La danza folclórica rusa es probablemente una danza con la historia más rica y llena de acontecimientos. Tiene sus orígenes en los tiempos Rus antiguo... Los bailes y fiestas populares de masas, los alegres grandes bailes redondos, etc., sirvieron para su educación. Todos estos alegres eventos eran parte integral de la vida de una persona rusa. Sin ellos, no hubo ni una sola fiesta, ni una feria u otro programa de entretenimiento. diferente a hombre moderno, la gente de la era de la antigua Rusia sabía cómo disfrutar de la vida.
Características de la danza folclórica rusa.
La danza folclórica rusa nunca se puede confundir con ninguna otra. Este es un tipo especial de coreografía colorida. Esta danza tiene muchas características y rasgos distintivos. 
En primer lugar, la danza folclórica rusa son bailes alegres con saltos y movimientos activos, que siempre van acompañados de un sinfín de humor y risas. En segundo lugar, el atributo obligatorio de esta danza es trajes nacionales - no menos brillante y hermoso que los bailes mismos. La danza folclórica rusa es muy rica en una amplia variedad de pasos coreográficos; se basa en varios tipos de danza a la vez, a saber: danza, danza redonda y danza cuadrada. Se puede decir con plena confianza que la danza folclórica rusa es una especie de personificación del carácter de la persona rusa y su alma. Después de todo, probablemente no haya baile más alegre y encantador en todo el mundo. La persona rusa tiene un alma increíblemente amplia y amable, lo mismo es el baile de su gente.
Es imposible distinguir un período de la historia de la antigua Rusia, cuando nació la danza folclórica, pero podemos decir con plena confianza que encarna con absoluta precisión toda la historia difícil y agitada de este gran estado. Muy a menudo, estos bailes se realizaron con el acompañamiento de canciones y textos sobre la patria, los héroes y los reyes. Básicamente, la danza folclórica estaba ligada a la misa y las grandes fiestas religiosas. De los más ambiciosos, se pueden destacar: bodas, Navidad, Maslenitsa, Ivan Kupala y muchos otros, porque el pueblo ruso también es famoso por su gran cantidad de festividades. Uno de los bailes más bellos y especiales de Rusia se puede llamar los bailes de la balsa en la noche de Ivan Kupala. Esa noche, hubo una fiesta masiva con canciones y bailes, y las chicas solteras dejaron una corona de flores a lo largo de la superficie del río en busca de un novio.
Fiestas de la noche de Ivan Kupala
La danza folclórica rusa se destaca por su dinámica, gran movilidad y la presencia de todo tipo de saltos y trucos que requerían muy buena forma física, pero cabe destacar que durante la época de la Antigua Rusia no hubo problemas con esto. Desafortunadamente, la danza folclórica rusa ya no se realiza con tanta frecuencia en nuestro tiempo. EN mundo moderno se utiliza sólo como un escenario destacado y una demostración nacional.
El desarrollo de la danza folclórica rusa está estrechamente relacionado con toda la historia del pueblo ruso. Cada nueva era, las nuevas condiciones políticas, económicas, administrativas y religiosas se reflejaron en las formas de conciencia social, incluido el arte popular. Todo ello trajo consigo ciertos cambios en la vida del pueblo ruso, que, a su vez, dejaron una huella en la danza, que sufrió diversos cambios a lo largo de la centenaria trayectoria de su desarrollo.
Las leyendas que han sobrevivido hasta el día de hoy sobre las estructuras de pilotes en el lago Ladoga en el período precristiano hablan de la antigüedad de la danza en Rusia. Las niñas y los compañeros reunidos sobre ellos “bailaron y jugaron en círculos” (30).
En los siglos V-VII, la danza folclórica se realizó en el seno del "jolgorio". Su carácter estaba impreso con la impronta de una antigua idea pagana. En los siglos VIII-IX, se formó el primer estado ruso antiguo: Kievan Rus. La adopción del cristianismo contribuyó al desarrollo de la cultura: se erigieron iglesias, se desarrolló la escritura. El arte popular se expresa en bufonadas. Skomorokhs jugó un papel muy importante en el desarrollo y popularización de la danza folclórica rusa: nacieron las formas escénicas del arte popular (5).
La primera mención oficial de la danza folclórica rusa se remonta al año 907, cuando el príncipe Oleg el Profeta celebró su victoria sobre los griegos en Kiev. En la recepción de gala, 16 bailarines vestidos de osos y cuatro osos vestidos de bailarines actuaron para los invitados.
En 1113, Vladimir Monomakh, invitado por la gente de Kiev al reino para calmar la anarquía, condujo por la ciudad con su séquito por la noche. Inmediatamente notó el extraño baile y señaló al metropolitano Nikifor, el compañero de baile. Resultó ser un albañil Petro Prisyadka. A los pocos días, Petro bailó para el Gran Duque de toda Rusia todos los desayunos, almuerzos y cenas. El albañil Petro Prisyadka trabajó duro, agachado con pesadas piedras y herramientas en sus callosas manos. Todas las noches, después de su hazaña laboral, iba a Khreshchatyk y, tomando un cucharón de vino y un rollo, comenzaba a saltar, estirando las piernas que se habían entumecido durante el día. Bailar como Squat o Squat pronto se puso de moda en la próspera Kiev. Gordos bufones perdieron peso y aprendieron a bailar "Squat", rompiéndose las piernas torcidas en las repugnantes aceras medievales.
Los bufones dominaban la alta técnica de la danza, pero su arte, profundamente popular, tenía sus raíces en los juegos y rituales paganos. En el siglo XII se hace muy popular el malabarismo, que alcanza su máxima expresión en el siglo XIII. El baile de malabares fue virtuoso, con una fuerte mezcla de movimientos acrobáticos utilizando el ritmo de elevación. Las piernas están invertidas, el dedo del pie a menudo está estirado. El mismo malabarista compone e interpreta poesía y música, y al mismo tiempo baila, mostrando trucos y trucos acrobáticos, y guía a los monos. A veces ocupa un puesto alto, a veces “mendigo”. En los siglos XIV y XV se hicieron muy populares los "bailes de los mimos", que hasta el día de hoy son habituales en nuestras fiestas. (veinte)
A finales del siglo XV, el pueblo ruso finalmente se liberó del yugo tártaro-mongol, lo que contribuye a un poderoso ascenso de la cultura nacional. En 1571, se creó la "Cámara Divertida" del zar Mikhail Romanov, que incluía a los bufones más talentosos, y en 1629 entre ellos apareció el primer maestro de danza famoso de la historia. Rus- Ivan Lodygin.
Junto a la bufonería, hubo un teatro folklórico profesional y casero. Este teatro experimentó bufonadas y, como su arte, gravitó hacia métodos simples y claros: se utilizó un gesto agudo y amplio, canto fuerte, danza atrevida. Muchos de estos tipos sobrevivieron hasta el siglo XX y, sin fusionarse con el teatro de ballet, lo influyeron directamente de forma indirecta, a través de la música, la pintura, la experiencia de los coreógrafos y el arte de los bailarines rusos. (treinta)
El siglo XVII está asociado con el nombre del coreógrafo "casi legendario" Beauchamp. Despreo dice: "Beauchamp fue el primero en desmembrar el ritmo". Esta división de los pasos de baile en tempos es la base del sistema de grabación de baile que surgió a finales del siglo XVII. Beauchamp fue el primero en formar cinco posiciones de inversión. Pero todavía son el comienzo para él. Beauchamp también desarrolló el movimiento y las posiciones de las manos. Fue Beauchamp quien sistematizó toda la coreografía académica, combinando las escuelas francesa e italiana. Así, a principios del siglo XVIII, también se formó la coreografía popular rusa.
A Siglo XVII comenzó a tomar forma un sistema de danza escénica, con una división en clásica y característica. (nueve)
La danza de personajes es uno de los medios expresivos del teatro de ballet, una especie de danza escénica. En los siglos XVII-XIX, el término "danza característica" sirvió como definición de danza en carácter, imagen. Este tipo de danza se difundió en los interludios, cuyos personajes eran artesanos, campesinos, marineros, mendigos, ladrones, etc. Una danza característica se enriquece con movimientos y gestos específicos de un grupo social en particular, y las leyes de la composición no se observaron tan estrictamente como en la danza clásica. (23)
También en el siglo XVII se intensificó el proceso de ascenso económico, político y cultural de Rusia como poderosa potencia nacional. Las relaciones internacionales de la Patria se expandieron, sus lazos culturales con estados extranjeros crecieron.
Los diplomáticos y comerciantes rusos, solo viajeros libres, se familiarizaron con el teatro de Occidente. El ballet fue de especial interés porque el lenguaje de la música, la danza y la pantomima está al alcance de todos. Me atrajo el esplendor de las representaciones de ballet: un cambio de escenario, viajes de todo tipo de personajes en carros decorados, el lujo de los disfraces, etc. Esos espectáculos podrían glorificar el poder del estado ruso centralizado. En 1673, en el pueblo de Preobrazhenskoye cerca de Moscú, se representó el ballet sobre Orfeo y Eurídice.
El siglo XVIII estuvo marcado por el surgimiento de un nuevo estado: el Imperio Ruso. Esta era está asociada con el nombre de Pedro I, un brillante reformador de su tiempo. Se han producido serias transformaciones en la cultura y el arte de la danza folclórica rusa está cambiando gradualmente. La danza adquiere un carácter más secular. En la corte, los bailes europeos populares se están volviendo: baile cuadrado francés, minueto, polonesa y otros. En la primera mitad del siglo XVIII, la danza central fue el minueto, que llegó a la corte de los intérpretes rusos, ya que exigió interpretar solo aquellos rasgos que son inherentes a una mujer rusa: plasticidad y su modestia natural, suavidad y expresividad de la danza. Y solo entre la gente, la danza rusa no solo ha sobrevivido, sino que también se está desarrollando, adquiriendo nuevas variedades. Entonces, como resultado de la influencia de los bailes de salón occidentales, un baile cuadrado, polka, etc. aparecen en la vida cotidiana rusa, que, al ingresar al pueblo, cambian radicalmente, adquieren características típicamente rusas, forma y carácter de actuación (26),
Al mismo tiempo, apareció en Rusia un ballet de siervos, que se originó en las propiedades de los terratenientes y alcanzó un alto nivel artístico a fines del siglo XVIII. Como todavía no había teatro en la provincia, las comparsas de siervos servían objetivamente a fines educativos. Nobles ricos, herederos de tierras infinitas, propietarios de miles de almas campesinas, arreglaron su estado en miniatura. A imitación de los capiteles, surgió un teatro de siervos. Inicialmente, los siervos realizaban danzas folclóricas para sus amos. Uno de los autores de memorias de la época cuenta cómo, después de visitar la finca de un terrateniente en la provincia de Pskov, vio tales "bailes de aldea". Los bailarines del ballet de siervos, incluso convirtiéndose en verdaderos "bailarines", se transmitieron cuidadosamente entre sí la tradición de la danza nacional. Esto dependía en gran medida de sus condiciones de vida. En primer lugar, sumergiéndose en el ambiente de la "escuela de ballet" de un terrateniente, se mantuvieron en contacto con su pueblo natal, con sus canciones y bailes. En segundo lugar, rara vez se separaban por completo de su entorno y trabajaban en el campo y en la casa solariega en igualdad de condiciones con otros siervos. En tercer lugar, los actores de ballet de siervos rara vez tenían maestros y directores extranjeros (34),
El tema nacional ruso se estableció ampliamente en los teatros de ballet de siervos del siglo XVIII. La naturaleza de la actuación allí fue más distintiva que en la cancha o escenarios privados en Moscú y San Petersburgo. La mayoría de las veces, se incluyeron piezas de danza originales, números separados o interludios en óperas basadas en temas rusos.
La compañía de ballet de los condes Sheremetyevs era la más profesional entre los ballets de siervos. Sus actores fueron entrenados desde la infancia, fueron separados de sus padres y criados en un estricto régimen, cambiando sus nombres por capricho del dueño por el nombre de piedras preciosas.
Entre los bailarines de este grupo, se destacó Mavra Uruzova - Biryuzova, los figurantes fueron Avdotya Ametistova, Matrena Zhemchugova, Anna Khrustaleva y otros. Entre los bailarines, los primeros papeles fueron interpretados por Vasily Vorobyov, el segundo - por Kuzma Serdolikov, Nikolai Mramorov. En primer lugar en este grupo está el nombre de Tatiana Shlykova - Granatova.
El arte del ballet de Rusia desde los primeros pasos se declaró como un arte profesional. No conoce el período amateur, como en
Francia, donde las representaciones de ballet eran monopolio de los nobles cortesanos y la familia del rey.
En Rusia, las primeras representaciones fueron realizadas por actores, fueron capacitados en escuelas de teatro, para las cuales la representación teatral era una fuente de sustento. Mejoraron sus habilidades y expresaron su estilo, su estilo de comportamiento escénico. (8)
Las futuras escuelas de danza rusas nacieron en las profundidades de las instituciones de educación general no asociadas con el teatro. El cuerpo de la nobleza de San Petersburgo, establecido en 1731, preparó a los jóvenes rusos para el servicio militar y gubernamental. Se les enseñaron muchas materias, incluido el baile. Practicaron coreografías 4 veces por semana durante 4 horas. Aquí en 1734 J. Lande fue invitado al puesto de maestro de danza. (42)
En el siglo XVIII, las imágenes de la danza folclórica rusa, la danza folclórica se conservaron en el escenario ruso.
El arte de la danza folclórica rusa y su expresividad escénica fueron cuidadosamente preservados por actores dramáticos y cantantes de la ópera. Los números de canciones y cómics estaban directamente relacionados con los bailes del antiguo teatro popular. El interés de la sociedad rusa en el arte de la coreografía aumentó con cada nueva actuación de ballet. La necesidad de crear una escuela se hizo evidente. En 1738, se inició la educación coreográfica en Rusia. La escuela está ubicada en el antiguo palacio de Pedro I; el maestro de ballet era J. Lande. A.A. ocupaba un lugar digno en la escuela. Nesterov, estudió incluso antes de la apertura de la escuela con Lande y fue el primer profesor de ballet ruso (32).
En 1777, se abrió un teatro público en San Petersburgo. Fue el primer teatro comercial disponible públicamente en Rusia llamado Teatro Libre. Unos años más tarde, se trasladó a la tesorería y comenzó a llamarse la ciudad. En 1806, la escuela en el Teatro Petrovsky terminó su existencia y la Escuela de Teatro Imperial de Moscú se organizó sobre esta base.
La coreografía rusa en la segunda mitad del siglo XVIII dominó el estudio de las tendencias escénicas y las técnicas pedagógicas del ballet extranjero. Hilferding, Angiolini, Kanziani están trabajando en Rusia. Esta vez está marcada por el fortalecimiento de las tendencias en la cultura rusa. Están asociados con levantamientos campesinos, malestar popular, que se extendieron por todo el país.
A principios del siglo XIX, cuando el ballet de siervos dejó de ser útil, muchos de sus artistas terminaron en el escenario imperial de la capital.
DESDE principios del XIX siglo, el significado del término danza de personajes comenzó a cambiar: se llamó semi-personaje, y la definición de personaje pasó a danza folclórica. Este significado del término se ha mantenido hasta el día de hoy. La danza característica del siglo XIX se diferenciaba de la danza folclórica en que no tenía un significado independiente, sino subordinado. Sus leyes fueron dictadas por la música orquestal, luego sinfónica y el estilo de la interpretación. Los movimientos populares se limitaron a un cierto número de pas de una determinada nacionalidad. (29)
En el siglo XIX y principios del XX, el concepto de "danza característica" se utilizó para denotar una danza teatral cotidiana en carácter, tanto de salón como de público. Subordinando la danza folclórica a un determinado contenido, la danza característica seleccionó sus rasgos más significativos y, ampliando, modificando lo principal, omitió lo insignificante. Esta selección fue lógica. Permitió trasmitir en la danza el espíritu de épocas históricas y las circunstancias específicas de la acción de la actuación dada, los rasgos característicos de todo el pueblo, y características distintivas personaje... Por lo tanto, sobre la base de un mismo baile folclórico, puede crear varios bailes característicos que no son muy similares entre sí.
El lugar y el papel de la danza de personajes en el ballet se expandió o redujo, de acuerdo con los requisitos estéticos de una época en particular. Podría ser la base efectiva de toda la actuación, podría quedar fuera de acción, reteniendo solo los derechos del número de inserción.
Desde el principio, hubo dos tendencias en la danza de personajes. Uno basado en la cercanía creativa a la fuente primaria del folclore, buscando trasmitir su significado a la naturaleza artística; el otro es decorativo, estilístico. Ambas tendencias influyeron en el destino de la danza de personajes rusa en la continuación de toda su historia prerrevolucionaria, dando de manera inequívoca el estado general del repertorio de ballet de una época u otra.
En la segunda mitad del siglo XIX, la danza característica del ballet estaba de fondo. Se basó en la danza folclórica nacional, que sufrió una importante estilización tanto en el dibujo de grupos como en la interpretación de movimientos, que se estilizaron en los principios de los clásicos. Manteniendo su pertenencia a los bailes nacionales, se suavizaron, redondearon, adquirieron mayor suavidad. La eversión absoluta de las piernas de los bailarines clásicos fue reemplazada aquí por la eversión relativa. Los dedos de las piernas se extendieron como en una danza clásica, los brazos se abrieron y se elevaron en las posiciones de la danza clásica. Los bailes de las nacionalidades más disímiles se basaban en los mismos movimientos pas de basque, battement developmentpe, battement jete. (6)
En algunos casos, las danzas de personajes generalmente tomaron la forma de variaciones clásicas. Al organizar pas chino, japonés e indio
los coreógrafos llevaron la estilización tomando prestada la técnica del salto de la danza clásica, conservando la especificidad en la formulación de los brazos y el cuerpo.
A finales del siglo XIX se creó el característico ejercicio de danza. Se basó en el ejercicio de la danza clásica. Esto hizo posible utilizar ampliamente las leyes de la temática coreográfica al representar una danza de personajes. En general, el siglo XIX se caracterizó por cambios serios para el estado ruso. El capitalismo se desarrolló en el país y con él apareció una clase trabajadora. Todo esto se refleja en el arte popular.
A finales del siglo XIX y principios del siglo XX, muchos bailarines de ballet comenzaron a practicar actividades docentes, tales como: A. Gorsky, M. Fokin, V. Tikhomirov y otros. Gorsky enriquece el vocabulario de la danza clásica a expensas del carácter e introduce ampliamente la danza folclórica en la actuación. En 1914 presentó el programa "Danzas de las Naciones", que incluía danzas teatrales de varias naciones. (23)
Durante el siglo XX, la danza folclórica ha pasado de la danza folclórica a la danza folclórica estilizada. Además, todos los cambios relacionados con la coreografía popular en el período que se examina fueron muy importantes y se produjeron con bastante rapidez. Uno de los principios fundamentales del desarrollo del arte de la danza folclórica en el siglo XX es el principio de su profesionalización. Al elevar las habilidades de interpretación de las danzas folclóricas a un nivel superior, este proceso también contribuyó al hecho de que el portador de las tradiciones de danza nacional cambió gradualmente de representantes de la gente común a artistas profesionales, coreógrafos y maestros, lo que afectó directamente el desarrollo de la coreografía doméstica doméstica.
Por lo tanto, la danza folclórica rusa es uno de los tipos de arte popular más extendidos y antiguos. Esta es una creación brillante y colorida de las personas, que es un reflejo artístico emocional específico de su vida, carácter, pensamientos, sentimientos, visiones estéticas y comprensión de la belleza del mundo circundante.
Secciones: Educación adicional
El artículo trata los problemas de preservar y desarrollar las tradiciones de la cultura coreográfica nacional. En las condiciones modernas, se reconoce cada vez más el peligro de perder la herencia más rica del arte popular, las tradiciones del folclore ruso en toda su diversidad de géneros, en su dinámica histórica. En primer lugar está la amenaza: cómo preservar su identidad ante muchas culturas nacionales y no disolverse en el entorno de otras. Se propone considerar las posibilidades de preservar y desarrollar la coreografía popular rusa como parte integral de la cultura rusa.
Palabras clave: tradiciones de danza, folclore, género, características regionales, forma.
Danza - uno de los tipos más antiguos de arte popular. Refleja los ideales sociales y estéticos del pueblo, su historia, actividad laboral, forma de vida, costumbres, costumbres, carácter. Cada nación guarda sus tesoros de la danza, transmitiéndolos de generación en generación, acumulando y afinando la armonía de sus medios expresivos.
El arte de la danza, la destreza y la originalidad fueron afinados y pulidos, porque en la danza la gente podía expresar dolor y alegría, respeto y valentía. La danza se desarrolló junto con la persona. La persona se desarrolló junto con el baile. Al ser parte de rituales, costumbres, fiestas y festividades tradicionales, la danza folclórica ha sido y sigue siendo una parte orgánica de estos eventos. La danza permite crear una especie de atmósfera, el ritmo de la comunicación y en sí actúa como un lenguaje de comunicación. Esta naturaleza de la danza, establecida incluso en sus inicios, recibiendo diversas formas, permanece sin cambios. La belleza de la danza folclórica se conoce desde hace mucho tiempo. Con el tiempo, el arte de la danza se desarrolló, la variedad de formas y estilos se distinguió en tipos separados. Tales como: danza clásica, hogar histórico, pop, salón de baile, moderno. Entre toda esta diversidad, la danza folclórica ha sido y sigue siendo uno de los principales tipos de arte coreográfico.
Danza folclórica - Danza folclórica, que se realiza en su entorno natural y tiene ciertos movimientos, ritmos, disfraces y afines, tradicionales de la zona.
Danza folclórica - esta es una manifestación espontánea de sentimientos, estado de ánimo, emociones, se realiza principalmente para uno mismo, y luego - para el espectador (sociedad, grupo, sociedad).
Hoy en día, existe un problema de carácter fundamental asociado al desarrollo del folclore, la danza folclórica rusa. El folclore es el patrimonio cultural más valioso de los pueblos, que debe ser dominado, amado y protegido. Nos preocupa el destino de la danza folclórica rusa como cultura popular en general. Las figuras destacadas del arte coreográfico ruso siempre se han dado cuenta de la importancia de preservar y desarrollar la danza folclórica rusa, en sus tradiciones, en la dinámica histórica. La tarea más importante de los folcloristas, coreógrafos y críticos de arte que trabajan en esta área es preservar la riqueza de las tradiciones de la cultura de la danza, transmitir cuidadosamente el folclore de la danza en las condiciones modernas.
Con el desarrollo de la pedagogía de la coreografía profesional, en literatura cientifica Se plantean cuestiones relacionadas con la formación y educación de un bailarín profesional que sea capaz de preservar y desarrollar las mejores tradiciones de la cultura coreográfica nacional de los pueblos de Rusia de todas las formas posibles. Al identificar las posibilidades de crear un sistema con propósito para dominar las características principales de la danza rusa, enfatizo que una parte integral de la cultura de la danza rusa es lo que conlleva riqueza, propiedades naturales, características estilísticas asociadas con la tradición cultural. Las imágenes de la coreografía rusa son un estándar de interpretación, que debe estar "en forma".
Danza popular en el escenario en la etapa actual puede definirse como un sistema artístico y educativo formado en el proceso de formación y desarrollo de la práctica artística y pedagógica del ámbito profesional y amateur de la actividad coreográfica. Más de una generación de maestros, coreógrafos, intérpretes, críticos, metodólogos y teóricos, de una forma u otra, participó en la formación de la escuela de danza escénica folclórica, que se basa en la división de los medios expresivos en elementos, la selección y sistematización de movimientos, la definición de normas estéticas y éticas, el desarrollo de conceptos aparato, contenido, etc.
Uno de los temas importantes en la etapa actual es la formación de especialistas capaces de preservar y desarrollar adecuadamente la coreografía escénica popular.
El problema de investigación surge de la contradicción entre los requisitos de la sociedad moderna para preservar y desarrollar las tradiciones pedagógicas de la educación coreográfica. El problema de la tradición en la educación fue planteado por primera vez hábilmente por el gran maestro ruso KD Ushinsky.
Se puede lograr una formación de alta calidad de especialistas capaces de resolver este problema en el futuro, siempre que la organización e implementación del proceso de enseñanza de la danza popular escénica se basen en una serie de principios.
Principio científico;
El principio de coherencia;
El principio de continuidad;
Principio axiológico;
El principio de activación.
La educación coreográfica, en virtud de su especificidad, se esfuerza por cubrir lo más plenamente posible los horizontes de desarrollo individual de cada bailarín de ballet novato de acuerdo con las ideas de la época, en relación con las cuales la educación coreográfica en Rusia se convierte en un reflejo indicativo tanto de la prioridad del pensamiento pedagógico como de las realidades culturales e históricas de cada período de su formación. Se puede argumentar que existe un fenómeno cultural e histórico especial: la escuela doméstica de educación coreográfica. Este fenómeno no solo está estrechamente interconectado con la cultura de la nación, sino que también la eleva a nuevas alturas, determina la existencia de una de las áreas del arte superior: la danza clásica, y exige requisitos estrictos a las condiciones pedagógicas de su existencia, desarrolla la ciencia y la práctica pedagógicas. Dando forma a la personalidad de un futuro artista - ballet, coreógrafo o maestro, la escuela como sistema coreográfico da forma a su conciencia, cualidades profesionales y personales.
Los departamentos de folclore creados en los centros de arte popular, que publican monografías, recomendaciones metodológicas basadas en la investigación de la creatividad coreográfica nacional, están comprometidos con el problema de la preservación de las tradiciones del folclore de danza y su inclusión orgánica en la cultura coreográfica moderna.
Las instituciones de educación superior de muchos países del mundo están involucradas en la solución del problema de producir literatura de investigación científica en esta área. Cada día hay un nuevo número de publicaciones, incluidas las tesis doctorales, dedicadas al estudio de los orígenes de la cultura de la danza de los pueblos, la identificación de sus formas estables y tendencias propias de la etapa moderna de desarrollo de la coreografía popular.
En las condiciones socioeconómicas modernas, la creación de un libro de referencia universal, que tiene el objetivo no solo de incluir el número máximo de publicaciones que contienen información sobre la cultura de la danza de los pueblos de Rusia, sino también de hacerlo conveniente para un especialista, se enfrenta a una serie de problemas, que deben decirse:
- la información sobre el lanzamiento de una publicación en particular no sigue la ruta centralizada que se utilizó anteriormente;
- la introducción generalizada de la lengua nativa en los territorios crea dificultades en el uso de esta literatura en otras regiones sin traducción;
- los resultados del progreso tecnológico afectan todas las áreas de nuestra vida. Filmar una obra coreográfica en cinta de vídeo es lo más forma moderna su fijación que descriptivamente - una forma gráfica. Pero si esta no es una película educativa, entonces una gran capa de información queda detrás de escena.
La solución a estos y otros problemas puede ser la creación de una única base de datos internacional.
El problema de la enseñanza de la coreografía folclórica tradicional.
Hoy es un tema importante de discusión no solo entre profesores de instituciones de educación superior y secundaria, sino también entre trabajadores culturales. Esto se debe, en primer lugar, a la necesidad de orientar los esfuerzos de la sociedad para preservar el entorno cultural y educativo y las tradiciones populares, que son una condición necesaria para la formación de una vida espiritual plena de una persona moderna. Resolver este problema ayudará no solo a crear las condiciones para una formación más eficaz de los futuros especialistas, sino también a garantizar la continuidad de las generaciones, que es un factor en la formación de la autoconciencia nacional, el desarrollo social del individuo y el progreso espiritual de las personas. Pero en este caso, se necesita el apoyo del gobierno, expresado en una planificación sólida en el campo de la educación. Es necesario que en las instituciones educativas que capacitan personal para instituciones culturales y artísticas, no solo las clases sobre el estudio de la danza rusa, las características regionales del vestuario ruso, las vacaciones y los rituales del pueblo ruso se implementen de manera integral en los planes de estudio, sino que también se asignen una cantidad suficiente de horas académicas para el estudio de estas disciplinas. ...
Un coreógrafo competente debe conocer bien el "código genético" de la transmisión de la herencia, es decir esos motivos musicales y plásticos, fórmulas rítmicas, técnicas compositivas que son, por así decirlo, la quintaesencia de lo nacional en la coreografía y pueden convertirse en núcleo vivo, base de una nueva danza escénica. Por supuesto, para el éxito total de este negocio, es necesario combinar el folclorista y el director en una sola persona. Pero como no siempre es así en la práctica, la exigencia de que “el coreógrafo conozca bien el folclore y, para el folclorista, los detalles de la escena, se vuelve urgente.
El siguiente problema son las formas de interpretación escénica de la danza folclórica. Según V.I. Ural varios.
La primera es la experiencia de recrear una auténtica muestra en escena. Diré de inmediato que la autenticidad de la danza en el escenario, por supuesto, se pierde, pero me refiero solo a la autenticidad de la fuente de la muestra. La danza sufre estas pérdidas, incluso si es realizada en el escenario por los propios aldeanos, ya que la lejanía (escenario, sala) y la separación artificial entre los espectadores y los creadores destruye la naturaleza de la co-creación, cambia el proceso de vida de esta danza. Hay pérdidas y coreografías asociadas con el cambio de punto de vista. Las leyes temporales de la acción y la escena del folclore también se contradicen. Un intento de atribuir estas contradicciones conduce a la necesidad de interferir con el texto de la danza. Y este es el siguiente camino: el procesamiento por etapas del folclore. ¿Qué incluye? En primer lugar, sobre la base de las leyes de la composición escénica, el refinamiento de los patrones de danza. Entonces, por ejemplo, si toda la danza se realiza en un círculo cerrado que gira lentamente en una dirección, entonces, bajo las condiciones del escenario, se percibirá como una monotonía tediosa y está sujeta a desarrollo, es decir, cambio. La repetición interminable (para las condiciones del escenario) de figuras en una cuadrilla (típica de la interpretación en la vida cotidiana) está sujeta a cambios.
El escenario moderno exige de la danza rusa la novedad de las formas escénicas, los medios de expresión, los temas de actualidad y la orientación estética. Pero no pueden surgir entre coreógrafos sin un conocimiento profundo de la naturaleza de la danza rusa, sus fuentes de folclore. Nuevas condiciones de vida, normas estéticas han influido en el contenido de la danza y la relación de sus formas individuales. Se han producido cambios significativos en la danza de las mujeres, que antes no contaba con un material léxico rico y variado. Actualmente, existe una gran cantidad de movimiento de brazos, piernas, cuerpo, etc. decora la danza folclórica rusa. Los movimientos de las piernas han sufrido los cambios más dramáticos. El carácter de los bailes se volvió más alegre.
Hoy en día, coreógrafos profesionales y aficionados componen composiciones de danza basadas en las melodías de canciones modernas. Las canciones de nuestros días han conservado la melodía nacional, la originalidad de los giros musicales. Se fusiona orgánicamente con nuevos temas, recibe una nueva organización rítmica. Las melodías de las canciones modernas están muy difundidas, son compañeras del día a día y de los días festivos. Hay muchísimas más canciones creadas hoy que bailes. Su calidad es mucho mayor. ¿Cómo se puede explicar que muchas danzas creadas con ciertas melodías mueren rápidamente, sin obtener una aceptación generalizada? Sus dibujos coreográficos no se utilizan en el futuro y no reciben un stock léxico. Parece que una de las razones es la adaptación mecánica del esquema de danza a tal o cual melodía. En este caso, la estructura rítmica de los bailes coincide con el ritmo de las canciones, y la unión una vez orgánica de plasticidad y música resulta unilateral. Otra tendencia se está revelando. Las melodías de canciones contemporáneas están ilustradas con danza rusa modernizada y “modernizada”. Botas plateadas, minifaldas de colores, tocados elegantes, que no cumplen con los requisitos estéticos de la creatividad de la danza rusa, se ven ridículos desde el escenario. Al componer vocabulario moderno, los coreógrafos a menudo se olvidan del carácter nacional de los movimientos, violan lo que hace que la danza sea hermosa y los propios artistas, elegantes y atractivos. Mucho depende de la música de la danza contemporánea, del procesamiento instrumental del material folclórico. En nuestra opinión, actualmente los coreógrafos que crean sus nuevas obras dependen de esta música, y está lejos de ser siempre apta para componer una obra coreográfica. Al comparar los temas de canciones y bailes contemporáneos, hay que dar preferencia a las canciones. En ellos, los límites de los géneros temáticos son muy amplios. Temas de amor, encuentro, separación, despedida adquieren un nuevo sonido, un nuevo significado. Capturan la imagen de una persona con sus sentimientos, experiencias. El baile se cerró en un círculo de tramas limitadas, sobre todo si hablamos de la letra. Pero ella, al igual que las canciones líricas, atrae sobre todo a espectadores y artistas. Crear piezas de danza lírica originales es una tarea más difícil que crear piezas de danza tempo donde la fantasía viene en ayuda del coreógrafo. Es por eso que es necesario recurrir a las fuentes populares, para encontrar en ellas las características nacionales más llamativas que determinan el carácter de un pueblo en particular, así como las características distintivas de los bailes que existen en varias regiones, territorios, regiones de Rusia. A. Permyakova, directora artística del coro folclórico ruso. Pyatnitsky señala: "Si los coreógrafos modernos que trabajan en el campo de la danza folclórica rusa no comienzan, como las luminarias del pasado, a estudiar a fondo el folclore de la danza de diferentes regiones de Rusia, sino que continúan preparando una cierta vinagreta, e incluso la" espolvorean ", la" sal "con trucos, simplemente no iremos a ninguna parte ".
Cabe señalar que hasta el día de hoy todavía existen fenómenos molestos de estilización excesiva de la danza folclórica, se podría decir, cuando de ella solo queda una composición virtuoso-técnica, elegante y espectacular, que se llama danza folclórica solo por sus características externas. Según M.S. Godenko, los bailes populares rusos deben incluir una tendencia moderna: ritmos y movimientos. Creó cierto género de danza rusa contemporánea. Muchos expertos en el campo de la coreografía no comparten su concepto, aseguran que no conservan lo tradicional. folklore... Sin embargo, la mayoría de nuestros coreógrafos tratan de crear sus composiciones de danza basadas en auténticos bailes folclóricos y cuidan mucho la interpretación estilística del material. El colectivo del conjunto "Beryozka" no persigue el objetivo de trasladar el folclore al escenario en su forma más pura. Este es un verdadero conjunto coreográfico académico y, sin embargo, qué cautivadora es la imagen de una niña rusa en todos sus bailes. Compuesto por I.A. La danza de Moiseev se convierte en una completa miniatura coreográfica. Los directores apela a los más diversos tradiciones populares... El sentimiento de autenticidad y autenticidad de "Moscow Region Lyrics" se logró no solo tomando prestados movimientos del folclore. Aquí, las leyes internas de la coreografía popular se observaron y encarnaron orgánicamente: inmediatez, vivacidad de la comunicación entre socios, sencillez y claridad de reestructuración. Cada movimiento tiene su propio subtexto, a veces burlón, a veces lírico, su propia entonación.
Cabe recordar que un retorno al pasado, a las tradiciones del pueblo ruso y su cultura no significa copiarlo, repetición mecánica, uso literal. El pasado se replantea e incluye en el contexto de la modernidad, teniendo en cuenta los nuevos parámetros del contexto cultural, incluidas sus innovaciones artísticas y tecnológicas. Los bailes antiguos y nuevos no solo coexisten uno al lado del otro, sino que también se influyen mutuamente, enriqueciendo y desarrollando creativamente la danza folclórica rusa. El nuevo tiempo da a luz nuevos gustos, direcciones, ritmos y adicciones. Pase lo que pase en la vida, cada generación debe conocer sus raíces y recordar sus orígenes nativos, de lo contrario desaparecerán la espiritualidad y el patriotismo. Es importante preservar y preservar la herencia más rica de la danza folclórica rusa. Por eso, el papel de los coreógrafos-docentes es tan responsable, que pueden preservar, preservar los matices tradicionales en la forma de ejecución, apreciarlos y dar nueva vida a la coreografía folclórica.
Bibliografía
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2. Vanslov V.V. Desarrollo integral de la personalidad y tipos de arte / V.V. Vanslov. - M.: Arte, 1963.
3. Permyakova A.B. Apoyándose en la herencia, busque algo nuevo // "Ballet", revista ilustrada histórico-teórica literaria-crítica. M.: Ed. zhurn. "Ballet". - 2010. -No. 3, pág. 24.
4. Uralskaya V.I. La naturaleza del baile / V.I. Ural. - M.: Consejo. Rusia, 1981.24 p.
Contenido
Introducción ……………………………………………………………………… página 2
Capítulo 1. El surgimiento de la danza folclórica rusa
1.1. Los orígenes de las formas de la danza popular rusa …………………………… p.3-4
1.2. Desarrollo de formas de danza folclórica rusa ………………………… ..p.4-5
Capítulo 2. Rasgos distintivos característicos de las formas de danza folclórica rusa
2.1. Los principales géneros de la danza folclórica rusa ……………………… p.5-8
2.2. Música y vestuario como parte integral de un todo …………………… p.8-11
Conclusión ………………………………………………………………… página 12
Referencias ………………………………… ……………………… p. 13
Introducción
La danza es la forma de arte más antigua y rica: muy interesante, polifacética, viva y con una enorme carga emocional. La danza folclórica es el antepasado de todas las direcciones de la danza que se han formado sobre su base durante muchos siglos, esta es la danza clásica, histórica, cotidiana, pop y moderna. La moda y el paso del tiempo no pudieron influir en él, y luego más para hacerlo desaparecer de la faz de la Tierra, porque lleva la historia de las personas que lo crearon. Cada generación guarda de manera sagrada la memoria de sus antepasados \u200b\u200by protege todo lo que refleja su vida.
En este sentido, la danza folclórica se ha convertido en un tesoro invaluable que muestra la vida cotidiana, ocupaciones básicas, tradiciones, eventos en la vida de las personas. Estudiando danza folclórica, viajamos por el planeta. Gracias a esta forma de arte, puedes visitar cualquier rincón del mundo, familiarizarte con la historia de esta región, conocer las características nacionales de este territorio, y para ello no es en absoluto necesario cruzar el océano a nado para superar grandes distancias. Mucha gente ha dedicado su vida al estudio de la danza folclórica. Se han escrito muchos libros sobre sus descubrimientos.
Al observar a las personas que han estado bailando durante más de un año, a menudo me hago la pregunta: "¿Qué se incluye en el concepto de" baile "? ¿Quizás es solo un conjunto de movimientos o algo más?" Intentaré encontrar la respuesta a esta pregunta en varias fuentes.
Capítulo 1
1.1 Los orígenes de las formas de danza folclórica rusa
La danza folclórica rusa es uno de los tipos de arte popular más extendido y antiguo. Surgió sobre la base de la actividad laboral humana. En el baile, la gente transmite sus pensamientos, sentimientos, estados de ánimo, actitudes ante la vida.
El desarrollo de la danza folclórica rusa está estrechamente relacionado con toda la historia del pueblo ruso. Cada nueva era, nuevas condiciones políticas, económicas, administrativas y religiosas se reflejaban en las formas de conciencia social, incluso en el arte popular. Todo ello trajo consigo ciertos cambios en la vida del pueblo ruso, que, a su vez, dejaron una huella en la danza, que sufrió diversos cambios a lo largo de la centenaria trayectoria de su desarrollo.
La danza folclórica rusa es una creación brillante y colorida de la gente, que es un reflejo artístico emocional específico de su vida, carácter, pensamientos, sentimientos, puntos de vista estéticos y comprensión de la belleza del mundo circundante.
La danza folclórica rusa se ha desarrollado en varias direcciones. En la época pagana, era un accesorio necesario para los ritos de culto. Estos bailes han guardado durante mucho tiempo huellas de la vida cotidiana, allí y las creencias religiosas. Pero a medida que el sistema comunal primitivo se desintegró, en relación con la división del trabajo y el crecimiento de las ciudades, surgieron entre la gente bailarines, compositores profesionales e intérpretes de música, canciones y danzas.
La danza rusa nació en 907, en un festival en el Profético Oleg, donde los bailarines actuaban vestidos de osos y viceversa. Los bailes con osos se consideran tradicionales en Rusia.
La danza folclórica rusa tiene su propia historia centenaria. En los siglos V-VII, las danzas folclóricas se realizaban en el seno de "merrymaking" (reuniones). Su carácter fue impreso por antiguas ideas paganas.
La adopción del cristianismo contribuye al desarrollo de la cultura y arte popular se expresa en bufonadas. Los bufones jugaron un papel muy importante en el desarrollo y popularización de la danza folclórica. Fue en este momento cuando nacieron las formas escénicas de los bailes folclóricos.
A mediados del siglo XVI, la creciente influencia de la Iglesia rusa afectó negativamente al arte popular. Al ver los restos del paganismo en las canciones y bailes populares, la iglesia oprime a los músicos, bailarines y cantantes, y en el siglo XVII Alexei Mikhailovich emite un decreto sobre la persecución de los bufones.
El siglo XVIII es una época asociada al nombre de Pedro I, un brillante reformador. Durante este período, se produjeron serias transformaciones en la cultura: la danza adquirió un carácter más secular. Y solo entre la gente la danza rusa no solo se conserva, sino que también se desarrolla, adoptando nuevas variedades.
Después de la Revolución de Octubre, los conjuntos de danza profesionales, así como los grupos de aficionados, se convirtieron en una nueva manifestación de la creatividad de la danza de la gente. Las actuaciones de aficionados se han convertido en una especie de sucesor y continuador de las tradiciones de la coreografía folclórica rusa. Si los bailes rusos anteriores se realizaban principalmente en festivales, juegos, bodas, ahora ocupan un lugar importante en el repertorio de los teatros profesionales.
Es difícil determinar cuántos bailes y danzas folclóricas hay en Rusia. Es simplemente imposible contarlos. Tienen una amplia variedad de nombres: a veces según la canción con la que bailan ("Kamarinskaya", "Seni"), a veces según el número de bailarines ("Steam room", "Four"), a veces el nombre determina el patrón de la danza ("Wattle", "Vorottsa" ).
Pero en todos estos bailes tan diferentes hay algo en común, característico de la danza rusa en general: es la amplitud del movimiento, el atrevimiento, la alegría especial, la poesía, una combinación de modestia y sencillez con un gran sentido de dignidad.
1.2. Desarrollo de formas de danza folclórica rusa.
El siglo XVIII estuvo marcado por el surgimiento de un nuevo estado: el Imperio Ruso. Esta era está asociada con el nombre de Pedro I, un brillante reformador de su tiempo. También se han producido importantes transformaciones culturales. Las tradiciones de la danza rusa han estado vivas en todo momento. Se bailaba en la corte y la danza en provincias se mantuvo en la carne hasta el siglo XX. El arte de la danza folclórica rusa está cambiando gradualmente. La danza adquiere un carácter más secular. Los bailes europeos populares se hicieron populares en la corte: baile cuadrado francés, minueto, polonesa y otros. En la primera mitad del siglo XVIII, la danza central fue el minueto, que llegó a la corte de los intérpretes rusos, ya que exigió interpretar solo aquellos rasgos que son inherentes a una mujer rusa: plasticidad y su modestia natural, suavidad y expresividad de la danza. Y solo entre la gente, la danza rusa no solo ha sobrevivido, sino que también se está desarrollando, adquiriendo nuevas variedades. Así, como resultado de la influencia de las danzas de salón occidentales, una danza cuadrada, una polca, etc. aparecen en la vida cotidiana de Rusia. Una vez en una aldea, cambian radicalmente, adquieren características típicamente rusas locales, forma y carácter de actuación, que se asemejan sólo remotamente a sus homólogos occidentales.
Al mismo tiempo, apareció el ballet de siervos en Rusia. Nacido en casas señoriales, alcanzó un alto nivel artístico a finales del siglo XVIII. Como todavía no había teatro en la provincia, las comparsas de siervos servían objetivamente a fines educativos. Nobles ricos, herederos de tierras infinitas, propietarios de miles de almas campesinas, arreglaron su estado en miniatura. A imitación de los capiteles, también surgió un teatro de siervos.
Inicialmente, los siervos realizaban danzas folclóricas para sus amos. Uno de los autores de memorias de la época cuenta cómo, después de visitar una casa solariega en la provincia de Pskov, vio tales "bailes de pueblo". Los bailarines del ballet de siervos, incluso cuando se convirtieron en verdaderos "bailarines", se transmitieron cuidadosamente entre sí la tradición de la danza nacional. Esto dependía en gran medida de sus condiciones de vida. En primer lugar, sumergiéndose en el ambiente de la "escuela de ballet" de un terrateniente, se mantuvieron en contacto con su pueblo natal, con sus canciones y bailes. En segundo lugar, rara vez se separaban por completo de su entorno y trabajaban en el campo y en la casa del amo a la par que otros siervos. En tercer lugar, los actores de ballet de siervos rara vez tenían profesores y directores extranjeros.
Las futuras escuelas de danza rusas nacieron en las profundidades de las instituciones de educación general no asociadas al teatro. El cuerpo de la nobleza de San Petersburgo, establecido en 1731, preparó a los jóvenes rusos para el servicio militar y gubernamental. Se les enseñaron muchas materias, incluido el baile. Practicaron coreografía 4 veces por semana durante 4 horas. Aquí en 1734 J. Lande fue invitado al puesto de maestro de danza. uno
Desde principios del siglo XIX, el significado del término danza de personajes comenzó a cambiar. Se le llamó semi-característico, y la definición de característica pasó a la danza folclórica. Este significado del término se ha mantenido hasta el día de hoy. La danza característica del siglo XIX se diferenciaba de la danza folclórica en que no tenía un significado independiente, sino subordinado.
En el siglo XIX y principios del XX, el concepto de "danza característica" se utilizó para denotar una danza teatral cotidiana en carácter, tanto de salón como de público.
Subordinando la danza folclórica a un determinado contenido, la danza característica seleccionó sus rasgos más significativos y, ampliando, modificando lo principal, omitió lo insignificante. Esta selección fue lógica. Permitió transmitir en la danza el espíritu de épocas históricas y las circunstancias específicas de la acción de la actuación dada, los rasgos característicos de todo el pueblo y los rasgos distintivos del personaje. Por lo tanto, sobre la base de un mismo baile folclórico, puede crear varios bailes característicos que no son muy similares entre sí.
El lugar y el papel de la danza característica en el ballet se expandió o se redujo, de acuerdo con los requisitos estéticos de una época en particular. Podría ser la base efectiva de toda la actuación, podría quedar fuera de acción, reteniendo solo los derechos del número de inserción.
El principal peligro que acechaba al baile característico desde el principio era la pérdida de contenido y estilo folclóricos.
Desde el principio, hubo dos tendencias en la danza de personajes. Uno basado en la cercanía creativa a la fuente primaria del folclore, buscando trasmitir su significado a la naturaleza artística; el otro es decorativo, estilístico. Ambas tendencias influyeron en el destino de la danza de personajes rusa en la continuación de toda su historia prerrevolucionaria, dando de manera inequívoca el estado general del repertorio de ballet de una época u otra.
2.1. Los principales géneros de la danza folclórica rusa.
Para la danza folclórica, el contenido orgánico, el movimiento, la música y el vestuario son indispensables.
Hoy en día, tanto los bailes antiguos como los nuevos no solo coexisten uno al lado del otro, sino que también se influyen mutuamente, enriqueciendo creativamente y desarrollando así la danza folclórica rusa. El estudio y la grabación de las danzas folclóricas rusas comenzaron hace relativamente poco tiempo y, después de todo, cualquier ciencia comienza precisamente con una descripción de los diversos aspectos del tema en estudio y, lo que es más importante, con la recopilación de material, a partir del cual se puede crear una idea completa del tema en estudio. Y cuanto más a fondo se estudie el tema, más profunda, verdadera y artística resultará la obra. Ésta es la ley eterna del arte. Por ello, es necesario grabar, rodar y fotografiar los bailes en la mayor medida posible, especialmente la forma en que se realizan, esbozar vestuario, etc. En otras palabras, recopilar datos que puedan sistematizarse y utilizarse como base para el estudio de la danza folclórica rusa. Para ello, haremos un análisis comparativo de las formas existentes del arte folclórico de la danza rusa.
Al clasificar la danza folclórica rusa, definiendo sus tipos, tomamos como base no la ejecución de la danza en determinadas fiestas o temporadas, sino su estructura coreográfica, sus características estables. La danza folclórica rusa se divide en dos géneros principales: danza redonda y danza, que a su vez consisten en diferentes tipos.
Danza redonda
La base del baile circular es la interpretación conjunta de una canción de baile circular por parte de todos sus participantes. La danza, el canto y la danza circular están vinculados de manera inextricable y orgánica. El baile redondo reúne y reúne a un gran número de participantes. Un baile redondo es una acción popular masiva en la que bailar, o simplemente caminar o tocar están indisolublemente ligados a la canción. Los bailes redondos tienen un tema ritual de culto, social y cotidiano.
Los participantes en la danza redonda, por regla general, se toman de la mano, a veces por una bufanda, un chal, un cinturón, una corona. En algunos bailes redondos, los participantes no se toman de la mano, sino que se mueven uno tras otro o uno al lado del otro, manteniendo un intervalo estricto, a veces van en parejas.
La danza circular está muy extendida en toda Rusia, y cada región aporta algo nuevo, creando variedad en estilo, composición, carácter y forma de actuación. Los bailes redondos se realizan a un ritmo lento, medio y rápido.
Pero en diferentes regiones de Rusia existen peculiaridades locales de la realización de bailes redondos asociados con las condiciones naturales y climáticas, con las características específicas de la vida cotidiana y el trabajo, las relaciones humanas formadas en diferentes condiciones de vida. Estas características se manifiestan tanto en la composición de los intérpretes, como en el ritmo y en el contenido de las canciones a las que se dirige la danza circular, y en la forma de ejecución inherente solo a esta área. La ejecución de bailes redondos también está influenciada por la variedad de trajes, que en diferentes áreas difieren significativamente entre sí y, a veces, están muy lejos del generalmente aceptado "vestido de verano ruso" al que estamos tan acostumbrados en el escenario.
Las figuras son de gran importancia a la hora de realizar bailes redondos. Las figuras pueden estar formadas por niñas solas, o niños, o niños y niñas juntos, que se pueden organizar de varias formas. Estas cifras se analizarán con más detalle en el próximo capítulo.
Danza
En la antigüedad, los bailes eran de naturaleza ritual, de culto, pero con el tiempo adquirieron un carácter familiar. La danza es el género más extendido y favorito de la danza folclórica rusa.
La danza nació en una danza redonda y salió de ella, rompiendo la cadena de danza redonda, complicando la base técnica, creando sus propias formas y patrones, reemplazando la canción de danza redonda con una canción de baile y varios acompañamientos musicales. La danza puede expresar varios estados de una persona. La danza consta de una serie de movimientos separados, elementos que difieren en su forma característica de ejecución, tienen un sabor nacional ruso. Cada movimiento de la danza está lleno de significado. Una variedad de movimientos, cuyo número aumenta muchas veces debido a la improvisación de los artistas, son un rasgo característico de la danza rusa. La bailarina rusa tiene brazos, cabeza, hombros, rostro, manos, etc. muy expresivos. La danza permite revelar rasgos personales e individuales de carácter. En el baile pueden participar niños y niñas, hombres y mujeres, adolescentes y ancianos. La danza masculina se caracteriza por amplitud, alcance, destreza, fuerza, atención y respeto por la pareja. La danza de las mujeres se caracteriza por la majestuosidad, la suavidad, la nobleza y la sinceridad, pero a menudo se realiza de manera vívida, con entusiasmo.
Cada baile tiene su propio contenido, trama. Uno de los rasgos distintivos del baile es la improvisación individual. El baile es diferente del baile redondo más rico.
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La danza folclórica es una de las artes más antiguas. Surgió de la necesidad de una persona de expresar su estado emocional con la ayuda del cuerpo. La danza refleja la vida cotidiana de una persona, su jornada laboral. Las impresiones alegres y tristes también se expresaron a través de movimientos a un cierto ritmo, y luego a la música.
Los orígenes del arte de la danza se remontan a la antigüedad. Prueba de ello son las pinturas rupestres que representan figuras danzantes, creadas presumiblemente durante el período Neolítico (8 - 5 mil años antes de Cristo).
Hasta ahora, no hay consenso sobre la primacía del nacimiento de la danza, la canción o la música, una cosa es indiscutible: la aparición de la danza está asociada con la conciencia del ritmo como acompañamiento de una determinada secuencia de movimientos corporales. Estos movimientos rítmicos corporales podían tener un contenido diferente, que luego sirvió de motivo para la creación de muchas teorías sobre el origen de la danza (sus antecesores se denominaron juego, rituales mágicos o religiosos, instintos eróticos, etc.). Cualquiera de las teorías tiene derecho a existir y tampoco puede considerarse la única correcta. Su cuidadoso estudio confirma la conclusión: en todo momento, la danza fue importante en vida publica una persona, en su desarrollo armónico, estético y físico.
Ya en la primera etapa de su existencia, la danza intentó reflejar la realidad en una forma social, seleccionar sus rasgos más típicos, darles una determinada imagen. La primera música para los bailarines fue el sonido de los tambores, el ruido del tintineo de brazaletes y amuletos, el primer maquillaje fue una pintura facial imitando sangre, y la primera experiencia de expresividad actoral fue la imitación de varios animales.
El nacimiento del arte de la danza
Los primeros bailes de la antigüedad estaban lejos de lo que ahora se llama esta palabra. Tenían un significado completamente diferente. Con diversos movimientos y gestos, una persona transmitía sus impresiones del mundo que lo rodeaba, invirtiendo en ellas su estado de ánimo, su estado de ánimo. Exclamaciones, cantos, juegos de pantomimas estaban interconectados con la danza. El baile en sí siempre, en todo momento, ha estado estrechamente asociado con la vida y la vida de las personas. Por lo tanto, cada baile se encuentra con el carácter, el espíritu de las personas de las que se originó. Con el cambio en el sistema social, las condiciones de vida, la naturaleza y el tema del arte cambiaron, y la danza también cambió. Estaba profundamente arraigado en el arte popular.
Los bailes eran muy comunes entre los pueblos del mundo antiguo. Los bailarines se esforzaron por asegurarse de que cada movimiento, gesto, expresión facial expresara algún pensamiento, acción, hecho. Los bailes expresivos fueron de gran importancia tanto en la vida cotidiana como en la vida pública. Muy a menudo, las festividades comenzaron y fueron acompañadas de bailes.
Para un hombre de la sociedad primitiva, la danza es una forma de pensar y de vivir. Las técnicas de caza se practican en danzas que representan animales; la danza se usa para expresar oraciones por la fertilidad, la lluvia y otras necesidades vitales de la tribu. El amor, el trabajo y la ceremonia se plasman en movimientos de danza.
Los bailes comunitarios acompañaron celebraciones familiares y personales, fiestas nacionales y de la ciudad. Los bailes eran diferentes: domésticos, urbanos, rurales. Fueron diversos en temas y dibujo compositivo, en la composición de los artistas intérpretes o ejecutantes. Fueron los bailes sociales y cotidianos los que tuvieron una gran influencia en el surgimiento de la danza escénica.
Con el paso del tiempo la coreografía ha ido cambiando, cada etnia tiene sus propias características. En el Antiguo Egipto, el arte de bailar era principalmente de naturaleza ritual. En la antigüedad, las danzas paramilitares se agregaron a las danzas rituales, diseñadas para elevar el espíritu de los soldados antes de la batalla. EN Antigua Grecia, con desarrollo arte teatral, aparece la danza escénica. Así, en el período antiguo, las danzas folclóricas se pueden dividir en escénicas, militares, sagradas (religiosas, ceremoniales) y sociales. En la Edad Media, existe una división en la danza de la corte y la danza del campo. Esta división aún no tiene límites claros y, a menudo, los mismos movimientos estaban presentes en los bailes palaciegos y folclóricos.
En los siglos XVII y XIX se desarrollaron los bailes de salón y el ballet. Pero los orígenes de la coreografía de corte y escenario se encuentran en la danza folclórica. Ahora hay muchos estilos y tipos de baile, pero todos ellos están unidos por la unidad de música, ritmo y movimiento.
El tipo de danza folclórica más antigua que existe en casi todos los grupos etnográficos es la danza circular. Sus movimientos son sencillos y consisten en caminar en círculo acompañado de música o canto. La forma del círculo puede haber simbolizado el sol. La danza circular existió y todavía existe hoy entre todos los pueblos eslavos. En Lituania se llama korogod, en Moldavia - coro, en Bulgaria, Rumanía - horo, entre croatas, bohemios, dálmatas - colo.
Una de las tradiciones de danza más antiguas es la del continente africano. La peculiaridad de la danza negra está en el significado predominante del ritmo sobre la música. La cultura africana dio material para el desarrollo de muchos bailes en América Latina: mambo, merengue, samba, cha-cha-cha, lambada y muchos otros. Incluso los estilos de danza moderna (jazz dance, popping, rock and roll, hip hop, break dance, RnB y otros) se basan en el arte popular de la población negra del mundo.
La danza folclórica también creó la base para los bailes de salón. Entonces, el vals conocido y querido se originó a partir de la antigua danza folclórica Volta, la mazurca, que se convirtió en la reina del baile en los siglos 18-19, de las danzas populares polacas mazur, kujawiak y oberek.
Algunos bailes folclóricos son el sello distintivo de un país, como la tarantela para Italia, "Kalinka", "Barynya" para Rusia, cosaco, hopak para Ucrania, Krakowiak para Polonia, czardas para Hungría. Otros se han extendido por todo el mundo, incluidas las características nacionales. diferentes regionescomo polka y bailes gitanos. Hay innumerables estilos y tipos de bailes populares, pero todos están unidos por una cosa: reflejan la crónica de la historia del pueblo, su alma y carácter.
