Arte. Funciones y tipos de arte.

1. Dinámica probable por problemas, o oportunidades.

Sin embargo, no es necesario involucrarse en una sola formación y solo una acción que difiere del tema del arte del tema de la ciencia. Es necesario recordar todo el tiempo que en el campo del arte tenemos un caso no solo con la acción, ya que con la estructura orgánica de convertirse, sino que la misma formación surgió aquí en Aristóteles como resultado de la oposición al razonamiento categórico. (así como una necesidad lógica) es exactamente la posibilidad problemática. Solo aprovechando esta oportunidad en el área de las mentes puras en el aspecto de un inherente orgánico en que se convierte en posibilidades sólidas, primero obtenimos una imagen más o menos completa del tema del arte.

Aristóteles escribe: "... El desafío del poeta no es hablar de lo que sucedió (TA Genomena), sino sobre lo que podría suceder, sobre la posibilidad de probabilidad o necesidad" (poeta. 9, 1451 a 36 - b 1) . Entonces, Aristóteles una vez que se ha roto con el tema del arte, como con la realidad real. Los hechos desnudos, tomados por sí mismos, no están interesados \u200b\u200ben el poeta. Se interesa por el hecho de que él no es percibido por sí mismo, sino como una fuente de otros posibles artículos y representaciones, o, como diríamos, la imagen de arte siempre es simbólico o mejor expresivamente simbólico Siempre indica algo más y llama a otro.

Los pensamientos de Aristóteles en este sentido sonan bastante categóricamente:

"El historiador 158 y el poeta difieren no por el hecho de que uno habla versos, y otra prosa. Después de todo, las composiciones de Herodota podrían moverse a los poemas y, sin embargo, sería la misma historia en metros, como medidores. Los La diferencia es que uno cuenta sobre lo que sucedió (TA Genomena), el otro, sobre lo que podría suceder "(B 1-6).

2. La naturaleza generalizada de esta característica.

Finalmente, según Aristóteles, es imposible que un tema artístico que haya declarado solo una oportunidad para una disminución de alguna manera, y con respecto a la comunidad y en relación con la imagen persuasiva. Sería posible pensar que si el artista fue prescrito para retratar, no lo que es, pero lo que podría ser, el artista habría desatado las manos con respecto a la imagen de cualquier cosa. No, esto no puede ser de ninguna manera, porque no olvidaremos que todo el área de la posibilidad es tomada por toda la misma mente teórica que siempre funciona solo con categorías compartidas.

"La poesía contiene un elemento más filosófico y serio que la historia: representa mas general E historia - privado. El general consiste en la imagen de lo que tiene que hablar o hacer por probabilidad o por la necesidad de una persona que tiene esas u otras cualidades. La poesía busca a esto, dando nombres a los que actúan. Y privado,, por ejemplo, lo que hizo Alkiviad, o lo que le sucedió "(B 6-12).

3. Arte de moda.

Es importante tener en cuenta aquí que lo posible, sobre qué interpretación de arte siempre se caracteriza por algunos nombres Ahora diríamos lo contrario. Después de todo, todavía se trataba fundamentalmente, solo una razón limpia o teórica, que actúa con la ayuda de categorías generales. Pero después de todo, la obra de arte no es solo un sistema de categorías lógicas. Siempre es una imagen de cierto. personas con sus nombres y ciertos comportamiento Que con estas personas ocurren. Sobre la acción, Aristóteles ya ha dicho, pero aún no se ha dicho sobre los héroes del trabajo artístico. Y solo ahora dice que la obra de arte siempre opera con aquellos u otros. nombres Es decir, con aquellos u otros héroes con ciertos nombres. Si la comedia es importante en la ventaja de la propia Fabul, y los nombres pueden estar en cualquier lugar, y si hay nombres en el Yambridge, pero no se representa (B 12-15), es bastante diferente sobre la tragedia, donde También se le da un cierto mito de la pófula, es decir, un cierto conjunto de acciones, y da "nombres", es decir, los héroes que llevan ciertos nombres que les pertenecen, y como la mitología se refiere al pasado, entonces la cuestión de su real. La realidad ya no se eleva. Una vez que algo lo era, significa que podría ser; Y, por lo tanto, la tragedia satisface completamente el principio artístico de la posibilidad, por no mencionar a su persuasivo, derivado de aquí, y, en consecuencia, sobre su realismo peculiar, no solo no solo contradictorio el principio de posibilidad, sino que lo está llevando a cabo más brillantemente.

Aquí está lo que leemos de Aristóteles sobre esto:

"En la tragedia se adhieren a los nombres tomados del pasado. La razón de esto es que es posible [es decir, en este caso, el incidente] causa confianza en la posibilidad de lo que aún no ha sucedido, no creemos; pero Lo que sucedió es, obviamente, tal vez ya que no habría sucedido si no fuera posible. Sin embargo, en algunas tragedias, solo se encuentra uno o dos nombres conocidos, mientras que otros son ficticios como, por ejemplo, en la "flor" de AGAFON. En Esto funciona el mismo ficticio y eventos y nombres, pero aún así le da placer "(B 15-23).

Es importante aquí no solo la latitud del horizonte artístico de Aristóteles, sino que es importante aquí y el hecho de que entre estos argumentos sobre la integridad, la generalidad, el realismo peculiar de la imagen mitológica, no se olvida de decir también en relación con el La tragedia del placer (eypraifiein, o, o más bien, se traduciría, "alegría").

En conclusión, Aristóteles enfatiza de nuevo. nofactaridad Trabajo artístico, a saber, su fabricación, fabricación, descriptiva creativa, su imagen virtuoso, que, según Aristóteles, siempre se lleva a cabo por su creación efectiva:

"No debe necesariamente su tarea de adherirse a los mitos conservados por la leyenda, en el área de la cual gira la tragedia. Sí, y es gracioso lograrlo, ya que incluso los famosos conocidos por ser un poco, y Mientras tanto, le da placer a todos. De esto está claro que el poeta debe ser más creador Fabul, que los medidores, ya que él es el creador está inspirado porque se reproduce, y reproduce acciones. Incluso si tiene que retratar eventos reales, él es Sigue siendo un creador, ya que nada evita que algunos eventos válidos tengan probabilidades y oportunidades. Es por eso que él es su creador "(B 23-33).

4. Expresión como elegida estética del objeto de arte.

Ahora, finalmente, nos acercamos a la comprensión aristotélica del arte como una esfera de expresión. Después de todo, se hace aquí donde está claro que este tipo de teoría del sujeto artístico, diseñado no solo para el contenido, sino en el diseño virtuoso de cualquier contenido que, además del placer específico, es solo estético. expresiones Cuando no sea importante que exista objetivamente, y no lo que sea ficticio en el orden de la arbitrariedad subjetiva, sino la virtuosidad de la expresión en sí y el placer específico asociado con él.

pero) En la última de las citas anteriores, estábamos convencidos de que Aristóteles, aunque muy amados por los conocidos parcelas mitológicas, sin embargo, creía que la obra de arte no dependía de estas parcelas conocidas y comprensibles. Las historias pueden ser completamente desconocidas para el público y completamente incomprensible en su novedad, y sin embargo, el público puede recibir placer estético de estas parcelas. ¿Y por qué? Porque para Aristóteles en el trabajo artístico, es importante no "eso", sino "como", o más bien, la fusión completa de ambos en uno expresivo y, por lo tanto, convincente de imágenes formales-estructurales. A continuación, veremos cómo Aristóteles y el origen del arte determinan la tendencia natural de una persona a la "imitación", es decir, a la reconciliación creativa de todo lo que lo rodea, y para obtener placer de tanta imitación.

b) Ahora daremos un razonamiento muy interesante de Aristóteles en "Politics":

"Los niños deben recibir capacitación mediante sujetos generalizados, no solo en interés del beneficio recibido de esto, por ejemplo, el aprendizaje, sino también porque, gracias a esta capacitación, es posible informarles una serie de otra información. Esto es El caso con el dibujo: Estamos estudiando no para no caer en un error en tus propios hechos o no sufrir un engaño con una compra o venta de utensilios caseros, pero el dibujo está estudiando porque desarrolla los ojos al determinar la belleza física. En general , solo es menos antes de buscar solo un beneficio de personas de altas cualidades y regalos mentales "(VIII 3, 1388 A 37 - 1388 B 4).

En otras palabras, un sujeto artístico, según Aristóteles, de la misma manera y es vital y vital. El arte es un área completamente específica donde no dice "sí", ni "no", y, sin embargo, siempre es la esfera de posibles declaraciones y negaciones. Esta es la esfera de las acciones de formación expresivas. Esta es una música especialmente diferente (Polit. VIII 4-5), ya que nos aseguraremos de esto a continuación al considerar la criatura de la música y la educación musical.

en) Que lo bello generalmente arriba es simplemente físico, se puede ver en el razonamiento de Aristóteles (ética. Nic. III 12) que para un soldado de puño me complace conseguir una corona y honores, pero duele los golpes durante la lucha, y Los actos valientes están comprometidos por un propósito excelente y para evitar la vergüenza, aunque las heridas y la muerte no representan en absoluto algo hermoso o agradable. Aristóteles quiere decir aquí que hermosa efectivamente, pero no en el sentido de puramente físico.

"En las obras de arte, la perfección (a ey) se encuentra con ellos mismos, y es suficiente que estas obras aparezcan de acuerdo con las reglas que se encuentran en la técnica" (II 3, 1105 A 27-28).

"Por lo tanto, el arte no puede ser criticado porque representa los artículos incorrectos, imposibles o increíbles. Por supuesto, sería mejor si todas las artes representadas en el arte serían objetivamente correctas, y objetivamente posible, y objetivamente probables, pero, si, por favor de Ejemplo, se muestra un caballo con dos piernas correctas presentadas, el pintor criticado para ella critica a la pintura en absoluto, sino solo la inconsistencia de su realidad. La imagen del arte puede incluso ser objetivamente imposible. Sin embargo, es preferible a la Poesía, pero probable, que es posible, pero increíble "(poeta. 25, 1460 B 6 - 1461 a 9; 11-12).

La estructura estructural virtuoso de la obra de arte Aristóteles asume y luego, cuando se aprecia en la tragedia, la mayor conexión entre los eventos, es decir, lo que él llama el "mito", y no el más evento. Por ejemplo, la tragedia, según Aristóteles, es posible incluso sin una imagen de caracteres, pero no es posible sin eventos descomprimidos y claramente pronunciados. Esto también se aplica a todas las demás artes.

"Sin la acción de la tragedia, es imposible, y sin personaje posible" (6, 1450 a 24-25). "Lo mismo se nota entre los artistas, por ejemplo, si compara Zevxid con un polígono: un buen pintor característico, y la letra de Zevxid no tiene nada característica" (y 27-29). "Si alguien está conectando ligeramente los refranes característicos y las bellas palabras y los pensamientos, no cumplirá con las tareas de la tragedia, y mucho más alcanzará su tragedia, aunque solía oculte en menor medida, pero con una composición fabul y una composición adecuada. de eventos "(un 29-33).

En consecuencia, el significado artístico de la tragedia es solo como parte del incidente, es decir, en su estructura, y no en los incidentes como tales. Esto sucede en la pintura.

"Si alguien generalizaba las mejores pinturas de desorden, ni siquiera puede ofrecer tal placer como el dibujo con tiza" (y 33-36).

5. Sesión filosófica de la autoprisis estructural del arte.

Desafortunadamente, en este momento no podemos por una falta de lugar para traer completamente la justificación filosófica de la naturaleza estructural de la artística, que en realidad está en Aristóteles. El primer tratado, que sigue en el "Organon" para "categorías", se llama "sobre la interpretación". El hecho es que, además de ser tomado en sí mismo, siempre hay una u otra interpretación para una persona, una interpretación particular de su interpretación. Esta interpretación es, por supuesto, y en relación con todo el espacio, tomado en su conjunto. Pero tal interpretación del cosmos, como lo sabemos bien, es una mente cósmica para Aristóteles. En el mencionado tratado Aristóteles. protege los derechos de la interpretación humana de estar frente al ser. La interpretación tiene una naturaleza específica: no todo lo que realmente en ser muy, es cierto y está pensando; Y la mayor contradicción de que Aristóteles prohíbe por ser, bastante posible al pensar. Entonces, "ser" y "no ser" es una contradicción inaceptable. Sin embargo, al pensar, además de la modalidad real y categórica, también hay otras modalidades con respecto a las que no tiene sentido hablar de verdad o mentiras. Tal es la esfera completa del posible ser. No se puede decir sobre él que es cierto, ya que aún no lo es, ni el hecho de que sea falso, ya que aún no está aprobado por supuesto. Y especialmente la sorprendente es en este tratado que Aristóteles nos envía precisamente a la poética y la retórica para considerar este tipo de ser para quien no se aprueba nada y no se negocia.

Aristóteles escribe:

"Ninguna pregunta concluye [Juicio], pero solo aquel en el que la verdad o la falsedad de cualquier cosa, por ejemplo," deseo "(EYCHE) es un discurso, pero no verdadero o falso. El resto del discurso se libera aquí , Para el estudio de ellos más ilumina la retórica o la poética; Sólo el juicio (Logos Apophanticos) se refiere a la presente consideración "(de interpretación. 4, 17 a 2-7).

Por lo tanto, la imposibilidad de usar juicios positivos o negativos al arte está probada por Aristóteles en uno de los tratados más importantes de su filosofía teórica. El ser artístico y no está ahí. Es solo una oportunidad, solo problemabilidad, solo aquilar y carga, pero no un sistema de juicio sobre ser, positivo o negativo. Solo tiene expresividad en sí, y nada más.

Todas las sentencias anteriores de Aristóteles y Aristóteles pueden a los ojos de otros para reducir todas las enseñanzas de Aristóteles sobre el arte al formalismo vacío y no retrasado. Esto no entendería en absoluto la estética de Aristóteles. El hecho es que toda esta "oportunidad artística", "neutralidad" y la modalidad en general específica se representan a sí mismas (y hablamos de ella muchas veces) no una forma, a diferencia del contenido, como, sin embargo, no el contenido sin una forma, sino es que la forma y el contenido se identifican, en los que no se diferencian entre sí y lo que su ser y su inexistencia se fusionan hasta la indistinguibilidad completa. ¿Cómo puedes decir que Aristóteles está interesado en el arte solo con sus formas y solo entre sus estructuras?

El 17º Capítulo "Poetics" está dedicado al diseño específico del arte.

"La tragedia", dice Aristóteles, "se debe escribir de modo que sea más claro, más convincente y que los componentes de sus escenas fueran más claras. Los fascinantes de todos los poetas que están experimentando sentimientos del mismo carácter. Preocupado a la que Se preocupa, y causa que la ira es la que está realmente enojada. Como resultado, la poesía es un montón de pies o ricamente dotados por la naturaleza, o propenso a la falta de gusto. El primero es capaz de reencarnarse, el segundo es venir al éxtasis. "(17, 1455 a 30-34).

¿Dónde está el formalismo Aristóteles cuando es la esencia misma del trabajo artístico?

Por encima de ella se basa en tales categorías "formales" de estética aristotélica, como "comienzo", "Mid" y "Fin". Ya hemos tratado de demostrar que aquí el Aristóteles no realiza el formalismo, sino solo el plástico, la forma escultural de la cosmovisión. Ahora vemos que Aristóteles habla del concepto del período y sobre el placer estético que se obtiene de nosotros debido a su orden estructural:

"Llove un período de la frase que en sí misma tiene el comienzo, el medio y el final y el tamaño del cual es fácil de vibrar. Tal estilo es agradable y comprensible; es agradable, porque es lo contrario del discurso sin terminar , y el oyente siempre parece que gras es algo y que algo ha pasado por él; y nada que predique y no llegue a nada, es desagradable. Está claro que esto es lo que es fácilmente recordado, y esto viene de El hecho de que el habla periódico tiene un número, el número es más fácil de ser más fácil. Es por eso que todos recuerdan poemas mejor que la prosa, ya que los poemas tienen el número que se mide "(Rhet. III 9, 1409 A 35 - 1409 B 8).

Pediré aquí, ¿dónde está el formalismo estético de Aristóteles al evaluar las obras de arte?

Aristóteles, ya que un moralista se encuentra contra todos los extremos y en todas partes predica el medio, la moderación. Pero en relación con los objetos de arte, no conoce ningún medio y ninguna moderación.

"La moderación debe observarse en los placeres más bajos y corporales, pero no en los placeres del color de las pinturas, de la audiencia de obras musicales y de huecos elegantes delgados". "No llamamos ni moderados ni impotencias a aquellos que disfrutan de la visión, por ejemplo, flores o formas, o pinturas, aunque, tal vez haya placeres normales para esas personas, y excesivas e insuficientes. Se debe decir lo mismo acerca de disfrutar de la audiencia: Nadie nombrará a personas impresionantes que están disfrutando de melodías y ideas teatrales, y no llaman moderadas a aquellos que lo disfrutan con moderación. No llama a los fanáticos de los olores disfrutando de la fragancia de frutas, rosas o hierbas fumadores "(ética. Nic. III 13, 1118 A 1-9).

Es imposible llamar a una actitud formalista de tal actitud al arte cuando la posibilidad de "e no conoce la dimensión en los colores y las formas, en la pintura, a la música e incluso el incienso. El mismo infinito de disfrute estético, también encontramos lo mismo en otro tratado. , y además, incluso en aún más detallado (ética. EUD. III 2, 1230 B 31).

7. Peligro de la modernización de las enseñanzas de Aristóteles sobre el arte.

Con vistas a todas las artes anteriores de Aristóteles y tratando de analizarlos desde el punto de vista de la especificidad del arte, realmente nos encontramos con una serie de sorpresas que generalmente están ausentes en la presentación de la estética de Aristóteles. La mayor diferencia entre el ser dinámico del ser puro, muchos pueden causar desconcierto. Después de todo, resulta más y no menos como el hecho de que el ser artístico no es positivo, ni negativamente, que no dice ninguna "sí", ni "no" que existemente sea neutral y que eventualmente tenga sus raíces. En las zonas subjetivas de un artista creativo. Es muy fácil, al mismo tiempo confundirse y poner la estética de Aristóteles en un plano con las formas de pensamiento idealistas de nihilistas modernas, que encontraron una expresión vívida para sí mismos en la gnoseología de Mach y Avenarius. Aparentemente, el autor que hizo tanto hizo iluminar a la estética aristotélica y considerarla en el plano de las teorías modernas europeas y americanas para considerarla en el plano de las teorías modernas europeas y americanas, - Tatarkevich 159. Él barrió mucho de Aristóteles, lo que va más allá de los límites de la comprensión tradicional y la presentación de Aristóteles; Cita muchos de estos textos de Aristóteles, quienes también juegan lejos del último rol (pero solo tenemos estos textos muchas veces más). La tesis principal V. Tatarkevich se reduce al hecho de que Aristóteles supuestamente enseñó sobre la esfera de arte de la herramienta neutral que él, de acuerdo con este autor, y difiere bruscamente de toda la antigua filosofía (excluyendo a Cicero) y de lo que está cerca de Nuestro día moderno. También le dimos la enseñanza anterior desarrollada sobre la naturaleza dinámicamente energética de la mente en la filosofía de Aristóteles y también llevó a los textos sobre la primacía de la subjetividad sobre el ser objetivo en la teoría del arte de Aristóteles. Sin embargo, todo el lado de la estética de Aristóteles no debe inclinarse de nosotros y todo lo demás que encontramos en él.

Si Aristóteles realmente predicó este tipo de teoría, entonces V. Tatarkevich sería absolutamente correcto que Aristóteles no es en absoluto un teórico de arte antiguo, sino moderno. Pero el estudio más cercano de Aristóteles indica que este elemento "mahista" debería poder unirse de manera precisa e incondicional con el ontologismo en exceso de aristóteles, y su especificidad del trabajo artístico para unirse con las enseñanzas excesivas sobre el arte, la naturaleza y el ser. La mente, acerca de que Aristóteles enseña, no solo no contradice este concepto de energía dinámica, sino que demostramos muchas veces, aquí Aristóteles tuvo unidad incondicional y nadie del ontologismo de esto no sufrió esto. Para las características reales del caso del caso, ahora entraremos en el razonamiento teórico, que ya hemos retirado muchas páginas, y solo tocaremos dos preguntas más estrechas, donde es más probable que observe la tendencia general de Aristóteles a una comprensión pasiva de la entidad humana, a pesar del hecho de que, según Aristóteles, es en el sujeto humano que algo debe llamarse arte está arraigado.

pero) Si nos preguntamos cómo un filósofo de antigüedad de primera clase, y con más de un enciclopedista excepcional, siente todo el elemento interno del arte, nos sorprenderíamos el letargo y la pasividad de las instalaciones respectivas. Aristóteles aquí, también, como en otras partes de la antigüedad, el término enthoysiasmos, "entusiasmo", que, sin embargo, no es entusiasmo en nuestro sentido, sino que algunos pasionada emoción, inspiración afectiva. Aristóteles y determina: "El entusiasmo es un afecto de un orden ético en nuestra psique" (Polit. VIII 5, 1340 A 11-12), y Ethos, "Etos" aquí debe entenderse no en el sentido de la ética, sino como el Los franceses y los británicos en la nueva y última hora entienden el término "moral", es decir, en un sentido psicológico amplio. Este entusiasmo, sobre el cual el filósofo interpreta mucha música en relación con la música, es realmente considerado por ellos de manera muy moderada y sobria. El entusiasmo, el éxtasis, por supuesto, es útil. Sobre un poeta insignificante, Marack Syracuse, Aristotle dice (Probl. XXX 1, 954 A 38-39), que sería el mejor poeta si estaba en éxtasis ". Pero Aristóteles rechaza todas las formas extremas de entusiasmo, considerando esta enfermedad. Tales éxtasis, como Hércules, que interrumpieron a sus hijos, o Ajax, que mataron a las ovejas en lugar de atridas, poseen para Aristotel por todos los signos de la enfermedad. En el mismo tratado (y 36-38) se da puramente fisiológico Explicación de los estados extáticos. Por ejemplo, Siviles y Bakids operan sobre la base de predisposiciones dolorosas de la naturaleza. Bilis negra, nutrición inadecuada y otra esencia de este "entusiasmo". A tal "melancólicos", Aristóteles también se refiere a muchos filósofos, incluidos Empedocla, Sócrates y Platón (953 A 27-32). En lugar de estos estados antinaturales, Aristóteles da un consejo muy sólido a los escritores, como el que encontramos, por ejemplo, en el 17 capítulo de "poética":

"Al elaborar los mitos y procesar su idioma, es necesario representar eventos lo más cerca posible delante de sus propios ojos. Al mismo tiempo, la condición del poeta, viéndolos perfectamente y, como lo fue, asistiéndolos, asistiendo. Puede encontrar un anuncio adecuado y mejor las contradicciones "(1455 a 22-26).

Este es un consejo muy tranquilo y sonoro, lo que hace preguntas sobre la inspiración en suelo muy realista y psicológico.

b) La pregunta también es realista acerca de fantasía. Encontramos los rasgos de la pasividad en este sentido y por Platón. Especialmente, esto es característico de Aristóteles, que está tratando de dar un análisis psicológico sobrio aquí. Bajo la influencia del éxtasis, las personas a menudo aceptan imágenes de sus propias ideas para la realidad: "Dicen que las imágenes de visión (Phantasmata) eran realmente y que las recuerdan" (De Memor. 1, 450 B 10-11). En general, la fantasía es mucho más débil que los sentimientos sensoriales reales. En Rhet. I 11, 1370 A 28-29 Aristóteles aprueba directamente: "PRESENTACIÓN (PHANTASIA) Hay algún tipo de sentimiento débil". Sin embargo, esta pasividad no debe culpar a otro lado, muy importante.

en) El hecho es que Aristóteles, la objeción de Platón sobre el tema de las ideas, como ya sabemos bien, en realidad no niegues la existencia de ideas, sino que solo ponen sus cosas inmanentes, la realidad. Este immanetimismo no puede, por otro lado, comprender bruscamente. Esto conduce solo al hecho de que la idea tomada junto con la cosa obtiene más sofisticado patrón semántico, se convierte en forma expresiva Sin cesar para ser un significado limpio. Aquí está la incursión de la "Feledad" aristotélica, o "Formas", "Eidosa". Observamos el mismo simbolismo de Aristóteles y en su psicología. Su alma piensa como una forma limpia del cuerpo, pero existe. "No sin cuerpo" (De an. II 2, 414 A 5-22), siendo, en consecuencia, la expresividad semántica del cuerpo (415 B 7-27). La percepción sensual tiene Eidosa limpia, pero no sin materia (417 B 28 - 418 A 6). La misma enseñanza, finalmente, y relativamente. pensando. Según Aristóteles, el pensamiento está en las mismas condiciones que la percepción sensual, es decir, es una condición persistente bajo la influencia del pensamiento (III 4, 429 A 13-15). Pero la idea misma de esto es exactamente esto es que no causa afecto, y por lo tanto la mente en sí misma es, de hecho, permanece fuera del sufrimiento. Contiene Eidosa, y hay una potencia de todos imaginables. Como pensamiento, todo, no contiene ninguna impureza. Él es solo la potencia del pensamiento completado. Y él no está completamente involucrado en el cuerpo, ya que de lo contrario estaría caliente o frío y tendría algún órgano. Eso - coloque Eidos, Y además potencial. El pensamiento desarrollado crea pensamientos ya entelech; aquí - encalonera EIDOSA (429 A 15 - B 10). Pero la mente no solo es limpia y actores. También está sufriendo, porque no siempre está pensando. Dado que la mente está en sí misma, se piensa, siendo independiente de cualquier cosa sensual, es un pensamiento de pensamiento y, por lo tanto, su expresión Encontrar B. conciencia de sí mismo (En este caso, pensar y pensar es idéntico, 430 a 3-5). Porque él piensa que otros, como si se habían afectado de este otro, encuentra su expresión en figuradamente o mejor en la implementación intuitiva a través de un representante especial de pensamiento mental.

Se repite de Aristóteles la misma antinomia involuntaria, que podemos establecer en otros problemas: el alma no es un cuerpo, pero no sin un cuerpo; El sentimiento no es un movimiento, pero no sin movimiento. En relación con la mente, Aristóteles dice directamente: "Nunca piense sin una imagen" (Aney Phantasmatos) (III 7, 431 a 16-17) e imágenes contribuyen al "cambio", o, en nuestra interpretación ", expresión "Lo que el entorno de luz correspondiente hace en color en general.

"El pensamiento comienza a pensar EIDOSA en imágenes" (413 B 2).

"Desde entonces, según el reconocimiento general, no existe una sola cosa que exista por separado de (sus) valores percibidos sensualmente, entonces el pensamiento se da en la fieltro Eido, con los llamados artículos abstractos y los asociados con los estados y los afectos. De los objetos de fieltro. A partir de aquí, nada percibido sensualmente no puede reconocer nada ni entender nada, y cuando lo contempla mentalmente, es necesario contemplarlo al mismo tiempo y una imagen cierta de la imaginación (Phantasma), ya que la imagen de esto existe. Como las imágenes de percepción con la excepción [inherentes a esta última] asunto. A medida que la imaginación difiere de la aprobación y la negación, por lo que la verdad o una mentira es una u otra combinación de pensamientos. ¿Pero qué diferencia de las imágenes sensuales de los pensamientos primarios? Por supuesto, no son la esencia [simplemente] otras imágenes, pero son, no sin imágenes "(III 8, 432 A 3-14).

La mente está "limpia" (III 5, 430 A 18, etc.), "EIDOS EIDOSOV" (III 8, 432 A 1), no hay algo de conducción (III 9, 432 B 26-27) e incluso hay Sin ducha en absoluto (II 2, 414 A 4-14), y por otro lado, enérgico es imposible sin sensualidad. Aquí, una repetición completa de los problemas que destinamos en la forma general en "metafísica": EIDOSA no son hechos, pero solo tienen un significado real en las cosas donde reciben su expresión final. Y tanto, la energía se da simbólicamente en las cosas, la expresividad significativa, y aquí el pensamiento se da simbólicamente en imágenes sensuales, toda la misma expresividad sensual.

d) Es fácil ver qué impresión fina. pasividad Se encuentra en general de esta estética descriptiva simbólica de Aristóteles. La fantasía por ello es una conexión muy equilibrada y calmada del pensamiento puro y la imagen sensual, que el pensamiento claro se convierte en una ilustración de imágenes y la expresividad, y la imagen sensual de los ciegos y sordos hace transparente simbólico y artístico. Esta relación, por supuesto, elemental: su postula cada estética en la primera página de su estudio de la psicología del arte. Sócrates exigió lo mismo que conocemos, de artistas; Platón usó "sensualidad" deliberadamente al construir su "mito probable" en "Timea"; El tritón también estará en terrenos corporales para recordar su mente pura, etc. etc. Pero toda la estética antigua entiende esta conexión fundamental. internamente pasivo contemplativo, "clásicamente"; Aristóteles, en contraste con las estructuras dialécticas del platonismo en el campo de la autoconciencia (forma madura, en la parcela. V 3) y, a diferencia del naturalismo estoicamente epicórico ("expiraciones", "átomos de alma", etc.), da expresivamente semántico Descripción de la fantasía, da la fenomenología expresiva de esta conciencia pasiva-plástica en exceso.

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Basado en la reproducción creativa del mundo circundante en imágenes artísticas. Además, en un amplio sentido, el arte puede significar el más alto nivel de habilidad en cualquier campo de actividad, ni siquiera relacionado directamente con la creatividad (por ejemplo, en la cocina, la construcción, las artes marciales, los deportes, etc.).

Objeto (o sujeto) arte Es el mundo en general y en particular una persona, pero una forma de existencia, un trabajo artístico como resultado de la actividad creativa. Obra de arte - La forma más alta del resultado de la creatividad.

Objetivos del arte:

• la propagación de los beneficios espirituales;
• la autoexpresión del autor.

Funciones del arte.

1. Cognitivo. El arte actúa como fuente de información sobre el mundo o el hombre.
2. Educativo . El arte afecta el desarrollo moral e ideológico del individuo.
3. Estético. Refleja la necesidad espiritual de una persona en armonía y belleza. Forma el concepto de hermosa.
4. Gedonista. Cerca de la función estética, pero no forma el concepto de estética, sino que permite placer estético.
5. Pronóstico. La función consiste en un intento de prever el futuro.
6. Compensatorio. Sirve para restaurar el equilibrio psicológico; A menudo es utilizado por los psicólogos y psicoterapeutas (fanáticos de la transferencia "Casa-2" a su visión compensar la ausencia de su propia vida y emociones personales; aunque no habría atribuido este espectáculo al arte).
7. Social. Simplemente puede proporcionar comunicación de las personas (comunicativas) y puede pedir algo (propaganda).
8. Entretenimiento (por ejemplo, cultura masiva).

Tipos de arte.

Tipos de artediferentes: todo depende de qué criterio clasificarlos. La clasificación generalmente aceptada examina tres tipos de arte.

1. Arte:
   • estático (escultura, pintura, fotografía, decorativa, etc.);
   • dinámico (por ejemplo, películas silenciosas, pantomima).

1. Arte expresivo (o intenso):
   • estático (arquitectura y literatura);
   • dinámico (música, arte de baile, coreografía).
2. Arte de entretenimiento (Teatro, cine, ópera, circo).

Según el grado de aplicación en la vida cotidiana. El arte puede ser:

• aplicado (decorativo y aplicado);
• elegante (música).

Por tiempo para crear:

• tradicional (escultura, literatura);
• nuevo (cine, televisión, fotografía).

En la proporción de espacio de tiempo:

• espacial (arquitectura);
• temporal (música);
• spatio-Temporal (Cine, Teatro).

Por el número de componentes utilizados:

• simple (música, escultura);
• complejo (también es sintético: cine, teatro).

Hay muchas clasificaciones, y la definición y la función de arte sigue siendo una razón para responder y discusiones de subprúficos. Lo principal en el otro. El arte puede destruir la psique humana o tratar, disfrutar o educar, inhibir o dar un impulso al desarrollo. La tarea de la sociedad humana es desarrollar y alentar exactamente los tipos de arte "brillantes".

Finamiento (Lat. Echperimentum - Experiencia, Muestra) - Comprensión figurativa de la realidad; proceso o resultado de la expresión de internos o externos (con respecto al Creador) del mundo en forma artística; La creatividad de tal manera que refleja no solo el autor, sino también a otras personas. El arte (junto con la ciencia) es una de las formas de conocimiento, tanto en la ciencia natural como en la imagen religiosa de la percepción del mundo. El concepto de arte es extremadamente amplio, puede manifestarse como habilidad extremadamente desarrollada en un área en particular. Durante mucho tiempo, el arte fue considerado un tipo de actividad cultural que satisface el amor de una persona a la hermosa. Junto con la evolución de las normas y evaluaciones de estética social, las autoridades recibieron el derecho a llamar a cualquier actividad dirigida a crear formas estéticamente expresivas. En la escala de toda la sociedad, el arte es una forma especial de conocimiento y reflexión de la realidad, una de las formas de actividades artísticas de la conciencia pública y una parte de la cultura espiritual de la humanidad y la humanidad entera, un resultado diverso de Actividades creativas de todas las generaciones. En la ciencia, el arte se llama actividades artísticas creativas y su resultado, un trabajo artístico. En el sentido más general, el arte se llama habilidad (eslovaco. Umenie), cuyo producto ofrece placer estético. La enciclopedia del británica da la siguiente definición: "Uso de habilidad o imaginación para crear objetos estéticos, configuraciones o acciones que se pueden dividir con otros". Por lo tanto, el criterio del arte es la capacidad de causar una respuesta de otras personas. La EEB determina el arte como una de las formas de conciencia pública, el componente más importante de la cultura humana. Definición y evaluación del arte como fenómenos - sujeto de discusiones incesantes. En la era del romanticismo, la comprensión tradicional del arte como dominio de cualquier variedad dio paso a la visión de él como "características de la mente humana junto con la religión y la ciencia". En el siglo XX. En la comprensión de la estética, hubo tres enfoques principales: realistas, según los cuales las cualidades estéticas del objeto son inmanentes y no dependen del observador, objetivista, que también considera las propiedades estéticas del objeto con inmanentes, sino a cierta medida dependiendo del observador, y relativista, de acuerdo con la cual la estética, las propiedades del objeto dependen solo de lo que el observador ve en ella, y diferentes personas pueden ver diferentes cualidades estéticas del mismo objeto. Desde el último punto de vista, el objeto se puede caracterizar dependiendo de las intenciones de su creador (o la ausencia de ninguna intención), para cualquier función que esté destinada. Por ejemplo, una taza, que se puede usar como contenedor, puede considerarse una obra de arte si se creó solo para aplicar un adorno, y la imagen puede ser una embarcación artesanal si se produce en el transportador.

En su primer y más amplio sentido, el término "arte" (arte, eng.) Permanece cerca de su equivalente latino (ARS), que también se puede traducir como "habilidad" o "artesanía", así como a la raíz indoeuropea "Dibujando" o "maquillaje". En este sentido, el arte puede llamarse todo lo que se creó en el proceso de compilación deliberada de alguna composición. Hay algunos ejemplos que ilustran un gran significado de este término: "artificial", "arte militar", "artillería", "artefacto". Muchas otras palabras generalizadas tienen etimología similar. Artista Ma Lin, Muestra de pintura de la era de la canción, alrededor de 1250 g. 24.8 horas 25.2 cm. Conocimiento de la antigüedad del arte

Hasta el siglo XIX, las artes elegantes llamaron las habilidades del artista o artista para expresar su talento, despertar los sentimientos estéticos en la audiencia e involucrar a las cosas "elegantes" en la contemplación.

El término arte se puede utilizar en diferentes sentidos: el proceso de uso del talento, el trabajo de un maestro dotado, el consumo de obras de arte de la audiencia, así como el estudio del arte (historia del arte). "Bellas Artes" es un conjunto de disciplinas (artes) que producen obras de arte (objetos) creadas por maestros dotados (arte como actividad) y causando una respuesta, estado de ánimo, transmitir simbolismo y otra información pública (arte como consumo). Las obras de arte se llaman una interpretación talentosa deliberada de un conjunto ilimitado de conceptos e ideas con el objetivo de transferirlos a otros. Se pueden crear específicamente para el objetivo especificado o están representados por imágenes y objetos. El arte estimula los pensamientos, sentimientos, ideas e ideas a través de las sensaciones. Expresa ideas, toma una variedad de formas y sirve muchos propósitos diferentes. El arte es una habilidad que puede causar admiración. El arte que causa sus emociones positivas armoniosas y su satisfacción mental también puede causar una respuesta creativa de respuesta, inspiración, incentivo y deseo de crear de manera positiva. Así que el artista Valery Rybakov, miembro de la Unión Profesional de Artistas: "El arte puede destruir y tratar a un alma humana, desmontar y educar. Y solo el arte brillante puede salvar a la humanidad: cura las heridas mentales, da esperanza para el futuro, trae amor y felicidad ".

De Masterweb.

11.06.2018 20:00

En la comprensión más sencilla, el arte es la capacidad de una persona para encarnar algo hermoso y recibir placer estético de tales sujetos. También puede ser una de las formas de conocimiento, se llamará habilidad, pero se conoce con seguridad: sin arte, nuestro mundo sería gotitas frescas, aburridas y fascinantes.

Parada terminológica

En el sentido más amplio, el arte es algunas habilidades cuyos productos traen placer estético. Según los registros en la enciclopedia británica, el principal criterio del arte es la capacidad de causar una respuesta de otras personas. A su vez, la gran enciclopedia soviética dice que el arte es una de las formas de conciencia pública, que es el principal componente de la cultura humana.

Quien habló, pero las disputas alrededor del término "arte" duran mucho tiempo. Por ejemplo, en la era del romanticismo, la peculiaridad de la mente humana consideró el arte. Es decir, entendieron este término, así como la religión y la ciencia.

Artesanía especial

En el primer y común sentido, el concepto de arte se descifra como "artesanía" o "compilación" (es creación). En pocas palabras, el arte podría llamarse todo lo que fue creado por una persona en el proceso de inventar y comprender algunas composiciones.

Hasta el siglo XIX, el arte llamó a la capacidad de un artista o cantante para expresar su talento, entrelazar a la audiencia y sentirla.

El concepto de "arte" se puede utilizar en varias esferas de actividad humana:

• el proceso de expresar el talento vocal, coreográfico o actuando;
• obras, artículos físicos creados por maestros de su caso;
• el proceso de consumo de obras de arte de la audiencia.

Resumiendo, puede decir lo siguiente: El arte es una especie de subsistema de la esfera espiritual de la vida, que es la reproducción creativa de la realidad en las imágenes artísticas. Esta es una habilidad única que puede causar admiración por el público.

Un poco de historia

En la cultura mundial en el arte, comenzaron a hablar de tiempos abstractos. El arte primitivo (a saber, la creatividad visual, es un dibujo rocoso) apareció junto con un hombre en la era del Paleolítico medio. Los primeros elementos que se pueden identificar con el arte como tal, aparecieron en el Paleolítico superior. Las obras de arte más antiguas, por ejemplo, los collares hechos de conchas, están saliendo con 75 mil años.

En la Edad de Piedra, el arte llamado ritos primitivos, música, baile, decoraciones. En general, el arte moderno se origina en ritos antiguos, tradiciones, juegos que se debieron a ideas y creencias mitológicas y mágicas.

Del hombre primitivo

En el arte mundial, es habitual asignar varias épocas de su desarrollo. Cada uno de ellos adoptó algo de sus antepasados, agregó algo a suyo y dejó a sus descendientes. A partir de un siglo, el arte adquirió una forma cada vez más compleja.

El arte de la sociedad primitiva consistió en música, canciones, ritos, bailes e imágenes, que se aplicaron a pieles de animales, tierras y otros artículos naturales. En el mundo, el arte antiguo ha adquirido una forma más compleja. Se desarrolló en las civilizaciones egipcias, de mesopotamsk, persa, indio, chino y otras. En cada uno de estos centros hubo un estilo de arte único, que sobrevivió no un milenio e incluso hoy tiene un impacto en la cultura. Por cierto, los antiguos artistas griegos fueron considerados los mejores (más mejores maestros modernos) en la imagen del cuerpo humano. Solo lograron una increíble manera de interpretar a fondo la musculatura, la postura, recoger las proporciones correctas y transferir la belleza natural de la naturaleza.

Edad media

En el momento de la Edad Media, la religión tuvo un impacto significativo en el desarrollo del arte. Esto es especialmente cierto en Europa. El arte gótico y bizantino se basaba en verdades espirituales y parcelas bíblicas. En este momento, en el este y en los países del Islam, se creía que el dibujo de una persona no es más que crear un ídolo que estaba prohibido. Por lo tanto, la arquitectura, los ornamentos estaban presentes en las artes visuales, pero no había ningún hombre. Caligrafía y joyería desarrolladas. En India y Tíbet, el arte principal era un baile religioso, había una escultura detrás de él.

En China, una amplia variedad de artes floreció, no afectaron la influencia y la presión, sin importar la religión. En cada época fueron sus maestros, cada uno de ellos tenía su propio estilo, que mejoraron. Por lo tanto, cada obra de arte se llama la era en la que se creó. Por ejemplo, un jarrón de la era de minas o pintando la era Tang. En Japón, la misma situación se ha desarrollado como en China. El desarrollo de la cultura y el arte en estos países ha ocurrido bastante originalidad.

Renacimiento

Durante el período del Renacimiento, el arte regresa a los valores materiales y el humanismo. Las figuras humanas adquieren física perdida, aparece una perspectiva en el espacio, y los artistas buscan reflejar la certeza física y racional.

Las emociones aparecen en la era del romanticismo en el arte. Los maestros están tratando de mostrar la personalidad humana y la profundidad de las experiencias. Múltiples estilos artísticos, como el academismo, el simbolismo, el fusismo, etc. comienzan a aparecer. Es cierto que su edad era corta, y las indicaciones anteriores estimuladas por el horror de las guerras experimentadas por el horror se podían decir que se revivían a partir de las cenizas.

En el camino a la modernidad.

En el siglo XX, los Maestros buscaban nuevas capacidades visuales y estándares de belleza. Debido a la globalización cada vez mayor de la cultura, comenzaron a interfingir e influirán entre sí. Por ejemplo, los impresionistas se inspiraron en grabados japoneses, el arte visual de la India tuvo un impacto significativo en el trabajo de Picasso. En la segunda mitad del siglo XX, el modernismo ha influido en el desarrollo de diferentes áreas de arte con su firme hallazgo idealista de la verdad y las normas difíciles. El período de arte contemporáneo ha llegado cuando se decidió que los valores son relativos.

Funciones y propiedades

En todo momento, los teóricos de la historia del arte y los estudios culturales dijeron que para el arte, en cuanto a cualquier otro fenómeno social, varias funciones y propiedades son característicos. Todas las funciones del arte se divide condicionalmente en motivadas y desmotivadas.

Las funciones no mutivadas son propiedades que son parte integral de la naturaleza humana. En pocas palabras, el arte es lo que la persona está empujando instintos y lo que va más allá de lo práctico y útil. Estas características incluyen:

• Instinto básico de armonía, ritmo y equilibrio. Aquí el arte no se manifiesta en forma material, sino en un deseo sensual, interno de armonía y belleza.
• Sentimiento de misterio. Se cree que el arte es una de las formas de sentir la conexión con el universo. Este sentimiento ocurre inesperadamente cuando se contemplan pinturas, escuchando música, etc.
• Imaginación. Gracias al arte, una persona tiene la capacidad de aplicar la imaginación sin restricciones.
• Apelar a muchos. El arte le permite al Creador ponerse en contacto con todo el mundo.
• Rituales y símbolos. En algunas culturas modernas hay rituales brillantes, bailes y presentación. Son símbolos peculiares, y, a veces, simplemente formas de diversificar el evento. Por sí mismos, no persiguen algún tipo de propósito, pero los antropólogos ven el significado en cada movimiento, establecido en el proceso del desarrollo de la cultura nacional.

Funciones motivadas

Las funciones de arte motivadas se llaman los objetivos que el creador pone conscientemente frente a él, comenzando a crear una obra de arte.

En este caso, el arte puede ser:

• Medios de comunicación. En su versión más sencilla, el arte es una forma de comunicarse entre las personas con las que puede transmitir información.
• Entretenimiento. El arte puede crear un estado de ánimo apropiado, ayuda a relajarse y distraer de problemas.
• Para cambiar. A principios del siglo XX, se crearon muchas obras, que provocaron cambios políticos.
• Por el bien de la psicoterapia. Los psicólogos a menudo usan arte con fines medicinales. Una técnica basada en el análisis del patrón permite realizar un diagnóstico más preciso.
• Por el bien de la protesta. El arte se usa a menudo para expresar protesta contra algo o alguien.
• Propaganda. El arte también puede ser una forma de difundir la propaganda, gracias a lo que puede afectar imperceptiblemente la formación de nuevos gustos y sentimientos del público.

Como se puede ver en las funciones, el arte en la vida de la sociedad juega un poco del último rol, que afecta a todas las esferas de los medios de vida humanos.

Tipos y formularios

Inicialmente, el arte se consideró inexplorado, es decir, un complejo general de actividad creativa. Para una persona primitiva, no hubo tales ejemplos de arte como el teatro, la música o la literatura. Todo se fusionó juntos. Solo el tiempo comenzó a aparecer diferentes tipos de arte. Las llamadas formas históricamente establecidas de reflexión artística del mundo, que se utilizan para crear diferentes medios.

Dependiendo de las herramientas utilizadas, estas formas de arte se distinguen:

• Literatura. Utiliza herramientas verbales y de escritura para crear muestras de arte. Aquí hay tres tipos principales: drama, EPOS y letras.
• Música. Se divide en vocal e instrumental para crear muestras de arte.
• Baile. Para crear nuevas muestras, se utilizan movimientos de plástico. El ballet, ritual, globos, arte de baile moderno y popular están aislados.
• Cuadro. Usando el color, la realidad se muestra en el plano.
• Arquitectura. El arte se manifiesta en la transformación del entorno espacial con estructuras y edificios.
• Escultura. Son obras de arte que tienen un volumen y una forma tridimensional.
• Arte decorativo y aplicado. Este formulario está asociado directamente con las necesidades aplicadas, estos son artículos artísticos que se pueden utilizar en la vida cotidiana. Por ejemplo, utensilios pintados, muebles, etc.
• Teatro. Con la ayuda de actuar en el escenario, se reproduce la acción escénica de un tema y carácter en particular.
• El circo. Un efecto de entretenimiento y entretenimiento peculiares con habitaciones ridículas, inusuales y riesgosas.
• Película. Se puede decir que esta es la evolución de la acción teatral, cuando se utilizan medios modernos y audiovisuales.
• La foto. Consiste en arreglar imágenes visuales por medios técnicos.

Para los formularios listados, aún puede agregar dichos géneros de arte como POP, gráficos, radio, etc.

El papel del arte en la vida humana.

Extraño, pero por alguna razón se cree que el arte está destinado solo por los segmentos más altos de la población, la llamada élite. Otras personas como un concepto supuestamente alienígena.

El arte suele ser identificado con riqueza, influencia y poder. Después de todo, son las personas que pueden permitirse comprar cosas iniguales y absurdas hermosas y absurdas. Tomemos, por ejemplo, el Hermitage o el Palacio de Versalles, en el que se conservan las ricas colecciones de las monarcas del pasado. Hoy en día, tales colecciones pueden proporcionar a los gobiernos, algunas organizaciones privadas y personas muy ricas.

A veces, parece que el papel principal del arte en la vida de una persona es mostrar el estatus social circundante. En muchas culturas, las cosas caras y elegantes muestran la posición de una persona en la sociedad. Por otro lado, hace dos siglos intentó hacer un alto arte más accesible para el público en general. Por ejemplo, en 1793 se abrió el Louvre para todos (hasta ese momento fue la propiedad de los reyes franceses). Con el tiempo, esta idea fue recogida en Rusia (Galería Tretyakovskaya), EE. UU. (Museo Metropolitano) y otros países europeos. Y de todos modos, las personas que tienen su propia colección de obras de arte siempre se considerarán más influyentes.

Sintético o presente

En el mundo moderno hay una amplia variedad de obras de arte. Adquieren varios tipos, formas, medios de creación. Lo único que permanece sin cambios es el arte popular, en su forma primitiva.

Hoy en día, incluso la idea simple se considera arte. Es gracias a las ideas, opiniones públas y reseñas de críticos, tales obras como "cuadrado negro", set de té, cubiertos con pelaje natural, o la foto del río Rin, que se vendió por $ 4 millones fueron utilizados por el éxito. . Es difícil nombrar estos y artículos similares con este arte.

Entonces, ¿qué es el arte real? En general, estas obras que se ven obligadas a pensar, hacer preguntas, buscar respuestas. El arte presente atrae, quiero obtener este tema a cualquier costo. Incluso en la literatura, los clásicos rusos escribieron sobre esta fuerza atractiva. Entonces, en la historia de Gogol "Retrato", el personaje principal pasa sus últimos ahorros en la compra de un retrato.

Este arte siempre hace que una persona sea más kinder, más fuerte y más sabia. Poseer un conocimiento y experiencia invaluables que iban a lo largo de las generaciones, y ahora están disponibles en una forma aceptable para la percepción, una persona tiene la oportunidad de desarrollar y mejorar.

El arte actual siempre se hace desde un corazón puro. No importa lo que sea, un libro, imagen, música, juego. El espectador se sentirá. Asegúrate de sentir lo que el Creador quería. Sus emociones sentirán sus pensamientos, junto con él irán a buscar respuestas. El arte actual es una conversación dolorida del autor con una persona, después de lo cual el oyente / lector / el espectador ya no será el mismo. Eso es lo que es el arte real. Concentrado concentrado real de sentimientos. Como escribió Pushkin, debería quemar los corazones de las personas, y no importa cuál sea el verbo, cepillo o instrumento musical. Dicho arte debe servir a las personas e inspirarlos a cambiarlos, entretenerse cuando es triste, y para inculcar la esperanza, especialmente cuando parece que no hay salida. Solo así, de manera diferente y no puede ser.

Hoy en día hay muchos artículos extraños, a veces incluso ridículos que se conocen como obra de arte. Pero si no pueden "enganchar detrás de la vida", significa que los a priori no pueden pertenecer al arte.

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El concepto de "arte" es conocido por todos. Nos rodea a lo largo de la vida. El arte juega un gran papel en el desarrollo de la humanidad. Parecía mucho tiempo antes de crear la escritura. Desde nuestro artículo puede aprender sobre el papel y las tareas.

¿Que es arte? información general

El concepto de "arte" es bastante multifacético. Por lo general, en virtud de él implica una rama de la actividad humana que puede satisfacer una necesidad espiritual, a saber, el amor por lo bello. El arte es una forma especial de conciencia pública. Es que es un reflejo artístico de la vida humana. Gracias a él, se puede descubrir cómo la gente vivió en otro intervalo de tiempo.

El primer autor, que reveló el concepto de "arte", fue Charles Batu. Crea todo un tratado en el que clasificó esta rama de la actividad humana. Su libro "Bellas artes, ministrado a un principio" se publicó en 1746. Charles Batya cree que pueden ser determinados por varios criterios. El autor está seguro de que el arte trae placer, y también tiene un carácter espiritual, no un personaje físico.

El concepto de "arte" incluye pintura, música, poesía, arquitectura y mucho más, con la que nos enfrentamos diariamente. Cualquier tipo de actividad artística se distingue por ciertas cualidades positivas. Cada sector de arte tiene una forma especial de reproducir la realidad y las tareas artísticas. Todo tipo de actividades artísticas se dividen en parto y géneros.
Por lo general, el arte está dividido en tres grupos:

• tónico (música y poesía);
• formado (arquitectura, pintura y escultura);
• mezclado (coreografía, habilidades de actuación, oratoria y otros).

Hay una variedad de artes:

• espacial, en el que, gracias a la construcción, se revela la imagen visible (escultura, arquitectura);
• temporal, en el que el valor adquiere una composición en tiempo real (poesía, música);
• spatio-Temporal - Arte espectacular (rendimiento de circo, cine, coreografía).

Gráficos

El arte de los gráficos es una forma que incluye dibujar e impresos gráficos de imágenes (grabado, minería y otros). Sus medios expresivos: contorno, código de barras, fondo y manchas. Se sabe que esta es la apariencia más popular del arte visual. De acuerdo con su contenido y forma de la gráfica, tiene mucho en común con la pintura.

El grabado es un tipo de gráficos en los que la imagen es una impresión impresa. Aplíquelo a un grabador especial. El grabado se puede representar en metal, madera y linóleo.

Otra forma popular de gráficos es una forma especial de impresión plana, en la que la superficie de la piedra sirve como forma impresa. Esta especie se inventó en 1798. La imagen en la piedra se aplica utilizando una carcasa o lápiz especial.

El arte de los gráficos es el más antiguo de todos los existentes. Existen las primeras imágenes desde tiempos de neolítico y la edad de bronce. Nuestros antepasados \u200b\u200bse rascaban el dibujo en las paredes de las cuevas y las rocas. Después de algún tiempo, las imágenes se aplicaron a armas y artículos para el hogar. Después de la escritura apareció, se utilizó el calendario en el diseño de letras, libros y letras.

Los métodos para copiar dibujos a lo largo de los años han sido desconocidos. Es por eso que todas las imágenes fueron creadas en una sola instancia. No es ningún secreto que hoy dichos dibujos gráficos están en demanda de los coleccionistas.

A mediados del siglo XX, los expertos comenzaron a desarrollar la técnica de gráficos en blanco y negro. Se crearon más de 20 facturas gráficas. Se publicaron beneficios educativos. Hoy los gráficos ocupan un lugar líder en el arte.

Bento

Bento es arte inusual para niños y adultos. No es ningún secreto que muchos padres no saben cómo enseñar a su hijo a una nutrición saludable. Hoy en día hay una gran selección de comida dañina e incluso peligrosa en los estantes. Un nuevo tipo de arte puede venir al rescate - Banto. Apareció en China. En tal término, los chinos llaman a la comida que están girando en cajas especiales y toman con ellos para estudiar o trabajar. Bento es una obra de arte que se puede comer. Talentosas amas de casa y cocineros crean figuras de alimentos y pequeñas imágenes. La principal diferencia de tales alimentos es la equilibría y la presencia de una gran cantidad de vitaminas. Los chinos crean un trabajo comestible de arte solo de alimentos útiles.

Bento es un arte para niños y adultos, gracias a lo que el niño con gusto comerá productos útiles. No es tan popular con nosotros, pero ya hay varios maestros que han dominado esta técnica.

Efecto del arte sobre la conciencia y la vida del niño. ¿Cómo explicar a las obras modernas de las actividades de las actividades artísticas?

El arte juega un papel importante en la vida del niño y el desarrollo de su personalidad. Hoy en día, todas las personas deben tener al menos el conocimiento básico de este o ese campo de actividad. La compañía se está desarrollando rápidamente, y por lo tanto, cada persona debe ser multifacética. Muchos padres modernos tratan de hacer el amor por el arte lo antes posible. Para esto, se ha desarrollado un número considerable de técnicas de educación que se pueden usar a partir de los primeros meses de la vida del niño.

El concepto de tipos de arte, el niño se encuentra incluso en la escuela. Por lo general, los padres, los maestros y los cuidadores prestan mucha atención a la escritura, la lectura, la cuenta y otros temas para los cuales es responsable el hemisferio izquierdo del cerebro. Para el desarrollo de la derecha, deberá dedicarse a la música, el baile y otras artes. Es importante desarrollar ambos hemisferios del cerebro para continuar con una personalidad totalmente formada.

Debido a la masterización del arte en un niño:

• la personalidad está formada;
• aumenta el nivel de potencial intelectual;
• se forman las pautas matemáticas;
• la capacidad del pensamiento creativo;
• aparece la confianza en sí mismo y aumenta la autoestima;
• la memoria y la atención se desarrolla;
• los horizontes se están expandiendo.

Para introducir un niño con arte, es principalmente importante organizar una zona en la que se almacenarán todos los materiales necesarios para la actividad creativa. Tendrás que tener algunos libros sobre el arte. Desde la primera infancia, un niño necesita leerlos. Es importante discutir todo lo aprendido. Para familiarizarse con el arte, necesitará al menos una vez al mes para visitar museos, galerías, teatros y exposiciones con el niño. En ningún caso, no debe arrojar dibujos, apliques y manualidades creadas por las manos de los niños. Gracias a ellos, puedes ver el crecimiento creativo del niño. También es importante escribirlo lo antes posible al círculo temático, las clases en las que le darán el alma.

Algunas obras de arte contemporáneo causan desconcierto de los niños no solo de los niños, sino también a los adultos. A menudo, uno u otro niño no entiende la arquitectura que fue diseñada por los modernistas. Es importante explicarle al colegial que cualquier obra de arte es una etapa importante en el desarrollo de la humanidad.

Muchas preguntas en los niños causan pinturas abstractas. Hay un número considerable de publicaciones especiales, gracias a que los padres pueden mostrar al niño lo difícil crear un trabajo artístico similar. Uno de ellos es "él mismo Kandinsky".

A menudo, los niños están interesados, ¿es posible comparar el arte moderno y primitivo? Esto y más puedes averiguar en nuestro artículo.

Arte. Historia de su desarrollo en Rusia.

Se conocen un gran número de diversos tipos de arte. Cada uno de ellos tiene sus propias características y ventajas. ¿Qué es el arte visual, casi todos saben? Presentó a los niños incluso a una edad temprana.

Este tipo de actividad artística, gracias a la cual un Maestro puede reproducir el mundo con la ayuda de medios especiales. Su historia en Rusia se divide en dos períodos, cuya frontera denotó las reformas Petrovsky. Estaba estrechamente relacionado con el icono. Los iconos tenían su propio tipo de estilo artístico. El propósito de tales obras de artes es mostrar que la oración contra los cogars y la tranquilidad de comunicarse con Dios. Esto es exactamente cuál es la presencia de algunos fondos artísticos en los iconos. Con el tiempo, los maestros dominan las escuelas de iconografía. El trabajo más famoso es considerado la "Trinidad" A. Rublev. Los iconos de los siglos 15-16 se caracterizan por la armonía de las pinturas.

En el siglo XVII, los iconos de las "letras de Fryazhsky" eran populares. Se caracterizan por elementos de la pintura occidental europea, a saber, pinturas al óleo, como modelado blanco y negro, la precisión de las personas y la naturaleza. Interés en el icono ya que la obra de arte se produce solo en el siglo XIX.

La antigua escultura rusa existía en forma de un hilo en piedra y un árbol. La mayoría de las veces, los maestros representan imágenes de los santos. Se prestó especial atención a la facial. En los siglos XVIII-19, escultores y pintores de otros países estaban en demanda. Después de algún tiempo, los maestros domésticos se hicieron populares.

En el siglo XVIII, se vuelve lo más popular se caracteriza por la gravedad del patrón, la convención del sabor y el uso de parcelas de la Biblia y la mitología. Entonces, el arte nacional surgió gradualmente.

En 1860-1880, las primeras galerías se están abriendo, y los maestros domésticos se hacen famosos en todo el mundo. Sube gradualmente nuevas direcciones. Cada uno de ellos ocupó un lugar importante en la formación del patrimonio cultural. En los siglos XVIII-19, la humanidad no solo sabía que tales artes visuales, sino también lo usaban activamente.

Temas revelados en el arte.

Sorprendentemente, todos los temas y problemas que revelan los maestros en sus obras de arte son relevantes a lo largo de los siglos. Los antiguos romanos argumentaron ese arte, a diferencia de la vida humana, para siempre. No es una coincidencia. Temas en el arte Resalte los problemas públicos que a menudo se encuentran hoy. Es por eso que constituyen un gran valor para la humanidad. Los maestros a menudo revelan en sus obras el tema del amor, la naturaleza y la amistad.

Con el tiempo, las direcciones en el arte están cambiando y aparecen nuevos maestros, pero los temas y las imágenes se mantienen sin cambios. Es por eso que cualquier trabajo sigue siendo relevante a lo largo de los años.

Arte y su papel

El papel del arte en la vida de la sociedad es invaluable. Se basa en el reflejo artístico y figurativo de la realidad. El arte forma la apariencia espiritual de las personas, sus sentimientos, pensamientos y visión del mundo. La recreación figurativa de la realidad crea nuestra personalidad. El arte ayuda a desarrollarse y superar personal. Y también conoce el mundo y tú mismo.

El arte es un patrimonio cultural. Gracias a la obra de arte, es posible descubrir cómo las personas vivían en un momento u otro. Recientemente, varias técnicas de arte tienen especialmente la especialidad. Gracias al arte, puedes aprender a controlarte a ti mismo. Creación de un objeto de arte, puede olvidarse de los problemas y deshacerse de la depresión.

Arte y sus tareas

Maxim Gorky creía que las tareas de arte consisten en la evaluación moral y estética de todos los fenómenos esenciales. El escritor dijo que debido a esto puedes aprender a entenderte, luchar contra la vulgaridad, poder entender a las personas y encontrar algo bueno en ellos. Hoy hay tres funciones de actividades artísticas. Las tareas del arte son para la investigación, el periodismo y la iluminación. Los maestros creen que la función de la actividad artística es llevar una hermosa en las almas y corazones de las personas. Nikolai Vasilyevich Gogol argumentó que la tarea del arte se encuentra en la imagen de la realidad.

Arte moderno y primitivo.

Muchos están interesados, a primera vista, es imposible. Sin embargo, no lo es. Si percibes el arte como una forma de autoexpresión, entonces moderna, y la primitiva está en el mismo plano. Comparándolos, puede entender cómo ha cambiado la percepción de una persona.

El pensamiento humano se ha vuelto más abstracto. Esto indica el desarrollo activo de la inteligencia. Con el tiempo, una persona ha cambiado de prioridades y hoy percibe la vida, no como antepasados \u200b\u200bprimitivos. Anteriormente, los maestros estaban interesados \u200b\u200ben la apariencia del tema y su forma, y \u200b\u200bahora las emociones están ocupadas por el papel principal en las obras. Tal diferencia existe desde finales del siglo XIX.

Vamos a resumir

Es importante desde una edad temprana para desarrollar no solo a la izquierda, sino también el hemisferio derecho del cerebro. Para hacer esto, necesitas hacer arte. Es especialmente importante pagar la debida atención al desarrollo creativo del niño. Recomendamos encarecidamente hacer esto desde los primeros años de su vida. No todos entienden el papel, las tareas y los tipos de arte. La información descrita brevemente en nuestro artículo le permite obtener conocimientos básicos sobre diversas áreas artísticas de actividad.