Una breve guía de las ideas del Renacimiento europeo.
Renacimiento
Historia y características
En el transcurso de doscientos años, Europa ha sido testigo de un asombroso renacimiento en pintura, escultura y arquitectura, con Italia como epicentro. El concepto de "Renacimiento" apareció en el siglo XIX gracias a las obras del historiador Michelet y el profesor de historia del arte Jacob Burkhard.
Característica
El Renacimiento italiano revivió el arte occidental de acuerdo con los principios del arte griego clásico, especialmente en los campos de la escultura y la pintura. Desde principios del siglo XIV, en busca de un nuevo conjunto de valores artísticos y una respuesta al estilo gótico, los maestros y pensadores italianos comenzaron a inspirarse en las ideas de la antigua Grecia y Roma, que armonizaban perfectamente con su deseo de crear una forma de arte universal y noble y expresar el estado de ánimo de la época.
Humanismo
En primer lugar, el arte de esa época estaba condicionado por el concepto filosófico del "humanismo", basado en los logros existentes (por ejemplo, democrático).
En las artes visuales, el humanismo significa:
- Creación de una composición única en lugar de imágenes estereotipadas y simbólicas.
- Mayor realismo y atención al detalle, que se reflejó en el desarrollo de teorías de perspectiva lineal. Este enfoque explica tanto la veneración de la escultura clásica como el pasado de moda de las obras bizantinas.
- Énfasis en desarrollar y promover acciones virtuosas. El principal teórico del arte de la época, Alberti (1404-1472), declaró que "la felicidad no se puede lograr sin obras buenas, justas y rectas".
Causas
Aún no está claro qué causó este cambio en el arte. Aunque la edad oscura para Europa había terminado y la iglesia cristiana experimentó un renacimiento en el siglo XII al 13, el siglo XIV fue testigo de graves problemas en las cosechas, una epidemia de peste y la guerra entre Inglaterra y Francia. Por lo tanto, la razón del avance en la creatividad, por supuesto, fue una serie de factores y eventos históricos.
En ese momento se observaron tendencias de desarrollo positivas en Italia. Venecia y Génova se enriquecieron con el comercio con Oriente, y Florencia se convirtió en un centro de producción de joyería, lana y seda. La prosperidad está llegando gradualmente al norte de Europa, como lo demuestra la creación de la Unión Hansa.
La proliferación de nuevas ideas se ve facilitada por la invención de la imprenta, que, en cierta medida, refleja la impaciencia del lento progreso tras mil años de hambruna cultural e intelectual, el deseo de renacer.
Debilidad de la Iglesia
La precaria situación de la iglesia dio un impulso adicional al desarrollo. Esto conduce al surgimiento de visiones humanistas y alienta al clero a decorar templos e iglesias, a colaborar con arquitectos y escultores. La reacción a este cambio, conocido como Contrarreforma, duró hasta finales del siglo XVI.
Desarrollo
El Renacimiento también es paralelo al comienzo de los grandes descubrimientos occidentales. Los europeos están explorando nuevas rutas marítimas, conquistando continentes y creando nuevas colonias. Se están llevando a cabo nuevas investigaciones en otras áreas relacionadas con la ciencia, la naturaleza y el mundo. Maestros bellas Artes demostrar su propio deseo de nuevos métodos y conocimientos. Según el artista, arquitecto e historiador italiano Giorgio Vasari (1511-1574), no solo crece el respeto por el arte y la antigüedad clásica, sino también el deseo de aprender de la naturaleza, de imitarla.
Epicentro
Además de ser la nación comercial más rica, Italia tenía una gran cantidad de obras y artefactos clásicos a su disposición. En casi todas las ciudades del país se encontraron ejemplos de arquitectura y escultura romanas, así como obras de la antigua Grecia. Además, la caída de Constantinopla, la capital del Imperio Bizantino, obligó a muchos eruditos griegos a emigrar a Italia, junto con sus ideas clásicas y textos importantes. Todos estos factores explican por qué este país en particular se convirtió en el centro del Renacimiento europeo.
En el norte de Europa, el Renacimiento se caracteriza por los avances en la presentación de la luz, su difusión y reflexión, que se refleja en el retrato y las naturalezas muertas. Esto se debe en parte al hecho de que la mayoría de los artistas del Renacimiento del norte usaban pinturas al óleo a principios del siglo XV, prefiriéndolas al temple o al fresco, que (por muchas razones, incluidas las climáticas) todavía eran preferidas y populares en Italia.
El arte religioso de esa época está dominado por la representación de los apóstoles y miembros de la Sagrada Familia, que se representan como personas vivas. Sus poses y alrededores expresan emociones humanas reales. También son populares las tramas e historias de la mitología clásica que ilustran las ideas del humanismo.
Tiziano.Vale la pena señalar que el estado de la profesión de artistas y escultores se está moviendo a un nuevo nivel, porque ahora la creación de pinturas y esculturas requiere preparación mental y técnica seria.
Galerías
Las siguientes galerías italianas tienen importantes colecciones de pinturas o esculturas renacentistas:
- Galería de los Uffizi.
- Palacio Pitti.
- Museos Vaticanos.
- Galería Doria Pamphilj.
- Museo de Capodimonte.
- Museo Isabella Stewart Gardner.
Conclusión
La principal contribución del Renacimiento italiano a la historia del arte puede describirse como la promoción de los ideales antiguos clásicos, que dio lugar al desarrollo clásico de la pintura y la escultura occidentales. A pesar de que artistas contemporáneos y explorar nuevas formas de arte, para Occidente el modelo principal sigue siendo la antigüedad griega y su interpretación en la forma del Renacimiento.
Renacimiento actualizado: 16 de septiembre de 2017 por: Gleb
El Renacimiento, que se inició en Italia en el primer cuarto del siglo XV, se convirtió mundo medievalcambiándolo para siempre. Traducido del francés o del italiano, "renacimiento" es "nacido de nuevo", que se asocia con el resurgimiento de antiguas tradiciones en el arte. El Renacimiento es un gran avance para la humanidad, de eso no cabe duda. Durante ese período, se crearon maravillosas obras de pintura, escultura y arquitectura. Se han escrito (y publicado) grandes libros. Las creaciones del genio humano, creadas por maestros famosos del pasado, continúan deleitando hasta el día de hoy y nunca perderán su encanto.
Edad media aterradora
En general, se sabe que la era del Renacimiento reemplazó a la Edad Media, que fue, como de costumbre, oscura, por supuesto, dura y se caracterizó por varias atrocidades religiosas: todos han oído hablar de la Inquisición. Hay fuentes que afirman directamente que debido a las maquinaciones de la insidiosa Iglesia Católica, el Renacimiento cayó en decadencia.
En parte, esta visión de las cosas tiene derecho a existir, pero los méritos del clero en este proceso no son tan grandes. Es solo que la sociedad humana se desarrolla cíclicamente, a toda revolución le sigue una reacción, y la época del Renacimiento se convierte en víctima de procesos bastante naturales, sobre todo porque muchas de sus ideas eran ajenas a la sociedad ignorante de aquellos tiempos que padecían numerosas epidemias. Es muy difícil inculcar en una persona su esencia divina cuando es pobre, dependiente y está en constante temor.
La Iglesia como baluarte de la civilización
Algunos historiadores acusan directamente a la Edad Media de diversos crímenes contra la humanidad, incluso cuando esto no es cierto. Por ejemplo, algunas fuentes se toman la libertad de afirmar que la ciencia no se desarrolló en la Edad Media. Sin embargo, muchas universidades europeas modernas aparecieron precisamente en el sitio de antiguos monasterios (Oxford) o gracias a los esfuerzos del clero (Sorbonne).
No tiene sentido negar que casi toda la educación de la antigüedad fue eclesiástica (y continuó siéndolo durante muchas décadas). Esto se explica fácilmente: el porcentaje más alto de personas alfabetizadas elementales se concentraba en el clero y, de ser así, ¿quién debería enseñar a sus "compañeros irracionales" si no los monjes y otros clérigos?
El desarrollo de la civilización es continuo. Aunque en ocasiones la humanidad tuvo que dar un paso atrás, la cultura del Renacimiento nunca se habría producido en la forma en que la conocemos, si no hubiera pasado por su espinoso camino en la oscuridad de la Edad Media. Así, las grandes obras literarias no habrían surgido si no hubieran sido precedidas por la obra centenaria de numerosas pepitas (cuya obra llamamos folclore sólo porque sus nombres permanecieron desconocidos). Si no existiera la poética caballeresca medieval, la Divina Comedia de Dante Alighieri y los sonetos de Petrarca difícilmente hubieran tenido lugar.
Las semillas deben caer en suelo fértil
No es muy correcto oponer la era anterior a la siguiente. Voltaire argumentó que la historia es un mito con el que todos estaban de acuerdo. No se puede dejar de admitir la veracidad de esta ingeniosa declaración. La historia del Renacimiento, un fenómeno complejo y diverso, no puede interpretarse sin ambigüedades. Hay una gran cantidad de versiones que explican este grandioso evento en los anales de la humanidad, muchas de las cuales tienen derecho a existir.
La creencia de que los artistas del Renacimiento lo descubrieron repentinamente y comenzaron a imitarlo amigablemente, tomada de la escuela, debe considerarse incompleta. Después de todo, las muestras de creatividad del arte grecorromano no desaparecieron en ninguna parte, se tradujeron obras significativas de autores antiguos del siglo VIII, pero no sucedió el Renacimiento durante otros ocho siglos.
Por supuesto, la caída de la Segunda Roma (Constantinopla), cuando figuras culturales (y no solo) asustadas por la horda musulmana se apresuraron hacia Occidente, llevándose consigo bibliotecas, iconos y (lo más importante) su conocimiento y experiencia, jugó un papel muy importante. Después de todo, la influencia de Bizancio en el arte renacentista es innegable. Aunque la Iglesia Romana rechazó la pintura de iconos, creció en un campo diferente. El icono de la Madre de Dios y la famosa "Madonna Sixtina" de Miguel Ángel, con todas las diferencias, tanto en técnica como en contenido, son la imagen de la misma mujer con el mismo bebé.
Una confluencia de circunstancias favorables
El renacimiento se hizo posible debido a la confluencia de muchos factores y razones, una de las cuales realmente es que el Renacimiento es una especie de respuesta a la Iglesia Católica, cuya influencia en ese momento era colosal, la riqueza era innumerable y el deseo de poder era insaciable. Este estado de cosas dio lugar a una poderosa protesta en la sociedad: rara vez a alguien le gustan los dogmas duros y el ascetismo prescrito en todas las esferas de la vida. Una persona tenía que sentir constantemente sobre él una fuerza superior (y hostil), que en cualquier momento podía caer sobre él, castigándolo por sus pecados. Las afirmaciones de la santa iglesia eran contrarias a la naturaleza humana misma.
El segundo factor, por supuesto, es la rápida formación del estado. El poder secular, adquiriendo una jerarquía armoniosa y medios significativos para dirigir a sus súbditos, no estaba en absoluto ansioso por entregar la palma al poder espiritual. Los ejemplos de batallas violentas entre la iglesia y los poderosos monarcas no son raros en la historia. El Renacimiento debe su muerte a uno de ellos.
La tercera razón es probablemente el hecho de que el Renacimiento fue una época en la que la vida cultural abandonó felizmente los monasterios, donde estuvo encerrada durante muchos años, y se concentró en ciudades ricas y de rápido crecimiento. Los duros dogmas que instruían a los artistas a escribir de una sola forma y de ninguna otra forma, restricciones sobre temas, etc., no podían deleitar a las personas realmente talentosas. Lucharon por la libertad, la consiguieron.
La cuarta condición importante para el nacimiento del Renacimiento fue el dinero, por cínico que pueda parecer. No es casualidad que los agradecidos descendientes deban a la Italia más rica en aquellos días en que apareció este maravilloso estilo. El Renacimiento no nació de la pobreza. El dogma de que un artista debería tener hambre es insostenible. Toda la época del Renacimiento es prueba de ello. El creador también debe comer, lo que significa que necesita órdenes, medios y espacio para utilizar su talento.
Bendita Florencia
Todo esto se encontró en Florencia, y sobre todo gracias al gobernante de la ciudad, Lorenzo el Magnífico. El patio del noble estaba brillante. Los pintores, escultores y arquitectos más talentosos han encontrado un mecenas confiable en Lorenzo. En la ciudad se construyeron numerosos palacios, templos, capillas y otras obras arquitectónicas. Los pintores recibieron numerosos encargos.
Por regla general, se acostumbra separar tres períodos del Renacimiento, pero algunos investigadores incluyen otro, el llamado Proto-Renacimiento, que todavía está estrechamente asociado con la Edad Media, pero que ya está adquiriendo nuevas características impregnadas de luz. Uno de los hechos más notables de esa época es la construcción de la Catedral de Florencia (siglo XIII), una estructura magnífica con una decoración interior maravillosa.
Renacimiento temprano
Después de la "preparación preliminar", apareció en escena el Renacimiento temprano: los historiadores nombran los años del comienzo y el final de este período por unanimidad, desde 1420 hasta 1500. Se necesitaron ochenta años para liberarse de los estrictos cánones dictados por la iglesia y volver a la herencia de gloriosos antepasados. Durante este período, la imitación de modelos antiguos se generaliza. Imágenes de un cuerpo humano desnudo con un reflejo amoroso de los músculos y las venas más pequeños caracterizan un nuevo estilo, desconocido para la Europa católica. El Renacimiento se convirtió en un verdadero himno a la belleza terrenal, que a veces se cantaba en formas tan francas que hubieran horrorizado al público hace unos ciento cincuenta años.
No se puede decir que tales tendencias encontraran comprensión entre todos los contemporáneos: hubo feroces luchadores contra el Renacimiento, quienes, gracias a sus actividades, lograron en el campo del oscurantismo de dudosa gloria eterna. El ejemplo más claro es el jefe del monasterio dominico florentino - Savonarola. Fue un crítico inagotable de la "lascivia" humanista y no dudó en quemar las obras que tanto le indignaban. Entre las pérdidas irrecuperables se encuentran varias pinturas de famosos maestros de la época, incluido Sandro Botticelli. Sus pinceles pertenecen al Renacimiento como "El nacimiento de Venus", "Primavera", "Cristo en la corona de espinas". Debo decir que casi todos los lienzos supervivientes del autor están dedicados a temas bíblicos, y es difícil para una persona moderna entender qué es lo que en ellos podría enfurecer al severo dominicano.
Sin embargo, el proceso se inició y no estaba en manos de los humanos detenerlo. Savonarola murió en 1498, y el Renacimiento continuó marchando por todo el país, conquistando nuevas ciudades: Roma, Venecia, Milán, Nápoles.
Entre los representantes más notables y característicos del Renacimiento temprano se encuentran el escultor Donatello, los pintores Giotto y Masaccio. Durante este período, las leyes de la perspectiva, descubiertas en el siglo XV, se aplicaron por primera vez en la pintura. Esto permitió más tarde crear pinturas tridimensionales y tridimensionales del Renacimiento; anteriormente esto no estaba disponible para los artistas.
En arquitectura, el vector de un mayor desarrollo lo estableció Filippo Brunelleschi, quien creó la magnífica cúpula de la Catedral de Santa Maria del Fiore.
Alto Renacimiento
El pico del desarrollo de la era fue el tercer período del Renacimiento: el Alto Renacimiento. Duró solo 27 años (1500-1527) y está asociado principalmente con la obra de los grandes maestros, cuyos nombres todos conocemos: Leonardo da Vinci, Miguel Ángel y Rafael.
En este momento, la capital cultural de Europa se trasladó de Florencia a Roma. El nuevo Papa Julio II (ascendió al trono en 1503) fue un hombre extraordinario, un gran admirador del arte y una persona de mente bastante amplia. Si no fuera por el clérigo, la gente no habría visto muchas obras de arte que se consideran legítimamente las perlas del patrimonio cultural mundial.
Los mejores artesanos, marcados con el sello del genio, reciben numerosos encargos. La ciudad hierve con la construcción. Arquitectos, escultores y pintores trabajan codo con codo (ya veces "combinando posiciones") creando sus obras inmortales. En este momento, se diseñó y comenzó la construcción de la Catedral de San Pedro, la iglesia más famosa y grandiosa de la fe católica.
La pintura de la Capilla Sixtina, realizada por Miguel Ángel con su propia mano, encarna todo el significado, la perfección y la belleza que nos dieron los artistas del Renacimiento, que eligieron al Hombre como centro de su Universo (así, con mayúscula): una criatura divina, un creador cuyas posibilidades son casi infinitas.
Todo llega a un final
En 1523, Clemente VII se convirtió en Papa e inmediatamente se involucró en una guerra con el emperador Carlos V, creando la llamada Liga Cognac, que incluía Florencia, Milán, Venecia y Francia. El Pontífice no quería compartir su poder con los Habsburgo, y la Ciudad Eterna tenía que pagarlo. En 1527 el ejército de Carlos V, por mucho tiempo no recibió un salario (el emperador se consumió durante las hostilidades), primero asedió Roma y luego irrumpió en Roma y saqueó sus palacios y templos. La gran ciudad se despobló y el Alto Renacimiento llegó a su fin.
La Enciclopedia Británica afirma que, como era histórica holística, el Renacimiento, el siglo (1420-1527) que gobernó en la bendita Italia, ha terminado. Aquellos que no están de acuerdo con los compiladores del libro de referencia más famoso del mundo llaman al período que comenzó después de 1530 el Renacimiento tardío y aún no pueden ponerse de acuerdo sobre cuándo terminó. Hay argumentos a favor de las décadas de 1590, 1620 e incluso de 1630, pero es poco probable que los fenómenos residuales individuales puedan ser signos de toda una era.
Edad de la degeneración
En esta época, los fenómenos culturales son muy diversos, aparecen tendencias que son consideradas manifestaciones de crisis y degeneración en el arte (por ejemplo, el manierismo florentino). Se caracteriza por una cierta pretensión, un detalle excesivo, una concentración en la “idea del artista”, accesible sólo a un círculo reducido de expertos. La escultura, la arquitectura y la pintura del Renacimiento, que estaban en una incansable búsqueda de la armonía, dieron paso a posturas antinaturales, rizos interminables y colores monstruosos característicos de una nueva tendencia en el mundo del arte.
Sin embargo, es demasiado pronto para hablar de la muerte final del Renacimiento. En algunas ciudades de Italia siguen viviendo artistas del Renacimiento que se mantienen fieles a las grandes tradiciones. Entonces, el gran Tiziano, que puede considerarse el representante más brillante del Renacimiento, trabajó en Venecia hasta 1576.
Mientras tanto, Italia y Europa afrontaron tiempos difíciles. Tras las libertades inconcebibles en la Edad Media, que trajo consigo el Renacimiento, siguió una severa reacción. La Santa Inquisición reformada volvió a tomar las riendas del gobierno. Las hogueras ardían en las plazas: el fuego devoró tanto a los herejes como a sus obras.
Casi todos los libros introducidos por el nuevo Papa Pablo IV en el "Índice de libros prohibidos" romano fueron destruidos (un poco antes, las listas correspondientes se publicaron en los Países Bajos, París y Venecia). El trabajo de los inquisidores fue difícil, porque fue en el Renacimiento cuando apareció la impresión de libros: a fines del siglo XV, Gutenberg logró crear la primera Biblia impresa. Los llamamientos heréticos de los humanistas del Renacimiento se esparcieron, por supuesto, no en millones de copias, pero los santos padres tenían algo que hacer.
Los historiadores dicen que la persecución religiosa en Italia fue la más despiadada de Europa, una cruel retribución por un siglo de libertad y belleza.
Renacimiento del Norte: uno de los fenómenos del Renacimiento
La mayoría de las veces, cuando hablan del Renacimiento, se refieren exactamente al Renacimiento italiano: este fenómeno nació y alcanzó su punto máximo aquí. Hoy en Italia, ciudades enteras pueden considerarse monumentos de arquitectura, pintura y escultura de la época.
Sin embargo, por supuesto, el Renacimiento no se limitó solo a los Apeninos. El llamado Renacimiento del Norte se originó en Europa a mediados del siglo XVI y dio al mundo muchas obras maravillosas. Un rasgo característico de este estilo fue la mayor influencia del arte gótico medieval. Aquí, la herencia antigua no recibió tanta atención como en Italia, y se mostró más indiferencia hacia las complejidades de la anatomía. Los creadores del Renacimiento del Norte incluyen a Durero, Van Eyck, Cranach. En la literatura, este acontecimiento estuvo marcado por las obras de Shakespeare y Cervantes.
La influencia del Renacimiento en la cultura no se puede exagerar: es enorme. Habiendo repensado y enriquecido la cultura antigua, el Renacimiento creó la suya propia y le dio a la humanidad una gran cantidad de obras de arte inmortales que, por supuesto, mejoraron el mundo en el que vivimos.
Ella le dio al mundo una persona inteligente y de voluntad fuerte, la creadora de su propio destino y de ella misma. Ha habido cambios significativos en la mentalidad de las personas en comparación con la Edad Media. En primer lugar, se intensificaron los motivos seculares en la cultura europea. Varias esferas de la vida social - arte, filosofía, literatura, educación - se han vuelto cada vez más independientes e independientes. El principal actor Época, una persona enérgica y liberada que sueña con realizar sus ideales terrenales personales, lucha por la independencia en todas las esferas de su actividad, tratando de realizar diversos intereses, desafiando tradiciones y órdenes establecidos, se ha convertido en una especie de centro cultural.
Su nombre Renacimiento (en francés "Renacimiento", en italiano "Renacimiento") recibido de la mano ligera del artista, arquitecto e historiador del arte italiano Giorgio Vasari, quien en su libro "Biografías de grandes pintores, escultores y arquitectos" designó este término como el período del arte italiano a partir de 1250 a 1550 Así, quiso enfatizar el retorno a la vida de sociedad de los ideales culturales de la antigüedad y definir una nueva era cultural e histórica que reemplazara a la Edad Media.
Condiciones previas y características de la cultura renacentista
El principal requisito previo para la formación de un nuevo tipo de cultura fue una nueva visión del mundo, debido a cambios significativos en la vida de muchos países europeos. En Italia, y luego en los Países Bajos, Alemania, Francia, Inglaterra, el comercio se desarrolló rápidamente y, con él, las primeras empresas industriales, las fábricas, adquirieron una gran importancia. Las nuevas condiciones de vida dieron lugar naturalmente a un nuevo pensamiento, que se basó en el librepensamiento secular. El ascetismo de la moral medieval no se correspondía con la práctica de la vida real de los nuevos grupos y estratos sociales que salieron a la luz en vida publica... Las características del racionalismo, la prudencia, la conciencia del papel de las necesidades personales de una persona se manifestaron cada vez más. Se ha desarrollado una nueva moral que justifica las alegrías de la vida mundana, afirma el derecho humano a la felicidad terrenal, al libre desarrollo y la manifestación de todas las inclinaciones naturales. Fortaleciendo los sentimientos seculares, el interés por los hechos terrenales del hombre tuvo una influencia decisiva en el surgimiento y formación de la cultura del Renacimiento.
El lugar de nacimiento del Renacimiento fue Florencia, que en el siglo XIII. era una ciudad de ricos comerciantes, dueños de manufacturas, una gran cantidad de artesanos, organizados en talleres. Además, los talleres de médicos, farmacéuticos, músicos, abogados, procuradores y notarios fueron muy numerosos para esa época. Fue entre los representantes de esta clase que comenzaron a formarse círculos de personas cultas, que decidieron estudiar el patrimonio cultural. Antigua Grecia y la Antigua Roma. Recurrieron a la herencia artística del mundo antiguo, las obras de los griegos y romanos, que en un momento crearon la imagen de una persona que no estaba limitada por los dogmas de la religión, hermosa en cuerpo y alma. Por lo tanto, una nueva era en el desarrollo de la cultura europea se denominó "Renacimiento", reflejando el deseo de devolver las muestras y valores de la cultura antigua en nuevas condiciones históricas.
El resurgimiento de la herencia antigua comenzó con el estudio de las lenguas griega y latina; más tarde, el latín se convirtió en la lengua del Renacimiento. Los fundadores de la nueva era cultural (historiadores, filólogos, bibliotecarios) estudiaron manuscritos y libros antiguos, compilaron colecciones de antigüedades, restauraron obras olvidadas de autores griegos y romanos y volvieron a traducir textos científicos distorsionados en la Edad Media. Estos textos no solo fueron monumentos de otra época cultural, sino también "maestros" que les ayudaron a descubrirse a sí mismos, a moldear su personalidad.
Poco a poco, otros monumentos de la cultura artística de la antigüedad, principalmente escultóricos, cayeron en el círculo de intereses de estos ascetas. En ese momento, en Florencia, Roma, Ravenna, Nápoles, Venecia, todavía había bastantes estatuas griegas y romanas, vasijas pintadas, edificios arquitectónicos. Por primera vez en un milenio de dominio cristiano, las esculturas antiguas no fueron tratadas como ídolos paganos, sino como obras de arte. Posteriormente, la herencia antigua se incluyó en el sistema educativo y una amplia gama de personas se familiarizó con la literatura, la escultura y la filosofía. Los poetas y artistas, imitando a los autores antiguos, buscaron revivir el arte antiguo. Pero, como sucede a menudo en la cultura, el deseo de revivir los principios y las formas antiguas conduce a la creación de uno nuevo. La cultura renacentista no fue un simple regreso a la antigüedad. Ella lo desarrolló y lo interpretó de una manera nueva basada en las condiciones históricas cambiadas. Por tanto, la cultura del Renacimiento fue el resultado de una síntesis de lo antiguo y lo nuevo. La cultura del Renacimiento se formó como negación, protesta, rechazo de la cultura medieval. Se negó el dogmatismo y la escolástica, se privó a la teología de su anterior autoridad. La actitud hacia la iglesia y el clero se volvió crítica. Los investigadores coinciden en que en ninguna época de la historia de la cultura europea se han creado tantos escritos y dichos anti-eclesiásticos como en el Renacimiento.
Sin embargo, el Renacimiento no fue una cultura no religiosa. Muchas de las mejores obras de esta época nacieron en la corriente principal del arte de la iglesia. Casi todos los grandes maestros del Renacimiento crearon frescos, diseñaron y pintaron catedrales, haciendo referencia a personajes e historias bíblicas. Los humanistas volvieron a traducir y comentaron la Biblia y se dedicaron a la investigación teológica. Por tanto, podemos hablar de repensar la religión y no de rechazarla. La comprensión del mundo por el hombre lleno de belleza divina se convierte en una de las tareas ideológicas de esta época. El mundo atrae a una persona, ya que está espiritualizada por Dios, pero es posible conocerla solo con la ayuda de sus propios sentimientos. En este proceso de cognición, el ojo humano, según las figuras culturales de la época, es el medio más fiel y confiable. Por lo tanto, en la era del Renacimiento italiano, existe un gran interés en la percepción visual, la pintura y otros tipos de arte espacial florecen, lo que le permite ver y capturar con mayor precisión y verdad la belleza divina. En el Renacimiento, los artistas más que otros determinaron el contenido de la cultura espiritual de su tiempo, por lo que tiene un marcado carácter artístico.
La formación de la imagen renacentista del mundo y el estilo artístico que la implementa se puede dividir en varias etapas: preparatoria, temprana, alta, tardía y final. Cada uno de ellos tenía un aspecto diferente y era heterogéneo desde el interior. Al mismo tiempo, todavía existían estilos medievales: gótico tardío, protorrenacentista, manierismo, etc. Tomados en conjunto, forman una paleta rica y variada de medios para expresar la cosmovisión renacentista.
El arte del Renacimiento luchó por el racionalismo, una visión científica de las cosas, la imitación de la naturaleza. En este momento, surge un interés excepcional por la armonía de la naturaleza. La imitación de ella se convirtió en el principio central de la teoría del arte del Renacimiento e implicaba la adhesión a las leyes de la naturaleza, y no a la apariencia externa de los objetos y fenómenos del mundo circundante. Hubo una contaminación (una combinación de dos principios en una obra) de la imagen de la naturaleza y la creatividad de acuerdo con las leyes de la naturaleza.
La encarnación de la belleza del hombre, considerado como la creación suprema del mundo natural, adquirió especial importancia. Los artistas prestaron principalmente atención a la perfección del cuerpo humano. Si la conciencia medieval consideraba el cuerpo como una capa exterior, el foco de los instintos animales, una fuente de pecaminosidad, entonces la cultura renacentista lo consideraba el valor estético más importante. Después de siglos de descuido de la carne, el interés por la belleza física está creciendo rápidamente.
En este momento, se asignó un papel importante al culto a la belleza femenina. Muchos artistas han tratado de desentrañar el misterio del encanto del bello sexo. Esto se debió en gran parte a la revisión de la posición de la mujer en vida real... Si en la Edad Media su destino estuvo indisolublemente ligado a las tareas del hogar, la crianza de los hijos, el alejamiento del entretenimiento secular, entonces durante el Renacimiento, el espacio vital de una mujer se expandió significativamente. Se va formando el ideal de una dama relajada, educada, emancipada, que brille en la sociedad, aficionada al arte, que sepa ser una interlocutora interesante. Ella busca mostrar su belleza, dejando al descubierto su cabello, cuello, brazos, vistiendo vestidos escotados, usando cosméticos. El muelle incluye decoración de ropa con oro, bordados de plata, pedrería, encajes. Una mujer hermosa, elegante y educada busca encantar, influir en el mundo con su atractivo, encanto.
A diferencia de la Edad Media, que creó el ideal de una mujer frágil de cuerpo esbelto, rostro pálido, mirada serena, humilde, educada en oración, el Renacimiento dará preferencia a las doncellas físicamente fuertes. En este momento, se aprecian las formas femeninas con curvas. El ideal de belleza, estéticamente atractivo, era considerada una mujer embarazada que personificaba un principio verdaderamente femenino, la participación en el gran misterio de la procreación. Los signos de la belleza masculina eran la fuerza física, la energía interna, la voluntad, la determinación, la capacidad de lograr reconocimiento, la fama. La era del Renacimiento dio lugar a una variedad de definiciones de belleza, basadas en el culto a la singularidad humana.
Todo esto condujo a un aumento del papel del arte en la vida pública, que se convirtió en el principal tipo de actividad espiritual durante el Renacimiento. Para la gente de esa época, se convirtió en lo que era la religión en la Edad Media y en los tiempos modernos: ciencia y tecnología. La conciencia pública estaba dominada por la creencia de que obra de ficción es capaz de expresar de la manera más completa el ideal de un mundo armoniosamente organizado, donde una persona ocupa el lugar central. Todos los tipos de arte estaban subordinados a esta tarea en diversos grados.
Especialmente crece el papel del artista, al que se le compara con el creador del universo. Los artistas se proponen imitar la naturaleza, no creen que el arte sea ni siquiera superior a la naturaleza. La habilidad técnica, la independencia profesional, la erudición, una visión independiente de las cosas y la capacidad de crear una obra de arte "viva" son cada vez más apreciadas en su trabajo.
Junto con las obras de pintura y escultura monumentales, que se asociaron directamente con estructuras arquitectónicas, las obras de arte de caballete, que adquirieron un valor independiente, recibieron cada vez más desarrollo. Comenzó a gestarse un sistema de géneros: junto al género religioso-mitológico, que aún ocupaba el lugar principal, aparecieron en un principio algunas obras de los géneros histórico, cotidiano y paisajístico; el género del retrato revivido es de gran importancia; Aparece un nuevo tipo de arte que se generalizará: el grabado.
En esa época, la posición dominante de la pintura predeterminó su influencia en otras artes. Si en la Edad Media dependió del arte de la palabra, limitando sus tareas a ilustrar textos bíblicos, el Renacimiento cambió de lugar entre la pintura y la literatura, haciendo que la narración literaria dependiera de la imagen del mundo visible en la pintura. Los escritores comenzaron a describir el mundo como se podía ver.
Arte renacentista italiano
La formación y el desarrollo de la cultura renacentista fue un proceso largo y desigual. Italia se convirtió en la cuna del Renacimiento, donde nació una nueva cultura antes que en otros países. El marco cronológico abarca el período de la segunda mitad del siglo XIII. hasta la primera mitad del siglo XVI. inclusivo. Durante este tiempo, el arte del Renacimiento italiano pasó por varias etapas de desarrollo. Entre los historiadores del arte, estas etapas suelen denominarse con el nombre de los siglos: siglo XIII. llamado Duchento (literalmente - dos centésimas), siglo XIV. - trecento (tres centésimas), siglo XV. - Quattrocento (cuatrocientos), siglo XVI. - cinquecento (cinco centésimas).
Los primeros brotes de una nueva cosmovisión y cambios en la creatividad artística aparecieron a fines del siglo XIII y principios del siglo XIV. fueron reemplazados por una ola de arte gótico. Estos fenómenos se convirtieron en una especie de "pre-renacimiento" y recibieron el nombre de Proto-Renacimiento. En el siglo XV se desarrollaron ampliamente nuevos fenómenos en la cultura de Italia. Esta etapa, designada como quattrocento, también se llama el Renacimiento temprano. La cultura artística del Renacimiento alcanzó su plenitud y florecimiento a finales del siglo XV - principios del XVI. Este período de mayor floración, que duró solo 30-40 años, se llama Renacimiento alto o clásico. En general, el Renacimiento se volvió obsoleto en Italia en la década de 1530, pero los últimos 2/3 del siglo XVI. sigue existiendo en Venecia. Este período generalmente se llama Renacimiento tardío.
Cultura protorrenacentista
comienzo nueva era asociado a la obra del artista florentino Giotto di Bondone. En las artes visuales del Proto-Renacimiento, Giotto es una figura central, ya que los grandes pintores del Renacimiento lo consideraron un reformador de la pintura. Gracias a él, la laboriosa técnica del mosaico fue reemplazada por la técnica del fresco, que estaba más en línea con los requisitos de la pintura, permitiendo una transferencia más precisa del volumen y la densidad del material que los mosaicos con su imperceptibilidad de la materia, y más rápido para crear composiciones de múltiples figuras.
Giotto fue el primero en implementar el principio de imitar la naturaleza en la pintura. Comenzó a extraer personas vivas de la naturaleza, lo que no se hacía ni en Bizancio ni en la Europa medieval. Si en las obras de arte medieval figuras incorpóreas con rostros ascéticos severos apenas tocan el suelo, entonces las figuras de Giotto parecen voluminosas, materiales. Logró este efecto gracias al modelado de luz, según el cual el ojo humano percibe la luz más cerca de él, la oscuridad más lejana. Al trabajar en los frescos, el artista prestó especial atención a mostrar el estado de ánimo de los personajes.
La frontera entre Ducento y Trecento (siglos XIII-XIV) resultó ser un punto de inflexión en la vida cultural de Italia. En cierto sentido, corona la Edad Media y al mismo tiempo sirve como punto de partida del Renacimiento. Durante este período, la poesía expresó más plenamente una nueva cultura y un nuevo sentido del mundo. Fue en la literatura donde se indicó con mayor claridad la gravitación hacia lo nuevo, manifestada en otras orientaciones de valores. Los exponentes más brillantes y talentosos de las nuevas tradiciones fueron Dante, Francsco Petrarca, Giovanni Boccaccio.
Dante Alighieri al comienzo de su poesía, estuvo estrechamente asociado con una nueva dirección en la poesía italiana, conocida como la escuela del "nuevo estilo dulce", en la que el amor por una mujer se idealizaba e identificaba con el amor por la sabiduría y la virtud. Sus primeras obras fueron poemas líricos de amor, en los que Dante actuó como imitador de los poetas cortesanos franceses. El personaje principal su creación literaria fue la joven florentina Beatrice, que murió siete años después de su encuentro, pero el poeta llevó su amor por ella durante toda su vida.
Dante entró en la historia de la cultura mundial como autor del poema "La Divina Comedia". Inicialmente, llamó a su grandiosa epopeya una comedia, siguiendo la tradición medieval según la cual cualquier trabajo literario con mal comienzo y buen final. El epíteto "Divino" se añadió al nombre a finales del siglo XIV. con el fin de enfatizar el valor artístico y la excelencia poética de la obra.
"La Divina Comedia" tiene una estructura clara: tres partes principales - "Infierno", "Purgatorio", "Paraíso", cada una de las cuales consta de 33 canciones, fue escrita por terzins - formas poéticas en forma de tres estrofas. El contenido del poema de Dante está conectado con su teoría de los cuatro significados de las obras poéticas: literal, alegórica, moral y análoga (es decir, superior).
El poema de la Divina Comedia se basa en la trama tradicional del género de las "visiones", cuando una persona que está sumida en sus vicios es ayudada por fuerzas celestiales (la mayoría de las veces bajo la apariencia de su ángel de la guarda) a comprender su injusticia, lo que le permite ver el cielo y el infierno. Una persona cae en un sueño letárgico, durante el cual su alma va al más allá. La trama de Dante se ve así: el salvador de su alma es su amada Beatriz, muerta hace mucho tiempo, que envía al antiguo poeta Virgilio para ayudar al alma de Alighieri, acompañándolo en su viaje a través del infierno y el purgatorio. En el paraíso, sigue a la propia Beatriz, ya que el pagano Virgilio no tiene derecho a estar allí.
Dante describió el infierno como un abismo subterráneo en forma de embudo, cuyas laderas están rodeadas por cornisas concéntricas, "círculos del infierno". Al estrecharse, llega al centro del globo con un lago helado en el que Lucifer está congelado. En los círculos del infierno se castiga a los pecadores; cuanto más terrible es su pecado, más abajo en el círculo están. Durante su viaje, Dante atraviesa los nueve círculos del infierno, desde el primero, donde están los bebés no bautizados y los no cristianos virtuosos, hasta el noveno, donde los traidores son atormentados, entre los cuales vemos a Judas. No todos los pecadores repugnan y censuran a Dante. Entonces, en la interpretación del amor de Francesca y Paolo, se manifiesta la simpatía del poeta, porque el amor por él no es un pecado condenado, sino un sentimiento determinado por la propia naturaleza de la vida.
Dante presentó al Purgatorio como una enorme montaña en forma de cono que se eleva en medio del océano en el hemisferio sur. De acuerdo con las enseñanzas de Tomás de Aquino, el purgatorio es un lugar donde las almas de los pecadores, que no han recibido el perdón en la vida terrenal, pero tampoco están cargadas de pecados mortales, arden en un fuego purificador antes de acceder al cielo. (Tenga en cuenta que el fuego purificador del purgatorio fue percibido por algunos teólogos como un símbolo de dolores de conciencia y arrepentimiento, por otros como un fuego real). El período de permanencia del alma de un pecador en el purgatorio podría ser acortado por sus familiares y amigos que permanecieron en la tierra realizando "buenas obras" - oraciones, misas, donaciones a la iglesia.
El paraíso, según Dante, es un área maravillosa y misteriosa. Esta radiante morada de Dios tiene la forma de un lago redondo y es el corazón de la rosa del Paraíso. Las almas benditas que se encuentran allí toman el lugar correspondiente a sus hazañas y gloria.
El gran poema de Dante es una imagen única del universo, la naturaleza y la existencia humana. Aunque el mundo representado en La Divina Comedia es ficticio, en muchos aspectos es similar a las imágenes terrestres: las profundidades y los lagos infernales son como sumideros terribles en los Alpes, las cubas infernales son como las cubas del arsenal veneciano, donde se hierve alquitrán para calafatear barcos, una montaña de purgatorio y bosques en ella es lo mismo que las montañas y los bosques terrenales, y los jardines paradisíacos son como los fragantes jardines de Italia. Hasta el día de hoy, La Divina Comedia sigue siendo una obra maestra insuperable de la literatura. La poderosa fantasía de Dante describía un mundo tan inusualmente convincente que muchos de sus ingeniosos contemporáneos creían sinceramente en el viaje del autor al otro mundo.
F.Lippe Madonna
A principios del siglo XV, se produjeron en Italia enormes cambios en la vida y la cultura. Los ciudadanos, comerciantes y artesanos de Italia desde el siglo XII han librado una lucha heroica contra la dependencia feudal. Al desarrollar el comercio y la producción, la gente del pueblo se enriqueció gradualmente, se despojó del poder de los señores feudales y organizó ciudades-estado libres. Estas ciudades italianas libres se estaban volviendo muy poderosas. Sus ciudadanos estaban orgullosos de sus conquistas. La enorme riqueza de las ciudades italianas independientes se convirtió en la razón de su brillante florecimiento. La burguesía italiana miraba el mundo con otros ojos, creía firmemente en sí misma, en su fuerza. Eran ajenos a la lucha por el sufrimiento, la humildad, el rechazo de todas las alegrías terrenales que les habían sido predicadas hasta ahora. Creció el respeto por el hombre terrenal, que disfruta de las alegrías de la vida. La gente comenzó a relacionarse activamente con la vida, estudiar con entusiasmo el mundo y admirar su belleza. Durante este período, nacieron varias ciencias, se desarrolló el arte.
En Italia, han sobrevivido muchos monumentos de arte de la Antigua Roma, por lo que la época antigua fue nuevamente venerada como modelo, el arte antiguo se convirtió en objeto de admiración. La imitación de la antigüedad dio lugar al nombre de este período en el arte: el Renacimiento, que en la traducción del francés significa "Renacimiento". Por supuesto, esto no fue una repetición ciega y exacta del arte antiguo, ya era nuevo, pero basado en ejemplos antiguos de arte. El Renacimiento italiano se divide en 3 etapas: siglos VIII-XIV - Prerrenacentista (Proto-Renacimiento o Trecento-con él); Siglo XV - Renacimiento temprano (Quattrocento); finales del siglo XV - principios del siglo XVI - Alto Renacimiento.
Se realizaron excavaciones arqueológicas en toda Italia, en busca de monumentos antiguos. Las estatuas, monedas, platos y armas recién descubiertas fueron cuidadosamente conservadas y recolectadas en museos creados especialmente para esto. Los artistas aprendieron de estas muestras de la antigüedad, las pintaron de la naturaleza.
Vuelo a Egipto (Giotto)
Trecento (prerrenacentista)
El verdadero comienzo del Renacimiento está asociado con el nombre Giotto di Bondone (¿1266? - 1337). Se le considera el fundador de la pintura renacentista. El florentino Giotto tiene grandes servicios a la historia del arte. Fue un renovador, el antepasado de toda la pintura europea posterior a la Edad Media. Giotto dio vida a las escenas del Evangelio, creó imágenes de personas reales, espiritualizadas, pero terrenales.
Regreso de Joaquín a los pastores (Giotto)
Giotto crea volúmenes por primera vez utilizando claroscuro. Le encantan los colores claros y limpios en tonos fríos: rosa, gris perla, violeta pálido y violeta claro. La gente de los frescos de Giotto es fornida, con pisada pesada. Tienen grandes rasgos faciales, pómulos anchos, ojos estrechos. Su hombre es amable, atento, serio.
Fresco de Giotto en el templo de Padua
De las obras de Giotto, los frescos de los templos de Padua son los que mejor se conservan. Aquí presentó las historias del evangelio como existentes, terrenales, reales. En estas obras narra los problemas que preocupan a las personas en todo momento: la bondad y el entendimiento mutuo, la traición y la traición, la profundidad, el dolor, la mansedumbre, la humildad y el amor maternal eterno y devorador.
Fresco de Giotto
En lugar de figuras aisladas y separadas, como en la pintura medieval, Giotto logró crear una historia coherente, una narrativa completa sobre la compleja vida interior de los héroes. En lugar del fondo dorado convencional de los mosaicos bizantinos, Giotto introduce un fondo de paisaje. Y si en la pintura bizantina las figuras parecían flotar, colgadas en el espacio, entonces los héroes de los frescos de Giotto encontraron tierra firme bajo sus pies. La búsqueda de Giotto por la transferencia del espacio, la plasticidad de las figuras, la expresividad del movimiento hicieron de su arte toda una etapa del Renacimiento.
Fresco de S. Martini
Uno de los famosos maestros prerrenacentistas es Simone Martini (1284-1344).
En su pintura, se han conservado las características del gótico del norte: las figuras de Martini son alargadas y, por regla general, sobre un fondo dorado. Pero Martini crea imágenes con la ayuda del claroscuro, les da un movimiento natural, intenta transmitir un cierto estado psicológico.
Fragmento de un fresco. Domenico Ghirlandaio (1449-1494)
Quattrocento (Renacimiento temprano)
La antigüedad jugó un papel muy importante en la formación de la cultura secular del Renacimiento temprano. La Academia Platónica abre en Florencia, la biblioteca Laurentian contiene la colección más rica de manuscritos antiguos. Aparecieron los primeros museos de arte, llenos de estatuas, fragmentos de arquitectura antigua, mármoles, monedas, cerámicas.
Durante el Renacimiento, surgieron los principales centros de la vida artística de Italia: Florencia, Roma, Venecia. Uno de los centros más grandes, el lugar de nacimiento del arte nuevo y realista fue Florencia. En el siglo XV vivieron, estudiaron y trabajaron muchos maestros de renombre del Renacimiento.
Catedral de Santa Maria del Fiore (Catedral de Florencia)
Arquitectura del Renacimiento temprano
Los habitantes de Florencia tenían un alto cultura artística, participaron activamente en la creación de monumentos de la ciudad, discutieron opciones para la construcción de hermosos edificios. Los arquitectos abandonaron todo lo que se parecía al gótico. Bajo la influencia de la antigüedad, los edificios coronados con una cúpula comenzaron a considerarse los más perfectos. El ejemplo aquí fue el Panteón Romano.
Florencia es una de las ciudades más bellas del mundo, una ciudad museo. Ha mantenido su arquitectura de la antigüedad casi intacta, sus edificios más bellos fueron construidos principalmente durante el Renacimiento. Sobre los techos de ladrillo rojo de los edificios antiguos de Florencia, se eleva el enorme edificio de la Catedral de Santa Maria del Fiore, que a menudo se llama simplemente la Catedral de Florencia. Su altura alcanza los 107 metros. Una magnífica cúpula, cuya esbeltez se acentúa con nervaduras de piedra blanca, corona la catedral. La cúpula es llamativa en tamaño (su diámetro es de 43 m), corona todo el panorama de la ciudad. La catedral es visible desde casi todas las calles de Florencia, claramente se alza contra el cielo. Este magnífico edificio fue construido por el arquitecto Filippo Brunelleschi (1377-1446).
Basílica de San Pedro (arquitectos Brunelleschi y Bramante)
El edificio abovedado más magnífico y famoso del Renacimiento fue catedral de san pedro en roma... Fue construido por más de 100 años. Los creadores del proyecto original fueron arquitectos Bramante y Miguel Ángel.
Los edificios renacentistas están decorados con columnas, pilastras, cabezas de león y putti (bebés desnudos), coronas de flores y frutos de yeso, hojas y muchos detalles, ejemplos de los cuales se encontraron en las ruinas de los antiguos edificios romanos. El arco de medio punto volvió a ponerse de moda. La gente rica empezó a construir casas más bonitas y cómodas. En lugar de casas muy juntas, aparecieron lujosos palacios: palazzo.
David (sc. Donatello)
Escultura del Renacimiento temprano
En el siglo XV, trabajaron en Florencia. dos escultores famosos: Donatello y Verrocchio. Donatello (1386? - 1466) - uno de los primeros escultores en Italia que utilizó la experiencia del arte antiguo. Creó una de las hermosas obras de principios del Renacimiento: la estatua de David.
Según la leyenda bíblica, un simple pastor, el joven David, derrotó al gigante Goliat, y así salvó a los habitantes de Judea de la esclavitud y luego se convirtió en rey. David fue una de las imágenes favoritas del Renacimiento. El escultor lo representa no como un santo humilde de la Biblia, sino como un joven héroe, vencedor, defensor de su ciudad natal. En su escultura, Donatello glorifica al hombre como el ideal de una bella personalidad heroica que surgió durante el Renacimiento. David es coronado con la corona de laurel del ganador. Donatello no tuvo miedo de presentar un detalle como un sombrero de pastor, un signo de su origen simple. En la Edad Media, la iglesia prohibió representar un cuerpo desnudo, considerándolo un recipiente del mal. Donatello fue el primer maestro en violar valientemente esta prohibición. Afirma con esto que el cuerpo humano es hermoso. La estatua de David es la primera escultura redonda de esa época.
Estatua del comandante Gattamelata (sc. Donatello)
También se conoce otra maravillosa escultura de Donatello: una estatua de un guerrero, el comandante Gattamelata. Fue el primer monumento ecuestre del Renacimiento. Creado hace 500 años, este monumento todavía se encuentra en un pedestal alto, decorando una plaza en la ciudad de Padua. Por primera vez en la escultura no se inmortalizó a un dios, ni a un santo, ni a un noble y rico, sino a un noble, valiente y formidable guerrero de gran alma, que merecía gloria por sus grandes hazañas. Vestido con una armadura antigua, Gattemelata (este es su apodo que significa "gato manchado") se sienta en un poderoso caballo en una pose tranquila y majestuosa. Los rasgos del rostro del guerrero enfatizan un carácter decidido y firme.
Monumento ecuestre al Condottiere Colleoni (Verrocchio)
Andrea Verrocchio (1436-1488)
El estudiante más famoso de Donatello, quien creó el famoso monumento ecuestre al Condottiere Colleoni, que se erigió en Venecia en la plaza cerca de la Iglesia de San Giovanni. Lo principal que impacta en el monumento es el movimiento enérgico conjunto del caballo y el jinete. El caballo, por así decirlo, corre más allá del pedestal de mármol en el que está instalado el monumento.
Colleoni, de pie sobre los estribos, estirada, con la cabeza en alto, mira a lo lejos. Una mueca de ira y tensión se congeló en su rostro. En su pose se puede sentir una gran voluntad, su rostro se asemeja a un ave de presa. La imagen está llena de fuerza indestructible, energía, autoridad dura.
Fresco Masaccio
Pintura del Renacimiento temprano
El Renacimiento también renovó el arte de la pintura. Los pintores aprendieron a transmitir correctamente el espacio, la luz y la sombra, las posturas naturales, una variedad de sentimientos humanos. Fue el Renacimiento temprano que fue el momento de la acumulación de estos conocimientos y habilidades. Las pinturas de esa época están impregnadas de luz y buen humor. El fondo a menudo se pinta en colores claros, y los edificios y los motivos naturales se delinean con líneas nítidas, prevalecen los colores puros. Con ingenua diligencia, se representan todos los detalles del evento, los personajes suelen estar alineados y separados del fondo por contornos claros.
La pintura del Renacimiento temprano solo buscó la perfección, sin embargo, debido a su sinceridad, toca el alma del espectador.
Tommaso di Giovanni di Simone Cassai Guidi, conocido como Masaccio (1401-1428)
Se le considera un seguidor de Giotto y el primer maestro de la pintura del Renacimiento temprano. Masaccio vivió solo 28 años, pero en su corta vida dejó una huella en el arte difícil de sobreestimar. Logró completar las transformaciones revolucionarias iniciadas por Giotto en la pintura. Su pintura se distingue por un color oscuro y profundo. Las personas de los frescos de Masaccio son mucho más densas y poderosas que las de las pinturas del período gótico.
Fresco Masaccio
Masaccio fue el primero en colocar correctamente los objetos en el espacio, teniendo en cuenta la perspectiva; comenzó a representar a las personas de acuerdo con las leyes de la anatomía.
Pudo conectar figuras y paisajes en una sola acción, de manera espectacular y, al mismo tiempo, es bastante natural transmitir la vida de la naturaleza y las personas, y este es el gran mérito del pintor.
Adoración de los Magos (Masaccio)
Virgen y Niño con cuatro ángeles (Masaccio)
Se trata de una de las pocas obras de caballete que Masaccio encargó en 1426 para la capilla de la Iglesia de Santa María del Carmine de Pisa.
Madonna se sienta en un trono, construido estrictamente de acuerdo con las leyes de la perspectiva de Giotto. Su figura está pintada con trazos seguros y claros que dan la impresión de una dimensión escultórica. Su rostro está tranquilo y triste, su mirada distante no se dirige a ninguna parte. Envuelta en un manto azul oscuro, la Virgen María sostiene en sus brazos al Niño, cuya figura dorada se destaca con fuerza sobre un fondo oscuro. Los pliegues profundos del manto permiten al artista jugar con el claroscuro, lo que también crea un efecto visual especial. El bebé come uvas negras, símbolo del sacramento. Los ángeles impecablemente dibujados (el artista conocía perfectamente bien la anatomía humana) que rodean a la Virgen le dan a la imagen un sonido emocional adicional.
Masaccio, fresco de la biblioteca de la catedral de Siena, dedicado a la vida del humanista y poeta Enea Silvio Piccolomini (1405-1464)
Aquí se muestra la salida ceremonial del Cardenal Capranic a la Catedral de Basilea, que duró casi 18 años, de 1431 a 1449, primero en Basilea y luego en Lausana. El joven Piccolomini también estaba en el séquito del cardenal.
Un grupo de caballeros, acompañados de pajes y sirvientes, se presenta en un elegante marco de arco de medio punto. El evento no es tan real y confiable como caballerescamente refinado, casi fantástico.
En primer plano, un hermoso jinete sobre un caballo blanco, con un vestido y un sombrero lujosos, gira la cabeza y mira al espectador: este es Eneas Silvio. El artista pinta con gusto ricas ropas, hermosos caballos en mantas de terciopelo. Las proporciones alargadas de las figuras, los movimientos ligeramente amanerados, las ligeras inclinaciones de la cabeza se acercan al ideal de la cancha.
La vida del Papa Pío II estuvo llena de acontecimientos brillantes, y Pinturicchio habló sobre los encuentros del Papa con el Rey de Escocia, con el Emperador Federico III.
Santos Jerónimo y Juan Bautista (Masaccio)
El único panel pintado por Masaccio para un tríptico a dos caras. Tras la temprana muerte del pintor, el resto del trabajo encargado por el Papa Martín V para la Iglesia de Santa María en Roma fue completado por el pintor Masolino.
Aquí se muestran dos figuras monumentales y austeras de santos vestidos de rojo. Jerónimo sostiene un libro abierto y una maqueta de la basílica; un león yace a sus pies. Juan el Bautista está representado en su forma habitual: está descalzo y sostiene una cruz en la mano. Ambas figuras son impactantes con precisión anatómica y una sensación de volumen casi escultural.
Retrato de un niño (1480) (Pinturicchio)
El interés por el hombre, la admiración por su belleza fueron tan grandes en el Renacimiento que esto llevó a la aparición un nuevo género en la pintura: el género del retrato.
Pinturicchio (variante de Pinturicchio) (1454-1513) (Bernardino di Betto di Biagio)
Nacido en Perugia, Italia. Durante algún tiempo pintó miniaturas, ayudó a Pietro Perugino a decorar la Capilla Sixtina en Roma con frescos. Experiencia adquirida en la forma más compleja de pintura mural decorativa y monumental. En pocos años, Pinturicchio se convirtió en un artista monumental independiente. Trabajó en los frescos de los apartamentos Borgia en el Vaticano. Realizó murales en la biblioteca de la catedral de Siena.
El artista no solo transmite semejanza de retrato, sino que busca revelar el estado interior de una persona. Ante nosotros hay un adolescente, vestido con un estricto vestido rosa de un habitante de la ciudad, en la cabeza una pequeña gorra azul. El cabello castaño cae hasta los hombros, enmarcando un rostro amable, una mirada atenta ojos cafés pensativo, un poco ansioso.
Detrás del niño hay un paisaje de Umbría con árboles delgados, un río plateado, un cielo que se vuelve rosado en el horizonte. La ternura primaveral de la naturaleza, como eco del carácter del héroe, está en armonía con la poesía y el encanto del héroe.
La imagen del niño se da en primer plano, es grande y ocupa casi todo el plano del cuadro, y el paisaje está pintado de fondo y es muy pequeño.
Esto crea la impresión de la importancia del hombre, su dominio sobre la naturaleza circundante, afirma que el hombre es la creación más hermosa de la tierra.
Virgen y el niño con dos ángeles (F. Lippi)
Filippo Lippi (1406-1469)
Había leyendas sobre la vida de Lippi. Él mismo era monje, pero dejó el monasterio, se convirtió en un artista errante, secuestró a una monja del monasterio y murió, envenenado por los familiares de una joven, de la que se enamoró a una edad avanzada. Pintó imágenes de la Virgen y el Niño, llenas de vivos sentimientos y experiencias humanas. En sus pinturas, representó muchos detalles: artículos para el hogar, el medio ambiente, por lo que sus temas religiosos eran similares a las pinturas seculares.
Anunciación (1443) (F. Lippi)
Coronación de María (1441-1447) (F. Lippi)
Retrato de Giovanna Tornabuoni (1488) (Ghirlandaio)
Pintó no solo temas religiosos, sino también escenas de la vida de la nobleza florentina, su riqueza y lujo, retratos de personas nobles.
Ante nosotros está la esposa de un rico florentino, amigo del artista. En esta joven no muy bella y lujosamente vestida, la artista expresó calma, un momento de quietud y silencio. La expresión del rostro de la mujer es fría, indiferente a todo, parece que prevé su inminente desaparición: poco después de pintar el retrato, morirá. La mujer está representada de perfil, lo que es típico de muchos retratos de esa época.
Bautismo (1458-1460) (P. della Francesca)
Piero della Francesca (1415/1416 - 1492)
Uno de los nombres más significativos de la pintura italiana del siglo XV. Completó numerosas transformaciones en los métodos de construcción de la perspectiva del espacio pintoresco.
La pintura fue pintada en un tablero de álamo al temple al huevo; obviamente, en ese momento el artista aún no había dominado los secretos de la pintura al óleo, en cuya técnica se pintarían sus obras posteriores.
El artista capturó la aparición del misterio de la Santísima Trinidad en el momento del Bautismo de Cristo. La paloma blanca, extendiendo sus alas sobre la cabeza de Cristo, simboliza el descenso del Espíritu Santo sobre el Salvador. Las figuras de Cristo, Juan el Bautista y los ángeles que están junto a ellos están pintadas en colores sobrios.
Fresco della Francesca
Sus frescos son solemnes, sublimes y majestuosos. Francesca creía en el alto destino del hombre y en sus obras la gente siempre hace cosas maravillosas. Usó transiciones de color sutiles y delicadas. Francesca fue la primera en escribir al aire libre (en el aire).
Cristo muerto (Mantegna)
Andrea Mantegna (1431 - 1506)
Artista importante de Padua. Admiraba la austera grandeza de las obras de artistas antiguos. Sus imágenes recuerdan a las esculturas griegas: austeras y hermosas. En sus frescos, Mantegna elogió la personalidad heroica. La naturaleza en sus pinturas es desierta e inhóspita.
Mantegna. La Virgen y el Niño con Juan el Bautista y María Magdalena (1500)
Madonna se sienta en un sillón escarlata debajo de un dosel y sostiene en sus brazos a un Niño Jesús desnudo. No hay nada de regio en la apariencia de la Virgen María, más bien, es una imagen de una joven campesina. El cuerpo desnudo del Bebé parece sorprendentemente vivo. A los lados de la Virgen - Juan el Bautista y María Magdalena. En las manos de la Magdalena hay un vaso con incienso para ungir, la cruz en las manos de Juan está envuelta alrededor de una cinta con el texto sobre el cordero que expía los pecados del mundo. Las figuras están dibujadas de la manera habitual para un artista y parecen estar talladas en piedra, cada pliegue delineado en sus ropas. El fondo es una imagen de un jardín con follaje oscuro. En su tono, esta vegetación contrasta con el cielo claro de color verde pálido. La obra evoca un sentimiento de profunda tristeza y cierta fatalidad.
Parnaso (Mantegna)
Orando por la copa (Mantegna)
Este pequeño cuadro representa el momento en que, después de la Última Cena, Jesús sale con San Pedro y los dos hijos de Zebedeo hacia el Huerto de Getsemaní, donde, dejando a los apóstoles acompañantes, sale a orar, dirigiéndose a Dios Padre: "¡Padre mío! Si es posible, pase de Mí la copa. esta ".
La figura de Cristo arrodillado en una pose de oración es el centro compositivo de la imagen. Su mirada se vuelve hacia el cielo, donde un grupo de ángeles es visible en una nube. Los apóstoles que acompañan a Cristo duermen al pie de la montaña.
A lo largo del camino que conduce al huerto, ilustrando exactamente las palabras del Evangelio: "He aquí, se ha acercado el que me traiciona", se ve un grupo de guardias, encabezados por Judas.
Hay mucho simbolismo en la imagen: un árbol seco con un buitre presagia la muerte, y una rama con un brote verde indica una resurrección inminente; Los humildes conejos sentados en el camino por el que un destacamento de soldados romanos marchará para tomar a Cristo en custodia, hablan de la mansedumbre del hombre ante la muerte inminente. Los tres tocones que quedaron de los árboles que acaban de ser talados recuerdan la próxima crucifixión.
Charla Sagrada (Bellini)
Giovanni Bellini (1427/1430 - 1516)
Los hermanos Bellini se mostraron brillantemente en la era del Renacimiento temprano. Especialmente famoso es Giovanni Bellini, que a menudo se llamaba Gianbellino. Creció en la familia de un destacado pintor veneciano. Junto a su hermano desde su juventud, ayudaron a su padre a realizar encargos artísticos. Trabajó en la decoración del Palacio Veneciano de los Doges.
Su pintura se distingue por un suave pintoresco, rico color dorado. Madonnas Gianbellino parece disolverse en el paisaje, siempre orgánico con él.
Madonna en el prado (1500-1505) Bellini.
En el centro de la imagen está la imagen de la joven María sentada en un prado, en cuyo regazo hay un bebé desnudo durmiendo. Su rostro pensativo es encantador, sus manos juntas en oración son hermosas. La figurilla del bebé divino parece ser una escultura, que habla de un conocimiento cercano de la obra de Mantegna. Sin embargo, la suavidad de la luz y la sombra y la saturación general colores Dicen que Bellini encontró su camino en la pintura.
Un hermoso paisaje está pintado en el fondo. La pintura fue pintada en técnica mixta, lo que permitió al artista suavizar los contornos y enriquecer los colores.
Retrato del dux Leonardo Loredana. Bellini
Este retrato fue encargado por Bellini como artista de la República de Venecia. El dux se representa aquí casi de frente, contrariamente a la tradición de entonces de representar rostros de perfil, incluso en medallas y monedas.
El claroscuro claro representa a la perfección los pómulos altos, la nariz y el mentón obstinado del rostro inteligente y de voluntad fuerte de una persona mayor. El manto de brocado, blanco con oro y plata, destaca sobre el fondo verde azulado brillante. El dux lo usó en la fiesta de la Presentación, el día en que se comprometió con el mar y tomó el poder sobre Venecia durante un año. La pintura al óleo ayudó al artista a llenar de aire el espacio de la pintura y así dar vida a la imagen del Dogo.
El contenido del artículo
RENACIMIENTO,un período en la historia cultural de Europa occidental y central de los siglos XIV-XVI, cuyo contenido principal fue la formación de una nueva imagen del mundo, "terrenal", secular en su esencia, radicalmente diferente de la medieval. La nueva imagen del mundo encontró expresión en el humanismo, la principal corriente ideológica de la época, y la filosofía natural, manifestada en el arte y la ciencia, que sufrió cambios revolucionarios. El material de construcción del edificio original de la nueva cultura fue la antigüedad, a la que se dirigió a través de la cabeza de la Edad Media y que, por así decirlo, "revivió" a una nueva vida - de ahí el nombre de la época - "Renacimiento", o "Renacimiento" (al estilo francés), que se le dio más tarde. Nacido en Italia, una nueva cultura a finales del siglo XV. cruza los Alpes, donde, como resultado de la síntesis de las tradiciones nacionales italianas y locales, nace la cultura del Renacimiento del Norte. Durante el Renacimiento, una nueva cultura renacentista coexistió con la cultura de la Baja Edad Media, que es especialmente característica de los países situados al norte de Italia.
Arte.
Bajo el teocentrismo y el ascetismo de la imagen medieval del mundo, el arte en la Edad Media sirvió principalmente a la religión, transmitiendo el mundo y el hombre en su relación con Dios, en formas convencionales, se concentraba en el espacio del templo. Ni el mundo visible ni una persona pueden ser objetos de arte de valor propio. En el siglo XIII. en la cultura medieval se observan nuevas tendencias (la alegre enseñanza de San Francisco, obra de Dante, precursor del humanismo). En la segunda mitad del siglo XIII. el comienzo de una era de transición en el desarrollo del arte italiano - Proto-Renacimiento (duró hasta principios del siglo XV), que preparó el Renacimiento. La obra de algunos artistas de esta época (G. Fabriano, Cimabue, S. Martini, etc.), bastante medieval en iconografía, está impregnada de un comienzo más alegre y secular, las figuras adquieren un volumen relativo. En la escultura se supera la etérea gótica de las figuras, se reduce la emocionalidad gótica (N. Pisano). Por primera vez, apareció una clara ruptura con las tradiciones medievales a finales del siglo XIII y el primer tercio del siglo XIV. En los frescos, Giotto di Bondone, que introdujo la sensación del espacio tridimensional en la pintura, pintó las figuras de forma más voluminosa, prestó más atención al escenario y, lo más importante, mostró un realismo especial, ajeno al exaltado gótico, en la representación de las experiencias humanas.
En el suelo cultivado por los maestros del Proto-Renacimiento, surgió el Renacimiento italiano, que pasó por varias fases en su evolución (Temprano, Alto, Posterior). Asociado con una nueva cosmovisión, de hecho, secular, expresada por los humanistas, pierde su conexión inextricable con la religión, la pintura y una estatua extendida más allá del templo. Con la ayuda de la pintura, el artista dominó el mundo y la persona, como veía el ojo, aplicando un nuevo método artístico (transferir el espacio tridimensional utilizando la perspectiva (lineal, aireado, color), creando la ilusión de volumen plástico, observando la proporcionalidad de las figuras). El interés por la personalidad, sus rasgos individuales se combinó con la idealización del hombre, la búsqueda de la "belleza perfecta". Las tramas de la historia sagrada no abandonaron el arte, pero a partir de ahora su imagen estuvo indisolublemente ligada a la tarea de dominar el mundo y encarnar el ideal terrenal (de ahí que Baco y Juan Bautista Leonardo, Venus y Nuestra Señora Botticelli sean tan similares). La arquitectura renacentista pierde su aspiración gótica al cielo, adquiere equilibrio y proporcionalidad "clásicos", proporcionalidad al cuerpo humano. Se está reviviendo el antiguo sistema de orden, pero los elementos de la orden no formaban parte de la estructura, sino la decoración que adornaba tanto los edificios tradicionales (templo, palacio de las autoridades) como los nuevos tipos (palacio de la ciudad, villa de campo).
El fundador del Renacimiento temprano es considerado el pintor florentino Masaccio, quien retomó la tradición de Giotto, quien logró una tangibilidad casi escultórica de las figuras, utilizó los principios de la perspectiva lineal y se apartó de la convencionalidad de representar la situación. Mayor desarrollo de la pintura en el siglo XV. Continuó en las escuelas de Florencia, Umbría, Padua, Venecia (F. Lippi, D. Veneziano, P. de Francesco, A. Pallaiolo, A. Mantegna, K. Criveli, S. Botticelli y muchos otros). En el siglo XV. La escultura renacentista nace y se desarrolla (L. Giberti, Donatello, J. della Quercia, L. della Robbia, Verrocchio, etc., Donatello fue el primero en crear una estatua redonda independiente no relacionada con la arquitectura, el primero en representar un cuerpo desnudo con una expresión de sensualidad) y arquitectura. (F. Brunelleschi, L.B. Alberti y otros). Maestros del siglo XV (en primer lugar LB Alberti, P. della Francesco) creó la teoría de las bellas artes y la arquitectura.
El Renacimiento del Norte se preparó con la aparición en las décadas de 1420 y 1430 sobre la base del gótico tardío (no sin la influencia indirecta de la tradición Jott) de un nuevo estilo en la pintura, el llamado "ars nova" - "arte nuevo" (término de E. Panofsky). Su base espiritual, según los investigadores, fue principalmente la llamada "Nueva Piedad" de los místicos del norte del siglo XV, que asumió el individualismo específico y la aceptación panteísta del mundo. Los orígenes del nuevo estilo fueron los pintores holandeses Jan van Eyck, que también mejoraron pinturas de aceitey el Maestro de Flemall, seguido de H. van der Goes, R. van der Weyden, D. Boates, G. a Sint Jans, I. Bosch y otros (mediados de la segunda mitad del siglo XV). La nueva pintura holandesa recibió una amplia respuesta en Europa: las primeras muestras aparecieron ya en 1430-1450 nueva pintura en Alemania (L. Moser, G. Mulcher, especialmente K. Witz), en Francia (Maestro de la Anunciación de Aix y, por supuesto, J. Fouquet). El nuevo estilo se caracterizó por un realismo especial: la transferencia del espacio tridimensional a través de la perspectiva (aunque, por regla general, aproximadamente), el deseo de volumen. El "Arte Nuevo", profundamente religioso, se interesó por las vivencias individuales, el carácter de una persona, apreciando en él sobre todo la humildad y la piedad. Su estética es ajena al patetismo italiano de lo perfecto en el hombre, una pasión por las formas clásicas (los rostros de los personajes no son proporcionados idealmente, angulares góticos). Con especial amor, la naturaleza, la vida cotidiana se describió en detalle, las cosas escritas cuidadosamente tenían, por regla general, un significado religioso y simbólico.
El arte del Renacimiento del Norte nació a principios de los siglos XV y XVI. como resultado de la interacción de las tradiciones artísticas y espirituales nacionales de los países transalpinos con el arte renacentista y el humanismo de Italia, con el desarrollo del humanismo del norte. El primer artista de tipo renacentista puede considerarse el destacado maestro alemán A. Durero, que, sin embargo, retuvo involuntariamente su espiritualidad gótica. G. Holbein el Joven, con su "objetividad" de la pintura, rompió por completo con el gótico. La pintura de M. Grunewald, por el contrario, estaba imbuida de exaltación religiosa. El Renacimiento alemán fue obra de una generación de artistas y se redujo en la década de 1540. En Holanda en el primer tercio del siglo XVI. comenzaron a extenderse corrientes orientadas hacia el Alto Renacimiento y el manierismo de Italia (J. Gossart, J. Skorel, B. van Orley, y otros). Lo más interesante de la pintura holandesa del siglo XVI. - Es el desarrollo de géneros de pintura de caballete, cotidiana y paisajística (K. Massys, Patinir, Luca Leydensky). El artista nacional más singular de las décadas de 1550 y 1560 fue P. Brueghel el Viejo, que posee pinturas de la vida cotidiana y el género del paisaje, así como pinturas-parábolas, generalmente asociadas con el folclore y una visión amargamente irónica de la vida del propio artista. El Renacimiento en los Países Bajos se agota en la década de 1560. El Renacimiento francés, que fue completamente de naturaleza cortesana (en los Países Bajos y Alemania, el arte estaba más asociado con los burgueses) fue quizás el más clásico del Renacimiento del Norte. El nuevo arte renacentista, ganando fuerza gradualmente bajo la influencia de Italia, alcanza la madurez a mediados de la segunda mitad del siglo en la obra de los arquitectos P. Lescaut, el creador del Louvre, F. Delorma, los escultores J. Goujon y J. Pilon, los pintores F. Clouet, J. Cousin Mayor. La "Escuela de Fontainebleau", fundada en Francia por los artistas manieristas italianos Rosso y Primaticcio, tuvo una gran influencia en los pintores y escultores mencionados, pero los maestros franceses no se convirtieron en manieristas, adoptando el ideal clásico escondido bajo el disfraz manierista. El Renacimiento en el arte francés termina en la década de 1580. En la segunda mitad del siglo XVI. El arte renacentista en Italia y otros países europeos está dando paso gradualmente al manierismo y al barroco temprano.
La ciencia.
La condición más importante para la escala y la naturaleza revolucionaria de los logros de la ciencia del Renacimiento fue una cosmovisión humanista, en la que la actividad de conquistar el mundo se entendía como un componente del destino terrenal del hombre. A esto debe agregarse el renacimiento de la ciencia antigua. Un papel importante en el desarrollo fue jugado por las necesidades de navegación, el uso de artillería, la creación de estructuras hidráulicas, etc. La difusión del conocimiento científico, su intercambio entre científicos habría sido imposible sin la invención de la imprenta aprox. 1445.
Los primeros avances en matemáticas y astronomía se remontan a mediados del siglo XV. y se asocian en gran medida con los nombres de G. Peuerbach (Purbach) e I. Müller (Regiomontan). Müller creó tablas astronómicas nuevas y más perfectas (en lugar de las tablas alfonsianas del siglo XIII) - "Efemérides" (publicada en 1492), que fueron utilizadas en sus viajes por Colón, Vasco da Gama y otros navegantes. El matemático italiano de principios de siglo L. Pacioli hizo una contribución significativa al desarrollo del álgebra y la geometría. En el siglo 16. Los italianos N. Tartaglia y G. Cardano descubrieron nuevas formas de resolver ecuaciones de tercer y cuarto grados.
El evento científico más importante del siglo XVI. fue la revolución copernicana en astronomía. El astrónomo polaco Nicolaus Copernicus en un tratado Sobre la circulación de las esferas celestiales (1543) rechazó la imagen geocéntrica dominante ptolemaico-aristotélica del mundo y no solo postuló la rotación de los cuerpos celestes alrededor del Sol, y la Tierra todavía alrededor de su eje, sino que también mostró por primera vez en detalle (el geocentrismo, como conjetura, nació en la Antigua Grecia) cómo, basado en tal sistema, uno puede explicar, mucho mejor que antes, todos los datos de las observaciones astronómicas. En el siglo 16. el nuevo sistema del mundo, en su conjunto, no recibió apoyo de la comunidad científica. Solo Galileo dio pruebas convincentes de la verdad de la teoría de Copérnico.
Basados \u200b\u200ben la experiencia, algunos estudiosos del siglo XVI (entre ellos Leonardo, B. Varki) expresaron dudas sobre las leyes de la mecánica aristotélica, que reinaban supremas hasta ese momento, pero no ofrecieron sus propias soluciones a los problemas (luego Galileo lo hará). La práctica del uso de la artillería contribuyó a la formulación y solución de nuevos problemas científicos: Tartaglia en un tratado Nueva ciencia consideró las cuestiones de balística. Cardano abordó la teoría de palancas y pesos. Leonardo da Vinci se convirtió en el fundador de la hidráulica. Su investigación teórica estuvo asociada a la construcción de estructuras hidráulicas, trabajos de recuperación, construcción de canales y mejoramiento de esclusas. El médico inglés W. Gilbert sentó las bases para el estudio de los fenómenos electromagnéticos mediante la publicación de un ensayo Sobre el imán (1600), donde describió sus propiedades.
Una actitud crítica hacia las autoridades y la confianza en la experiencia se manifestó claramente en la medicina y la anatomía. Fleming A. Vesalius en su famosa obra Sobre la estructura del cuerpo humano. (1543) describió el cuerpo humano en detalle, basándose en sus numerosas observaciones durante la anatomía de los cadáveres, criticando a Galeno y otras autoridades. A principios del siglo XVI. junto con la alquimia, apareció la iatroquímica, la química médica, que desarrolló nuevas preparaciones medicinales. Uno de sus fundadores fue F. von Hohenheim (Paracelso). Al rechazar los logros de sus predecesores, de hecho, no se alejó mucho de ellos en teoría, pero como practicante introdujo una serie de nuevas drogas.
En el siglo 16. Se desarrollaron la mineralogía, la botánica y la zoología (Georg Bauer Agricola, K. Gesner, Cesalpino, Rondela, Belona), que se encontraban en la etapa de recopilación de datos durante el Renacimiento. Los informes de investigadores de nuevos países jugaron un papel importante en el desarrollo de estas ciencias, que contenían descripciones de flora y fauna.
En el siglo XV. La cartografía y la geografía se estaban desarrollando activamente, los errores de Ptolomeo se corrigieron, basándose en datos medievales y modernos. En 1490 M. Beheim crea el primer globo. A finales del siglo XV y principios del XVI. La búsqueda de los europeos por la ruta marítima de India y China, los avances en cartografía y geografía, astronomía y construcción naval se vieron coronados por el descubrimiento de la costa de Centroamérica por Colón, quien creyó llegar a India (por primera vez apareció en el mapa de Waldseemüller un continente llamado América en 1507). En 1498, el portugués Vasco da Gama llegó a la India, dando la vuelta a África. La idea de llegar a India y China por la ruta occidental fue realizada por la expedición española de Magallanes - El Cano (1519-1522), que dio la vuelta a América del Sur y realizó la primera vuelta al mundo (¡en la práctica, se demostró la esfericidad de la Tierra!). En el siglo 16. Los europeos estaban convencidos de que "el mundo de hoy es completamente abierto y se conoce a toda la raza humana". Los grandes descubrimientos transformaron la geografía y estimularon el desarrollo de la cartografía.
La ciencia del Renacimiento ha afectado poco a las fuerzas productivas que se desarrollaron a lo largo del camino del mejoramiento gradual de la tradición. Al mismo tiempo, los éxitos de la astronomía, la geografía y la cartografía sirvieron como el requisito previo más importante para los Grandes Descubrimientos Geográficos, que llevaron a cambios fundamentales en el comercio mundial, a la expansión colonial y a una revolución de precios en Europa. Los logros de la ciencia del Renacimiento se convirtieron en una condición necesaria para la génesis de la ciencia clásica de los tiempos modernos.
Dmitry Samotovinsky
