Arte, como saben, extremadamente multifacético. Una gran cantidad de géneros y direcciones permite a cada autor realizar su potencial creativo en el mayor grado, y el lector hace posible elegir exactamente el estilo que él alma.
Una de las más populares y, sin lugar a dudas, las maravillosas tendencias del arte son el romanticismo. Esta dirección se ha generalizado a finales del siglo XVIII, que abarca la cultura europea y americana, pero luego llegó a Rusia. Las ideas principales del romanticismo son el deseo de la libertad, la excelencia y la actualización, así como la proclamación del derecho de la independencia humana. Este curso, lo suficientemente extraño, fue ampliamente propagado en absolutamente en todos los principales tipos de arte (pintura, literatura, música) y adquirió un carácter verdaderamente masivo. Por lo tanto, debe considerarse con más detalle lo que es el romanticismo, así como mencionar sus figuras más famosas, tanto extranjeras como nacionales.
Romanticismo en la literatura
En esta área de arte, tal estilo apareció inicialmente en Europa occidental, después de la revolución burguesa en Francia, 1789. La idea principal de los escritores románticos fue la denegación de la realidad, sueña con el mejor momento y pidiendo el Lucha por cambiar los valores en la sociedad. Como regla general, el personaje principal es un rebelde que actúa solo y mirando la verdadEso, a su vez, lo hizo indefensamente y confundido frente al mundo, por lo que las obras de autores románticos a menudo están impregnados por la tragedia.
Si comparas esta dirección, por ejemplo, con el clasicismo, entonces la era del romanticismo era diferente en plena libertad de acción: los escritores no fueron tímidos para usar una variedad de géneros, mezclándolos juntos y creando un estilo único, que se basa en Este o bien el comienzo lírico. Los eventos actuales de las obras se llenaron de eventos inusuales, a veces incluso fantásticos en los que el mundo interno de los personajes, sus experiencias y sueños mostraron directamente.
El romanticismo como un género de pintura.
Arte También cayó bajo la influencia del romanticismo, y su movimiento aquí se basaba en las ideas de los famosos escritores y filósofos. La pintura, como tal, completamente transformada con la llegada de esta actual, las nuevas imágenes nuevas, completamente inusuales comenzaron a aparecer en ella. Los temas del romanticismo se vieron afectados inesperados, incluidos los países exóticos de largo alcance, las visiones místicas y los sueños e incluso las oscuras profundidades de la conciencia humana. En su trabajo, los artistas se basaron en gran medida en la herencia de las civilizaciones y las épocas de larga data (Edad Media, el antiguo Oriente, etc.).
La dirección de este flujo en la Rusia zarista también fue diferente. Si los autores europeos afectaran los temas anti-burgueses, los maestros rusos escribieron sobre el antifilismo.
La tracción a los místicos se expresó significativamente menor que la de los representantes occidentales. Las cifras domésticas se imaginaron diferentes qué es el romanticismo que en su trabajo se rastrea en forma de racionalismo parcial.
Estos factores se han vuelto fundamentales en el proceso del origen de las nuevas tendencias en el arte en Rusia, y gracias a ellos, el Patrimonio Cultural Mundial conoce el romanticismo ruso exactamente.
Abstracto de examen
Sujeto:"El romanticismo como una dirección en el arte".
Realizado Alumno de 11 "en" Clase SS №3
Chico la pelea anna
Profesor de arte mundial
cultura Becu T. N.
brest 2002.
1. Introducción
2. Causas del romanticismo
3. Las principales características del romanticismo.
4. Héroe romántico
5. Romanticismo en Rusia
a) literatura
b) pintura
c) musica
6. Romanticismo occidental europeo
una pintura
b) musica
7. Conclusión
8. Lista de referencias
1. INTRODUCCIÓN
Si miras a B. diccionario Lengua rusa, entonces puedes encontrar algunos significados de la palabra "romanticismo": 1. La dirección en la literatura y el arte del primer trimestre del siglo XIX, caracterizado por la idealización del pasado, el corte de la realidad, la Culto de personalidad y hombre. 2. La dirección en la literatura y el arte, imbuida del optimismo y el deseo de mostrar en las imágenes brillantes un propósito alto del hombre. 3. Tapicería, imbuida de la idealización de la realidad, la contemplación de ensueño.
Como se puede ver en la definición, el romanticismo es un fenómeno que se manifiesta no solo en el arte, sino también en comportamiento, ropa, estilo de vida, la psicología de las personas y surge en el punto de inflexión de la vida, por lo que el tema del romanticismo es relevante hoy . Vivimos en el cruce de los siglos, estamos en la etapa de transición. En este sentido, en la sociedad existe una incredulidad en el futuro, el engaño en los ideales, existe el deseo de alejarse de la realidad circundante en el mundo de sus propias experiencias y, al mismo tiempo, comprenderla. Estas características son características del arte romántico. Por lo tanto, elegí estudiar el tema "El romanticismo como una dirección en el arte".
El romanticismo es una capa muy grande de varios tipos de arte. El propósito de mi trabajo es rastrear las condiciones del origen y las causas del romanticismo en diferentes países, investigar el desarrollo del romanticismo en tales tipos de arte como literatura, pintura y música, y compararlos. La tarea principal para mí fue distinguir las características principales del romanticismo, características de todo tipo de artes, determinar qué influencia se encontraba el romanticismo en el desarrollo de otras áreas en el arte.
Al desarrollar el tema, utilicé manuales de capacitación de arte, autores como Filimonov, collares, etc., ediciones enciclopedic, monografías dedicadas a varios autores de la época romántica, materiales biográficos de los autores como Aminskaya, Azarkina, Nekrasov, etc.
2. Causas del romanticismo
Cuanto más cerca estamos de la modernidad, más cortos, los segmentos temporales de la dominación del estilo más perteo se están convirtiendo. El segmento de tiempo del fin de los siglos XVIII-1º de los siglos XIX. Se considera que es la época del romanticismo (desde el P. Romantique; algo misterioso, extraño, irreal)
¿Qué influyó en la aparición de un nuevo estilo?
Estos son tres eventos principales: la gran revolución francesa, las guerras napoleónicas, el auge del movimiento de liberación nacional en Europa.
Thunder París respondió a través de Europa. El eslogan "¿Libertad, igualdad, hermandad!", Poseía una gran fuerza atractiva para todos los pueblos europeos. Como las sociedades burguesas se forman contra las órdenes feudales, la clase obrera comenzó a actuar como una fuerza independiente. La lucha opuesta de tres clases: la nobleza, la burguesía y el proletariado fue la base del desarrollo histórico del siglo XIX.
El destino de Napoleón y su papel en la historia europea durante 2 décadas, 1796-1815, ocuparon las mentes de los contemporáneos. "Reluler Dum" - A.S. Hablé de él Pushkin.
Para Francia, estos fueron años de magnitud y fama, la verdad es el precio de los miles de los franceses. Italia vio en Napoleón a su liberador. Las grandes esperanzas yacen en los polos.
Napoleón realizó como conquistador que actúa en interés de la burguesía francesa. Para los monarcas europeos, no era solo un oponente militar, sino también un representante del mundo alienígena de la burguesía. Lo odiaban. Al comienzo de las guerras napoleónicas en su "Gran Ejército", hubo muchos participantes directos en la revolución.
Fenomenal era la persona y Napoleón. El joven Lermontov respondió el décimo aniversario de la muerte de Napoleón:
Él es el mundo alienígena. Todo estaba en secreto,
¡El día de la elevación, y la hora de Páena!
Este misterio mostró especialmente la atención de los románticos.
En relación con las guerras napoleónicas y el envejecimiento de la autoconciencia nacional para este período, se caracteriza el aumento del movimiento de liberación nacional. Alemania, Austria, España luchó contra la ocupación napoleónica, Italia, contra el yugo austriaco, Grecia, contra Turquía, luchó contra el tsarismo ruso, Irlanda contra los británicos.
A los ojos de una generación, ocurrieron cambios asombrosos.
Francia es más que todos: el tormentoso quinto aniversario de la Revolución Francesa, la elevación y la caída de Robespierre, las campañas napoleónicas, la primera renuncia de Napoleón, devolviéndola desde la isla de Elba ("cien días") y la final.
derrota bajo Waterloo, el vigésimo aniversario del régimen de restauración, la revolución de julio de 1960, la revolución de febrero de 1848 en París, que causó una ola revolucionaria en otros países.
En Inglaterra, como resultado de un golpe industrial en la segunda mitad del siglo XIX. Se han establecido maquinaria y relaciones capitalistas. La reforma parlamentaria de 1832 despejó el camino de la burguesía al poder estatal.
En las tierras de Alemania y Austria, el poder retuvo a los gobernantes feudales. Después de la caída de Napoleón, fueron tratados severamente con la oposición. Pero en la tierra alemana, la locomotora, traída de Inglaterra en 1831, se convirtió en un factor en el progreso burgués.
Revoluciones industriales, las revoluciones políticas cambiaron la aparición de Europa. "La burguesía en menos de cien años de su dominación de clase ha creado más fuerzas productivas numerosas y grandiosas que todas las generaciones anteriores tomadas juntas", escribieron a los científicos alemanes Marx y Engels en 1848.
Por lo tanto, la Gran Revolución Francesa (1789-1794) identificó una línea especial, que separa una nueva era de la educación de la iluminación. No solo las formas del estado cambiaron, la estructura social de la sociedad, la alineación de las clases. Todo el sistema de representación cubierto por siglos se sacudió. Ilustradores preparados ideológicamente una revolución. Pero no pudieron prever todas sus consecuencias. El reino de la mente no tuvo lugar. La revolución, proclamando la libertad de personalidad, dio lugar a una orden burguesa, espíritu de compasión y egoísmo. Tal fue el suelo histórico del desarrollo de la cultura artística, que nominó una nueva dirección: el romanticismo.
3. Las principales características del romanticismo.
El romanticismo como método y dirección en cultura artística Era un fenómeno complicado y controvertido. En cada país, tenía una brillante expresión nacional. En la literatura, la música, la pintura y el teatro no son fáciles de encontrar las características que unen el Shatubrant y Delacroix, Mitskevich y Chopin, Lermontov y Cyproen.
Los románticos ocuparon varios posiciones públicas y políticas en la sociedad. Todos están reconstruyendo contra el resultado de la revolución burguesa, pero rebelde de diferentes maneras, ya que todos tenían su ideal. Pero con toda la dulzura y variedad de romanticismo, hay características estables.
La decepción en los tiempos modernos dio lugar a los románticos. interés en pasado: A las formaciones públicas de Dobzhuazny, a la estrella patriarcal. Muchos románticos fueron peculiares de la presentación de que el pintoresco exotismo de los países del sur y este, Italia, España, Grecia, Turquía, es un contraste poético de aburrido burgueses. En estos países, entonces pocas civilizaciones más elevadas, los románticos estaban buscando caracteres brillantes y fuertes, un estilo de vida distintivo y colorido. El interés en el pasado nacional engendró muchas obras históricas.
En un esfuerzo por elevarse por encima de la prosa de ser, para liberar las diversas habilidades de la personalidad, es extremadamente auto-realizado en la creatividad, el romance se opuso a la formalización del arte y el enfoque recto, característico del clasicismo. Todos procedieron de denegación de la iluminación y los cánones racionalistas del clasicismo, Quienes fueron hechos por la iniciativa creativa del artista. Y si el clasicismo divide todo en línea recta, en lo malo y bueno, en blanco y negro, luego el romanticismo está directamente dividido. El clasicismo es un sistema, y \u200b\u200bel romanticismo, no. El romanticismo avanzó la promoción del nuevo tiempo desde el clasicismo al sentimentalismo, que muestra la vida interior de una persona en armonía con un mundo enorme. Y el romanticismo se opone mundo interior Armonía. Es del romanticismo que este psicólogo comienza a aparecer.
La tarea principal del romanticismo fue. imagen del mundo interior., vida mental, y se podría hacer en las historias, místicos, etc. Era necesario mostrar la paradoja de esta vida interior, su irracionalidad.
En su imaginación, el romance transformó la realidad antiestética o entró en el mundo de sus experiencias. La brecha entre el sueño y la realidad, la oposición de una excelente ficción de la realidad objetiva se basó en todo el movimiento romántico.
El romanticismo por primera vez pone el problema del lenguaje del arte. "El arte es un lenguaje de un tipo completamente diferente, en lugar de la naturaleza; Pero en él, se concluyó la misma maravillosa fuerza, que es tan secreta e incomprensiblemente afecta al alma del hombre "(Vachenroder y Tik). El artista es el intérprete del lenguaje de la naturaleza, el mediador entre el mundo del espíritu y la gente. "Gracias a los artistas, la humanidad surge como individualidad de una sola pieza. Los artistas a través de la modernidad se unen al mundo que ha pasado desde el mundo. Son la mayor autoridad espiritual en la que las fuerzas vitales de su humanidad externa se encuentran entre sí, y donde la humanidad interior se manifiesta principalmente "(F.Shlegel).
El romanticismo como dirección en la pintura se formó en Europa occidental a fines del siglo XVIII. El romanticismo en el arte, la mayoría de los países de Europa occidental se han logrado en los 20-30. 19 siglos.
El término "romanticismo" se origina en la palabra "novela" (en el siglo XVII, novelas llamadas obras literarias, escritas no a latín, sino en las lenguas que se originan en él, francés, inglés, etc.). Más tarde, romántico comenzó a llamar a todos los incomprensibles y misteriosos.
Como fenómeno de la cultura, el romanticismo se formó a partir de una visión del mundo especial generada por los resultados de la Gran Revolución Francesa. Decepcionado en los ideales de la época de la iluminación, el romance, esforzándose por la armonía e integridad, creó nuevos ideales estéticos y valores artísticos. El principal objeto de su atención fue los personajes destacados con todas sus experiencias y el deseo de libertad. El héroe de Romantic Pro-Starvations es una persona destacada que resultó estar en la voluntad del destino en las difíciles circunstancias de la vida.
Aunque el romanticismo surgió como protesta contra el arte del clasicismo, estaba en gran parte cerca de este último. Los románticos en parte eran tales representantes del clasicismo como N. Poussin, K. Loren, J. O. D. ENGR.
Los románticos contribuyeron con rasgos nacionales peculiares en la pintura, es decir, lo que faltaba el arte de los clasicistas.
El mayor representante del romanticismo francés fue T. Zheric.
Theodore zheriku
Theodore Zheriko, el gran pintor francés, escultor y calendario, nació en 1791 en Ruang en una familia rica. El talento del artista se manifestó en él bastante temprano. A menudo, en lugar de estar presente en la escuela, Zhriko se sentó en los caballos estables y pintados. Ya buscó no solo transferir las características externas de los animales al papel, sino que también los transfieren a temperamento y carácter.
Después de graduarse de un Lyceum en 1808, Zheriko se convierte en un estudiante conocido en el momento del Maestro de Pintar Charles Verne, quien fue famoso por la habilidad para retratar a los caballos en el lienzo. Sin embargo, el estilo de la derecha no le gustó el joven artista. Pronto sale del taller y viene a estudiar para otro, no menos pintor talentoso que el derecho, P. N. Gerneu. Estudiando dos artistas famosos, Zhero, sin embargo, no se convirtió en el sucesor de sus tradiciones en la pintura. Sus verdaderos maestros probablemente necesitan ser considerados J. A. GRO y J. L. DAVID.
Las obras tempranas de Zheric se distinguen por el hecho de que son lo más cercanos posible a la vida. Las pinturas similares son extremadamente expresivas y patéticas. Pueden ver el estado de ánimo entusiasta del autor al evaluar el mundo circundante. Como ejemplo, puede traer una imagen llamada "Oficial de los Scherims ecuestres imperiales durante un ataque", creado en 1812. Estos son los visitantes del Salón de París por primera vez. Adoptaron el trabajo de un joven artista con admiración, apreciando el talento de un joven maestro.
El trabajo fue creado en ese período de historia francesa cuando Napoleón estaba en el cenit de la gloria. Los contemporáneos lo estaban guardando, el gran emperador, quien logró conquistar la mayor parte de Europa. Es con tal estado de ánimo, bajo la impresión de las victorias del ejército de Napoleón y se escribió una foto. En el lienzo se muestra por un soldado en un caballo en el ataque. Su rostro expresa decisiones, coraje y audacia ante la muerte. Toda la composición
Inusualmente dinámico y emocional. El espectador crea la sensación de que él mismo se convierte en un verdadero participante en los eventos descritos en el lienzo.
La figura de un soldado valiente no habrá surgido en la obra de Zherik. Entre tales imágenes, los héroes de las pinturas "Oficial del Carabinov", oficial del Kirassir antes del ataque, "Retrato del Mosquetón", "Kirassir herido" creado en 1812-1814 es de particular interés. Ultimo trabajo Maravilloso en eso se presentó en la próxima exposición que pasa en la cabaña en el mismo año. Sin embargo, esta no es la principal ventaja de la composición. Se hizo más importante que mostraba cambios que ocurrían en el estilo creativo del artista. Si se reflejaban sentimientos patrióticos sinceros en sus primeros lienzos, entonces en las obras pertenecientes a 1814, el paciente en la imagen de los héroes es reemplazado por el drama.
Un cambio similar en el estado de ánimo del artista fue nuevamente asociado con los eventos en Francia en ese momento. En 1812, Napoleón sufrió una derrota en Rusia, en relación con la que él, que una vez fue un héroe brillante, adquiere la gloria del desafortunado comandante y un orgullo de enfermería. Decepcionado, idealmente, Zhriko se encarna en la pintura "Kirassir herido". Se representa un guerrero herido en el lienzo, tratando de abandonar el campo de batalla. Él se basa en un asable, un arma, que puede ser, hace solo unos minutos, sostenido, altos levantamientos.
Fue la insatisfacción del político de Zhero Napoleon, su recibo al servicio de Louis XVIII, quien tomó el trono francés en 1814 con sentimientos pesimistas, estaba relacionada con el hecho de que después de la segunda incautación del poder en Francia Napoleón (período de cien días. ) El joven artista abandona su país natal junto con Borbón. Pero aquí estaba esperando la decepción. El joven no pudo observar tranquilamente cómo el rey destruye todo lo que se logró durante el reinado de Napoleón. Además, en Louis XVIII, hubo un fortalecimiento de una reacción feudal-católica, el país enrollado de forma rápida, volviendo al viejo dispositivo de estado. Esto no pudo tomar una persona joven, progresivamente pensando. Muy pronto, el joven que se desalentó en los ideales abandonó el ejército encabezado por Louis XVIII, y otra vez se hace cargo de sus pinceles y pinturas. Estos años no se pueden llamar brillante y no se pueden notables en el trabajo del artista.
En 1816, Zhriko sigue un viaje a Italia. Habiendo estado en Roma y Florencia y habiendo estudiado las obras maestras de los maestros famosos, el artista le gusta la pintura monumental. Especialmente ocupado por los frescos de Miguel Ángel, que decoraban la capilla de secuencia. En este momento, Zheriko, se crearon obras, con su escala y majesticidad de muchas maneras que se asemejan a los pintores de altos renacimiento. Entre ellos se encuentran los mayores intereses para el "secuestro de ninfas de centauro" y "hombre, que sumergiendo al toro".
Las mismas características de los maestros viejos son visibles en la película "Ejecutar caballos libres en Roma", escrito en aproximadamente 1817 y representando a los jinetes de la competencia en uno de los carnavales que pasan en Roma. Una característica de esta composición es que fue compilada por un artista de los dibujos de inventario prefabricados. Además, la naturaleza de los bocetos es notablemente diferente del estilo de todo el trabajo. Si las primeras son las escenas que describen la vida de los romanos, los contemporáneos del artista, luego en la composición general, hay imágenes de héroes antiguos valientes, como si se liberara de las narrativas antiguas. En esto, Zheriko camina por el camino de J. L. David, quien por dar la imagen de los patiados heroicos, disfrutó de sus héroes en formas antiguas.
Poco después de la escritura de esta imagen, Zhriko regresa a Francia, donde se convierte en miembro de la taza de la oposición, formada alrededor del pintor de Oras Verne. A su llegada a París, el artista especialmente interesado en gráficos. En 1818, crea una serie de litografías en el tema militar, entre las cuales el más significativo fue "regreso de Rusia". La litografía representa a los soldados torcidos del ejército francés sobre un campo cubierto de nieve. Vindad y sinceramente representan las figuras de la guerra de personas lisiadas y agotadas. No hay computadoras y patiados heroicos en la composición, que fue característica de las primeras obras de Jerico. El artista busca reflejar el estado real de los asuntos, todos aquellos desastres que tuvieron que atravesar a los soldados franceses abandonados por su comandante.
En el trabajo de "Regreso de Rusia", por primera vez, se sonaba el tema de la lucha humana con la muerte. Sin embargo, este motivo aún no es tan brillante, como en las obras posteriores de Zhriko. Un ejemplo de tales paños puede ser una imagen que llamada "Mediana balsa". Fue escrita en 1819 y en el mismo año se exhibió en el Salón de París. Las personas se representan en el lienzo, luchando con los elementos de agua giratoria. El artista muestra no solo su sufrimiento y harina, sino también el deseo de todos los medios para obtener a los ganadores en la lucha con la muerte.
La trama de la composición está dictada por el evento que ocurrió en el verano de 1816 y emocionó a toda la Francia. La entonces famosa Fragata "Medusa" voló en arrecifes y se hundió de las orillas de África. De las 149 personas que estaban en el barco, solo podían salvar 15, entre las que estaban el cirujano y el ingeniero de Korraar de Savigni. A su llegada a su casa, soltaron un pequeño libro que contaba sus aventuras y feliz salvación. Fue de estas memorias que los franceses se enteraron de que la desgracia sucedió debido a la culpa de un capitán inexperto del barco, que estaba a bordo gracias a la protección de un noble amigo.
Las imágenes creadas por Zhriko son inusualmente dinámicas, plásticas y expresivas, lo que se logran por el artista debido a un largo y duro trabajo. Para representar sinceramente los terribles eventos en el lienzo, transfiera los sentimientos de las personas que se atreven en el mar, el artista se reúne con testigos presenciales de la tragedia, durante mucho tiempo estudiando los rostros de los pacientes agotados que son tratados en uno de los hospegos. de París, así como los marineros que lograron escapar después de los naufragios. En este momento, el pintor creado un gran número de obras de retratos.
Un significado profundo se llena y balanceando el mar, como si tratara de absorber una balsa continua de madera con las personas. Esta imagen es extremadamente expresiva y dinámica. Al igual que las figuras de las personas, recordadas de la naturaleza: el artista fue hecho por varias etedes que representan el mar durante la tormenta. Trabajando en la composición monumental, Zhriko más de una vez se dirigió a las etudes previamente preparadas para reflejar plenamente la naturaleza de los elementos. Es por eso que la imagen produce una gran impresión en el espectador, lo convence en el realismo y la veracidad de lo que está sucediendo.
"La balsa" Medusa "representa a Zhriko como un maravilloso dominio de la composición. Por mucho tiempo El artista reflexionó sobre cómo organizar las figuras de la imagen para expresar más plenamente los derechos de autor. Durante el trabajo, se realizaron varios cambios. Los bocetos que preceden a las pinturas dicen que Zerico quiso inicialmente para retratar la lucha en la balsa de las personas entre sí, pero más tarde rechazó tal interpretación del evento. En la versión final, el lienzo representa el momento en que la gente desesperada ve el recipiente de Argus en el horizonte y se extiende las manos. La última adición a la imagen se colocó a continuación, en el lado derecho del lienzo, la figura humana. Fue ella quien fue la carrera final de la composición, que adquirió un personaje profundamente trágico después de eso. Cabe destacar que este cambio se hizo cuando la imagen ya estaba en la exposición en la cabina.
Con su monumentalidad y su mayor emocionalidad, la imagen de Zhero recuerda en gran medida a la creación de altos maestros de renacimiento (más "Tribunal Terrible" Michelangelo), con el que se reunió el artista durante el viaje en Italia.
La imagen "The Bally" Jellyfish ", que se convirtió en una obra maestra de la pintura francesa, tenía un gran éxito en los círculos de la oposición, que vio el reflejo de los ideales revolucionarios en ella. Por las mismas razones, el trabajo no fue aceptado en el medio de la nobleza más alta y representantes oficiales del arte de Francia. Es por eso que en ese momento el autor no fue canjeado por el autor del autor.
Frustrado por la recepción prestada por su creación en casa, Zhriko va a Inglaterra, donde representa su trabajo favorito a la corte británica. En Londres, los conocedores de arte tomaron el famoso lienzo con un gran deleite.
Zheriko se acerca a los artistas ingleses que se preocupan por su habilidad sinceramente y sinceramente, retrata la realidad. La vida y la vida de la capital de Inglaterra Zhriko dedica el ciclo de litografías, entre las cuales los más intereses son el trabajo que recibió los nombres de "Suite de inglés grande" (1821) y el "viejo mendigo, muriendo en la puerta de la panadería" ( 1821). En el último artista, el artista describió a London Vagraga, en el que las impresiones obtenidas por el pintor se reflejaron en el proceso de estudiar las vidas de las personas en los alojamientos de la ciudad.
En el mismo ciclo incluyeron tales litografías como el "herrador" y "en la puerta de Adelphin Verfi", lo que representa al espectador la imagen de la vida de la gente común de Londres. Una imagen de caballos, trabajos pesados \u200b\u200by de carga son interesantes. Difieren significativamente de esos animales elegantes y elegantes que fueron escritos por otros artistas: Zhriko Contemporáneos.
Mientras que en la capital de Inglaterra, Zheriko participa en la creación de no solo litografías, sino también obras pintorescas. Una de las obras más llamativas de este período fue la tela "Racing Epsoma", creada en 1821 en la imagen, el artista representa a los caballos que llevan caballos llevados a todo el apoyo, y las piernas no tocan la tierra en absoluto. Esta recepción difícil (la foto demostró que una posición de este tipo de las piernas en los caballos no puede ser, esta es una fantasía del artista) El maestro usa para dar el dinamismo de la composición, cree una impresión del movimiento de rayos de caballos de el espectador. Este sentimiento se ve reforzado por la transferencia exacta de plásticos (poses, gestos) de figuras humanas, así como el uso de combinaciones de colores brillantes y jugosas (pelirrojas, curvas, caballos blancos; azul saturado, rojo oscuro, blanco y azul y dorado. chistes).
El tema de la rampa, que ha atraído durante mucho tiempo la atención del pintor con su expresión especial, se ha repetido repetidamente en obras creadas por Zhriko después de completar el trabajo en "saltos en el epsoma".
Para 1822, el artista sale de Inglaterra y regresa a su Francia natal. Aquí se compromete a crear grandes lienzos, similares a las obras de los maestros del Renacimiento. Entre ellos, "comercio de negros", "Apertura de las puertas de la prisión de la Inquisición en España". Estas pinturas permanecieron sin terminar, la muerte impidió que Beliko completara el trabajo.
De particular interés son los retratos cuya creación de científicos historiadores de arte pertenece al período de 1822 a 1823. La historia de su escritura merece una atención especial. El hecho es que estos retratos fueron ordenados por otro artista que trabajó como psiquiatra en una de las clínicas de París. Deberían haberse convertido en ilustraciones peculiares que demuestran varias enfermedades mentales humanas. Así fueron escritos retratos "Anciana loca", "locos", "locos, imaginándose con un comandante". Para un maestro de pintura aquí, fue importante no tanto mostrar signos y síntomas externos de la enfermedad, cuánto transferir el estado interno y mental de una persona enferma. En frente del espectador, las imágenes trágicas de las personas aparecen frente al espectador, los ojos de los cuales están llenos de dolor y tristeza.
Среди портретов жерико особое место занимает портрет негра, находящийся в настоящийся в настоящийся время в коллекции руанского музея. Desde el lienzo del espectador se ve un hombre decisivo y volitivo, listo para luchar con fuerzas hostiles. La imagen es extraordinariamente interna, emocional y expresiva. La persona en esta imagen es muy similar a esos héroes fuertes, que fueron mostrados por Zhriko antes en composiciones grandes (por ejemplo, en la plema de la parcela de Medusa).
Zheriko no era solo un maestro de pintura, sino también una excelente preparación. Sus obras en este arte del arte a principios del siglo XIX fueron las primeras muestras de esculturas románticas. Entre tal trabajo, la composición extraordinariamente expresiva "Ninfa y SATYR" es de particular interés. Las imágenes congeladas en movimiento transmiten con precisión el plástico al cuerpo humano.
Theodore Zhriko murió trágicamente en 1824 en París, se estrelló cuando se cayó de un caballo. Su muerte temprana fue una sorpresa para todos los contemporáneos del famoso artista.
La creatividad Zhriko marcó una nueva etapa en el desarrollo de la pintura, no solo Francia, sino también el arte mundial, un período de romanticismo. En sus obras, el Maestro supera la influencia de las tradiciones clásicas. Sus obras son extremadamente coloridas y reflejan toda la variedad del mundo de la naturaleza. Al ingresar a figuras humanas en la composición, el artista busca garantizar que las experiencias internas y las emociones del hombre puedan revelar de forma totalmente y más brillante.
Después de la muerte de Zhriko, la tradición de su arte romántico fue recogido por los más jóvenes contemporáneos del artista - E. Delacroa.
Eugene Delacroa
Ferdinand Victor Eugene Delakroua, el famoso artista francés y un horario, el sucesor de las tradiciones del romanticismo, establecido en el trabajo de Zhriko, nació en 1798. No se graduó de la educación en el Lyceum Imperial, en 1815, Delacroix viene a la capacitación de El conocido maestro Gerne. Sin embargo, los métodos artísticos de un pintor joven no cumplieron con los requisitos del maestro, por lo que siete años más tarde, el joven lo deja.
Estudiando a Herren, Delacroix paga mucho tiempo para estudiar la creatividad de David y Masters de pintar el Renacimiento. La cultura de la antigüedad, las tradiciones de las que siguió y David, considera fundamental para el desarrollo del arte mundial. Por lo tanto, los ideales estéticos para Delacan fueron obras de poetas y pensadores. Antigua Grecia, entre ellos, el artista agradeció las obras de Homero, Horatia y Mark Aurelia.
Las primeras obras de Delacroix fueron lienzos sin terminar, donde un joven pintor trató de repeler la lucha de los griegos con los turcos. Sin embargo, el artista carecía de habilidades y experiencia para crear una imagen expresiva.
En 1822, Delacroix expone su trabajo bajo el nombre "Dante y Vergil" en el salón de París. Este lienzo, extraordinariamente un esquema de colores emocional y brillante, se recuerda en gran medida por la obra de Zheriko "The Rack" Medusa ".
Dos años más tarde, se presentó otra imagen de Delacroix a la Corte de la Audiencia del Salón, "Chios Massacre". Fue en ello que el antiguo plan del artista muestra la lucha de los griegos con los turcos. La composición total de la imagen está formada por varias partes que forman un grupo de personas publicadas por separado, cada una de ellas tiene su propio conflicto dramático. En general, el trabajo impresiona la tragedia profunda. La sensación de tensión y dinamismo está aumentando debido a la combinación de líneas suaves y afiladas que forman las figuras de los personajes, lo que conduce a un cambio en la proporción de la persona representada por el artista. Sin embargo, se debe a que esta imagen adquiere carácter realista y persuasión vital.
El método creativo de Delacroix, totalmente expresado en la "Carne On Chios", lejos del estilo clásico, tomado entonces en círculos oficiales Francia y entre representantes del arte visual. Por lo tanto, la imagen del joven artista fue recibido en la crítica aguda del salón.
A pesar del fracaso, el pintor sigue siendo fiel a su ideal. En 1827, otro trabajo aparece en el tema de la lucha del pueblo griego por la independencia, "Grecia en las ruinas de Missolong". La figura del griego decisivo y orgulloso, derivado del lienzo, personifica a la Grecia no relacionada aquí.
En 1827, Delacroix realizó dos obras, que reflejaban búsquedas creativas para el maestro en el campo de los medios y los métodos de expresión artística. Esta es la "muerte de SardApal" y Marino Falero. En el primero de ellos, la tragedia de la situación se transmitió en el movimiento de figuras humanas. La estática y la calma está aquí solo la imagen de Sardanapal mismo. En la composición "Marino Faleoo" dinámica solo figura del personaje principal. El resto de los héroes parecían congelarse del horror ante la idea de lo que debería suceder.
En los años 20 Siglo xix Delacroix realizó una serie de trabajos, cuyos parcelas se toman de escritos literarios conocidos. En 1825, el artista visitó Inglaterra, en la patria de William Shakespeare. En el mismo año, la litografía de Macbeth se realizó bajo la impresión de este viaje y la tragedia del famoso MacBet Playwright. En el período comprendido entre 1827 y 1828, creó la Litografía "Fausto" dedicada al ensayo de Goethe de un nombre.
En relación con los eventos que tuvieron lugar en Francia en 1830, Delacroix cumplió con el lienzo "Libertad, líderes". Revolucionaria Francia se presenta en la imagen de una mujer joven, fuerte, poderosa, decisiva e independiente, que lleva audazmente a la multitud en la que se destacan las figuras del trabajador, un estudiante, un luchador herido, un juego parisino (una imagen que anticipó a Guvrosh, que apareció más tarde en el V. Hugo).
Este trabajo fue notablemente diferente de tales obras de otros artistas que solo estaban interesados \u200b\u200ben la transferencia veraz de uno u otro evento. Para las calidades creadas por Delacroix, se caracterizó un patio alto heroico. Las imágenes son símbolos resumidos de libertad e independencia de los franceses.
Con la llegada del Louis Philipp, el rey burgués-heroísmo y los sentimientos sublimes predicados por Delacroix, no había lugar en la vida moderna. En 1831 el artista está tomando un viaje a África. Visitó Tánger, Meknes, Orane y Argelia. Al mismo tiempo, Delacroix visita a España. La vida del este fascina literalmente al artista con su rápido flujo. Crea esquema, dibujos y una serie de trabajos de acuarela.
Habiendo estado en Marruecos, Delacroix escribe el lienzo dedicado al este. Las pinturas en las que el artista muestra las razas o la batalla de los jinetes de rábano picante, inusualmente dinámico y expresivo. En comparación con ellos, la composición "mujeres argelinas en su descanso", creada en 1834, parece tranquila y estática. No tiene ese rápido dinamismo y tensiones características de las primeras obras del artista. Delacroix aparece el dominio de Colorite. La gama de colores utilizada por el pintor en su totalidad refleja la brillante diversidad de la paleta, asociada con el espectador con los colores del este.
El mismo ocio y dimensión se distinguen por la "boda judía en Marruecos" de lienzo, escrito en aproximadamente 1841. El misterioso ambiente oriental se crea aquí gracias al equipo exacto por la originalidad del artista del interior nacional. La composición parece sorprendentemente dinámica: el pintor muestra cómo las personas se mueven por las escaleras y entran en la habitación. La luz que penetra en la habitación le da la imagen realista y la persuasión.
Los motivos orientales han estado presentes durante mucho tiempo en las obras de Delacra. Entonces, en una exposición organizada en la cabaña en 1847, cinco de las seis obras presentadas se dedicaron a la vida y la vida del este.
En los 30-40s. El siglo XIX en el trabajo de Delacroix aparece nuevos temas. En este momento, el Maestro crea obras de temas históricos. Entre ellos se encuentran especial atención a la "Región de la Protesta MIRA contra la disolución de los estados generales" y "Buissi d'Ange". El boceto de este último, que se muestra en 1831 en la cabina, es una brillante muestra de composiciones en el tema de un levantamiento popular.
Las imágenes de las personas están dedicadas a la "Batalla de Poitiers" (1830) y "Batalla de Taibur" (1837). Con todo el realismo, la dinámica de la batalla, el movimiento de las personas, su altura, el mal y el sufrimiento se muestran aquí. El artista busca transmitir las emociones y la pasión de una persona que estaba cubierta por el deseo de ganar nada. Son las figuras de las personas son las principales cuando la naturaleza dramática de lo que está sucediendo.
Muy a menudo en las obras de Delacroix, el ganador y derrotado, resultan ser fuertemente opuestos entre sí. Especialmente bueno, se puede ver en el camino del Castillo de Konstantinoplet ", escrito en 1840. En primer plano, se mostraron un grupo de personas cubiertas por el dolor. Detrás de sus espaldas, un paisaje encantador y encantador. Aquí están las figuras de los jinetes de los ganadores, cuyas terribles siluetas contrastan con figuras tristes en primer plano.
"La captura de los cruzados de Constantinople representa alacroix como colorista maravilloso. Sin embargo, las pinturas brillantes y ricas no fortalecen el principio trágico, cuyas expresiones son figuras tristes, ubicadas cerca del espectador. Por el contrario, la rica paleta crea un sentido de las vacaciones, organizó en honor a los ganadores.
No menos colorido composición "Justicia de Trajano", creada en la misma 1840 contemporáneos del artista reconoció esta imagen de uno de los mejores entre todos los pintores pintados. De particular interés es el hecho de que durante el trabajo los experimentos maestros en el campo del color. Incluso las sombras adquieren una variedad de tonos. Todas las pinturas de la composición corresponden exactamente a la naturaleza. El desempeño del trabajo fue precedido por la larga observación del pintor para los cambios en las sombras de la naturaleza. El artista los enumeró en un diario. Luego, según los registros, los científicos han confirmado que los descubrimientos hechos por Delacroix en el campo de la tonalidad se corresponden completamente a la enseñanza sobre el color, cuyo fundador es E. Chevreyl. Además, el artista revisa sus descubrimientos con la paleta utilizada por la escuela veneciana, que fue un ejemplo de habilidades pictóricas para él.
Entre el calendario de Delacroix, los retratos ocupan un lugar especial. El maestro rara vez se aplica a este género. Escribió solo aquellas personas con las que estaba familiarizado durante mucho tiempo, cuyo desarrollo espiritual tuvo lugar frente al artista. Por lo tanto, las imágenes en los retratos son muy expresivos y profundos. Tales son retratos de chopin y georges arena. En un cinturón dedicado al famoso escritor (1834), una mujer que admira a los contemporáneos es representada y fuerte en espíritu. El retrato de Chopin, escrito por cuatro años después, en 1838, presenta la imagen poética y espiritual del gran compositor.
Interesante e inusualmente expresivo, el retrato del famoso violinista y compositor Paganini, escrito por Delacroix aproximadamente en 1831, el estilo musical de Paganini fue en gran parte similar al pintoresco método del artista. Para la creatividad de Paganini, la misma expresión es caracterizada e intensa emocionalidad, que fueron características de las obras del pintor.
Los paisajes ocupan un pequeño lugar en el trabajo de Delacroix. Sin embargo, fueron muy importantes para el desarrollo de la pintura francesa la segunda mitad del siglo XIX. Delacroix Los paisajes están marcados por el deseo de transferir con precisión la luz y la vida esquiva de la naturaleza. Los ejemplos brillantes de los que pueden servir como el "cielo" pueden servir donde se crea la sensación del orador debido a las nubes blancas de nieve flotando a través del cielo, y el "mar visible desde las orillas de DIEPPE" (1854), en el que El pintor Virtuoso transfiere la diapositiva de los veleros ligeros a lo largo de la superficie del mar.
En 1833, el artista recibe una orden del rey francés en la sala de pintura en el palacio de Bourbon. El trabajo en la creación de un trabajo monumental duró cuatro años. Al completar el pedido, el pintor se guió principalmente a las imágenes para ser extremadamente simples y lacónicas, entendidas por el espectador.
El último trabajo de Delacroix fue la pintura de la capilla de los Ángeles Santos en la iglesia Saint-Sulpis en París. Se realizó en el período de 1849 a 1861. Utilizando pinturas brillantes y jugosas (rosa, azul brillante, lila, colocado sobre fondo azul y amarillo marrón), el artista crea en las composiciones del estado de ánimo de los rayos, lo que causa el espectador entusiasta. Canguro. El paisaje incluido en el "exilio de orodoro del templo" como un fondo peculiar, aumenta visualmente el espacio de la composición y la sala de la capilla. Por otro lado, como si huelga sorprendente para enfatizar el cierre del espacio, Delacroix introduce una escalera y una balaustrada en la composición. Las figuras colocadas detrás de él parecen siluetas casi planas.
Eugene Delacroix falleció en 18 63 en París.
Delacroix fue el más educado entre los pintores de la primera mitad del siglo XIX. Muchas parcelas de sus pinturas son tomadas de obras literarias Famosos maestros de fe. Interesante es el hecho de que la mayoría de las veces el artista escribió sus héroes sin usar el modelo. Buscó enseñar a estos y seguidores. Según Delacroix, la pintura es algo más complicado que la copia primitiva de las líneas. El artista creía que el arte se encuentra principalmente en la capacidad de expresar el estado de ánimo y la intención creativa del maestro.
Delacroix es el autor de varias obras teóricas dedicadas a los problemas de color, método y estilo del artista. Estos trabajos sirvieron para los pintores del faro de las generaciones posteriores en encontrar sus propios agentes artísticos utilizados para crear composiciones.
A finales de XVIII, principios del siglo XIX, las ideas del clasicismo y la iluminación perdieron su atractivo y relevancia. Una nueva, en respuesta a las técnicas canónicas de clasicismo y teorías morales de la iluminación, se volvió hacia el hombre, su mundo interior, ganó fuerza y \u200b\u200bdominó las mentes. El romanticismo estaba muy extendido en todas las áreas de la vida cultural y la filosofía. Los músicos, artistas y escritores en sus obras buscaban mostrar el alto propósito del hombre, su rico mundo espiritual, la profundidad de los sentimientos y las experiencias. A partir de ahora, una persona con su lucha interior, búsqueda espiritual y experiencias, y no las ideas "borrosas" de la prosperidad universal y la prosperidad, se han convertido en un tema dominante en las ilustraciones.
Romanticismo en pintura
La profundidad de las ideas y sus experiencias personales de los pintores se transmiten a través de la composición creada por la composición, los colores, los acentos. En diferentes países, Europa tenía sus propias características en la interpretación de las imágenes románticas. Esto se debe a las corrientes filosóficas, así como una situación sociopolítica, una respuesta en vivo a la que era el arte. La pintura no fue una excepción. Alemania, fragmentada por pequeños principios y Ducy, Alemania no experimentó choques públicos graves, los artistas no crearon pendientes monumentales que representan a los héroes de titanes, aquí el interés despertó al profundo mundo espiritual del hombre, su belleza y grandeza, búsqueda mustional. Por lo tanto, el romanticismo más completo en la pintura de Alemania se presenta en retratos y paisajes. Otto Runge Works son muestras clásicas de este género. En retratos realizados por el pintor, a través de un estudio delgado de las características de la cara, el ojo, a través del contraste de la luz y las sombras, el deseo del artista de mostrar la contradicción de la persona, su poder y la profundidad del sentimiento. A través de un paisaje, una pequeña imagen fantástica, exagerada de árboles, flores y aves, el artista también trató de descubrir la pureza de la persona humana, su similitud con la naturaleza, diversa y desconocida. Un brillante representante del romanticismo en la pintura fue un oficial de paisaje artista K. D. Friedrich, quien hizo acentos en la fuerza y \u200b\u200bel poder de la naturaleza, la montaña, los paisajes marinos, la consonante con el hombre.
El romanticismo en la pintura de Francia ha evolucionado de acuerdo con otros principios. Choques revolucionarios, tormentosos vida publica Se manifestaron en la pintura de los artistas a la imagen de las parcelas históricas y fantásticas, con un palático y una excitación "nerviosa", que se logró mediante contraste de color brillante, expresión de movimientos, algo de composición caótica y espontánea. Las ideas más plenamente y brillantes románticas se presentan en el trabajo de T. zheric, E. Delacroix. Los artistas disfrutaron magistralmente el color y la luz, creando una profundidad de sentimientos pulsantes, acumulados para luchar y la libertad.
Romanticismo en pintura rusa
El pensamiento social ruso se respondió muy vívidamente a nuevas direcciones y corrientes que surgieron en Europa. Y luego la guerra con Napoleón es aquellos eventos históricos significativos que más seriamente influyeron en las búsquedas filosóficas y culturales de la intelectualidad rusa. El romanticismo en la pintura rusa se presentó en los tres paisajes principales, el arte monumental, donde la influencia del clasicismo era mucho, y las ideas románticas estaban entrelazadas con los cánones académicos.
El comienzo del siglo XIX se está convirtiendo en una atención cada vez mayor a la imagen de la inteligencia creativa, los poetas y los artistas de Rusia, así como a personas comunes y campesinos. Cyprosensky, Tropinin, Bullels, con gran amor, trató de mostrar toda la profundidad y la belleza de la personalidad de una persona, a través de la vista, pasar la cabeza, los detalles del disfraz transmiten la búsqueda espiritual, el carácter amante de la libertad de sus "modelos". . Gran interés en la personalidad de la persona, su lugar central en el arte contribuyó al florecimiento del género autoportista. Además, los autoportes de los artistas no se dibujan no para ordenar, fue un impulso creativo, un tipo de autoinformado frente a los contemporáneos.
Los paisajes en la obra de románticos también difirieron en singularidad. El romanticismo en la pintura reflejó y pasó el estado de ánimo del hombre, se suponía que el paisaje era consonante con él. Es por eso que los artistas intentaron mostrar la naturaleza rebelde de la naturaleza, su poder y su espontaneidad. Orlovsky, generoso, que representa el elemento marino, los poderosos árboles, los rangos de montaña, por un lado, pasó la belleza y la multitravedad de los paisajes reales, por el otro, crearon un cierto ambiente emocional.
Abstracto de examen
Sujeto: "El romanticismo como una dirección en el arte".
Realizado Alumno de 11 "en" Clase SS №3
Chico la pelea anna
Profesor de arte mundial
cultura Becu T. N.
brest 2002.
1. Introducción
2. Causas del romanticismo
3. Las principales características del romanticismo.
4. Héroe romántico
5. Romanticismo en Rusia
a) literatura
b) pintura
c) musica
6. Romanticismo occidental europeo
una pintura
b) musica
7. Conclusión
8. Lista de referencias
1. INTRODUCCIÓN
Si observa el Diccionario Explicativo de la lengua rusa, puede encontrar varios significados de la palabra "romanticismo": 1. Dirección en la literatura y el arte del primer trimestre del siglo XIX, caracterizado por la idealización del pasado, corte. -Off de la realidad, el culto de la personalidad y el hombre. 2. La dirección en la literatura y el arte, imbuida del optimismo y el deseo de mostrar en las imágenes brillantes un propósito alto del hombre. 3. Tapicería, imbuida de la idealización de la realidad, la contemplación de ensueño.
Como se puede ver en la definición, el romanticismo es un fenómeno que se manifiesta no solo en el arte, sino también en comportamiento, ropa, estilo de vida, la psicología de las personas y surge en el punto de inflexión de la vida, por lo que el tema del romanticismo es relevante hoy . Vivimos en el cruce de los siglos, estamos en la etapa de transición. En este sentido, en la sociedad existe una incredulidad en el futuro, el engaño en los ideales, existe el deseo de alejarse de la realidad circundante en el mundo de sus propias experiencias y, al mismo tiempo, comprenderla. Estas características son características del arte romántico. Por lo tanto, elegí estudiar el tema "El romanticismo como una dirección en el arte".
El romanticismo es una capa muy grande de varios tipos de arte. El propósito de mi trabajo es rastrear las condiciones del origen y las causas del romanticismo en diferentes países, investigar el desarrollo del romanticismo en tales tipos de arte como literatura, pintura y música, y compararlos. La tarea principal para mí fue distinguir las características principales del romanticismo, características de todo tipo de artes, determinar qué influencia se encontraba el romanticismo en el desarrollo de otras áreas en el arte.
Al desarrollar el tema, utilicé manuales de capacitación de arte, autores como Filimonov, collares, etc., ediciones enciclopedic, monografías dedicadas a varios autores de la época romántica, materiales biográficos de los autores como Aminskaya, Azarkina, Nekrasov, etc.
2. Causas del romanticismo
Cuanto más cerca estamos de la modernidad, más cortos, los segmentos temporales de la dominación del estilo más perteo se están convirtiendo. El segmento de tiempo del fin de los siglos XVIII-1º de los siglos XIX. Se considera que es la época del romanticismo (desde el P. Romantique; algo misterioso, extraño, irreal)
¿Qué influyó en la aparición de un nuevo estilo?
Estos son tres eventos principales: la gran revolución francesa, las guerras napoleónicas, el auge del movimiento de liberación nacional en Europa.
Thunder París respondió a través de Europa. El eslogan "¿Libertad, igualdad, hermandad!", Poseía una gran fuerza atractiva para todos los pueblos europeos. Como las sociedades burguesas se forman contra las órdenes feudales, la clase obrera comenzó a actuar como una fuerza independiente. La lucha opuesta de tres clases: la nobleza, la burguesía y el proletariado fue la base del desarrollo histórico del siglo XIX.
El destino de Napoleón y su papel en la historia europea durante 2 décadas, 1796-1815, ocuparon las mentes de los contemporáneos. "Reluler Dum" - A.S. Hablé de él Pushkin.
Para Francia, estos fueron años de magnitud y fama, la verdad es el precio de los miles de los franceses. Italia vio en Napoleón a su liberador. Las grandes esperanzas yacen en los polos.
Napoleón realizó como conquistador que actúa en interés de la burguesía francesa. Para los monarcas europeos, no era solo un oponente militar, sino también un representante del mundo alienígena de la burguesía. Lo odiaban. Al comienzo de las guerras napoleónicas en su "Gran Ejército", hubo muchos participantes directos en la revolución.
Fenomenal era la persona y Napoleón. El joven Lermontov respondió el décimo aniversario de la muerte de Napoleón:
Él es el mundo alienígena. Todo estaba en secreto,
¡El día de la elevación, y la hora de Páena!
Este misterio mostró especialmente la atención de los románticos.
En relación con las guerras napoleónicas y el envejecimiento de la autoconciencia nacional para este período, se caracteriza el aumento del movimiento de liberación nacional. Alemania, Austria, España luchó contra la ocupación napoleónica, Italia, contra el yugo austriaco, Grecia, contra Turquía, luchó contra el tsarismo ruso, Irlanda contra los británicos.
A los ojos de una generación, ocurrieron cambios asombrosos.
Francia es más que todos: el tormentoso quinto aniversario de la Revolución Francesa, la elevación y la caída de Robespierre, las campañas napoleónicas, la primera renuncia de Napoleón, devolviéndola desde la isla de Elba ("cien días") y la final.
derrota bajo Waterloo, el vigésimo aniversario del régimen de restauración, la revolución de julio de 1960, la revolución de febrero de 1848 en París, que causó una ola revolucionaria en otros países.
En Inglaterra, como resultado de un golpe industrial en la segunda mitad del siglo XIX. Se han establecido maquinaria y relaciones capitalistas. La reforma parlamentaria de 1832 despejó el camino de la burguesía al poder estatal.
En las tierras de Alemania y Austria, el poder retuvo a los gobernantes feudales. Después de la caída de Napoleón, fueron tratados severamente con la oposición. Pero en la tierra alemana, la locomotora, traída de Inglaterra en 1831, se convirtió en un factor en el progreso burgués.
Revoluciones industriales, las revoluciones políticas cambiaron la aparición de Europa. "La burguesía en menos de cien años de su dominación de clase ha creado más fuerzas productivas numerosas y grandiosas que todas las generaciones anteriores tomadas juntas", escribieron a los científicos alemanes Marx y Engels en 1848.
Por lo tanto, la Gran Revolución Francesa (1789-1794) identificó una línea especial, que separa una nueva era de la educación de la iluminación. No solo las formas del estado cambiaron, la estructura social de la sociedad, la alineación de las clases. Todo el sistema de representación cubierto por siglos se sacudió. Ilustradores preparados ideológicamente una revolución. Pero no pudieron prever todas sus consecuencias. El reino de la mente no tuvo lugar. La revolución, proclamando la libertad de personalidad, dio lugar a una orden burguesa, espíritu de compasión y egoísmo. Tal fue el suelo histórico del desarrollo de la cultura artística, que nominó una nueva dirección: el romanticismo.
3. Las principales características del romanticismo.
El romanticismo como método y dirección en la cultura artística fue un fenómeno de complejo y controvertido. En cada país, tenía una brillante expresión nacional. En la literatura, la música, la pintura y el teatro no son fáciles de encontrar las características que unen el Shatubrant y Delacroix, Mitskevich y Chopin, Lermontov y Cyproen.
Los románticos ocuparon varios posiciones públicas y políticas en la sociedad. Todos están reconstruyendo contra el resultado de la revolución burguesa, pero rebelde de diferentes maneras, ya que todos tenían su ideal. Pero con toda la dulzura y variedad de romanticismo, hay características estables.
La decepción en los tiempos modernos dio lugar a los románticos. interés en pasado : A las formaciones públicas de Dobzhuazny, a la estrella patriarcal. Muchos románticos fueron peculiares de la presentación de que el pintoresco exotismo de los países del sur y este, Italia, España, Grecia, Turquía, es un contraste poético de aburrido burgueses. En estos países, entonces pocas civilizaciones más elevadas, los románticos estaban buscando caracteres brillantes y fuertes, un estilo de vida distintivo y colorido. El interés en el pasado nacional engendró muchas obras históricas.
En un esfuerzo por elevarse por encima de la prosa de ser, para liberar las diversas habilidades de la personalidad, es extremadamente auto-realizado en la creatividad, el romance se opuso a la formalización del arte y el enfoque recto, característico del clasicismo. Todos procedieron de denegación de la iluminación y los cánones racionalistas del clasicismo, Quienes fueron hechos por la iniciativa creativa del artista. Y si el clasicismo divide todo en línea recta, en lo malo y bueno, en blanco y negro, luego el romanticismo está directamente dividido. El clasicismo es un sistema, y \u200b\u200bel romanticismo, no. El romanticismo avanzó la promoción del nuevo tiempo desde el clasicismo al sentimentalismo, que muestra la vida interior de una persona en armonía con un mundo enorme. Y el romanticismo se opone a la armonía del mundo interior. Es del romanticismo que este psicólogo comienza a aparecer.
La tarea principal del romanticismo fue. imagen del mundo interior. , vida mental, y se podría hacer en las historias, místicos, etc. Era necesario mostrar la paradoja de esta vida interior, su irracionalidad.
En su imaginación, el romance transformó la realidad antiestética o entró en el mundo de sus experiencias. La brecha entre el sueño y la realidad, la oposición de una excelente ficción de la realidad objetiva se basó en todo el movimiento romántico.
El romanticismo por primera vez pone el problema del lenguaje del arte. "El arte es un lenguaje de un tipo completamente diferente, en lugar de la naturaleza; Pero en él, se concluyó la misma maravillosa fuerza, que es tan secreta e incomprensiblemente afecta al alma del hombre "(Vachenroder y Tik). El artista es el intérprete del lenguaje de la naturaleza, el mediador entre el mundo del espíritu y la gente. "Gracias a los artistas, la humanidad surge como individualidad de una sola pieza. Los artistas a través de la modernidad se unen al mundo que ha pasado desde el mundo. Son la mayor autoridad espiritual en la que las fuerzas vitales de su humanidad externa se encuentran entre sí, y donde la humanidad interior se manifiesta principalmente "(F.Shlegel).
Sin embargo, el romanticismo no era un flujo homogéneo: su desarrollo ideológico fue en diferentes direcciones. Entre los románticos había escritores reactivos, los adherentes del antiguo régimen de que la monarquía y el cristianismo feudales estaban cantando. Por otro lado, el romance con una cosmovisión progresiva expresó una protesta democrática contra la feudal y toda la opresión, encarnó la ráfaga revolucionaria de las personas para el mejor futuro.
El romanticismo dejó toda una época en la cultura artística mundial, sus representantes fueron: en la literatura V.Skott, J. Byron, Shelly, V. Hugo, A. Mitskevich y otros; En el arte visual de E. Delakroua, T. Zherik, F. Runge, J. Constable, W. Turner, O. Kiprensky et al.; En Música F. Schubert, R. Wagner, Berlioz, N. Paganini, F.List, F. Shopin, etc. Aerraron y desarrollaron nuevos géneros, prestados mucha atención al destino de la persona humana, revelaron la dialéctica del bien y Malvados, abiertos magistralmente, pasiones humanas y otras.
Tipos de arte en su significado más o menos igualados y dieron magníficas obras de arte, aunque el romance en las escaleras del arte se le dio al campeonato a la música.
4. Héroe romántico
¿Quién es un héroe romántico y qué es él?
Este es un individualista. Superman, que vivió dos etapas: ante una colisión con la realidad, vive en el estado 'Pink', dominan el deseo de la hazaña, los cambios en el mundo; Después de una colisión con la realidad, continúa considerando este mundo y vulgar, y aburrido, pero no se convierte en un escepticista, pesimista. Con una comprensión clara, es imposible cambiar cualquier cosa, el deseo de una hazaña renace en el deseo de peligros.
Los románticos podrían dar el valor incrédulo eterno de cada pequeña cosas, cada hecho particular, toda la unidad. Joseph de Mester lo llama las "formas de la Providencia", Germen de Steel es un "Lone fructífero del Universo Inmortal". Shatubrean en el "genio del cristianismo", en un libro dedicado a la historia, indica directamente a Dios, como el comienzo del tiempo histórico. La compañía aparece como una conexión inquebrantable, "la vida de la vida que se comunica con los antepasados \u200b\u200by que debemos estirarnos a los descendientes". Solo el corazón de un hombre, no su mente, puede entender y escuchar la voz del Creador, a través de la belleza de la naturaleza, a través de sentimientos profundos. La naturaleza de lo divino, es una fuente de armonía y fuerzas creativas, sus metáforas a menudo se transfieren a los románticos al léxico político. Un árbol para los románticos se convierte en un símbolo del tipo de desarrollo espontáneo, la percepción de los jugos de tierra nativa, un símbolo de la unidad nacional. La naturaleza más inocente y sensible del hombre, más fácil escucha la voz de Dios. Un niño, una mujer, un joven noble más a menudo que otros, vea la inmortalidad del alma y el valor de la vida eterna. La sed de felicidad de los románticos no se limita a un deseo idealista al reino de Dios después de la muerte.
Además del amor místico, una persona necesita amor real, terrenal. Incapaz de poseer el tema de su pasión, un héroe romántico se convirtió en un mártir eterno, condenado a esperar la reunión con su amada en la vida futura, "porque el gran amor es digno de la inmortalidad cuando le costó a una persona de la vida".
Un lugar especial en el trabajo de romántico está ocupado por el problema del desarrollo y la educación de la persona. La infancia está privada de leyes, sus ráfagas instantáneas violan la moral pública, obedeciendo sus propias reglas del juego infantil. En un hombre adulto, las reacciones similares conducen a la muerte, a la condena del alma. En busca del Reino celestial, una persona debe comprender las leyes de la deuda y la moralidad, solo entonces puede esperar la vida eterna. Dado que la deuda es dictada por el romance con su deseo de encontrar la vida eterna, la ejecución de la deuda da la felicidad personal en su manifestación más profunda y fuerte. La demanda de sentimientos profundos y los intereses sublimes se agregan a la deuda moral. Sin mezclar las ventajas de los diferentes pisos, los románticos abogan por la igualdad del desarrollo espiritual de hombres y mujeres. Del mismo modo, el amor por Dios y sus establecimientos, la deuda civil es dictada. El deseo personal se completa en general, en el deseo de toda la nación, de toda la humanidad, todo el mundo.
En cada cultura fue su héroe romántico, pero Byron en su obra "Charld Harold" le dio una representación típica del héroe romántico. Puso la máscara de su héroe (sugiere que no hay distancia entre el héroe y el autor) y logró hacer coincidir el canon romántico.
Todas las obras románticas son características de las características características:
Primero, en cada producto romántico no hay distancia entre el héroe y el autor.
En segundo lugar, el autor del héroe no juzga, pero incluso si se habla algo malo, la trama está tan construida que el héroe no es culpable. La trama en el trabajo romántico suele ser romántico. También los románticos construyen una relación especial con la naturaleza, les gustan las tormentas, las tormentas eléctricas, los cataclismos.
5. Romanticismo en Rusia.
El romanticismo en Rusia era diferente de Europa occidental a favor de un entorno histórico diferente y otra tradición cultural. La Revolución Francesa no se puede contar por las razones de su aparición, un círculo muy estrecho de personas sentó ninguna esperanza de transformaciones en su curso. Y los resultados de la revolución y en absoluto decepcionados en ello. La cuestión del capitalismo en Rusia comenzó el siglo XIX. No se puso de pie. En consecuencia, no había esta razón. La Guerra Patriótica de 1812 fue la causa actual, que mostró todo el poder de la iniciativa de las personas. Pero después de la guerra, la gente no obtuvo la voluntad. Lo mejor de la nobleza, no satisfecho con la realidad, fue a la Plaza del Senado en diciembre de 1825. Esta ley tampoco pasó sin rastro para la inteligencia creativa. Los años de posguerra tormentosos se han convertido en una situación en la que se formó el romanticismo ruso.
El romanticismo, y además, nuestro, ruso, en nuestras formas originales, desarrollado y desplegado, el romanticismo no fue un simple literario, sino un fenómeno vital, toda la época del desarrollo moral, la época que tenía un color especial que había realizado un especial. Apariencia ... Deja que la tendencia romántica provenía del exterior, de la vida occidental y de las literaturas occidentales, encontró el suelo en la naturaleza rusa, listo para su percepción, y por lo tanto se reflejó en los fenómenos de absolutamente original, así que apreciaba el poeta y el crítico. Apollo Gigorev: este es un fenómeno cultural único, y su característica muestra la complejidad esencial del romanticismo, de las entrañas de las que salió el joven Gogol y con quien se conectó no solo al comienzo del escritor, sino también a lo largo de su vida.
Apollo Grigoriev determinó con precisión la naturaleza de la influencia de una escuela romántica sobre la literatura y la vida, e incluyendo la entonces prosa: no una influencia simple o un préstamo, sino una vida característica y poderosa y tendencia literaria, que dio al fenómeno en la literatura joven rusa. original.
a) literatura
El romanticismo ruso es habitual para dividir durante varios períodos: la inicial (1801-1815), madura (1815-1825) y el período de desarrollo peculoprero. Sin embargo, en relación con el período inicial, la convencionalidad de este esquema es sorprendente. Porque los amanecer del romanticismo ruso se asocian con los nombres de Zhukovsky y Batyushkov, poetas, cuya creatividad y la cosmovisión son difíciles de poner y comparar dentro de un período, sus objetivos, aspiraciones, temperamentos son tan diferentes. En los versos de ambos poetas, la poderosa influencia del pasado, la época del sentimentalismo todavía se siente, pero si Zhukovsky todavía está profundamente arraigado en él, entonces el batyushkov está mucho más cerca de las nuevas tendencias.
Belinsky señaló correctamente que la creatividad de Zhukovsky es característica de las "quejas de esperanzas imperfectas que no fueron nombradas, tristeza en la felicidad perdida, que Dios sabe lo que consistió". De hecho, ante el romanticismo de Zhukovsky, todavía había sus primeros pasos tímidos, dando un homenaje a los torteros cardíacos, vagos, vagos, vagos y apenas deprimidos, en una palabra, un complejo complejo de sentimientos, que en la crítica rusa se llamaba " Edad media romántica ".
Una atmósfera completamente diferente reina en la poesía Batyushkova: la alegría de ser, la sensualidad franca, el disfrute del himno.
Zhukovsky es considerado legítimamente un brillante representante del humanismo estético ruso. Aliena a fuertes pasiones, complacientes y mansos Zhukovsky estaba bajo una marcada influencia de las ideas de Russo y los románticos alemanes. Siguiendolos, adjuntó gran importancia al lado estético en la religión, la moral, las relaciones sociales. El arte adquirió un sentido religioso de Zhukovsky, buscó ver en el arte de la "revelación" de la verdad más alta, fue "sagrado" para él. Para los románticos alemanes, la identificación de la poesía y la religión es característica. Encontramos lo mismo en Zhukovsky, quien escribió: "La poesía es Dios en los Santos Sueños de la Tierra". En el romanticismo alemán, estaba particularmente cerca de todo lo más sobreexpasado, al "lado nocturno del alma", a la "inexpresiva" en la naturaleza y el hombre. La naturaleza en la poesía de Zhukovsky está rodeada por un secreto, sus paisajes son fantasmales y son casi irreales, como si se reflejan en el agua:
¡Cómo fusionarse con las plantas frescas Fimiam!
¡Qué dulce en silencio en el Embackge Jet Pedins!
Qué tranquilo Malla de malla en las aguas.
¡Y tremeza flexible de sauce!
El alma sensible, suave y soñadora de Zhukovsky parece estar congelando dulcemente en el umbral de "luz misteriosa en curso". El poeta, según la expresión de Belinsky, "ama y paloma, su sufrimiento", pero sufriendo esto no vulne el corazón de las heridas crueles, porque incluso en el anhelo y la tristeza, su vida interior de la vida tranquila y serena. Por lo tanto, cuando en el mensaje a Batyushkov, "Hijo de Nigi y Fun", llama al poeta Epicureza "en relación con la musa", es difícil creer en esta relación. Más bien, lo creeremos en el virtuoso Zhukovsky, que es amigable de la cantante de los placeres terrenales: "¡Volviendo a caminar, Dyads of Dreams!".
Batyushkov - una figura en lo opuesto a Zhukovsky. Era un hombre de fuertes pasiones, y su vida creativa se cortó 35 años antes que su existencia física: se hundió en un hombre muy joven en la puchadora de la locura. Él con la misma fuerza y \u200b\u200bla pasión se dieron a las alegrías y la tristeza: en la vida, como en su entendimiento poético, él, en contraste con Zhukovsky, era un "medio dorado" alienígena ". Aunque su poesía también es peculiar de la alabanza de la amistad pura, los humos de la "esquina humilde", pero su idilio no es modesto y no es tranquilo, porque Batyushkov no piensa en ella sin un adeg de placeres apasionados e intoxicación. A veces, el poeta está tan fascinado por alegrías sensuales, que está listo para desfigurar la sabiduría opresiva de la ciencia:
Atrapado en las verdades de triste
Paradas sombrías y aburridos hombres sabios
Sentado en los vestidos del funeral,
Entre escombros y ataúdes
¿Encontraremos nuestras vidas de dulzura?
De ellos, veo alegría.
Vuela como una mariposa de los arbustos de la garganta.
No hay encantos para ellos en los encantos de la naturaleza,
No les cantan, gossy en bailes;
Para ellos, en cuanto a las anteojeras,
Primavera sin alegría y verano sin flores.
La tragedia genuina rara vez suena en sus versos. Solo al final de eso vida creativaCuando comenzó a detectar signos de enfermedad espiritual, uno de sus últimos poemas se registró bajo el dictado, en el que los motivos de la vanidad de la tierra son claramente sonan:
Recuerdas que me preguntan,
Diciendo adiós a la vida, gris melchizedek?
Un esclavo nació un hombre
Esclavo en la tumba caerá
Y la muerte apenas dirá
¿Por qué fue al valle de las maravillosas lágrimas,
Sufrió, sollozado, soportado,
En Rusia, el romanticismo como una dirección literaria se ha desarrollado a los veinte años del siglo XIX. Sus orígenes se quedaron poetas, prosaicos, escritores, crearon romanticismo ruso, que era diferente de Europa occidental "su carácter nacional, distintivo. El romanticismo ruso desarrollado por los poetas de la primera mitad del siglo XIX, y cada poeta hizo algo nuevo. El romanticismo ruso recibió un desarrollo generalizado, las características características adquiridas, se convirtieron en una dirección independiente en la literatura. En "Ruslana y Lyudmila" a.s. Pushkin tiene líneas: "Hay un espíritu ruso, hay un olor a Rusia". Esto se puede decir sobre el romanticismo ruso. Héroes trabajos románticos - Almas poéticas, buscando "alto" y hermosa. Pero hay un mundo hostil que no permite sentir la libertad, lo que deja a estas almas incomprensible. Este mundo es grosero, por lo que el alma poética corre a otro, donde hay un ideal, ella busca "eterna". En este conflicto, se basa el romanticismo. Pero los poetas trataron esta situación de diferentes maneras. Zhukovsky, Pushkin, Lermontov, basado en uno, se construye de diferentes maneras de sus héroes y el mundo que los rodea, por lo que hay diferentes maneras de idealmente a sus héroes.
La validez de terrible, grosero, creciente y egoísta, no hay lugar para los sentimientos, los sueños y los deseos del poeta, sus héroes. "VERDADERO" Y ETERNAL - EN EL MUNDO DE OTROWORLDLY. De ahí el concepto de dvoemirina, el poeta en busca del ideal busca uno de estos mundos.
La posición de Zhukovsky no era una posición de una persona que había entrado en la lucha contra el mundo que le había dado un desafío. Era un camino a través de la unidad con la naturaleza, el camino de la armonía con la naturaleza, en el mundo eterno y hermoso. Su comprensión de este proceso de la unidad Zhukovsky, de acuerdo con muchos investigadores (incluido el yu.v. maná), se expresa en "inexpresable". La unidad es el vuelo del alma. La belleza que lo rodea llena tu alma, ella está en ti, y tú en ella, el alma vuela, ni el tiempo ni el espacio existe, pero existes en la naturaleza, y en este momento vives, quieres cantar sobre esta belleza, pero quieres cantar sobre esta belleza. No hay palabras para expresar su condición, solo hay un sentimiento de armonía. Las personas que te rodean, las almas prosaicas a tu alrededor están abiertas para ti, eres libre.
De lo contrario, Pushkin y Lermontov Romanticismo se acercaron a este tema. No hay duda de que la influencia proporcionada por Zhukovsky en Pushkin no pudo afectar el trabajo de este último. Para la creatividad temprana, Pushkin se caracteriza por el romanticismo "civil". Bajo la influencia del "cantante en un campamento de guerreros rusos", Zhukovsky y las obras de Griboedov Pushkin escribe ODU "volost", "a Chaadaev". En este último, él llama:
"¡Mi amigo! Madly dedó las almas de las hermosas ráfagas ...". Esta es la misma aspiración para el ideal, que fue en Zhukovsky, solo el ideal de Pushkin entiende su propio camino, por lo que el camino hacia el ideal del poeta es otro. Él no quiere y no puede esforzarse por el ideal, el poeta se llama a sí mismo. Pushkin miró la realidad e ideal de lo contrario. Es imposible llamarlo antidisturbios, este es un reflejo en el elemento rebelde. Esto afectó al "mar". Es el poder y la potencia del mar, el mar es gratuito, ha llegado a su ideal. El hombre también debe ser libre, su espíritu debe ser libre.
La búsqueda del ideal es la característica principal del romanticismo. Se manifestó en la obra de Zhukovsky, y Pushkin, y Lermontov. Los tres poetas buscaban la libertad, pero estaban buscando de diferentes maneras, lo entendieron de diferentes maneras. Zhukovsky estaba buscando la libertad enviada por el "Creador". Habiendo ganado armonía, el hombre se vuelve libre. Para Pushkin, la libertad de espíritu era importante, lo que debería manifestarse en el hombre. Para Lermontov, solo el héroe rebelde es gratis. Riot por la libertad, ¿qué podría ser más bella? Tal ideal ha sido preservado en la letra de los poetas. En mi opinión, esta relación se debe a la hora. Aunque todos trabajaban casi en el mismo período, el tiempo de su creatividad era diferente, los eventos se desarrollaron con una velocidad extraordinaria. Los personajes de los poetas también influyeron fuertemente en sus relaciones. Calma Zhukovsky y el Lermontov rebelde son completamente opuestos. Pero el romanticismo ruso se desarrolló precisamente porque varios poetas eran diferentes. Hicieron nuevos conceptos, nuevos personajes, nuevos ideales, dieron una imagen completa de lo que es la libertad es lo que es la vida real. Cada uno de ellos presenta su camino a lo ideal, este es el derecho de elegir a cada persona.
La aparición del romanticismo era muy perturbadora. En el centro del mundo entero ahora había individualidad humana. El "yo" humano comenzó a interpretarse como la base y el significado de todo el ser. La vida humana comenzó a ser tratada como un trabajo artístico, art. En el siglo XIX, el romanticismo era muy común. Pero no todos los poetas, los llamados románticos, pasaron la esencia de este flujo.
Ahora, a fines del siglo XX, ya podemos clasificar los románticos del siglo pasado sobre esta base para dos grupos. Uno y probablemente el grupo más extenso, el que se unió en sí mismo "formal" románticos. Son difíciles de sospechar en la sinceridad, por el contrario, ellos transmiten con mucha precisión sus sentimientos. Entre ellos, se distinguen a Dmitry Venerevitinova (1805-1827) y Alexander Polezhaeva (1804-1838). Estos poetas disfrutaron de la forma romántica, considerándola más adecuada para lograr su objetivo artístico. Entonces, D.Veevitinov escribe:
Me siento, me estoy quemando en mí
Inspiración Santa Llama
Pero a la meta oscura, el espíritu está recogiendo ...
Encontraré una varilla.
¿Dónde está la madera dura a pie?
Este es un poema romántico típico. Utiliza vocabulario romántico tradicional: esta es la "inspiración de la llama" y "espíritu elevado". Así, el poeta describe sus sentimientos. Pero no más. El poeta es un marco de romanticismo, su "apariencia verbal". Todo se simplifica a algunos sellos.
Los representantes de otro grupo de románticos del siglo XIX, incondicionalmente, fueron A.S. Pushkin y M.Lermonts. Estos poetas, por el contrario, la forma romántica se llenó de su propio contenido. El período romántico en la vida de A. Pushkin fue corto, por lo que tenía un pequeño trabajo romántico. "Caucásico cautivo" (1820-1821) es uno de los primeros poemas románticos A. Pushkin. Tenemos una versión clásica del trabajo romántico. El autor no nos da un retrato de su héroe, ni siquiera conocemos su nombre. Y no es sorprendente, todos los héroes románticos son iguales entre sí. Son jóvenes, hermosos ... e infelices. La trama de las obras también es clásica romántica. El cautivo ruso en Circassians, Young Cherkushka se enamora de él y lo ayuda a correr. Pero él ama a otro desesperadamente ... el poema termina trágicamente, Cherkhenka se precipita hacia el agua y muere, y el ruso, liberado del cautiverio "físico", cae en otro cautiverio más doloroso, cautiverio del alma. ¿Qué sabemos sobre el último héroe?
En Rusia, el Far Path lleva ...
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Donde abrazó el terrible sufrimiento,
Donde la vida tormentosa arruinó
Esperanza, alegría y deseo.
Llegó a la estepa en busca de la libertad, trató de escapar de su vida pasada. Y ahora, cuando la felicidad parecía estar tan cerca, él volvió a correr. ¿Pero donde? De vuelta a ese mundo donde "abrazó el terrible sufrimiento".
El apóstata de la luz, un amigo de la naturaleza,
Dejó su límite nativo
Y en el borde de los volantes distantes
Con un fantasma divertido de la libertad.
Pero el "fantasma de la libertad" seguía siendo el fantasma. Siempre perseguirá al héroe romántico. Otro poema romántico es "gitano". En él, el autor nuevamente no le da al lector al retrato del héroe, solo conocemos su nombre - Aleko. Llegó al Tabor para conocer el verdadero placer, la verdadera libertad. Para ella, tiró todo lo que estaba rodeado antes. ¿Está libre y feliz? Parecería, Aleko ama, pero con este sentido para él solo viene la desgracia y el desprecio. Aleko, quien anhelaba a la libertad, no podía reconocer la voluntad en otra persona. En este poema, se manifestaron otra de las características extremadamente características de la cosmovisión del héroe romántico, el egoísmo y la incompatibilidad más avanzada con el mundo exterior se manifestaron. Aleko no es castigado con la muerte, sino peor, la soledad y el debate. Estaba solo en el mundo, desde donde huyó, pero en otro, tan deseable, dejó uno de nuevo.
Antes de escribir un "caucásico cautivo", dijo Pushkin una vez: "No soy gung a los héroes del poema romántico"; Sin embargo, al mismo tiempo, en 1820, Pushkin escribe su poema "Salió la luz del día brillar ...". En él, puedes encontrar todo el vocabulario inherente al romanticismo. Esta es la "orilla del remoto", y el "Océano Sullen", y "emoción y anhelo" atormentado por el autor. A través de todo el poema pasa el estribillo:
Preocuparse por debajo de mí, hosco oceánico.
Está presente no solo en la descripción de la naturaleza, sino también en la descripción de los sentidos del héroe.
... pero antiguas heridas del corazón,
Heridas profundas del amor, nada curado ...
Shumi, ruido, viento obediente,
Preocuparse debajo de mí, hosco oceánico ...
Es decir, la naturaleza se convierte en otra persona actora, otro héroe lírico de poema. Más tarde, en 1824, Pushkin escribirá un poema "al mar". El héroe romántico, al igual que en la "luz de día extinguida que brilla ...", el propio autor comenzó de nuevo. Aquí Pushkin se refiere al mar como un símbolo tradicional de la libertad. El mar es el elemento, y por lo tanto la libertad y la felicidad. Sin embargo, Pushkin está construyendo este poema inesperadamente:
Esperaste, llamaste ... me contaron;
Mi alma se apresuró:
Podery Passion está fascinada
Me quedé fuera de la costa ...
Se puede decir que este poema completa el período romántico de la vida de Pushkin. Es escrito por una persona que sabe que, después de alcanzar la llamada libertad "física", un héroe romántico no se hace feliz.
En el bosque, en el desierto silencioso.
Sufrió, a ti lleno,
Tus acantilados, tus bahías ...
En este momento, Pushkin llega a la conclusión de que la verdadera libertad puede existir solo dentro de una persona y solo ella puede hacerlo verdaderamente feliz.
La versión de Bayronovsky Romanticismo vivió y se sentía en su trabajo primero en la cultura rusa de Pushkin, luego Lermontov. Pushkin tenía un regalo de atención a las personas, y sin embargo, más romántico de los poemas románticos en la obra del gran poeta y Purasaik, sin duda, es la "Fuente de Bakhchisarai".
El poema "Fuente de Bakhchisarai" todavía continúa buscando Pushkin en el género de un poema romántico. Y no vale la pena que se impidió la muerte del gran escritor ruso.
Un tema romántico en la obra de Pushkin recibió dos opciones diferentes: hay un héroe romántico heroico ("prisionero", "ladrón", "fugitivo"), caracterizado por una voluntad sólida, que pasó por una prueba brutal de pasiones tormentas y Hay un héroe sufriente en el que las mejores experiencias espirituales de incompatibles con la crueldad del mundo exterior ("exilio", "prisionero"). El comienzo del sufrimiento en una naturaleza romántica ahora ha adquirido una inversión femenina de Pushkin. Fuente de Bakhchisarai está desarrollando este aspecto del héroe romántico.
En el "prisionero caucásico", toda la atención se prestó al "prisionero" y muy poco "Cherkhenka", ahora lo contrario: Han Garyi Figure no es más que un grado bajo, y realmente el personaje principal es una mujer, incluso dos - Zarema y María. Fundación en los poemas anteriores La solución de la dualidad del héroe (a través de la imagen de los hermanos hidráulicos) usa Pushkin aquí: el inicio del sufrimiento se muestra frente a dos personajes: celoso, apasionadamente enamorado de un snap y triste, perdido Espero y amor a María. Ambos son dos pasiones contradictorias de una naturaleza romántica: decepción, desaliento, desesperanza y, al mismo tiempo, ardentidad espiritual, brillantes de sentimientos; La contradicción se resuelve en el poema trágicamente, la muerte de María no trajo felicidad y Zarem, ya que están obligados por los misteriosos bonos. Así que en los "hermanos ladrones", la muerte de uno de los hermanos para siempre eclipsó la vida de otro.
Sin embargo, Bvtomashevsky, "el cierre lírico del poema identificó cierta pobreza ... la victoria moral sobre el robo no conduce a futuras conclusiones y reflexiones ..." caucásico cautivo "tiene una clara continuación en la obra de Pushkin: y Aleko, y Evgeny Onegin permiten ... Preguntas establecidas en el primer poema del sur. "Fuente de Bakhchisarai" no tiene tal continuación ... "
Pushkin a tientas y designó el lugar más vulnerable de la posición romántica de una persona: todo solo quiere para sí mismo.
El poema de Lermontov "MTsyry" tampoco refleja completamente los signos característicos del romanticismo.
En este poema, dos héroe romántico, por lo tanto, si es un poema romántico, es muy peculiar: primero, el segundo héroe es transmitido por el autor a través del epígrafe; En segundo lugar, el autor no está conectado con el MTSYR, el héroe resuelve el problema de la Ancho Agustante a su manera, y Lermontov por todo el poema solo piensa para resolver este problema. Él no juzga a su héroe, sino que no justifica, pero se eleva en una posición determinada: comprensión. Resulta que el romanticismo en la cultura rusa se transforma en la reflexión. Resulta el romanticismo desde el punto de vista del realismo.
Se puede decir que Pushkin y Lermontov no funcionó para convertirse en románticos (sin embargo, Lermontov se manejó una vez para satisfacer las leyes románticas, en el drama "Masquerade"). Los poetas mostraron sus experimentos que en Inglaterra, la posición de un individuo podría ser fructífera, y en Rusia no hay. Aunque Pushkin y Lermontov no funcionaban para convertirse en románticos, abrieron el camino para el desarrollo del realismo. En 1825, se publicó el primer trabajo realista: "Boris Godunov", entonces " Hija del capitán", Evgeny Onegin," Héroe de nuestro tiempo "y muchos otros.
b) pintura
En el arte visual, el romanticismo se manifestó más brillantemente en pintura y gráficos, menos expresivo, en escultura y arquitectura. Los representantes brillantes del romanticismo en el arte visual eran pintores rusos-romance. En sus lienzos, expresaron el espíritu de la acción cariñosa, activa, apasionadamente y apasionadamente, apasionadamente apasionados a la manifestación del humanismo. Relevancia y psicologismo, expresión sin precedentes, lienzos domésticos de pintores rusos se distinguen. Peso pesado, paisajes melancólicos: nuevamente el mismo intento de románticos para penetrar en el mundo del hombre, muestre cómo una persona vive y sueña con un hombre en el mundo de sublutaje. La pintura romántica rusa difería de extranjeros. Fue determinado por la situación histórica y la tradición.
Características de la pintura romántica rusa:
La ideología educativa se ha debilitado pero no falló, como en Europa. Por lo tanto, el romanticismo no fue pronunciado.
El romanticismo se desarrolló en paralelo con el clasicismo, a menudo entrelazando con él.
La pintura académica en Rusia aún no se ha agotado.
El romanticismo en Rusia no era un fenómeno constante, se dibujó romántico al academia. A mid XIX. en. La tradición romántica casi se desvaneció.
Las obras relacionadas con el romanticismo comenzaron a aparecer en Rusia ya en 1790 (el trabajo de los viajeros de Feodosio Yanenko ", causando tormentas" (1796), "autorretrato en el casco" (1792). Son obvios para el prototipo - Rosa salvador , bastante popular a la vuelta de los siglos XVIII y XIX. Más tarde, el impacto de este artista proactivo será notable en el trabajo de Alexander Orlovsky. Pícaros, escenas junto al fuego, la batalla acompañó a todo su camino creativo. Como en otros países Los artistas pertenecían al romanticismo ruso fueron llevados a los clásicos géneros de retratos, paisajes y escenas de género son un estado emocional completamente nuevo.
En Rusia, el romanticismo comenzó a manifestarse primero en pintura de retratos . En el primer tercio del siglo XIX, se perdió principalmente una conexión con la aristocracia sanitaria. El lugar significativo comenzó a ocupar retratos de poetas, artistas, patrones de arte, imagen de campesinos simples. Esta tendencia en el trabajo de OA se mostró claramente claramente. Kiprensky (1782 - 1836) y V.A. Tropinina (1776 - 1857).
Vasily Andreevich Tropinin trató de vivir una característica casual viva de una persona expresada a través de su retrato. Retrato de hijo (1818), "Retrato de A.S. Pushkin" (1827), "autorretrato" (1846), es increíble no un retrato de similitud con los originales, sino una penetración inusualmente sutil en el mundo interior del hombre.
Retrato de un hijo - Arsenia Tropinin - uno de los mejores en la obra del Maestro. Exquisito, Neuropa Golden Color Gamut recuerda al Valle del siglo XVIII. Sin embargo, en comparación con un retrato típico de los niños en el romanticismo del siglo XVIII. Aquí, la impasibilidad del plan es sorprendente: este niño está posando en muy poco. La vista de Arseny se desliza más allá del espectador, se vistió descuidadamente, la puerta como si fuera abierta accidentalmente. La falta de representatividad es en el fragmento extraordinario de la composición: la cabeza llena casi toda la superficie del lienzo, la imagen se corta a lo largo de la mayoría de las claves, y por lo tanto la cara del niño se mueve automáticamente al espectador.
La historia de la creación es extraordinariamente interesante. "Retrato Pushkin". Según el tuyo, porque el primer conocido con Pushkin Tropinin vino a la casa de Sobolevsky en un patio de perro, donde vivió el poeta. El artista lo encontró en la oficina de los cachorros. Luego, aparentemente, fue escrito a la primera impresión de que la tropinina era tan apreciada, una pequeña etude. Durante mucho tiempo permaneció fuera de la vista de los perseguidores. Solo en casi cien años, en 1914, fue publicado por PM. Tickot, quien escribió eso de todos los retratos Alexander Sergeevich, él "lo más transmite sus características ... Los ojos azules del poeta aquí están llenos de un brillo especial, girando la cabeza es rápido, y las características de la cara son expresivas y móviles. . Sin lugar a dudas, las características auténticas de la cara de Pushkin están atrapadas aquí, lo que por separado nos reunimos en uno de los retratos que nos han alcanzado. Permanece perplejo ", agrega Tickot, por qué este Etude adorable no recibió la debida atención a los editores y los conocedores del poeta". Esto se explica por las cualidades de un pequeño Etude: no había brillo de pinturas, ni belleza, ni escritas magistralmente "Oceanities". Y Pushkin aquí no es la "viteca" nacional, no "genio", sino sobre toda la persona. Y apenas es susceptible de análisis, por qué en un monocromo verde grisáceo, gama de olivos, en una escasa, que son los golpes aleatorios del cepillo de casi inquietantes en la vista del etude, se concluye un contenido humano tan grande. Es posible poner este Etude sobre el poder de la humanidad en la memoria, este Etude sobre el poder de la humanidad se puede colocar casi con la figura de Pushkin, cegada por el escultor soviético A. MATSEV. Pero no esta tarea le hizo una tropinina delante de él, no que Tal Pushkin quería ver a su amigo, aunque ordenó que retratara el poeta en una forma simple, en el hogar.
En la evaluación del artista Pushkin fue el "poeta zar". Pero también fue un poeta popular, él era el suyo y cercano a todos. "La similitud del retrato con la increíble original", escribió al final de su campo, aunque señaló la "velocidad de la vista" insuficiente y la "vivacidad de las personas", cambiando y animando el pushkin con cada nueva impresión.
En el retrato, todo antes de que los detalles más pequeños sean pensados \u200b\u200by verificados, y al mismo tiempo nada es deliberado, nada traído por el artista. Incluso los robustos, adornando los dedos del poeta, se asigna tanto como el propio Pushkin se unió a ellos. Entre las pintorescas revelaciones de la tropinina, el retrato de Pushkin asombra la solidez de su gamma.
Romanticismo Tropinin ha expresado claramente orígenes sentimentales. Fue tropinina la que era el fundador del género, un retrato algo idealizado de una persona de la gente ("encaje" (1823)). "Y expertos y no expertos, - escribe svignin sobre "Lewerezze", - Entra en admiración al mirar esta foto, conectando verdaderamente toda la belleza del arte pintoresco: el amigo del cepillo, la derecha, la iluminación feliz, el sabor es claro, natural, además, el retrato se encuentra en el alma de las bellezas y ese aspecto silencioso De curiosidad, que lo arrojó para eso incluida en ese momento. Las manos desnudas se detuvieron con los ojos, el trabajo se detuvo, voló un suspiro de un pecho virgen, cubierto con un pañuelo rígido, y todo esto se representa con tal verdadero y la simplicidad que esta imagen se puede tomar con la mayor facilidad. Trabajo exitoso del glorioso Gosset. Artículos laterales, de alguna manera: una almohada de encaje y una toalla, se colocan con un gran arte y se elaboran con la final ... "
A principios del siglo XIX, Tver fue un importante centro cultural de Rusia. Todas las personas destacadas en Moscú han estado aquí en las noches literarias. Aquí, el joven Orest Cyprosensky se reunió por A.S. Pushkin, cuyo retrato, escrito más tarde, se convirtió en la perla del arte del retrato mundial, y A.s. Pushkin lo dedicará a los poemas, donde él le llama el "peso ligero". Retrato de Pushkin Coño O. Cyprielnsky - personificación en vivo del genio poético. En el giro decisivo de la cabeza, se cruzó enérgicamente en su pecho, en toda la apariencia del poeta, el sentimiento de independencia y libertad afecta. Este Pushkin dijo sobre él: "Me veo a ti mismo como en el espejo, pero este espejo me admite". En el trabajo en un retrato de Pushkin, Tropinin y Cyprosensky se encuentran por última vez, aunque esta reunión no ocurre, y muchos años más tarde en la historia del arte, donde, como regla general, dos retratos del mejor poeta ruso son Comparado, pero en diferentes lugares, uno en Moscú. Otro en San Petersburgo. Ahora esta reunión es igualmente grande en su significado para los maestros de arte ruso. Aunque reclaman a los admiradores de Cyproen, que las ventajas artísticas al lado de su retrato romántico, donde el poeta se somete a sus propios pensamientos, solo con la musa, pero la nacionalidad y la democracia de la imagen están definitivamente en el lado del "Pushkin "Tropininsky.
Así que en dos retratos reflejaban dos direcciones del arte ruso, enfocado en dos capitales. Y los críticos pegarán posteriormente que la tropinina apareció para Moscú con el hecho de que Cyproen fue para San Petersburgo.
Una característica distintiva de los retratos de Cyprosovsky es que muestran el encanto espiritual y la nobleza interna de una persona. El retrato del héroe, valiente y muy sensible, era encarnar a Paphos del sentimiento amoroso y patriótico de un hombre ruso avanzado.
En el paradom "Retrato E.V. DODAVYDOVA" (1809) La figura del oficial, que reveló directamente la expresión de ese culto de personalidad fuerte y valiente, que fue tan típica para el romanticismo de esos años. Un paisaje mostrado fragmentario, donde la viga de la luz lucha con una oscuridad, insinúa las alarmas espirituales del héroe, pero en su rostro, una sensibilidad de desacuerdo. Cyprosensky estaba buscando un hombre "humano", y el ideal no sabía de él rasgos personales de la naturaleza del modelo.
Retratos de los Cyprosensky, si los aprendan con ojos mentales, muestran la riqueza espiritual y natural de una persona, su fuerza intelectual. Sí, tenía el ideal de una personalidad armoniosa, que contemporáneos también dijeron, pero Cyprosensky no buscó literalmente a difundir este ideal en una imagen artística. Al crear una imagen artística, caminó de la naturaleza, como si estuviera duplicando hasta dónde estaba cerca de tal ideal. En esencia, muchos de ellos están cortados por el ideal, lo ideal se logra, el ideal en sí, de acuerdo con las ideas de la estética romántica, apenas es alcanzable, y todo el arte romántico es solo el único camino para él.
Notando la contradicción en el alma de sus héroes, mostrándolos en los momentos de vida alarmantes, cuando los cambios del destino se rompen las ideas anteriores, la juventud está bajando, etc., Cymensky parece estar experimentando con sus modelos. Desde aquí, una participación especial de un retramorista a la interpretación de las imágenes artísticas, que da un retrato de una sombra sincera.
En el primer período de creatividad, el Cyprosensky no verá a los infectados con el escepticismo, corrompiendo el alma por el análisis. Vendrá más tarde cuando un tiempo romántico sobrevivirá a su otoño, dando paso a otros sentimientos y sentimientos cuando las esperanzas se recolectan sobre la celebración del ideal de una personalidad armoniosa. En todos los retratos de la década de 1800 y los retratos realizados en TVER, el Cyproen es visible un cepillo audaz, de manera fácil y libremente construyendo un formulario. Complejidad técnicas técnicasEl carácter de las figuras cambió del trabajo al trabajo.
Cabe destacar que en las caras de sus héroes no verá tasas heroicas, por el contrario, la mayoría de las personas son bastante tristes, se complacen en las reflexiones. Parece que estas personas están preocupadas por el destino de Rusia, piensan en el futuro más que sobre el presente. En las imágenes femeninas que representan a las esposas, las hermanas de los participantes en eventos significativos, el Cyprosensky tampoco se esforzó por las tasas heroicas deliberadas. La sensación de facilidad, la naturalidad es dominante. Al mismo tiempo, en todos los retratos tanto la verdadera nobleza del alma. Imágenes femeninas atraer su humilde dignidad, solidez de la naturaleza; En las caras de los hombres, se adivina un pensamiento inventivo, preparación para moverse. Estas imágenes coincidieron con las ideas éticas y estéticas envejecidas de los decembristas. Sus pensamientos y aspiraciones fueron divididas por muchos (la creación de sociedades secretas con ciertos programas sociales y políticos que cae durante el período 1816--1821), lo sabía sobre ellos y al artista, y por lo tanto se puede decir que sus retratos de participantes en Los eventos de 1812-1814, imágenes de campesinos creados en los mismos años: el paralelo artístico de los conceptos en desarrollo del decembrismo.
Sello brillante de un ideal romántico notado "Retrato de v.A. Zhukovsky" (1816). El artista, aplicando un retrato a petición S.S.UVAROVA, concebido mostrando a los contemporáneos, no solo la imagen del poeta, que conocía bien en los círculos literarios, sino que también demuestra una cierta comprensión del poeta-romance de la persona. Antes de nosotros es el tipo de poeta, que expresó la dirección filosóficamente de la dirección soñadora del romanticismo ruso. Cyprinsky presentó a Zhukovsky en el momento de la inspiración creativa. El viento escribió el cabello del poeta, salpicando ansiosamente los árboles en la noche, las ruinas de las estructuras vintage apenas son visibles. Así que parecía parecerse al creador de la balada romántica. Las pinturas oscuras exacerban la atmósfera de misteriosas. Según el consejo de UVAROV, el Cyprielnsky no agrega fragmentos separados del retrato para que la "finalización excesiva" no pague el espíritu, el temperamento, la emocionalidad.
Muchos retratos están escritos en Cyproen, en Tver. Además, cuando pintó Ivan Petrovich Wolfe, el terrateniente Tver, miró a la niña que se encuentra delante de él, su nieta, la futura Anna Petrovna Kern, quien se dedicó a una de las obras líricas más cautivas, el poema como Pushkin "I Recuerda un momento maravilloso .. " Tales asociaciones de poetas, artistas, músicos y se convirtieron en una manifestación de una nueva dirección en el arte - Romanticismo.
"Joven jardinero" (1817) del Cyprosensky, "Italiano, mediodía" (1827) Bryullov, Znights o Znitsa (1820s) Venetianova - Obras de una serie tipológica. Están enfocados en la naturaleza y están escritos claramente con su uso. Sin embargo, la tarea Cada uno de los artistas, para encarnar la perfección estética de una naturaleza simple, llevada a una idealización de aparece, la ropa, las situaciones por el bien de crear una imagen de una metáfora. Observando la vida, la naturaleza, el artista lo replicó, visible poetizing. En Esta conexión cualitativamente nueva de la naturaleza y la imaginación con experiencias de antigüedades y renacentistas que dan origen a las imágenes, no conocidas por el arte, es una de las características del romanticismo de la primera mitad del siglo XIX. Naturaleza metafórica, en general , Venetetianova y Bryullov inherentes a estas obras, fue una de las características más importantes de la romántica cuando los artistas rusos todavía no estaban familiarizados con un retrato romántico de Europa occidental.. "El retrato del padre (A. K. Schwalbe)" (1804) fue escrito por el Oresto del arte y el género de Cyproen, en particular.
Los logros más significativos del romanticismo ruso son trabajos en el género de retratos. Los ejemplos más brillantes y mejores del romanticismo pertenecen al período temprano. Mucho antes de su viaje a Italia, en 1816, el Cyprosensky, listo internamente para un consumo mundial romántico, vio las fotos de los maestros viejos con nuevos ojos. El sabor oscuro, las figuras, resaltadas por la luz, las pinturas ardientes, la dramaturgia estresante tuvieron un mayor impacto en él. "El retrato del padre", sin duda, se crea bajo la impresión de Rembrandt. Pero el gran holandés, el artista ruso solo tomó técnicas externas. "Retrato del Padre": el producto es absolutamente independiente, teniendo su propia energía interna y la fuerza de expresividad artística. Una característica distintiva de los retratos del álbum es la vivacidad de su ejecución. No hay fideicitud aquí: la transmisión instantánea de vista en papel crea una frescura única de la expresión gráfica. Por lo tanto, las personas representadas en los dibujos parecen cercanos y comprensibles para nosotros.
Los extranjeros llamaron al Kiprensky Russian Van Diek, sus retratos se encuentran en muchos museos del mundo. El continuo de Levitsky y Borovikovsky, el predecesor L. Ivanova y K. Bryullov, Kiprensky le dieron a la Fama Europea a la Escuela de Arte Rusa con su trabajo. Hablando de Alexander Ivanov: "Primero entregó el nombre de Rusia a Europa ..."
Mayor interés en la personalidad de una persona, peculiar del romanticismo, predeterminado el florecimiento del género del retrato en la primera mitad del siglo XIX, donde se convirtió en un autorretrato de los dominantes. Como regla general, la creación del autoportista no era un episodio aleatorio. Los artistas escribieron repetidamente y se pintaron, y estas obras se convirtieron en una especie de diario, lo que refleja los distintos estados del alma y las etapas de la vida, y al mismo tiempo fueron un manifiesto dirigido a los contemporáneos. Auto retrato No fue un género personalizado, el artista escribió por sí mismo y aquí, más que nunca, se liberó de la autoexpresión. En el siglo XVIII, los artistas rusos escribieron las imágenes del autor rara vez, solo el romanticismo con su propio culto de individuo, excepcional contribuyó al aumento de este género. La variedad de tipos de autoportistas refleja la percepción de los artistas en sí misma como una personalidad rica y multifacética. Están en el papel habitual y natural del creador ("autorretrato en el boina de terciopelo" de Ag Varek, 1810), luego sumergido en el pasado, como si lo intentara ("autorretrato en casco y lats" Fi Yanenko, 1792), o, la mayoría de las veces, aparece sin ningún interés profesional, argumentando la importancia e intrínsecidez de cada persona, el mundo liberado y abierto, la búsqueda y el desgraciado, como, por ejemplo, F. A. BRUNI y O. A. Orlovsky en autoportres 1810s . La preparación para el diálogo y la apertura peculiar a la decisión figurativa de los 1810-1820s se sustituye gradualmente por la fatiga y la decepción, la inmersión, se va ("autorretrato" M. I. Terebenev). Esta tendencia se reflejó en el desarrollo del género de retratos en su conjunto.
Aparecieron los autoporteros de Kiprensky, que vale la pena señalar, en momentos críticos de la vida, testificaron al aumento o decadencia de las fuerzas espirituales. A través de su arte, el artista se miró a sí mismo. Al mismo tiempo, no lo usó, como la mayoría de los pintores, un espejo; Escribió básicamente en la presentación, quería expresar su espíritu, pero no la apariencia.
"Autorretrato con las manos para la oreja" Fue construido sobre la negativa, y claramente demostrativa, en la herencia externa de la imagen, su regulatividad clásica e ideal descriptiva. Las características de la cara están programadas para aproximadamente comunes. La luz lateral cae en la cara, destacando solo las características laterales. Las reflexiones separadas de la luz caen en la figura del artista, corriendo hacia afuera en una cortina apenas distinguidos, lo que representa un fondo de retratos. Todo aquí está subordinado a la expresión de la vida, sentimientos, estado de ánimo. Este es un vistazo al arte romántico a través del arte del autoportista. La participación del artista a los secretos de la creatividad se expresa en el misterioso romántico "Sphumato del siglo XIX". Un tono verdoso peculiar crea un ambiente especial. mira artística, en el centro de los cuales el artista en sí.
Casi simultáneamente con este autorretrato escrito y "Autorretrato en una bufanda cervical rosa" Donde la otra imagen está encarnada. Sin instrucciones directas sobre la profesión de pintor. Recreaba la apariencia de un joven que se sentía a gusto, naturalmente, libremente. La pintoresca superficie del lienzo se construye finamente. El cepillo del pintor causa con confianza pinturas. Dejando golpes grandes y pequeños. Un sabor excelentemente diseñado, pinturas de tinta, combinadas armoniosamente entre sí, la iluminación es tranquila: la luz se vierte suavemente en la cara del hombre joven, que describe sus características, sin expresión excesiva y deformación.
Otro sudor sobresaliente era Venetetiano. En 1811, recibió de la Academia, el rango de académico designado para el "autorretrato" y el "Retrato de K.I. Golovachevsky con tres estudiantes de la Academia de Artes". Este es un trabajo extraordinario.
La habilidad genuina de Venetetsian se afirmó en "Auto retrato" 1811. Fue escrito de manera diferente a los otros artistas que escribieron en el momento: A.olovsky, O. Kiprensky, E.VARSKY, e incluso la serfdom V. Tropinin. Todos ellos fueron típicos de sí mismos para representarse a sí mismos en un halo romántico, sus autorretratos eran una especie de confrontación poética contra los alrededores. La exclusividad de la naturaleza artística se manifestó en pose, gestos, en la extraordinaria de un disfraz especialmente concebido. En el "autorretrato" de Venetianov, los investigadores observan principalmente una expresión estricta e intensa de una persona empleada ... El atractivo empresarial correcto, se distinguió de la "negligencia artística", a la que se apunta a los albornoces o tapas de alabacos de otros artistas. . Veniciano se mira sobriamente. El arte para él no está inspirado por una ráfaga, pero sobre todo, el caso que requiere concentración y atención. Pequeño tamaño, casi monocromo en su sabor de tonos de oliva, únicamente escrito exactamente, es simple y complicado al mismo tiempo. No atrayendo la pintura exterior, detiene su mirada. Las llantas perfectamente delgadas de las gafas de borde de oro fino no están ocultas, y como si hubieran enfatizando la nitidez del ojo querido, no tanto como se dirige a la naturaleza (el artista se representó con una paleta y cepilla en sus manos), pero en las profundidades de sus propios pensamientos. Gran lado ancha, el lado derecho de la cara iluminada por la luz recta, y la manica blanca forma un triángulo ligero, primero de todos los que atrae la visión de un espectador, que es el siguiente momento, después del movimiento de la mano derecha que sostiene un cepillo delgado, Se desliza hacia la paleta. Hebras de cabello ondulado, llantas brillantes, con una corbata libre, línea de hombros leve y, finalmente, una amplia paleta de semicírculo que forma un sistema móvil de líneas lisas y fluidas, dentro de las cuales son tres puntos principales: pequeños alumnos de deslumbramiento, y un extremo afilado de un Truco, casi clinks con una paleta y cepillo. Tal cálculo casi matemático en la construcción de una composición de retratos informa una colluencia interna parcial y da motivo para asumir la mente analítica analítica en el autor, inclinado al pensamiento científico. En un "autorretrato" no hay rastro de ninguna romántica, que fue entonces tan frecuente como los propios artistas. Este es un autorretrato del artista del explorador, un artista del pensador y un trabajador.
Otro trabajo - Retrato de Golovachevsky - Se concibe como una especie de composición de la trama: la generación anterior de los maestros de la Academia frente al inspector antiguo da las instrucciones a los talentos más jóvenes: pintor (con una carpeta de dibujo. Arquitector y escultor. Pero Venetsianov no Permitir la sombra de cualquier formación o didacticidad en esta imagen: la amistad de Golovachevsky Old Golovachevsky inventa algún tipo de lectura en la página del libro. La impringue de la expresión encuentra apoyo en una pintoresca foto de trazo: sus tonos coloridos, delgados y bellamente coharlados crean la impresión De paz y seriedad. Persona gorda, llena de importancia interna. El retrato apareció uno de los altos logros de la pintura de retratos rusos.
Y las obras de retrato realizadas principalmente en forma de dibujos aparecen en el trabajo de Orlovsky 1800. Para 1809, una hoja de retrato tan emocionalmente saturada se refiere a medida que "Auto retrato" . FLOBLE Con \u200b\u200bun jugoso golpe libre de Sangina y carbón (con una tiza ligera), el "autorretrato" de Orlovsky atrae con su integridad artística, las características de la imagen, el arte de la ejecución. Al mismo tiempo, le permite ver algunos lados peculiares del arte de Orlovsky. El "autorretrato" de Orlovsky, por supuesto, no tiene el objetivo de la reproducción precisa de la apariencia típica del artista de esos años. Antes de nosotros, de muchas maneras deliberadas. La apariencia urgente del "artista", que antifias su propia "I" de la realidad circundante, no le preocupa la "decencia" de su apariencia: el pelo exuberante no tocó el peine y el cepillo, en el hombro. Del impermeable a cuadros justo en la parte superior de la camisa de la casa con cuello abierto. Un giro brusco de la cabeza con una vista "sombría" desde debajo de las cejas desplazadas, una corta distancia de retrato, en la que se describe los primeros planos, los contrastes de la luz: todo lo que está dirigido a lograr el efecto principal de la oposición. a la persona que se muestra en circulación (por lo tanto, el espectador).
La declaración de Pafos de la Individualidad es una de las características de la fiscalía en la técnica de ese tiempo, forma el tono de retrato ideológico y emocional principal, pero aparece en un tipo de aspecto, casi no se encuentra en el arte ruso de ese período. La aprobación del individuo no es tanto revelando la riqueza de su mundo interior, cuánto más externo rechazando todo lo que lo rodea. La imagen al mismo tiempo, sin duda, parece agotada, limitada.
Tales decisiones son difíciles de encontrar en el arte del retrato ruso de la época, donde, a mediados del siglo XVIII, los motivos civiles y humanistas y la personalidad humana sonaron en voz alta, nunca rompieron los vínculos fuertes con el medio ambiente. Soñando con la mejor estructura social democrática, las mejores personas de Rusia de esa época no se separaron de la realidad real, rechazaron deliberadamente el culto individualista de la "libertad personal", que floreció en el suelo de Europa occidental, una revolución burguesa. Esto se mostró claramente como un reflejo de factores reales en el arte del retrato ruso. Solo vale la pena comparar el "autorretrato" de Orlovsky con simultánea "Auto retrato" Cyproshensky (por ejemplo, 1809), de modo que los graves distinguen internamente de ambos retratriados inmediatamente se apresuraron a los ojos.
Cyproshensky también "Heins" Personalidad, pero muestra sus auténticos valores internos. Ante el artista, el espectador distingue las características de una mente fuerte, carácter, pureza moral.
Toda la apariencia de la simpática nobleza y la humanidad de Cyproen Thened. Él es capaz de distinguir entre "bueno" y "mal" en el mundo circundante y, rechazar el segundo, el amor y apreciar el primero, el amor y apreciar a las personas con ideas afines. Al mismo tiempo, ante nosotros, sin duda, personalidad fuerte, orgullosa del valor de sus cualidades personales. Exactamente el mismo concepto de una imagen de retrato se encuentra y en el corazón del famoso retrato heroico de D. Davydov, el trabajo del Cyprosensky.
Orlovsky en comparación con el Cyprojo, al igual que con algunos otros estudiantes de retratos rusos de ese tiempo, más limitados, más rectos y externamente resuelven la imagen de una "personalidad fuerte", que se centra claramente en el arte de la Francia burguesa. Cuando miras su "AutoPotting", los retratos de A. Gro, Zheriko vienen involuntariamente a la memoria. La proximidad interna al arte del retrato francés revela un "autorretrato" de la ORLOVSKY 1810, con su culto a la "fuerza interna" individualista, la verdad, desprovista de las formas ya agudas de "bosquejo" del "autoportista" de 1809 o "Retrato Dista,". En la última orlovsky, así como en un "autorretrato", se aplica una postura espectacular, "heroica" con un movimiento afilado, casi cruzar la cabeza y los hombros. Enfatiza la estructura equivocada de la cara de Dubera, su cabello desastroso, teniendo el objetivo de crear una imagen de retratos en su característica única y aleatoria.
"El paisaje debe ser un retrato", escribió K. N. Batyushkov. Esta instalación en su trabajo se adhiere a la mayoría de los artistas dirigidos al género. paisaje. Entre las excepciones explícitas, el fantástico paisaje, fueron A. O. Orlovsky ("Vista al mar", 1809); A. G. Vanek ("Vista en las cercanías de Roma", 1809); P. V. Cuenca ("Cielo al atardecer en las cercanías de Roma", "Paisaje de la noche", ambas - 1820s). Creación de especies específicas, mantuvieron la inmediatez de la sensación, saturación emocional, alcanzando técnicas compuestas de sonido monumental.
El joven orlrvio solo vio en la naturaleza las fuerzas titánicas, no sujetas a la voluntad de una persona que puede causar una catástrofe, un desastre. La lucha de un hombre con un remolino del elemento marítimo es uno de los favoritos en el artista de su período romántico "Bunitsky". Se ha convertido en el contenido de sus dibujos, acuarelas y pinturas por petróleo 1809 - 1810. La escena trágica se muestra en la imagen. "Naufragio" (1809 (?)). En la oscuridad de la tono, cayó al suelo, entre las ondas furiosas, los pescadores que se hunden frenéticamente en las rocas costeras, que se rompió su recipiente. Resistido en el duro sabor de tonos rojos mejora la sensación de ansiedad. RAIDES GROZNY DE OLAS MUCHAS PERSONALES POR LA TORMENTA Y EN OTRA COCINA - "Por la orilla del mar" (1809). También juega un gran papel emocional que juega el cielo de la tormenta, que ocupa la mayor parte de la composición. Aunque Orlovsky no poseía el arte de la perspectiva del aire, pero la gradualidad de las transiciones de los planes se resolvió aquí armoniosos y más suaves. Los más brillantes marcados. Jugar bellamente en los manchas rojas de fondo marrón rojizo de la ropa de los pescadores. Elemento de mar inquieto y ansioso en acuarela. "Velero" (OK.1812). E incluso cuando el viento no es una vela trepal y no cubre la superficie lisa de agua, como en la acuarela "Paisaje de mar con barcos" (OK.1810), el espectador no deja la premonición que la tormenta seguirá.
Con todo el dramatismo y la emoción de los sentimientos, los paisajes del mar de Orlovsky no son tanto el fruto de sus observaciones sobre los fenómenos atmosféricos, cuánto es el resultado de la imitación directa de los clásicos del arte. En particular, J. Verne.
Otro personaje fue el paisaje S. F. Shchedrin. Están llenos de la armonía de la coexistencia del hombre y la naturaleza ("Terraza en la orilla del mar. Cauccini cerca de Sorrento", 1827). Numerosos tipos de Nápoles y los alrededores de su pincel utilizan un éxito y popularidad extraordinarios.
Creación de una imagen romántica de San Petersburgo en pintura rusa está asociada con el trabajo de M. N. Vorobyov. En sus lienzos, la ciudad apareció por las misteriosas niebla de Petersburgo, un humo suave de las noches blancas y se impregnó con la atmósfera de humedad del mar, donde se borra los contornos de edificios, y la luz de la luna completa el sacramento. El mismo comienzo lírico se distingue tanto por las vistas del entorno de San Petersburgo ("Puesta de sol en las cercanías de San Petersburgo", 1832). Pero la capital del norte ha visto a artistas y en una vena diferente y dramática, como el choque y la lucha de los elementos naturales (V. E. Raev "columna Alexandrovsk durante una tormenta", 1834).
En las brillantes pinturas I. K. Aivazovsky incorporó brillantemente los ideales románticos de la lucha y el poder de las fuerzas naturales, la resistencia del espíritu humano y la capacidad de luchar hasta el final. Sin embargo, un lugar grande en el legado del maestro está ocupado por paisajes de mar de noche, dedicado a lugares específicos, donde la tormenta es inferior al lugar de la magia nocturna, el tiempo que, según las opiniones de los románticos, está lleno de un misteriosa vida interior, y donde la pintoresca búsqueda de la artista está dirigida al camino de extraer efectos extraordinarios de iluminación ("Vista de Odessa en noche lunar"," Vista de Constantinopla durante la iluminación lunar ", ambos - 1846).
El tema del elemento natural y un hombre atrapado por sorpresa, - un tema favorito del arte romántico, interpretado de diferentes maneras de artistas de los 1800-1850. Las obras se basaron en eventos reales, pero el significado de las imágenes no está en el Reteling Objetivo. Un ejemplo típico es la imagen de Peter Basin. "Terremoto en Papá de Rockki cerca de Roma" (1830). Está dedicado, no tanto como una descripción de un evento particular como una imagen del miedo y el horror de un hombre que ha colaborado con la manifestación del elemento.
Las criminaciones de la pintura rusa de esta era fueron KP Brulylov (1799 -1852) y A.A.A. Ivanov (1806 - 1858). Pintor ruso y dibujante K.P. Bruhlov, aún como estudiante de la Academia de Artes, dominó la habilidad incompleta del dibujo. La creatividad Bryullov generalmente se divide en el "Último día Pompeya" y después. ¿Qué fue creado antes ...?!
"Mañana italiana" (1823), "Hermilia en Pastukhov" (1824) sobre el poema Tsquatto Tasso "Liberación de Jerusalén", "Italiano, mediodía" ("italiano, uvas de tiro", 1827), "jinete" (1830), " Baños "(1832) - Todas estas pinturas están imbuidas de una alegría de la vida brillante y indifusible. Tales obras fueron consonantes con los primeros poemas epicúreos Pushkin, Batyushkova, Vyazemsky, Deligus. La Antigua Manera, basada en la imitación de grandes maestros, no estaba satisfecha por el bullov y él "italiano mañana", "Italian naloon", "Baths" escribió al aire libre.
Trabajando sobre un retrato, Bromlov escribió de la naturaleza solo su cabeza. Todo lo demás a menudo sugirió la imaginación. El fruto de tal improvisación creativa libre es "Jinete". Lo principal en el retrato es el contraste del fallecido, el animal, con las fosas nasales hinchadas y los ojos brillantes y el caballo gracioso, sosteniendo con calma los caballos (la domesticación de los animales es el tema favorito de los escultores clásicos, Bryullov la decidió en cuadro).
EN "BREYSAI" El artista usa una historia bíblica como una excusa para mostrar el cuerpo desnudo al aire libre y transferir el juego de luz y reflejos en la piel clara. En "Virsavia" creó la imagen de una mujer joven, llena de alegría y felicidad. El cuerpo desnudo brilla y brilla rodeado de vegetación de oliva, ropa de cereza, reservorio transparente. Las formas de cuerpo elásticas suaves están bellamente combinadas con un paño de agua blanca y un color de chocolate del árabe, que sirve Birzavia. Líneas fluidas de cuerpos, cuerpos de agua, tejidos dan la composición de la imagen del ritmo liso.
La nueva palabra en pintura fue la foto. "El último día de Pompeya" (1827-1833). Ella hizo el nombre del artista con un inmortal y muy famoso en la vida.
Su parcela, aparentemente, fue elegida influenciada por el hermano Alexander, que había estudiado fuertemente las ruinas pubbean. Pero las razones para escribir la pintura más profunda. Gogol lo señaló, y Herzen dijo que, con razón, que en el "último día Pompei" encontró su lugar, tal vez el inconsciente reflejo del pensamiento y sentimientos del artista, causado por la derrota del levantamiento decimbrista en Rusia. No es de extrañar entre las víctimas del elemento de hinchazón en la disfunción de Pompeya, Bryullov colocó su autorretrato y dio las características de sus amigos rusos a otras pinturas de personajes.
Los alrededores italianos de Bryullov desempeñaron su papel, lo que podría decirle sobre las tormentas revolucionarias, corriendo a lo largo de la tierra de Italia en años anteriores, sobre el triste destino de carbonarios durante los años de reacción.
La imagen grandiosa de la muerte de Pompeya está imbuida del espíritu de historicismo, se muestra el cambio de una era histórica de otra, la supresión del antiguo paganismo y la ofensiva de la nueva fe cristiana.
El curso de la historia, el artista se percibe dramáticamente, cambiando las épocas como un impacto de la humanidad. En el centro de la composición cayó del carro y la mujer se estrelló con la muerte personificada, aparentemente, la muerte del mundo antiguo. Pero cerca del cuerpo de la madre, el artista colocó a un bebé vivo. Representantes de niños y padres, un joven y una anciana madre, hijos y un padre de pelotón, el artista mostró viejo, dejando la historia de la generación y la nueva, voy a cambiar. El nacimiento de una nueva era sobre los restos de una vieja y dispersión en el polvo del mundo, ese es un tema genuino de la pintura del BloVOV. Cualquiera que las fracturas traigan una historia, la existencia de la humanidad no se detiene, y su sed de vida sigue siendo desfavorable. Tal es la idea principal del "Último día Pompeya". Esta imagen es el himno de la belleza de la humanidad que permanece inmortal en todo el ciclo de la historia.
El lienzo se exhibió en 1833 en la exposición de arte Milane, causó una ráfaga completa de respuestas entusiastas. Tipos separados de Italia fueron conquistados. El estudiante de Bryullov G. Gagarin testifica: "Este gran trabajo causó entusiasmo ilimitado en Italia. Ciudades donde se exhibió la foto, las técnicas solemnes fueron organizadas por el artista, los poemas se dedicaron a él, se llevaban a través de las calles con música, flores y antorchas ... en todas partes, donde fue tomado con honor, tan conocido, genio triunfante, Todo claro y evaluado ".
Escritor inglés Walter Scott (Representante literatura romántica, glorificado por sus novelas históricas) pasó una hora entera en el estudio Bryull, que dijo que no era una foto, sino un poema entero. La Academia de Artes Milán, Florencia, Bolonia y Parma eligieron al pintor ruso con su Miembro honorable.
El lienzo de Bloño causó respuestas entusiastas de Pushkin y Gogol.
Vesubio Zev abrió - Humo colgó la llama del club
Ampliamente desarrollado como un banner de combate.
La tierra está preocupada, con una columna memorable.
Idols Fall! ..
Pushkin escribió bajo la impresión de la imagen.
Comenzando con el BloVOV, los puntos de inflexión de la historia se convirtieron en el tema principal de la pintura histórica rusa, donde se representaban las escenas grandiosas folclóricas, donde cada persona es participante en el drama histórico, donde no hay principal y secundario.
"Pompeyo" pertenece, en general, al clasicismo. El artista reveló magistralmente el cuerpo plástico en lienzo. Todos los movimientos mentales de las personas fueron transferidos al Broullov primero en el idioma de los plásticos. Las figuras separadas, los datos en movimiento rápido, se recogen en grupos congelados y equilibrados. Las luces intermitentes enfatizan las formas de cuerpos y no crean fuertes efectos pictóricos. Sin embargo, la composición de la pintura, que tiene un fuerte avance en el centro, que representa un evento de emergencia en la vida de Pompeya, desperdició el romanticismo.
El romanticismo en Rusia existía en su primera ola desde el final del siglo XVIII y en la década de 1850. La línea de romántica en el arte ruso no se interrumpió en la década de 1850. Abierto romántico para el arte El tema del estado de ser desarrollado más tarde de los artistas de la rosa azul. Los herederos directos de románticos, sin duda fueron simbolistas. Temas románticos, motivos, técnicas expresivas entraron en el arte de diferentes estilos, direcciones, asociaciones creativas. La visión del mundo romántica o la cosmovisión resultó ser una de las más animadas, sobrevividades, fructíferas.
El romanticismo como mundano total, que es en su mayoría joven, ya que el deseo de libertad ideal y creativo, todavía vive constantemente en el arte global.
c) musica
El romanticismo en su forma pura es el fenómeno del arte europeo occidental. En la música rusa siglo XIX. Desde Glinka hasta la característica tchaikovsky de clasicismo, combinada con las características del romanticismo, el elemento líder era un comienzo nacional brillante y distintivo. El romanticismo en Rusia dio un despegue inesperado cuando esta dirección parecía que ya se había movido al pasado. Dos compositores del siglo XX, Scriabin y Rachmaninov, vuelven a resucitar a las características de romanticismo como el vuelo desenfrenado de la fantasía e implacando las letras. Por lo tanto, el siglo XIX. Llamado el siglo de los clásicos musicales.
Tiempo (1812, la rebelión de los decembristas, que siguió la reacción) impartió una impresión en la música. ¿Qué tipo de género no tomamos: romance, ópera, ballet, música de cámara, en todas partes, los compositores rusos hicieron su nueva palabra?
La música de Rusia por toda su elegancia del salón y el estricto compromiso con las tradiciones de la instrucción profesional, incluida una carta de hijo y sinfónico, se basa en un sabor único y un ritmo rítmico del folclore ruso. Algunos: ampliamente a regañadientes en la canción del hogar, otros, en las formas originales de la musicización, y la tercera, en la antigua modalidad de los antiguos trastes campesinos rusos.
El comienzo del siglo XIX. - Estos son el primer y brillante apogeo del género romántico. Still Sounds y felices oyentes modestas letras de letras sinceras Alexander Alexandrovich Alyabyeva (1787-1851). Escribió romances a los poemas de muchos poetas, pero los inmortales son "Ruiseñor" En los poemas del motor den "Camino de invierno", "te amo" en poemas pushkin.
Alexander Egorovich Varlamov (1801-1848) Escribió música a actuaciones dramáticas, pero más lo conocemos de acuerdo con el famoso romance. "Red Sarafan", "En el amanecer, no haces Bousy", "La vela blanca está sola".
Alexander Lvovich Gurilev (1803-1858) - Compositor, pianista, violinista y profesor, posee tales romances como "Anillos singelar a una campana", "al amanecer de la juventud brumosa" y etc.
El lugar más destacado aquí es los romances de Glinka. Nadie llegó a una fusión tan natural de la música con la poesía de Pushkin, Zhukovsky.
Mikhail Ivanovich Glinka (1804-1857) - Pushkin contemporáneo (por 5 años más joven que Alexander Sergeevich), el clásico de la literatura rusa, se convirtió en el fundador de los clásicos musicales. Su creatividad es uno de los vértices de la cultura musical rusa y mundial. Combina armoniosamente la riqueza de la música popular y los logros más altos de la habilidad compositora. La profunda creatividad realista popular de Glinka reflejó el poderoso florecimiento de la cultura rusa de la 1ª mitad del siglo XIX, asociada con la Guerra Patriótica de 1812 y el Movimiento de los Decembristas. El carácter ligero, afirmativo de la vida, la ligereza de las formas, la belleza de los cantantes expresivos de melodías, una variedad, colorido y la sutileza de la armonía, las cualidades más valiosas de la música de Glinka. En la famosa ópera. "Ivan Susanin" (1836) recibió una idea brillante de expresión del patriotismo popular; La grandeza moral de los rusos se glorifica en una fabulosa ópera " Ruslan y Ludmila " . Composiciones orquestales de Glinka: "Waltz Fantasy", "Noche en Madrid" y especialmente "Kamarinskaya", Constituyen la base del simphonismo clásico ruso. Maravilloso en la fuerza de la expresión dramática y el brillo de las características de la música a la tragedia. "Príncipe Holmsky". Letras de Glinka Vocal (Romances "Recuerdo el maravilloso momento", "Duda".) - Encarnación insuperable en la música de la poesía rusa.
6. Romanticismo occidental europeo
una pintura
Si el experto de clasicismo era Francia ", para encontrar las raíces ... una escuela romántica", escribió uno de los contemporáneos: "Deberíamos ir a Alemania. Nació allí, y el moderno romance italiano y francés había formado sus gustos ".
Fragmentado Alemania No sabía el elevador revolucionario. Muchos de los románticos alemanes eran patiados alienígenas de ideas sociales avanzadas. Fueron idealizados por edades medias. Entregado a ciertos impulsos espirituales, razonados sobre el desafío. vida humana. El arte de muchos de ellos fue pasivo y contemplativo. Crearon las mejores obras en el campo de la pintura de retratos y paisajes.
Un retrato excepcional era Otto Runge (1777-1810). Los retratos de este maestro con la tranquilidad externa son sorprendentes intensa y tensa vida interior.
La imagen del poeta romántico vio runge en "Auto retrato". Se mira con cuidado y ve un joven de pelo oscuro, con ojos oscuros, serios, graves, enérgicos, pensativos, autosuficientes y volitivos. El artista romántico quiere conocerse a sí mismo. La manera del retrato es rápida y tragada, como si ya estuviera en la textura del trabajo debería transferirse a la energía espiritual del Creador; En el esquema colorido oscuro, contrastios de luz y oscuridad. El contraste es una técnica pintoresca característica de los maestros románticos.
Para atrapar el juego cambiante de los estados de ánimo del hombre, mirar a su alma siempre intentará probar al artista del almacén romántico. Y a este respecto, los retratos de los niños servirán como un material fértil. EN retrato de niños Hulisenbeck (1805) Runge no solo transfiere la vivacidad y la franqueza de una infancia, sino que también encuentra una técnica especial para un estado de ánimo ligero que admira la apertura cautiva del segundo piso. Siglo xix El fondo en la imagen es un paisaje, que testifica no solo el colorido regalo del artista, encantado con la actitud hacia la naturaleza, sino también sobre el surgimiento de nuevos problemas de la reproducción de los talleres de las relaciones espaciales, los tonos luminosos del aire al aire libre. artículos. Maestro romántico, que quiere fusionar su "I" con los universos del universo, busque capturar la apariencia sensual de la naturaleza. Pero esta sensualidad de la imagen que prefiere ver un símbolo. mundo grande, "Idea del artista".
Runge Uno de los primeros artistas románticos se propuso la tarea de la síntesis de las artes: pintura, esculturas, arquitectura, música. El sonido del conjunto de las artes debería haber expresado la unidad de las fuerzas divinas del mundo, cada partícula de la cual simboliza el espacio en su conjunto. El artista de Fasses, reforzando su concepto filosófico con las ideas del famoso pensador alemán de 1 planta. Siglo xvii Jacob Bem. El mundo es un cierto conjunto místico, cada una de las cuales expresa todo el conjunto. Esta idea está relacionada con el romance de todo el continente europeo. En la forma poética, el poeta inglés y el artista William Blake expresaron lo mismo que:
En un momento ves la eternidad,
Un mundo enorme - en el espejo de arena,
En una sola piedra de mano - infinito
Y el cielo está en una taza de flor.
Ciclo de rungy, o, como lo llamó, "poema fantástico-musical" "Días del día" - Mañana, mediodía, noche, - expresión de este concepto. Se fue en los versos y prosa explicación de su modelo conceptual del mundo. La imagen de una persona, paisaje, luz y color sobresale símbolos siempre el ciclo cambiante de la vida natural y humana.
Otro destacado pintor, romántico, romántico, alemán, Kaspar David Friedrich (1774-1840), preferido a todos los demás géneros del paisaje y escribió a lo largo de sus imágenes de vida de la naturaleza de los setenta años. El principal motivo de la creatividad de Friedrich es la idea de la unidad del hombre y la naturaleza.
"Escuche la voz de la naturaleza, que habla dentro de nosotros", se instruye al artista a sus discípulos. El mundo interior de una persona personifica el infinito del universo, por lo que se escuchó a sí mismo, una persona es capaz de comprender y las profundidades espirituales del mundo.
La posición de escucha determina la forma básica de "comunicación" de una persona con la naturaleza y su imagen. Esto es la grandeza, el misterio o la iluminación de la naturaleza y el estado consciente del observador. Es cierto, muy a menudo, en el paisaje de sus pinturas, Friedrich no permite que "ingrese" la figura, sino en la delgada penetración del sistema figurativo de las expansiones expansivas, se siente la presencia del sentimiento, la experiencia humana. La subjetivismo en la imagen del paisaje entra en arte solo con el trabajo de románticos, lo que prefiere la divulgación lírica de la naturaleza desde el segundo piso de los magos. Siglo xix Los investigadores se observan en las obras de Friedrich "Expandiendo el repertorio" de motivos de paisaje. El autor está interesado en el mar, las montañas, los bosques y una variedad de matices de la naturaleza en diferentes momentos del año y el día.
1811-1812 Marcado por la creación de una serie de paisajes de montaña como resultado del viaje del artista en las montañas. "Mañana en las montañas" Presenta a fondo una nueva realidad natural que nace en los rayos del sol naciente. Los tonos rosados-lilas envuelven y privan su volumen y severidad material. Los años de batalla con Napoleón (1812-1813) agregan Friedrich a temas patrióticos. Ilustrando, inspirando al drama del Brástico, escribe. "La tumba de Armia" - Paisaje con las tumbas de los antiguos personajes alemanes.
Friedrich era un maestro sutil de paisajes de mar: "Edades", "El amanecer de la luna sobre el mar", "La muerte" espera "en el hielo".
Las últimas obras del artista - "Descansan en el campo", "Big swamp" y "recuerdos de las montañas gigantes", "Montañas gigantes", una serie de granos de montaña y piedras en el plan delantero oscuro. Esto, aparentemente, regresando al experimentado sentido de la victoria de una persona sobre sí mismo, la alegría de la ascensión a la "parte superior del mundo", el deseo de una licencia iluminada no acompañada. Los sentimientos del artista combinan especialmente estas bulbas de montaña, y el movimiento de los escalones oscuros a la luz futura se lee de nuevo. El pico de montaña en el fondo se destaca como el centro de las aspiraciones espirituales del maestro. La imagen es muy asociativa, como cualquier creación de románticos, e involucra varios niveles de lectura e interpretación.
Friedrich es muy precisa en la imagen, musicalmente armoniosa en la construcción rítmica de sus pinturas, en la que intenta hablar las emociones del color, los efectos de la luz. "Muchas personas se les da un poco. Todo el mundo abre el alma de la naturaleza en una diferente. Por lo tanto, nadie se atreve a transmitir su propia experiencia y sus propias reglas como una ley incondicional obligatoria. Nadie es una medida para todos. Todo el mundo lleva una medida en sí mismo solo para sí mismo para las naturalezas más o menos relacionadas, "esto está pensando que un maestro demuestra la increíble integridad de su vida interior y la creatividad. La singularidad del artista es notable solo en la libertad de su creatividad, se encuentra en este romántico Friedrich.
Más formal parece ser dimensionado con artistas: "clásicos": representantes del clasicismo de otra rama de la pintura romántica de Alemania - Nazareyianos. Fundada en Viena y se estableció en Roma (1809-1810) "Unión de St. Luke" Masters Unidos de la idea de revivir el arte monumental de los problemas religiosos. La Edad Media fue un período de historia favorito para los románticos. Pero en su búsqueda artística, las Saselicas apelaron a las tradiciones de la pintura del renacimiento temprano en Italia y Alemania. Overbek y Georre fueron los iniciadores de la nueva Unión, a la que Cornelius, Yu.Shnoff von Karolsfeld, Fait Furyich, más tarde se unió.
Este movimiento de los saseles correspondió a sus formas de confrontar a los académicos, clasicistas en Francia, Italia, Inglaterra. Por ejemplo, en Francia desde el taller de David, los llamados "primitivistas", en Inglaterra, se distinguieron las prerafaelitas. En el espíritu de la tradición romántica, consideraron el arte de la "expresión del tiempo", el "espíritu de la gente", pero sus preferencias temáticas o formales, sonó por primera vez como un eslogan de asociación, después de un tiempo convertido en el mismo tiempo. Los principios de la doctrina como la Academia denegada por ellos.
Arte del romanticismo en Francia evolucionado por formas especiales. Lo primero que lo distinguió de movimientos similares en otros países es una ofensiva activa ("revolucionario") personaje. Los poetas, escritores, músicos, los artistas defendieron su posición no solo creando nuevas obras, sino también la participación en una revista, controversia de periódicos, que los investigadores se caracterizan como una "batalla romántica". En la controversia romántica, "el famoso v.Gyugo, Standal, George Sand, Berlioz y muchos otros escritores, compositores, periodistas de Francia.
La pintura romántica en Francia surge como oposición a la escuela clásica de David, arte académico, denominado "escuela" en su conjunto. Pero es necesario entender que es más amplio: fue la oposición de la ideología oficial de la era de la reacción, protesta contra su malla y limitaciones. De ahí la naturaleza patética de las obras románticas, su excitación nerviosa y los motivos exóticos, a las parcelas históricas y literarias, a todo lo que puede llevar de la "vida cotidiana", desde aquí este juego de imaginación, y algunas veces, por el contrario, el Soñabilidad y completa falta de actividad.
Representantes de "escuelas", los academiales restringieron principalmente contra el lenguaje de los románticos: su color caliente emocionado, sus formulaciones de modelado, no lo habitual para "clásicos", plástico de estatuas y construido sobre fuertes contrastes de puntos de color; su patrón expresivo, abandonado deliberadamente con precisión y depósito clásico; Su composición audaz, a veces caótica, desprovista de la lupa y la calma inquebrantable. ANGR, un enemigo irreconciliable de románticos, hasta que el final de la vida dijo que Delacroix "escribe con una escoba loca", y Delacroix acusó a Engra y a todos los artistas "Escuela" en la frialdad, razonable, en ausencia de movimiento, es que No escribas, pero "pinta" sus pinturas. Pero no fue una simple colisión de dos individuos brillantes, absolutamente diferentes, fue la lucha de dos visiones de arte diferentes.
Esta lucha duró a casi la población, el romanticismo en el arte no era fácil de ganar, y no es de inmediato, y el primer artista de esta dirección fue Theodore Zheric (1791-1824) - Maestro de formas monumentales heroicas, que se conectó en su trabajo y características clásicas. , y las características del romanticismo en sí, y finalmente, un poderoso comienzo realista que tiene una enorme influencia en el arte del realismo de la mitad del siglo XIX. Pero durante su vida, fue evaluado solo por algunos amigos cercanos.
Con el nombre de Theodore Zhariko, los primeros éxitos brillantes del romanticismo están conectados. Ya en sus primeras imágenes (retratos de los militares, imágenes de los caballos), los ideales antiguos se retiran ante la percepción inmediata de la vida.
En la cabina de 1812, Zheriko muestra la foto. "El oficial de la fusión de caballos imperiales durante el ataque". Fue a un año apogeo de la gloria de Napoleón y el poder militar de Francia.
La composición de la pintura representa al jinete en la perspectiva inusual del momento "repentino" cuando el caballo aumenta, y el jinete, sosteniendo la posición casi vertical del caballo, se volvió hacia el espectador. Una imagen de un momento de inestabilidad, la imposibilidad de la postura mejora el efecto del movimiento. El caballo tiene un punto del apoyo, debe golpear el suelo, atornillado a la pelea, lo que lo llevó a tal estado. Gran parte de este trabajo: Vera Zhriko incondicional a la posibilidad de la propiedad de una persona por su cuenta, el amor apasionado por la representación de los caballos y el coraje de un maestro novato en la muestra del hecho de que solo la música o el lenguaje de la poesía podrían transmitir. Azart Battle, el comienzo del ataque, el voltaje limitante de la criatura viva. El joven autor construyó su imagen en la transferencia de la dinámica del tráfico, y era importante para él configurar un espectador para "especulación", mirando con "visión interna" y una sensación de que quería retratar.
Las tradiciones de tales dinámicas del pintoresco romance narrativo en Francia prácticamente no tenían nada, excepto en los relieves de los templos góticos, porque Zheriko se metió por primera vez en Italia, fue sorprendido por la fuerza oculta de Miguel Ángel. "Temblé", escribe, "Dudé de mí mismo y no pudí recuperarme de esta experiencia durante mucho tiempo". Pero en Miguel Ángel, en cuanto al precursor de la nueva dirección estilística en el arte, el Standal apuntó en sus artículos polémicos incluso antes.
La pintura Zhriko dijo que no solo sobre el nacimiento de un nuevo talento artístico, sino que también dio homenaje al entusiasmo y la decepción del autor por las ideas de Napoleón. Algunas obras más se asocian con este tema: " El oficial del Carabinierov "," Oficial de Chirassier antes de atacar "," Retrato del Mosquetón "," Kirassir herido ".
En el tratado "Reflexión sobre el estado de la pintura en Francia", escribe que "el lujo y el arte del acero ... la necesidad y como si los alimentos para la imaginación, que es la segunda vida de una persona civilizada ... sin ser El tema del arte esencial, aparece solo cuando se satisfacen las necesidades urgentes y cuando se produce la abundancia. El hombre, habiendo liberado de las preocupaciones cotidianas, comenzó a buscar placeres para deshacerse del aburrimiento, lo que inevitablemente lo cubriría entre la satisfacción.
Tal comprensión del papel educativo y humanista del arte fue demostrado por Zhriko después de regresar de Italia en 1818, comienza a participar en la litografía, replicando una variedad de temas, incluida la derrota de Napoleón ( "Regreso de Rusia").
Al mismo tiempo, el artista atrae a la representación de la muerte de la fragata "Medusa" frente a la costa de África, quien emocionó la entonces la sociedad entonces. La catástrofe ocurrió debido a la culpa de un capitán inexperto designado para la posición de protección. A los pasajeros de ahorros se les dijo en detalle en detalle: Savigni cirujano y ingeniero CORREAR.
El buque de pereceración pudo perder la balsa en la que obtuvo un puñado de personas salvadas. Doce días estaban en el mar furioso, hasta que se encontraron con la salvación, la embarcación "Argus".
Zhriko interesado en la situación del mayor voltaje de las fuerzas espirituales y físicas humanas. La imagen representó a 15 pasajeros salvados en la balsa cuando vieron en el horizonte "Argus". "Rack" Medusa " Fue el resultado del trabajo preparatorio a largo plazo del artista. Hizo muchos bocetos del mar furioso, retratos de personas salvadas en el hospital. Al principio, Zhriko quería mostrar la lucha de las personas en una balsa entre sí, pero luego se detuvo en el comportamiento heroico de los ganadores del elemento marino y la negligencia estatal. Las personas transfirieron valientemente la desgracia, y la esperanza de salvación no los dejó: cada grupo tenía sus propias características en la balsa. En la construcción de la composición, Zheriko selecciona el punto de vista desde arriba, lo que le permitió combinar la cobertura panorámica del espacio (navegó el marino dio) y retratar, escalando fuertemente el primer plano, todos los habitantes de la raíz. El movimiento se basa en el contraste de las figuras que son impotentes en primer plano y la tetona en el grupo que alimenta el pasaje. La claridad del ritmo del ritmo de los oradores del grupo al grupo, la belleza de los cuerpos desnudos, el color oscuro de las pinturas estableció una cierta nota de la Convención de la imagen. Pero esta no es la esencia importante para el orador que es percibido por la audiencia, a quien el lenguaje del idioma incluso ayuda a comprender y sentir lo principal: la capacidad de una persona para luchar y derrotar. Ruge el océano. Moan navega. Tasa de cuerda. Balsa fluyendo. El viento conduce las olas y las lágrimas en los trozos de las nubes negras.
¿No es esto en la propia Francia, una historia inoxidable de la historia? - Pensé a Eugene Delacroix, de pie en la foto. "La balsa" Medusa "sorprendió a Delacra, lloró y, como una locura, saltó del taller de Zhriko, en el que a menudo tenía.
Tales pasiones no conocían el arte de David.
Pero la vida de Zhriko irrumpió en trágicamente temprano (estaba incurablemente enfermo después de caer del caballo), y muchas de sus ideas permanecieron sin terminar.
La innovación de Zhriko abrió nuevas oportunidades para transmitir románticos preocupados de movimiento, sentidos impresionantes del hombre, colorido expresividad con textura de la imagen.
El heredero de Zhriko en su búsqueda fue Eugene Delacroa. Es cierto, Delacroix se lanzó el doble de plazos de vida, y logró no solo probar la rectitud del romanticismo, sino también a bendecir una nueva dirección en la pintura del 2do piso. Siglo xix - Impresionismo.
Antes de comenzar a escribirte a ti mismo, Eugene estaba comprometido en la escuela de Leren: escribió de la naturaleza, copiada en el Louvre de Great Rubens, Rembrant, Veronese, Tizian ... Un joven artista trabajó durante 10 a 12 horas al día. Recordó las palabras del Gran Miguel Ángel: "La pintura es una amante celosa, ella requiere a toda la persona ..."
Delacroix Después de los discursos de manifestación, Zhriko presentó bien que los tiempos de fuertes choques emocionales se produjeron en el arte. Al principio, una nueva era para él, trata de comprender a través de parcelas literarias conocidas. Su foto "Dante y Vergili" Representado en el salón de 1822: un intento a través de imágenes asociativas históricas de dos poetas: Antigüedad - Vergilia y Renacimiento - Dante - Mire la caldera de ebullición, "Infierno" de la era moderna. Una vez en su "comedia divina", Dante se llevó a los tribunales en todas las áreas (Paraíso, Infierno, Purgatorio) VERGIL LAND. En la composición de Dante, surgió un nuevo mundo revivido experimentando memoria medieval sobre la antigüedad. El símbolo de la romántica como la síntesis de la antigüedad, el Renacimiento y la Edad Media surgieron en el "horror" de las visiones de Dante y Vergil. Pero la compleja alegoría filosófica resultó ser una buena ilustración emocional de la era de prevención y una obra maestra literaria inmortal.
Una respuesta directa en los corazones de los contemporáneos de Delacroix intentará encontrar a través de su propio dolor cardíaco. Ardiente libertad y odio a los opresores Los jóvenes de ese tiempo simpatizan con la Guerra de Liberación de Grecia. Hay paseos en la bardo romántico de Inglaterra - Byron. Delacroix ve el significado de la nueva era en la imagen de un evento histórico ya más específico, la lucha y el sufrimiento de la Grecia amante de la libertad. Se detiene en la trama de la muerte de la isla griega de Chios, capturada por los turcos. En el salón 1824, Delacroix muestra la imagen. "Masacre en la isla de los chios". En el contexto del espacio infinito del terreno sobmnal. Lo que aún grita del humo de un fuego y una batalla desafortunada, el artista muestra varios grupos de heridas, mujeres agotadas y niños. Permanecieron los últimos minutos de libertad ante el enfoque de los enemigos. Los turcos en el caballo levantado a la derecha, por así decirlo, colgar sobre todo el primer plano y muchos pacientes allí. Hermoso cuerpo, cara de personas rotas. Por cierto, Delacroix más tarde escribirá que la escultura griega fue rechazada por artistas en los jeroglíficos que han ocultado la verdadera belleza griega de la cara y las cifras. Pero, abriendo la "belleza del alma" en las caras de los griegos derrotados, el pintor está tan dramatizando los eventos que tienen lugar a la deformación de la figura de la FIG. Estos "errores" ya estaban "permitidos" por las obras de Zherik, pero Delacroix demuestra una vez más el credo romántico, que la pintura es "esta no es la verdad de la situación, y la verdad es sentir".
En 1824, Delacroix perdió a un amigo y maestro - Zhriko. Y se convirtió en el líder de la nueva pintura.
Años pasados. Las imágenes aparecieron una en una: "Grecia en las ruinas de Misalungi", "Muerte de Sardanapal" y otros. El artista se ha convertido en un marginado en los círculos oficiales de la librea. Pero la revolución de julio de 1830 cambió la situación. Ella enciende al artista con romance de victorias y logros. Él escribe imagen "Libertad en las barricadas".
En 1831, en el Salón de París, los franceses por primera vez vieron la imagen de Ezhen Delacroix "Freedom On Barricada", dedicada a los "tres días gloriosos" de la revolución de julio de 1830. Poder, democracia y coraje solución artistiva El lienzo hizo una impresión impresionante en los contemporáneos. Según la leyenda, una buena burguesa exclamó: "¿Dices: jefe de la escuela? ¡Dime mejor - el jefe de la rebelión! " Después del cierre de la cabina, el gobierno, asustado por un llamamiento formidable e inspirador, proveniente de la imagen, se apresuró a devolverlo al autor. Durante la revolución de 1848, una vez más fue organizada en la Revisión Universal en el Palacio de Luxemburgo. Y regresó al artista. Solo después de que el lienzo se exhibiera en la exposición mundial en París en 1855, cayó en el Louvre. Se guarda aquí una de las mejores criaturas del romanticismo francés, un testimonio de evidencia inspiradora y un monumento eterno a la lucha de los pueblos por su libertad.
¿Qué es el lenguaje artístico encontrado a un joven francés romántico para fusionar estos dos, aparentemente opuestos a los principiantes, generalización generalizada, integral y cruel en su realidad desnuda?
París de los famosos de julio de 1930. Aire, impregnado con humo y polvo de Sizy. Ciudad hermosa y magnífica, desapareciendo en el mercado de polvo. En la distancia, apenas notablemente, pero con orgullo abandonará las torres de la Catedral de la Madre de Dios de París, el símbolo de la historia, la cultura, el espíritu de los franceses. Desde allí, desde el humo de la ciudad, en las ruinas de las barricadas, en los cadáveres de los camaradas muertos obstinadamente y resueltamente sobresalientes de los rebeldes. Cada uno de ellos puede morir, pero el paso de los rebeldes inquebrantable, inspiran la voluntad a la victoria, a la libertad.
Esta fuerza inspiradora está encarnada en la imagen de una excelente mujer joven, en un apasionado impulso del llamado. Energía inagotable, libre y joven rapidez de movimiento es como diosa griega
victory Nicky. Su fuerte figura está remachada en el vestido de Hiton, una cara con características perfectas, con los ojos ardientes dibujados a los rebeldes. En una mano, ella tiene una bandera de tres colores de Francia, en otra, una pistola. La gorra frígera en la cabeza es un antiguo símbolo de la liberación de la esclavitud. Su paso es rápido y fácil, la diosa va. Al mismo tiempo, la imagen de la mujer ReaS es la hija de los franceses. Ella es una fuerza guía del movimiento del grupo en las barricadas. De ella, a partir de la fuente de luz en el centro de la energía, los rayos, la sed de cargadura y la voluntad de la victoria, son divergidos. En estrecha proximidad a ella, cada uno a su manera, la participación expresa en este atractivo inspirador e inspirador.
Chicos derechos, París gatheam, agitando con armas. Él está más cerca de la libertad y, por así decirlo, iluminada por su entusiasmo y la alegría de la ráfaga libre. En el rápido, en un movimiento infantil, impaciente, incluso un poco por delante de su inspiración. Este es el predecesor del legendario Gavrosh, veinte años después por Viktor Hugo en la novela "Molded": "Gavrosh, la inspiración completa, brillando, se hizo cargo de la tarea de dejarlo a su vez. Él de nuevo, se levantó, descendió
abajo, Rose de nuevo, ruidoso, con alegría con alegría. Parecería que vino aquí para animar a todos. ¿Tenía algún tipo de desgracia para esto? Sí, por supuesto, su pobreza. ¿Tenía alas? Sí, por supuesto, su graciosa. Era algún tipo de torbellino. Él, como estaba, lleno de aire, asistiendo al mismo tiempo en todas partes ... las enormes barricadas lo sintieron en su cresta ".
Gavrosh en la pintura de Delacroix - la personificación de la juventud, el "hermoso impulso", la alegre aceptación de las brillantes ideas de libertad. Dos imágenes - Gavrosha y libertades, como si se complementan entre sí: un fuego, una antorcha osciló de él. Heinrich Heine dijo lo que una respuesta es animada causó la figura de Gavrosha en Parisians. "¡Infierno! - exclamó algunos comerciantes de comestibles. - ¡Estos muchachos vencen a gigantes! "
Estudiante de izquierda con un arma. Anteriormente, vieron un autorretrato del artista. Este doctor no es tan rápido como Gavrosh. Su movimiento es más restringido, más concentrado, sin sentido. Las manos aprietan con confianza el tronco de un rifle, la cara expresa coraje, determinación sólida para pararse hasta el final. Esta es una imagen profundamente trágica. El estudiante es consciente de la inevitabilidad de las pérdidas que sufrirán los rebeldes, pero las víctimas no lo asustan, la voluntad a la libertad es más fuerte. Detrás de él es tan valientemente y resueltamente trabajador configurado con un sable. A los pies de la libertad heridos. Apenas se levantó para mirar hacia arriba, a la libertad, a ver y todo su corazón, sentir lo hermoso, por lo que muere. Esta cifra hace un comienzo ambiguo en el sonido de la tela deliciosa. Si las imágenes de Gavrosha, la libertad, el estudiante, el trabajador, casi los símbolos, la encarnación de una voluntad no comprimida de luchadores de la libertad, inspiran y llaman al espectador, entonces los heridos se convierten en compasión. El hombre se despide de la libertad, se despide de la vida. Sigue siendo una prisa, movimiento, pero ya se desvanece.
Su figura es transicional. Vista del espectador, todavía increíble y fascinado por la determinación revolucionaria de los rebeldes, desciende hacia abajo, hasta el pie de las barricadas cubiertas por los cuerpos de los gloriosos soldados muertos. La muerte está representada por el artista en toda la única solencia y evidencia del hecho. Vemos las coronas de los muertos, sus cuerpos expuestos: la lucha de despiadados, y la muerte del mismo satélite de los rebeldes, así como la maravillosa libertad inspiradora.
¡Pero no es lo mismo! Desde el terrible espectáculo en el borde inferior de la imagen, elevamos nuestra mirada y veamos la figura hermosa joven, ¡no! La vida gana! La idea de la libertad, encarnada de manera simbólica y notablemente, como se indica al futuro que la muerte en su nombre no es terrible.
El artista representa solo a un pequeño grupo de rebeldes, viviendo y muertos. Pero los defensores de las barricadas parecen inusualmente numerosas. La composición está construida para que la batalla del grupo no esté limitada, no está cerrada en sí misma. Es solo una parte de la avalancha sin fin de las personas. El artista da un fragmento del grupo: el marco de la imagen corta las formas a la izquierda, a la derecha, desde la parte inferior.
Por lo general, el color en las obras de Delacroix adquiere un sonido marchito, desempeña un papel dominante en la creación de un efecto dramático. Pinturas, luego rabiando, golpeando, apagado, crean una atmósfera tensa. En "Libertad en las barricadas" Delacroix sale de este principio. Muy precisamente, inconfundiblemente elige pintura, poniéndolo con trazos anchos, el artista transmite la atmósfera de batalla.
Pero el rango colorico está restringido. Delacroix se centra en el modelado de formas en relieve. Esto requerido solución en forma Fotos. Después de todo, al describir un evento de ayer concreto, el artista creó un monumento a este evento. Por lo tanto, las figuras son casi esculturas. Por lo tanto, cada personaje, siendo parte de una sola imagen completa, es y algo cerrado en sí mismo, representa un símbolo que ha ido a la forma completada. Por lo tanto, el color no solo afecta emocionalmente los sentimientos del espectador, sino que tiene una carga simbólica. En el espacio marrón-gris, entonces hay un solemne sobrio alimentando el rojo, el azul, el blanco - colores blancos de la revolución francesa de 1789. La repetición repetida de estos colores admite el poderoso acorde de la bandera de tres colores que se resuelve sobre las barricadas.
La imagen de la "libertad en las barricadas" de Delacroix es un complejo, grandioso el trabajo de su alcance. Combina la precisión del hecho visto directamente y el simbolismo de las imágenes; El realismo, dando naturalismo brutal y belleza perfecta; En bruto, terrible y sublime, limpio.
La imagen "Libertad en las barricadas" aseguró la victoria del romanticismo en la pintura francesa. En la década de 1930, dos pinturas históricas más: "Batalla de Punto" y "Asesinato del obispo Liegsky".
En 1822, el artista visitó el norte de África, Marruecos, Argelia. El viaje lo convirtió en una impresión indeleble. En los años 50 en su trabajo, las pinturas aparecen pinturas inspiradas en los recuerdos de este viaje: "Hunt for Lviv", "Marruecos, Sading Horse" y otros. Color brillante brillante crea un sonido romántico de esta imagen. Aparecen en una amplia técnica de frotis.
Delacroix como estado romántico de su alma fijó no solo el lenguaje de imágenes pintorescas, sino también la literaria emitió sus pensamientos. Describió el proceso de trabajo creativo por el artista romántico, sus experimentos en color, reflexiones sobre la relación entre la música y otros tipos de arte. Sus diarios se han convertido en una lectura favorita para los artistas de las generaciones posteriores.
La escuela romántica francesa produjo cambios significativos en el campo de la escultura (Rud y su alivio "Marselyza"), pintura del paisaje (Camille Coro con su imagen de aire ligero de la naturaleza de Francia).
Gracias al romanticismo, la visión subjetiva personal del artista toma la forma de la ley. El impresionismo al final destruirá la barrera entre el artista y la naturaleza, declarando el arte de la impresión. Los románticos hablan de la fantasía del artista, la "voz de sus sentimientos", que le permite detener el trabajo cuando el Maestro lo considera necesario, y no cómo se requiere la medida académica de finalización.
Si la fantasía Zhriko se centró en la transferencia de movimiento, Delacroix, sobre la fuerza mágica del color, y los alemanes agregaron un cierto "espíritu de pintura", español Los románticos frente a Francisco Goya (1746-1828) mostraron orígenes populares del estilo, su carácter fantasmagórico y grotesco. El propio Goya y su trabajo se ven lejos de cualquier marco estilístico, especialmente porque el artista muy a menudo tuvo que seguir las leyes del material de ejecución (cuando él, por ejemplo, realizó imágenes para las alfombras de conducción tejidas) o los requisitos del cliente.
Su fantasmagoria fue publicada en la serie Etching. "Caprician" (1797-1799), "Desastres de la guerra" (1810-1820), "Dispara (" locura ") (1815-1820), pintura "Casa de sorda" e iglesia de San Antonio de la Florida en Madrid (1798). Enfermedad pesada en 1792. Él llevó a la sordera total del artista. El arte del maestro después de transferir lesiones físicas y espirituales se vuelve más enfocada, reflexiva, dinámica interna. El mundo externo cerrado debido a la sordera activó la vida espiritual interna de Goya.
En grabado "Caprician" Goya alcanza una fuerza excepcional en la transferencia de reacciones instantáneas, sentimientos rápidos. Rendimiento en blanco y negro, gracias a una combinación audaz de lugares grandes, la ausencia de una característica de tiempo de la linealidad, adquiere todas las propiedades de un trabajo pictórico.
Los murales de la Iglesia de San Antonio en Madrid Goyia crean, parece en un aliento. Medición de frotis, composición de laconio, características expresivas de personas de actuación cuyo tipo de goya se toma directamente de la multitud, sorprende. El artista representa el milagro de Anthony Florida, quien obligó a la resurrección y dijo que los muertos, quienes llamaron el nombre del asesino y, por lo tanto, se salvaron con condenado inocente de la ejecución. El dinamismo de la brillante multitud reactiva se transfirió a Goya y en gestos, y en la fe de las personas representadas. En la composición de la distribución de la pintura en el espacio de la iglesia, el pintor sigue a Chapolo, pero la reacción que hace que el espectador no es barroco, sino que es puramente romántico, lo que afecta a la sensación de cada espectador, llamándolo a ponerse en contacto con él. .
Más de todo, este objetivo se logra en la pintura Conto del Sordo ("Casas sordas"), en las que Goya vivió desde 1819. Las paredes de las habitaciones están cubiertas con quince composiciones de un personaje fantástico y alegórico. La percepción de ellos requiere una empatía en profundidad. Las imágenes surgen como algún tipo de visión de ciudades, mujeres, hombres, etc. Color, parpadeando, saca una figura, luego otra. Pintura en general oscura, está dominada por manchas blancas, amarillas y rojas rosadas, coloca un sentimiento alarmante. El gráfico paralelo "Casa de Sordos" puede considerarse el grabado de la serie. "Desparates" .
Los últimos 4 años, Goya pasó en Francia. Es poco probable que él supiera que Delacroix no se separó con su "capriciano". Y no podía prever cómo involucrarme en estos grabados de Hugo y Baudelaire, lo que un gran impacto tendrá su pintura en Mane, y como en la década de 1980 del siglo XIX. V.stasov llamará a los artistas rusos a estudiar su "desastre de la guerra"
Pero, teníamos en cuenta esto, sabemos que una gran influencia fue el arte "ilegal" de una audaz romance realista e inspirada con la cultura artística de los siglos XIX y XX.
El fantástico mundo de los sueños está implementando en sus obras e inglés romántico William Blake (1757-1827). Inglaterra Era un país clásico de la literatura romántica. Bayron. Shelly se convirtió en la bandera de este movimiento mucho más allá del "Broggy Albion". En Francia, en la revista crítica de las "batallas románticas" de románticos llamados "Shakespearers". La característica principal de la pintura inglesa siempre ha sido un interés en la persona humana, lo que permitió que el género del retrato estaba fructidamente fructidamente. El romanticismo en la pintura está muy estrechamente relacionado con el sentimentalismo. El interés de los románticos a la Edad Media dio lugar a una mayor literatura histórica. El maestro reconocido cuyo es V. Scott. En la pintura, el tema de la Edad Media determinó la apariencia de los llamados perafalitos.
Ulyam Blake es un tipo increíble de romance en una escena cultural inglesa. Escribe poemas, ilustra sus propios y los libros de otras personas. Su talento trató de argumentar y expresar la paz en una unidad holística. Las obras más famosas se consideran ilustraciones para el "libro de trabajo" bíblico, "Divine Comedy" Dante, "Paradise perdido" de Milton. Habita sus composiciones por las figuras titánicas de los héroes, que corresponden a su entorno de un mundo iluminado o fantasmagórico poco realista. La sensación de orgullo rebelde o es una armonía compleja creada a partir de las disonancias abruma su ilustración.
Algunas otras cosas parecen grabados en paisajes a "pastorales" del poeta romano vergil, son más románticos idílicos que su trabajo anterior.
El romanticismo Blake intenta encontrar su fórmula de arte y la forma de la existencia del mundo.
William Blake, habiendo vivido la vida en la pobreza extrema y se desconoce, después de la muerte fue contada para la anfitrión de los clásicos del arte inglés.
En el trabajo de los jugadores del paisaje inglés comenzó el siglo XIX. Las aficiones románticas se combinan con una naturaleza más objetiva y sobria.
Los paisajes relajados románticamente crean William Turner (1775-1851). Le encantaba representar las tormentas eléctricas, la ducha, las tormentas en el mar, las puestas de sol brillantes y ardientes. El Turner a menudo exageró los efectos de la iluminación y fortaleció el sonido del color, incluso cuando escribió una condición tranquila de la naturaleza. Para un efecto más grande, usó la técnica de acuarela e impuesta. pintura de aceite Una capa muy sutil y escribió justo en el suelo, buscando desbordamientos del arco iris. Un ejemplo puede servir como una imagen. "Lluvia, vapor y velocidad" (1844). Pero incluso crítico famoso Ese época de Tekkrech no podía entender correctamente, quizás la más innovadora e intención y en el cumplimiento de la imagen. "La lluvia se denota por las manchas de una masilla sucia", escribió, fue empujado a lienzo con la ayuda de Mastichene, el parpadeo ligero del sol se acerca desde los bultos muy gruesos de cromo amarillo sucio. Las sombras son transmitidas por tonos fríos de brillo escarlata y manchas de cinabrio de tonos apagados. Y aunque el fuego en la caja de bomberos de la locomotora parece roja, no asumo que no está pintado por el caballe o el color del guisante ". Otro crítico encontrado en el sabor del turno del color "Huevos revueltos con espinacas". Las pinturas del Turner final generalmente parecían contemporáneas completamente impensables y fantásticas. Tomó más siglo ver el grano de las observaciones reales. Pero como en otros casos fue aquí. Se ha conservado una curiosa historia de testigos preservados, o más bien, la evidencia de la "lluvia, vapor y velocidad". Algunas señora Simon conducían en una expresión de Western Expression, junto con el mayor caballero, que estaba sentado frente a ella. Pidió permiso para abrir la ventana, estaba su cabeza en una lluvia torrencial y estaba en esta posición durante bastante tiempo. Cuando finalmente cerró la ventana. El agua fluía con sus arroyos, pero él felicitamente cerró los ojos y se recostó, disfrutando claramente. Una joven inquisitiva decidió experimentar sus sentimientos, ella también le folló la cabeza en la ventana. También malvado. Pero recibió una impresión inolvidable. Lo que fue su sorpresa cuando un año más tarde en la exposición de Londres vio "lluvia, pareja y velocidad". Alguien por su espalda notó críticamente: "Muy típicamente para Turner, a la derecha. Nadie ha visto una mezcla de absurdidades ". Y ella, sin mantener, dijo: "Vi".
Tal vez esta sea la primera imagen del tren en pintura. El punto de vista se toma desde algún lugar en la parte superior, lo que hizo posible dar una amplia cobertura panorámica. Western Express vuela sobre el puente con una velocidad completamente excepcional (superando los 150 km por hora). Además, es probablemente el primer intento de imaginar la luz a través de la lluvia.
Arte inglés de la mitad del siglo XIX. Desarrollado completamente en otra cama que la pintura de Turner. Aunque su habilidad fue generalmente aceptada, ninguno de los jóvenes lo siguió.
Turner fue considerado un predecesor del impresionismo. Parecería que sus búsquedas de color de la luz se desarrollarían más artistas franceses. Pero no es en absoluto. Esencialmente, la opinión sobre la influencia de Turner en los impresionistas se remonta al Libro del Campo Xinyak "desde Delacroix a Neoimpression", publicado en 1899, donde describió cómo "en 1871. Durante su larga estancia en Londres, Claude Mane y Camill Pissero abrió Turner. Fueron hechos a la calidad confiada y mágica de sus pinturas, estudiaron su trabajo, analizaron su técnica. Al principio, se sorprendieron a transferirse a la nieve y el hielo, sorprendidos por la forma en que podía transmitir la sensación de nieve blanca, que ellos mismos no funcionaban, con la ayuda de grandes manchas de plata-blanca, pinceladas planas. Vieron que esta impresión se logró no sola Belllyl. Y pesando manchas multicolores. Uno al lado de la otra, lo que hizo esta impresión, si los miras desde liberados ".
Durante estos años, Signac en todas partes estaba buscando la confirmación de su teoría del puntilismo. Pero tampoco en una de las fotos que los artistas franceses podían ver en la Galería Nacional en 1871, no existe una técnica de señalización descrita por Xinyak, también, ni a los "lugares de las manchas anchas". Según la esencia, el efecto del Turner en el El francés es más fuerte en 1870 -e, y en la década de 1890.
El Turner Paul Signac fue cuidadosamente estudiado atentamente, no solo como un impresionismo Forerunner, que escribió en su libro, sino también como un gran artista innovador. En las fotos posteriores de Turner "Lluvia, parejas y velocidad", "Exilio", "Mañana" y "Discapacidad nocturna", Signac escribió a su amigo Angran: "Esto ya no es una imagen, sino colapsando de pinturas (policromina), pintura Gemas, pintando en el mayor sentido de la palabra ".
La evaluación entusiasta de Xinyak marcó el comienzo de la comprensión moderna de la pintoresca búsqueda de Turner. Pero para últimos años A veces sucede que no tienen en cuenta el subtexto y la complejidad de las instrucciones de su búsqueda, seleccionando unilaterales de un soloilido los ejemplos de la "podmuelkov" verdaderamente inacabados "Podmuelkov", están tratando de abrir el predecesor del impresionismo.
De más nuevos artistas En total, es naturalmente una comparación con Monet, quien él mismo reconoció el efecto sobre él. Incluso hay una parcela, absolutamente similar a Ozhya, es el portal occidental de la Catedral de Runen. Pero si Monet nos da una iluminación solar de Etude del edificio, no nos da gótico, y un modelo desnudo, Turner entiende por qué el artista, todo lo más absorto por la naturaleza, se interesó en este tema, en su imagen increíble. La combinación de la abrumadora majestuosidad y los detalles infinitos de la diversidad que trae la creación de arte gótico a las obras de la naturaleza.
El carácter especial de la cultura inglesa y el arte romántico abrió la posibilidad de la aparición de la primera artista-plenärist, sentó la base de la imagen generada por la naturaleza de la naturaleza del siglo XIX, - John Hacable (1776-1837). El inglés del inglés elige el paisaje del género principal de su pintura: "El mundo es genial; No hay dos días similares e incluso dos relojes similares; De la creación del mundo en un árbol no había dos hojas idénticas, y todas las obras de arte genuino, así como la creación de la naturaleza, difieren entre sí ", dijo.
Agente escribió en la obra de grandes bocetos de petróleo con una delgada observación de diferentes estados de la naturaleza, logró transmitir la complejidad de la vida interior de la naturaleza y de ella todos los días. ("Una vista de la HOTSGET con HEMPSTED HILLS" , OK. 1834; "Carrito para el heno", 1821; "Dethehem Valley", OK.1828). Hizo esto con la ayuda de la letra de la carta. Escribió con golpes rodantes, luego gruesa y áspera, luego más suave y transparente. Los imprisionistas llegarán a esto a finales de siglo. La pintura innovadora de agente tuvo un impacto en las obras de Delacroix, así como en todo el desarrollo del paisaje francés.
El arte de las constables, así como muchas fiestas de la creatividad de Chero, marcó el surgimiento de las direcciones realistas en las artes europeas del siglo XIX., Que inicialmente se desarrolló en paralelo al romanticismo. Más tarde, su camino estaba separado.
Los románticos abren el mundo del alma humana, individual, nadie es similar, pero sincero y de toda la sensual visión del mundo. El momento de la imagen en la pintura, a medida que los deseos hablaban, y no la secuencia de él en el desempeño literario determinó el enfoque de los artistas para la transmisión más difícil del movimiento, para las cuales se encontraron nuevas decisiones formales y de color. El romanticismo dejó la segunda mitad del siglo XIX. Todos estos problemas y liberados de las reglas de la personalidad artística del Academismo. El símbolo de que los románticos tuvieron que expresar la conexión esencial de las ideas y la vida, en el arte de la segunda mitad del siglo XIX. Se disuelve en la polifonicidad de la imagen artística, la emocionante diversidad de ideas y el mundo circundante.
b) musica
La idea de la síntesis de las artes encontró una expresión en la ideología y la práctica del romanticismo. El romanticismo en la música se formó en los años 20 del siglo XIX bajo la influencia de la literatura del romanticismo y se desarrolló en estrecha conexión con él, con la literatura en general (apelación a los géneros sintéticos, en primer lugar a la ópera, la canción, la miniatura instrumental y Información musical). Características del romanticismo El llamamiento al mundo interno del hombre se expresó en el culto de la tensión emocional, empujada emocionalmente, que determinó la primacía de la música y las letras en el romanticismo.
Música de la 1ª mitad del siglo XIX. Evolucionó rápidamente. Apareció un nuevo lenguaje musical; En música instrumental y vocal de cámara, una miniatura recibió un lugar especial; Una orquesta sonaba una variedad de colores; Las posibilidades de piano y violín fueron reveladas de una manera nueva; La música de románticos fue muy virtual.
La música romanticismo se manifestó en muchas ramas diversas asociadas con diferentes culturas nacionales y con diferentes movimientos públicos. Entonces, por ejemplo, el estilo íntimo y lírico de los románticos alemanes y los patiados civiles "oratorios", característicos del trabajo de los compositores franceses, difieren significativamente. A su vez, representantes de nuevas escuelas nacionales que surgen sobre la base de un amplio movimiento de liberación nacional (Chopin, Montyushko, Dvorak, Crema agria, Grieg), así como representantes de la Escuela de Opera Italiana, estrechamente relacionadas con el Movimiento del RisorBIMETO ( Verdi, Bellini), en muchos sentidos, difieren de los contemporáneos en Alemania, Austria o Francia, en particular, una tendencia a preservar las tradiciones clásicas.
Sin embargo, todos ellos están marcados por algunos principios artísticos comunes que nos permiten hablar de un solo pensamiento romántico.
Gracias a la capacidad especial de la música, lo más profundo y de la penetridad, divulga el rico mundo de las experiencias humanas, fue planteado por una estética romántica en primer lugar, entre otras artes. Muchos romance enfatizaron la música un comienzo intuitivo, atribuido a él para expresar "irreconocible". La creatividad de los compositores sobresalientes-románticos tuvo una base realista. Interés en la vida de la gente común, la vida de la integridad y la verdad de los sentimientos, el apoyo a la música de la vida fue determinado por el realismo de la creatividad de los mejores representantes del romanticismo musical. Las tendencias de reacción (misticismo, vuelo de la realidad) son inherentes solo por un número relativamente pequeño de románticos. Se manifestaron en parte en la ópera "Evrianta" Weber (1823), en algunos dramas musicales de Wagner, el Orador de Cristo Lisa (1862) y otros.
A principios del siglo XIX, los estudios fundamentales del folclore, historia, literatura antigua son reembolsados, los devotos resucitan por el olvido de las leyendas medievales, el arte gótico, la cultura del avivamiento. Fue en este momento que, en el trabajo del compositor de Europa, hubo muchos tipos especiales nacionales de escuelas, que estaban destinadas a impulsar significativamente los límites de la cultura paneuropea. Ruso, que pronto ocupó si no fuera el primero, entonces uno de los primeros lugares en el trabajo cultural mundial (Glinka, Dargomyzhsky, "Kuchksty", Tchaikovsky), Polaco (Chopin, Montyushko), Checa (Crema Agria, Dvorak), Húngaro (Hoja ), luego noruego (grieg), español (pedrol) finlandés (sibelio), inglés (elgar), todos ellos, en vigor en la dirección general de la creatividad general de la Europa del compositor, no se opuso a sí mismos en el alcance de las antiguas tradiciones . Surgió un nuevo círculo de imágenes, expresando rasgos nacionales únicos de la cultura doméstica a la que el compositor pertenecía al compositor. El sistema de entonación del trabajo le permite aprender instantáneamente sobre la afiliación de rumores a una u otra escuela nacional.
Los compositores están involucrados en la lengua musical paneuropea, la rotación internacional de la antigua, principalmente folclore campesina de sus países. Parece que han aclarado la canción rusa de la gente de la ópera lacada, presentaron los campamentos de los géneros domésticos de las personas en el sistema de entonación cosmopolitana del siglo XVIII. El fenómeno más brillante de la música del romanticismo, especialmente percibido en comparación con la esfera articulada del clasicismo, la dominación del principio lírico y psicológico. Por supuesto, la característica distintiva del arte musical es generalmente la refracción de cualquier fenómeno a través de la esfera de los sentidos. La música de todas las épocas está subordinada a este patrón. Pero el romance superó a todos sus predecesores sobre el significado del principio lírico en su música, de acuerdo con la fuerza y \u200b\u200bla perfección en la transferencia de las profundidades del mundo interno de un hombre, los mejores tonos del estado de ánimo.
El tema del amor ocupa un lugar dominante, ya que es este estado mental que los más versátiles y plenamente reflejan todas las profundidades y matices de la psique humana. Pero el grado más alto es característico que este tema no se limita a los motivos del amor en el sentido literal de la palabra, sino que se identifica con la gama más amplia de fenómenos. Se revelan experiencias puramente líricas de héroes contra un amplio panorama histórico. El amor de una persona a su casa, a su padre, a su pueblo, a través del hilo pasa a través del trabajo de todos los compositores, románticos.
Se otorga un lugar enorme a las obras musicales de formas pequeñas y grandes de la imagen de la naturaleza, de cerca e inextricablemente entrelazadas con el tema de la confesión lírica. Al igual que las imágenes del amor, la naturaleza de la naturaleza personifica el estado mental del héroe, tan a menudo pintado por una falta de armonía con la realidad.
Con las imágenes de la naturaleza a menudo compiten el tema de la ficción, que probablemente se genera por el deseo de escapar del cautiverio de la vida real. Típico para los románticos fueron la búsqueda de un maravilloso, brillando en la riqueza de las pinturas del mundo, oponiéndose a la vida cotidiana gris. Fue durante estos años que la literatura se enriqueció con cuentos de hadas, baladas de escritores rusos. Los compositores de la escuela romántica fabulosas imágenes fantásticas adquieren un color único único. Las baladas están inspiradas en los escritores rusos, y gracias a esto, se están creando obras de un plan grotesco fantástico, simbolizando la incorrecta de la fe, buscando convertir las ideas del miedo ante el poder del mal.
Muchos compositores románticos también se realizaron como escritores musicales y críticos (Weber, Berlioz, Wagner, Hoja, etc.). Las obras teóricas de representantes del romanticismo progresivo hicieron una contribución muy significativa al desarrollo de los temas más importantes del arte musical. El romanticismo encontró una expresión en el arte ejecutivo (violinista Paganini, cantante A. Nurri et al.).
El significado progresivo del romanticismo durante este período se concluye principalmente en las actividades. Hoja de fechoría . El trabajo de la hoja, a pesar de la inconsistencia de la cosmovisión, se basó en su progresista, realista. Uno de los fundadores y clásico de la música húngara, un destacado artista nacional.
En muchas obras, la hoja fue ampliamente reflejada por los temas nacionales húngaros. Los escritos románticos y virtuosos de la hoja amplían las posibilidades técnicas y expresivas del juego de piano (conciertos, sonados). Significatorios fueron los enlaces de la hoja con representantes de la música rusa, cuyos trabajos promovieron activamente.
La hoja al mismo tiempo jugó un gran papel en el desarrollo del arte musical mundial. Después de la hoja "para el piano, todo es posible". Rasgos específicos Su música es improvisación, levantamiento romántico de sentimientos, melodía expresiva. La hoja se valora como un compositor, intérprete, figura musical. Las obras más grandes del compositor: Opera " Don Sancho o Castillo Love "(1825), 13 poemas sinfónicos" Tasso ”, ” Prometeo ”, “Aldea "Y otros, trabaja para la orquesta, 2 conciertos para piano con orquesta, 75 romances, coro, etc. No menos escritos conocidos.
Una de las primeras manifestaciones del romanticismo en la música fue la creatividad. Franz Schubert (1797-1828). Schubert entró en la historia de la música como la más grande de los fundadores del romanticismo musical y el creador de varios géneros nuevos: Symphony Romantic Symphony, piano miniatura, canción lírica y romántica (romance). El mayor valor en su trabajo tiene. canción, En el que mostraba particularmente muchas tendencias innovadoras. En las canciones de Schubert, se revela el mundo interior del hombre, se revela el mundo interno del hombre, una notable conexión con la música doméstica de las personas es notable, una de las características más esenciales de su manifiesto de citas en sí mismo: increíble variedad, belleza, encanto de melodías. A las mejores canciones del primer período pertenecen a " Margarita para pellets ”(1814) , “Rey del bosque ". Ambas canciones están escritas en las palabras Goethe. En el primero de ellos, la niña abandonada recuerda a su amada. Ella está sola y sufre profundamente, su canción triste. Melodía sencilla y sincera en desacuerdo solo el monótono zumbido de la brisa. "Bosque Tsar" es un trabajo complejo. Esta no es una canción, sino una escena dramática, donde tres personas de actuación: Padre, saltando en un caballo a través del bosque, un niño enfermo, a quien se aferra consigo mismo, y un formidable King Forest, que es un niño en delirio febril. Cada uno de ellos está dotado de su lenguaje melódico. Las canciones de Schubert "Trout", "Barcaroll", "Serenada de la mañana" no son menos conocidas. Escrito en años posteriores, estas canciones se distinguen por una melodía increíblemente simple y expresiva, pinturas frescas.
Schubert también escrito dos ciclos de canciones - " Hermosa mellenchikha "(1823), y" Camino de invierno "(1872) -n las palabras del poeta alemán Wilhelm Muller. En cada uno de ellos, las canciones se combinan con una historia. En las canciones del ciclo "Hermosa Melnichikha" habla sobre el joven. Tras el flujo de la corriente, va a buscar su felicidad. La mayoría de las canciones de este ciclo tienen un carácter ligero. El estado de ánimo del ciclo "Winter Way" es completamente diferente. El pobre joven rechazó a la rica novia. En desesperación, él deja su ciudad natal y va a pasar por la luz. Sus satélites son el viento, una ventisca, una ribera siniestro.
Pocos ejemplos aquí nos permiten hablar sobre las características de la canción de Schubert.
Amabilidad de Schubert música para piano . Para esta herramienta, se escriben una gran cantidad de obras. Al igual que las canciones, sus trabajos de piano estaban cerca de la música doméstica y tan simples y entendidos. Los géneros favoritos de sus escritos estaban bailando, marchas y en los últimos años de vida, improvisado.
Generalmente surgieron valses y otros bailes en Schubert en bals, en paseos rústicos. Allí los improvisó, y él grabó en casa.
Si comparas el piano de Schubert juega con sus canciones, puedes encontrar muchas características comunes. En primer lugar, es una gran expresividad melódica, gracia, una comparación colorida de mayor y menor.
Uno de los más largos francés Compositores de la segunda mitad del Océano X1X. Georges Bizeta , el creador de la creación inmortal para el teatro musical. Óperas “Carmen "Y maravillosa música al drama Alphonse Dodé" Arlezianka ”.
La precisión y la claridad del pensamiento, la novedad y la frescura de las herramientas expresivas, la integridad y la gracia de la forma son características de la creatividad. El Biza es inherente a la agudeza del análisis psicológico en la comprensión de los sentimientos y acciones humanas, características de la creatividad de los grandes compatriotas de los compositores, escritores de Balzak, Flaubert, Maupassant. El lugar central en las obras de BIZET, diverso por género, pertenece a la ópera. El arte de la ópera del compositor se originó en el suelo nacional y se centró en las tradiciones de la ópera francesa. Se consideró que la primera tarea en su trabajo se examinaba existiendo en las restricciones de género de la ópera francesa que inhiben su desarrollo. La ópera "grande" le parece género muerto, lírico, molesto con sus lágrimas y limitaciones de bendiciones, cómic, más otras merecen atención. Por primera vez, BISE aparece en la Opera Juicy y Living Hogar y Escenas Masivas, anticipando la vida y las escenas brillantes.
Música Biza al drama Alphonse Dodé "Arlezianka "Conocido principalmente en dos trajes de concierto, compilado de sus mejores números. Bizet usó algunas melodías provenzales genuinas. : "Marzo de tres reyes" y "Danza de los caballos de levantamiento".
Ópera biza " Carmen "- Un drama musical, desplegando frente al espectador con una verdad convincente y con una emocionante fuerza artística de la historia de amor y la muerte de sus héroes: una manguera de soldado y la carmen gitana. Opera Carmen fue creada sobre la base de las tradiciones del teatro musical francés, pero al mismo tiempo ella hizo muchas cosas nuevas. Sobre la base de los mejores logros de la ópera nacional y reformando los elementos más importantes, BIZET creó un nuevo género, un drama musical realista.
En la historia de la casa de la ópera del siglo X1X, la Ópera "Carmen" ocupa uno de los primeros lugares. Desde 1876, su procesión triunfal comienza en escena de las casas de ópera de Viena, Bruselas, Londres.
La manifestación de actitudes personales al entorno expresado en poetas y músicos principalmente en la inmediatez, "apertura" emocional y pasión de las declaraciones, en el deseo de convencer al oyente con la ayuda de aumentar la tonelada de reconocimiento o confesión.
Estas nuevas tendencias en el arte proporcionaron un efecto decisivo en la apariencia. ópera lírica . Surgió como la antítesis "grande" y la ópera cómica, pero no podía pasar por sus conquistas y logros en el campo de las gramecas de la ópera y los medios de expresión musical.
Una característica distintiva del nuevo género de la ópera fue la interpretación lírica de cualquier complot literario, a un tema histórico, filosófico o moderno. Los héroes de la ópera lírica están dotados de las características de las personas ordinarias, desprovistas de excepcionalidad y alguna hiperbolización característica de una ópera romántica. El artista más grande del campo de la ópera lírica fue Charles Guno.
Entre los numerosos numerosos patrimonio de la ópera de Guno Opera " Faust " Ocupa especial y, puedes decir, un lugar excepcional. Su fama y popularidad mundial no se conocen iguales entre otras óperas Gunov. Significado histórico Las óperas "Faust" son particularmente altas porque no solo fue la mejor, sino que esencialmente la primera entre las óperas de la nueva dirección, que tchaikovsky escribió: "Es imposible negar que el" Fausto "está escrito si no, entonces, con una habilidad extraordinaria y no sin originalidad significativa ". En forma de Faust, la aguda inconsistencia y la "división" de su conciencia, la insatisfacción eterna, causada por el deseo por el conocimiento del mundo. Guno no pudo transmitir toda la multifacética y la complejidad de la imagen de Hetevsky Mephistople, que encarnó el espíritu de la crítica militante de esa era.
Una de las principales razones de la popularidad de Fausto fue que las mejores y fundamentalmente nuevas características del género joven de la ópera lírica se concentraron en ella: la transferencia emocionalmente inmediata y brillante del mundo interno de los héroes de la ópera. Profundo significado filosófico El Goethe "Fausta", quien se comprometió a revelar los destinos históricos y sociales de toda la humanidad en el ejemplo del conflicto de los personajes principales, recibió una realización en forma de un drama lírico humano Margarita y Faust.
Compositor francés, conductor, crítico musical. Hector berlioz Entró en la historia de la música como el mayor compositor-romántico, creador de una sinfonía de software, un innovador en el campo de la forma musical, la armonía y especialmente las herramientas. En su trabajo, encontraron una brillante realización de la característica del patetismo revolucionario y los héroes. Berlioz estaba familiarizado con M. Gling, cuya música se apreciaba altamente. Estaba en relaciones amistosas con figuras ". Manojo poderoso", Tomando con entusiasmo sus escritos y principios creativos.
Creó 5 obras escénicas musicales, incluida la ópera ". Benvenuto Chillini ”(1838), “ Troyanos ”,”Beatrice y Benedicto. "(Según la comedia Shakespeare" un montón de ruido de la nada ", 1862); 23 Obras vocales sinfónicas, 31 Romance, Coro, Su Perú pertenece al libro "Gran tratado en herramientas y orquestas modernas" (1844), "Tarde en la orquesta" (1853), "a través de canciones" (1862), "curiosidades musicales "(1859)," Memorias "(1870), artículos, comentarios.
alemán Compositor, director de conductor, dramaturgo, publicista Richard Wagner Entró en la historia de la cultura musical mundial como uno de los mejores creadores musicales y los reformadores más grandes del arte de la ópera. El propósito de su reforma fue la creación de un programa monumental de trabajo vocal-sinfónico en una forma dramática diseñada para reemplazar todo tipo de música de ópera y sinfónica. Tal trabajo era un drama musical, en el que la música fluye un flujo continuo que fusiona todos los enlaces dramatúrgicos. Rechazando el canto completo, Wagner los reemplazó con una especie de recitativa emocionalmente saturada. Un lugar grande en los operadores de Wagner ocupan episodios orquestales independientes, que son una valiosa contribución a la música sinfónica mundial.
La mano de Wagner pertenece a 13 óperas: " Volando Golden "(1843)," Tangayer "(1845)," Tristan e Isolde "(1865)," Gold Rin "(1869) y etc.; Coros, jueces de piano, romances.
Otro compositor pendiente, un conductor, un pianista, un maestro, una figura musical era FELIX MENDELSON-BARTHOLDI . Desde los 9 años, comenzó a actuar como pianista, a la edad de 17 años, creó una de las obras maestras: la obertura de la comedia " C. Él está en la noche de verano " Shakespeare. En 1843, fundó el conservatorio primero en Alemania en Leipzig. En la obra de Mendelssohn, el "clásico entre románticos", las características románticas están relacionadas con el clásico edificio de pensamiento. Su música es inherente a la brillante melodía, la democracia de la expresión, la moderación de los sentimientos, la calma del pensamiento, el predominio de las emociones brillantes, el sentimiento lírico, no sin un clavo ligero de sentimentalismo, la impecabilidad de las formas, la artesanía brillante. R. Shuman lo llamó "Mozart del siglo X1X", Gaina - "Milagro de música".
Autor del paisaje Romantic Symphony ("Escocés", "Italiano"), Software Concert Overture, un concierto popular de violín, juega ciclos para la "canción sin palabras"; Opera "Kamacho Wedding". Luego música para la dramática espectral "Antígona" (1841), "OEDIP en Colón" (1845) Sofokla, "Ataly" Rasina (1845), "Durmiendo en la noche de verano" Shakespeare (1843) y otros ; Oratoria "Pavel" (1836), "Elijah" (1846); 2 conciertos para piano y 2 por violín.
EN italiano Cultura musical El lugar especial, pertenece a Jusepparedi, un compositor excepcional, un conductor, un organista. El área principal de la creatividad de Verdi - Opera. Se desempeñó principalmente como un expresivo de los sentimientos heroicos-patrióticos y las ideas de liberación nacional de los italianos. En años subsiguientes, prestó atención a los conflictos dramáticos generados. desigualdad social, violencia, opresión, venganza en sus malas operaciones. Características características de la creatividad de Verdi: la nacionalidad de la música, el temperamento dramático, el brillo melódico, la comprensión de las leyes de la escena.
Escribió 26 óperas: " Nabucco "," Macbeth "," Troubadur "," Traviata "," Othello "," Aida. " y etc . , 20 romances, conjuntos vocales .
Joven noruego compositor Edward Grieg (1843-1907) Buscó desarrollar música nacional. Se expresó no solo en su trabajo, sino también en propaganda de la música noruega.
En los años de la vida en Copenhague, Grieg escribió mucha música: " Fotos poéticas " y "Trabajos", Sonatoo para piano y primera sonata de violín, canciones. Con cada nuevo producto, la apariencia de la griga como compositor-noruego es más clara. En las "imágenes poéticas" líricas delgadas (1863), los rasgos nacionales siguen siendo tímidamente. La figura rítmica se encuentra a menudo en la música popular noruega; Se ha vuelto característico de muchas melodías del Grieg.
El trabajo de MRAG es extenso y multifacético. Grieg escribió obras de varios géneros. Concierto de piano y baladas, tres sonatas para violín y piano y sonata para cello y piano, el cuarteto testifica al empuje permanente del Grieg a una forma grande. Al mismo tiempo, el interés del compositor en la miniatura instrumental se mantuvo sin cambios. En la misma medida, el piano, el compositor atrajo a una cámara vocal en miniatura: un romance, una canción. No seas la principal en Griga, el área de la creatividad sinfónica está marcada por las obras maestras como suite " Por guno ”, “Desde el momento de Holberg. ". Uno de los tipos característicos de obra de arte de Griga-Procesamiento de canciones populares y bailes: en forma de simples pias de piano, un ciclo de suite para piano en cuatro manos.
El lenguaje musical de Migra es muy peculiar. La individualidad de los estilos del compositor está más determinada por su profundo vínculo con la música popular noruega. Grieg es ampliamente utilizado por características de género, entonación, fórmulas rítmicas de canciones populares y melodías de baile.
La maravillosa habilidad del desarrollo variacional y variante de la melodía, característica de la Migra, está arraigada en tradiciones populares Repetición múltiple de la melodía con cambios. "Yo grabé música folk Mi pais. " En estas palabras, oculta el ruido reverente del Grieg al arte y el reconocimiento de su papel decisivo por su propia creatividad.
7. Conclusión
Basado en todo lo anterior, puede sacar las siguientes conclusiones:
Tres eventos principales influyeron en el surgimiento del romanticismo: la gran revolución francesa, las guerras napoleónicas, el aumento del movimiento de liberación nacional en Europa.
El romanticismo como método y dirección en la cultura artística fue un fenómeno de complejo y controvertido. En cada país, tenía una brillante expresión nacional. Los románticos ocuparon varios posiciones públicas y políticas en la sociedad. Todos están reconstruyendo contra el resultado de la revolución burguesa, pero rebelde de diferentes maneras, ya que todos tenían su ideal. Pero con toda la dulzura y la variedad de romanticismo, hay características estables:
Todos ellos procedieron de la denegación de la iluminación y de los cánones racionalistas del clasicismo, que fueron demostrados por la iniciativa creativa del artista.
Se descubrió el principio del historicismo (los ilustradores fueron juzgados por el pasado, los "razonables" y "no razonables") existían para ellos. Vimos en el pasado los personajes humanos formados por su tiempo. El interés en el pasado nacional engendró muchas obras históricas.
El interés en una persona fuerte que se opone a sí misma a todo el mundo y se basa solo por sí mismo.
Atención al mundo interno del hombre.
El romanticismo fue ampliamente desarrollado tanto en los países de Europa occidental como en Rusia. Sin embargo, el romanticismo en Rusia era diferente de Europa occidental a favor de un entorno histórico diferente y otra tradición cultural. La Guerra Patriótica de 1812 fue la verdadera causa del romanticismo en Rusia, que mostró todo el poder de la iniciativa de la Popular.
Características del romanticismo ruso:
El romanticismo no se opuso a la iluminación. La ideología educativa se debilitó, pero no sufrió colapso, como en Europa. El ideal del monarca iluminado no se agotó.
El romanticismo se desarrolló en paralelo con el clasicismo, a menudo entrelazando con él.
El romanticismo en Rusia en diferentes tipos de arte se mostró de diferentes maneras. En la arquitectura, no leí en absoluto. En la pintura, se secó junto a la mitad del siglo XIX. En la música se manifiesta solo parcialmente. Tal vez, solo en la literatura, el romanticismo se manifestó constantemente.
En el arte visual, el romanticismo se manifestó más brillantemente en pintura y gráficos, menos expresivo, en escultura y arquitectura.
Los románticos abren el mundo del alma humana, individual, nadie es similar, pero sincero y de toda la sensual visión del mundo. El instante de la imagen en la pintura, como habló DelAcroix, y no la secuencia de él en la ejecución literaria determinó el foco de los artistas para la transmisión más difícil del movimiento, por lo que se encontraron nuevas decisiones formales y de color. El romanticismo dejó la segunda mitad del siglo XIX. Todos estos problemas y liberados de las reglas de la personalidad artística del Academismo. El símbolo de que los románticos tuvieron que expresar la conexión esencial de las ideas y la vida, en el arte de la segunda mitad del siglo XIX. Se disuelve en la polifonicidad de la imagen artística, la emocionante diversidad de ideas y el mundo circundante. El romanticismo en la pintura está estrechamente relacionado con el sentimentalismo.
Gracias al romanticismo, la visión subjetiva personal del artista toma la forma de la ley. El impresionismo al final destruirá la barrera entre el artista y la naturaleza, declarando el arte de la impresión. Los románticos hablan de la fantasía del artista, la "voz de sus sentimientos", que le permite detener el trabajo cuando el Maestro lo considera necesario, y no cómo se requiere la medida académica de finalización.
El romanticismo dejó toda una época en la cultura artística mundial, sus representantes fueron: en la literatura rusa Zhukovsky, A. Pushkin, M.Lermont et al.; En la bella arte de E. Delacroix, T. Zheriko, F. Runge, J. Consthebl, W. Turner, O. Cyprinsky, A.Vetsianov, A.orlorsky, v.tropinin et al.; En Música F. Schubert, R. Wagner, Berlioz, N. Paganini, F.List, F. Shopin, etc. Aerraron y desarrollaron nuevos géneros, prestados mucha atención al destino de la persona humana, revelaron la dialéctica del bien y Malvados, abiertos magistralmente, pasiones humanas y otras.
Tipos de arte en su significado más o menos igualados y dieron magníficas obras de arte, aunque el romance en las escaleras del arte se le dio al campeonato a la música.
El romanticismo en Rusia existía en su primera ola desde el final del siglo XVIII y en la década de 1850. La línea de romántica en el arte ruso no se interrumpió en la década de 1850. Abierto romántico para el arte El tema del estado de ser desarrollado más tarde de los artistas de la rosa azul. Los herederos directos de románticos, sin duda fueron simbolistas. Temas románticos, motivos, técnicas expresivas entraron en el arte de diferentes estilos, direcciones, asociaciones creativas. La visión del mundo romántica o la cosmovisión resultó ser una de las más animadas, sobrevividades, fructíferas.
El romanticismo como mundano total, que es en su mayoría joven, ya que el deseo de libertad ideal y creativo, todavía vive constantemente en el arte global.
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