna del romanticismo, sirvió de base para el desarrollo del estilo. La dirección se desarrolló en Rusia, Francia, Inglaterra, España y otros países europeos.
Historia
A pesar de los primeros intentos de los pioneros El Greco, Elsheimer y Claude Lorrain, el estilo que conocemos como romanticismo no cobró impulso hasta casi finales del siglo XVIII, cuando el elemento heroico del neoclasicismo cobró protagonismo en el arte de la época. Las pinturas comenzaron a reflejar el ideal heroico-romántico basado en las novelas de la época. Este elemento heroico, combinado con el idealismo revolucionario, la emocionalidad, surgió como resultado de la Revolución Francesa como reacción contra el arte académico restringido.
Después de la Revolución Francesa de 1789, se produjeron cambios sociales importantes a lo largo de varios años. Europa se ha visto sacudida por crisis políticas, revoluciones y guerras. Cuando los líderes se reunieron en el Congreso de Viena para reflexionar sobre un plan para reorganizar los asuntos europeos después de las guerras napoleónicas, quedó claro que las esperanzas de libertad e igualdad de los pueblos no se estaban haciendo realidad. Sin embargo, durante estos 25 años, se formaron nuevas ideas que se arraigaron en la mente de la gente en Francia, España, Rusia, Alemania.
El respeto por la persona, que ya era un elemento clave en la pintura neoclásica, se desarrolló y arraigó. Las pinturas de los artistas se destacaron por su emotividad, sensualidad en el traspaso de la imagen de la persona. A principios del siglo XIX, varios estilos comenzaron a mostrar rasgos de romanticismo. 
Metas
Los principios y objetivos del romanticismo incluían:
- Un regreso a la naturaleza, un ejemplo de lo cual es el énfasis en la espontaneidad en la pintura, que demuestran las pinturas;
- Creencia en la bondad de la humanidad y las mejores cualidades del individuo;
- Justicia para todos: la idea estaba muy extendida en Rusia, Francia, España e Inglaterra.
Una firme creencia en el poder de los sentimientos y las emociones que dominan la mente y el intelecto.
Peculiaridades
Rasgos característicos del estilo:
- La idealización del pasado, el dominio de los temas mitológicos se convirtió en la línea principal de la creatividad del siglo XIX.
- Rechazo del racionalismo y los dogmas del pasado.
- Mayor expresividad a través del juego de luces y colores.
- Las imágenes transmitían una visión lírica del mundo.
- Mayor interés en temas étnicos.
Los pintores y escultores románticos tienden a expresar una respuesta emocional a su vida personal, en oposición a la moderación y los valores universales promovidos por el arte neoclásico. El siglo XIX marcó el comienzo del desarrollo del romanticismo y la arquitectura, como lo demuestran los exquisitos edificios victorianos.
Representantes principales
Entre los más grandes pintores románticos del siglo XIX se encontraban representantes como I. Fussli, Francisco Goya, Caspar David Friedrich, John Constable, Theodore Gericault, Eugene Delacroix. El arte romántico no reemplazó al estilo neoclásico, pero funcionó como contrapeso a la dogmática y la dureza de este último. 
El romanticismo en la pintura rusa está representado por las obras de V. Tropinin, I. Aivazovsky, K. Bryullov, O. Kiprensky. Los pintores rusos intentaron transmitir la naturaleza de la manera más emocional posible.
El género preferido entre los románticos fue el paisaje. La naturaleza fue vista como un espejo del alma, en Alemania también es vista como un símbolo de libertad e ilimitación. Los artistas colocan imágenes de personas en el contexto del paisaje rural o urbano, marino. En el romanticismo en Rusia, Francia, España, Alemania, la imagen de una persona no domina, sino que complementa la trama de la imagen. 
Los motivos populares de las vanitas incluyen árboles muertos y ruinas cubiertas de maleza, que simbolizan la fugacidad y la naturaleza finita de la vida. Motivos similares habían tenido lugar anteriormente en el arte barroco: los artistas tomaron prestado el trabajo con luz y perspectiva en pinturas similares de pintores barrocos.
Objetivos del romanticismo: El artista demuestra una visión subjetiva del mundo objetivo, y muestra una imagen filtrada a través de su sensualidad.
En diferentes paises
Romanticismo alemán del siglo XIX (1800-1850)
En Alemania, la generación más joven de artistas reaccionó a los tiempos cambiantes con un proceso de introspección: se retiraron al mundo de las emociones, se inspiraron en aspiraciones sentimentales por los ideales del pasado, principalmente la época medieval, que ahora se ve como una época en la que la gente vivía en armonía consigo misma y con el mundo. En este contexto, las pinturas de Schinkel, como la Catedral gótica sobre el agua, son representativas y características de la época. 
En su atracción por el pasado, los artistas románticos estaban muy cerca de los neoclásicos, excepto que su historicismo criticaba los dogmas racionalistas del neoclasicismo. Los artistas neoclásicos establecieron tales tareas: miraron al pasado para justificar su irracionalidad y emocionalidad, preservaron las tradiciones académicas del arte al transmitir la realidad.
Romanticismo español del siglo XIX (1810-1830)
Francisco de Goya fue el líder indiscutible del movimiento artístico romántico en España, sus pinturas muestran rasgos característicos: tendencia a la irracionalidad, la fantasía, la emocionalidad. En 1789, se convirtió en el pintor oficial de la corte real española. 
En 1814, en honor al levantamiento español contra las fuerzas francesas en la Puerta del Sol, Madrid, y el fusilamiento de españoles desarmados sospechosos de complicidad, Goya crea una de sus mayores obras maestras, el 3 de mayo. Obras destacadas: "Los Desastres de la Guerra", "Caprichos", "Maja Desnuda".
Romanticismo francés del siglo XIX (1815-1850)
Después de las Guerras Napoleónicas, la República Francesa volvió a convertirse en monarquía. Esto dio lugar a un gran impulso del romanticismo, que hasta ahora se ha visto frenado por el dominio de los neoclásicos. Los pintores franceses de la época romántica no se limitaron al género del paisaje, trabajaron en el género del retrato. Los representantes más destacados del estilo son E. Delacroix y T. Gericault. 
Romanticismo en Inglaterra (1820-1850)
El teórico y representante más destacado del estilo fue I. Fusli.
John Constable pertenecía a la tradición inglesa del romanticismo. Esta tradición ha buscado el equilibrio entre una profunda sensibilidad por la naturaleza y los avances en la ciencia de la pintura y el dibujo. El alguacil abandonó la representación dogmática de la naturaleza, las pinturas son reconocibles gracias al uso de manchas de color para transmitir la realidad, lo que acerca la obra de Constable al arte del impresionismo. 
Las pinturas de William Turner, uno de los más grandes pintores ingleses del romanticismo, reflejan el anhelo de observar la naturaleza como uno de los elementos de la creatividad. El estado de ánimo de sus pinturas se crea no solo por lo que retrató, sino también por la forma en que el artista transmitió color y perspectiva.
Importancia en el arte
El estilo romántico de la pintura del siglo XIX y sus características especiales estimularon el surgimiento de numerosas escuelas, como: la Escuela de Barbizon, los paisajes al aire libre, la Escuela de pintores de paisajes de Norwich. El romanticismo en la pintura influyó en el desarrollo del esteticismo y el simbolismo. Los pintores más influyentes crearon el movimiento prerrafaelita. En Rusia y los países de Europa occidental, el romanticismo influyó en el desarrollo de la vanguardia y el impresionismo.
El arte del romanticismo se forma en controversia con el clasicismo. En el aspecto social, el surgimiento del romanticismo se asocia con la Gran Revolución Francesa del siglo XVIII, surge como una reacción de entusiasmo generalizado por su inicio, pero también como una profunda decepción en las capacidades humanas cuando es derrotado. Además, el romanticismo alemán fue visto más tarde como una versión incruenta de la Revolución Francesa.
Como corriente ideológica y artística, el romanticismo se hace sentir en la primera mitad del siglo XIX. Surge principalmente como dirección literaria- aquí la actividad de los románticos es alta y exitosa. La música de esa época no es menos significativa: la voz, la música instrumental, el teatro musical (ópera y ballet) del romanticismo siguen formando la base del repertorio de hoy. Sin embargo, en las artes visuales y espaciales, el romanticismo se mostró menos vívido tanto en el número de obras creadas como en su nivel. La pintura del romanticismo alcanza el nivel de las obras maestras en Alemania y Francia, el resto de Europa se queda atrás. No es costumbre hablar de la arquitectura del romanticismo. Algo de originalidad aquí revela solo el arte de la jardinería paisajística, e incluso entonces los románticos desarrollan aquí la idea de un paisaje inglés, o parque natural. También hay lugar para algunas tendencias neogóticas; los románticos vieron su arte en el siguiente orden: gótico - barroco - romanticismo. Hay muchos estilos neogóticos de este tipo en los países eslavos.
Las artes visuales del romanticismo
En el siglo XVIII. el término "romántico" significaba "extraño", "fantástico", "pintoresco". Es fácil ver que las palabras "romance", "romance" (caballeresco) son etimológicamente muy cercanas.
En el siglo XIX. el término fue interpretado como el nombre de un movimiento literario, opuesto en sus actitudes al clasicismo.
En las artes visuales, el romanticismo se mostró de manera interesante en la pintura y los gráficos, menos claramente en la escultura. La escuela de romanticismo más consistente surgió en Francia, donde se libró una lucha tenaz contra el dogmatismo y el racionalismo abstracto en el arte oficial en el espíritu del clasicismo académico. El fundador de la escuela romántica de pintura fue Theodore Gericault (1791-1824). Estudió con los maestros del clasicismo, pero, reteniendo del clasicismo una gravitación hacia imágenes heroicas generalizadas, Gericault expresó por primera vez en la pintura un sentimiento de conflicto en el mundo, un deseo de expresión expresiva de hechos significativos de nuestro tiempo. Ya las primeras obras del artista muestran una alta emotividad, el "nervio" de la época de las guerras napoleónicas, en las que había mucha bravuconería ("El oficial de los guardabosques de la guardia imperial, yendo al ataque" , "El coracero herido abandona el campo de batalla"). Están marcados por una actitud trágica, una sensación de confusión. Los héroes del clasicismo no experimentaron tales sentimientos o no los expresaron públicamente y no estetizaron el desaliento, la confusión, el anhelo. Los pintorescos lienzos de los artistas del romanticismo están escritos dinámicamente, prevalece un tono oscuro en la combinación de colores, que se anima con intensos acentos de color, rápidos trazos pastosos.
Gericault crea una imagen increíblemente dinámica "Free Horse Run in Rome". Aquí supera a todos los artistas anteriores en la capacidad de persuasión de la transferencia de movimiento. Una de las principales obras de Gericault es el cuadro "La balsa de Medusa". En él, describe hechos reales, pero con tal fuerza de generalización que los contemporáneos vieron en él no la imagen de un naufragio en particular, sino de toda Europa en la desesperación. Y solo unos pocos, las personas más persistentes, continúan luchando por sobrevivir. El artista muestra una compleja gama de sentimientos humanos, desde una triste desesperación hasta una tormentosa explosión de esperanza. La dinámica de este lienzo está determinada por la diagonal de la composición, la escultura efectiva de volúmenes, los cambios contrastantes de luz y sombra.
Gericault logró demostrar su valía como un maestro del género del retrato. Aquí también actúa como un innovador, definiendo la especificidad figurativa del género del retrato. En "Retrato de veinte Delacroix" y en los autorretratos, la idea del artista romántico se expresa como un creador independiente, una personalidad brillante y emocional. Sienta las bases del retrato romántico, que luego fue uno de los géneros románticos más exitosos.
Gericault también se unió al paisaje. Viajando por Inglaterra, quedó impresionado por su apariencia y rindió homenaje a su belleza, creando muchas pinturas de paisajes, pintadas tanto al óleo como a las acuarelas. Son ricos en color, sutiles en la observación y no ajenos a la crítica social. El artista las llamó "Suites Inglesas Grandes y Pequeñas". ¡Qué típico es para un romántico llamar al ciclo pictórico un término musical!
Desafortunadamente, la vida de Gericault fue corta, pero sentó las bases de una gloriosa tradición.
Desde la década de 1820. la cabeza de los pintores románticos se convierte en Ferdinand Victor Eugene Delacroix (1798-1863). Experimentó una fuerte influencia de Gericault, con quien era amigo desde el banco de estudiantes. Estudió pintura de viejos maestros, especialmente Rubens. Viajó por Inglaterra y quedó fascinado con la pintura de Constable. Delacroix poseía un temperamento apasionado, una imaginación creativa poderosa y una alta eficiencia. Desde los primeros pasos en el campo profesional, Delacroix sigue con determinación a los románticos. La primera pintura que exhibió mostraba a Dante y Virgil en un barco cruzando el Styx (Barco de Dante). El cuadro está lleno de tragedia, melancolía. El siguiente lienzo "Masacre en Quíos", respondió a hechos reales asociados con el sufrimiento de los griegos por el yugo turco. Aquí expresó abiertamente su posición política, poniéndose del lado de los griegos en el conflicto, con quienes simpatizaba, mientras el gobierno francés coqueteaba con Turquía.
La pintura provocó críticas tanto políticas como artísticas, especialmente después de que Delacroix, bajo la influencia del trabajo de Constable, reescribió la imagen en colores más claros. En respuesta a las críticas, el artista crea el cuadro "Grecia en las ruinas de Missolungi", en el que vuelve a abordar el tema candente de la lucha de Grecia por la liberación del yugo turco. Esta pintura de Delacroix es más simbólica, una figura femenina con una mano levantada en un gesto de maldición a los invasores o un llamado a la lucha, personifica a todo el país. Ella, por así decirlo, anticipa la imagen de Freedom en la obra próxima y más famosa del artista.
En busca de nuevos héroes, personalidades fuertes, Delacroix a menudo recurre a imagenes literarias Shakespeare, Goethe, Byron, Scott: "Tasso en un manicomio", "Muerte de Sardanápalo", "Asesinato del obispo de Lieja"; realiza litografías para "Fausto", "Hamlet", expresando los matices más sutiles de los sentimientos de los héroes, lo que le valió el elogio de Goethe. Delacroix aborda la ficción de la misma manera que sus predecesores se acercaron a la Sagrada Escritura, convirtiéndola en una fuente inagotable de temas para la pintura.
En 1830, bajo la impresión directa de la Revolución de julio, Delacroix pintó un gran lienzo Libertad guiando al pueblo (Libertad en las barricadas). Sobre las figuras representadas de manera realista de los participantes en la lucha revolucionaria, pobres, en su mayoría jóvenes, inspirados por la lucha, se cierne sobre una mujer magnífica, que recuerda a los "genios" de Veronese. Ella tiene una pancarta en sus manos, su rostro está inspirado. Esto no es solo una alegoría de la libertad en el espíritu del clasicismo, es un símbolo noble del impulso revolucionario. Sin embargo, es imposible abandonar la figura femenina viva y sensual: es tan atractiva. La imagen resultó ser compleja, encantadora, dinámica.
Como un verdadero romántico, Delacroix viaja a países exóticos: Argelia, Marruecos. Del viaje trae cinco cuadros, entre ellos "La caza del león en Marruecos", aparentemente un homenaje a su amado Rubens.
Delacroix trabaja mucho como decorador, creando obras monumentales en los palacios borbones y luxemburgueses, iglesias parisinas. Continúa trabajando en el género del retrato, creando imágenes de personas de la era del romanticismo, por ejemplo, F. Chopin. La obra de Delacroix pertenece a la cúspide de la pintura del siglo XIX.
Pintura y grafismo Romanticismo alemán en su mayor parte gravita hacia el sentimentalismo. Y si la literatura romántica alemana realmente constituye toda una era, entonces esto no se puede decir sobre las artes visuales: en la literatura hubo "Tormenta y embestida", y en las artes visuales, la idealización de la vida patriarcal familiar. En este sentido, la creatividad es indicativa. Ludwig Richter (1803-1884): "Un manantial del bosque cerca de Aricci", "Procesión nupcial en la primavera", etc. También posee numerosos dibujos sobre temas de cuentos de hadas y canciones populares, realizados de manera seca.
Pero hay una gran figura en el romanticismo alemán que no se puede ignorar. eso Caspar David Friedrich (1774-1840). Fue un paisajista, estudió en la Academia de las Artes de Copenhague. Posteriormente se instaló en Dresde y enseñó.
Su estilo paisajístico es original, las pinturas se recuerdan desde el primer conocimiento, sienten que estos son los paisajes de un artista romántico: expresan consistentemente los detalles de la cosmovisión romántica. Pintó paisajes del sur de Alemania y la costa báltica, acantilados salvajes cubiertos de bosques, dunas del desierto, mar helado. Las personas a veces están presentes en sus pinturas, pero rara vez vemos sus caras: las figuras, por regla general, se vuelven hacia el espectador de espaldas. Frederick se esforzó por transmitir el poder elemental de la naturaleza. Buscó y descubrió la consonancia de las fuerzas naturales y los sentimientos y búsquedas humanas. Y aunque refleja la vida con la suficiente precisión, el arte de Frederick no es realista. En el pasado reciente, esto asustó a los críticos de arte soviéticos, se escribió poco sobre el artista, casi no hubo reproducciones de él. Ahora la situación ha cambiado y podemos disfrutar de la profunda espiritualidad de sus cuadros, la melancólica contemplación desprendida de los paisajes de Friedrich. El ritmo claro de la composición, la severidad del dibujo se combinan en sus obras con los contrastes de luces y sombras, ricos en efectos luminosos. Pero a veces Federico, en su emotividad, llega a la dolorosa melancolía, a la sensación de la fragilidad de todo lo terrenal, al entumecimiento de un trance místico. Hoy estamos experimentando un gran interés en la obra de Frederick. Sus obras más exitosas son "La muerte de la" esperanza "en el hielo", "El cementerio monástico bajo la nieve", "Misa en una ruina gótica", "Atardecer en el mar", etc.
V Romanticismo ruso Hay mucha controversia en la pintura. Además, durante muchos años se creyó que un buen artista es realista. Probablemente por eso se confirmó la opinión de que O. Kiprensky y A. Venetsianov, V. Tropinin e incluso A. Kuindzhi son realistas, lo que nos parece incorrecto, son románticos.
Ensayo de examen
Tema: "El romanticismo como tendencia en el arte".
Realizado estudiante 11 clase "B" escuela №3
Boyprav Anna
Conferencista de Arte Mundial
cultura Butsu T.N.
Brest 2002
1. Introducción
2. Las razones del surgimiento del romanticismo.
3. Las principales características del romanticismo.
4. Héroe romántico
5. Romanticismo en Rusia
a) Literatura
b) Pintura
c) Música
6. Romanticismo de Europa occidental
una pintura
b) Música
7. Conclusión
8. Referencias
1. INTRODUCCIÓN
Si busca en el diccionario explicativo del idioma ruso, puede encontrar varios significados de la palabra "romanticismo": 1. La tendencia en la literatura y el arte del primer cuarto del siglo XIX, caracterizada por la idealización del pasado, el aislamiento de realidad, culto a la personalidad y al hombre. 2. Una tendencia en la literatura y el arte, imbuida de optimismo y el deseo de mostrar en imágenes vívidas el alto propósito de una persona. 3. Estado de ánimo, imbuido de la idealización de la realidad, contemplación onírica.
Como se puede apreciar en la definición, el romanticismo es un fenómeno que se manifiesta no solo en el arte, sino también en el comportamiento, la vestimenta, el estilo de vida, la psicología de las personas y surge en los puntos de inflexión de la vida, por lo que el tema del romanticismo es relevante en la actualidad. Vivimos en el cambio de siglo, estamos en una etapa de transición. En este sentido, en la sociedad hay una falta de fe en el futuro, una falta de confianza en los ideales, hay un deseo de escapar de la realidad circundante al mundo de las propias experiencias y al mismo tiempo comprenderlo. Son estos rasgos los característicos del arte romántico. Por eso elegí el tema "El romanticismo como una dirección en el arte" para la investigación.
El romanticismo es una capa muy grande de diferentes tipos de arte. El propósito de mi trabajo es rastrear las condiciones de origen y las razones del surgimiento del romanticismo en diferentes países, investigar el desarrollo del romanticismo en formas de arte como la literatura, la pintura y la música, y compararlas. La tarea principal para mí fue resaltar los rasgos principales del romanticismo, característicos de todo tipo de arte, para determinar qué influencia tuvo el romanticismo en el desarrollo de otras tendencias en el arte.
Al desarrollar el tema, utilicé libros de texto sobre arte de autores como Filimonova, Vorotnikov, etc., enciclopedias, monografías dedicadas a varios autores de la era del romanticismo, materiales biográficos de autores como Aminskaya, Atsarkina, Nekrasov, etc.
2. RAZONES PARA EL ROMANCE
Cuanto más nos acercamos a la modernidad, más cortos se vuelven los períodos de tiempo para el dominio de un estilo u otro. Periodo de finales del siglo XVIII-1er tercio del siglo XIX. se considera la era del romanticismo (del romántico francés; algo misterioso, extraño, irreal)
¿Qué influyó en la aparición de un nuevo estilo?
Estos son tres eventos principales: la Gran Revolución Francesa, las Guerras Napoleónicas, el surgimiento del movimiento de liberación nacional en Europa.
Los truenos de París resonaron en toda Europa. El lema "Libertad, igualdad, hermandad" poseía una tremenda fuerza de atracción para todos los pueblos europeos. Con la formación de las sociedades burguesas, la clase trabajadora comenzó a actuar contra el orden feudal como fuerza independiente. La lucha de oposición de las tres clases - la nobleza, la burguesía y el proletariado - formó la base del desarrollo histórico del siglo XIX.
El destino de Napoleón y su papel en la historia europea durante 2 décadas, 1796-1815, ocupó la mente de sus contemporáneos. "El gobernante de los pensamientos" - dijo A.S. Pushkin.
Para Francia, fueron años de grandeza y gloria, aunque a costa de la vida de miles de franceses. Italia vio a Napoleón como su libertador. Los polacos depositaron en él grandes esperanzas.
Napoleón actuó como un conquistador actuando en interés de la burguesía francesa. Para los monarcas europeos, no solo era un enemigo militar, sino también un representante del mundo extraño de la burguesía. Lo odiaban. Al comienzo de las guerras napoleónicas en su "Gran Ejército" había muchos participantes directos en la revolución.
La personalidad del propio Napoleón fue fenomenal. El joven Lermontov respondió al décimo aniversario de la muerte de Napoleón:
Es ajeno al mundo. Todo sobre el era un secreto
¡Un día de subida y una hora de caída!
Este secreto atrajo especialmente la atención de los románticos.
En relación con las guerras napoleónicas y la maduración de la conciencia nacional, este período se caracterizó por el surgimiento del movimiento de liberación nacional. Alemania, Austria, España lucharon contra la ocupación napoleónica, Italia - contra el yugo austríaco, Grecia - contra Turquía, en Polonia lucharon contra el zarismo ruso, Irlanda - contra los británicos.
Una generación fue testigo de un cambio sorprendente.
Francia bullía sobre todo: los tormentosos cinco años de la Revolución Francesa, el ascenso y caída de Robespierre, las campañas napoleónicas, la primera abdicación de Napoleón, su regreso de la isla de Elba ("cien días") y la última
la derrota de Waterloo, el sombrío 15 aniversario del régimen de restauración, la Revolución de julio de 1860, la Revolución de febrero de 1848 en París, que desencadenó una ola revolucionaria en otros países.
En Inglaterra, como resultado de una revolución industrial en la segunda mitad del siglo XIX. la producción de máquinas y las relaciones capitalistas se establecieron firmemente. La reforma parlamentaria de 1832 despejó el camino de la burguesía hacia el poder estatal.
Los gobernantes feudales retuvieron el poder en las tierras de Alemania y Austria. Después de la caída de Napoleón, trataron con dureza a la oposición. Pero incluso en suelo alemán, una locomotora de vapor traída de Inglaterra en 1831 se convirtió en un factor del progreso burgués.
Las revoluciones industriales, las revoluciones políticas cambiaron el rostro de Europa. "La burguesía, en menos de cien años de su dominio de clase, ha creado fuerzas productivas más numerosas y más grandiosas que todas las generaciones anteriores juntas", escribieron los científicos alemanes Marx y Engels en 1848.
Entonces, la Gran Revolución Francesa (1789-1794) marcó un hito especial que separó la nueva era de la era de la Ilustración. No fueron sólo las formas del Estado las que cambiaron, la estructura social de la sociedad, la disposición de clases. Todo el sistema de representaciones, iluminado durante siglos, se tambaleó. Los educadores prepararon ideológicamente la revolución. Pero no pudieron prever todas sus consecuencias. El "reino de la razón" no tuvo lugar. La revolución, que proclamó la libertad del individuo, dio lugar al orden burgués, al espíritu de codicia y egoísmo. Esta fue la base histórica para el desarrollo de la cultura artística, que propuso una nueva dirección: el romanticismo.
3. PRINCIPALES CARACTERÍSTICAS DEL ROMANCE
El romanticismo como método y dirección en la cultura artística fue un fenómeno complejo y contradictorio. En todos los países, tenía una viva expresión nacional. En literatura, música, pintura y teatro no es fácil encontrar rasgos que unan a Chateaubriand y Delacroix, Mickiewicz y Chopin, Lermontov y Kiprensky.
Los románticos ocuparon diferentes posiciones sociales y políticas en la sociedad. Todos se rebelaron contra los resultados de la revolución burguesa, pero se rebelaron de diferentes formas, ya que cada uno tenía su propio ideal. Pero a pesar de toda la multiplicidad y diversidad, el romanticismo tiene características estables.
La decepción de la modernidad dio lugar a una especial interés en el pasado: a las formaciones sociales preburguesas, a la antigüedad patriarcal. Muchos románticos se caracterizaron por la idea de que el exotismo pintoresco de los países del sur y del este -Italia, España, Grecia, Turquía- es un contraste poético con la aburrida vida cotidiana burguesa. En estos países, entonces todavía poco afectados por la civilización, los románticos buscaban personajes brillantes y fuertes, una forma de vida original y colorida. El interés por el pasado nacional dio lugar a muchas obras históricas.
En un esfuerzo por elevarse, por así decirlo, por encima de la prosa de la vida, para liberar las diversas habilidades del individuo, para maximizar la autorrealización en la creatividad, los románticos se opusieron a la formalización del arte y al enfoque directamente juicioso, inherente a clasicismo. Todos vinieron de negación de los cánones ilustrados y racionalistas del clasicismo, que encadenaba la iniciativa creativa del artista. Y si el clasicismo divide todo en línea recta, en mal y bien, en blanco y negro, entonces el romanticismo no divide nada en línea recta. El clasicismo es un sistema, pero el romanticismo no lo es. El romanticismo impulsó el avance de los tiempos modernos del clasicismo al sentimentalismo, que muestra la vida interior de una persona en armonía con el vasto mundo. Y el romanticismo opone la armonía al mundo interior. Es con el romanticismo que comienza a aparecer el psicologismo real.
La principal tarea del romanticismo fue imagen paz interior , vida mental, y esto podría hacerse a partir de historias, misticismo, etc. Era necesario mostrar la paradoja de este vida interior, su irracionalidad.
En su imaginación, los románticos transformaron la fea realidad o se adentraron en el mundo de sus vivencias. La brecha entre el sueño y la realidad, la oposición de la hermosa ficción a la realidad objetiva se encuentra en el corazón de todo el movimiento romántico.
Por primera vez, el romanticismo plantea el problema del lenguaje del arte. “El arte es un lenguaje de un tipo completamente diferente al de la naturaleza; pero también contiene la misma fuerza milagrosa que de la misma manera, secreta e incomprensiblemente, afecta al alma humana ”(Wackenroder y Thicke). Un artista es un intérprete del lenguaje de la naturaleza, un mediador entre el mundo del espíritu y las personas. “Gracias a los artistas, la humanidad emerge como una individualidad integral. A través del presente, los artistas unen el mundo pasado con el mundo futuro. Son el órgano espiritual más elevado en el que se encuentran las fuerzas vitales de su humanidad exterior y donde la humanidad interior se manifiesta ante todo ”(F. Schlegel).
Sin embargo, el romanticismo no fue una corriente homogénea: su desarrollo ideológico fue en diferentes direcciones. Entre los románticos había escritores reaccionarios, partidarios del antiguo régimen, que glorificaban la monarquía feudal y el cristianismo. Por otro lado, los románticos con una perspectiva progresista expresaron una protesta democrática contra el feudal y todo tipo de opresión, encarnaron el impulso revolucionario del pueblo por un futuro mejor.
El romanticismo dejó toda una época en la cultura artística mundial, sus representantes fueron: V. Scott, J. Byron, Shelley, V. Hugo, A. Mitskevich, entre otros; en las bellas artes de E. Delacroix, T. Gericault, F. Runge, J. Constable, W. Turner, O. Kiprensky y otros; en música F. Schubert, R. Wagner, G. Berlioz, N. Paganini, F. Liszt, F. Chopin y otros. Descubrieron y desarrollaron nuevos géneros, prestaron mucha atención al destino de la persona humana, revelaron la dialéctica de el bien y el mal, las pasiones humanas magistralmente reveladas, etc.
Las formas de arte en su importancia más o menos igualaron y produjeron magníficas obras de arte, aunque los románticos en la escala de las artes dieron prioridad a la música.
4. HÉROE ROMÁNTICO
¿Quién es el héroe romántico y cómo es?
Es un individualista. Un superhombre que ha vivido en dos etapas: antes de chocar con la realidad, vive en un estado 'rosa', está poseído por el deseo de logro, de cambiar el mundo; después de enfrentarse a la realidad, sigue considerando este mundo a la vez vulgar y aburrido, pero no se vuelve escéptico, pesimista. Con un claro entendimiento de que nada se puede cambiar, el deseo de actos heroicos renace en el deseo de peligros.
Los románticos podrían dar un valor eterno y duradero a cada pequeña cosa, a cada hecho concreto, a todo lo que es singular. Joseph de Maistre lo llama "los caminos de la Providencia", Germain de Stael - "el útero fecundo del universo inmortal". Chateaubriand en El genio del cristianismo, en un libro dedicado a la historia, apunta directamente a Dios como el comienzo del tiempo histórico. La sociedad aparece como un vínculo inquebrantable, "un hilo de vida que nos conecta con nuestros antepasados y que debemos extender a nuestros descendientes". Solo el corazón de una persona, y no su mente, puede comprender y escuchar la voz del Creador, a través de la belleza de la naturaleza, a través de sentimientos profundos. La naturaleza es divina, es la fuente de armonía y poder creativo, sus metáforas a menudo son transferidas por los románticos al léxico político. El árbol para los románticos se convierte en un símbolo del género, el desarrollo espontáneo, la percepción de los jugos. tierra nativa, símbolo de la unidad nacional. Cuanto más inocente y sensible es la naturaleza de una persona, más fácil oye la voz de Dios. Un niño, una mujer, un joven noble más a menudo que otros perciben la inmortalidad del alma y el valor de la vida eterna. La sed de bienaventuranza de los románticos no se limita a la búsqueda idealista del Reino de Dios después de la muerte.
Además del amor místico por Dios, una persona necesita amor real y terrenal. Incapaz de poseer el objeto de su pasión, el héroe romántico se convirtió en un mártir eterno, condenado a esperar un encuentro con su amada en el más allá, "porque el gran amor es digno de la inmortalidad cuando a un hombre le cuesta la vida".
Un lugar especial en el trabajo de los románticos lo ocupa el problema del desarrollo y la educación del individuo. La infancia carece de leyes, sus impulsos instantáneos violan la moral pública, obedeciendo sus propias reglas de juego de niños. En un adulto, reacciones similares conducen a la muerte, a la condenación del alma. En la búsqueda del reino celestial, una persona debe comprender las leyes del deber y la moral, solo entonces puede esperar la vida eterna. Dado que el deber es dictado a los románticos por su deseo de obtener la vida eterna, cumplir con el deber da la felicidad personal en su manifestación más profunda y fuerte. Al deber moral se suma el deber de sentimientos profundos e intereses elevados. Sin mezclar los méritos de los diferentes sexos, los románticos abogan por la igualdad del desarrollo espiritual de hombres y mujeres. Asimismo, un deber cívico viene dictado por el amor a Dios y sus instituciones. El esfuerzo personal encuentra su culminación en una causa común, en el esfuerzo de toda la nación, de toda la humanidad, del mundo entero.
Cada cultura tiene su propio héroe romántico, pero el Charles Harold de Byron ha dado una representación típica del héroe romántico. Se puso la máscara de su héroe (dice que no hay distancia entre el héroe y el autor) y logró cumplir con el canon romántico.
Todas las obras románticas se distinguen por rasgos característicos:
Primero, en toda obra romántica no hay distancia entre el héroe y el autor.
En segundo lugar, el autor del héroe no juzga, pero incluso si se dice algo malo sobre él, la trama está tan construida que el héroe no tiene la culpa. La trama en una obra romántica suele ser romántica. Los románticos también construyen una relación especial con la naturaleza, les gustan las tormentas, las tormentas eléctricas, los cataclismos.
5. ROMANCE EN RUSIA.
El romanticismo en Rusia se diferenciaba del europeo occidental por un entorno histórico diferente y una tradición cultural diferente. La Revolución Francesa no puede contarse entre las razones de su ocurrencia, ya que un círculo muy reducido de personas puso sus esperanzas en las transformaciones en su curso. Y los resultados de la revolución lo decepcionaron por completo. La cuestión del capitalismo en Rusia principios del XIX v. no se puso de pie. Por tanto, tampoco existía tal motivo. El verdadero motivo fue la Guerra Patria de 1812, en la que se manifestó todo el poder de la iniciativa popular. Pero después de la guerra, la gente no recibió el testamento. Lo mejor de la nobleza, descontenta con la realidad, llegó a la Plaza del Senado en diciembre de 1825. Este acto tampoco pasó sin dejar rastro para la intelectualidad creativa. Los turbulentos años de la posguerra se convirtieron en el escenario en el que se formó el romanticismo ruso.
El romanticismo, y además el nuestro, ruso, desarrollado y moldeado en nuestras formas originales, el romanticismo no fue un simple literario, sino fenómeno de la vida, toda una era de desarrollo moral, una era que tuvo su propio color especial, que llevó a cabo una visión especial en la vida ... Dejemos que la tendencia romántica venga de afuera, de la vida occidental y de las literaturas occidentales, encontró en la naturaleza rusa el suelo listo para su percepción, y por lo tanto se reflejó en El poeta y crítico Apollo Grigoriev evaluó fenómenos completamente originales de esta manera: este es un fenómeno cultural único, y su caracterización muestra la complejidad esencial del romanticismo, de cuyas profundidades emergió el joven Gogol y con el que estuvo asociado no solo al inicio de su carrera como escritor, sino a lo largo de la propia vida.
Apollon Grigoriev determinó con precisión la naturaleza de la influencia de la escuela romántica en la literatura y la vida, incluida la prosa de esa época: no una simple influencia o un préstamo, sino una vida característica y poderosa y una tendencia literaria, que dio fenómenos completamente originales en el joven ruso. literatura.
a) Literatura
Es costumbre dividir el romanticismo ruso en varios períodos: inicial (1801-1815), maduro (1815-1825) y el período de desarrollo post-kabrista. Sin embargo, en relación al período inicial, llama la atención la convencionalidad de este esquema. Porque el amanecer del romanticismo ruso se asocia con los nombres de Zhukovsky y Batyushkov, poetas cuya creatividad y actitud son difíciles de poner una al lado de la otra y comparar dentro del mismo período, sus metas, aspiraciones, temperamentos son muy diferentes. En los versos de ambos poetas, todavía se puede sentir la influencia imperiosa del pasado, la era del sentimentalismo, pero si Zhukovsky todavía está profundamente arraigado en ella, entonces Batyushkov está mucho más cerca de las nuevas tendencias.
Belinsky señaló acertadamente que el trabajo de Zhukovsky se caracteriza por "quejas sobre esperanzas imperfectas que no tenían nombre, tristeza por la felicidad perdida, que Dios sabe qué era". En efecto, en la persona de Zhukovsky, el romanticismo seguía dando sus primeros pasos tímidos, rindiendo homenaje a la melancolía sentimental y melancólica, al anhelo vago, apenas perceptible y sincero, en una palabra, a ese complejo complejo de sentimientos que en la crítica rusa se llamaba "romanticismo". de la Edad Media ".
Una atmósfera completamente diferente reina en la poesía de Batyushkov: la alegría de ser, la sensualidad franca, un himno al placer.
Zhukovsky es legítimamente considerado un destacado representante del humanismo estético ruso. Ajeno a las pasiones fuertes, el complaciente y manso Zhukovsky estaba bajo la notable influencia de las ideas de Rousseau y los románticos alemanes. Siguiéndolos, otorgó gran importancia al lado estético de la religión, la moral y las relaciones sociales. El arte adquirió un significado religioso de Zhukovsky, se esforzó por ver en el arte una "revelación" de verdades superiores, era "sagrado" para él. Los románticos alemanes se caracterizan por la identificación de poesía y religión. Encontramos lo mismo en Zhukovsky, quien escribió: "La poesía es Dios en los santos sueños de la tierra". En el romanticismo alemán, estuvo especialmente cerca de la gravitación hacia todo lo que está más allá, hacia el "lado nocturno del alma", hacia lo "inexpresable" en la naturaleza y el hombre. La naturaleza en la poesía de Zhukovsky está rodeada de misterio, sus paisajes son fantasmales y casi irreales, como reflejos en el agua:
¡Cómo se funde el incienso con el frescor de las plantas!
¡Qué dulce en el silencio a la orilla de los chorros el chapoteo!
Cuán silenciosamente sopla el malvavisco por las aguas
¡Y el aleteo flexible de los sauces!
El alma sensible, gentil y soñadora de Zhukovsky parece congelarse dulcemente en el umbral de "esta luz misteriosa". El poeta, como bien dijo Belinsky, "ama y paloma su sufrimiento", pero este sufrimiento no muerde su corazón con crueles heridas, porque incluso en la melancolía y la tristeza su vida interior es tranquila y serena. Por tanto, cuando en su carta a Batyushkov, "el hijo de la dicha y la alegría", llama al poeta epicúreo "parientes de la Musa", es difícil creer en esta relación. Más bien, creeremos al virtuoso Zhukovsky, quien amistosamente aconseja al cantante de los placeres terrenales: "¡Rechaza la voluptuosidad, los sueños son fatales!"
Batyushkov es lo opuesto a Zhukovsky en todo. Era un hombre de fuertes pasiones, y su vida creativa se truncó 35 años antes de su existencia física: siendo muy joven, se sumergió en el abismo de la locura. Se entregó tanto a las alegrías como a las tristezas con igual fuerza y pasión: en la vida, así como en su interpretación poética, él, a diferencia de Zhukovsky, era ajeno a la "media dorada". Aunque su poesía también se caracteriza por el elogio de la amistad pura, la alegría de un "rincón humilde", su idilio no es en modo alguno modesto y tranquilo, pues Batiushkov no puede imaginarlo sin la lánguida dicha de los placeres apasionados y la embriaguez de la vida. A veces, el poeta se deja llevar tanto por las alegrías sensuales que está dispuesto a rechazar imprudentemente la opresiva sabiduría de la ciencia:
¿Puede ser verdad en tristes verdades?
Estoicos sombríos y sabios aburridos
Sentado en vestidos funerarios
Entre los escombros y los ataúdes
¿Encontraremos la dulzura de nuestra vida?
De ellos veo alegría
Vuela como una mariposa de los arbustos espinosos.
Para ellos no hay encanto en los encantos de la naturaleza,
Las vírgenes no les cantan, entrelazándose en bailes redondos;
Para ellos, como para los ciegos,
Primavera sin alegría y verano sin flores.
La verdadera tragedia rara vez se escucha en sus poemas. Solo al final de su vida creativa, cuando comenzó a revelar signos de enfermedad mental, se redactó bajo dictado uno de sus últimos poemas, en el que se expresan claramente los motivos de la vanidad de la vida terrena:
Recuerdas lo que dijiste
¿Decir adiós a la vida, Melquisedec canoso?
Un hombre nació esclavo
Un esclavo yacerá en la tumba,
Y la muerte difícilmente le dirá
¿Por qué caminó por un valle de lágrimas maravillosas,
Sufrí, sollocé, aguanté,
En Rusia, el romanticismo como corriente literaria tomó forma en los años veinte del siglo XIX. Sus orígenes fueron poetas, prosistas, escritores y crearon el romanticismo ruso, que se diferenciaba del "europeo occidental" en su carácter nacional y distintivo. El romanticismo ruso desarrollado por los poetas de la primera mitad del siglo XIX, y cada poeta introdujo algo nuevo. El romanticismo ruso se desarrolló ampliamente, adquirió rasgos característicos y se convirtió en una tendencia independiente en la literatura. En "Ruslan y Lyudmila" A.S. Pushkin tiene líneas: "Hay un espíritu ruso, hay un olor a Rusia". Lo mismo puede decirse del romanticismo ruso. Los héroes de las obras románticas son almas poéticas que luchan por lo "alto" y lo bello. Pero hay un mundo hostil que no permite sentir libertad, lo que deja incomprensibles a estas almas. Este mundo es áspero, por eso el alma poética corre hacia otro, donde hay un ideal, lucha por lo "eterno". El romanticismo se basa en este conflicto. Pero los poetas trataron esta situación de manera diferente. Zhukovsky, Pushkin, Lermontov, partiendo de una cosa, construyen relaciones entre sus héroes y el mundo que los rodea de diferentes maneras, por lo tanto, sus héroes tenían diferentes caminos hacia el ideal.
La realidad es terrible, grosera, descarada y egoísta, no hay lugar en ella para los sentimientos, sueños y deseos del poeta y sus héroes. "Verdadero" y eterno - en el otro mundo. De ahí el concepto de un mundo doble, el poeta aspira a uno de estos mundos en busca de un ideal.
La posición de Zhukovsky no era la posición de una persona que entró en una lucha con el mundo exterior, que lo desafió. Fue un camino a través de la unidad con la naturaleza, un camino de armonía con la naturaleza, en un mundo eterno y hermoso. Según muchos investigadores (incluido Yu.V. Mann), Zhukovsky expresa su comprensión de este proceso de unidad en The Inexpressible. La unidad es el vuelo del alma. La belleza que te rodea te llena el alma, está en ti, y tú estás en ella, el alma vuela, no existe el tiempo ni el espacio, pero tú existes en la naturaleza, y en este momento que vives, quieres cantar sobre esta belleza. , pero no hay palabras para expresar tu estado, solo hay una sensación de armonía. No te molestan las personas que te rodean, almas prosaicas, hay más cosas abiertas para ti, eres libre.
Pushkin y Lermontov abordaron este problema del romanticismo de manera diferente. Sin duda, la influencia que ejerció Zhukovsky sobre Pushkin no pudo dejar de reflejarse en el trabajo de este último. Las primeras obras de Pushkin se caracterizaron por el romanticismo "cívico". Bajo la influencia de "Un cantante en el campo de soldados rusos" de Zhukovsky y las obras de Griboyedov, Pushkin escribió la oda "Libertad", "A Chaadaev". En este último, insta:
"¡Amigo mío! Dedicaremos nuestras almas a nuestra patria con maravillosos impulsos ...". Este es el mismo esfuerzo por el ideal que tenía Zhukovsky, solo que Pushkin entiende el ideal a su manera, por lo tanto, el camino del poeta hacia el ideal es diferente. No quiere y no puede luchar solo por el ideal, el poeta lo llama. Pushkin miró la realidad y el ideal de manera diferente. Esto no se puede llamar un motín, es una reflexión sobre los elementos rebeldes. Esto se refleja en la oda "El Mar". Esta es la fuerza y el poder del mar, el mar es libre, ha alcanzado su ideal. Una persona también debe volverse libre, su espíritu debe ser libre.
La búsqueda del ideal es el principal rasgo característico del romanticismo. Se manifestó en las obras de Zhukovsky, en Pushkin y en Lermontov. Los tres poetas buscaban la libertad, pero la buscaban de diferentes maneras, la entendían de manera diferente. Zhukovsky buscaba la libertad enviada por el "creador". Habiendo encontrado la armonía, una persona se vuelve libre. Para Pushkin, la libertad de espíritu era importante, que debería manifestarse en una persona. Para Lermontov, solo el héroe rebelde es libre. Rebelión por la libertad, ¿qué podría ser más hermoso? Esta actitud hacia el ideal se conservó en las letras de amor de los poetas. En mi opinión, esta actitud se debe al tiempo. Aunque todos trabajaron en casi el mismo período, el momento de su creación fue diferente, los eventos se desarrollaron con extraordinaria rapidez. Los personajes de los poetas también influyeron mucho en su relación. El tranquilo Zhukovsky y el rebelde Lermontov son completamente opuestos. Pero el romanticismo ruso se desarrolló precisamente porque la naturaleza de estos poetas era diferente. Introdujeron nuevos conceptos, nuevos personajes, nuevos ideales, dieron una imagen completa de lo que es la libertad, lo que es vida real... Cada uno de ellos representa su propio camino hacia el ideal, este es el derecho de elección de cada uno.
La misma aparición del romanticismo fue muy inquietante. La individualidad humana ahora estaba en el centro del mundo entero. El "yo" humano comenzó a interpretarse como la base y el significado de todo ser. La vida humana comenzó a verse como una obra de arte, arte. En el siglo XIX, el romanticismo era muy común. Pero no todos los poetas que se autodenominan románticos transmitieron la esencia de este movimiento.
Ahora, a finales del siglo XX, ya podemos clasificar a los románticos del siglo pasado sobre esta base en dos grupos. Uno y quizás el grupo más extenso es el que reunió a los románticos "formales". Es difícil sospechar de su falta de sinceridad, por el contrario, transmiten con mucha precisión sus sentimientos. Entre ellos se encuentran Dmitry Venevitinov (1805-1827) y Alexander Polezhaev (1804-1838). Estos poetas utilizaron la forma romántica, considerándola la más adecuada para lograr su objetivo artístico. Entonces, D. Venevitinov escribe:
Siento que arde en mi
Santa llama de inspiración
Pero el espíritu se eleva hacia la meta oscura ...
¿Encontraré un acantilado confiable?
¿Dónde puedo apoyar mi pie firmemente?
Este es un típico poema romántico. Utiliza vocabulario romántico tradicional, tanto de "llama de inspiración" como de "espíritu vertiginoso". Así, el poeta describe sus sentimientos. Pero nada mas. El poeta está atado por el marco del romanticismo, por su “imagen verbal”. Todo se ha simplificado a una especie de clichés.
Los representantes de otro grupo de románticos del siglo XIX, por supuesto, fueron A.S. Pushkin y M.Lermontov. Estos poetas, por el contrario, llenaron la forma romántica con su propio contenido. El período romántico en la vida de A. Pushkin fue corto, por lo que tiene pocas obras románticas. " Prisionero del cáucaso"(1820-1821) - uno de los primeros poemas románticos de A.S. Pushkin. Ante nosotros hay una versión clásica de una obra romántica. El autor no nos da un retrato de su héroe, ni siquiera sabemos su nombre. Y esto no es sorprendente: todos los héroes románticos son similares entre sí. Son jóvenes, hermosos ... e infelices. La trama de la obra también es clásicamente romántica. Prisionera rusa de los circasianos, una joven circasiana se enamora de él y lo ayuda a escapar. Pero ama desesperadamente a otro ... El poema termina trágicamente: la mujer circasiana se arroja al agua y muere, y la rusa, liberada del cautiverio "físico", cae en otro cautiverio más doloroso: el cautiverio del alma. ¿Qué sabemos sobre el pasado del héroe?
Un largo viaje lleva a Rusia ...
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Donde abrazó terribles sufrimientos,
Donde la vida tormentosa se arruina
Esperanza, alegría y deseo.
Llegó a la estepa en busca de libertad, trató de escapar de su vida pasada. Y ahora, cuando la felicidad parecía tan cercana, tiene que volver a correr. ¿Pero donde? De regreso al mundo donde "abrazó un sufrimiento terrible".
Apóstata de la luz, amigo de la naturaleza,
Dejó su límite nativo
Y voló a una tierra lejana
Con un alegre fantasma de libertad.
Pero el "fantasma de la libertad" siguió siendo un fantasma. Siempre perseguirá al héroe romántico. Otro poema romántico es "Los gitanos". En él, el autor nuevamente no le da al lector un retrato del héroe, solo sabemos su nombre: Aleko. Vino al campamento para experimentar el verdadero placer, la verdadera libertad. Por su bien, abandonó todo lo que antes lo rodeaba. ¿Se ha vuelto libre y feliz? Parecería que Aleko ama, pero con este sentimiento solo le llegan la desgracia y el desprecio. Aleko, que tanto anhelaba la libertad, no podía reconocer la voluntad en otra persona. En este poema, se manifestó otro de los rasgos extremadamente característicos de la cosmovisión del héroe romántico: el egoísmo y la completa incompatibilidad con el mundo que lo rodea. Aleko no es castigado con la muerte, sino peor: soledad y debate. Estaba solo en el mundo del que huía, pero en otro, tan deseado, volvió a quedarse solo.
Antes de escribir El prisionero del Cáucaso, Pushkin dijo una vez: “No soy apto para ser el héroe de un poema romántico”; sin embargo, al mismo tiempo, en 1820, Pushkin escribió su poema "Se apagó la luz del día ...". En él se puede encontrar todo el vocabulario inherente al romanticismo. Esta es la "costa lejana", y el "océano lúgubre", y la "emoción y nostalgia" que atormentan al autor. El estribillo recorre todo el poema:
Preocupación debajo de mí, océano sombrío.
Está presente no solo en la descripción de la naturaleza, sino también en la descripción de los sentimientos del héroe.
... Pero los viejos corazones de las heridas,
Heridas profundas de amor, nada curado ...
Ruido, ruido, vela obediente,
Emoción debajo de mí, océano sombrío ...
Es decir, la naturaleza se convierte en otro personaje, en otro héroe lírico del poema. Más tarde, en 1824, Pushkin escribió el poema "Al mar". El propio autor volvió a convertirse en el héroe romántico en él, como en “Se apagó la luz del día ...”. Aquí Pushkin se refiere al mar como un símbolo tradicional de libertad. El mar es un elemento que significa libertad y felicidad. Sin embargo, Pushkin construye este poema de forma inesperada:
Esperaste, llamaste ... Estaba atado;
Mi alma se desgarró en vano:
Fascinado por una poderosa pasión,
Me quedé en la costa ...
Podemos decir que este poema completa el período romántico de la vida de Pushkin. Está escrito por un hombre que sabe que después de lograr la llamada libertad "física", el héroe romántico no se vuelve feliz.
En el bosque, en los desiertos están en silencio
Me trasladaré, estoy lleno de ti,
Tus rocas, tus bahías ...
En este momento, Pushkin llega a la conclusión de que la verdadera libertad solo puede existir dentro de una persona y solo ella puede hacerla verdaderamente feliz.
Una variante del romanticismo de Byron vivió y sintió en su obra primero en la cultura rusa Pushkin, luego en Lermontov. Pushkin tenía el don de prestar atención a las personas y, sin embargo, el más romántico de los poemas románticos de la obra del gran poeta y prosista, sin duda, es la Fuente de Bakhchisarai.
El poema "La fuente de Bakhchisarai" sólo continúa la búsqueda de Pushkin en el género de un poema romántico. Y no hay duda de que esto se evitó con la muerte del gran escritor ruso.
El tema romántico en la obra de Pushkin recibió dos versiones diferentes: hay un héroe romántico heroico ("prisionero", "ladrón", "fugitivo"), que se distingue por una voluntad fuerte, pasado por una prueba cruel de pasiones violentas, y hay un héroe sufriente en quien las sutiles experiencias emocionales son incompatibles con la crueldad del mundo exterior ("exilio", "prisionero"). El comienzo pasivo del personaje romántico ha adoptado ahora un disfraz femenino de Pushkin. La Fuente de Bakhchisarai desarrolla precisamente este aspecto del héroe romántico.
En "Prisionero del Cáucaso" se prestó toda la atención al "prisionero" y muy poca a la "mujer circasiana", ahora al contrario: Khan Girey no es más que una pequeña figura dramática, pero en realidad el personaje principal es una mujer. , incluso dos: Zarema y María. La solución a la dualidad del héroe encontrada en poemas anteriores (a través de la imagen de los hermanos encadenados) Pushkin también la usa aquí: el principio pasivo está representado en la persona de dos personajes: el celoso, apasionadamente enamorado de Zarema y el triste, que ha perdido la esperanza y ama a María. Ambas son dos pasiones conflictivas de carácter romántico: la decepción, el desaliento, la desesperanza y, al mismo tiempo, el ardor espiritual, la intensidad de los sentimientos; la contradicción se resuelve trágicamente en el poema: la muerte de María tampoco trajo felicidad a Zarema, ya que están conectados por lazos misteriosos. Asimismo, en Brothers-Robbers, la muerte de uno de los hermanos ensombreció para siempre la vida del otro.
Sin embargo, BV Tomashevsky señaló justamente, “el aislamiento lírico del poema también determinó una cierta escasez de contenido ... La victoria moral sobre Zarema no conduce a más conclusiones y reflexiones ... ... las preguntas planteadas en el primer sur poema. La "Fuente Bakhchisarai" no tiene tal continuación ... "
Pushkin buscó a tientas y describió el punto más vulnerable de la posición romántica de una persona: quiere todo solo para él.
El poema de Lermontov "Mtsyri" tampoco refleja plenamente los rasgos característicos del romanticismo.
Hay dos héroes románticos en este poema, por lo tanto, si es un poema romántico, entonces es muy peculiar: primero, el segundo héroe lo transmite el autor a través del epígrafe; en segundo lugar, el autor no conecta con Mtsyri, el héroe resuelve el problema de la obstinación a su manera, y Lermontov, a lo largo de todo el poema, solo piensa en resolver este problema. No juzga a su héroe, pero tampoco justifica, pero toma una cierta posición: la comprensión. Resulta que el romanticismo en la cultura rusa se está transformando en pensamiento. Resulta el romanticismo desde el punto de vista del realismo.
Podemos decir que Pushkin y Lermontov no lograron convertirse en románticos (sin embargo, Lermontov una vez logró cumplir con las leyes románticas, en el drama Masquerade). A través de sus experimentos, los poetas demostraron que en Inglaterra la posición de un individualista podía ser fructífera, pero en Rusia no. Aunque Pushkin y Lermontov no lograron convertirse en románticos, abrieron el camino para el desarrollo del realismo. En 1825, se publicó la primera obra realista: "Boris Godunov", luego "La hija del capitán", "Eugene Onegin", "Un héroe de nuestro tiempo" y muchos otros.
b) Pintura
En las artes visuales, el romanticismo se manifestó más claramente en la pintura y los gráficos, y menos expresivamente en la escultura y la arquitectura. Los representantes destacados del romanticismo en las artes visuales fueron los pintores románticos rusos. En sus lienzos, expresaron el espíritu del amor a la libertad, la acción activa, apelaron apasionada y apasionadamente a la manifestación del humanismo. Los lienzos cotidianos de los pintores rusos se distinguen por su relevancia y psicologismo, una expresión sin precedentes. Los paisajes espirituales y melancólicos son nuevamente el mismo intento de los románticos de penetrar en el mundo humano, de mostrar cómo una persona vive y sueña en el mundo sublunar. La pintura romántica rusa era diferente de la pintura extranjera. Esto fue determinado tanto por el entorno histórico como por la tradición.
Características de la pintura romántica rusa:
La ideología educativa se debilitó pero no fracasó, como en Europa. Por tanto, el romanticismo no se manifestó.
El romanticismo se desarrolló en paralelo con el clasicismo, a menudo entrelazándose con él.
La pintura académica en Rusia aún no se ha agotado.
El romanticismo en Rusia no fue un fenómeno estable; los románticos se sintieron atraídos por el academismo. A mediados del siglo XIX. la tradición romántica casi se ha extinguido.
Las obras relacionadas con el romanticismo comenzaron a aparecer en Rusia ya en la década de 1790 (obras de Feodosiy Yanenko "Viajeros atrapados por la tormenta" (1796), "Autorretrato en un casco" (1792). El cambio de los siglos XVIII y XIX. Más tarde, la influencia de este artista proto-romántico se notará en la obra de Alexander Orlovsky. forma creativa... Como en otros países, los artistas pertenecientes al romanticismo ruso introdujeron un estado de ánimo emocional completamente nuevo en los géneros clásicos de retratos, paisajes y escenas de género.
En Rusia, el romanticismo comenzó a manifestarse al principio en pintura de retrato... En el primer tercio del siglo XIX, en su mayor parte perdió su conexión con la nobleza aristocrática. Los retratos de poetas, artistas, mecenas de arte, representaciones de campesinos comunes comenzaron a ocupar un lugar significativo. Esta tendencia se manifestó con especial claridad en el trabajo de O.A. Kiprensky (1782-1836) y V.A. Tropinina (1776-1857).
Vasily Andreevich Tropinin se esforzó por lograr una caracterización viva y sin restricciones de una persona, expresada a través de su retrato. El retrato de un hijo (1818), "Retrato de AS Pushkin" (1827), "Autorretrato" (1846) son sorprendentes no por su parecido retrato con los originales, sino por su penetración inusualmente sutil en el mundo interior de un persona.
Retrato de un hijo- Arseny Tropinina es uno de los mejores en la obra del maestro. El esquema de color dorado refinado y opaco se asemeja a la valeriana pintura XVIII v. Sin embargo, comparado con un retrato típico de la infancia en el romanticismo del siglo XVIII. aquí la imparcialidad del plan es sorprendente: este niño posa en una medida muy pequeña. La mirada de Arseny se desliza más allá del espectador, está vestido de manera informal, el cuello está como si se hubiera abierto accidentalmente. La falta de representatividad radica en la extraordinaria fragmentación de la composición: la cabeza ocupa casi toda la superficie del lienzo, la imagen se corta hasta la misma clavícula, y así el rostro del niño se traslada mecánicamente al espectador.
La historia de la creación es inusualmente interesante. "Retrato de Pushkin". Como de costumbre, para el primer contacto con Pushkin, Tropinin llegó a la casa de Sobolevsky en el patio de recreo del perro, donde vivía el poeta en ese momento. El artista lo encontró en su oficina jugando con cachorros. Al mismo tiempo, aparentemente, se escribió de acuerdo con la primera impresión, que Tropinin apreció tanto, un pequeño boceto. Durante mucho tiempo permaneció fuera de la vista de sus perseguidores. Solo casi cien años después, en 1914, fue publicado por P.M. Shchekotov, quien escribió que de todos los retratos de Alexander Sergeevich, él “más transmite sus rasgos ... los ojos azules del poeta están llenos de un brillo especial aquí, el giro de la cabeza es rápido y los rasgos faciales son expresivos y móviles . Sin duda, aquí se plasman los verdaderos rasgos del rostro de Pushkin, que nos encontramos individualmente en uno u otro de los retratos que nos han llegado. Queda desconcertado - añade Schekotov - por qué este adorable boceto no recibió la debida atención de los editores y conocedores del poeta ". Esto se explica por las mismas cualidades del pequeño estudio: no había ni el brillo de los colores, ni la belleza de la pincelada, ni "rotondas" magistralmente escritas. Y Pushkin aquí no es un "ápice" popular, ni un "genio", sino sobre todo un hombre. Y difícilmente es posible analizar por qué la monótona escala verde grisácea, aceitunada, apresurada, como si los trazos accidentales del pincel de un boceto de apariencia casi indescriptible tuvieran un contenido humano tan grande. Repasando en la memoria toda la vida y los retratos posteriores de Pushkin, este estudio del poder de la humanidad sólo puede situarse junto a la figura de Pushkin, esculpida por el escultor soviético A. Matveev. Pero esta no fue la tarea que se propuso Tropinin, no el tipo de Pushkin que su amigo quería ver, aunque ordenó retratar al poeta en una forma sencilla y hogareña.
En la evaluación del artista, Pushkin era un "poeta zar". Pero también era un poeta folclórico, era suyo y querido por todos. "La similitud entre el retrato y el original es sorprendente", escribió Polevoy al final del mismo, aunque notó la insuficiente "rapidez de mirada" y "vivacidad de la expresión en el rostro", que cambia y revive en Pushkin con cada nueva impresión.
En el retrato todo está pensado y verificado hasta el más mínimo detalle, y al mismo tiempo no hay nada deliberado, nada introducido por el artista. Incluso los anillos que adornan los dedos del poeta se destacan tanto como el propio Pushkin les dio importancia en la vida. Entre las pintorescas revelaciones de Tropinin, el retrato de Pushkin asombra por la sonoridad de su escala.
El romanticismo de Tropinin tiene distintos orígenes sentimentales. Fue Tropinin quien fue el fundador del género, retrato un tanto idealizado de un hombre del pueblo (La encajera (1823)). "Tanto conocedores como no entendidos", escribe Svinin sobre "Encaje", - admiración al mirar este cuadro, que verdaderamente combina todas las bellezas del arte pictórico: la amabilidad del pincel, la iluminación correcta y alegre, el color claro y natural, además, este retrato revela el alma de una belleza y esa mirada astuta de curiosidad que le lanzó a alguien que entró en ese minuto. Sus manos, desnudas por el codo, se detuvieron con la mirada, el trabajo se detuvo, un suspiro se escapó de un pecho virgen, cubierto con un pañuelo de muselina, y todo esto está representado con tanta verdad y sencillez que esta foto se puede tomar fácilmente para la obra más exitosa del glorioso Sueño. Los elementos auxiliares, como una almohada de encaje y una toalla, están arreglados con gran arte y terminados con finalidad ... "
A principios del siglo XIX, Tver era un importante centro cultural de Rusia. Todas las personas destacadas de Moscú han estado aquí para las veladas literarias. Aquí el joven Orest Kiprensky conoció a A.S. Pushkin, cuyo retrato, pintado más tarde, se convirtió en la perla del retrato mundial, y A.S. Pushkin le dedicará poesía, donde lo llamará "el niño mimado de la moda de alas claras". Retrato de Pushkin El pincel de O. Kiprensky es una personificación viva del genio poético. En el giro decisivo de la cabeza, en los brazos cruzados vigorosamente sobre el pecho, se refleja en toda la apariencia del poeta un sentimiento de independencia y libertad. Fue sobre él que Pushkin dijo: "Me veo como en un espejo, pero este espejo me halaga". En el trabajo sobre el retrato de Pushkin, Tropinin y Kiprensky se encuentran por última vez, aunque este encuentro no tiene lugar con sus propios ojos, sino muchos años después en la historia del arte, donde, por regla general, dos retratos del más grande poeta ruso, creado simultáneamente, pero en diferentes lugares, uno en Moscú. Otro en San Petersburgo. Ahora bien, este es un encuentro de maestros igualmente grandes en su importancia para el arte ruso. Aunque los admiradores de Kiprensky sostienen que las ventajas artísticas están del lado de su retrato romántico, donde el poeta es representado inmerso en sus propios pensamientos, solo con la musa, la nacionalidad y el democratismo de la imagen ciertamente están del lado de “Pushkin” de Tropininsky. .
Así, dos retratos reflejan dos tendencias del arte ruso, concentradas en dos capitales. Y los críticos escribirán más tarde que Tropinin fue para Moscú lo que Kiprensky fue para Petersburgo.
Una característica distintiva de los retratos de Kiprensky es que muestran el encanto espiritual y la nobleza interior de una persona. Se suponía que el retrato de un héroe, valiente y de fuerte sentimiento, encarnaba el patetismo de los estados de ánimo patrióticos y amantes de la libertad de una persona rusa avanzada.
En la puerta de entrada "Retrato de E.V. Davydov"(1809) muestra la figura de un oficial que expresó directamente la expresión de ese culto a una personalidad fuerte y valiente, tan propia del romanticismo de aquellos años. El paisaje fragmentado, donde un rayo de luz lucha contra la oscuridad, insinúa las ansiedades mentales del héroe, pero en su rostro hay un reflejo de sensibilidad soñadora. Kiprensky buscaba "humano" en una persona, y el ideal no le quitaba los rasgos personales del modelo.
Los retratos de Kiprensky, si los miras mentalmente, muestran la riqueza espiritual y natural de una persona, su fuerza intelectual. Sí, tenía el ideal de una personalidad armoniosa, que también fue discutido por sus contemporáneos, pero Kiprensky no buscó proyectar literalmente este ideal en una imagen artística. En construcción imagen artística se alejó de la naturaleza, como midiendo qué tan lejos o cerca estaba ella de tal ideal. De hecho, muchos de los representados por él están en el umbral del ideal, se sienten impulsados hacia él, pero el ideal en sí, según las ideas de la estética romántica, es difícilmente alcanzable, y todo arte romántico es solo un camino hacia él.
Al notar las contradicciones en el alma de sus héroes, mostrándolas en momentos convulsos de la vida, cuando el destino cambia, las ideas anteriores se rompen, la juventud se va, etc., Kiprensky parece estar experimentando junto con sus modelos. Por lo tanto, una participación especial del retratista en la interpretación de imágenes artísticas, lo que le da al retrato un tono conmovedor.
En el período inicial de la obra de Kiprensky, no verá personas infectadas con escepticismo, análisis que corroe el alma. Esto vendrá más tarde, cuando la época romántica sobreviva a su otoño, dando paso a otros estados de ánimo y sentimientos, cuando se derrumben las esperanzas de triunfo del ideal de una personalidad armoniosa. En todos los retratos de la década de 1800 y retratos hechos en Tver, Kiprensky tiene un pincel atrevido que construye una forma fácil y libremente. Complejidad tecnicas, el carácter de la figura cambió de una pieza a otra.
Es de destacar que en los rostros de sus héroes no verás júbilo heroico, al contrario, la mayoría de los rostros son bastante tristes, se entregan a reflejos. Parece que estas personas están preocupadas por la suerte de Rossi, piensan más en el futuro que en el presente. En personajes femeninos que representan a las esposas y hermanas de los participantes en eventos importantes, Kiprensky tampoco se esforzó por lograr una euforia heroica deliberada. La sensación de tranquilidad, la naturalidad prevalece. Además, en todos los retratos hay mucha verdadera nobleza del alma. Imágenes de mujeres atraen con su modesta dignidad, la integridad de la naturaleza; en los rostros de los hombres se adivina un pensamiento inquisitivo, una disposición al ascetismo. Estas imágenes coincidieron con la maduración de las ideas éticas y estéticas de los decembristas. Sus pensamientos y aspiraciones fueron entonces compartidos por muchos (la creación de sociedades secretas con ciertos programas sociales y políticos cae en el período 1816-1821), el artista los conoció, y por lo tanto podemos decir que sus retratos de participantes en los eventos de 1812-1814, imágenes de campesinos, creadas en los mismos años, una especie de paralelo artístico a los conceptos emergentes del decembrismo.
Marcado con el sello brillante del ideal romántico "Retrato de V.A. Zhukovsky"(1816). El artista, al realizar un retrato encargado por S.S. Uvarov, concebido para mostrar a los contemporáneos no solo la imagen del poeta, que era bien conocido en los círculos literarios, sino también para demostrar una cierta comprensión de la personalidad del poeta romántico. Ante nosotros está el tipo de poeta que expresó la dirección filosófica y soñadora del romanticismo ruso. Kiprensky presentó a Zhukovsky en un momento de inspiración creativa. El viento alborotaba los cabellos del poeta, los árboles salpican alarmantemente con sus ramas en la noche, las ruinas de edificios antiguos apenas son visibles. Así parecía lucir el creador de baladas románticas. Los colores oscuros acentúan la atmósfera de lo misterioso. Siguiendo el consejo de Uvarov, Kiprensky no termina de pintar fragmentos individuales del retrato, por lo que la “excesiva completitud” no extingue el espíritu, el temperamento y la emotividad.
Kiprensky pintó muchos retratos en Tver. Además, cuando pintó a Ivan Petrovich Wulf, un terrateniente de Tver, miró con emoción a la niña que estaba frente a él, su nieta, la futura Anna Petrovna Kern, a quien estaba dedicada una de las obras líricas más cautivadoras: el poema de AS Pushkin “Recuerdo un momento maravilloso ...”. Tales asociaciones de poetas, artistas y músicos se convirtieron en la manifestación de una nueva dirección en el arte: el romanticismo.
“Young Gardener” (1817) de Kiprensky, “Italian Noon” (1827) de Bryullov, “The Reapers” o “The Reaper” (1820) de Venetsianov son obras de la misma serie tipológica. Están orientadas a la naturaleza y fueron escritas explícitamente con su uso. cada uno de los artistas - para encarnar la perfección estética de una naturaleza simple - condujo a una cierta idealización de imágenes, vestidos, situaciones en aras de crear una imagen-metáfora. Observando la vida, la naturaleza, el artista la repensó , poetizar a los maestros visibles, dar a luz imágenes que antes no eran conocidas por el arte, y es uno de los rasgos del romanticismo de la primera mitad del siglo XIX. ... "Retrato de un padre (A. K. Schwalbe)"(1804) fue pintado por Orest Kiprensky del género artístico y del retrato en particular.
Los logros más importantes del romanticismo ruso son las obras en el género del retrato. Los mejores y más brillantes ejemplos de romanticismo datan de la primera época. Mucho antes de su viaje a Italia, en 1816, Kiprensky, internamente listo para una encarnación del mundo romántico, vio las pinturas de los viejos maestros con nuevos ojos. La coloración oscura, las figuras resaltadas por la luz, los colores ardientes, el drama intenso tuvieron una fuerte influencia en él. "Retrato de un padre" fue indudablemente inspirado por Rembrandt. Pero el artista ruso tomó solo técnicas externas del gran holandés. "Retrato de un padre" es una obra absolutamente independiente, que posee su propia energía interior y poder de expresión artística. Una característica distintiva de los retratos de álbumes es la vivacidad de su ejecución. No hay imagen: la transferencia instantánea de lo que vio en el papel crea una frescura única en la expresión gráfica. Por lo tanto, las personas representadas en las imágenes nos parecen cercanas y comprensibles.
Los extranjeros llamaban a Kiprensky el ruso Van Dyck, sus retratos se encuentran en muchos museos de todo el mundo. El sucesor de la obra de Levitsky y Borovikovsky, el predecesor de L. Ivanov y K. Bryullov, Kiprensky dio fama europea a la escuela de arte rusa con su obra. En palabras de Alexander Ivanov, "fue el primero en llevar el nombre ruso a Europa ...".
El creciente interés por la personalidad de una persona, característico del romanticismo, predeterminó el florecimiento del género del retrato en la primera mitad del siglo XIX, donde el autorretrato se convirtió en el rasgo dominante. Por regla general, la creación de un autorretrato no fue un episodio accidental. Los artistas se escribieron y se pintaron repetidamente, y estas obras se convirtieron en una especie de diario, reflejando varios estados del alma y etapas de la vida, y al mismo tiempo, eran un manifiesto dirigido a sus contemporáneos. Auto retrato No era un género personalizado, el artista escribió para sí mismo y aquí, como nunca antes, se volvió libre en la autoexpresión. En el siglo XVIII, los artistas rusos rara vez pintaban imágenes de autor, solo el romanticismo con su culto al individuo, lo exclusivo contribuyó al surgimiento de este género. La variedad de tipos de autorretratos refleja la percepción de los propios artistas como una personalidad rica y multifacética. A veces aparecen en el papel habitual y natural del creador ("Autorretrato con una boina de terciopelo" de AG Varnek, década de 1810), luego se sumergen en el pasado, como si se lo probaran a sí mismos ("Autorretrato con un casco y armadura "de FI Yanenko, 1792), o, más a menudo, aparece sin ningún atributo profesional, afirmando el significado y valor intrínseco de cada persona, liberada y abierta al mundo, buscando y corriendo, como, por ejemplo, FA Bruni y OA Orlovsky en autorretratos de 1810. La disposición al diálogo y la apertura, característica de la solución figurativa de las obras de la década de 1810-1820, se reemplazan gradualmente por la fatiga y la decepción, la inmersión, la retirada en uno mismo ("Autorretrato" de M. I. Terebenev). Esta tendencia se reflejó en el desarrollo del género del retrato en general.
Aparecieron autorretratos de Kiprensky, lo que vale la pena señalar, en momentos críticos de la vida, testificaron el aumento o la caída de la fuerza mental. A través de su arte, el artista se miró a sí mismo. Al mismo tiempo, no usó un espejo, como la mayoría de los pintores; escribió principalmente de sí mismo sobre la base de la representación, quería expresar su espíritu, pero no su apariencia.
"Autorretrato con pinceles detrás de la oreja" construido sobre el rechazo, y claramente demostrativo, en la glorificación externa de la imagen, su normatividad clásica y construcción ideal. Los rasgos faciales se describen aproximadamente, en general. La luz lateral incide sobre el rostro, resaltando solo los rasgos laterales. Los reflejos individuales de luz caen sobre la figura del artista, apagados en el drapeado apenas distinguible que representa el fondo del retrato. Todo aquí está subordinado a la expresión de la vida, los sentimientos, los estados de ánimo. Es una mirada al arte romántico a través del arte del autorretrato. La implicación del artista en los secretos de la creatividad se expresa en el misterioso y romántico "sfumato del siglo XIX". Un peculiar tono verdoso crea una atmósfera especial del mundo artístico, en cuyo centro se encuentra el propio artista.
Casi simultáneamente con este autorretrato se escribió y "Autorretrato con pañuelo rosa" donde se materializa otra imagen. Sin referencia directa a la profesión de pintor. Se ha recreado la imagen de un joven que se siente a gusto, naturalmente, libre. La pintoresca superficie del lienzo está sutilmente construida. El pincel del artista aplica pinturas con confianza. Dejando pequeños y grandes trazos. El color está magníficamente desarrollado, los colores son apagados, armoniosamente combinados entre sí, la iluminación es tranquila: la luz se derrama suavemente sobre el rostro del joven, delineando sus rasgos, sin expresiones y deformaciones innecesarias.
Otro pintor destacado fue Venetsianov. En 1811 recibió el título de Académico de la Academia, designado por "Autorretrato" y "Retrato de K.I. Golovachevsky con tres estudiantes de la Academia de Artes". Son obras destacadas.
La verdadera habilidad de Venetsianov se declaró en "Auto retrato" 1811 año. Fue pintado de manera diferente a como se pintaron otros artistas en ese momento: A. Orlovsky, O. Kiprensky, E. Varnek e incluso el siervo V. Tropinin. Era común que todos se imaginaran en un halo romántico, sus autorretratos eran una especie de oposición poética al entorno. La singularidad de la naturaleza artística se manifestó en la postura, los gestos y en la singularidad de un traje especialmente concebido. En el "Autorretrato" de Venetsianov, los investigadores notan, en primer lugar, la expresión estricta y tensa de una persona ocupada ... Correcta eficiencia, que se diferencia de la ostentosa "negligencia artística" que indican las batas o las gorras coquetamente cambiadas de otros artistas. Venizianov se mira a sí mismo con seriedad. El arte para él no es un impulso inspirado, sino sobre todo un asunto que requiere concentración y atención. De tamaño pequeño, casi monocromático en sus tonos oliva, escrito con extrema precisión, es simple y complejo al mismo tiempo. Sin atraer con el lado externo de la pintura, se detiene con la mirada. Los bordes idealmente delgados del fino marco dorado de las gafas no se esconden, sino que enfatizan la aguda agudeza de los ojos, no tanto dirigidos a la naturaleza (el artista se representó a sí mismo con una paleta y un pincel en sus manos), sino en la profundidad de sus propios pensamientos. Una frente grande y ancha, el lado derecho de la cara, iluminado por luz directa, y la pechera de una camisa blanca forman un triángulo de luz, que atrae principalmente la mirada del espectador, que en el siguiente instante, siguiendo el movimiento de la mano derecha sosteniendo un delgado pincel, se desliza hacia la paleta. Mechones de cabello ondulados, lazos de un marco brillante, una corbata suelta alrededor del cuello, una línea de hombros suave y, finalmente, un amplio semicírculo de la paleta forman un sistema móvil de líneas suaves y fluidas, dentro del cual hay tres puntos principales: diminuto resplandor de las pupilas, y el extremo afilado de la pechera de la camisa, casi cerrándose con paleta y pincel. Tal cálculo casi matemático en la construcción de la composición de un retrato le da a la imagen una compostura interna parcial y da razones para suponer que el autor tiene una mente analítica, inclinada al pensamiento científico. En "Autorretrato" no hay rastro de romanticismo, que entonces era tan frecuente cuando los artistas se representaban a sí mismos. Este es un autorretrato de un artista-investigador, artista-pensador y trabajador.
Otra pieza - retrato de Golovachevsky- concebido como una especie de composición de la trama: la generación anterior de maestros de la Academia, representada por el viejo inspector, da instrucciones a los talentos en crecimiento: un pintor (con una carpeta de dibujos. Un arquitecto y un escultor. interpreta a los adolescentes algunos página leída en el libro. La sinceridad de la expresión encuentra apoyo en la estructura pintoresca de la imagen: sus tonos de colores tenues, sutil y bellamente armonizados crean una impresión de serenidad y seriedad. Rostros bellamente pintados llenos de significado interno. El retrato fue uno de los los más altos logros de la pintura rusa del retrato.
Y en la obra de Orlovsky en el siglo XIX aparecen retratos, principalmente en forma de dibujos. En 1809, existe una hoja de retrato tan rica en emociones como "Auto retrato"... Lleno de un delicioso toque libre de sanguina y carboncillo (iluminado con tiza), el Autorretrato de Orlovsky atrae con su integridad artística, imagen característica, arte de ejecución. Al mismo tiempo, nos permite discernir algunos de los aspectos peculiares del arte de Orlovsky. El “Autorretrato” de Orlovsky ciertamente no tiene el objetivo de reproducir fielmente la apariencia típica del artista de esos años. Ante nosotros, deliberado en muchos sentidos. La apariencia exagerada de un “artista” oponiendo su propio “yo” a la realidad circundante, no le preocupa la “decencia” de su apariencia: un peine y un cepillo no tocaron su exuberante cabello, en su hombro está el borde de una capa a cuadros justo encima de una camisa de casa con cuello abierto. Un giro brusco de la cabeza con una mirada "sombría" debajo de las cejas movidas, un primer plano de un retrato en el que la cara se representa en primeros planos, contrastes de luz: todo esto tiene como objetivo lograr el efecto principal de oponerse. la persona representada al entorno (y, por tanto, al espectador).
El patetismo de afirmar la individualidad, uno de los rasgos más progresistas del arte de esa época, forma el principal tono ideológico y emocional del retrato, pero aparece en un aspecto peculiar que casi no se encuentra en el arte ruso de ese período. La afirmación de la personalidad pasa no tanto por la revelación de la riqueza de su mundo interior, sino por una forma más externa de rechazar todo lo que la rodea. Al mismo tiempo, la imagen indudablemente luce empobrecida, limitada.
Tales soluciones son difíciles de encontrar en el arte del retrato ruso de esa época, donde ya a mediados del siglo XVIII los motivos civiles y humanistas sonaban con fuerza y la personalidad de una persona nunca rompía fuertes lazos con el medio ambiente. Soñando con un orden social democrático mejor, la mejor gente de Rusia de esa época no se separó en absoluto de la realidad, rechazó deliberadamente el culto individualista de la "libertad personal" que floreció en el suelo de Europa Occidental, destrozado por los burgueses. revolución. Esto se manifestó claramente como un reflejo de los factores reales del retrato ruso. Basta comparar el Autorretrato de Orlovsky con el autorretrato simultáneo "Auto retrato" Kiprensky (por ejemplo, 1809), por lo que la seria diferencia interna entre los dos retratistas se hizo evidente de inmediato.
Kiprensky también "heroe" la personalidad de una persona, pero muestra sus verdaderos valores internos. En el rostro del artista, el espectador distingue características de una mente fuerte, carácter, pureza moral.
Toda la apariencia de Kiprensky está cubierta de asombrosa nobleza y humanidad. Es capaz de distinguir entre el "bien" y el "mal" en el mundo que lo rodea y, rechazando el segundo, amar y apreciar al primero, amar y valorar a las personas de ideas afines. Al mismo tiempo, tenemos, sin duda, una fuerte individualidad, orgullosos de la conciencia del valor de sus cualidades personales. Exactamente el mismo concepto de imagen de retrato subyace en el famoso retrato heroico de D. Davydov por Kiprensky.
Orlovsky, en comparación con Kiprensky, así como con algunos otros retratistas rusos de esa época, resuelve la imagen de manera más limitada, más directa y externa " fuerte personalidad”, Claramente centrado en el arte de la Francia burguesa. Cuando miras su "Autorretrato", involuntariamente te vienen a la mente los retratos de A. Gro y Gericault. El perfil de Orlovsky "Autorretrato" de 1810, con su culto a la "fuerza interior" individualista, sin embargo, desprovisto de la ya áspera forma "esquemática" del "Autorretrato" de 1809 o "Retrato de Duport". En este último, Orlovsky, al igual que en Autorretrato, utiliza una pose espectacular y “heroica” con un movimiento brusco, casi cruzado, de la cabeza y los hombros. Destaca la estructura irregular del rostro de Duport, su cabello despeinado, con el objetivo de crear una imagen de retrato que sea autosuficiente en su carácter único y aleatorio.
"El paisaje debe ser un retrato", escribió K. N. Batyushkov. Esta actitud fue adoptada en su trabajo por la mayoría de los artistas que se volcaron hacia el género. paisaje. Entre las obvias excepciones que gravitaron hacia el paisaje fantástico estaban A.O. Orlovsky ("Vista al mar", 1809); A. G. Varnek ("Vista en los alrededores de Roma", 1809); P. V. Cuenca ("El cielo al atardecer en las inmediaciones de Roma", "Paisaje vespertino", ambos - década de 1820). Creando tipos específicos, conservaron la inmediatez de la sensación, la saturación emocional, alcanzando un sonido monumental con técnicas compositivas.
El joven Orlrvsky vio en la naturaleza solo fuerzas titánicas, no sujetas a la voluntad del hombre, capaces de causar una catástrofe, un desastre. La lucha del hombre con el elemento del mar embravecido es uno de los temas favoritos del artista de su período romántico "rebelde". Se convirtió en el contenido de sus dibujos, acuarelas y óleos desde 1809 hasta 1810. La trágica escena se muestra en la imagen. "Naufragio"(1809 (?)). En la oscuridad total que cayó al suelo, entre las olas embravecidas, los pescadores ahogados trepan frenéticamente los acantilados costeros en los que se estrelló su barco. El color, sostenido en tonos rojizos severos, potencia la sensación de ansiedad. Terribles incursiones de poderosas olas, presagiando una tormenta, y en otra imagen: "A la orilla del mar"(1809). También juega un papel emocional enorme en el cielo tormentoso, que ocupa la mayor parte de la composición. Aunque Orlovsky no conocía el arte de la perspectiva aérea, la transición gradual de planos se resolvió aquí de manera más armoniosa y suave. El color se ha vuelto más claro. Las manchas rojas de la ropa de los pescadores juegan maravillosamente sobre un fondo marrón rojizo. Elemento marino inquieto e inquietante en acuarela. "Velero"(alrededor de 1812). E incluso cuando el viento no agita la vela y no riza la superficie del agua, como en acuarela "Paisaje marino con barcos"(alrededor de 1810), el espectador no deja la premonición de que una tormenta seguirá a la calma.
A pesar de todo el drama y la emoción emocional, los paisajes marinos de Orlovsky no son tanto el fruto de sus observaciones de los fenómenos atmosféricos como el resultado de una imitación directa de los clásicos del arte. En particular, J. Vernet.
Los paisajes de S.F.Shchedrin tenían un carácter diferente. Están llenos de la armonía de la convivencia del hombre y la naturaleza ("Terraza junto al mar. Capuccini cerca de Sorrento", 1827). Las numerosas vistas de Nápoles y los alrededores de su pincel gozaron de un éxito y una popularidad extraordinarios.
La creación de una imagen romántica de San Petersburgo en la pintura rusa está asociada con el trabajo de M. N. Vorobiev. En sus lienzos, la ciudad aparecía envuelta en misteriosas nieblas de Petersburgo, una suave bruma de noches blancas y una atmósfera saturada de la humedad del mar, donde los contornos de los edificios se borran y la luz de la luna completa el sacramento. El mismo comienzo lírico distingue las vistas de los alrededores de San Petersburgo realizadas por él ("Puesta de sol en los alrededores de San Petersburgo", 1832). Pero la capital del norte fue vista por los artistas de una manera diferente y dramática, como un escenario de colisión y lucha de elementos naturales (V. Ye. Raev "Columna de Alejandro durante una tormenta", 1834).
En las brillantes pinturas de I.K. Sin embargo, un gran lugar en el legado del maestro lo ocupan los paisajes marinos nocturnos dedicados a lugares específicos donde la tormenta da paso a la magia de la noche, un tiempo que, según las opiniones de los románticos, está lleno de una misteriosa vida interior, y donde la búsqueda pictórica del artista tiene como objetivo extraer efectos de luz extraordinarios ("Vista de Odessa en una noche de luna", "Vista de Constantinopla a la luz de la luna", ambas - 1846).
El tema de los elementos naturales y una persona sorprendida, un tema favorito del arte romántico, fue interpretado de diferentes maneras por los artistas de la década de 1800-1850. Las obras se basaron en hechos reales, pero el significado de las imágenes no está en su recuento objetivo. Un ejemplo típico es el cuadro de Pyotr Basin. "El terremoto de Rocca di Papa cerca de Roma"(1830). No se dedica tanto a la descripción de un evento específico como a la imagen de miedo y horror de una persona que se enfrenta a la manifestación de los elementos.
Las principales figuras de la pintura rusa de esta época fueron K.P. Bryullov (1799-1852) y A.A. Ivanov (1806-1858). Pintor y dibujante ruso K.P. Bryullov, cuando todavía era estudiante de la Academia de Artes, dominó la incomparable habilidad del dibujo. Creatividad Bryullov generalmente se divide en antes de "El último día de Pompeya" y después. ¿Qué fue creado antes….?!
“Mañana italiana” (1823), “Hermilia en los pastores” (1824) basada en el poema de Torquatto Tasso “Liberación de Jerusalén”, “Tarde italiana” (“Mujer italiana quitando uvas”, 1827), “Amazona” (1830 ), “Betsabé” (1832): todas estas pinturas están imbuidas de una alegría de vivir brillante y sin disimulo. Tales obras estaban en consonancia con los primeros versos epicúreos de Pushkin, Batyushkov, Vyazemsky, Delvig. El estilo antiguo, basado en la imitación de grandes maestros, no satisfizo a Bryullov, y pintó “Mañana italiana”, “Mediodía italiana”, “Betsabé” al aire libre.
Al trabajar en el retrato, Bryullov pintó solo la cabeza de la vida. Todo lo demás se lo dictaba a menudo su imaginación. El fruto de tal improvisación creativa libre es "Jinete". Lo principal en el retrato es el contraste de un animal enrojecido y flotando con fosas nasales ensanchadas y ojos brillantes y una grácil amazona que refrena con calma la energía estupefacta del caballo (domesticar animales es un tema favorito de los escultores clásicos, Bryullov lo resolvió en pintura).
V "Betsabé" el artista utiliza el relato bíblico como excusa para mostrar el cuerpo desnudo al aire libre y transmitir el juego de luces y reflejos sobre la piel clara. En Betsabé, creó la imagen de una mujer joven llena de alegría y felicidad. El cuerpo desnudo resplandece y resplandece rodeado de verde oliva, ropa de cereza, un depósito transparente. Las suaves formas elásticas del cuerpo se combinan maravillosamente con la tela blanqueadora y el color chocolate de la mujer árabe que sirve a Betsabé. Las líneas fluidas de cuerpos, estanques, telas dan a la composición del cuadro un ritmo suave.
La pintura se convirtió en una nueva palabra en la pintura. "El último día de Pompeya"(1827-1833). Ella hizo que el nombre del artista fuera inmortal y muy famoso durante su vida.
Su trama, aparentemente, fue elegida bajo la influencia del hermano Alejandro, quien estudió intensamente las ruinas de Pompeya. Pero las razones para pintar son más profundas. Gogol notó esto, y Herzen dijo sin rodeos que en El último día de Pompeya, quizás, un reflejo inconsciente de los pensamientos y sentimientos del artista, causado por la derrota del levantamiento decembrista en Rusia, encontró su lugar. No sin razón, entre las víctimas de los elementos furiosos en el moribundo Pompeyo, Bryullov colocó su autorretrato y dio los rasgos de sus conocidos rusos a otros personajes de la imagen.
El séquito italiano de Bryullov también jugó un papel, lo que podría informarle sobre las tormentas revolucionarias que azotaron Italia en años anteriores, sobre el triste destino de los Carbonari en los años de reacción.
El cuadro grandioso de la muerte de Pompeya está imbuido del espíritu del historicismo, muestra el cambio de una era histórica a otra, la supresión del paganismo antiguo y el inicio de una nueva fe cristiana.
El artista percibe dramáticamente el curso de la historia, el cambio de época como un shock para la humanidad. En el centro de la composición, una mujer que cayó de un carro y se estrelló hasta morir aparentemente personificó la desaparición del mundo antiguo. Pero el artista colocó a un bebé vivo cerca del cuerpo de la madre. Representando a niños y padres, un joven y una anciana, una madre, hijos y un padre decrépito, el artista mostró viejas generaciones que están pasando a la historia y nuevas que vienen para reemplazarlas. El nacimiento de una nueva era sobre los restos de un viejo mundo que se desmorona en polvo es el tema real de la pintura de Bryullov. Independientemente de los puntos de inflexión que traiga la historia, la existencia de la humanidad no se detiene y su sed de vida permanece inquebrantable. Esta es la idea básica detrás de El último día de Pompeya. Esta imagen es un himno a la belleza de la humanidad, que permanece inmortal en todos los ciclos de la historia.
El lienzo se exhibió en 1833 en la Exposición de Arte de Milán y provocó una oleada de respuestas entusiastas. La gastada Italia fue conquistada. El alumno de Bryullov, G. G. Gagarin, testifica: “Esta gran obra despertó un entusiasmo ilimitado en Italia. Las ciudades donde se exhibió el cuadro organizaron recepciones ceremoniales para el artista, se le dedicó poesía, se lo llevó por las calles con música, flores y antorchas ... En todas partes fue recibido con honor como un genio reconocido y triunfante, entendido y apreciado por todos ".
El escritor inglés Walter Scott (un representante de la literatura romántica, famoso por sus novelas históricas) pasó una hora en el estudio de Bryullov, sobre el cual dijo que esto no era una imagen, sino un poema completo. Las Academias de Arte de Milán, Florencia, Bolonia y Parma eligieron al pintor ruso como miembro honorario.
El lienzo de Bryullov provocó respuestas entusiastas de Pushkin y Gogol.
Vesubio abrió la boca, el humo se derramó en una llama de club
Se ha desarrollado ampliamente como estandarte de batalla.
La tierra está agitada - de las columnas tambaleantes
¡Los ídolos están cayendo! ...
Pushkin escribió bajo la impresión de la imagen.
A partir de Bryullov, los puntos de inflexión en la historia se convirtieron en el tema principal de la pintura histórica rusa, donde se representaron grandiosas escenas populares, donde cada persona es un participante de un drama histórico, donde no hay principal ni secundario.
"Pompeia" pertenece, en general, al clasicismo. El artista reveló magistralmente la plasticidad del cuerpo humano en el lienzo. Todos los movimientos mentales de las personas fueron transmitidos por Bryullov principalmente en el lenguaje de los plásticos. Las figuras individuales, dadas en un movimiento tormentoso, se recogen en grupos equilibrados y congelados. Los destellos de luz acentúan las formas de los cuerpos y no crean fuertes efectos pictóricos. Sin embargo, la composición de la imagen, que tiene un fuerte avance en el centro, que representa un evento extraordinario en la vida de Pompeya, se inspiró en el romanticismo.
El romanticismo en Rusia como percepción del mundo existió en su primera ola desde finales del siglo XVIII hasta la década de 1850. La línea del romántico en el arte ruso no terminó en la década de 1850. Inaugurada por románticos para el arte, el tema del estado de desarrollo se desarrolló posteriormente entre los artistas de la "Rosa Azul". Los herederos directos de los románticos fueron sin duda los simbolistas. Temas románticos, motivos, técnicas expresivas ingresaron al arte de diferentes estilos, tendencias, asociaciones creativas. La perspectiva romántica o cosmovisión resultó ser una de las más vivaces, tenaces y fructíferas.
El romanticismo como actitud general, característica principalmente de los jóvenes, como lucha por el ideal y la libertad creativa, sigue viviendo constantemente en el arte mundial.
c) Música
El romanticismo en su forma más pura es un fenómeno del arte de Europa occidental. En la música rusa del siglo XIX. desde Glinka hasta Tchaikovsky, los rasgos del clasicismo se combinaron con los rasgos del romanticismo, el elemento principal fue un principio nacional brillante y distintivo. El romanticismo en Rusia dio un impulso inesperado cuando esta tendencia parecía ser cosa del pasado. Dos compositores del siglo XX, Scriabin y Rachmaninov, revivieron una vez más rasgos del romanticismo como el vuelo desenfrenado de la fantasía y la sinceridad de las letras. Por tanto, el siglo XIX. llamado el siglo de los clásicos musicales.
El tiempo (1812, el levantamiento decembrista, la consiguiente reacción) dejó una huella en la música. Sea cual sea el género que elijamos (romance, ópera, ballet, música de cámara), en todas partes los compositores rusos han dicho su nueva palabra.
La música de Rusia, con toda su elegancia de salón y estricta adherencia a las tradiciones instrumentales profesionales, incluida la escritura sonata-sinfónica, se basa en el color modal único y la estructura rítmica del folclore ruso. Algunos, ampliamente basados en canciones cotidianas, otros, en formas originales de tocar música, y otros, en la antigua modalidad de los antiguos modos campesinos rusos.
El comienzo del siglo XIX - estos son los años del primer y brillante florecimiento del género romántico. Hasta ahora, las letras humildes y sinceras suenan y agradan a los oyentes. Alexander Alexandrovich Alyabyev (1787-1851). Escribió romances a los versos de muchos poetas, pero son inmortales. "Ruiseñor" a los versos de Delvig, "Camino de invierno", "Te amo" a los versos de Pushkin.
Alexander Egorovich Varlamov (1801-1848) escribió música para representaciones dramáticas, pero lo conocemos mejor por los famosos romances “Vestido rojo de verano”, “Al amanecer, no me despiertas”, “La vela solitaria es blanca”.
Alexander Lvovich Gurilev (1803-1858)- compositor, pianista, violinista y profesor, posee romances como "La campana suena monótonamente", "En los albores de la brumosa juventud" y etc.
El lugar más destacado aquí lo ocupan los romances de Glinka. Nadie más había logrado aún una fusión tan natural de la música con la poesía de Pushkin y Zhukovsky.
Mikhail Ivanovich Glinka (1804-1857)- contemporáneo de Pushkin (5 años más joven que Alexander Sergeevich), un clásico de la literatura rusa, se convirtió en el fundador de los clásicos musicales. Su trabajo es uno de los pináculos de la cultura musical rusa y mundial. Combina armoniosamente la riqueza de la música folclórica y los más altos logros de la composición. La creatividad realista profundamente popular de Glinka reflejó el poderoso florecimiento de la cultura rusa en la primera mitad del siglo XIX, asociado con la Guerra Patriótica de 1812 y el movimiento Decembrista. Carácter ligero que afirma la vida, armonía de formas, belleza de melodías melodiosas expresivas, variedad, brillantez y sutileza de armonías son las cualidades más valiosas de la música de Glinka. En la famosa ópera "Ivan Susanin"(1836) se expresó brillantemente la idea del patriotismo popular; la grandeza moral del pueblo ruso se glorifica en la ópera de cuento de hadas " Ruslan y Ludmila "... Obras orquestales de Glinka: "Vals-Fantasía", "Noche en Madrid" y especialmente "Kamarinskaya", forman la base de la sinfonía clásica rusa. Destacable por el poder de expresión dramática y el brillo de las características de la música ante la tragedia "Príncipe Kholmsky". Letras vocales de Glinka (romances "Recuerdo un momento maravilloso", "Duda") es una personificación insuperable de la poesía rusa en la música.
6. ROMANCE DE EUROPA OCCIDENTAL
una pintura
Si el antepasado del clasicismo fue Francia, entonces “para encontrar las raíces ... de la escuela romántica”, escribió uno de sus contemporáneos, “deberíamos ir a Alemania. Allí nació, y allí desarrollaron sus gustos los románticos italianos y franceses modernos ”.
Roto Alemania No conocía el auge revolucionario. Muchos de los románticos alemanes eran ajenos al patetismo de las ideas sociales avanzadas. Idealizaron la Edad Media. Se entregaron a impulsos emocionales inexplicables, hablaron sobre el abandono de la vida humana. El arte de muchos de ellos fue pasivo y contemplativo. Crearon sus mejores obras en el campo del retrato y la pintura de paisajes.
Un destacado retratista fue Otto Runge (1777-1810). Los retratos de este maestro, con calma exterior, asombran con su intensa y tensa vida interior.
La imagen del poeta romántico es vista por Runge en "Auto retrato". Se examina detenidamente y ve a un joven moreno, de ojos oscuros, serio, lleno de energía, pensativo, ensimismado y obstinado. El artista romántico quiere conocerse a sí mismo. La forma en que se realiza el retrato es rápida y contundente, como si la energía espiritual del creador debiera transmitirse en la textura de la obra; en la escala de colores oscuros aparecen contrastes de luz y oscuridad. El contraste es una técnica pictórica característica de los maestros románticos.
Un artista romántico siempre intentará captar el juego cambiante de estados de ánimo de una persona, para mirar dentro de su alma. Y en este sentido, los retratos infantiles le servirán de material fértil. V retrato de los hijos de Hulsenbeck(1805) Runge no solo transmite la vivacidad y la espontaneidad del carácter de un niño, sino que también encuentra un método especial para un estado de ánimo alegre, que deleita los descubrimientos al aire libre del segundo piso. Siglo XIX. El fondo de la imagen es un paisaje, que atestigua no solo el don colorista del artista, una actitud admirable hacia la naturaleza, sino también la aparición de nuevos problemas en la reproducción magistral de las relaciones espaciales, las sombras claras de los objetos al aire libre. El maestro romántico, deseando fusionar su "yo" con la inmensidad del Universo, se esfuerza por capturar la apariencia sensualmente tangible de la naturaleza. Pero con esta sensualidad de la imagen, prefiere ver el símbolo del gran mundo, la “idea del artista”.
Runge, uno de los primeros artistas románticos, se propuso la tarea de sintetizar las artes: pintura, escultura, arquitectura, música. Se suponía que el sonido conjunto de las artes expresaba la unidad de las fuerzas divinas del mundo, cada partícula de las cuales simboliza el cosmos en su conjunto. El artista fantasea, reforzando su concepto filosófico con las ideas del famoso pensador alemán 1er piso. Siglo XVII Jacob Boehme. El mundo es una especie de todo místico, cada parte del cual expresa el todo. Esta idea está relacionada con los románticos de todo el continente europeo. En forma de verso, el poeta y artista inglés William Blake lo expresó de esta manera:
Ver la eternidad en un momento
Un mundo enorme en un espejo de arena.
En un solo puñado - infinito
Y el cielo está en la copa de una flor.
El ciclo de Runge, o, como él lo llamó, "poema musical fantástico" "Temporadas del día"- mañana, mediodía, noche, es una expresión de este concepto. Dejó en poesía y prosa una explicación de su modelo conceptual del mundo. La imagen de una persona, el paisaje, la luz y el color son símbolos del ciclo siempre cambiante de la vida natural y humana.
Otro destacado pintor romántico alemán, Caspar David Friedrich (1774-1840), prefirió el paisaje a todos los demás géneros y escribió solo imágenes de la naturaleza durante sus setenta años de vida. El motivo principal del trabajo de Friedrich es la idea de la unidad del hombre y la naturaleza.
“Escuchen la voz de la naturaleza que habla dentro de nosotros”, instruye el artista a sus alumnos. El mundo interior de una persona personifica el infinito del Universo, por lo tanto, habiéndose escuchado a sí mismo, una persona puede comprender las profundidades espirituales del mundo.
La posición de escucha determina la forma básica de "comunicación" humana con la naturaleza y su imagen. Esta es la grandeza, el misterio o la iluminación de la naturaleza y el estado consciente del observador. Es cierto que, muy a menudo, Friedrich no permite que la figura “entre” en el espacio paisajístico de sus pinturas, pero en la sutil penetración de la estructura imaginativa de los espacios abiertos que se expanden, se siente la presencia de un sentimiento, la experiencia de una persona. El subjetivismo en la representación del paisaje llega al arte solo con la creatividad de los románticos, presagiando la revelación lírica de la naturaleza por parte de los maestros del segundo sexo. Siglo XIX. Los investigadores notan en las obras de Friedrich "expansión del repertorio" de motivos paisajísticos. El autor se interesa por el mar, las montañas, los bosques y los distintos matices del estado de la naturaleza en diferentes épocas del año y del día.
1811-1812 marcado por la creación de una serie de paisajes de montaña como resultado del viaje del artista a la montaña. "Mañana en las montañas" Representa pintorescamente una nueva realidad natural que nace de los rayos del sol naciente. Los tonos malva los envuelven y los privan de volumen y peso del material. Los años de la batalla con Napoleón (1812-1813) hicieron que Federico se volviera hacia temas patrióticos. Ilustrando, inspirándose en el drama de Kleist, escribe "Tumba de Arminio"- un paisaje con las tumbas de los antiguos héroes germánicos.
Frederick era un gran maestro de los paisajes marinos: "Edades", "Salida de la luna sobre el mar", "La muerte de" Esperanza "en el hielo".
Las últimas obras del artista - "Descanso en el campo", "Big Swamp" y "Remembrance of the Giant Mountains", "Giant Mountains" - una serie de crestas de montañas y piedras en el plano oscuro del primer plano. Esto, aparentemente, es un retorno al sentimiento experimentado de la victoria de una persona sobre sí misma, la alegría de la ascensión a la “cima del mundo”, una lucha por las luminosas alturas invictas. Los sentimientos del artista componen de manera especial estos macizos montañosos, y de nuevo se lee el movimiento desde la oscuridad de los primeros pasos hacia la luz del futuro. El pico de la montaña al fondo se destaca como el centro de las aspiraciones espirituales del maestro. La pintura es muy asociativa, como cualquier creación romántica, y sugiere diferentes niveles de lectura e interpretación.
Friedrich es muy preciso en el dibujo, musicalmente armonioso en la construcción rítmica de sus pinturas, en las que intenta hablar con emociones de color y efectos de luz. “A muchos se les da poco, a pocos se les da mucho. El alma de la naturaleza se abre a todos de una manera diferente. Por tanto, nadie se atreve a trasladar su experiencia y sus reglas a otro como una ley vinculante e incondicional. Nadie es la vara de medir para todos. Cada uno lleva dentro de sí una medida sólo para sí mismo y para las naturalezas más o menos afines a él mismo ”, este reflejo del maestro demuestra la asombrosa integridad de su vida interior y su creatividad. La singularidad del artista es palpable solo en la libertad de su trabajo: esto es lo que representa el romántico Friedrich.
Parece más formal diferenciar con artistas - "clásicos" - representantes del clasicismo de otra rama de la pintura romántica en Alemania - los nazarenos. Fundada en Viena y asentada en Roma (1809-1810), la Unión de San Lucas unió a los maestros con la idea de revivir el arte monumental de las cuestiones religiosas. La Edad Media fue un período favorito de la historia para los románticos. Pero en su búsqueda artística, los nazarenos recurrieron a las tradiciones pictóricas del Renacimiento temprano en Italia y Alemania. Overbeck y Geforr iniciaron una nueva alianza, a la que más tarde se unieron Cornelius, J. Schnoff von Karolsfeld y Faith Fürich.
Este movimiento de los nazarenos correspondió a sus formas de enfrentamiento con los clasicistas académicos en Francia, Italia, Inglaterra. Por ejemplo, en Francia, los llamados artistas primitivistas surgieron del taller de David, en Inglaterra, los prerrafaelitas. En el espíritu de la tradición romántica, consideraban que el arte era una "expresión de la época", "el espíritu del pueblo", pero sus preferencias temáticas o formales, que en un principio sonaron como un eslogan de unificación, después de un tiempo se volvieron en los mismos principios doctrinarios que los de la Academia, que rechazaron.
El arte del romanticismo en Francia desarrollado de formas especiales. Lo primero que lo distinguió de movimientos similares en otros países fue su carácter ofensivo activo (“revolucionario”). Poetas, escritores, músicos, artistas defendieron sus posiciones no solo creando nuevas obras, sino también participando en polémicas de revistas y periódicos, que los investigadores describen como una “batalla romántica”. En la polémica romántica, los famosos V. Hugo, Stendhal, Georges Sand, Berlioz y muchos otros escritores, compositores y periodistas de Francia “afilaron sus plumas”.
La pintura romántica en Francia surge como oposición a la escuela clasicista de David, el arte académico, llamado "escuela" en general. Pero esto debe entenderse más ampliamente: fue la oposición a la ideología oficial de la época de la reacción, una protesta contra su estrechez de miras burguesa. De ahí el carácter patético de las obras románticas, su excitación nerviosa, su gravitación hacia motivos exóticos, hacia las tramas históricas y literarias, hacia todo lo que pueda alejarnos de la "aburrida cotidianidad", de ahí este juego de la imaginación, y en ocasiones, por el contrario, soñar despierto y falta total de actividad.
Los representantes de la “escuela”, los académicos, se rebelaron principalmente contra el lenguaje de los románticos: su color caliente y excitado, su modelado de la forma, no el habitual de los “clásicos”, estatuaria-plástica, pero construida sobre fuertes contrastes de color. lugares; su diseño expresivo, abandona deliberadamente la precisión y el pulido clásico; su composición atrevida, a veces caótica, desprovista de majestuosidad y tranquilidad inquebrantable. Ingres, el enemigo implacable de los románticos, hasta el final de su vida decía que Delacroix "escribía con una escoba loca", y Delacroix acusó a Ingres y a todos los artistas de la "escuela" de frialdad, racionalidad, falta de movimiento, que ellos no escribas, sino "pinta" tus cuadros. Pero no fue un simple choque de dos individuos brillantes y completamente diferentes, fue una lucha entre dos visiones artísticas del mundo diferentes.
Esta lucha duró casi medio siglo, el romanticismo en el arte obtuvo victorias no fácilmente ni de inmediato, y el primer artista de esta corriente fue Theodore Gericault (1791-1824), un maestro de las formas monumentales heroicas, que combinó en su obra tanto el clasicismo. rasgos y rasgos del romanticismo mismo y, finalmente, un poderoso comienzo realista, que tuvo un gran impacto en el arte del realismo a mediados del siglo XIX. Pero durante su vida, solo unos pocos amigos cercanos lo apreciaron.
Los primeros éxitos brillantes del romanticismo están asociados con el nombre de Theodore Zhariko. Ya en sus primeras pinturas (retratos de militares, imágenes de caballos), los ideales antiguos retrocedieron ante la percepción directa de la vida.
En el salón en 1812 Gericault muestra una pintura "Oficial de los guardabosques imperiales durante el ataque". Fue el año del apogeo de la gloria de Napoleón y el poder militar de Francia.
La composición de la imagen presenta al jinete en una perspectiva inusual de un momento "repentino", cuando el caballo se encabritó, y el jinete, manteniendo la posición casi vertical del caballo, se volvió hacia el espectador. La imagen de tal momento de inestabilidad, la imposibilidad de la postura mejora el efecto del movimiento. El caballo tiene un punto de apoyo, debe caer al suelo, meterse en la pelea que lo llevó a tal estado. Mucho convergieron en esta obra: la fe incondicional de Gericault en la posibilidad de poseer una persona por sí solo, el amor apasionado por la imagen de los caballos y el coraje de un maestro novato al mostrar lo que antes solo podía ser transmitido por la música o el lenguaje de la poesía - la emoción de la batalla, el comienzo de un ataque, la máxima tensión de las fuerzas de un ser vivo ... El joven autor construyó su imagen sobre la transmisión de la dinámica del movimiento, y para él era importante sintonizar al espectador con la “conjetura”, terminar de pintar con “visión interior” y sentido de lo que quería retratar.
La tradición de tal dinámica de narración pictórica del romance en Francia prácticamente no existía, excepto en los relieves de los templos góticos, porque cuando Gericault llegó por primera vez a Italia, quedó atónito por el poder oculto de las composiciones de Miguel Ángel. "Estaba temblando", escribe, "dudaba de mí mismo y durante mucho tiempo no pude recuperarme de esta experiencia". Pero Stendhal había señalado a Miguel Ángel como el precursor de una nueva tendencia estilística en el arte incluso antes en sus artículos polémicos.
La pintura de Gericault anunció no solo el nacimiento de un nuevo talento artístico, sino que también rindió homenaje al entusiasmo y la decepción del autor con las ideas de Napoleón. Varios otros trabajos están relacionados con este tema: “ Oficial de los Carabinieri ”,“ Oficial del Coracero antes del Ataque ”,“ Retrato del Carabinieri ”,“ El Coracero Herido ”.
En el tratado "Reflexión sobre el estado de la pintura en Francia" escribe que "el lujo y las artes se han convertido ... en una necesidad y, por así decirlo, en alimento para la imaginación, que es la segunda vida de una persona civilizada ... las necesidades se satisfacen cuando llega la abundancia. Un hombre, liberado de las preocupaciones cotidianas, comenzó a buscar el placer para librarse del aburrimiento, que inevitablemente lo sobrecogería en medio de la alegría.
Esta comprensión del papel educativo y humanístico del arte fue demostrada por Gericault después de regresar de Italia en 1818: comenzó a dedicarse a la litografía, replicando una variedad de temas, incluida la derrota de Napoleón ( "Regreso de Rusia").
Al mismo tiempo, el artista recurre a la representación de la muerte de la fragata "Medusa" frente a las costas de África, que emocionó a la sociedad de entonces. El desastre se debió a la culpa de un capitán sin experiencia, que fue designado para el cargo bajo patrocinio. Los pasajeros supervivientes del barco, el cirujano Savigny y el ingeniero Correar, hablaron en detalle sobre el accidente.
El barco moribundo logró arrojarse de la balsa, a la que llegó un puñado de personas rescatadas. Durante doce días fueron llevados por el mar embravecido, hasta que fueron rescatados por el barco "Argus".
Gericault estaba interesado en la situación de extrema tensión de las fuerzas físicas y espirituales humanas. La pintura mostraba a los 15 pasajeros supervivientes en la balsa cuando vieron el Argus en el horizonte. "Balsa" Medusa " fue el resultado de un largo trabajo preparatorio del artista. Hizo muchos bocetos del mar embravecido, retratos de personas rescatadas en el hospital. Al principio, Gericault quería mostrar la lucha de las personas en una balsa entre sí, pero luego se decidió por el comportamiento heroico de los vencedores del elemento del mar y la negligencia del estado. La gente soportó valientemente la desgracia y la esperanza de la salvación no los abandonó: cada grupo en la balsa tiene sus propias características. Al construir la composición, Gericault elige un punto de vista desde arriba, que le permite combinar la cobertura panorámica del espacio (las distancias del mar son visibles) y representar, muy cerca del primer plano, a todos los habitantes de la balsa. El movimiento se basa en el contraste de las figuras que yacen impotentes en primer plano y las impetuosas del grupo dando señales al barco que pasa. La claridad del ritmo del crecimiento de la dinámica de un grupo a otro, la belleza de los cuerpos desnudos, la coloración oscura del cuadro dieron una cierta nota de convencionalidad de la imagen. Pero esta no es la esencia del asunto para el espectador que percibe, para quien la convencionalidad del lenguaje incluso ayuda a comprender y sentir lo principal: la capacidad de una persona para luchar y ganar. El océano ruge. La vela gime. Las cuerdas están sonando. La balsa se resquebraja. El viento impulsa las olas y hace trizas las nubes negras.
¿No es la propia Francia, impulsada por la tormenta de la historia? - pensó Eugene Delacroix, de pie ante la imagen. “La balsa de“ Medusa ”sacudió a Delacroix, lloró y, como un loco, salió corriendo del taller de Gericault, que visitaba con frecuencia.
El arte de David no conoció tales pasiones.
Pero la vida de Gericault terminó trágicamente temprano (tenía una enfermedad terminal después de caerse de un caballo), y muchos de sus planes quedaron inconclusos.
La innovación de Gericault abrió nuevas posibilidades para transmitir el movimiento que emocionaba a los románticos, los sentimientos latentes de una persona y la expresividad texturizada colorista de la imagen.
El sucesor de Gericault en su búsqueda fue Eugene Delacroix. Es cierto que Delacroix fue lanzado el doble de su vida, y logró no solo demostrar la corrección del romanticismo, sino también bendecir una nueva dirección en la pintura, el segundo piso. Siglo XIX. - impresionismo.
Antes de empezar a escribir por su cuenta, Eugene estudió en la escuela de Lerain: pintó de la vida, copió en el Louvre a los grandes Rubens, Rembrandt, Veronese, Tiziano ... El joven artista trabajaba de 10 a 12 horas diarias. Recordó las palabras del gran Miguel Ángel: "La pintura es una amante celosa, requiere de toda la persona ..."
Delacroix, después de los discursos demostrativos de Gericault, era muy consciente de que habían llegado tiempos de fuerte conmoción emocional en el arte. Primero, intenta comprender una nueva era para él a través de conocidas tramas literarias. Su foto Dante y Virgil presentado en el salón en 1822 es un intento a través de las imágenes históricas asociativas de dos poetas: la antigüedad - Virgilio y el Renacimiento - Dante - para mirar el caldero hirviendo, el "infierno" de la era moderna. Una vez en su "Divina Comedia" Dante tomó a Virgilio como su guía en todos los ámbitos (cielo, infierno, purgatorio). En la obra de Dante, surgió un nuevo mundo renacentista a través de la experiencia de la Edad Media en la memoria de la antigüedad. El símbolo del romántico como síntesis de la antigüedad, el Renacimiento y la Edad Media surgió en el “horror” de las visiones de Dante y Virgilio. Pero una compleja alegoría filosófica resultó ser una buena ilustración emocional de la era prerrenacentista y una obra maestra literaria inmortal.
Delacroix intentará encontrar una respuesta directa en los corazones de sus contemporáneos a través de su propia angustia. Ardiendo por la libertad y el odio a los opresores, los jóvenes de esa época simpatizan con la guerra de liberación de Grecia. El romántico bardo de Inglaterra, Byron, va a luchar allí. Delacroix ve el significado de la nueva era en la descripción de un evento histórico más concreto: la lucha y el sufrimiento de la Grecia amante de la libertad. Se detiene en la trama de la muerte de la población de la isla griega de Quíos, capturada por los turcos. En el Salón de 1824, Delacroix muestra un cuadro “Masacre en la isla de Chios”. con el telón de fondo de la interminable extensión de terreno montañoso. Todavía gritando por el humo de las conflagraciones y la batalla incesante, el artista muestra varios grupos de mujeres y niños heridos y exhaustos. Se quedaron con los últimos minutos de libertad ante el acercamiento de los enemigos. Un turco sobre un caballo criado a la derecha parece colgar sobre todo el primer plano y los muchos sufrimientos que están allí. Cuerpos hermosos, rostros de gente plena. Por cierto, Delacroix escribiría más tarde que los artistas convirtieron la escultura griega en jeroglíficos, ocultando la verdadera belleza griega del rostro y la figura. Pero, revelando la “belleza del alma” en los rostros de los griegos derrotados, el pintor dramatiza los hechos que se están produciendo, que para mantener un solo ritmo dinámico de tensión, va a deformar los ángulos de la figura. . Estos "errores" ya fueron "resueltos" por la obra de Gericault, pero Delacroix vuelve a demostrar el credo romántico de que la pintura "no es la verdad de la situación, sino la verdad del sentimiento".
En 1824 Delacroix perdió a su amigo y maestro, Gericault. Y se convirtió en el líder de la nueva pintura.
Pasaron los años. Una a una fueron apareciendo las imágenes: "Grecia sobre las ruinas de Missalunga", "Muerte de Sardanapalus" y otros El artista se convirtió en un marginado en los círculos oficiales del artista. Pero la Revolución de julio de 1830 cambió la situación. Enciende al artista con el romance de victorias y logros. Pinta un cuadro “Libertad en las barricadas”.
En 1831, en el Salón de París, los franceses vieron por primera vez el cuadro de Eugene Delacroix "Libertad en las barricadas", dedicado a los "tres días gloriosos" de la Revolución de julio de 1830. Poder, democracia y coraje solución artística el lienzo causó una impresión asombrosa en los contemporáneos. Según la leyenda, un burgués respetable exclamó: “¿Dice usted - el director de la escuela? Mejor dicho: ¡el jefe de la rebelión! " Una vez cerrado el Salón, el gobierno, asustado por el formidable e inspirador atractivo que emanaba del cuadro, se apresuró a devolvérselo al autor. Durante la revolución de 1848, se volvió a exhibir públicamente en el Palacio de Luxemburgo. Y se lo devolvieron al artista de nuevo. Solo después de que el lienzo se exhibiera en la Exposición Mundial de París en 1855, terminó en el Louvre. Todavía alberga esta una de las mejores creaciones del romanticismo francés: un testimonio inspirado de un testigo ocular y un monumento eterno a la lucha del pueblo por su libertad.
¿Qué tipo de lenguaje artístico encontró el joven romántico francés para fusionar estos dos principios aparentemente opuestos: una generalización amplia y omnipresente y una realidad concreta, cruel en su desnudez?
París de los famosos días de julio de 1830. El aire está saturado de humo gris y polvo. Una ciudad hermosa y majestuosa que desaparece en una neblina de polvo. En la distancia, apenas perceptible, pero se elevan con orgullo las torres de la catedral de Notre Dame, un símbolo de la historia, la cultura y el espíritu del pueblo francés. Desde allí, desde la ciudad humeante, sobre las ruinas de las barricadas, sobre los cadáveres de sus compañeros muertos, los rebeldes dan un paso adelante obstinada y resuelta. Cada uno de ellos puede morir, pero el paso de los rebeldes es inquebrantable: están inspirados por la voluntad de victoria, de libertad.
Este poder inspirador se materializa en la imagen de una bella joven, en un impulso apasionado que la llama. Con una energía inagotable, una rapidez de movimiento libre y juvenil, es como la diosa griega.
Victoria de Nike. Su figura fuerte está vestida con un vestido de quitón, su rostro de rasgos perfectos, con ojos brillantes, se vuelve hacia los rebeldes. En una mano sostiene la bandera tricolor de Francia, en la otra, una pistola. En la cabeza hay un gorro frigio, un antiguo símbolo de liberación de la esclavitud. Su paso es rápido y ligero, así es como caminan las diosas. Al mismo tiempo, la imagen de una mujer es real: es la hija del pueblo francés. Ella es la fuerza que guía el movimiento del grupo en las barricadas. De él, como de una fuente de luz en el centro de la energía, salen rayos cargados de sed y voluntad de victoria. Quienes están más cerca de él, cada uno a su manera, expresan su participación en esta inspiradora e inspiradora llamada.
A la derecha hay un niño, un gameman parisino blandiendo pistolas. Él es el más cercano a Freedom y se enciende un poco por su entusiasmo y la alegría de un impulso libre. En un movimiento rápido e impaciente como un niño, está incluso un poco por delante de su inspirador. Este es el antecesor del mítico Gavroche, retratado veinte años después por Victor Hugo en Los Miserables: “Gavroche, lleno de inspiración, radiante, se encargó de poner todo en movimiento. Corrió de un lado a otro, subió, bajó
bajó, se levantó de nuevo, hizo ruido, centelleó de alegría. Parece que vino aquí para animar a todos. ¿Tenía algún incentivo para esto? Sí, por supuesto, su pobreza. ¿Tenía alas? Sí, por supuesto, su alegría. Fue una especie de torbellino. Parecía llenar el aire, estar presente en todas partes al mismo tiempo ... Enormes barricadas lo sentían en su cresta ".
Gavroche en la pintura de Delacroix es la personificación de la juventud, "un impulso maravilloso", una aceptación gozosa de la brillante idea de Libertad. Dos imágenes, Gavroche y Svoboda, parecen complementarse: una es un fuego, la otra es una antorcha encendida. Heinrich Heine habló de la vivaz respuesta que la figura de Gavroche evocaba entre los parisinos. "¡Maldita sea! gritó un comerciante de abarrotes "¡Estos muchachos lucharon como gigantes!"
A la izquierda hay un estudiante con una pistola. Anteriormente, se veía como un autorretrato del artista. Este rebelde no es tan rápido como Gavroche. Su movimiento es más comedido, más concentrado, significativo. Las manos agarran con confianza el cañón de la pistola, la cara expresa coraje, firme determinación de permanecer hasta el final. Ésta es una imagen profundamente trágica. El estudiante se da cuenta de la inevitabilidad de las pérdidas en las que incurrirán los rebeldes, pero las víctimas no lo asustan: la voluntad de libertad es más fuerte. Un trabajador igualmente valiente y decidido con un sable está detrás de él. Hay un herido a los pies de Freedom. Se levanta con dificultad para volver a mirar hacia arriba, a la Libertad, para ver y sentir con todo el corazón la belleza por la que perece. Esta figura trae un comienzo dramático al sonido del lienzo de Delacroix. Si las imágenes de Gavroche, Svoboda, un estudiante, un trabajador son casi símbolos, la encarnación de la voluntad inquebrantable de los luchadores por la libertad, inspiran y llaman al espectador, entonces el herido apela a la compasión. El hombre se despide de la Libertad, se despide de la vida. Sigue siendo un impulso, un movimiento, pero ya un impulso que se desvanece.
Su figura es transicional. La mirada del espectador, todavía embrujada y arrastrada por la determinación revolucionaria de los rebeldes, desciende hasta el pie de la barricada, cubierta con los cuerpos de gloriosos soldados caídos. La muerte la presenta el artista en toda la desnudez y obviedad del hecho. Vemos los rostros azules de los muertos, sus cuerpos desnudos: la lucha es despiadada, y la muerte es la misma compañera inevitable de los rebeldes, como la bella inspiradora Libertad.
¡Pero no exactamente lo mismo! Por la terrible vista en el borde inferior de la imagen, volvemos a levantar la mirada y vemos una figura joven y hermosa, ¡no! la vida gana! La idea de libertad, encarnada de manera tan visible y tangible, está tan dirigida hacia el futuro que la muerte en su nombre no es terrible.
El artista representa solo a un pequeño grupo de rebeldes, vivos y muertos. Pero los defensores de la barricada parecen inusualmente numerosos. La composición está construida de tal manera que el grupo de combatientes no está limitado, no está cerrado en sí mismo. Ella es solo una parte de una avalancha interminable de personas. El artista da, por así decirlo, un fragmento de un grupo: el marco de la imagen corta las figuras de la izquierda, la derecha, la parte inferior.
Por lo general, el color en las obras de Delacroix adquiere un sonido profundamente emocional, juega un papel dominante en la creación de un efecto dramático. Los colores, ahora furiosos, ahora desvanecidos, apagados, crean una atmósfera tensa. En Liberty on the Barricades, Delacroix se aparta de este principio. Con mucha precisión, eligiendo inequívocamente la pintura, aplicándola con trazos amplios, el artista transmite la atmósfera de la batalla.
Pero el esquema de color está restringido. Delacroix se centra en el modelado en relieve de la forma. Esto fue requerido por la solución figurativa de la imagen. Después de todo, al representar un evento específico de ayer, el artista también creó un monumento a este evento. Por tanto, las figuras son casi escultóricas. Por lo tanto, cada personaje, al ser parte de una sola imagen completa, es también algo cerrado en sí mismo, es un símbolo que se ha moldeado en una forma completa. Por lo tanto, el color no solo afecta emocionalmente los sentimientos del espectador, sino que también tiene una carga simbólica. En un espacio gris pardusco, aquí y allá, una tríada solemne de destellos rojos, azules y blancos: los colores de la bandera de la Revolución Francesa de 1789. La repetición repetida de estos colores apoya el poderoso acorde de la bandera tricolor que ondea sobre las barricadas.
La pintura de Delacroix "Libertad en las barricadas" es una obra compleja y grandiosa en su alcance. Combina la fiabilidad de un hecho visto directamente y el simbolismo de las imágenes; realismo, alcanzando el naturalismo brutal y la belleza ideal; denso, terrible y sublime, puro.
El cuadro "Libertad en las barricadas" consolidó la victoria del romanticismo en la pintura francesa. En los años 30, dos pinturas históricas más: "Batalla de Poitiers" y “El asesinato del obispo de Lieja”.
En 1822 el artista visitó el norte de África, Marruecos, Argelia. El viaje le dejó una huella imborrable. En los años 50, aparecieron pinturas en su obra, inspiradas en los recuerdos de este viaje: "Lion Hunt", "Marroquí ensillando un caballo" etc. Un color de contraste brillante crea un sonido romántico para estas imágenes. En ellos aparece la técnica de una pincelada amplia.
Delacroix, como romántico, registró el estado de su alma no solo con el lenguaje de las imágenes pintorescas, sino que también enmarcó literalmente sus pensamientos. Describió bien el proceso creativo del artista romántico, sus experimentos con el color, reflexiones sobre la relación entre la música y otras formas de arte. Sus diarios se convirtieron en la lectura favorita de los artistas de las generaciones posteriores.
La escuela romántica francesa hizo cambios significativos en el campo de la escultura (Rud y su relieve "Marsellesa"), la pintura de paisaje (Camille Corot con sus imágenes de la naturaleza de Francia en el aire).
Gracias al romanticismo, la visión subjetiva personal del artista toma la forma de una ley. El impresionismo destruirá por completo la barrera entre el artista y la naturaleza, declarando al arte una impresión. Los románticos hablan de la fantasía del artista, “la voz de sus sentimientos”, que permite detener la obra cuando el maestro lo considera necesario y no como lo exigen los estándares académicos de completitud.
Si las fantasías de Gericault se centraron en la transferencia de movimiento, Delacroix, en el poder mágico del color, y los alemanes agregaron a esto un cierto "espíritu de pintura", entonces Español Los románticos representados por Francisco Goya (1746-1828) mostraron los orígenes folclóricos del estilo, su carácter fantasmagórico y grotesco. El propio Goya y su obra se alejan de cualquier marco estilístico, sobre todo porque el artista tuvo que seguir muy a menudo las leyes del material de ejecución (cuando, por ejemplo, realizaba cuadros para tapices tejidos) o las exigencias del cliente.
Sus fantasmagorías salieron a la luz en series de grabados "Caprichos" (1797-1799),"Desastres de guerra" (1810-1820),"Disparantes (" Locura ")(1815-1820), murales en la Casa de los Sordos y la Iglesia de San Antonio de la Florida en Madrid (1798). Enfermedad grave en 1792. implicó la completa sordera del artista. El arte del maestro después del trauma físico y espiritual soportado se vuelve más enfocado, reflexivo e internamente dinámico. El mundo exterior, que estaba cerrado por la sordera, activó la vida espiritual interior de Goya.
En aguafuertes "Caprichos" Goya logra una fuerza excepcional en la transmisión de reacciones instantáneas, sentimientos impetuosos. La representación en blanco y negro, gracias a la atrevida combinación de grandes manchas, la ausencia de la linealidad característica de los gráficos, adquiere todas las propiedades de una pintura.
La pintura de la Iglesia de San Antonio en Madrid crea Goya, al parecer, de un soplo. El temperamento del trazo, el laconismo de la composición, la expresividad de las características de los personajes, cuyo tipo fue tomado por Goya directamente de la multitud, asombran. El artista representa el milagro de Anthony Florida, que hizo que el asesinado se levantara y hablara, que nombró al asesino y, por lo tanto, salvó al inocente convicto de la ejecución. Goya transmite el dinamismo de la multitud que reacciona alegremente tanto en los gestos como en la mímica de los rostros representados. En el esquema compositivo de la distribución de los murales en el espacio de la iglesia, el pintor sigue a Tiepolo, pero la reacción que evoca en el espectador no es barroca, sino puramente romántica, afectando el sentimiento de cada espectador, instándolo a volverse hacia él mismo.
Sobre todo, este objetivo se consigue en la pintura del Conto del Sordo ("Casa de los Sordos"), en la que vivió Goya desde 1819. Las paredes de las habitaciones están cubiertas con quince composiciones de carácter fantástico y alegórico. Percibirlos requiere una profunda empatía. Las imágenes aparecen como una especie de visiones de ciudades, mujeres, hombres, etc. Color, destello, saca una figura, luego otra. La pintura en su conjunto es oscura, blanca, amarilla, en ella predominan las manchas rojo-rosáceas, sensaciones perturbadoras en destellos. Grabados de la serie "Disparantes" .
Goya pasó los últimos 4 años en Francia. Es poco probable que supiera que Delacroix nunca se separó de sus Caprichos. Y no podía prever cómo Hugo y Baudelaire se dejarían llevar por estos grabados, qué enorme influencia tendría su pintura en Manet, y cómo en los años 80 del siglo XIX. V. Stasov invitará a artistas rusos a estudiar sus "Desastres de guerra"
Pero nosotros, teniendo esto en cuenta, sabemos el enorme impacto que tuvo este arte "sin estilo" del realista audaz y el romántico inspirado en la cultura artística de los siglos XIX y XX.
El fantástico mundo de los sueños también se materializa en sus obras del artista romántico inglés William Blake (1757-1827). Inglaterra fue la tierra clásica de la literatura romántica. Byron. Shelley se convirtió en el estandarte de este movimiento mucho más allá de las fronteras de la “Albion brumosa”. En Francia, en la revista crítica de las "batallas románticas" los románticos fueron llamados "Shakespeare". La principal característica de la pintura inglesa siempre ha sido el interés por la persona humana, lo que permitió que el género del retrato se desarrollara de manera fructífera. El romanticismo en la pintura está muy relacionado con el sentimentalismo. El interés de los románticos por la Edad Media dio lugar a una gran literatura histórica. El maestro reconocido es W. Scott. En la pintura, el tema de la Edad Media determinó la aparición de los llamados perafaelitas.
Ulyam Blake es un tipo increíble de romántico en la escena cultural inglesa. Escribe poesía, ilustra libros propios y ajenos. Su talento buscó abrazar y expresar el mundo en una unidad holística. Sus obras más famosas se consideran ilustraciones del bíblico Libro de Job, la Divina Comedia de Dante y El paraíso perdido de Milton. Habita sus composiciones con figuras titánicas de héroes, que corresponden a su entorno de un mundo iluminado o fantasmagórico irreal. Una sensación de orgullo rebelde o armonía difícil de crear a partir de las disonancias abruma sus ilustraciones.
Los grabados de paisajes para las Pastorales del poeta romano Virgilio parecen algo diferentes: son más idílicamente románticos que sus obras anteriores.
El romanticismo de Blake intenta encontrar su propia fórmula artística y forma de existencia del mundo.
William Blake, después de haber vivido una vida en la pobreza extrema y la oscuridad, después de su muerte se ubicó entre la multitud de clásicos del arte inglés.
En la obra de paisajistas ingleses de principios del siglo XIX. Los pasatiempos románticos se combinan con una visión más objetiva y sobria de la naturaleza.
Los paisajes románticamente elevados son creados por William Turner (1775-1851). Le encantaba retratar tormentas eléctricas, aguaceros, tormentas en el mar, atardeceres brillantes y ardientes. Turner a menudo exageraba los efectos de la iluminación e intensificaba el sonido de los colores, incluso mientras pintaba el estado tranquilo de la naturaleza. Para mayor efecto, utilizó la técnica de las acuarelas y aplicó pintura al óleo en una capa muy fina y pintó directamente sobre el suelo, logrando tonalidades iridiscentes. Un ejemplo sería la imagen. "Lluvia, vapor y velocidad"(1844). Pero incluso el conocido crítico de esa época Thackeray no pudo comprender correctamente, quizás, la imagen más innovadora tanto en diseño como en implementación. “La lluvia está indicada por manchas de masilla sucia”, escribió, “rociadas sobre el lienzo con una espátula, la luz del sol brilla tenuemente debajo de gruesos grumos de cromo amarillo sucio. Las sombras son transmitidas por tonos fríos de escarlata carmesí y manchas de cinabrio apagadas. Y aunque el fuego en el horno de la locomotora parece rojo, no presumo de decir que no fue pintado en cabalt ni en color guisante ”. Otro crítico encontró el esquema de colores de Turner “huevos revueltos y espinacas”. Los colores del difunto Turner en general parecían completamente impensables y fantásticos para los contemporáneos. Se necesitaron más de un siglo para ver el grano de las observaciones reales en ellos. Pero como en otros casos, también estuvo aquí. Se conserva una interesante historia de un testigo ocular, o más bien un testigo del nacimiento de "Lluvia, vapor y velocidad". Cierta señora Simone viajaba en un compartimento del Western Express con un anciano frente a ella. Pidió permiso para abrir la ventana, asomó la cabeza a la lluvia torrencial y estuvo en esta posición durante mucho tiempo. Cuando finalmente cerró la ventana. El agua fluía de él en arroyos, pero felizmente cerró los ojos y se reclinó, claramente disfrutando de lo que acababa de ver. Una joven curiosa decidió experimentar sus sentimientos en sí misma; también asomó la cabeza por la ventana. Ella también se mojó. Pero tuve una impresión inolvidable. Imagínense su sorpresa cuando un año después, en una exposición en Londres, vio “Rain, Steam and Speed”. Alguien detrás de ella comentó críticamente: “Extremadamente típico de Turner, cierto. Nadie ha visto jamás semejante mezcla de absurdos ". Y ella, incapaz de resistir, dijo: "Vi".
Quizás esta sea la primera representación de un tren en pintura. el punto de vista se toma desde algún lugar arriba, lo que permitió una amplia cobertura panorámica. El Western Express cruza el puente a una velocidad absolutamente excepcional para ese momento (superior a 150 km por hora). Además, este es probablemente el primer intento de representar la luz a través de la lluvia.
Arte inglés de mediados del siglo XIX. desarrollado en una dirección completamente diferente a la pintura de Turner. Aunque su habilidad fue generalmente reconocida, ninguno de los jóvenes lo siguió.
Turner ha sido considerado durante mucho tiempo el precursor del impresionismo. Parece que su búsqueda del color a partir de la luz debería haber sido desarrollada más por los artistas franceses. Pero este no es el caso en absoluto. De hecho, la opinión sobre la influencia de Turner en los impresionistas se remonta al libro de Paul Signac De Delacroix al neoimpresionismo, publicado en 1899, donde describe cómo “en 1871, durante su larga estancia en Londres, Claude Manet y Camille Pissaro descubrieron a Turner. Se maravillaron de la calidad confiada y mágica de sus colores, estudiaron su trabajo, analizaron su técnica. Al principio les asombró su interpretación de nieve y hielo, escandalizados por la forma en que logró trasmitir la sensación de la blancura de la nieve, que ellos mismos no pudieron conseguir, con la ayuda de grandes manchas de color blanco plateado, plano. colocado con pinceladas amplias. Vieron que esta impresión no se lograba solo con el encalado. Y una masa de trazos multicolores. Infligidos uno al lado del otro, lo que causó esta impresión, si se mira desde lejos ".
Durante estos años, Signac buscó por todas partes la confirmación de su teoría del puntillismo. Pero ninguna de las pinturas de Turner que los artistas franceses pudieron ver en la Galería Nacional en 1871 contiene la técnica del puntillismo descrita por Signac, al igual que no hay "manchas anchas de blanco". De hecho, la influencia de Turner en los franceses no fue más fuerte en 1870 - e, y en la década de 1890.
Paul Signac estudió a Turner con mucho cuidado, no solo como un precursor del impresionismo, sobre el que escribió en su libro, sino también como un gran artista innovador. Signac escribió a su amigo Angran sobre los últimos cuadros de Turner Lluvia, vapor y velocidad, El exilio, la mañana y la noche del diluvio: maravilloso sentido de la palabra ”.
La valoración entusiasta de Signac sentó las bases para la comprensión moderna de la búsqueda pictórica de Turner. Pero en los últimos años a veces sucede que no tienen en cuenta el subtexto y la complejidad de las direcciones de su búsqueda, seleccionando unilateralmente ejemplos de los “underpaintings” de Turner realmente inacabados, intentan descubrir en él al antecesor del impresionismo.
De todos los artistas más nuevos, naturalmente se sugiere una comparación con Monet, quien reconoció la influencia de Turner en él. Incluso hay una trama que es absolutamente similar para ambos, a saber, el portal occidental de la Catedral de Rouen. Pero si Monet nos da un boceto de la luz del sol de un edificio, no nos da el gótico, sino una especie de modelo desnudo, en Turner se comprende por qué el artista, completamente absorto en la naturaleza, se dejó llevar por este tema - en su imagen es precisamente esa combinación de la abrumadora grandeza del conjunto y el infinito lo que llama la atención, una variedad de detalles, lo que acerca la creación del arte gótico a las obras de la naturaleza.
El carácter especial de la cultura inglesa y el arte romántico abrió la posibilidad de la aparición del primer artista al aire libre que sentó las bases para la representación de la naturaleza con luz y aire en el siglo XIX: John Constable (1776-1837). El inglés Constable elige el paisaje como género principal de su pintura: “El mundo es grandioso; no hay dos días iguales ni dos horas iguales; desde la creación del mundo en un árbol no hubo dos hojas idénticas, y todas las obras de arte verdadero, como las creaciones de la naturaleza, difieren entre sí ”, dijo.
El alguacil pintó grandes bocetos al óleo al aire libre con una sutil observación de diferentes estados de la naturaleza, en los que supo trasmitir la complejidad de la vida interior de la naturaleza y su cotidianeidad. ("Vista de Highgate desde Hempstead Hills", OK. 1834; "Carro de heno", 1821; "Dethem Valley", hacia 1828) Lo logró con la ayuda de técnicas de escritura. Pintó con trazos en movimiento, a veces gruesos y rugosos, a veces más suaves y transparentes. Los impresionistas llegarán a esto sólo a finales de siglo. La pintura innovadora de Constable influyó en las obras de Delacroix, así como en todo el desarrollo del paisaje francés.
El arte de Constable, así como muchos aspectos del trabajo de Gericault, marcaron el surgimiento de una tendencia realista en el arte europeo del siglo XIX, que inicialmente se desarrolló en paralelo con el romanticismo. Más tarde, se separaron.
Los románticos abren el mundo del alma humana, individual, como nadie, pero sincero y, por tanto, cercano a toda visión sensual del mundo. La instantaneidad de la imagen en la pintura, como dijo Jelacroix, y no su consistencia en la interpretación literaria, determinó el enfoque de los artistas en la transferencia de movimiento más compleja, en aras de la cual se encontraron nuevas soluciones formales y coloristas. El romanticismo dejó un legado hasta la segunda mitad del siglo XIX. todos estos problemas y la individualidad artística, liberados de las reglas del academismo. El símbolo que tenían los románticos para expresar la combinación esencial de idea y vida, en el arte de la segunda mitad del siglo XIX. se disuelve en la polifonía de la imagen artística, capturando la diversidad de ideas y el mundo circundante.
b) Música
La idea de una síntesis de las artes encontró expresión en la ideología y la práctica del romanticismo. El romanticismo en la música tomó forma en los años 20 del siglo XIX bajo la influencia de la literatura del romanticismo y se desarrolló en estrecha relación con ella, con la literatura en general (una apelación a los géneros sintéticos, principalmente a la ópera, la canción, la miniatura instrumental y la programática musical ). La apelación al mundo interior de una persona, característica del romanticismo, se expresaba en el culto al anhelo subjetivo, emocionalmente intenso, que determinaba la supremacía de la música y la letra en el romanticismo.
Música de la 1a mitad del siglo XIX evolucionó rápidamente. Ha aparecido un nuevo lenguaje musical; en la música instrumental y vocal de cámara, las miniaturas tienen un lugar especial; la orquesta sonaba con un variado espectro de colores; las posibilidades del piano y el violín se revelaron de una manera nueva; la música de los románticos era muy virtuosa.
El romanticismo musical se manifestó en muchas ramas diferentes asociadas con diferentes culturas nacionales y con diferentes movimientos sociales. Así, por ejemplo, el estilo íntimo y lírico de los románticos alemanes y el patetismo cívico "oratorio" característico del trabajo de los compositores franceses difieren significativamente. A su vez, representantes de las nuevas escuelas nacionales surgidas sobre la base de un amplio movimiento de liberación nacional (Chopin, Moniuszko, Dvorak, Smetana, Grieg), así como representantes de la escuela de ópera italiana, estrechamente asociada al movimiento del Risorgimento (Verdi, Bellini), difieren en muchos aspectos de los contemporáneos en Alemania, Austria o Francia, en particular, la tendencia a preservar las tradiciones clásicas.
Y sin embargo, todos están marcados por algunos principios artísticos, que nos permiten hablar de una única estructura romántica de pensamiento.
Debido a la habilidad especial de la música para revelar profunda y penetrantemente el rico mundo de la experiencia humana, la estética romántica la puso en primer lugar entre otras artes. Muchos románticos enfatizaron un comienzo intuitivo de la música, atribuyéndole la capacidad de expresar lo "incognoscible". Las obras de los compositores románticos destacados tenían una sólida base realista. El interés por la vida de la gente común, la plenitud de la vida y la verdad de los sentimientos, la confianza en la música de la vida cotidiana determinaron el realismo de la creatividad de los mejores representantes del romanticismo musical. Las tendencias reaccionarias (misticismo, escape de la realidad) son inherentes solo a un número relativamente pequeño de obras románticas. Se manifestaron en parte en la ópera "Euryant" de Weber (1823), en algunos de los dramas musicales de Wagner, en el oratorio "Cristo" de Liszt (1862), y otros.
A principios del siglo XIX, aparecieron los estudios fundamentales del folclore, la historia, la literatura antigua, las leyendas medievales, el arte gótico y la cultura del Renacimiento. Fue en este momento que se formaron muchas escuelas nacionales de un tipo especial en el trabajo de composición de Europa, que estaban destinadas a expandir significativamente los límites de la cultura europea común. Ruso, que pronto ocupó, si no el primero, uno de los primeros lugares en la creatividad cultural mundial (Glinka, Dargomyzhsky, "Kuchkists", Tchaikovsky), polaco (Chopin, Moniuszko), checo (Smetana, Dvorak), húngaro (Liszt ), luego noruego (Grieg), español (Pedrell), finlandés (Sibelius), inglés (Elgar), todos ellos, fusionándose en el canal general de la creatividad del compositor europeo, de ninguna manera se opusieron a las antiguas tradiciones establecidas. Surgió un nuevo círculo de imágenes que expresaban las características nacionales únicas de la cultura nacional a la que pertenecía el compositor. La estructura de entonación de la obra permite reconocer instantáneamente de oído la pertenencia a una determinada escuela nacional.
Los compositores implican los giros de entonación del antiguo folclore predominantemente campesino de sus países en el lenguaje musical europeo común. Ellos, por así decirlo, limpiaron la canción popular rusa de ópera lacada, introdujeron giros de canciones de géneros populares en el sistema de entonación cosmopolita del siglo XVIII. El fenómeno más llamativo de la música del romanticismo, que se percibe con especial claridad cuando se compara con la esfera figurativa del clasicismo, es el predominio del principio lírico y psicológico. Por supuesto, un rasgo distintivo del arte musical en general es la refracción de cualquier fenómeno a través de la esfera de los sentimientos. La música de todas las épocas está sujeta a este patrón. Pero los románticos superaron a todos sus predecesores en el significado del principio lírico en su música, en fuerza y perfección para transmitir las profundidades del mundo interior de una persona, los matices más sutiles del estado de ánimo.
El tema del amor ocupa un lugar dominante en él, porque es este estado de ánimo el que refleja de manera más completa y completa todas las profundidades y matices de la psique humana. Pero es muy característico que este tema no se limite a los motivos del amor en el sentido literal de la palabra, sino que se identifique con la más amplia gama de fenómenos. Las vivencias puramente líricas de los héroes se revelan en el contexto de un amplio panorama histórico. El amor de una persona por su hogar, por su patria, por su gente - un hilo continuo recorre la obra de todos los compositores - románticos.
En las obras musicales de pequeñas y grandes formas se le da un lugar enorme a la imagen de la naturaleza, estrecha e inextricablemente entrelazada con el tema de la confesión lírica. Como las imágenes del amor, la imagen de la naturaleza personifica el estado mental del héroe, tan a menudo teñido por un sentimiento de falta de armonía con la realidad.
El tema de la fantasía compite a menudo con las imágenes de la naturaleza, probablemente generadas por el deseo de escapar del cautiverio. vida real... Típico de los románticos es la búsqueda de un mundo maravilloso, resplandeciente con la riqueza de los colores, que se opone al gris de la vida cotidiana. Fue durante estos años que la literatura se enriqueció con cuentos de hadas, baladas de escritores rusos. Para los compositores de la escuela romántica, las imágenes fabulosas y fantásticas adquieren un color nacional único. Las baladas están inspiradas en escritores rusos, y gracias a ello se crean obras de un fantástico plan grotesco, que simbolizan, por así decirlo, el lado sórdido de la fe, buscando romper las ideas del miedo a las fuerzas del mal.
Numerosos compositores románticos también aparecieron como escritores y críticos musicales (Weber, Berlioz, Wagner, Liszt, etc.). El trabajo teórico de los representantes del romanticismo progresista hizo una contribución muy significativa al desarrollo de los temas más importantes del arte musical. El romanticismo encontró expresión en las artes escénicas (violinista Paganini, cantante A. Nurri, etc.).
El significado progresivo del romanticismo durante este período radica principalmente en las actividades Franz Liszt... La creatividad de Liszt, a pesar de la cosmovisión contradictoria, fue fundamentalmente progresista, realista. Uno de los fundadores y clásico de la música húngara, destacado artista nacional.
En muchas de las obras de Liszt, los temas nacionales húngaros se reflejan ampliamente. Las composiciones románticas y virtuosas de Liszt ampliaron las posibilidades técnicas y expresivas de tocar el piano (conciertos, sonatas). Las conexiones de Liszt con representantes de la música rusa fueron significativas, cuyas obras promovió activamente.
Al mismo tiempo, Liszt jugó un papel importante en el desarrollo del arte musical mundial. Después de Liszt “todo fue posible para el piano”. Los rasgos característicos de su música son la improvisación, la elevación romántica de los sentimientos, la melodía expresiva. Liszt es apreciado como compositor, intérprete y figura musical. Principales obras del compositor: ópera “ Don Sancho o el castillo del amor"(1825), 13 poemas sinfónicos" Tasso ”, ” Prometeo ”, “Aldea Y otros, obras para orquesta, 2 conciertos para piano y orquesta, 75 romances, coros y otras obras no menos famosas.
Una de las primeras manifestaciones del romanticismo en la música fue la creatividad. Franz Schubert(1797-1828). Schubert pasó a la historia de la música como el más grande de los fundadores del romanticismo musical y el creador de varios géneros nuevos: sinfonía romántica, piano en miniatura, canción lírico-romántica (romance). De mayor importancia en su obra es canción, en el que mostró especialmente muchas tendencias innovadoras. En las canciones de Schubert, el mundo interior de una persona se revela más profundamente, la conexión con la música popular cotidiana es más notable para él, una de las características más importantes de su talento se manifiesta con mayor claridad: la asombrosa variedad, la belleza , encanto de melodías. Las mejores canciones del período inicial incluyen " Margarita en la rueca ”(1814) , “Rey del bosque”. Ambas canciones están escritas con letra de Goethe. En el primero de ellos, la niña abandonada recuerda a su amado. Ella está sola y profundamente dolorida, su canción es triste. La melodía simple y conmovedora solo se hace eco del monótono zumbido de la brisa. “The Forest King” es una pieza compleja. Esta no es una canción, sino una escena dramática, donde tres personajes aparecen ante nosotros: un padre galopando a caballo por el bosque, un niño enfermo que lleva consigo y un formidable rey del bosque que se le aparece a un niño en un delirio febril. Cada uno de ellos está dotado de su propio lenguaje melódico. No menos famosas y queridas son las canciones de Schubert "Trout", "Barcarolla", "Morning Serenade". Escritas en años posteriores, estas canciones se distinguen por una melodía sorprendentemente simple y expresiva, de colores frescos.
Schubert también escribió dos ciclos de canciones: " Molinero encantador"(1823), y" Camino de invierno”(1872) - según las palabras del poeta alemán Wilhelm Müller. En cada uno de ellos, las canciones están unidas por una trama. Las canciones del ciclo "The Beautiful Miller" hablan de un niño. Siguiendo la corriente del arroyo, emprende un viaje en busca de su felicidad. La mayoría de las canciones de este ciclo tienen un carácter ligero. El ambiente del ciclo "Camino de invierno" es completamente diferente. El joven pobre es rechazado por la novia rica. Desesperado, deja su ciudad natal y se va a vagar por el mundo. Sus compañeros son el viento, una ventisca, cuervos que croan siniestramente.
Los pocos ejemplos que se dan aquí nos permiten hablar sobre las peculiaridades de la composición de canciones de Schubert.
A Schubert le gustaba mucho escribir musica para piano... Para este instrumento escribió una gran cantidad de obras. Al igual que las canciones, sus obras para piano estaban cerca de la música cotidiana y eran igualmente simples y comprensibles. Los géneros favoritos de sus composiciones fueron bailes, marchas y, en los últimos años de su vida, improvisado.
Los valses y otros bailes solían aparecer con Schubert en bailes, paseos por el campo. Allí los improvisó y los grabó en casa.
Si comparas las piezas para piano de Schubert con sus canciones, puedes encontrar muchas similitudes. En primer lugar, es una gran expresividad melódica, gracia, yuxtaposición colorida de mayor y menor.
Uno de los más largos francés compositores de la segunda mitad del siglo XIX fue Georges Bizet, creador de una creación inmortal para el teatro musical - ópera “Carmen"Y música maravillosa para el drama de Alphonse Daudet" Arlesiano ”.
La obra de Bizet se caracteriza por la precisión y claridad de pensamiento, la novedad y frescura de los medios expresivos, la integridad y la gracia de las formas. Bizet se caracteriza por la agudeza del análisis psicológico en la comprensión de los sentimientos y acciones humanas, característica del trabajo de los grandes compatriotas del compositor: los escritores Balzac, Flaubert, Maupassant. El lugar central en la obra de Bizet, diversa en géneros, pertenece a la ópera. El arte operístico del compositor surgió en suelo nacional y se nutrió de las tradiciones de la ópera francesa. Bizet creía que la primera tarea de su trabajo era superar las limitaciones de género existentes en la ópera francesa que dificultan su desarrollo. La ópera “Bolshoi” le parece un género muerto, lírico: irrita con su llanto y su estrechez de miras filistea, el cómic merece más atención que otros. Por primera vez en la ópera de Bizet, la vida cotidiana jugosa y animada y las escenas de la multitud aparecen en la ópera, anticipando la vida y las escenas vívidas.
Música de Bizet al drama de Alphonse Daudet "Arlesiano Es conocida principalmente por dos salas de conciertos, compuestas por sus mejores temas. Bizet utilizó unas auténticas melodías provenzales : "Marcha de los Reyes Magos" y "Danza de caballos juguetones".
Opera Bizet " Carmen”Es un drama musical que despliega ante el espectador con veracidad contundente y con fuerza artística sobrecogedora la historia del amor y muerte de sus héroes: el soldado José y la gitana Carmen. Opera Carmen se creó sobre la base de las tradiciones del teatro musical francés, pero al mismo tiempo trajo muchas cosas nuevas. Apoyándose en los mejores logros de la ópera nacional y reformando sus elementos más importantes, Bizet creó un nuevo género: el drama musical realista.
En la historia del teatro de ópera del siglo XIX, la ópera "Carmen" ocupa uno de los primeros lugares. Desde 1876, su procesión triunfal comienza en los escenarios de los teatros de ópera de Viena, Bruselas, Londres.
La manifestación de una actitud personal hacia el medio ambiente se expresó en poetas y músicos, ante todo, en la espontaneidad, “apertura” emocional y pasión del enunciado, en el deseo de convencer al oyente con la ayuda de la incesante tensión del tono de confesión o confesión.
Estas nuevas tendencias en el arte tuvieron una influencia decisiva en la aparición ópera lírica... Surgió como la antítesis de la ópera “grande” y cómica, pero no podía ignorar sus conquistas y logros en el campo del drama operístico y los medios de expresión musical.
Una característica distintiva del nuevo género de ópera es la interpretación lírica de cualquier trama literaria, sobre un tema histórico, filosófico o contemporáneo. Los héroes de la ópera lírica están dotados de los rasgos de la gente corriente, desprovistos de la exclusividad y alguna exageración característica de una ópera romántica. El artista más significativo en el campo de la ópera lírica fue Charles Gounod.
Entre el patrimonio de ópera bastante numeroso de Gounod, la ópera “ Fausto " ocupa un lugar especial y, podría decirse, excepcional. Su fama y popularidad mundial es incomparable con ninguna de las otras óperas de Gounod. Significado histórico La ópera Fausto es especialmente grandiosa porque no solo fue la mejor, sino esencialmente la primera entre las óperas de la nueva dirección, sobre la cual escribió Tchaikovsky: “Es imposible negar que Fausto fue escrito, si no brillantemente, luego con una habilidad extraordinaria. e identidad ". La imagen de Fausto suaviza la aguda contradicción y la “dualidad” de su conciencia, la eterna insatisfacción provocada por el deseo de conocer el mundo. Gounod fue incapaz de transmitir toda la versatilidad y complejidad de la imagen del Mefistófeles de Goethe, que encarnaba el espíritu de la crítica militante de esa época.
Una de las principales razones de la popularidad de "Fausto" fue que concentró las mejores y fundamentalmente nuevas características del joven género de la ópera lírica: una transmisión emocionalmente directa y vívidamente individual del mundo interior de los héroes de la ópera. El profundo significado filosófico de "Fausto" de Goethe, que buscaba revelar los destinos históricos y sociales de toda la humanidad sobre el ejemplo del conflicto de los personajes principales, fue encarnado por Gounod en la forma de un drama lírico humano de Marguerite y Fausto. .
Compositor, director de orquesta y crítico musical francés Héctor Berlioz Ingresó en la historia de la música como un importante compositor romántico, creador de un programa sinfónico, innovador en el campo de la forma musical, la armonía y especialmente la instrumentación. En su trabajo, encontraron una vívida encarnación de los rasgos del patetismo revolucionario y el heroísmo. Berlioz conocía a M. Glinka, cuya música apreciaba mucho. Mantuvo una relación amistosa con los líderes del "Mighty Handful", que aceptó con entusiasmo sus obras y principios creativos.
Creó 5 obras musicales escénicas, entre ellas la ópera “ Benvenuto Cillini ”(1838), “ Troyanos ”,”Beatriz y Benedicto”(Basado en la comedia de Shakespeare“ Mucho ruido y pocas nueces ”, 1862); 23 obras vocales y sinfónicas, 31 romances, coros, escribió los libros “El gran tratado de instrumentación y orquestación modernas” (1844), “Veladas en la orquesta” (1853), “A través de las canciones” (1862), “Curiosidades musicales ”(1859),“ Memorias ”(1870), artículos, reseñas.
alemán compositor, director de orquesta, dramaturgo, publicista Richard Wagner pasó a la historia de la cultura musical mundial como uno de los más grandes creadores musicales y grandes reformadores del arte operístico. El objetivo de sus reformas era crear una obra vocal y sinfónica programática monumental en forma dramática, diseñada para reemplazar todo tipo de ópera y música sinfónica. Tal trabajo fue un drama musical, en el que la música fluye en una corriente continua, fusionando todos los vínculos dramáticos. Habiendo abandonado el canto terminado, Wagner los reemplazó con una especie de recitativo emocionalmente rico. Un lugar importante en las óperas de Wagner lo ocupan los episodios orquestales independientes, que son una valiosa contribución a la música sinfónica mundial.
La mano de Wagner posee 13 óperas: “ El holandés errante "(1843)," Tannhäuser "(1845)," Tristán e Isolda "(1865)," El oro del Rin "(1869) y etc.; coros, piezas para piano, romances.
Otro destacado compositor, director de orquesta, pianista, profesor y figura musical alemán fue Felix Mendelssohn-Bartholdy... A los 9 años comenzó a actuar como pianista, a los 17 creó una de las obras maestras: la obertura de la comedia ”. C él está en una noche de verano " Shakespeare. En 1843 fundó el primer conservatorio de Alemania en Leipzig. En la obra de Mendelssohn, "un clásico entre los románticos", los rasgos románticos se combinan con la estructura clásica del pensamiento. Su música se caracteriza por melodía brillante, democratismo de expresión, moderación de sentimientos, calma de pensamiento, predominio de emociones brillantes, estados de ánimo líricos, no sin un ligero toque de sentimentalismo, impecabilidad de formas y destreza brillante. R. Schumann lo llamó "Mozart del siglo XIX", G. Heine - "un milagro musical".
Autor de sinfonías románticas de paisajes ("escoceses", "italianos"), programa de oberturas de conciertos, un concierto popular para violín, ciclos de piezas para piano "Canción sin palabras"; ópera "La boda de Camacho". Escribió la música para la representación dramática "Antígona" (1841), "Edipo en Colón" (1845) de Sófocles, "Atalia" de Racine (1845), "Sueño de una noche de verano" de Shakespeare (1843 ) y otros; oratorios "Paul" (1836), "Elijah" (1846); 2 conciertos para piano y 2 para violín.
V italiano cultura musical un lugar especial pertenece a Giuseppe Verdi, un destacado compositor, director y organista. El área principal del trabajo de Verdi es la ópera. Actuó principalmente como exponente de los sentimientos heroico-patrióticos y las ideas de liberación nacional del pueblo italiano. En años posteriores, prestó atención a los dramáticos conflictos generados por la desigualdad social, la violencia, la opresión, denunció el mal en sus óperas. Rasgos característicos de la obra de Verdi: nacionalidad de la música, temperamento dramático, brillo melódico, comprensión de las leyes del escenario.
Escribió 26 óperas: “ Nabucco "," Macbeth "," Trovador "," La Traviata "," Otelo "," Aida" y etc . , 20 romances, conjuntos vocales .
Joven noruego compositor Edvard Grieg (1843-1907) se esforzó por desarrollar la música nacional. Esto se expresó no solo en su trabajo, sino también en la promoción de la música noruega.
Durante sus años en Copenhague, Grieg escribió mucha música: “ Cuadros poéticos " y "Humoresques" sonata para piano y primera sonata para violín, canciones. Con cada nueva obra, la imagen de Grieg como compositor noruego se vuelve más clara. En la delicada lírica "Imágenes poéticas" (1863), los rasgos nacionales todavía se abren paso tímidamente. La figura rítmica se encuentra a menudo en la música folclórica noruega; se convirtió en una característica de muchas de las melodías de Grieg.
El trabajo de Grieg es vasto y multifacético. Grieg escribió obras de varios géneros. El Concierto para piano y baladas, tres sonatas para violín y piano y una sonata para violonchelo y piano, el cuarteto da testimonio del constante anhelo de Grieg por la gran forma. Al mismo tiempo, el interés del compositor por las miniaturas instrumentales se mantuvo sin cambios. En la misma medida que el piano, el compositor se sintió atraído por la miniatura vocal de cámara: un romance, una canción. No seas el principal para Grieg, el área de la creatividad sinfónica está marcada por obras maestras como las suites ” Per Gounod ”, “De la época de Holberg”. Uno de los tipos característicos de la obra de Grieg es el procesamiento de canciones y bailes populares: en forma de piezas simples de piano, un ciclo de suite para piano a cuatro manos.
El lenguaje musical de Grieg es distintivo. La individualidad del estilo del compositor está determinada sobre todo por su profunda conexión con la música folclórica noruega. Grieg hace un uso extensivo de características de género, estructura de entonación, fórmulas rítmicas de canciones populares y melodías de baile.
El notable dominio de la variación y el desarrollo de la variación de la melodía de Grieg se basa en tradiciones populares repetición repetida de la melodía con sus cambios. "He grabado la música folclórica de mi país". Detrás de estas palabras se esconde la actitud reverente de Grieg hacia el arte popular y el reconocimiento de su papel decisivo para su propia creatividad.
7. CONCLUSIÓN
Con base en lo anterior, se pueden sacar las siguientes conclusiones:
El surgimiento del romanticismo estuvo influenciado por tres eventos principales: la Gran Revolución Francesa, las Guerras Napoleónicas, el surgimiento del movimiento de liberación nacional en Europa.
El romanticismo como método y dirección en la cultura artística fue un fenómeno complejo y contradictorio. En todos los países, tenía una viva expresión nacional. Los románticos ocuparon diferentes posiciones sociales y políticas en la sociedad. Todos se rebelaron contra los resultados de la revolución burguesa, pero se rebelaron de diferentes formas, ya que cada uno tenía su propio ideal. Pero a pesar de la multiplicidad y la diversidad, el romanticismo tiene características estables:
Todos ellos procedían de la negación de la Ilustración y los cánones racionalistas del clasicismo, que encadenaban la iniciativa creativa del artista.
Descubrieron el principio del historicismo (los ilustradores juzgaban el pasado de una manera antihistórica para ellos era "razonable" e "irrazonable"). Vimos en el pasado personajes humanos moldeados por su época. El interés por el pasado nacional dio lugar a muchas obras históricas.
Interés por una personalidad fuerte que se opone a todo el mundo que lo rodea y confía solo en ella misma.
Atención al mundo interior de una persona.
El romanticismo se desarrolló ampliamente tanto en Europa occidental como en Rusia. Sin embargo, el romanticismo en Rusia se diferenciaba del europeo occidental en aras de un entorno histórico diferente y una tradición cultural diferente. La verdadera razón del surgimiento del romanticismo en Rusia fue la Guerra Patriótica de 1812, en la que se manifestó toda la fuerza de la iniciativa popular.
Características del romanticismo ruso:
El romanticismo no se opuso a la Ilustración. La ideología educativa se debilitó, pero no colapsó, como en Europa. El ideal de un monarca ilustrado no se ha agotado.
El romanticismo se desarrolló en paralelo con el clasicismo, a menudo entrelazándose con él.
El romanticismo en Rusia en diferentes tipos de arte se ha mostrado de diferentes maneras. En arquitectura, no fue leído en absoluto. En pintura, se secó a mediados del siglo XIX. Se manifestó solo parcialmente en la música. Quizás solo en la literatura el romanticismo se manifestó de manera consistente.
En las artes visuales, el romanticismo se manifestó más claramente en la pintura y los gráficos, y menos expresivamente en la escultura y la arquitectura.
Los románticos abren el mundo del alma humana, individual, como nadie, pero sincero y, por tanto, cercano a toda visión sensual del mundo. La instantaneidad de la imagen en la pintura, como decía Delacroix, y no su consistencia en la interpretación literaria, determinó el enfoque de los artistas en la transferencia de movimiento más compleja, en aras de la cual se encontraron nuevas soluciones formales y coloristas. El romanticismo dejó un legado hasta la segunda mitad del siglo XIX. todos estos problemas y la individualidad artística, liberados de las reglas del academismo. El símbolo que tenían los románticos para expresar la combinación esencial de idea y vida, en el arte de la segunda mitad del siglo XIX. se disuelve en la polifonía de la imagen artística, capturando la diversidad de ideas y el mundo circundante. El romanticismo en la pintura está estrechamente relacionado con el sentimentalismo.
Gracias al romanticismo, la visión subjetiva personal del artista toma la forma de una ley. El impresionismo destruirá por completo la barrera entre el artista y la naturaleza, declarando al arte una impresión. Los románticos hablan de la fantasía del artista, “la voz de sus sentimientos”, que permite detener la obra cuando el maestro lo considera necesario y no como lo exigen los estándares académicos de completitud.
El romanticismo dejó toda una era en la cultura artística mundial, sus representantes fueron: en la literatura rusa Zhukovsky, A. Pushkin, M. Lermontov, etc.; en las bellas artes de E. Delacroix, T. Gericault, F. Runge, J. Constable, W. Turner, O. Kiprensky, A. Venetsianov, A. Orlorsky, V. Tropinin y otros; en música F. Schubert, R. Wagner, G. Berlioz, N. Paganini, F. Liszt, F. Chopin y otros. Descubrieron y desarrollaron nuevos géneros, prestaron mucha atención al destino de la persona humana, revelaron la dialéctica de el bien y el mal, las pasiones humanas magistralmente reveladas, etc.
Las formas de arte en su importancia más o menos igualaron y produjeron magníficas obras de arte, aunque los románticos en la escala de las artes dieron prioridad a la música.
El romanticismo en Rusia como percepción del mundo existió en su primera ola desde finales del siglo XVIII hasta la década de 1850. La línea del romántico en el arte ruso no terminó en la década de 1850. Inaugurada por románticos para el arte, el tema del estado de desarrollo se desarrolló posteriormente entre los artistas de la "Rosa Azul". Los herederos directos de los románticos fueron sin duda los simbolistas. Temas románticos, motivos, técnicas expresivas ingresaron al arte de diferentes estilos, tendencias, asociaciones creativas. La perspectiva romántica o cosmovisión resultó ser una de las más vivaces, tenaces y fructíferas.
El romanticismo como actitud general, característica principalmente de los jóvenes, como lucha por el ideal y la libertad creativa, sigue viviendo constantemente en el arte mundial.
8. REFERENCIAS
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Introducción
Capítulo 1. El romanticismo como tendencia en el arte
1.1 Las principales características del romanticismo
1.2 Romanticismo en Rusia
Capítulo 2. Romanticismo ruso en la literatura, la pintura y el arte teatral
2.2 Romanticismo en las artes visuales
2.3 Romanticismo en las artes escénicas
Conclusión
Lista bibliográfica
Aplicaciones
INTRODUCCIÓN
Relevancia del tema de investigación. El siglo XIX ocupa un lugar especial en la historia de la cultura rusa. Este es el momento del auge de la educación nacional, los mayores logros científicos, el brillante florecimiento de todo tipo de arte. Durante este período, se crearon valores artísticos de importancia duradera.
El estudio del proceso cultural, las características de la vida espiritual y las tradiciones cotidianas enriquece significativamente nuestra comprensión de una determinada etapa del desarrollo histórico. Al mismo tiempo, la comprensión del patrimonio cultural es igualmente necesaria en la vida moderna. Los temas históricos y culturales se están convirtiendo en uno de los factores determinantes del ámbito ideológico, adquiriendo especial significación durante el período del vacío ideológico que se ha formado en nuestro país en los últimos años.
El romanticismo echó raíces en la vida bajo la influencia de ciertas circunstancias sociohistóricas y penetró profundamente en la conciencia de las personas de esa época, capturando diversas esferas de actividad mental. Los escritores de humor romántico se esforzaron por liberar al individuo de su esclavitud por las circunstancias sociales y materiales. Soñaban con una sociedad en la que las personas no estuvieran atadas por lazos materiales, sino espirituales.
Las tendencias sociales en el trabajo de los románticos son el resultado de su actitud crítica ante la realidad. Son muy conscientes de los "defectos" del sistema esclavista y feudal. De ahí los sueños de los románticos sobre la existencia extrasocial, sobre la edad de oro de la humanidad, cuando las leyes sociales colapsarán y entrarán en vigor lazos espirituales puramente humanos.
Los románticos también fueron críticos con la historia. Su desarrollo no fue acompañado, según su observación, por el crecimiento de la libertad espiritual. De ahí el culto al "estado natural" en el romanticismo, la retirada al pasado prehistórico de la vida de los pueblos, cuando las leyes de la naturaleza estaban en vigor, y no las instituciones artificiales de una civilización corrupta. Los románticos no eran socialmente pasivos. Criticaron una sociedad en la que se sacrificaba lo espiritual por lo material. Fue una protesta contra la infracción espiritual del individuo en las condiciones de la realidad feudal y luego burguesa.
En su desarrollo, el romanticismo ruso avanzó por el camino de un acercamiento cada vez más cercano a la vida. Estudiando la realidad, en su concreta originalidad histórica, nacional, los románticos revelaron paulatinamente los secretos del proceso histórico. Rechazando el punto de vista providencialista, comenzaron a buscar los resortes del desarrollo histórico en los factores sociales. La historia aparece en su obra como un escenario de lucha entre las fuerzas de la oscuridad y la luz, la tiranía y la libertad.
La idea del historicismo, la atención al destino trágico de las personas, el elemento de lo subjetivo, la riqueza humanística de la creatividad, la lucha por el ideal, el enriquecimiento de la paleta artística debido a la introducción de métodos condicionales de representar la vida, la aprobación el impacto educativo del arte en una persona y mucho más, que es característico del romanticismo, tuvo una influencia fructífera en el desarrollo del realismo del siglo XIX.
Los románticos de ninguna manera reducen la tarea al conocimiento de la realidad, notando así la especificidad del romanticismo en comparación con la ciencia. En sus discursos programáticos, se centran en la función humanística y educativa del arte, explicando así su gran trascendencia social. Resolviendo sus tareas artísticas específicas, los pensadores de la corriente romántica penetraron profundamente en la esencia epistemológica del arte y revelaron su ley más importante. Su gran mérito radica en determinar el lugar y el papel del principio subjetivo en la creación artística.
Lo romántico, sin el cual el arte pierde su verdadera esencia, es, ante todo, un ideal estético, de naturaleza humanista, que incluye las ideas del artista sobre una vida maravillosa y una persona maravillosa.
Objeto de investigación: el romanticismo ruso como tendencia en el arte.
Objeto de investigación: los principales componentes de la cultura rusa de la primera mitad del siglo XIX (literatura, artes visuales y teatrales)
El objetivo de la investigación es analizar las características del romanticismo en el arte ruso del siglo XIX.
- Examinar la literatura sobre el tema de investigación;
- Considere las principales características del romanticismo como fenómeno artístico;
- Determinar las características del romanticismo ruso;
- Estudiar el fenómeno del romanticismo en la literatura, el arte fino y teatral de Rusia en el siglo XIX.
Revisión de la literatura: en la redacción de este estudio se utilizaron los trabajos de muchos autores. Por ejemplo, el libro de N.I. Yakovkina. "La historia de la cultura rusa. Siglo XIX" está dedicada al período más brillante y fructífero de la vida cultural de Rusia - Siglo XIX, abarca el desarrollo de la educación, la literatura, las bellas artes, el teatro. El fenómeno del romanticismo se considera en esta obra con gran detalle y es accesible.
Estructura del estudio: trabajo del curso consta de una introducción, dos capítulos, una bibliografía y anexos.
CAPÍTULO 1. EL ROMANCE COMO DIRECCIÓN EN EL ARTE
1.1 Las principales características del romanticismo
El romanticismo - (romantisme francés, del romántico francés medieval - novela) es una tendencia en el arte que surgió en el marco del movimiento literario general a finales de los siglos XVIII y XIX. en Alemania. Se extendió por todos los países de Europa y América. El pico más alto del romanticismo cae en el primer cuarto del siglo XIX.
La palabra francesa romantisme se remonta al romance español (en la Edad Media se llamaba así a los romances españoles, y luego al romance caballeresco), el romántico inglés, que se convirtió en el siglo XVIII. en romantique y luego significa "extraño", "fantástico", "pintoresco". A principios del siglo XIX. el romanticismo se convierte en la designación de una nueva dirección, opuesta al clasicismo.
Al entrar en la antítesis del "clasicismo" - "romanticismo", la dirección presuponía la oposición del requisito clasicista de las reglas a la libertad romántica de las reglas. El centro del sistema artístico del romanticismo es la personalidad, y su principal conflicto es la personalidad y la sociedad. Los acontecimientos de la Gran Revolución Francesa se convirtieron en el requisito previo decisivo para el desarrollo del romanticismo. El surgimiento del romanticismo está asociado con el movimiento anti-ilustración, cuyas razones radican en la desilusión con la civilización, en el progreso social, industrial, político y científico, que resultó en nuevos contrastes y contradicciones, nivelación y devastación espiritual del individuo.
La Ilustración predicó la nueva sociedad como la más "natural" y "razonable". Las mejores mentes de Europa justificaron y presagiaron esta sociedad del futuro, pero la realidad resultó estar más allá del control de la "razón", el futuro: impredecible, irracional, y la estructura social moderna comenzó a amenazar la naturaleza humana y su libertad personal. El rechazo a esta sociedad, la protesta contra la falta de espiritualidad y el egoísmo se refleja ya en el sentimentalismo y el prerromántico. El romanticismo expresa este rechazo de la manera más tajante. El romanticismo se opuso a la Ilustración también verbalmente: el lenguaje de las obras románticas, que buscaba ser natural, "simple", accesible a todos los lectores, era algo opuesto a los clásicos con sus temas nobles, "sublimes", característicos, por ejemplo, de la tragedia clásica. .
Entre los románticos tardíos de Europa occidental, el pesimismo en relación con la sociedad adquiere proporciones cósmicas, se convierte en la "enfermedad del siglo". Los héroes de muchas obras románticas se caracterizan por estados de ánimo de desesperanza y desesperación, que adquieren un carácter humano universal. La perfección se pierde para siempre, el mundo está gobernado por el mal, el caos antiguo está resucitando. El tema del "mundo aterrador", característico de toda la literatura romántica, se encarnó más vívidamente en el llamado "género negro" (en la "novela gótica" prerromántica - A. Radcliffe, C. Maturin, en el " drama de rock "o" tragedia del rock "- Werner, G. Kleist, F. Grillparzer), así como en las obras de Byron, C. Brentano, E. T. A. Hoffmann, E. Poe y N. Hawthorne.
Al mismo tiempo, el romanticismo se basa en ideas que desafían el "mundo terrible", sobre todo, las ideas de libertad. La decepción del romanticismo es una decepción en la realidad, pero el progreso y la civilización son solo una cara. El rechazo de este lado, la falta de fe en las posibilidades de la civilización abren otro camino, un camino hacia lo ideal, hacia lo eterno, hacia lo absoluto. Este camino debe resolver todas las contradicciones, cambiar la vida por completo. Este es el camino hacia la perfección, "hacia la meta, cuya explicación debe buscarse al otro lado de lo visible" (A. de Vigny). Para algunos románticos, fuerzas incomprensibles y misteriosas dominan el mundo, que deben ser obedecidas y no intentar cambiar el destino (Chateaubriand, V.A. Zhukovsky). Para otros, el "mal mundial" provocó una protesta, exigió venganza, lucha (temprano A.S. Pushkin). Lo que todos tenían en común era que todos veían una sola esencia en el hombre, cuya tarea no se reduce en absoluto a resolver problemas cotidianos. Por el contrario, sin negar la vida cotidiana, los románticos buscaron desentrañar el misterio de la existencia humana, volviéndose hacia la naturaleza, confiando en su sentimiento religioso y poético.
El héroe romántico es una personalidad compleja y apasionada, cuyo mundo interior es inusualmente profundo, interminable; es todo un universo lleno de contradicciones. Los románticos estaban interesados en todas las pasiones, tanto altas como bajas, que se oponían entre sí. La gran pasión es el amor en todas sus manifestaciones, la baja pasión es la codicia, la ambición, la envidia. La práctica material de base de los románticos se oponía a la vida del espíritu, especialmente la religión, el arte, la filosofía. Interés en sentimientos fuertes y vívidos, pasiones que lo consumen todo, en movimientos secretos del alma: estos son los rasgos característicos del romanticismo.
Puede hablar del romance como un tipo especial de personalidad: una persona de fuertes pasiones y grandes aspiraciones, incompatible con el mundo cotidiano. Esta naturaleza va acompañada de circunstancias excepcionales. La ficción, la música folclórica, la poesía, las leyendas se vuelven atractivas para los románticos, todo lo que durante siglo y medio se consideró como géneros menores, no dignos de atención. El romanticismo se caracteriza por la afirmación de la libertad, la soberanía del individuo, una mayor atención a lo singular, único en el hombre, el culto al individuo. La confianza en la autoestima de una persona se convierte en una protesta contra el destino de la historia. A menudo, el héroe de una obra romántica es un artista capaz de percibir creativamente la realidad. La "imitación de la naturaleza" clasicista se opone a la energía creativa del artista transformador de la realidad. Se crea un mundo especial, más hermoso y real que la realidad percibida empíricamente. Es la creatividad el significado de la existencia, es el valor más alto del universo. Los románticos defendieron con pasión la libertad creativa del artista, su fantasía, creyendo que el genio del artista no obedece las reglas, sino que las crea.
Los románticos se volvieron hacia diferentes épocas históricas, se sintieron atraídos por su originalidad, atraídos por países y circunstancias exóticos y misteriosos. El interés por la historia se ha convertido en una de las conquistas más duraderas del sistema artístico del romanticismo. Se expresó en la creación del género de la novela histórica, cuyo fundador es considerado W. Scott, y en general de la novela, que adquirió una posición de liderazgo en la época considerada. Los románticos reproducen en detalle y con precisión los detalles históricos, los antecedentes, el sabor de una época en particular, pero los personajes románticos se dan fuera de la historia, ellos, por regla general, están por encima de las circunstancias y no dependen de ellas. Al mismo tiempo, los románticos percibieron la novela como un medio para comprender la historia, y de la historia pasaron a la penetración en los secretos de la psicología y, en consecuencia, la modernidad. El interés por la historia también se reflejó en las obras de los historiadores de la escuela romántica francesa (O. Thierry, F. Guizot, F.O. Meunier).
Fue en la era del romanticismo cuando se descubrió la cultura de la Edad Media, y la admiración por la antigüedad, característica de la era pasada, tampoco disminuyó a fines del siglo XVIII y principios del siglo XX. Siglos XIX. La variedad de características nacionales, históricas e individuales también tenía un significado filosófico: la riqueza de un solo mundo entero consiste en una combinación de estas características individuales, y el estudio de la historia de cada pueblo por separado permite rastrear, en palabras de Burke , vida ininterrumpida a través de sucesivas nuevas generaciones.
La era del romanticismo estuvo marcada por el florecimiento de la literatura, uno de cuyos rasgos distintivos fue la fascinación por los problemas sociales y políticos. Al tratar de comprender el papel del hombre en los acontecimientos históricos en curso, los escritores románticos se inclinaron hacia la precisión, la concreción y la fiabilidad. Al mismo tiempo, la acción de sus obras a menudo se desarrolla en un entorno inusual para un europeo, por ejemplo, en el Este y América, o, para los rusos, en el Cáucaso o Crimea. Entonces, los poetas románticos son principalmente letristas y poetas de la naturaleza y, por lo tanto, en su trabajo (sin embargo, al igual que muchos escritores de prosa), el paisaje ocupa un lugar significativo: en primer lugar, el mar, las montañas, el cielo, el elemento tormentoso con el que el El héroe está asociado a relaciones complejas. La naturaleza puede ser similar a la naturaleza apasionada de un héroe romántico, pero también puede resistirlo, convertirse en una fuerza hostil con la que se ve obligado a luchar.
Imágenes inusuales y vívidas de la naturaleza, la vida, el modo de vida y las costumbres de países y pueblos lejanos, también inspiraron a los románticos. Buscaban los rasgos que conforman el principio fundamental del espíritu nacional. La originalidad nacional se manifiesta principalmente en el arte popular oral. De ahí el interés por el folclore, la elaboración de obras folclóricas, la creación de obras propias basadas en el arte popular.
El desarrollo de los géneros de la novela histórica, cuento fantástico, poema lírico-épico, balada es mérito de los románticos. Su innovación se manifestó en la letra, en particular, en el uso de la ambigüedad de la palabra, el desarrollo de la asociatividad, la metáfora, los descubrimientos en el campo de la versificación, la métrica y el ritmo.
El romanticismo se caracteriza por una síntesis de géneros y géneros, su interpenetración. El sistema del arte romántico se basó en una síntesis de arte, filosofía y religión. Por ejemplo, para un pensador como Herder, los estudios lingüísticos, las doctrinas filosóficas y las notas de viaje sirven como una búsqueda de formas de revolucionar la cultura. Muchos de los logros del romanticismo heredaron el realismo del siglo XIX. - inclinación por la fantasía, lo grotesco, una mezcla de lo alto y lo bajo, lo trágico y lo cómico, el descubrimiento de la "persona subjetiva".
En la era del romanticismo, no solo florece la literatura, sino también muchas ciencias: sociología, historia, ciencias políticas, química, biología, doctrina evolutiva, filosofía (Hegel, D. Hume, I.Kant, Fichte, filosofía natural, la esencia de que es esa naturaleza - una de las vestiduras de Dios, "la vestidura viviente de la Divinidad").
El romanticismo es un fenómeno cultural en Europa y América. En diferentes países, su destino tuvo sus propias características.
1.2 Romanticismo en Rusia
A principios de la segunda década del siglo XIX, el romanticismo ocupó un lugar clave en el arte ruso, revelando, más o menos plenamente, su identidad nacional. Es extremadamente arriesgado reducir esta peculiaridad a cualquier característica o incluso a la suma de características; es más probable que veamos la dirección del proceso, así como su ritmo, su velocidad, si comparamos el romanticismo ruso con los "romanticismos" más antiguos de las literaturas europeas.
Ya hemos observado este desarrollo acelerado en la prehistoria del romanticismo ruso, en la última década del siglo XVIII. - en los primeros años del siglo XIX, cuando hubo un entrelazamiento inusualmente estrecho de tendencias prerrománticas y sentimentales con las tendencias del clasicismo.
La sobreestimación de la razón, la hipertrofia de la sensibilidad, el culto a la naturaleza y al hombre natural, el melancolismo elegíaco y el epicureísmo se combinaron con momentos de sistematismo y racionalidad, especialmente manifestados en el campo de la poética. Los estilos y géneros se simplificaron (principalmente gracias a los esfuerzos de Karamzin y sus seguidores), hubo una lucha contra la excesiva metaforicidad y ornamentación del habla en aras de su "precisión armónica" (definición de Pushkin rasgo distintivo escuela fundada por Zhukovsky y Batyushkov).
La rapidez del desarrollo dejó su huella en la etapa más madura del romanticismo ruso. La densidad de la evolución artística también explica por qué es difícil reconocer etapas cronológicas claras en el romanticismo ruso. Los historiadores literarios dividen el romanticismo ruso en los siguientes períodos: el período inicial (1801 - 1815), el período de madurez (1816 - 1825) y el período de su desarrollo posterior a octubre. Este es un diagrama aproximado, ya que al menos dos de estos períodos (el primero y el tercero) son cualitativamente heterogéneos y no se caracterizan por esa unidad de principios, ni siquiera relativa, que distinguió, por ejemplo, los períodos del romanticismo de Jena y Heidelberg en Alemania.
El movimiento romántico en Europa occidental, principalmente en la literatura alemana, comenzó bajo el signo de integridad e integridad. Todo lo que estaba desunido se esforzaba por la síntesis: en la filosofía natural, en la sociología, en la teoría del conocimiento y en la psicología, personal y social y, por supuesto, en el pensamiento artístico, que unía todos estos impulsos y, por así decirlo, , les impartió nueva vida ...
El hombre se esforzó por fusionarse con la naturaleza; personalidad, individuo - con el todo, con la gente; conocimiento intuitivo - con lógica; elementos subconscientes del espíritu humano - con las esferas superiores de reflexión y razón. Aunque la proporción de momentos contrapuestos parecía en ocasiones conflictiva, la tendencia a la unificación dio lugar a un especial espectro emocional de romanticismo, multicolor y abigarrado, con predominio de un tono mayor y brillante.
Sólo gradualmente la naturaleza conflictiva de los elementos se convirtió en su antinomia; la idea de la síntesis buscada se disolvió en la idea de alienación y enfrentamiento, el ánimo optimista en el estado de ánimo mayor dio paso a un sentimiento de decepción y pesimismo.
El romanticismo ruso está familiarizado con ambas etapas del proceso, tanto la inicial como la final; sin embargo, también forzó el movimiento general. Las formas finales aparecieron antes de que las formas iniciales alcanzaran su plenitud; los intermedios se arrugaron o se cayeron. En el contexto de las literaturas de Europa occidental, el romanticismo ruso parecía cada vez más romántico: era inferior a ellos en riqueza, ramificación y amplitud del panorama general, pero superaba con certeza algunos resultados finales.
El factor sociopolítico más importante que influyó en la formación del romanticismo es el decembrismo. La refracción de la ideología decembrista en el plano de la creación artística es un proceso extremadamente complejo y largo. Sin embargo, no perdamos de vista que adquirió precisamente una expresión artística; que los impulsos decembristas se revistieron de formas literarias bastante específicas.
A menudo, el "decembrismo literario" se identificaba con una especie de imperativo fuera de la creación artística, cuando todos los medios artísticos están subordinados a un fin extraliterario, que, a su vez, proviene de la ideología decembrista. Este objetivo, esta "tarea" supuestamente nivela o incluso hace a un lado "signos de una sílaba o características de género". En realidad, todo fue mucho más complicado.
El carácter específico del romanticismo ruso es claramente visible en la letra de esta época, es decir, en una relación lírica con el mundo, en el tono básico y en escorzo de la posición del autor, en lo que comúnmente se llama la "imagen del autor". Miremos la poesía rusa desde este ángulo para tener al menos una idea superficial de su diversidad y unidad.
La poesía romántica rusa reveló una gama bastante amplia de "imágenes del autor", a veces convergiendo, y luego, por el contrario, polemizando y contrastando entre sí. Pero siempre la "imagen del autor" es tal condensación de emociones, estados de ánimo, pensamientos o detalles cotidianos y biográficos (los "fragmentos" de la línea de alienación del autor, que está más plenamente representada en el poema, caen en la obra lírica ), que surge de la oposición al medio ambiente. El vínculo entre el individuo y el todo se ha desintegrado. El espíritu de oposición y discordia se apodera de la apariencia del autor incluso cuando en sí mismo parece inconfundiblemente claro y completo.
El preromantismo conocía principalmente dos formas de expresar el conflicto en las letras, que se pueden llamar oposiciones líricas: la elegíaca y la epicúrea. La poesía romántica los convirtió en una serie de temas más complejos, más profundos y diferenciados individualmente.
Pero, no importa cuán importantes sean las formas anteriores en sí mismas, por supuesto, no agotan toda la riqueza del romanticismo ruso.
CAPÍTULO 2. ROMANCE RUSO EN LITERATURA, PINTURA, ARTES DEL TEATRO
2.1 Romanticismo en la literatura rusa
El romanticismo ruso, en contraste con el europeo con su marcado carácter antiburgués, mantuvo una fuerte conexión con las ideas de la Ilustración y adoptó algunas de ellas: la condena de la servidumbre, la propaganda y protección de la educación, la defensa del pueblo. intereses. Los acontecimientos militares de 1812 tuvieron un gran impacto en el desarrollo del romanticismo ruso. La Guerra Patriótica provocó no solo el crecimiento de la conciencia civil y nacional de los estratos avanzados de la sociedad rusa, sino también el reconocimiento del papel especial del pueblo en la vida del estado nacional. El tema de la gente se ha vuelto muy importante para los escritores románticos rusos. Les parecía que, comprendiendo el espíritu del pueblo, se sumaban a los inicios ideales de la vida. La creatividad de todos los románticos rusos está marcada por el deseo de nacionalidad, aunque su comprensión del "alma del pueblo" era diferente.
Entonces, para Zhukovsky, la nacionalidad es, ante todo, una actitud humana hacia el campesinado y, en general, hacia los pobres. Vio su esencia en la poesía de rituales populares, canciones líricas, signos populares y superstición.
En las obras de los románticos decembristas, la idea del alma del pueblo se asoció con otras características. Para ellos personaje popular- este es un personaje heroico, distintivo a nivel nacional. Tiene sus raíces en las tradiciones nacionales de la gente. Consideraron que figuras como el príncipe Oleg, Ivan Susanin, Ermak, Nalivaiko, Minin y Pozharsky eran los exponentes más destacados del alma del pueblo. Entonces, los poemas de Ryleev "Voinarovsky", "Nalivaiko", sus "Dumas", historias de A. Bestuzhev, poemas sureños de Pushkin, más tarde - "Canción sobre el comerciante Kalashnikov" y poemas del ciclo caucásico de Lermontov están dedicados a un comprensible ideal popular. En el pasado histórico del pueblo ruso, los poetas románticos de la década de 1920 se sintieron especialmente atraídos por momentos de crisis: períodos de lucha contra el yugo tártaro-mongol, Novgorod libre y Pskov contra el Moscú autocrático, la lucha contra la intervención polaco-sueca, etc.
El interés por la historia rusa entre los poetas románticos se generó por un sentido de alto patriotismo. El romanticismo ruso, que floreció durante la Guerra Patriótica de 1812, lo tomó como uno de sus fundamentos ideológicos. En términos artísticos, el romanticismo, como el sentimentalismo, prestó gran atención a la descripción del mundo interior de una persona. Pero a diferencia de los escritores sentimentales, que ensalzaban la "sensibilidad tranquila" como expresión de "un corazón lánguido y afligido", los románticos preferían el retrato de aventuras extraordinarias y pasiones violentas. Al mismo tiempo, el mérito incondicional del romanticismo, especialmente su dirección progresiva, fue la identificación de un principio volitivo y efectivo en una persona, que lucha por metas e ideales elevados que elevaban a las personas por encima de la vida cotidiana. Tal era el carácter, por ejemplo, de la obra del poeta inglés J. Byron, cuya influencia fue experimentada por muchos escritores rusos de principios del siglo XIX.
Un profundo interés por el mundo interior de una persona hacía que los románticos fueran indiferentes a la belleza externa de los héroes. En esto, el romanticismo también se diferenciaba radicalmente del clasicismo con su armonía obligatoria entre la apariencia y el contenido interior de los personajes. Los románticos, en cambio, buscaban descubrir el contraste entre la apariencia externa y el mundo espiritual del héroe. Como ejemplo, podemos recordar a Quasimodo ("Catedral de Notre Dame" de V. Hugo), un monstruo con un alma noble y sublime.
Uno de los logros importantes del romanticismo es la creación de un paisaje lírico. Para los románticos, sirve como una especie de decoración que enfatiza la intensidad emocional de la acción. En las descripciones de la naturaleza, se señaló su "espiritualidad", su relación con el destino y el destino del hombre. Alexander Bestúzhev fue un maestro brillante del paisaje lírico, en cuyas primeras historias el paisaje expresa el subtexto emocional de la obra. En el cuento "The Revel Tournament" retrató la pintoresca vista de Revel, que correspondía al estado de ánimo de los personajes: "Fue en el mes de mayo; el sol brillante rodaba hacia el mediodía en éter transparente, y solo en la distancia el dosel del cielo tocaba el agua con una franja plateada y nublada. Los rayos de luz de los campanarios de Revel ardían a lo largo de la bahía, y las lagunas grises de Vyshgorod, apoyadas en el acantilado, parecían crecer hacia el cielo y, como volcadas, se hundían. en las profundidades de las aguas como espejos ".
La originalidad del tema de las obras románticas contribuyó al uso de una expresión de vocabulario específica: una abundancia de metáforas, epítetos poéticos y símbolos. Entonces, el mar, el viento apareció como un símbolo romántico de libertad; felicidad - el sol, amor - fuego o rosas; en general, el rosa simboliza los sentimientos de amor, el negro, la tristeza. La noche personificaba el mal, los crímenes, la enemistad. El símbolo del cambio eterno es una ola del mar, la insensibilidad es una piedra; las imágenes de una muñeca o de una mascarada significaban falsedad, hipocresía, duplicidad.
Se considera que el fundador del romanticismo ruso es V.A.Zhukovsky (1783-1852). Ya en los primeros años del siglo XIX, ganó fama como un poeta que glorificaba los sentimientos ligeros: amor, amistad, impulsos espirituales de ensueño. Las imágenes líricas ocuparon un lugar importante en su obra. naturaleza nativa... Zhukovsky se convirtió en el creador del paisaje lírico nacional en la poesía rusa. En uno de sus primeros poemas, La elegía vespertina, el poeta reprodujo una imagen modesta de su tierra natal de la siguiente manera:
Todo está tranquilo: las arboledas duermen; paz en el barrio,
Postrado en la hierba bajo un sauce encorvado,
Escucho como murmura, fundido con el río,
Arroyo sombreado por arbustos.
Apenas puedes escuchar las cañas balanceándose sobre la corriente,
El sonido de un bucle a lo lejos, dormido, despierta a los pueblos.
En la hierba del guión de codornices escucho un grito salvaje ...
Este amor por la imagen de la vida rusa, tradiciones nacionales y los rituales, leyendas y cuentos se expresarán en una serie de obras posteriores de Zhukovsky.
En el período posterior de su trabajo, Zhukovsky se dedicó a traducciones y creó una serie de poemas y baladas de contenido fabuloso y fantástico ("Undine", "The Tale of Tsar Berendey", "The Sleeping Princess"). Las baladas de Zhukovsky están llenas de un profundo significado filosófico, reflejan tanto sus experiencias personales como pensamientos y rasgos inherentes al romanticismo en general.
Zhukovsky, como otros románticos rusos, fue muy inherente a la búsqueda de un ideal moral. Este ideal para él era la filantropía y la independencia personal. Los afirmó tanto con su creatividad como con su vida.
En la obra literaria de finales de los años veinte y treinta, el romanticismo conservó sus posiciones anteriores. Sin embargo, al desarrollarse en un entorno social diferente, adquirió características nuevas y originales. Las elegías pensativas de Zhukovsky y el patetismo revolucionario de la poesía de Ryleev son reemplazados por el romanticismo de Gogol y Lermontov. Su obra lleva la impronta de esa peculiar crisis ideológica tras la derrota del levantamiento decembrista, que la conciencia pública vivió en aquellos años, cuando la traición a antiguas convicciones progresistas, las tendencias al interés propio, la "moderación" filistea y la cautela eran especialmente evidentes.
Por tanto, en el romanticismo de los años 30 prevalecieron los motivos del desencanto con la realidad moderna, el principio crítico inherente a esta dirección en su carácter social, el deseo de escapar a un determinado mundo ideal. Junto a esto, una apelación a la historia, un intento de comprender la modernidad desde el punto de vista del historicismo.
El héroe romántico a menudo actuaba como una persona que ha perdido el interés por los bienes terrenales y denuncia a los poderosos y ricos de este mundo. La oposición del héroe a la sociedad dio lugar a la actitud trágica característica del romanticismo de este período. La muerte de los ideales morales y estéticos -la belleza, el amor, el arte elevado- predeterminó la tragedia personal de una persona dotada de grandes sentimientos y pensamientos, en palabras de Gogol, "lleno de rabia".
El estado de ánimo más vívido y emocional de la época se reflejó en la poesía, y especialmente en la obra del mayor poeta del siglo XIX: M. Yu. Lermontov. Ya estoy en eso primeros años Los motivos amantes de la libertad ocupan un lugar importante en su poesía. El poeta simpatiza profundamente con aquellos que luchan activamente contra la injusticia, que se rebelan contra la esclavitud. En este sentido, son significativos los poemas "Novgorod" y "El último hijo de la libertad", en los que Lermontov recurrió a la trama favorita de los decembristas: la historia de Novgorod, en la que vieron ejemplos de la libertad republicana de sus antepasados lejanos.
La apelación a los orígenes nacionales, al folclore, característica del romanticismo, también se manifiesta en las obras posteriores de Lermontov, por ejemplo, en "La canción sobre el zar Ivan Vasilyevich, el joven oprichnik y audaz comerciante Kalashnikov". El tema de la lucha por la independencia de la Patria es uno de los temas favoritos de la obra de Lermontov; está especialmente iluminado en el "ciclo caucásico". El poeta percibió el Cáucaso en el espíritu de los versos amantes de la libertad de Pushkin de la década de 1920: su naturaleza salvaje y majestuosa se oponía al "cautiverio de las ciudades sofocantes", "la morada de la libertad del santo", a "la tierra de los esclavos, la tierra de maestros "de Nicolás Rusia. Lermontov simpatiza calurosamente con los pueblos del Cáucaso amantes de la libertad. Entonces, el héroe de la historia "Ishmael-Bey" renunció a la felicidad personal en nombre de la liberación de su país natal.
El héroe del poema "Mtsyri" posee los mismos sentimientos. Su imagen está llena de misterio. Un niño recogido por un general ruso languidece como prisionero en un monasterio y anhela apasionadamente la libertad y su tierra natal: “Solo conocía el poder del pensamiento”, confiesa antes de morir, “Uno, pero una pasión ardiente: vivió como un gusano en mí, Ella mordió mi alma y la quemó. Mis sueños llamaron De las celdas tapadas y oraciones A ese maravilloso mundo de problemas y batallas. Donde las rocas se esconden en las nubes. Donde la gente es libre como las águilas ... ". El anhelo de voluntad se funde en la mente del joven con el anhelo de su tierra natal, de la "vida rebelde" y libre por la que se esforzó tan desesperadamente. Por lo tanto, los amados héroes de Lermontov, como los héroes románticos de los decembristas, se distinguen por un principio volitivo activo, un aura de elegidos y luchadores. Al mismo tiempo, los héroes de Lermontov, en contraste con los personajes románticos de la década de 1920, anticipan el trágico desenlace de sus acciones; el deseo de actividad cívica no excluye su plan personal, a menudo lírico. Poseyendo los rasgos de los héroes románticos de la década anterior - emocionalidad elevada, "fervor de pasiones", patetismo lírico elevado, amor como "la pasión más fuerte" - llevan los signos de los tiempos - escepticismo, decepción.
El tema histórico se hizo especialmente popular entre los escritores románticos, quienes vieron en la historia no solo una forma de conocer el espíritu nacional, sino también la efectividad de utilizar la experiencia de años pasados. Los autores más populares que escribieron en el género de la novela histórica fueron M. Zagoskin e I. Lazhechnikov.
2.2 Romanticismo en las bellas artes rusas
El surgimiento y desarrollo del romanticismo en las bellas artes rusas se refiere al mismo período en el que este proceso tiene lugar en la literatura y el teatro.
El romanticismo en pintura y escultura fue generado por los mismos factores sociales que en la literatura. Ambos tenían características básicas comunes. Sin embargo, el romanticismo en las artes visuales, a diferencia del romanticismo literario, recibió una refracción más compleja, combinada en su mayor parte con elementos de clasicismo o sentimentalismo. Por lo tanto, en las obras de maestros, incluso los más típicos de esta dirección, como B. Orlovsky, F. Tolstoy, S. Shchedrin, O. Kiprensky, se siente claramente la influencia de diferentes corrientes artísticas. Además, de nuevo en contraste con el romanticismo literario, donde las corrientes del romanticismo activo y pasivo estaban claramente divididas, "en las artes visuales esta demarcación es menos clara. Y la manifestación misma de los sentimientos democráticos protestantes en la pintura y la escultura rusas se manifestó por completo. diferente que en la literatura. Por lo tanto, aquí no hay obras como, por ejemplo, "Dumas" de Ryleev o "Liberty" de Pushkin. Los principios del romanticismo activo encuentran otra expresión en las bellas artes rusas. Se manifiestan principalmente en el interés por una persona , su mundo interior; el artista se siente atraído por una personalidad humana en sí misma, independientemente de su origen noble o posición alta en la sociedad.
Los sentimientos profundos, las pasiones fatales atraen la atención de los artistas. El sentido del drama de la vida circundante, la simpatía por las ideas progresistas de la época, la lucha por la libertad del individuo y del pueblo penetra en la esfera del arte.
Sin embargo, el camino del clasicismo a una nueva visión del mundo y su representación artística no fue fácil y rápido. La tradición clasicista se ha conservado durante muchos años incluso en la obra de maestros que gravitaron hacia el romanticismo en sus visiones y búsquedas artísticas. Esto es lo que distingue el trabajo de muchos artistas en los años 20-40 del siglo XIX, incluido K. Bryullov.
Karl Bryullov fue quizás el artista ruso más famoso de la primera mitad del siglo XIX. Su pintura "El último día de Pompeya" (ver Apéndice 1) no solo despertó el extraordinario deleite de sus contemporáneos, sino que también llevó el tema a la fama europea.
Después de visitar las excavaciones en Herculano y Pompeya, Bryullov se sorprendió por la imagen de su terrible muerte. Poco a poco, madura la idea de un nuevo lienzo dedicado a la representación de este desastre. Durante dos años, preparándose para pintar el cuadro, el artista se sumergió en el estudio de fuentes escritas y materiales arqueológicos, realizó numerosos bocetos y buscó la solución compositiva más expresiva. En 1833, se completó el trabajo en la pintura.
El trabajo del artista se basó en una idea característica del romanticismo: el enfrentamiento entre las personas y las fuerzas crueles de la naturaleza. Esta idea también se resolvió en el espíritu del romanticismo al representar una escena popular de masas (y no un héroe rodeado de personajes menores, como lo exigía la tradición clasicista), y la actitud ante el desastre natural se expresa a través del sentimiento, la psicología del individuo. gente. Sin embargo, la interpretación de la trama contiene claros rasgos de clasicismo. Composicionalmente, la imagen representa a varios grupos humanos, unidos por un horror común de la erupción, pero reaccionando al peligro de diferentes maneras: mientras los niños devotos están tratando de arriesgar sus propias vidas para salvar a sus padres ancianos, la codicia impulsa a otros, olvidándose de sus vidas. deber humano, utilizar el pánico para su propio enriquecimiento. Y en esta didáctica separación de virtud y vicio, así como en la perfecta belleza y plasticidad de las personas horrorizadas, se siente la clara influencia de los cánones clasicistas. Esto fue notado por los contemporáneos más observadores. Así, NV Gogol en un artículo dedicado a la pintura de Bryullov, apreciando mucho en su conjunto "como una brillante resurrección de nuestra pintura, que ha estado en una especie de estado semi-letárgico durante mucho tiempo", sin embargo, entre otras consideraciones, señala que la belleza de las figuras, creadas por el artista, ahoga el horror de su situación. La influencia del clasicismo también se nota en la solución colorista del cuadro, en la iluminación de las figuras del primer plano, en la pureza y brillo condicional de los colores.
Un ejemplo de la expresión más vívida de los rasgos románticos en las artes visuales es la obra de O. A. Kiprensky.
La visión artística y cívica del artista se fortaleció en los años posteriores a la Guerra Patria. Con dotes ricos y diversos: escribió poesía, amaba y conocía el teatro, se dedicaba a la escultura e incluso escribió un tratado de estética: Kiprensky se está acercando a los círculos avanzados de la sociedad de San Petersburgo: escritores, poetas, artistas, escultores, filósofos. .
Una de las mejores creaciones de Kiprensky es el retrato de A.S. Pushkin (1827) (Ver Apéndice 2). Las relaciones amistosas con el gran poeta, la influencia de los poemas románticos de Pushkin en la obra de Kiprensky, la admiración de este último por el gran don del primer poeta en Rusia, todo esto determinó la importancia de la tarea encomendada al pintor. Y Kiprensky hizo un excelente trabajo con eso. Del retrato sopla la iluminación de la inspiración. El artista no capturó a un querido amigo de la alegre juventud, no a un simple escritor, sino a un gran poeta. Con asombrosa sutileza y habilidad, Kiprensky transmitió el momento de la creatividad: Pushkin parece escuchar solo lo que oye, está en el poder de la poesía. Al mismo tiempo, en la estricta sencillez de su apariencia, en la expresión triste de sus ojos, se puede sentir la madurez del poeta, que ha pasado por mucho, ha cambiado de opinión y ha alcanzado el cenit de la creatividad.
Así, junto con la elevación romántica de la imagen, el retrato también presenta una profunda penetración no solo en la psicología del poeta, sino también en el espíritu de la época que siguió a la derrota de los decembristas. Esta comprensión de las ideas y sentimientos de su tiempo es una de las cualidades definitorias y más importantes de Kiprensky como retratista, quien logró transmitirlo con patetismo romántico en sus obras.
El romanticismo ruso fue engendrado por la era turbulenta e inquieta de principios del siglo XIX con su política exterior y cataclismos internos. Kiprensky, que participó en la creación de una nueva dirección artística, logró encontrar y expresar en sus obras los mejores sentimientos e ideas de su tiempo, cercano a los primeros revolucionarios rusos: humanismo, patriotismo, amor a la libertad. El contenido espiritual de las pinturas requería una nueva forma de expresión, una búsqueda de una transmisión más veraz y sutil del carácter individual, pensamientos y sentimientos de un contemporáneo. Todo esto no solo supuso un alejamiento de los cánones académicos del género del retrato, sino que también supuso un importante paso adelante en el camino de la encarnación realista de la realidad. Al mismo tiempo, fiel al espíritu de la escuela romántica, el artista, descuidando la vida cotidiana, retrata a las personas en momentos especiales de su vida, en momentos de fuerte tensión o impulso espiritual, lo que permite revelar los altos principios emocionales de la vida. naturaleza - heroica o soñadora, inspiradora o enérgica - y crear una "biografía dramática" de esta o aquella persona.
2.3 Romanticismo en el arte teatral ruso
El romanticismo como corriente artística en el arte teatral ruso se extiende principalmente a partir de la segunda década del siglo XIX.
En términos sociales y artísticos, el romanticismo teatral tenía algo en común con el sentimentalismo. Como el drama sentimental, romántico, en contraste con el racionalismo de la tragedia clásica, reveló el patetismo de las experiencias de las personas representadas. Sin embargo, aunque afirmaba la importancia de la persona humana con su mundo interior individual, el romanticismo prefería al mismo tiempo la representación de personajes excepcionales en circunstancias excepcionales. Los dramas románticos, como las novelas y las novelas cortas, se caracterizaron por la naturaleza fantástica de la trama o la introducción de una serie de circunstancias misteriosas en ella: la aparición de fantasmas, fantasmas, todo tipo de presagios, etc. Al mismo tiempo, el drama romántico se compuso de manera más dinámica que la tragedia clásica y el drama sentimental, en los que la trama se desarrolla principalmente de manera descriptiva, en los monólogos de los personajes. En un drama romántico, fueron las acciones de los héroes las que predeterminaron el resultado de la trama, mientras que su interacción con ambiente publico, con la gente.
El drama romántico, como el sentimentalismo, comenzó a desarrollarse en las décadas de 1920 y 1940 en dos direcciones, reflejando la línea social conservadora y progresista. Obras dramáticas que expresaban una ideología leal se opusieron a la creación del drama decembrista, el drama y la tragedia, llenos de rebelión social.
El interés de los decembristas por el teatro estuvo íntimamente relacionado con sus actividades políticas. El programa educativo de la "Unión de Bienestar", que anima a sus miembros a participar en sociedades y círculos literarios, con cuya ayuda se podrá influir en la cosmovisión. círculos anchos nobleza, atrajo su atención al teatro. Ya en uno de los primeros círculos literarios asociados a la "Unión de la Prosperidad" - "Lámpara Verde" - los temas teatrales se convierten en uno de los temas constantes de discusión. El conocido artículo de Pushkin "Mis comentarios sobre el teatro ruso" se formó como resultado de disputas teatrales en "La lámpara verde". Más tarde, en las ediciones decembristas "Mnemosyna" y "Polar Star", Ryleev, Kuchelbecker y A. Bestuzhev, hablando sobre los temas del arte teatral ruso, presentaron una nueva comprensión democrática de sus tareas como arte, principalmente nacional y civil. Esta nueva comprensión del arte teatral también dictaba requisitos especiales para las obras dramáticas. “Doy preferencia involuntariamente a lo que sacude el alma, lo que la eleva, lo que toca el corazón”, escribió A. Bestúzhev a Pushkin en marzo de 1825, refiriéndose al contenido de las obras. Además de la conmovedora y sublime trama del drama, como creía A. Bestúzhev, debería haber una clara distinción entre el bien y el mal, que debería ser constantemente expuesta y castigada con sátira. Es por eso que "Polar Star" acogió con tanto entusiasmo la aparición de la comedia "Woe from Wit" de A. Griboyedov. Un dramaturgo talentoso de la tendencia decembrista fue también PA Katenin, miembro de sociedades secretas, dramaturgo, traductor, buen conocedor y amante del teatro, educador de varios destacados actores rusos. Siendo una persona versátil, educada y talentosa, tradujo las obras de los dramaturgos franceses Racine y Corneille, se dedicó con entusiasmo a la teoría del drama, defendiendo el ideal de nacionalidad y originalidad de las artes escénicas, su libre pensamiento político. Katenin también escribió sus propias obras dramáticas. Sus tragedias "Ariadna" y especialmente "Andrómaca" estaban llenas de un espíritu cívico y amante de la libertad. Las audaces actuaciones de Katenin desagradaron a las autoridades y, en 1822, el poco confiable aficionado al teatro fue expulsado de San Petersburgo.
El polo opuesto del drama romántico estuvo representado por las obras de escritores conservadores. Tales obras incluyen las obras de Shakhovsky, N. Polevoy, Kukolnik y dramaturgos similares. Las tramas de los autores de tales obras a menudo se tomaron de la historia de Rusia.
Las obras de N.V. Kukolnik tenían un espíritu cercano al trabajo de Shakhovsky. Las dotes dramáticas de este último no eran grandes, sus obras, por alguna trama divertida y espíritu leal, gozaron de éxito con cierta parte del público y la aprobación constante de las autoridades. Los temas de muchas de las obras del Titiritero también se tomaron de la historia de Rusia. Sin embargo, los episodios que tuvieron lugar en el pasado fueron utilizados por el autor como un lienzo en el que se creó una trama completamente fantástica, subordinada a la moraleja principal: la afirmación de la devoción al trono y a la iglesia. La forma favorita de presentar estas máximas morales eran los monólogos gigantes, que eran recitados por los personajes de las obras de teatro del Titiritero en cualquier ocasión, y en particular su tragedia más famosa "La mano del Altísimo salvó la Patria".
Un dramaturgo particularmente prolífico y no exento de talento en esta dirección fue N. A. Polevoy. Como saben, este hábil publicista, después de que las autoridades prohibieran su revista "Moscow Telegraph" y largas pruebas, se convirtió en empleado de F. Bulgarin. En cuanto al teatro, creó una serie de obras originales y traducidas, la mayoría de las cuales están dedicadas a la glorificación de la autocracia y la nacionalidad oficialmente comprendida. Se trata de obras como "Igolkin" (1835), que representa la hazaña del comerciante Igolkin, que sacrificó su vida para defender el honor de su soberano, Peter I. "Abuelo de la Armada rusa" (1837), una obra de espíritu leal de la época de Pedro I, el rey le concedió un anillo. Al igual que las obras de teatro del Titiritero, carecen de precisión histórica, contienen muchos efectos fantásticos, incidentes misteriosos. Los personajes de los héroes son extremadamente primitivos: o son villanos con almas negras o ángeles mansos. En 1840, Polevoy terminó su drama más famoso "Parasha-Sibiryachka", que cuenta sobre una niña desinteresada que fue de Siberia a San Petersburgo para perseguir a su padre exiliado. Habiendo llegado al rey, la niña le pidió perdón a su padre. Con un final similar, el autor volvió a enfatizar la justicia y la misericordia del poder real. Al mismo tiempo, el tema de la obra despertó en la sociedad la memoria de los decembristas, con quienes el mismo Polevoy había simpatizado en el pasado.
Así, un drama romántico, como puede verse incluso sobre la base de breve descripción Después de haber reemplazado la tragedia clásica y el drama en parte sentimental en el escenario, adoptó y conservó algunas de sus características. Junto a la mayor diversión y dinamismo de la trama, el aumento de la emotividad y una base ideológica diferente, la moralización y resonancia inherentes a las formas dramáticas anteriores, los largos monólogos que explican las vivencias internas del héroe o su relación con otros actores, la primitividad del protagonista. Las características psicológicas de los personajes se han conservado en el drama romántico. Sin embargo, el género del drama romántico, principalmente debido a la representación de sus elevados sentimientos y hermosos impulsos y diversión de la trama, resultó ser bastante duradero y sobrevivió con algunos cambios en la segunda mitad del siglo XIX.
Así como el drama romántico adquirió algunos de los rasgos de las obras de teatro clasicista y sentimental, así el arte escénico de los actores de la escuela romántica retuvo huellas del método artístico clasicista. Esta continuidad fue tanto más natural cuanto que la transición del clasicismo al romanticismo tuvo lugar durante las actividades teatrales de una generación de actores rusos, que gradualmente pasaron del clasicismo a la personificación de personajes en dramas románticos. Entonces, las características heredadas del clasicismo fueron la teatralidad de la actuación, expresada en el discurso patético, el plástico elegante y artificial, la capacidad de usar trajes históricos perfectamente. Al mismo tiempo, junto a la teatralidad exterior, la escuela romántica permitió el realismo en la transmisión del mundo interior y la aparición de los personajes. Sin embargo, este realismo tenía un carácter peculiar y algo condicional. El artista de la escuela romántica parecía haber arrojado una especie de velo poético sobre los rasgos reales del personaje retratado, que daba un carácter sublime a un fenómeno o acción ordinaria, hacía "interesante el dolor y ennoblecía la alegría".
Uno de los representantes más típicos del romanticismo escénico en el escenario ruso fue Vasily Andreevich Karatygin, un talentoso representante de una gran familia de actores, para muchos contemporáneos, el primer actor en el escenario de San Petersburgo. Alto, de modales nobles, con una voz fuerte, incluso atronadora, Karatygin, como si por naturaleza estuviera destinado a majestuosos monólogos. Nadie sabía mejor que él para lucir magníficos trajes históricos hechos de seda y brocado, relucientes con bordados de oro y plata, luchar con espadas y tomar poses pintorescas. Ya al comienzo de su carrera escénica, V.A.Karatygin se ganó la atención del público y de los críticos de teatro. A. Bestúzhev, que evaluó negativamente el estado del teatro ruso de ese período, destacó "el fuerte juego de Karatygin". Y esto no es casualidad. El público se sintió atraído por el patetismo trágico de su talento. Algunas de las imágenes escénicas creadas por Karatygin impresionaron a los futuros participantes en los eventos del 14 de diciembre de 1825 con una orientación social: esta es la imagen del pensador Hamlet ("Hamlet" de Shakespeare), el rebelde Don Pedro ("Inessa de Castro "de Lamotte), etc. La simpatía por las ideas avanzadas acercó a la generación más joven de la familia Karatygin a los escritores de mentalidad progresista. V. A. Karatygin y su hermano P. A. Karatygin conocieron a A. S. Pushkin, A. S. Griboyedov, A. N. Odoevsky, V. K. Kyukhelbeker, A. A. y N. A. Bestuzhev. Sin embargo, después de los eventos del 14 de diciembre de 1825, V.A.Karatygin se alejó de los círculos literarios y centró sus intereses en actividades teatrales... Poco a poco, se convirtió en uno de los primeros actores del Teatro de Alejandría, gozando del favor de la corte y del propio Nicolás I.
Los roles favoritos de Karatygin fueron los roles de personajes históricos, héroes legendarios, personas de origen o posición predominantemente alta: reyes, generales, nobles. Al hacerlo, se esforzó sobre todo por lograr una plausibilidad histórica externa. Buen dibujante, realizó bocetos de vestuario, tomando como ejemplo estampas y grabados antiguos. Con la misma atención trató la creación del maquillaje de retratos. Pero esto se combinó con un total desprecio por las características psicológicas de los personajes retratados. En sus héroes, el actor, siguiendo el estilo clasicista, ve solo a los intérpretes de una determinada misión histórica.
Si Karatygin fue considerado el principal escenario de la capital, entonces PS Mochalov reinó en el escenario del Teatro Dramático de Moscú en esos años. Uno de los actores destacados de la primera mitad del siglo XIX, inició su carrera escénica como actor de tragedia clásica. Sin embargo, debido a su pasión por el melodrama y el drama romántico, su talento mejoró en esta área y ganó popularidad como actor romántico. En su trabajo, se esforzó por crear una imagen de una personalidad heroica. En la interpretación de Mochalov, incluso los héroes fornidos del titiritero o de las obras de Polevoy adquirieron la espiritualidad de las experiencias humanas genuinas, personificaron los nobles ideales del honor, la justicia y la bondad. Durante los años de reacción política que siguieron a la derrota del levantamiento decembrista, el trabajo de Mochalov reflejó sentimientos públicos progresistas.
PS Mochalov se volvió voluntariamente hacia los clásicos de Europa occidental, hacia los dramas de Shakespeare y Schiller. Los papeles de Don Carlos y Franz (en los dramas de Schiller Don Carlos y Los ladrones), Ferdinand (en Astucia y amor de Schiller), Mortimer (en Maria Stuart de Schiller) fueron interpretados por Mochalov con una fuerza artística extraordinaria. El mayor éxito lo obtuvo interpretando el papel de Hamlet. La imagen de Hamlet fue innovadora en comparación con la tradición generalmente aceptada de interpretar al héroe de Shakespeare como una persona débil, incapaz de realizar acciones voluntarias. Mochalovsky Hamlet fue un héroe que pensaba y actuaba activamente. "Exigió el mayor esfuerzo de fuerza, pero por otro lado se limpió de lo insignificante, vanidoso, vacío. Condenó al heroísmo, pero emancipaba el alma". En la obra de Mochalov, no hubo un tema de la lucha por el trono, que Karatygin enfatizó al interpretar este papel. Hamlet-Mochalov entró en la batalla por el hombre, por el bien, por la justicia, por lo que esta imagen interpretada por Mochalov se volvió querida y cercana a los estratos democráticos avanzados de la sociedad rusa a mediados de la década de 1830. El famoso artículo de Belinsky "Mochalov en el papel de Hamlet" habla de la tremenda impresión que su obra causó en sus contemporáneos. Belinsky vio a Mochalov en este papel ocho veces. En el artículo, llegó a la conclusión de que el espectador vio a Hamlet no tanto de Shakespeare como de Mochalovsky, que el intérprete le dio a Hamlet "más fuerza y energía de la que puede tener una persona que está en una lucha consigo misma ... y le dio tristeza". y melancolía menos de la que debería tener Hamlet de Shakespeare ". Pero al mismo tiempo Mochalov "arrojó a nuestros ojos una nueva luz sobre esta creación de Shakespeare".
Belinsky creía que Mochalov mostraba que el héroe de Shakespeare era grande y fuerte, incluso en la debilidad. La mejor creación de Mochalov mostró las fortalezas y debilidades de su forma de actuar. Belinsky lo consideraba un actor "designado exclusivamente para los papeles de fogoso y frenético", y no profundo, concentrado, melancólico. Por lo tanto, no fue por casualidad que Mochalov aportara tanta energía y fuerza a la imagen de Hamlet. Esta no es la imagen de un pensador, sino de un héroe-luchador que se opone al mundo de la violencia y la injusticia, es decir, un típico héroe romántico.
CONCLUSIÓN
Completando el trabajo, se puede llegar a la conclusión de que el romanticismo como corriente artística surgió en varios países europeos a finales de los siglos XVIII y XIX. Los hitos más importantes que determinaron su marco cronológico fueron la Gran Revolución Francesa de 1789-1794 y las revoluciones burguesas de 1848.
El romanticismo fue un complejo fenómeno ideológico y filosófico que reflejó la reacción de varios grupos sociales a las revoluciones burguesas y la sociedad burguesa.
La protesta antiburguesa era característica tanto de los círculos conservadores como de la intelectualidad progresista. De ahí los sentimientos de decepción y pesimismo característicos del romanticismo europeo occidental. Para algunos escritores románticos (los llamados pasivos), la protesta contra la "bolsa de dinero" fue acompañada de un llamado al retorno del orden feudal-medieval; entre los románticos progresistas, el rechazo de la realidad burguesa dio lugar al sueño de un sistema democrático diferente, justo.
La corriente principal de la revolución literaria rusa en la primera mitad del siglo fue la misma que en Occidente: sentimentalismo, romanticismo y realismo. Pero la apariencia de cada una de estas etapas fue extremadamente única, y esta originalidad estuvo determinada tanto por el estrecho entrelazamiento y la fusión de elementos ya conocidos, como por el avance de otros nuevos, aquellos que la literatura de Europa occidental no conocía o casi no conocía.
Y para el romanticismo ruso desarrollado más tarde durante mucho tiempo se caracterizó por la interacción no solo con las tradiciones de "Tormenta y Embestida" o "Novela gótica", sino también con la Ilustración. Esto último complicó especialmente el rostro del romanticismo ruso, porque, como el romanticismo europeo occidental, cultivó la idea de la creatividad autónoma y original y actuó bajo el signo de la antilustración y el antirracionalismo. En la práctica, sin embargo, a menudo tachaba o limitaba sus actitudes iniciales.
Así, el romanticismo como fenómeno histórico y literario no puede reducirse a uno subjetivo. Su esencia se revela en un conjunto de características. Los románticos, como los realistas, tenían una perspectiva compleja, reflejaban de manera amplia y multifacética su realidad contemporánea y su pasado histórico, su práctica creativa era un mundo ideológico y estético complejo que desafiaba una definición inequívoca.
Se ha logrado el objetivo de la investigación: se consideran las características del romanticismo ruso. Se han resuelto las tareas de investigación.
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- Mann Y. Literatura rusa del siglo XIX. La era del romanticismo. - M., 2001.
- Ogarev N.P.Selegido sociopolítico y obras filosóficas... T. 1.M., 1952.S 449-450.
- Guerra Patria y sociedad rusa. 1812-1912. T. 5. - M., 1912.
- Ensayos sobre la historia del arte ruso. - M., 1954.
- Rakova M. Arte ruso de la primera mitad del siglo XIX. - L., 1975.
- La era del romanticismo. De la historia de las relaciones internacionales de la literatura rusa. - L., 1975.
ANEXO 1
Bryullov K.P. El último día de Pompeya
APÉNDICE 2
Kiprensky O.A. Retrato de Pushkin
