¿Cuál es el resultado del art. El arte es la expresión de los pensamientos más profundos de la forma más sencilla.

31.10.202127.05.2017

1. Dinámica problema-probable, o posibilidad.

Sin embargo, uno no debe dejarse llevar por un solo devenir y una sola acción, que distingue el objeto del arte del objeto de la ciencia. Debe recordarse todo el tiempo que en el campo del arte no estamos tratando simplemente con la acción como una estructura orgánica del devenir, sino que el devenir mismo surgió aquí en Aristóteles como resultado de oponer el razonamiento categórico (así como la necesidad lógica) precisamente a la posibilidad problema-probable. Sólo tomando esta posibilidad en el ámbito de la razón pura en el aspecto del devenir y posibilidad integral orgánicamente inherente a ella, obtenemos por primera vez una idea más o menos completa del objeto del arte.

Aristóteles escribe: "... La tarea del poeta no es hablar de lo que sucedió (ta genoma), sino de lo que podría suceder, de lo posible por probabilidad o necesidad" (Poeta. 9, 1451 a 36 - b 1) . Entonces Aristóteles rompió de una vez por todas con el objeto de arte como con la realidad actual. Los hechos desnudos, tomados por sí mismos, no interesan al poeta. Le interesa lo representado en lo que se percibe no en sí mismo, sino como fuente de otros objetos y representaciones posibles, o, como diríamos, el sujeto de una representación artística es siempre simbólico o mejor expresivo y simbólico siempre apunta a otra cosa y llama a otra cosa.

Los pensamientos de Aristóteles al respecto son bastante categóricos:

"El historiador 158 y el poeta no se diferencian en que uno habla en verso, sino que el otro en prosa. Después de todo, las obras de Heródoto podrían ponerse en verso, y sin embargo sería la misma historia en metros que sin metros. El la diferencia es que uno habla de lo que pasó (ta genoma), el otro de lo que pudo haber pasado» (b 1-6).

2. El carácter generalizado de esta posibilidad.

Finalmente, según Aristóteles, de ninguna manera es posible reducir el objeto artístico, que declaró que es solo una posibilidad, de ninguna manera, tanto en términos de generalidad como en términos de convencimiento de la imagen. Uno podría pensar que si al artista se le ordena representar no lo que es, sino lo que puede ser, el artista tendría las manos libres en relación con la representación de cualquier cosa. No, esto no puede ser de ninguna manera, porque no olvidemos que toda la esfera de posibilidad está tomada de la misma razón teórica, que opera siempre sólo en categorías generales.

"La poesía contiene un elemento más filosófico y serio que la historia: representa mas general, y la historia es privado. El general consiste en representar lo que uno tiene que decir o hacer por casualidad o por necesidad a una persona que tiene ciertas cualidades. A esto aspira la poesía, dando actores nombres Y lo privado, por ejemplo, lo que hizo Alcibíades, o lo que le sucedió” (b 6-12).

3. El carácter figurativo del arte.

Aquí es importante señalar que lo posible, de lo que trata el arte, se caracteriza siempre por alguna nombres Ahora diríamos lo contrario. Después de todo, hasta ahora, en principio, solo se ha discutido la razón pura o teórica, que opera con la ayuda de categorías generales. Pero una obra de arte no es simplemente un sistema de categorías lógicas. Siempre es una imagen de cierta personas con sus nombres y ciertos acción, que le pasa a esta gente. Aristóteles ya ha hablado de la acción, pero todavía no ha hablado de los héroes de una obra de arte. Y recién ahora dice que una obra de arte siempre opera con uno u otro nombres es decir, con ciertos héroes que llevan ciertos nombres. Si en la comedia la trama misma es principalmente importante, y los nombres pueden ser cualquier cosa, y si en la yambicografía hay nombres, pero no se representan acciones (b 12-15), entonces la situación es completamente diferente en la tragedia, donde una determinada trama se da el mito, es decir, un cierto conjunto de acciones, y se dan "nombres", es decir, héroes que llevan ciertos nombres que les pertenecen, y dado que la mitología pertenece al pasado, la cuestión de su realidad actual ya no se plantea. aumentó. Puesto que algo fue, entonces podría ser; y por lo tanto la tragedia satisface principio artístico posibilidad, por no mencionar su capacidad de persuasión, que se deriva de esto, y, en consecuencia, su peculiar realismo, que no sólo no contradice el principio de posibilidad, sino que simplemente lo implementa de la manera más clara.

Esto es lo que leemos de Aristóteles sobre este tema:

“En la tragedia se toman nombres del pasado. La razón de esto es que un posible [es decir, en este caso, un incidente] es creíble. No creemos en la posibilidad de lo que aún no ha sucedido; y lo que ha Lo que sucedió es obvio, quizás, porque no habría sucedido si no hubiera sido posible. Sin embargo, en algunas tragedias solo hay una o dos nombre famoso, mientras que otros son ficticios, como, por ejemplo, en "Flor" de Agathon. En esta obra tanto los hechos como los nombres son igualmente ficticios, y sin embargo da gusto» (b 15-23).

No solo es importante aquí la amplitud del horizonte artístico de Aristóteles, sino que también es importante aquí que entre estos argumentos sobre la integridad, la generalidad y el peculiar realismo de la imagen mitológica, no se olvida de decir también sobre el placer que brinda la tragedia ( eyphraifiein, o, mejor dicho, se traduciría, “alegría”).

En conclusión, Aristóteles reitera no fáctico de una obra de arte, a saber, su hechura, fabricación, construcción creadora, su figuratividad virtuosa, que, según Aristóteles, se realiza siempre a través de su creación efectiva:

"Uno no debe hacer necesariamente nuestra tarea adherirse a los mitos conservados por la tradición, en el campo de los cuales gira la tragedia. Y es ridículo lograr esto, ya que incluso lo conocido es conocido por unos pocos, pero mientras tanto da placer de todos. De aquí se desprende que el poeta debe ser más creador de tramas que de metros, ya que es creador en la medida en que reproduce, y reproduce acciones. un creador, ya que nada impide que algunos hechos reales tengan el carácter de probabilidad y posibilidad. Por eso es su creador» (b 23-33).

4. La expresión como agudeza estética de un objeto artístico.

Ahora, finalmente, llegamos a la comprensión aristotélica del arte como una esfera de expresión. Después de todo, aquí queda claro por sí mismo que este tipo de teoría de un objeto artístico, calculada no solo sobre el contenido, sino sobre el virtuosismo del diseño de cualquier contenido, que, además, entrega un placer específico, es precisamente un avezado estética. expresiones, cuando lo importante no es lo que existe objetivamente, ni lo que se inventa en el orden de la arbitrariedad subjetiva, sino el virtuosismo de la expresión misma y el placer específico asociado a ella.

A) En la última de las citas anteriores, estábamos convencidos de que Aristóteles, aunque muy aficionado a las tramas mitológicas conocidas y comprensibles, cree sin embargo que la maestría de una obra no depende en absoluto de estas tramas conocidas y comprensibles. Las tramas pueden ser completamente desconocidas para el público y completamente incomprensibles en su novedad y, sin embargo, el público puede obtener placer estético de estas tramas. ¿Y por qué? Porque para Aristóteles en una obra de arte lo importante no es el "qué", sino el "cómo", o más bien, la fusión completa de ambos en una imagen formal-estructural expresiva y, por lo tanto, convincente. A continuación veremos cómo Aristóteles define el origen mismo del arte por la tendencia natural de una persona a "imitar", es decir, a recrear creativamente todo lo que le rodea, y a obtener placer de este tipo de imitación.

b) Ahora daremos un razonamiento muy interesante de Aristóteles en “Política”:

"Debe enseñarse a los niños materias generales útiles, no sólo en aras de los beneficios que de ello se derivan, como es, por ejemplo, la alfabetización, sino también porque, gracias a esta formación, es posible comunicarles una serie de otras Este es el caso del dibujo: y no se estudia para no caer en el error de las propias acciones, o para no ser engañado en la compra o venta de utensilios domésticos, sino que se estudia el dibujo porque desarrolla el ojo. en la determinación de la belleza física personas altas cualidades espirituales y libres" (VIII 3, 1388 a 37-1388 b 4).

En otras palabras, un objeto artístico, según Aristóteles, es igualmente vitalmente neutral y vitalmente útil. El arte es una esfera completamente específica, donde no se dice ni "sí" ni "no", y sin embargo es siempre una esfera de posibles afirmaciones y negaciones. Esta es la esfera de los devenires-acciones expresivos. La música se distingue especialmente por esto (Polit. VIII 4-5), como veremos más adelante al considerar la esencia de la música y la educación musical.

V) Que lo bello está generalmente por encima de lo físico es evidente por el razonamiento de Aristóteles (Ethic. Nic. III 12) de que es agradable para un luchador recibir coronas y honores, pero duele recibir golpes durante la lucha, y las acciones valerosas se realizan en aras de una meta hermosa y en aras de evitar la vergüenza, aunque las heridas y la muerte no son de ninguna manera algo hermoso o agradable. Aristóteles quiere decir aquí que lo bello es eficaz, pero no en el sentido puramente físico.

“En las obras de arte, la perfección (a ey) está en sí mismas, y basta que estas obras surjan de acuerdo con las reglas que están en el arte mismo” (II 3, 1105 a 27-28).

"Por lo tanto, el arte no puede ser criticado por representar objetos erróneos, imposibles o improbables. Por supuesto, sería mejor si todo lo representado en el arte fuera objetivamente correcto, objetivamente posible y objetivamente probable, pero si, por ejemplo, un caballo con dos piernas derechas adelantadas, entonces quien critica al pintor no critica el arte de pintar por esto, sino sólo por su incongruencia con la realidad. El tema de una imagen artística puede ser incluso objetivamente completamente imposible. Sin embargo, para la poesía, el es preferible lo imposible, pero probable que lo posible, pero increíble» (Poet. 25, 1460 b 6 - 1461 a 9; 11-12).

Aristóteles asume la estructura virtuosa de una obra de arte aun cuando aprecia en la tragedia la conexión misma de los hechos, es decir, lo que él llama "mito", y no los hechos en sí. Así, por ejemplo, la tragedia, según Aristóteles, es posible incluso sin la representación de los personajes, pero de ningún modo es posible sin una conexión acabada y claramente expresada de los acontecimientos. Esto se aplica a todas las demás artes también.

“Sin acción, la tragedia es imposible, pero sin carácter es posible” (6, 1450 a 24-25). "Lo mismo se nota entre los artistas, por ejemplo, si comparamos a Zeuxis con Polygnotus: Polygnotus es un buen pintor característico, y la escritura de Zeuxis no tiene nada característico" (a 27-29). “Si alguien combina armónicamente dichos característicos y bellas palabras y pensamientos, no cumplirá la tarea de la tragedia, pero la tragedia la logrará mucho más, aunque usando todo esto en menor medida, pero teniendo una trama y una composición adecuada de los hechos” (un 29-33).

En consecuencia, el sentido artístico de la tragedia reside únicamente en la composición de los incidentes, es decir, en su estructura misma, y no en los incidentes como tales. Lo mismo sucede en la pintura.

“Si alguien unta las mejores pinturas en un revoltijo, no puede ni siquiera entregar tanto placer como un dibujante con tiza” (a 33-36).

5. Justificación filosófica de la autosuficiencia estructural del art.

Desafortunadamente, en este momento no podemos, debido a la falta de espacio, dar en su totalidad la justificación filosófica de la naturaleza estructural del arte, que Aristóteles realmente tiene. El primer tratado, que sigue a las Categorías del Organon, se titula Sobre la interpretación. El hecho es que además de ser tomado en sí mismo, para una persona siempre hay una u otra interpretación de él, una u otra interpretación de él. Esta interpretación existe, por supuesto, en relación con el cosmos entero tomado como un todo. Pero tal interpretación del cosmos, como bien sabemos, es la Mente cósmica para Aristóteles. En el tratado mencionado, Aristóteles defiende los derechos de interpretación humana del ser frente al ser mismo. La interpretación tiene una naturaleza específica: no todo lo que es verdadero en el ser mismo es verdadero en el pensar; y la misma contradicción que prohíbe Aristóteles por ser ella misma es muy posible en el pensar. Entonces, "ser" y "no ser" es una contradicción inaceptable. Sin embargo, en el pensar, además de la modalidad real y categórica, existen también otras modalidades, en relación a las cuales no tiene sentido hablar de verdad o falsedad. Este es todo el reino de la existencia posible. No se puede decir de él que sea verdadero, ya que aún no existe, ni que sea falso, ya que aún no ha sido categóricamente afirmado en la etapa de posibilidad. Y lo que llama especialmente la atención en este tratado es que Aristóteles nos remite específicamente a la poética y la retórica para considerar este tipo de ser, en relación al cual nada se afirma ni se niega.

Aristóteles escribe:

“No todo discurso contiene [juicio], sino sólo aquel que contiene la verdad o falsedad de algo, así, por ejemplo, “deseo” (eyche) es discurso, pero no verdadero o falso. El resto de los tipos de discurso están aquí liberados, porque su estudio es más propio de la retórica o de la poética; sólo el juicio (logos apophanticos) pertenece a la presente consideración» (De interpret. 4, 17 a 2-7).

Así, la imposibilidad de aplicar juicios positivos o negativos al arte la demuestra Aristóteles en uno de los tratados más importantes de su filosofía teórica. El ser artístico es y no es. Es sólo una posibilidad, sólo una problemática, sólo predeterminada y cargada, pero de ningún modo un sistema de juicios sobre el ser, positivo o negativo. Es sólo la expresión misma, y nada más.

Todos los juicios anteriores de Aristóteles y sobre Aristóteles pueden, a los ojos de los demás, reducir toda la enseñanza de Aristóteles sobre el arte a un formalismo vacío y sin sentido. Esto significaría no entender en absoluto la estética de Aristóteles. El hecho es que toda esta "posibilidad", "neutralidad" artística y, en general, modalidad específica representan (y de esto hemos hablado muchas veces) no forma, en contraposición al contenido, así como, es cierto, no contenido sin forma, sino aquello a saber, en qué forma y contenido se identifican, en qué no se diferencian entre sí, y en qué su ser y su no ser se funden hasta el punto de la completa indistinguibilidad. Entonces, ¿cómo puede uno decir que Aristóteles está interesado en el arte solo en sus formas y solo en sus estructuras?

Todo el capítulo 17 de "Poética" está dedicado precisamente a cuestiones del diseño concreto del arte.

"La tragedia", dice Aristóteles, "debe escribirse de tal manera que sea la más clara, la más convincente y que las escenas que la componen sean las más comprensibles. Las más fascinantes son aquellas poetas que experimentan sentimientos de la misma naturaleza. La ira es la uno que está realmente enojado Como resultado, la poesía es la suerte de una persona ricamente dotada o una persona propensa al frenesí.

¿Dónde está el formalismo en Aristóteles cuando describe la esencia misma de una obra de arte?

Ya se ha dicho bastante sobre categorías "formales" de la estética aristotélica como "principio", "medio" y "fin". Ya tratamos de probar allí que aquí Aristóteles no tenía formalismo, sino solo una forma plástica, escultórica de percibir el mundo. Veamos ahora lo que dice Aristóteles sobre el concepto de período y sobre el placer estético que obtenemos precisamente por su orden estructural:

"Llamo punto a una frase que en sí misma tiene un principio, un medio y un final, y cuyas dimensiones son fáciles de ver. Este estilo es agradable y comprensible; es agradable porque es lo contrario de un discurso inacabado, y el oyente siempre parece estar agarrando algo y que algo ha terminado para él, pero no prever nada y no llegar a nada es desagradable Este habla es comprensible porque es fácil de recordar, y esto proviene del hecho de que el habla periódica tiene un número, y el número se recuerda más fácilmente. Por eso todos recuerdan mejor los versos que la prosa, ya que los versos tienen un número por el cual se miden "(Rhet. III 9, 1409 a 35 - 1409 b 8).

Preguntémonos aquí nuevamente, ¿dónde está el formalismo estético de Aristóteles al evaluar las obras de arte?

Aristóteles, como moralista, se opone a todos los extremos y en todas partes predica el término medio, la moderación. Pero en relación con los objetos de arte, no conoce términos medios ni moderación.

"La moderación debe observarse en los placeres corporales inferiores, pero no en los placeres del color de las imágenes, de escuchar obras musicales y de los olores sutiles, elegantes.” “No llamamos moderados ni destemplados a los que gozan de la vista, por ejemplo, de las flores, o de las formas, o de los cuadros, aunque puede ser que para tales gentes haya un goce normal, tanto excesivo como insuficiente. Lo mismo debe decirse de los placeres del oído: nadie llamará destemplados a los que disfrutan demasiado con las melodías y las representaciones teatrales, y nadie llamará moderados a los que lo disfrutan con moderación. No llama amantes de los olores a los que gozan de la fragancia de las frutas, de las rosas o de las hierbas del incienso” (Ethic. Nic. III 13, 1118 a 1-9).

Tal actitud hacia el arte no puede llamarse formalista, cuando se predica la posibilidad de "sin conocer medida alguna de inmersión en colores y formas, en pintura, en música e incluso en incienso. Encontramos la misma inmensidad del goce estético del arte en otro tratado, y, además, aún en más detallado (Ethic. Eud. III 2, 1230 b 31).

7. El peligro de modernizar la doctrina del arte de Aristóteles.

Repasando todos los materiales anteriores sobre el arte de Aristóteles y tratando de analizarlos desde el punto de vista de la especificidad artística, nos encontramos realmente con una serie de sorpresas que suelen estar ausentes en la presentación de la estética de Aristóteles. Incluso la diferencia misma entre el ser dinámico y el ser puro puede resultar desconcertante para muchos. Al fin y al cabo, resulta nada más y nada menos que el hecho de que el ser artístico no es ni positivo ni negativo, que no dice ni "sí" ni "no", que es existencialmente neutro, y que en última instancia tiene sus raíces en el ámbito subjetivo del artista creativo. Es muy fácil extraviarse y poner la estética de Aristóteles en el mismo plano que esas modernas formas de pensamiento idealistas nihilistas que encontraron una expresión vívida por sí mismas en la epistemología de Mach y Avenarius. Aparentemente, el autor que tanto hizo por iluminar la estética aristotélica y por considerarla en el plano de las modernas teorías europeas y americanas, V. Tatarkevich 159, tiende a esta posición equivocada. Notó mucho en Aristóteles que va mucho más allá de la comprensión y exposición tradicional de Aristóteles; cita muchos de estos textos de Aristóteles, que también juegan un papel importante en nuestro país (pero solo nosotros tenemos muchas veces más de estos textos). La tesis principal de V. Tatarkevich se reduce precisamente al hecho de que Aristóteles supuestamente enseñó sobre la esfera neutral-existencial del arte, que él, según este autor, y difiere marcadamente de todos filosofía antigua(excluyendo a Cicerón) y cómo ciertamente está cerca de nuestra modernidad. También dimos una enseñanza más desarrollada sobre la naturaleza dinámico-energética de la mente en la filosofía de Aristóteles y también citamos textos sobre la primacía de la subjetividad sobre el ser objetivo en la teoría del arte de Aristóteles. Sin embargo, todo este lado de la estética de Aristóteles no debe oscurecernos en lo más mínimo a nosotros y todo lo demás que encontramos en ella.

Si Aristóteles realmente predicó este tipo de teoría, entonces V. Tatarkevich tendría toda la razón en que Aristóteles no es en absoluto un teórico del arte antiguo, sino contemporáneo. Pero un estudio detallado de Aristóteles muestra que este elemento "machista" debe poder combinarse con precisión e incondicionalmente con el ontologismo antiguo general de Aristóteles, y su especificidad de una obra de arte debe combinarse con las enseñanzas antiguas generales sobre el arte, la naturaleza. y ser. La mente enseñada por Aristóteles no sólo no contradice este concepto dinámico-energético, sino que, como hemos probado muchas veces, aquí Aristóteles tenía una unidad incondicional y ninguno de sus ontologismos padecía de esto en absoluto. Para caracterizar realmente el estado de las cosas, no entraremos ahora en el razonamiento teórico, para el que ya tenemos muchas páginas, sino que solo tocaremos dos cuestiones más estrechas, donde es más fácil observar la tendencia general de la antigüedad de Aristóteles hacia una actitud pasiva. comprensión del sujeto humano, a pesar de que, según Aristóteles, es en el sujeto humano donde radica lo que debe llamarse arte.

A) Si nos preguntáramos cómo un filósofo de primera clase de la antigüedad y, además, un enciclopedista excepcional, siente todo el elemento interno del arte, entonces nos sorprenderíamos del letargo y la pasividad de las actitudes correspondientes. En Aristóteles, aquí también, como en otras partes de la antigüedad, aparece el término enthoysiasmos, "entusiasmo", que, sin embargo, no es entusiasmo en nuestro sentido, sino algo más excitación apasionada, inspiración afectiva. Aristóteles lo define así: “El entusiasmo es un afecto de orden ético en nuestra psique” (Polit. VIII 5, 1340 a 11-12), y ethos, “ethos” aquí debe entenderse no en el sentido de ética, sino de la misma manera que los franceses y los ingleses en tiempos modernos y modernos entienden el término "moral", es decir, en un sentido psicológico amplio. Este entusiasmo, del que habla mucho el filósofo en relación con la música, lo considera de hecho con mucha moderación y sobriedad. El entusiasmo, el éxtasis, por supuesto, es útil. De un poeta menor, Marakus de Syracuse, Aristóteles dice (Probl. XXX 1, 954 a 38-39) que "sería mejor poeta si estuviera en éxtasis". Pero Aristóteles rechaza todas las formas extremas de entusiasmo, considerándolo una enfermedad. Éxtasis como el de Hércules, que mató a sus hijos, o el de Áyax, que mató a las ovejas en lugar de los Atrides, tienen para Aristóteles todos los síntomas de la enfermedad. En el mismo tratado (a 36-38) se da puramente fisiológico explicación de los estados de éxtasis. Por ejemplo, las sibilas y los Bakids actúan sobre la base de predisposiciones morbosas de la naturaleza. La bilis negra, la desnutrición y similares son las causas de este "entusiasmo". Aristóteles se refiere a tales "melancólicos" muchos filósofos, entre ellos Empédocles, Sócrates y Platón (953 a 27-32). En lugar de estos estados antinaturales, Aristóteles da consejos muy acertados a los escritores, como los que encontramos, por ejemplo, en el capítulo 17 de la Poética:

"Al recopilar mitos y procesar su lenguaje, es necesario presentar los acontecimientos lo más cerca posible ante sus ojos. Bajo esta condición, el poeta, viéndolos con bastante claridad y como si estuviera presente durante su desarrollo, puede encontrar el justo y mejor nota las contradicciones" (1455 a 22-26).

Este es un consejo muy tranquilo y sensato, y cuestiona la inspiración sobre bases psicológicas muy realistas.

b) Igual de realista es la cuestión de fantasía. Encontramos rasgos de pasividad en este sentido también en Platón. Esto es aún más característico de Aristóteles, quien está tratando de dar aquí un análisis psicológico sobrio. Bajo la influencia del éxtasis, las personas a menudo toman las imágenes de su propia representación por realidad: "Dicen que las imágenes de representación (phantasmata) eran reales y que las recuerdan" (De memor. 1, 450 b 10-11). En general, la fantasía es mucho más débil que las sensaciones sensoriales reales. En Ret. I 11, 1370 a 28-29 Aristóteles afirma explícitamente: "La representación (fantasía) es una especie de sensación débil". Sin embargo, esta pasividad no debe eclipsar otro aspecto muy importante.

V) El hecho es que Aristóteles, al objetar a Platón sobre la cuestión de las ideas, como ya sabemos muy bien, en realidad no niega en absoluto la existencia de las ideas, sino que las sitúa inmanentemente en las cosas, en la realidad. Este inmanentismo, por otra parte, no puede entenderse a grandes rasgos. Esto sólo conduce al hecho de que la idea, junto con la cosa, se vuelve más patrón semántico complejo, se convierte forma expresiva, sin dejar de ser puro sentido. Aquí está la clave del "qué", o "forma", "eidos" aristotélico. Observamos el mismo simbolismo en Aristóteles y en su psicología. El alma se concibe como una forma pura del cuerpo, pero existe "no sin un cuerpo"(De an. II 2, 414 a 5-22), siendo, por tanto, la expresividad semántica del cuerpo (415 b 7-27). La percepción sensorial tiene eidos puro, pero no sin materia(417 b 28 - 418 a 6). La misma doctrina, finalmente, concerniente a pensamiento. Según Aristóteles, el pensar está en las mismas condiciones que la percepción sensible, es decir, es un estado pasivo bajo la influencia de lo pensable (III 4, 429 a 13-15). Pero lo concebible mismo es precisamente tal que no causa afecto, y por lo tanto la mente misma, propiamente hablando, está más allá del sufrimiento. Contiene eidos, y ahí está la potencia de todo lo concebible. Como quien todo lo piensa, no contiene ninguna mezcla. Es sólo la potencia del pensamiento completo. Y no participa en absoluto del cuerpo, porque de lo contrario sería cálido o frío y tendría algún tipo de órgano. Él - lugar de eidos, y sobre todo potencial. El pensamiento desarrollado ya crea una entelequia de pensamiento; aquí - entelequial eidos (429 a 15 - b 10). Pero la mente no es sólo pura y activa. También sufre porque no siempre está pensando. Dado que la mente es en sí misma, se piensa a sí misma, siendo independiente de cualquier cosa sensible, es el pensamiento del pensamiento y, en consecuencia, su propio expresión encuentra en conciencia de sí mismo(en este caso, pensar y lo pensable son idénticos, 430 a 3-5). En la medida en que piensa de otro modo, estando, por así decirlo, afectado por este otro, encuentra su expresión en pensamiento figurativo, o mejor, en lo intuitivamente realizado a través de un representante mental especial del pensamiento.

Aristóteles repite aquí la misma antinomia involuntaria que podemos enunciar en otros problemas: el alma no es cuerpo, pero no sin cuerpo; la sensación no es movimiento, pero no sin movimiento. En relación a la mente, Aristóteles dice directamente: "El alma nunca piensa sin una imagen" (aney phantasmatos) (III 7, 431 a 16-17), y las imágenes introducen en los pensamientos ese mismo "cambio", o, según nuestra interpretación, "expresión" lo que el respectivo medio de luz aporta al color en general.

"El principio pensante piensa el eidos en imágenes" (413 b 2).

"Puesto que, ciertamente, no hay una sola cosa que existiría separadamente de (sus) cantidades percibidas sensorialmente, lo concebible se da en el eidos sensible, mientras que tanto los llamados objetos abstractos como aquellos que están asociados con estados y por lo tanto, el quien no percibe nada sensualmente no puede reconocer ni comprender nada, y cuando contempla mentalmente, es necesario que contemple simultáneamente cierta imagen de la imaginación (phantasma), ya que esta imagen existe como imágenes de percepción (hösper aithёmata), excepto como la imaginación difiere de la afirmación y la negación, así la verdad o la falsedad es esta o aquella combinación de pensamientos. Pero, ¿en qué difieren los pensamientos primarios de las imágenes sensibles? Por supuesto, no son [simplemente] otras imágenes, sino ellos - no sin imágenes" (III 8, 432 a 3-14).

La mente es “pura” (III 5, 430 a 18, etc.), “eidos de eidos” (III 8, 432 a 1), no es algo que se mueva (III 9, 432 b 26-27) y ni siquiera es un alma en absoluto (II 2, 414 a 4-14), y por otro lado, energéticamente es imposible sin sensualidad. He aquí una repetición completa de los problemas que enunciamos en vista general en Metafísica: los eidos no son hechos, pero sólo tienen significado real en las cosas donde reciben su expresión final. Y así como allí la energía se da simbólicamente en las cosas expresividad semántica, así aquí el pensamiento se da simbólicamente en las imágenes sensuales, toda la misma expresividad semántica.

GRAMO) Es fácil ver qué letra pequeña pasividad Sobre toda esta estética se encuentra la descriptiva simbólica de Aristóteles. La fantasía para él es una conexión tranquila y muy equilibrada de pensamiento puro e imágenes sensuales, que convierte el pensamiento puro en figuratividad pictórica y expresividad, y hace que las imágenes sensuales pasen de ciegos y sordos a transparentemente simbólicos y artísticos. Esta conexión es, por supuesto, elemental: toda estética la postula en la primera página de su estudio de la psicología del arte. Sócrates exigió lo mismo, como sabemos, de los artistas; Platón utilizó deliberadamente la "sensibilidad" al construir su "mito probable" en el Timeo; Plotino también recordará su Mente pura por signos corporales, y así sucesivamente. etc. Pero toda estética antigua entiende esta conexión fundamental. internamente pasivo, contemplativo, "clásico"; Aristóteles, en contraste con las construcciones dialécticas del platonismo en el campo de la autoconciencia (la forma madura está en Plot. V 3) y en contraste con el naturalismo estoico-epicúreo ("desbordamientos", "átomos del alma", etc. ), da semántica expresiva descripción de la fantasía, da una fenomenología expresiva de esta antigua conciencia pasivo-plástica común del artista.

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Basado en la reproducción creativa del mundo circundante en imagenes artisticas. Además, en un sentido amplio, el arte puede significar el más alto nivel de habilidad en cualquier campo de actividad, ni siquiera directamente relacionado con la creatividad (por ejemplo, en la cocina, la construcción, las artes marciales, los deportes, etc.).

objeto(o sujeto) arte es el mundo en general y el hombre en particular, y la forma de existencia es una obra de arte como resultado de la actividad creadora. Obra de arte- la forma más alta del resultado de la creatividad.

Objetivos del arte:

distribución de bendiciones espirituales;
autoexpresión del autor.

Funciones del arte.

Cognitivo. El arte actúa como una fuente de información sobre el mundo o una persona.
Educativo. El arte influye en el desarrollo moral e ideológico del individuo.
estético. Refleja la necesidad espiritual de una persona de armonía y belleza. Forma el concepto de belleza.
hedonista. Cerca de la función estética, pero no forma el concepto de estética, sino que brinda una oportunidad para el placer estético.
profético. La función de tratar de prever el futuro.
Compensatorio. Sirve para restablecer el equilibrio psicológico; a menudo utilizado por psicólogos y psicoterapeutas (los fanáticos del programa Dom-2 compensan la falta de vida personal y emociones propias viéndolo; aunque no clasificaría este programa como arte).
Social. Simplemente puede proporcionar comunicación entre personas (comunicativo), o puede pedir algo (propaganda).
Entretenido(por ejemplo, la cultura popular).

Tipos de arte.

tipos de arte son diferentes, todo depende del criterio por el que se clasifiquen. La clasificación generalmente aceptada considera tres tipos de arte.

arte:
- estática (escultura, pintura, fotografía, decorativa, etc.);
- dinámico (por ejemplo, cine mudo, pantomima).

arte expresivo(o no pictórico):
- estática (arquitectura y literatura);
- dinámico (música, danza, coreografía).
Arte espectacular(teatro, cine, ópera, circo).

Según el grado de aplicación en La vida cotidiana el arte puede ser

aplicado (decorativo y aplicado);
elegante (música).

Por tiempo de creación:

tradicional (escultura, literatura);
nuevo (cine, televisión, fotografía).

En términos de espacio-tiempo:

espacial (arquitectura);
temporal (música);
espacio-temporal (cine, teatro).

Por el número de componentes utilizados.:

simple (música, escultura);
complejo (también es sintético: cine, teatro).

Hay muchas clasificaciones, y la definición y el papel del arte sigue siendo motivo de incesantes disputas y discusiones. Lo principal es diferente. El arte puede destruir la psique humana o curar, corromper o educar, oprimir o impulsar el desarrollo. Tarea la sociedad humana- desarrollar y fomentar precisamente los tipos de arte "ligeros".

Introducción 3

1. El concepto del art 4

2. Artes 5

3. Características cualitativas de las artes 6

4. Principios para la clasificación de los arts 12

5. Interacción de las artes 16

Conclusión 17

Referencias 18

Introducción

El arte, una de las formas de la conciencia social, parte integral de la cultura espiritual de la humanidad, un tipo específico de exploración práctico-espiritual del mundo. En este sentido, el arte incluye un grupo de variedades de la actividad humana -pintura, música, teatro, ficción, etc., combinadas por ser específicas-, formas artísticas y figurativas de reproducir la realidad.

La actividad artística y creativa de una persona se desarrolla en diversas formas, que se denominan tipos de arte, sus tipos y géneros. Cada tipo de arte se caracteriza directamente por la forma de existencia material de sus obras y el tipo de signos figurativos utilizados. Así, el arte, tomado como un todo, es un sistema históricamente establecido de varias formas específicas de exploración artística del mundo, cada una de las cuales tiene características que son comunes a todas y únicas individualmente.

El objetivo de esta prueba es estudiar todos los temas relacionados con las artes.

Para lograr el objetivo, es necesario resolver las siguientes tareas:

revelar el concepto de arte

considerar el concepto de una forma de arte

conocer las características de las artes

estudiar los principios de clasificación de las formas de arte

considerar la interacción de las artes

el concepto de arte

El arte es una de las áreas más importantes de la cultura y, a diferencia de otras áreas de actividad (ocupación, profesión, posición, etc.), generalmente es significativo, sin él es imposible imaginar la vida de las personas. Los comienzos de la actividad artística se notan incluso en la sociedad primitiva mucho antes del advenimiento de la ciencia y la filosofía. Y, a pesar de la antigüedad del arte, su papel insustituible en la vida humana, la larga historia de la estética, el problema de la esencia y la especificidad del arte sigue sin resolverse en gran medida. ¿Cuál es el secreto del arte y por qué es difícil dar una definición estrictamente científica del mismo? El caso es, en primer lugar, que el arte no es susceptible de formalización lógica, los intentos de revelar su esencia abstracta siempre han terminado en la aproximación o en el fracaso. 1

Se pueden distinguir tres significados diferentes de esta palabra, estrechamente relacionados entre sí, pero que difieren en su alcance y contenido.

En el sentido más amplio, el concepto de "arte" ( y esto , aparentemente el uso más antiguo de la misma) significa toda habilidad , actividad hábilmente realizada técnicamente, cuyo resultado es artificial en comparación con lo natural, lo natural. Es este significado el que se deriva de la antigua palabra griega "techne" - arte, habilidad.

El segundo significado, más limitado, de la palabra "arte" es la creatividad según las leyes de la belleza. . Tal creatividad se refiere a una amplia gama de actividades: la creación de cosas útiles, máquinas, esto también debe incluir el diseño y la organización de la vida pública y personal, la cultura del comportamiento cotidiano, la comunicación de las personas, etc. Hoy en día, la creatividad funciona con éxito de acuerdo con a las leyes de la belleza en diversas áreas del diseño.

La creatividad artística es un tipo especial de actividad social. , cuyos productos son valores estéticos espirituales especiales: este es el tercer y más estrecho sentido de la palabra "arte". Será objeto de mayor consideración.

Dios vive en los detalles. Abi Warburg

Un corazón generoso es el mejor inspirador de la mente. Alexander Bestúzhev

El arte, como la vida, no es para débiles. alexander bloque

El deber directo del artista es mostrar, no probar. alexander bloque

La inspiración es la disposición del alma hacia una viva aceptación de las impresiones y, en consecuencia, hacia una rápida comprensión de los conceptos, que contribuye a su explicación. alexander pushkin

El arte es posible solo cuando existe la necesidad de la autoconstrucción de la imagen, mediante el dominio del vocabulario, las formas y los elementos del contenido, y solo entonces proporciona comunicación. Alexey Fiódorovich Losev

Ninguna obra genial se ha basado jamás en el odio o el desprecio. Alberto Camus

La imaginación es más importante que el conocimiento. Albert Einstein

El arte es la expresión de los pensamientos más profundos. de una manera sencilla . Albert Einstein

El arte tiene dos enemigos peligrosísimos: el artesano que no está iluminado por el talento y el talento que no domina el oficio. Anatole de Francia

El arte es una realidad ordenada por el artista, que lleva el sello de su temperamento, que se manifiesta en el estilo. André Maurois

La expresividad para mí no consiste en la pasión, que de repente ilumina el rostro o se manifiesta en un movimiento tormentoso. Ella está en todo el orden de mi cuadro; el lugar que ocupan los objetos, los espacios entre ellos, sus relaciones, eso es lo que importa. La composición es la capacidad de disponer decorativamente los diversos elementos de una pintura para expresar los propios sentimientos. henri matisse

La trascendencia de un artista se mide por el número de nuevos signos que introduce en el lenguaje plástico. henri matisse

Cada parte del cuadro juega su papel, principal o secundario. Todo lo que no se necesita en la imagen lo daña. En el trabajo debe haber armonía de todas las partes; un detalle extra puede tomar el lugar de algo significativo en la mente del espectador. henri matisse

La tarea principal del color es servir como expresividad. henri matisse

Lo más importante para mí es la intención. Desde el principio es necesario tener una idea clara del conjunto. henri matisse

La precisión aún no es cierta (sobre la pintura). henri matisse

La experiencia es el conocimiento del individuo, y el arte es el conocimiento de lo general. Aristóteles

Todos deben pararse frente a la imagen como ante el rey, esperando a ver si ella le dirá algo y qué dirá exactamente, y tanto con el rey como con la imagen no se atreve a hablar primero, de lo contrario él sólo se escuchará a sí mismo. Arturo Schopenhauer

El arte requiere conocimiento. Bertolt Brecht

La señal inequívoca de que algo no es arte, o de que alguien no entiende de arte, es el aburrimiento. Bertolt Brecht

En pintura, quien habiendo dibujado un rostro, añade algo más, hace un cuadro, no un retrato. Blaise Pascual

A través de lo bello - a lo humano. Vasily Aleksandrovich Sukhomlinsky

La creación de una obra es el universo. Wassily Kandinsky

Simplicidad, verdad y naturalidad: estos son los tres signos principales de los grandes. Victor Hugo

Arte sin pensar que una persona sin alma es un cadáver. Vissarion Grigorievich Belinsky

Las desventajas siempre están donde termina la creatividad y comienza el trabajo. Vissarion Grigorievich Belinsky

Si la ciencia es la memoria de la mente, el arte es la memoria del sentimiento. Vladímir Alekseevich Soloukhin

Al representar algo, asumimos una enorme responsabilidad: comprender la naturaleza y representarla de la manera más completa posible. Vladímir Andreevich Favorsky

Un retratista que ya no quiere expresar en un retrato el carácter, la historia de una persona, ¿qué clase de retratista es ése, qué clase de artista es, para qué sirve? Vladímir Vasilievich Stasov

Ese es el único arte que responde a sentimientos y pensamientos reales, y no sirve como un dulce postre del que puedes prescindir. Vladímir Vasilievich Stasov

En el arte, la forma lo es todo, el material no vale nada. Enrique Heine

El arte tiene como tarea revelar la verdad en forma sensual. Georg Wilhelm Friedrich Hegel

El arte gana alejándose de la vulgaridad. Gueorgui Plejánov

La pintura es silencio apasionado. Gustavo Moreau

El cielo a través de las ramas, son perlas y piedras preciosas. Gustavo Moreau

El color debe pensarse, inspirarse, soñarse. Gustavo Moreau

El paisaje para los artistas suele ser un plato con espinacas. Gustavo Flaubert

El artista debe estar presente en su obra, como Dios en el universo: ser omnipresente e invisible. Gustavo Flaubert

Ni el arte ni la sabiduría pueden lograrse a menos que se aprendan. Demócrito

En el momento en que un artista piensa en el dinero, pierde su sentido de la belleza. Denis Diderot

El arte es encontrar lo extraordinario en lo ordinario y lo ordinario en lo extraordinario. Denis Diderot

Un país en el que se enseñara a dibujar de la misma manera que se enseña a leer y escribir, pronto superaría a todos los demás países en todas las artes, ciencias y oficios Denis Diderot

El arte sólo está en el lugar que le corresponde cuando está subordinado a la utilidad. Su tarea es enseñar con amor; y es vergonzoso cuando sólo agrada a las personas, y no les ayuda a descubrir la verdad. Juan Ruskin

Cuando el amor y la habilidad se unen, puedes esperar una obra maestra. Juan Ruskin

Se necesita un pincel, una mano y una paleta para pintar, pero ellos no crean la imagen en absoluto. jean chardin

Usan colores, pero escriben con sentimientos. jean chardin

No importa de dónde lo tomes, importa dónde (sobre la creatividad). Jean-Luc Godard

El que tiene imaginación pero no conocimiento tiene alas pero no piernas. José Joubert

La ciencia calma, el arte existe para no calmar. Jorge Braque

El arte serio, como cualquier negocio serio, requiere toda una vida. Iván Alexandrovich Goncharov

En toda obra de arte, grande o pequeña, hasta la más pequeña, todo se reduce a un concepto. johann wolfgang goethe

El arte es un espejo donde cada uno se ve a sí mismo. johann wolfgang goethe

El arte es el medio de lo que no se puede expresar. johann wolfgang goethe

Todo artista tiene coraje, sin el cual el talento es impensable. johann wolfgang goethe

El poeta es el maestro de la inspiración. Él debe mandarlos. johann wolfgang goethe

La técnica combinada con la vulgaridad es el enemigo más terrible del arte. johann wolfgang goethe

Precisamente porque el verdadero arte aspira a algo real y objetivo, no puede contentarse con la sola apariencia de la verdad. Johan Friedrich Schiller

Las malas imágenes son generalmente malas no porque estén mal escritas, están mal escritas porque están mal concebidas. Johannes Robert Becher

Las leyes y las teorías son buenas en una situación de incertidumbre. En momentos de inspiración, las tareas se resuelven intuitivamente, por sí mismas. johannes itten

La naturaleza no necesita ser copiada, pero sí para sentir su esencia y liberarla de accidentes. isaac levitan

Nunca me apresuro en los detalles. Camila Corot

Si quieres disfrutar del arte, entonces debes ser una persona educada artísticamente. Carlos Marx

Una pintura es un poema sin palabras. Quinto Horacio Flaco

La tarea del arte es excitar los corazones. Claude Adrián Helvetius

El trabajo de un artista es crear alegría. Konstantin Georgievich Paustovsky

No hay arte sin experiencia. Konstantin Sergeevich Stanislavsky

Simplicidad, verdad y naturalidad: estos son los tres grandes principios de la belleza en todas las obras de arte. Christoph Gluck

Donde el pensamiento no trabaja junto con la mano, no hay artista. Donde el espíritu no guía la mano del artista, no hay arte. leonardo da vinci

El pintor que dibuja sin sentido, guiado por la práctica y el juicio del ojo, es como un espejo que refleja todos los objetos opuestos a él, sin tener conocimiento de ellos. leonardo da vinci

La pintura es poesía que se ve, y la poesía es pintura que se escucha. leonardo da vinci

Hay tres clases de personas: los que ven; los que ven cuando se les muestra; y los que no ven. leonardo da vinci

El verdadero artista está desprovisto de vanidad, comprende demasiado bien que el arte es ilimitado. Ludwig van Beethoven

Hay talento en la idea, arte en la ejecución. María Ebner-Eschenbach

Todas las artes consisten en la exploración de la verdad. Marcos Tulio Cicerón

La pintura es celosa y exige que una persona le pertenezca por completo. Miguel Ángel Buonarroti

Sin un sentido de modernidad, el artista no será reconocido. Mijail Mijailovich Prishvin

Dios Creador creó al hombre a su imagen y semejanza, es decir, al creador, y lo llamó a la libre creatividad, y no a la obediencia formal a su poder. La libre creatividad es la respuesta de la criatura a la gran llamada del Creador. Y la proeza creadora del hombre es el cumplimiento de la voluntad secreta del Creador, que exige un acto creativo libre. Nikolái Berdiaev

El arte se esfuerza invariablemente por el bien, positiva o negativamente: ya sea que nos exponga a la belleza de todo lo mejor que hay en el hombre, o que se ría de la fealdad de todo lo peor del hombre. Si expones toda la basura que hay en una persona, y la expones de tal manera que cada uno de los espectadores reciba un disgusto completo por ello, pregunto: ¿no es esto ya un elogio por todo lo bueno? Pregunto: ¿no es esto una alabanza a la bondad? Nikolái Gogol

Las artes suavizan la moral. Ovidio

En esencia, no hay un estilo hermoso, ni una línea hermosa, ni un color hermoso, la única belleza es la verdad,
que se hace visible. augusto rodin

La tarea del arte no es copiar la naturaleza, sino expresarla. Debemos captar la mente, el significado, la apariencia de las cosas y los seres. Honoré de Balzac

El arte es la vestimenta de la nación. Honoré de Balzac

La verdad de la naturaleza no puede ser ni será nunca la verdad del arte. Honoré de Balzac

El arte no refleja la vida, sino el espectador. Oscar Wilde

El arte no representa lo visible, sino que lo hace visible. Pablo Klee

Para ser verdaderamente amable, una persona debe tener una imaginación vívida, debe poder imaginarse a sí mismo en el lugar de otro. La imaginación es el mejor instrumento de la perfección moral. Percy Shelley

El estudiante no copia por imitación, sino por deseo de incorporarse al misterio de la Imagen. Petr Mitúrich

La inspiración es un invitado al que no le gusta visitar a los perezosos. Piotr Tchaikovsky

Las creaciones de los cuerdos serán eclipsadas por las creaciones de los violentos. Platón

Incluso el objeto más familiar a la vista cambia por completo cuando tratamos de dibujarlo: nos damos cuenta de que no lo conocíamos, de que, de hecho, nunca lo habíamos visto. pablo valery

La pintura te permite ver las cosas como eran antes, cuando se miraban con amor. pablo valery

Hay dos cosas en el artista: el ojo y el cerebro, y deben ayudarse mutuamente, es necesario trabajar para desarrollarlos: el ojo, su visión de la naturaleza, el cerebro, la lógica de las impresiones organizadas que proporcionan medios de expresión. . Paul Cezanne

El arte es un rincón de la naturaleza, visible a través de un cierto temperamento. Paul Cezanne

Es imposible separar dibujo y color; a medida que escribe, dibuja, cuanto más armonioso se vuelve el color, más concreto se vuelve el dibujo. Cuando el color se da en su riqueza de colores, entonces la forma aparece en su plenitud.

Los contrastes y las relaciones tonales son el secreto del dibujo y del modelo. Paul Cezanne

No hay arte sin ejercicio, y no hay ejercicio sin arte. Protágoras

Nada real se crea en el arte sin entusiasmo. Roberto Schumann

Enviar luz a las profundidades del corazón humano: este es el propósito del artista. Roberto Schumann

El objetivo más alto al que puede servir el arte es la capacidad de las personas para comprender la vida más profundamente y amarla más. Rockwell Kent

Ay del artista que busca mostrar su talento y no su imagen. Romain Rolland

El arte merece respeto y amor solo si es verdaderamente humano y atrae decididamente a todas las personas, y no solo a un puñado de pedantes. Romain Rolland

El artista piensa con un dibujo. Salvador Dalí

Las artes son útiles sólo si desarrollan la mente y no la distraen. Séneca Lucius Annaeus (el Joven)

En algunas fuentes de inspiración, las musas se lavan los pies. Stanislav Jerzy Lec

No hay nuevas direcciones en el arte, hay una cosa: de persona a persona. Stanislav Jerzy Lec

Nuestra imaginación no se mueve de placer en placer, sino de esperanza en esperanza. samuel johnson

No son los colores los que embellecen las figuras, sino un buen dibujo. tiziano vecellio

La inspiración da la imagen, pero no la viste. Federico García Lorca

La imaginación es sinónimo de la capacidad de descubrir. Federico García Lorca

Sin imaginación no hay arte, como no hay ciencia. Franz Liszt

En todas las formas de arte es necesario experimentar aquellas sensaciones que se quiere evocar en los demás. Federico de Stendhal

Nunca he separado al artista del pensador, como no puedo separar la forma de arte del pensamiento artístico. Federico de Stendhal

La arquitectura es música congelada. Federico Schelling

La pintura de los que aprenden de mí está viva, y los que me imitan están sin vida, muertos. Qibai Shi

Si echamos un vistazo al entorno que nos rodea, ya sea un paisaje o un interior, notaremos que entre las cosas que aparecen ante nuestros ojos, existe una especie de conexión creada por la atmósfera que las envuelve y diversos reflejos de luz, que, por así decirlo, involucran a cada objeto en una cierta armonía común. eugenio delacroix

La pintura es un arte tranquilo, y esto, en mi opinión, es su considerable mérito. eugenio delacroix

La pereza es, por supuesto, el mayor obstáculo para el desarrollo de nuestras habilidades. eugenio delacroix

El mayor triunfo de un artista es si hace pensar y sentir a quienes son capaces de pensar y sentir. eugenio delacroix

Sin embargo, el realista más obstinado se ve obligado, al transmitir la naturaleza, a recurrir a ciertas convenciones de composición o forma. Cuando se trata de composición, no puede simplemente tomar una sola pieza, o incluso varias piezas, y hacer una imagen con ella. Es necesario ponerle una idea para presentar al espectador algo más que una conexión aleatoria de partes inconexas, sin las cuales no habría arte. eugenio delacroix

El talento no es más que el don de generalizar y elegir. eugenio delacroix

La capacidad de transmitir el todo es el signo principal de un verdadero artista. eugenio delacroix

El hábito de dibujar exactamente lo que vemos nos da la habilidad correspondiente de dibujar exactamente lo que pensamos... Joshua Reynolds

por Masterweb

11.06.2018 20:00

En el sentido más simple, el arte es la capacidad de una persona para convertir algo hermoso en realidad y recibir placer estético de tales objetos. También puede ser una de las formas de conocer, llamada maestría, pero una cosa es cierta: sin el arte, nuestro mundo sería insípido, aburrido y nada emocionante.

parada terminológica

En el sentido más amplio, el arte es un tipo de habilidad, cuyos productos brindan placer estético. Según las entradas de la Encyclopædia Britannica, el criterio principal para el arte es la capacidad de provocar una respuesta de otras personas. A su vez, la Gran Enciclopedia Soviética dice que el arte es una de las formas de la conciencia social, que es el principal componente de la cultura humana.

No importa lo que digan los demás, pero el debate en torno al término "arte" lleva mucho tiempo. Por ejemplo, en la era del romanticismo, el arte se consideraba una característica de la mente humana. Es decir, entendían este término de la misma manera que religión y ciencia.

artesanía especial

En el primerísimo y más común sentido, el concepto de arte se descifró como “artesanía” o “composición” (también es creación). En pocas palabras, se podría llamar arte a todo lo que fue creado por una persona en el proceso de inventar y comprender una determinada composición.

Hasta el siglo XIX, arte era el nombre que se le daba a la capacidad de un artista o cantante para expresar su talento, cautivar al público y hacerlo sentir.

El concepto de "arte" se puede utilizar en una variedad de áreas de la actividad humana:

el proceso de expresión del talento vocal, coreográfico o actoral;
obras, objetos físicos creados por maestros de su oficio;
el proceso de consumo de obras de arte por parte del público.

Resumiendo, podemos decir lo siguiente: el arte es una especie de subsistema de la esfera espiritual de la vida, que es una reproducción creativa de la realidad en imágenes artísticas. Esta es una habilidad única que puede causar la admiración del público.

Un poco de historia

Se ha hablado del arte en la cultura mundial desde la antigüedad. Arte primitivo (a saber arte fino, también es un dibujo rupestre) apareció junto con el hombre en la era del Paleolítico Medio. Los primeros objetos que pueden identificarse con el arte como tal aparecieron en el Paleolítico Superior. Las obras de arte más antiguas, como los collares de conchas, datan del 75.000 a.

En la Edad de Piedra, los rituales primitivos, la música, las danzas y las decoraciones se llamaban arte. En general, el arte moderno tiene su origen en antiguos rituales, tradiciones, juegos, que fueron condicionados por ideas y creencias mitológicas y mágicas.

Del hombre primitivo

En el arte mundial, se acostumbra señalar varias épocas de su desarrollo. Cada uno de ellos adoptó algo de sus antepasados, agregó algo propio y lo dejó a sus descendientes. De siglo en siglo, el arte adquirió una forma cada vez más compleja.

El arte de la sociedad primitiva consistía en música, cantos, rituales, danzas e imágenes que se aplicaban a pieles de animales, tierra y otros objetos naturales. En el mundo de la antigüedad, el arte tomó una forma más compleja. Se desarrolló en las civilizaciones egipcia, mesopotámica, persa, india, china y otras. Cada uno de estos centros surgió con su propio estilo de arte único, que ha perdurado más de un milenio y aún hoy tiene un impacto en la cultura. Por cierto, los artistas griegos antiguos fueron considerados los mejores (incluso mejores que los maestros modernos) en la representación del cuerpo humano. Solo ellos lograron de una manera increíble representar a fondo los músculos, la postura, elegir las proporciones correctas y transmitir la belleza natural de la naturaleza.

Edad media

Durante la Edad Media, las religiones tuvieron una influencia significativa en el desarrollo del arte. Esto es especialmente cierto para Europa. El arte gótico y bizantino se basaba en verdades espirituales e historias bíblicas. En aquella época, en Oriente y en los países del Islam, se creía que el dibujo de una persona no era más que la creación de un ídolo, lo cual estaba prohibido. Por lo tanto, la arquitectura, los ornamentos estaban presentes en las artes visuales, pero no había persona. Elaboración de caligrafía y joyería. En la India y el Tíbet, la danza religiosa fue el arte principal, seguida de la escultura.

Una amplia variedad de artes floreció en China, no fueron influenciadas ni presionadas por ninguna religión. Cada época tuvo sus propios maestros, cada uno de ellos tenía su propio estilo, que perfeccionaron. Por lo tanto, cada obra de arte lleva el nombre de la época en la que fue creada. Por ejemplo, un jarrón de la era Ming o una pintura de la era Tang. En Japón, la situación es la misma que en China. El desarrollo de la cultura y el arte en estos países fue bastante original.

Renacimiento

Durante el Renacimiento, el arte vuelve nuevamente a los valores materiales y al humanismo. Las figuras humanas adquieren su fisicalidad perdida, la perspectiva aparece en el espacio y los artistas se esfuerzan por reflejar la certeza física y racional.

En la era del romanticismo, las emociones aparecen en el arte. Los maestros tratan de mostrar la individualidad humana y la profundidad de las experiencias. Empiezan a aparecer múltiples estilos artísticos como el academicismo, el simbolismo, el fauvismo, etc. Es cierto que su siglo fue corto, y se puede decir que las direcciones anteriores, espoleadas por el horror de las guerras vividas, renacieron de las cenizas.

En camino a la modernidad

En el siglo XX, los maestros buscaban nuevas posibilidades visuales y estándares de belleza. Debido a la creciente globalización, las culturas comenzaron a interpenetrarse e influirse entre sí. Por ejemplo, los impresionistas se inspiraron en los grabados japoneses, la obra de Picasso estuvo significativamente influenciada por arte India. En la segunda mitad del siglo XX, el desarrollo de diversas áreas del arte estuvo influenciado por el modernismo, con su inexorable búsqueda idealista de la verdad y normas rígidas. Período arte contemporáneo Llegó cuando se decidió que los valores son relativos.

Funciones y propiedades

En todo momento, los teóricos de la historia del arte y los estudios culturales han dicho que el arte, como cualquier otro fenómeno social, se caracteriza por diferentes funciones y propiedades. Todas las funciones del arte se dividen condicionalmente en motivadas y no motivadas.

Las funciones inmotivadas son propiedades que forman parte integral de la naturaleza humana. En pocas palabras, el arte es algo a lo que los instintos empujan a una persona y que va más allá de lo práctico y útil. Estas funciones incluyen:

Instinto básico de armonía, ritmo y equilibrio. Aquí el arte se manifiesta no en una forma material, sino en un deseo interior sensual de armonía y belleza.
Sensación de misterio. Se cree que el arte es una de las formas de sentir la conexión con el universo. Este sentimiento surge de manera inesperada al contemplar imágenes, escuchar música, etc.
Imaginación. Gracias al arte, una persona tiene la oportunidad de usar la imaginación sin restricciones.
Dirigiéndose a muchos. El arte permite al creador dirigirse al mundo entero.
rituales y símbolos. Algunas culturas modernas tienen coloridos rituales, bailes y actuaciones. Son una especie de símbolos y, a veces, solo formas de diversificar el evento. Por sí mismos, no persiguen ningún fin, pero los antropólogos ven en cada movimiento el significado establecido en el proceso de desarrollo de la cultura nacional.

Funciones motivadas

Las funciones motivadas del arte son las metas que el creador se propone conscientemente cuando comienza a crear una obra de arte.

En este caso, el arte puede ser:

Un medio de comunicación. En su forma más simple, el arte es una forma de comunicación entre personas, a través de la cual se puede transmitir información.
Entretenimiento. El arte puede crear un estado de ánimo apropiado, ayuda a relajarse y distraerse de los problemas.
Para cambiar. A principios del siglo XX se crearon muchas obras que provocaron cambios políticos.
Para psicoterapia. Los psicólogos suelen utilizar el arte con fines medicinales. La técnica basada en el análisis del patrón permite realizar un diagnóstico más preciso.
Por el bien de la protesta. El arte se usaba a menudo para protestar contra algo o alguien.
Propaganda. El arte también puede ser un medio de difusión de propaganda, a través del cual se puede influir discretamente en la formación de nuevos gustos y estados de ánimo entre el público.

Como se puede ver en las funciones, el arte juega un papel importante en la vida de la sociedad, influyendo en todas las esferas de la vida humana.

tipos y formas

Inicialmente, el arte se consideraba indiviso, es decir, el complejo general de la actividad creativa. Para el hombre primitivo, no había ejemplos separados de arte como el teatro, la música o la literatura. Todo se fusionó en uno. Solo después de un tiempo comenzaron a aparecer diferentes tipos de arte. Este es el nombre de las formas históricamente establecidas de reflexión artística del mundo, que se utilizan para crear diferentes medios.

Según los medios utilizados, se distinguen las siguientes formas de arte:

Literatura. Utiliza medios verbales y escritos para crear muestras de arte. Aquí se distinguen tres géneros principales: drama, épica y lírica.
Música. Se divide en vocal e instrumental, para crear muestras de arte se utilizan medios sonoros.
Bailar. Los movimientos plásticos se utilizan para crear nuevos patrones. Asignar ballet, ritual, salón de baile, arte moderno y popular de la danza.
Cuadro. Con la ayuda del color, la realidad se muestra en un plano.
Arquitectura. El arte se manifiesta en la transformación del entorno espacial con estructuras y edificios.
Escultura. representa obras de arte, que tienen volumen y forma tridimensional.
Arte decorativo y aplicado. Esta forma está directamente relacionada con las necesidades aplicadas, estos son objetos artísticos que se pueden utilizar en la vida cotidiana. Por ejemplo, platos pintados, muebles, etc.
Teatro. Con la ayuda de la actuación, se representa en el escenario una acción escénica de un tema y un personaje específicos.
Circo. Un tipo de acción espectacular y entretenida con números divertidos, insólitos y arriesgados.
Película. Podemos decir que esta es la evolución de la acción teatral, cuando todavía se utilizan medios audiovisuales modernos.
Foto. Consiste en fijar imágenes visuales por medios técnicos.

A las formas enumeradas, también se pueden agregar géneros de arte como arte de variedades, gráficos, radio, etc.

El papel del arte en la vida humana.

Es extraño, pero por alguna razón se cree que el arte está destinado solo a los estratos altos de la población, la llamada élite. Para otras personas, este concepto es supuestamente ajeno.

El arte suele identificarse con la riqueza, la influencia y el poder. Después de todo, son estas personas las que pueden permitirse comprar cosas hermosas, indecentemente caras y absurdamente inútiles. Tomemos, por ejemplo, el Hermitage o el Palacio de Versalles, que conservan ricas colecciones de los monarcas del pasado. Hoy en día, los gobiernos, algunas organizaciones privadas y los muy ricos pueden permitirse este tipo de colecciones.

A veces uno tiene la impresión de que el papel principal del arte en la vida humana es mostrar a los demás estatus social. En muchas culturas, las cosas caras y elegantes muestran la posición de una persona en la sociedad. Por otro lado, hace dos siglos hubo intentos de hacer más accesible el arte elevado al público en general. Por ejemplo, en 1793 se abrió al público el Louvre (hasta entonces propiedad de los reyes franceses). Con el tiempo, esta idea fue recogida en Rusia ( Galería Tretiakov), USA (Museo Metropolitano) y otros países europeos. Aún así, las personas que tienen su propia colección de arte siempre serán consideradas más influyentes.

sintético o real

EN mundo moderno hay una gran variedad de obras de arte. Adquieren varios tipos, formas, medios de creación. Lo único que ha permanecido invariable es el arte popular, en su forma primitiva.

Hoy en día, incluso una idea simple se considera arte. Es gracias a las ideas, la opinión pública y los comentarios de la crítica que obras como Black Square, el juego de té cubierto de piel natural o la fotografía del río Rin que se vendió por $ 4 millones disfrutan de un éxito duradero. Es difícil llamar arte real a estos y otros objetos similares.

Entonces, ¿qué es el verdadero arte? En general, estas son obras que te hacen pensar, hacer preguntas, buscar respuestas. El arte real atrae, quiero conseguir este artículo a toda costa. Incluso en la literatura, los clásicos rusos escribieron sobre esta fuerza de atracción. Entonces, en la historia de Gogol "Retrato" protagonista gasta sus últimos ahorros en adquirir un retrato.

El verdadero arte siempre hace a una persona más amable, más fuerte y más sabia. Al poseer un conocimiento y una experiencia invaluables que se han recopilado durante muchas generaciones y ahora están disponibles en una forma aceptable, una persona tiene la oportunidad de desarrollarse y mejorar.

El verdadero arte siempre se hace desde el corazón. No importa lo que sea: un libro, una imagen, música, una obra de teatro. El espectador sentirá. Asegúrese de sentir lo que el creador quería transmitir. Siente sus emociones, comprende sus pensamientos, acompáñalo en busca de respuestas. El arte real es una conversación inaudible entre un autor y una persona, después de la cual el oyente/lector/espectador nunca volverá a ser el mismo. Eso es el verdadero arte. Un auténtico puñado de sentimientos concentrados. Como escribió Pushkin, debería quemar los corazones de las personas, y pase lo que pase, con un verbo, pincel o instrumento musical. Tal arte debería servir a las personas e inspirarlas a cambiar, entretener cuando están tristes e inspirar esperanza, especialmente cuando parece que no hay salida. Es la única manera, no puede ser de otra manera.

Hoy en día hay muchos objetos extraños, a veces incluso ridículos, que se llaman obras de arte. Pero si no son capaces de "engancharse a lo vivo", entonces no pueden relacionarse con el arte a priori.

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