La historia del surgimiento y desarrollo del baile de salón. Historia de la danza como forma de arte Breve historia del desarrollo de la danza

27.09.202027.05.2017

pueblo Staroyuryevo

INTRODUCCIÓN

La relevancia de la investigación

La danza es una de las artes maravillosas. Esta es una expresión de emociones, sentimientos, pensamientos, una historia sobre lo que está sucediendo, el pasado y el futuro con la ayuda de música, plásticos, gestos, movimientos rítmicos. Cada período de tiempo tiene su propia cultura musical, lo que da lugar a nuevos tipos de danza. Cada baile puede llamarse moderno, pero para su época.

En nuestra era de urbanización y las últimas tecnologías, el ritmo de la vida humana ha cambiado. Corremos por él a la velocidad de un expreso, tratando de llegar a tiempo en todas partes. Junto con la humanidad, el estilo del arte de la danza también cambia: las melodías suaves y sin prisas de los valses son reemplazadas por síncopas de jazz. Sin restar importancia a la danza clásica y folclórica, los adolescentes modernos eligen los ritmos desgarrados del baile callejero, ya que es esta música la que se acerca a su espíritu juvenil rebelde, es ella quien libera y libera pensamientos y sentimientos, dando lugar a una danza libre, universal y que no tiene pautas. Esta música puede resultar extraña e incomprensible para la generación mayor, pero la danza moderna, que a menudo representa una mezcla de diversas técnicas, estilos y tendencias, está ganando cada vez más simpatía entre la gente del siglo XXI.

La adolescencia es una época de "ensayo y error", una época para encontrarse "a uno mismo", una época para la autorrealización, experimentar con la apariencia y las relaciones. A través del arte de la danza moderna, el niño expresa sus propios sentimientos y emociones, que son difíciles de expresar en voz alta. Para la generación más joven, la coreografía moderna se está convirtiendo en la personificación del rápido movimiento del tiempo.

Novedad de la investigación

Hace apenas una década, el arte de la danza moderna en la región de Tambov era prácticamente desconocido. Sin embargo, ahora ha interesado no solo a los grupos de actuación, sino también a las amplias masas de la población. La novedad del trabajo radica en rastrear las etapas de la creación de un teatro de danza moderna en la región de Tambov, estableciendo la importancia de la penetración de nuevos estilos en la cultura de la danza.

Objetivo: estudio del desarrollo del arte de la danza contemporánea en la región de Tambov.

Tareas de trabajo:

Forme una idea de las raíces históricas del arte de la danza;

Estudiar la historia del surgimiento en el arte del arte coreográfico de la dirección "moderna";

Familiarícese con los grupos de danza: los fundadores de la danza moderna en la región de Tambov;

Revelar la influencia del arte de la danza moderna en el desarrollo físico, emocional y cultural de los estudiantes.

Hipótesis: La aparición de grupos de danza y estudios de danza moderna en la región de Tambov amplió el marco de la cultura coreográfica de la juventud.

Lugar de investigación: Tambov, distrito de Staroyuryevsky.

PARTE PRINCIPAL

Métodos de búsqueda

Durante la creación trabajo de investigación se utilizaron los siguientes métodos:

Trabajar con fuentes de información (divulgación científica, libros de referencia, memorias, archivos personales, recursos de Internet, etc.);

Interrogatorio, encuesta;

Análisis y procesamiento de los resultados obtenidos.

La historia de la danza como arte

Los orígenes del arte de la danza se remontan a la antigüedad. Prueba de ello son las pinturas rupestres que representan figuras danzantes, creadas presumiblemente durante el período Neolítico (8 - 5 mil años antes de Cristo).

Los primeros bailes de la antigüedad estaban lejos de lo que ahora se llama esta palabra. Tenían un significado completamente diferente. Con diversos movimientos y gestos, una persona transmitía sus impresiones del mundo que lo rodeaba, invirtiendo en ellas su estado de ánimo, su estado de ánimo. Exclamaciones, cantos, juegos de pantomima estaban interconectados con la danza. La danza en sí siempre, en todo momento, ha estado estrechamente asociada con la vida y la vida de las personas. Por lo tanto, cada baile corresponde al personaje, el espíritu de las personas de las que se originó. Con el cambio en el sistema social, las condiciones de vida, la naturaleza y el tema del arte cambiaron, y la danza también cambió. Estaba profundamente arraigado en el arte popular.

Para un hombre de la sociedad primitiva, la danza era una forma de pensar y vivir. Las técnicas de caza se practican en danzas que representan animales; la danza se usa para expresar oraciones por la fertilidad, la lluvia y otras necesidades vitales de la tribu. El amor, el trabajo y la ceremonia se plasman en movimientos de danza. Percibiendo profundamente los ritmos de la naturaleza, la gente de la sociedad primitiva no pudo evitar imitarlos en sus danzas.

El sentimiento de teatralidad era muy fuerte entre la gente del Antiguo Egipto. Incluso los bailarines de sus templos realizaron acrobacias, y los relieves muestran a una mujer haciendo divisiones, o una mujer lanzada al aire y luego levantada por dos compañeros, así como un hombre parado sobre una pierna a punto de hacer una pirueta.

Las danzas de los antiguos griegos se pueden dividir en sagradas (ceremoniales, rituales), militares, escénicas y sociales. Otros pueblos tenían bailes de aproximadamente el mismo carácter.

Según la leyenda, las danzas sagradas fueron trasladadas a Grecia desde Egipto por Orfeo. Los vio durante las fiestas del templo de los egipcios. Pero subordinó los movimientos y gestos a su propio ritmo, y empezaron a corresponder más al carácter y al espíritu de los griegos. Estos bailes se realizaban al son de una lira y se distinguían por su estricta belleza. Las vacaciones, y por lo tanto los bailes, a menudo se dedicaban a diferentes dioses: Dioniso, la diosa Afrodita, Atenea. Reflejaban ciertos días del año calendario laboral.

Las danzas escénicas de los antiguos griegos formaban parte de representaciones teatrales, y cada género correspondía a sus propias danzas. Durante los bailes, los intérpretes golpeaban el ritmo con los pies, para ello usaban sandalias especiales de madera o hierro, a veces golpeaban el ritmo con las manos usando una especie de castañuelas -conchas de ostra- puestas en el dedo medio.

Los bailes sociales estuvieron acompañados de celebraciones familiares y personales, fiestas de la ciudad y nacionales. Los bailes eran diferentes: domésticos, urbanos, rurales. Fueron variados en el tema y el dibujo compositivo, en la composición de los artistas intérpretes o ejecutantes. Fueron los bailes sociales y cotidianos los que tuvieron una gran influencia en el surgimiento de la danza escénica.

Los duros soldados romanos de los primeros siglos de nuestra era amaban especialmente la danza bélica en memoria del rapto de las sabinas. Según la leyenda, fue introducido por Romulus. También hubo bailes de los sacerdotes, glorificando a los dioses, eran más como una procesión solemne.

Durante la decadencia del Imperio Romano, la danza y la pantomima se convirtieron en espectáculos inmorales, y los respetables ciudadanos de Roma los miraron con desprecio. Cicerón y Horacio escribieron sobre las danzas de los romanos en sus tratados.

Desde la Edad Media, ha habido muchas historias de obsesión maníaca por la danza. Durante las fiestas cristianas, la gente de repente comenzó a cantar y bailar frente a las iglesias, interfiriendo con el servicio religioso que se realizaba allí. Estos bailes locos se han observado en todos los países. En Alemania, fueron llamados "St. Vitta ", y en Italia -" Tarantella ".

La danza medieval todavía era en gran parte un acto improvisado. A la gente le encantaban los bailes redondos, pero no había reglas estables para bailar. La danza era la forma aceptada de cortejo; sus intérpretes acompañaron el baile con cantos; los movimientos eran los más sencillos. A finales de la Edad Media, se hace una distinción entre la danza en pareja de la corte y la danza en grupo del pueblo. La danza folclórica todavía se improvisó, mientras que la danza de la corte se volvió más educada. La principal forma de arte palaciego era la danza de figuras, donde un grupo de bailarines formaba consistentemente formaciones de danza.

En el Renacimiento, la danza cotidiana adquirió una gran importancia. No solo los bailes, las noches, sino también las magníficas fiestas callejeras, que a veces alcanzaron un brillo y esplendor extraordinarios, no pueden prescindir de él. En los salones del palacio de los nobles italianos, se organizan espectáculos teatrales con canciones y bailes. El baile es la base de estos espléndidos espectáculos.

Mascaradas y procesiones de carnaval, entretenimiento favorito en la Edad Media, especialmente difundido durante el Renacimiento (siglos XV-16). Los bailes han cambiado un poco, se volvieron más complicados, se hicieron más fuertes, más rápidos y más móviles, hoy se realizaron saltos e incluso apoyos ligeros, tarde o temprano la dama con la ayuda del caballero se elevó en el aire. Aparecieron muchos bailes nuevos, cada uno tenía ciertos movimientos (pa). Además, para conocerlos, tanto los bailes como los movimientos, era realmente necesario de la misma forma que las reglas de etiqueta.

En el siglo XVII surgió el concepto de danza folclórica. Baile folclórico - un baile que se realiza en su entorno natural y que tiene ciertos movimientos, ritmos y vestimentas tradicionales de la zona. El Mazurka, con su característico carácter de tres partes, encarna el carácter polaco, mientras que el polaco con su ritmo abrupto es el espíritu del pueblo checo. Czardas, que consta de dos partes, una danza lenta circular de hombres y una pareja de baile ardiente, corresponde a la idea general del carácter húngaro, con su inexplicable melancolía y sus violentas pasiones.

Los motivos del folclore a menudo juegan un papel importante en el ballet. Desde la década de 1940, comenzó a extenderse una fascinación por el folclore dancístico auténtico y etnográficamente auténtico. Hay muchas compañías de danza profesionales que han alcanzado fama internacional, demostrando formas escénicas de danzas folclóricas, por ejemplo, el Ensamble de Danza Folclórica Ruso de Igor Moiseyev, el Ensamble de Danza Ucraniana, el Ensamble Berezka, etc.

Ballet: la etapa más alta de la coreografía, en la que el arte de bailar se eleva al nivel de una representación teatral musical, surgió como un arte aristocrático de la corte mucho más tarde que la danza. El término "ballet" apareció en la Italia del Renacimiento en el siglo XVI y no significaba una actuación, sino un episodio de danza. El ballet es un arte sintético en el que la danza es el principal medio expresivo del ballet, está estrechamente relacionada con la música, con una base dramática: libreto, con escenografía, con el trabajo de un diseñador de vestuario, artista de iluminación, etc.

"Modern" - danza moderna

La dirección de los bailes modernos es enteramente una creación del siglo XX. Traducido literalmente, la danza moderna es danza moderna. A diferencia del jazz o la danza clásica, la dirección de la danza moderna se creó sobre la base de la creatividad de una persona en particular.

En las danzas modernas, el intento del intérprete de establecer una conexión entre la forma de la danza y su estado interior es esencial. La mayoría de los estilos de la danza moderna están influenciados por una filosofía claramente establecida o una determinada visión del mundo.

Isadora Duncan, Martha Graham, Meers Cunningham son considerados los fundadores de la modernidad. Todos ellos fueron extremadamente negativos sobre el ballet. Isidora Duncan lo consideró una gimnasia fea y sin sentido. Martha Graham vio en él europeísmo e imperialismo, que no tienen nada en común con los estadounidenses. Meers Cunningham, a pesar de que utilizó algunos de los conceptos básicos de la técnica del ballet en la enseñanza, abordó la coreografía y la interpretación desde posiciones directamente opuestas al ballet tradicional.

Hacia los años ochenta del siglo XX, la danza clásica volvió a su punto de partida, y la danza contemporánea (para entonces ya era danza contemporánea) se convirtió en un arma altamente técnica de los profesionales. Hoy en día, el arte de la danza está imbuido de una competencia creativa, y los coreógrafos a menudo se esfuerzan por asegurarse de que su trabajo sea el más impactante. Sin embargo, todavía hay belleza en el arte, y la danza moderna sorprende con tal profesionalismo, fuerza y \u200b\u200bflexibilidad que nunca había existido hasta ahora.

La característica artística de la danza jazz es la perfecta libertad de movimiento de todo el cuerpo del bailarín y de partes individuales del cuerpo, tanto horizontal como verticalmente en el espacio escénico. La danza del jazz es, ante todo, la encarnación de las emociones del bailarín, es una danza de sensaciones.

En el siglo XIX. Se desarrollaron actuaciones callejeras, que incluían canciones y bailes al ritmo de la música jazz. Al principio, tales actuaciones fueron realizadas solo por bailarines negros para audiencias negras. En los años 20. En el siglo XX, la música y la danza del jazz ganaron una inmensa popularidad entre negros y blancos y se extendieron por toda Europa. Comenzaron a actuar en el escenario bailarines profesionales, quienes introdujeron nuevas técnicas al estilo del jazz y comenzaron a enseñar jazz a otros. Al mismo tiempo, el jazz se enriqueció con elementos de las danzas europeas.

A finales de la década de los 60, la danza jazz se había instalado firmemente en una serie de áreas de la coreografía moderna y, al mismo tiempo, comenzó el proceso de fusión de las principales escuelas de la coreografía moderna. El primer maestro y coreógrafo que combinó las técnicas de danza moderna y jazz en su trabajo fue Jack Cole. Luigi (Eugene Louis) sintetizó las técnicas de la danza clásica y el jazz. Gus Giordano publicó el primer libro de texto sobre técnicas de danza del jazz moderno en 1966. El interés por la danza jazz moderna está aumentando gradualmente y en Europa Oriental, Los educadores estadounidenses realizan los primeros seminarios.

Así, a principios de los 70, surgió un nuevo fenómeno: la danza jazz moderna. Esta escuela ha conquistado muchos países del mundo, te permite educar de la manera más completa el cuerpo de un bailarín. La danza del jazz cambia constantemente, en parte debido a esto. Que los bailarines puedan aportar sus propios movimientos al baile, y también porque el jazz se baila con una amplia variedad de música.

Actualmente, existen varios tipos de jazz moderno.

-Jazz clásico o tradicional. Estas son las primeras formas de danza jazz interpretadas por africanos.

-Aphrojazzes un intento de combinar el jazz actual con su antepasado africano. La diferencia radica en que la danza africana tiene una gran carga funcional y no es tan virtuosa como su interpretación actual.

-Broadway Jazz - se originó en la década de 1920, recibió su nombre de una calle de Nueva York, en la que se encuentran muchos teatros y salas de música. Fue aquí donde el musical comenzó a desarrollarse y surgió su propio estilo de jazz y técnica de movimientos (ejecución simultánea de una parte vocal y de danza). Los bailarines de la escuela clásica se utilizaron para la actuación virtuosa de la danza en producciones de Broadway. El jazz adquiere las características de una forma clásica, que se convierte en una de las formas de su posterior desarrollo. Maestros de ballet famosos J. Balanchine, H. Holm. Broadway es un estilo de jazz muy enérgico y emocional.

-Paso o claqué. El claqué se originó en Estados Unidos en el siglo XIX, sus raíces se encuentran en el jig irlandés y el claqué rural inglés, los bailes de los primeros colonos. Poco a poco, los bailes europeos se mezclaron con los esclavos africanos traídos a Estados Unidos. La característica principal del claqué, que se llama jazz, es el movimiento libre, lo que hace que el baile sea muy elegante y suave. El estilo de claqué europeo se parece más a un baile irlandés o inglés, que se baila con zapatos de madera (claqué country). Los movimientos de este estilo son más elásticos y el cuerpo de los bailarines permanece inmóvil.

- "Alma"(jazz lírico). Este nombre es conocido entre los vocalistas y en su parte de danza se distingue por una gran cantidad de movimientos diferentes por unidad de tempo, ejecutados muy suavemente sin tensión visible. El movimiento, con toda la complejidad, se realiza con el máximo estiramiento en el tiempo.

-Destello (Flash) - traducido del inglés - flash. Esta es la tendencia más brillante y brillante de la danza jazz. Todos sus movimientos son rápidos y dinámicos. Al mirar a los intérpretes de este estilo, uno se sorprende de su fuerza, resistencia y elasticidad, las transiciones instantáneas de los pasos de baile, la complejidad de los trucos de baile. Parece que todo el cuerpo está subordinado a una tarea: bailar cada nota y arrojar la máxima energía al espectador. Este estilo se hizo popular a finales de los 80 y principios de los 90. y es el heredero de la música disco, pero con una mezcla de elementos de la cultura break y hip-hop.

- "Streetjazz"se refiere al baile callejero. Este estilo tiene su origen en los bailes de jazz moderno, a los que los bailarines callejeros "echaron mano". El street jazz ha experimentado el menor cambio. Todas las tendencias juveniles modernas: break, rap, house y ex twist, charleston, shake, boogie-woogie y muchos otros bailes de un día son el fruto del jazz y sus conexiones con la danza histórica y cotidiana.

La danza del vientre es una de las formas más antiguas y misteriosas del arte de la danza. Su historia está envuelta en acertijos y secretos. La cultura oriental siempre ha atraído por su belleza y encanto especial.

Ahora hay muchas leyendas asociadas con la historia de la danza del vientre y sus artistas. Todos pueden imaginar una belleza flexible, moviéndose armoniosamente al ritmo de la música rítmica. Sin embargo, pocos pueden responder con seguridad a la pregunta "¿de dónde viene la danza del vientre?" y si lo entendemos correctamente.

VERSIONES DE ORIGEN DANZA ANIMAL. RAÍCES HISTÓRICAS.

Hay una leyenda interesante que describe la aparición de la danza del vientre como un accidente. Al parecer, un día una abeja voló bajo la ropa en desarrollo de una bailarina callejera. El insecto estaba desconcertado por el hermoso aroma de los aceites que emanaba de la niña. La bailarina, sin interrumpir su actuación, trató de deshacerse de la molesta abeja que se retorcía durante el baile. La niña lo hizo de manera muy elegante y plástica, por lo que los espectadores casuales lo tomaron como un tipo especial de baile y quedaron encantados. Una niña inteligente, notando el éxito y la atención, continuó moviéndose de una manera nueva y sin precedentes, mostrando hermosas líneas del cuerpo y las manos. A mucha gente le gustó este baile y empezó a difundirse.

Por supuesto, esto es solo una leyenda. La historia de la aparición de la danza del vientre duró mucho más que la actuación de una hermosa niña. Las raíces de la danza oriental se adentran profundamente en la historia, e incluso ahora es imposible precisar el lugar exacto de nacimiento de la danza del vientre.

Se cree que la base de la danza del vientre eran las danzas rituales antiguas, que tenían un significado sagrado. Elogiaron el principio femenino, las diosas de la fertilidad y las mujeres en general. La danza del vientre simbolizaba lo que se consideraba el destino divino de toda mujer en la sociedad en ese momento: el proceso de concebir un hijo, tener un feto y el nacimiento mismo. Sin embargo, gradualmente la danza comenzó a perder su significado sagrado y adquirió una dirección más secular.

Si hablamos del lugar donde se originó la danza del vientre, entonces muchos investigadores se inclinan hacia el Antiguo Egipto. Sin embargo, cabe destacar que muchos pueblos han contribuido a la creación de este tipo de danza. Así, la danza egipcia inicialmente variada y rica se complementó con bailarines de la India. Eran bayaderes flexibles y sofisticados, con excelente formación coreográfica. Los movimientos de sus manos eran únicos y tenían un significado especial. Los vecinos cercanos de los egipcios también influyeron: persas, sirios, palestinos y algunos países africanos. Los nómadas gitanos también contribuyeron. Durante siglos, sus propias danzas folclóricas se han combinado con tradiciones indias, árabes, judías y españolas. En Grecia, la danza expresaba emociones de manera más enérgica, brillante y nítida. En Turquía, en paralelo con el crecimiento del territorio, aparecieron cada vez más bailes folclóricos, que gradualmente se mezclaron entre sí. Gracias a esto, surgieron una amplia variedad de movimientos, nuevos ritmos y formas inusuales.

DISTRIBUCIÓN Y POPULARIZACIÓN DE LA DANZA DEL VIENTRE. NOMBRE EQUIVOCADO.

Egipto fue descubierto por Napoleón para Europa. Los europeos sofisticados se interesaron por una cultura nueva e inexplorada. El interés fue alimentado por escritores y artistas que fueron los primeros en visitar el misterioso país, que tenían prisa por describir la belleza de Oriente en todos los colores, incluidas las bellezas-bailarinas nativas. Los primeros viajeros no se quedaron atrás, hablando de la cultura oriental como algo mágico, exótico y erótico. Por lo tanto, el interés fue alto y pudieron aprovechar esto.

Ya en 1889, París vio por primera vez la llamada "danza oriental". Unos años más tarde, un empresario de tales espectáculos decidió atraer a la mayor cantidad de público posible, utilizando el nombre franco y desafiante en los carteles según los estándares de esa época: "Danse Du Ventre" ("danza del vientre"). Se logró el efecto esperado. Muchos estaban dispuestos a pagar cualquier dinero para ver bailarines exóticos semidesnudos. La idea y el estilo del baile se enamoraron inmediatamente de Hollywood. Esto tuvo una gran influencia en la expansión de la "danza del vientre". La popularidad del espectáculo con la participación de bailarines orientales creció y el nombre creció con fuerza al estilo mismo de su baile.

Posteriormente, intentaron interpretar este nombre de diferentes formas, volviendo a darle un significado profundo al baile. Por ejemplo, algunos se adhieren a la versión de que la danza del vientre implica la "danza de la vida" (al vientre se le llamó vida hace varios siglos). Y la vida está asociada precisamente a la mujer, la madre tierra y la fertilidad.

Además, la danza del vientre podría ser una mala interpretación del término baladi. Significaba "patria" en el sentido más amplio de la palabra. Era un estilo de baile folclórico egipcio que se bailaba en las aldeas en varias ocasiones, la mayoría de las veces en casa, con familiares.

Actualmente, existen más de 50 estilos de danza oriental. Cada uno de ellos, en diferente grado, está saturado de elementos inherentes a una u otra danza folclórica, que formó la base de la "danza del vientre" hace muchos siglos.

HORARIO DE CLASES DE BAILE DEL ESTE

LUNES

DOMINGO

COSTE DE CLASES EN GRUPO

LECCIÓN DE PRUEBA:

1
hora
RUB 600
200 rublos

2
horas
1200 RUB
300 rublos

3
horas
1.800 RUB
400 rublos

LECCIONES INDIVIDUALES:

1
hora
RUB 600

SUSCRIPCIONES: *

1
hora a la semana
4-5 horas al mes
2.000 RUB
1.900 RUB
438 frotar / hora

2
horas a la semana
8-10 horas al mes
4000 rublos
RUB 3200
369 frotar / hora

Ministerio de Cultura de la Federación de Rusia

Ministerio de Cultura de la Región de Sverdlovsk

GOU SPO de la región de Sverdlovsk

Facultad de Arte del Asbesto

Actuación coreográfica "Bound"

Trabajo final de calificación

Ejecutor:

Khazova Daria Alekseevna,

estudiante de 4to año

departamento coreográfico

________ ____________

fecha Firma

Supervisor de trabajo de calificación:

Autorizado para defensa Lyaschenko N.A., profesor

Cabeza departamento coreográfico departamento coreográfico

creatividad creatividad

________ ________________ ______ ________________

fecha N.A. Firma de fecha Lyaschenko

Amianto 2015

Capítulo 1. Justificación de la elección de la interpretación coreográfica ..................... ... ... ... .3

1.1. La historia de la creación de la danza, estilo ……………………………….… ..3

1.2. Fuentes y motivación para elegir el tema de la producción ………… .13

Capítulo 2. Guión musical y coreográfico ……………… ..... ……… ..16

2.1. Análisis ideológico y temático ………………………………… ...… ..16

2.2. El concepto creativo de la producción …………………………… ...… ... 17

Capítulo 3. Importancia práctica …………………………………………… ... 24

Fuentes de información ……………………………………………… 26

Apéndices ……………………………………………………………………… 27

Capítulo 1. Justificación de la elección de la interpretación coreográfica

"Vinculado"

La historia de la creación de la danza moderna

La danza contemporánea es una forma de arte independiente, donde los movimientos, la música, la luz y los colores se combinan de una manera nueva, donde el cuerpo realmente ha adquirido su lenguaje pleno. La danza contemporánea convence a la gente de que el arte es una continuación de la vida y la autocomprensión.

La danza moderna es un concepto relativo y momentáneo. Cada período de tiempo tiene su propia cultura musical, lo que da lugar a nuevos tipos de danza. Cada baile puede llamarse moderno, pero para su época. Así, la danza contemporánea es moderna, de moda y relevante para su época. El propósito de la danza moderna es expresar los sentimientos y estados de ánimo de una persona. Este es un estilo de baile bastante suelto y versátil que no tiene estándares claros. Los coreógrafos, tratando de transmitir los pensamientos y sentimientos de las personas, están en constante búsqueda e inventan nuevos movimientos, a menudo mezclando diferentes técnicas, estilos y direcciones.

La danza contemporánea tiene sus raíces en el ballet clásico. Por un lado, la danza moderna se creó como reacción contra las rígidas restricciones formales del ballet clásico (por ejemplo, el énfasis en este estilo recae en los movimientos libres y expresivos, lo que no es el caso del ballet clásico en el que todo está sujeto a ciertas reglas), por otro lado, La danza moderna ha incorporado muchos movimientos y pasos del ballet clásico que han entrado en el repertorio de la danza moderna.

El motivo del surgimiento de la dirección moderna de la coreografía fue la crisis de la escuela de ballet clásico a principios del siglo XX. Los bailarines de esa época necesitaban nuevas técnicas para expresar nuevas ideas sobre la libertad humana, muy alejadas de las tradiciones de la danza clásica.

El concepto de la danza moderna es la libertad y la expresividad de los movimientos, que brindan una oportunidad increíble para expresar sus sentimientos con los colores más vivos.

A lo largo del siglo XX, han aparecido muchas direcciones diferentes, la danza moderna incluye direcciones tales como: danza moderna, improvisación de contacto, jazz moderno, danza contemporánea, plástico libre, bloqueo, bloqueo de pop, break dance, hip-hop, jazz, funk y muchos otros.

Las ideas de la danza moderna fueron anticipadas en 1830 por el famoso maestro francés y teórico del movimiento escénico François Delsarte, quien estudió la conexión entre voz, gesto y emoción. Sostuvo que solo un gesto, libre de convención y estilización, es capaz de transmitir con sinceridad todos los matices de la experiencia humana.

La prehistoria de la danza moderna comienza a principios del siglo XX, y las tres musas de la danza moderna temprana en Estados Unidos son Isadora Duncan, Ruth Saint Denis y Loy Fuller. Crearon sus propias escuelas de ballet moderno, un arte libre de convenciones. La improvisación y la coreografía libre son los principios fundamentales del arte de la danza moderna. Combinaron filosofía, teatro, vodevil e historia antigua en sus danzas de diferentes formas, que sirvieron de punto de partida para sentar las bases de la danza moderna. El siglo XX trajo muchos tipos y estilos de baile nuevos, los más famosos son el boogie-woogie, el jazz, el blues, el charleston, el rock and roll, la macarena, el paso, la lambada y los bailes latinoamericanos. A finales del siglo XX se generalizaron los bailes disco, hip-hop, break dance, hustle, crump, tectonics, rhythm and blues y otros.

Isadora Duncan y varios de sus asociados decidieron desafiar la coreografía tradicional. Abrieron sus propias escuelas, donde enseñaron los conceptos básicos del ballet moderno. La idea principal de esta dirección de danza fue la coreografía libre basada en la improvisación y expresión de las propias emociones. Isadora Duncan es considerada la fundadora generalmente reconocida de la danza moderna. Inició su actividad a finales del siglo XIX. Isadora Duncan es una innovadora y reformadora de la coreografía, que dio en sus danzas, liberadas de las formas formales del ballet clásico, la encarnación plástica del contenido musical. Ella contrastó la escuela clásica de ballet con la danza plástica libre. Usaba plástico griego antiguo, bailaba con túnica y sin zapatos. Fue una de las primeras en utilizar música sinfónica para la danza, incluidos Chopin, Gluck, Schubert, Beethoven, Wagner. Isadora soñaba con crear una nueva persona para quien bailar sería más que algo natural. Con su baile restauró la armonía de cuerpo y alma. Abrió la danza a la gente en su forma pura, “autovaluada exclusivamente en sí misma”, construida según las leyes del arte puro. En el armonioso arte de la danza de Isadora Duncan, la búsqueda de la armonía y la belleza se expresa de forma ideal. A partir de la música, entró en movimiento hacia el canon armonioso, y por eso se convirtió en la principal y única fundadora de toda la modernidad de la danza. Duncan ha logrado una combinación perfecta para la expresión emocional de imágenes musicales y de danza. El movimiento nació de la música, no lo precedió. El lenguaje de la danza de Duncan era un lenguaje de movimiento natural, expresivo y libre. Inusualmente expresiva y musical, Isadora utilizó movimientos corporales libres y liberados en sus bailes de improvisación. El dios principal de Duncan era la naturalidad. En su nombre, negó la técnica, el ejercicio agotador. La práctica artística de Duncan asombró a sus contemporáneos con una asombrosa fusión del mundo de las experiencias emocionales, los plásticos y la música.

La segunda generación en el campo de la danza moderna son coreógrafos como Martha Graham, Doris Humphrey, Charles Weidman, Helen Tamiris, Chania Holm. Su mérito radica, en primer lugar, en el hecho de que cada uno de ellos no solo fue un brillante coreógrafo e intérprete, sino también un maestro que creó su propio sistema de formación de bailarines. El primer maestro, coreógrafo e intérprete que creó un sistema de danza de manera constante fue M. Graham. Las primeras funciones en Nueva York en 1926, "The Heretic" y "Primitive Mysteries", trajeron éxito a su grupo. Graham creó actuaciones basadas en el tema legendario y épico, sobre los temas de la mitología antigua y bíblica. En primer lugar, se esforzó por crear un lenguaje de danza espectacularmente rico, capaz de transmitir toda la gama de experiencias humanas. Doris Humphrey fue la segunda coreógrafa y maestra más importante. Prestando gran atención a la agudeza plástica y el tecnicismo de la danza, Doris Humphrey al mismo tiempo se opuso a la belleza y la danza sofisticada de Saint-Denis. Su trabajo fue influenciado por el folclore de los indios americanos y negros, así como por el arte de Oriente. Fue la primera en los Estados Unidos en enseñar composición de danza y resumió su experiencia en el libro The Art of Dance.

En los años 50 comienza a crearse la tercera generación. Después de la Segunda Guerra Mundial, los jóvenes intérpretes y coreógrafos se enfrentaron a una cuestión bastante aguda: continuar las tradiciones de la generación anterior o buscar sus propias formas de desarrollar el arte de la danza. Algunos de los coreógrafos abandonaron por completo la experiencia de generaciones anteriores y se lanzaron de lleno al experimento. Muchos de ellos negaron el espacio escénico habitual y trasladaron sus representaciones a las calles, parques, etc., negaron la forma de la representación, involucrando al espectador en la representación teatral. La actitud hacia el vestuario, la música y otros componentes de la acción teatral ha cambiado. Muchos coreógrafos abandonaron por completo el acompañamiento musical y utilizaron solo instrumentos de percusión o ruidos. Los compositores a menudo se convirtieron en co-creadores del maestro de ballet, creando música al mismo tiempo que movimiento. Uno de los que continuó las tradiciones de la generación anterior fue José Limón. Su coreografía es una compleja síntesis de la danza moderna estadounidense y las tradiciones hispano-mexicanas con fuertes contrastes de principios líricos y dramáticos. Los héroes son retratados en momentos de máxima tensión, euforia extrema, cuando la mente subconsciente dirige sus acciones. La mayor popularidad la obtuvieron sus interpretaciones "Pavana del Moro", "Danzas para Isadora", "Misa de la Guerra". El "padre" espiritual de la vanguardia coreográfica fue sin duda Merce Cunningham. Fue uno de los que siguió su propio camino y fundó su propia escuela de danza. Sus actuaciones impresionaron con su enfoque inesperado del movimiento. Cunningham vio la actuación como una unión de elementos independientes creados independientemente. M. Cunningham creía que cualquier movimiento puede ser danza, y la composición de la danza se construye de acuerdo con las leyes del azar. La tarea principal del coreógrafo es crear una coreografía momentánea, donde cada intérprete tiene su propio ritmo y movimiento. Al igual que M. Graham y D. Humphrey, M. Cunningham creó su propia técnica y escuela de danza. Así, a principios de los años 70 del siglo XX, existían varias escuelas principales de danza - moderna: la técnica de M. Graham, D. Humphrey y H. Limon, la técnica de M. Cunningham. Al mismo tiempo, se desarrolló y mejoró el sistema de danza jazz.

La danza del jazz se desarrolló a partir de las danzas de las tribus africanas. La danza del jazz fue traída a América por esclavos de África en los siglos XVII y XVIII. Una vez en América, rápidamente restauraron sus vacaciones y costumbres y se adaptaron: en lugar de tambores, usaron aplausos y patadas. Durante varios siglos se produjo la fusión de dos culturas, africana y americana, y el resultado fue una danza incendiaria única. En los años 20. En el siglo XX, la música y la danza del jazz ganaron una inmensa popularidad. Comenzaron a actuar en el escenario bailarines profesionales, quienes introdujeron nuevas técnicas al estilo del jazz y comenzaron a enseñar jazz a otros. Al mismo tiempo, el jazz se enriqueció con elementos de las danzas europeas.

En los años 40-50. la música popular ha sufrido cambios importantes, y con ella también han cambiado los bailes. Los estilos de jazz contemporáneo surgieron durante este período. Hoy en día, hay muchos estilos de jazz que se bailan con diferentes músicas. Pero todos estos estilos combinan movimientos enérgicos y rítmicos. El ritmo y la coordinación de movimientos son los aspectos más importantes de la danza jazz. Característica distintiva el jazz es sincopa: no solo se acentúan los tiempos fuertes del compás, sino también el ritmo débil del compás. En la danza jazz, se suelen utilizar movimientos de cadera y pelvis, que le dan al baile una expresividad especial. Los movimientos aislados son la característica principal de la danza jazz. Naturalmente, los profesores y coreógrafos sintetizan cada vez más diversas técnicas y estilos de danza en sus lecciones y actuaciones. El primer maestro y coreógrafo que combinó las técnicas de la danza moderna y la danza jazz en su obra fue Luigi (Eugene Louis) sintetizó la técnica de la danza clásica y el jazz. Gus Giordano en 1966 publicó el primer libro de texto sobre técnicas modernas de jazz. El interés por la danza del jazz moderno está aumentando gradualmente y los profesores estadounidenses dirigen los primeros seminarios. Por lo tanto, a principios de los 70, surgió una nueva dirección: el jazz moderno. La danza jazz, habiendo pasado de la danza folclórica cotidiana a la etapa teatral, gradualmente se convirtió un tipo especial arte de la danza, y captura toda Europa.Esta escuela ha conquistado muchos países del mundo, te permite educar de la manera más completa el cuerpo de un bailarín. La danza del jazz cambia constantemente, en parte debido a esto. Que los bailarines puedan aportar sus propios movimientos al baile, y también porque el jazz se baila con una amplia variedad de música. Actualmente, existen tipos de jazz: jazz clásico o tradicional. Estas son las primeras formas de danza jazz interpretadas por africanos.

Afrojazz es un intento de conectar el jazz actual con su antepasado africano. Debe su nombre a una calle de Nueva York, en la que se encuentran muchos teatros.

A finales de la década de los 60, la danza jazz se había instalado firmemente en varios ámbitos de la coreografía moderna y, al mismo tiempo, se inició el proceso de fusión de las principales escuelas de la coreografía moderna. El primer maestro y coreógrafo que combinó técnicas de danza moderna y jazz en su obra fue Jack Cole Luigi (Eugene Louis) sintetizó las técnicas de danza clásica y jazz. Gus Giordano en 1966 publicó el primer libro de texto sobre la técnica de la danza jazz moderna. El interés por la danza del jazz moderno está aumentando gradualmente en Europa Occidental, los profesores estadounidenses dirigen los primeros seminarios.

En los años 70 del siglo XIX, los estilos de baile callejero como lock, break dance, hip-hop se hicieron populares en Estados Unidos, en los 90 estilos como funk, crump. Al principio, estos bailes tenían un carácter espontáneo: los jóvenes, reuniéndose, organizaban sus propios concursos de baile, llamándolos batallas. Luego comenzaron a prepararse para las batallas con anticipación, invitando a espectadores y grupos de apoyo. Hoy en día, este tipo de competiciones ya se realizan a nivel internacional en varios lugares de nuestro planeta.

Bloqueo: técnicamente, el bloqueo está muy cerca de su progenitor hip-hop, por lo que se tomaron prestados muchos elementos de allí, movimientos bruscos e intensos, varios lanzamientos y balanceos de manos, saltos de diferentes tipos y niveles. El bloqueo es una síntesis de movimiento e inmovilidad.

El hip-hop es un movimiento cultural que se originó entre la clase trabajadora de Nueva York a fines de la década de 1970. Este es un estilo de baile sobre la base del cual se construye todo el vocabulario moderno de los bailes de club. Un baile alegre y enérgico, no agresivo, cuya técnica se basa en el "swing" del cuerpo, saltos, combinación de pequeños movimientos de brazos y piernas. La música se destaca con un ritmo dinámico quebrado de velocidad media con inserciones cortas de instrumentos.

Break dance: la primera parte presenta el llamado descanso superior, que tiene posibilidades prácticamente infinitas, limitadas quizás solo por la imaginación del intérprete o del equipo de intérpretes. En él, puedes abrirte completa y ampliamente, improvisando tanto sobre la marcha como antes de la actuación, creando e inventando nuevos elementos y movimientos. Los movimientos en esta dirección requieren cierta preparación por parte del bailarín y difieren en la especificidad de la ejecución e imitan tipos de movimientos inusuales para los humanos en la vida cotidiana: mecánicos con fijación en ciertos puntos, o articulados, similares a los movimientos de los juguetes mecánicos, también imitación de movimientos robóticos o movimientos de extremidades de goma. La segunda gran parte, llamada rotura, a veces llamado break dance bajo, nos parece, como se indicó anteriormente, ser activo, enérgico y requiere un entrenamiento físico decente por parte del ejecutante. La rotura del fondo se ve muy impresionante y está llena de elementos acrobáticos.

Crump es una evolución del Clowning o el estilo Clown Dance. Su característica distintiva es el poder y la fuerza del intérprete, cuyo objetivo es liberar al bailarín de la energía negativa salpicando sus emociones desde el escenario. The Clown Dance fue creado a principios de los 90 por Thomas Johnson o Tommy Clown. En 1992 Johnson comenzó a combinar varios elementos de la danza local para crear un estilo único y versátil que también lo ayudó a continuar su propia carrera como payaso para niños. Los bailarines de Krump interactúan más entre sí y trabajan con el peso de la pareja. Artistas como Missy Elliott, Chemical Brothers, Black Eyed Peas, usando calambres en sus videos, hicieron que el baile fuera famoso en todo el mundo.

En 1972 aparece la improvisación por contacto. La improvisación de contacto es un baile en el que la improvisación se construye alrededor del punto de contacto con un compañero. La improvisación de contacto es una forma de baile libre. El estadounidense Steve Paxton es legítimamente considerado el fundador de Contact Improvisation School. Como coreógrafo y bailarín, estudió danza clásica y moderna, practicó gimnasia y aikido, y pasó mucho tiempo investigando la improvisación de la danza. En la improvisación de contacto, el movimiento sigue el desplazamiento del punto de contacto entre los cuerpos de los socios. El movimiento prevalece cuando dos cuerpos se tocan, busca trayectorias espaciales mutuas al interactuar con el peso corporal. El baile está guiado por los sentimientos de los compañeros, su intención de mantener o no el contacto físico y seguir buscando el apoyo mutuo.

Hustle es un baile en pareja basado en la improvisación y el "liderazgo".

Traducido del inglés ajetreo "ajetreo y bullicio". Es un nombre colectivo para bailes de música disco popular en la década de 1980, como disco Fox, disco swing y el propio bullicio.
Es un baile "social", es decir, es básicamente extremadamente simple, baila en cuatro tiempos (disco-fox en tres) con casi cualquier música, no requiere mucho entrenamiento y después de un poco de práctica permite bailar a cualquiera.

Cuanto más rica y diversa se volvió la música con el advenimiento de los nuevos instrumentos electro-musicales, surgieron más direcciones musicales y, con ellas, varios estilos de danza. A finales de los 80 y principios de los 90, ciertos estilos están ganando popularidad con la llegada del video. La creatividad de Michael Jackson, quien entonces era llamado el rey de la música pop y el rey de la danza, dio lugar a un nuevo tipo de actuación: "a la Jackson". Sus clips más famosos de los álbumes "Thriller", "Bad", utilizan los movimientos de disco, break, hip-hop.

En el siglo XX, aparece el término "danza pop": este es un producto de la historia del arte secular, refleja, en primer lugar, el lugar donde ingresa el artista. Es decir, no un escenario de teatro, sino un espectáculo de variedades o una sala de conciertos. El concepto de "baile pop" también incluye estilizaciones de bailes folclóricos, bailes deportivos, demi-clásicos, bailes en los estilos de coreografía doméstica, paso, actualmente en el escenario vemos bastantes actuaciones, resueltas por medio de danza jazz o danza moderna. Así, el concepto de "baile pop" une bastantes áreas del arte coreográfico. Sin embargo, en la actualidad en muchas universidades e institutos de cultura y arte se han abierto departamentos de danza "pop". Desafortunadamente, no se puede hacer nada sobre esta confusión terminológica.

Podemos decir con total confianza que el siglo XX fue un verdadero avance creativo para la coreografía y una especie de revolución en la cultura de la danza.

En resumen, podemos decir que la danza moderna es un concepto relativo, momentáneo, y cada período de tiempo tiene su propia cultura musical, lo que da lugar a nuevos tipos de danza. Sin embargo, los estilos de danza moderna tienen una gran variedad de elementos, lo que los hace más democráticos y accesibles para personas con ciertas limitaciones de plasticidad y flexibilidad.

La actuación coreográfica "Cuerda" se escenifica sobre la base de la dirección de danza moderna - plástico libre.

Plástico gratis- un movimiento que surgió a principios del siglo XX por la liberación del marco de la danza clásica y la fusión de la danza con la vida. En este estilo, se formularon los principios en los que se basaba la danza moderna moderna y jazz, la danza contemporánea e incluso la improvisación de contacto. Isidora Duncan se convirtió en la fundadora del plástico libre.

Una de las fuentes ideológicas de la danza libre fue el movimiento para la mejora física, la liberación del cuerpo, la negación de marcos y límites, la mezcla de direcciones y estilos de danza. Los fundadores de la danza libre creían que todos pueden y deben bailar, y que la danza ayudará a todos a desarrollarse y cambiar sus vidas. El plástico libre es siempre emancipación, autoexpresión, "vuelo", es una actitud especial hacia uno mismo, el propio cuerpo, una forma especial de pensar. El plástico libre te permite ser espontáneo y consciente; te da la oportunidad de expresarte con creatividad, de sentir la alegría del movimiento, la armonía del cuerpo con la música y el ritmo. El plástico libre es una tendencia en la coreografía moderna. Un tipo de danza escénica, donde sorprendentemente se combinan elementos de la coreografía del jazz, el estilo del estilo moderno y la técnica de la danza clásica.

1.2. Fuentes y motivación para elegir el tema de la interpretación coreográfica "Bound"

El tema de la trama de la actuación coreográfica "Bound" se basa en el cortometraje "The Rope". La trama corta de la película (más bien incluso bocetos) es la siguiente: un joven y una niña "recuperan el sentido" en medio de la calle, están atados con una cuerda espalda con espalda y no pueden liberarse. La chica se resiste y el chico sigue el camino previsto. Los transeúntes con los que se encuentran muestran distintas reacciones ante su situación: unos ignoran, otros se burlan. La última persona en encontrarse los desata, acaricia el rostro de la niña y la desata. Además, la niña se da cuenta de lo que sucedió y se da cuenta de que no puede estar sin el niño. El joven, cuando estaba desatado, quiso golpear al libertador, pero él simplemente se alejó, regresó con la niña y juntos comenzaron a atarse nuevamente con la cuerda.

En realidad, esta película es una metáfora. Una cuerda, como símbolo de las relaciones, una especie de inconsciente o una dependencia consciente en las relaciones con tu mitad: esto es exactamente lo que es el tema principal esta película.

Un simbolismo similar se encuentra a menudo en las películas y en la literatura, en la composición de canciones de los músicos modernos, una variación de una cuerda pueden ser esposas, cadenas, grilletes. Tramas similares se pueden encontrar en la mitología de Platón: criaturas ideales con cuatro brazos, cuatro piernas y dos cabezas, que fueron separadas por el creador y que buscan a su alma gemela toda su vida en la tierra.

Otro tema secundario de la película es la actitud de las personas que los rodean ante la situación que observan, su reacción. Las personas que los rodean obtienen satisfacción al ver el tormento de dos personas relacionadas. Son dos transeúntes que se burlan de ellos, intentan retratarlos, mientras su autoestima se eleva por lo que ven. Además, en el camino, se encuentran con dos gamberros que intentan burlarse de ellos, humillarlos. Solo una persona mostró simpatía y su ayuda.

Al final de la película, que es más interesante para entender el significado de la autora: los personajes caminan juntos, tomados de la mano, ella pone la cabeza en su hombro. Cada espectador que haya visto la película sacará sus propias conclusiones: alguien dirá que el amor en una relación debe ir de la mano de la libertad de ambos, y alguien entenderá el amor ya no como libertad, sino como dependencia.

La dependencia se da no solo en las relaciones basadas en el amor, sino también en la relación entre padres e hijos, en la amistad entre amigos, entre personas que se ven obligadas a estar juntas por algún motivo. Mi producción muestra la dependencia psicológica entre dos amigos. Conciencia de dependencia el uno del otro, cuando los amigos traspasaron cierta línea en las relaciones entre ellos y desarrollaron tal grado de intimidad psicológica, en la que ambos o uno de los dos se perdieron y esta circunstancia empezó a pesar sobre cada uno de ellos. Por ejemplo, tal sentimiento puede surgir de la empatía entre ellos en situaciones difíciles. Supongamos que un esposo o un novio deja a una de las novias, luego la segunda novia se convierte en el primer "todo", tanto en consoladora como en consejera y en madre. Al mismo tiempo, el consolador disfruta de su necesidad e importancia, se siente fuerte, adulta y sabia, porque sus consejos son muy necesarios para su amiga, que los usa fácilmente.

La consoladora, olvidándose de sí misma y de sus seres queridos (esposo, hijos), pasa todo el día por los hechos de la vida de su amiga como si fueran propios, casi sin distinguir su vida de la de su amiga. Entonces hay una pérdida de uno mismo en la relación de amigos y surge la dependencia. Llega un momento en que la vida de la amiga "infeliz" comienza a mejorar (por ejemplo, aparece un hombre), se aleja gradualmente del consolador, porque ya no es necesaria.

Y aquí, la consoladora experimenta un tormento real: siente vacío, soledad (a pesar de la presencia de un esposo y sus seres queridos), dolor y está celosa de su amiga hacia su nuevo elegido, lo que hace que su amiga se sienta irritada y no esté dispuesta a comunicarse. Desde fuera puede parecer cómico, pero en realidad es una situación muy dolorosa que puede desembocar en neurosis, depresión y pérdida de interés por la vida del consolador abandonado. Además, las ex novias a menudo se separan, dejando de verse y comunicarse entre sí. Y su amistad, en la que hubo mucho bondad y sinceridad, llega a su fin.

La danza es la más sublime, la más emocionante y la más

la mejor de todas las artes, porque no es fácil

un reflejo de la vida o una distracción de ella, pero la vida misma.

(Havelock Ellis. "Danza de la vida")

¿Qué es la danza?Que es lo divino arte de Terpsícorequé son sus orígenes y principios de desarrollo? ¿Cuál es, finalmente, su atractivo, que no se ha desvanecido durante milenios? ¿Alguna vez te has hecho estas preguntas? Pero las respuestas a ellos pueden resultar muy curiosas para muchas personas. Y no solo para quienes, por la naturaleza de su profesión, se dedican a la coreografía, sino también para historiadores, historiadores del arte, sociólogos y muchos otros. De hecho, la danza, como fenómeno social puramente público, es todo un estrato que refleja, a través de sus métodos y técnicas, el desarrollo histórico, social y cultural de la sociedad humana. Esta capa es muy interesante y no lo suficientemente profunda, en mi opinión, "arada" por la ciencia moderna. Los historiadores se centraron más en aspectos del desarrollo económico y sociopolítico de la sociedad, los críticos de arte prestan mucha más atención a la arquitectura o la pintura, e incluso en los escenarios teatrales modernos y especialmente pop, la danza juega lejos del primer papel en comparación con la voz o el mismo género hablado. ¿Por qué tal desagrado? Después de todo, el arte coreográfico es quizás el más antiguo del mundo, ha sobrevivido milenios, habiéndose originado en el entorno humano cuando no había una sociedad civilizada con su economía y su política. ¿Por qué la danza, que en los albores de la historia humana, a la par con el culto y la magia, era la más importante de todos los tipos de actividades mentales y socioculturales de las personas, ha pasado ahora a un segundo plano? ¿Cuándo y por qué sucedió esto? Intentaremos comprender toda esta variedad de preguntas.

Y volviendo al primero. Entonces, ¿qué es, finalmente, la danza? Para responder a esta pregunta, necesitas llegar a las raíces, a los orígenes. Así que arremangámonos y cavemos juntos. Pero primero necesitamos una "pala", es decir el método con el que clasificaremos y organizaremos los lomos en los estantes. Y este método lo es. Es bastante simple: es un método de selección lógico. De hecho, argumentemos lógicamente, ¿qué podría subyacer al surgimiento del arte de la danza en la sociedad humana? Qué necesidades han dictado la aparición de movimientos corporales rítmicos de un tipo u otro. Está claro que bailar no es algo sin lo que una persona no pueda vivir, como, por ejemplo, sin comida ni agua. El hombre, como especie, ha atravesado un camino evolutivo largo y muy difícil, en el que su principal tarea era la supervivencia. Recientemente logré visitar uno de los sitios más antiguos del hombre primitivo en el territorio de Rusia: la cueva de Akhtysh en el sur del territorio de Krasnodar, donde las primeras capas culturales con rastros de actividad inteligente se remontan a hace 300 mil años, es decir, pertenecen a la era de los neandertales, que entonces , hace unos 50 mil años, reemplazó en la cueva el campamento de los Cro-Magnons, gente de tipo moderno. Después de pasar solo media hora en esta cueva lúgubre, incómoda y oscura con un techo bajo, paredes y piso húmedos, donde incluso en el clima más caluroso la temperatura no sube por encima de los 10-12 grados centígrados y donde los depredadores pueden deambular fácilmente y las serpientes se arrastran, claramente Imaginé lo difícil que era la vida para la gente primitiva. Esto significa que si el anciano dedicó parte de su precioso tiempo no a conseguir comida o arreglar la vida, sino a practicar estos movimientos corporales tan rítmicos, entonces esto fue realmente muy importante para él. ¿Qué podría ser tan importante para nuestros ancestros lejanos? Muchos se inclinan a creer que se trata de ceremonias rituales. Sí, tiene sentido. Con dioses y demonios, las bromas son malas. Deben leerse, gratificarse, sacrificarse constantemente, pero, debe admitirlo, para la reverencia y el sacrificio no es en absoluto necesario saltar, brincar, rotar y retorcerse a un cierto ritmo y ritmo. Puede hacer todo de manera mucho más eficiente y con menos esfuerzo, lo que aún será necesario en una caza o en una guerra con los vecinos. Lo más probable es que la razón del surgimiento de la danza sea algo más profunda de lo que comúnmente se cree.

Según los muchos en estos días diccionarios explicativos enciclopedias, generalmente se puede definir la danza como una forma de arte que refleja manifestaciones externas de la vida en forma figurativa y artística., a través de los movimientos del cuerpo humano, las expresiones faciales y la pantomima. "Danza. ¿No es él lo que vemos? " pregunta P. Valerie en su obra "Soul and Dance". Sí, lo es, pero no del todo. No todo puede explicarse solo por una simple reacción humana al mundo circundante. En esta ocasión, el gran Goethe tiene una declaración muy oportunamente interesante: "... ¿qué es la apariencia de la naturaleza viva, sino una manifestación siempre cambiante de lo interno?" ¡Brillante! Recordemos estas palabras. El célebre coreógrafo desarrolla esta idea en su obra "Composición de una danza" Artista nacional URSS Rostislav Zakharov: “La danza se basa en la acción. Pero no puede haber acción externosin acción interno... Todas las acciones externas, expresadas en movimientos, gestos, posturas, pasos de baile, se generan y forman en el interior, en pensamientos, sensaciones, sentimientos, experiencias ". Así que hemos llegado, según me parece, a la fuente. La primera causa del surgimiento de la danza, así como de un culto religioso, fue la psique, el mundo espiritual interior de una persona. En mi opinión, el culto no dio origen a la danza, sino que apareció simultáneamente con ella. Estas fueron las primeras manifestaciones sociales externas de la psique interior cada vez más compleja de una persona en los albores de su desarrollo como especie. Fueron estos fenómenos sociales, junto con un aumento en el volumen del cerebro, la postura erguida y el habla articulada, los factores decisivos de la evolución que permitieron a los humanos modernos finalmente destacarse de lo salvaje. El gran fisiólogo Pavlov creía que uno de los principales reflejos humanos es reflejo de iniciativa... Psique y se convirtió en el iniciador el surgimiento de la danzacomo fenómeno social. Por supuesto, al principio estaba estrechamente entrelazado con el culto y la magia, era imposible separarlos entre sí. La división y especialización más estrecha de estos fenómenos ocurrió mucho más tarde. Y el culto gradualmente tomó la supremacía. ¿Porqué es eso? Todo es muy sencillo. En las primeras etapas de diferenciación de la sociedad humana, dos grupos sociales privilegiados emergieron de la masa general de la comunidad tribal: líderes militares-líderes y líderes espirituales-chamanes, curanderos, hechiceros. Naturalmente, en su mayor parte, eran personas inteligentes y enérgicas, y rápidamente se dieron cuenta de la necesidad de combinar sus esfuerzos para preservar y aumentar su estatus social especial. El principal método de influencia espiritual sobre los parientes más oscuros y primitivos en ese momento era un culto que imponía el miedo y la reverencia por los dioses, espíritus y otros poderes superiores. En el mundo más antiguo de la Edad de Piedra, no había una fuerza que actuara en la mente de las personas más fuerte que el miedo a las fuerzas desconocidas de la naturaleza, en las que se basaba el culto. Danza en estas condiciones, pasó a un segundo plano y comenzó sólo a "servir" a los rituales, decorarlos y potenciar el factor de impacto psicológico y energético-emocional en los participantes de los rituales y ceremonias de culto. Hablaremos del efecto de la danza en el cuerpo humano, pero ahora volveremos a la cuestión de los motivos de su origen.

El surgimiento de la danza, como cualquier fenómeno psicofísico, tuvo su propio mecanismo. Intentemos recrearlo. Para ello, necesitaremos realizar una pequeña, pero absolutamente necesaria, excursión a la historia más antiguapara intentar responder la pregunta: cuando comenzo el baile? Sin profundizar en los problemas de la antropogénesis, que van más allá del alcance del tema que nos interesa, digamos brevemente que la especie biológica del hombre moderno Homo sapiens, a la que pertenecemos, se divide en dos subespecies: Homosapiensneanderthalelaensis (neandertales) yHomosapienssapiens (Cromañones).

La cultura musteriana creada por los neandertales en el Paleolítico temprano fue la más desarrollada de todas las que existieron antes de la aparición de los humanos modernos en Europa, y los propios neandertales eran los más cercanos a nosotros en términos de su desarrollo mental y estructura biológica, y en términos de volumen cerebral, los neandertales clásicos incluso superaron a los modernos. personas. Entonces tal vez sean los primeros "Inventó" un baile ? Por primera vez, se encuentran en ellos los rudimentos de la cultura espiritual. La razón de esta conclusión es la aparición entre los "musulmanes" de la costumbre de enterrar a los muertos, que no se observa en los homínidos anteriores, por no hablar del reino animal, así como el culto a los cráneos de oso y la mandíbula inferior. Sin embargo, es difícil afirmar definitivamente sobre la aparición de la cultura espiritual en la era Musteriense debido a la ausencia de signos e incluso imágenes durante este período. Lo mismo se aplica al idioma de los neandertales. Probablemente tenían comunicación por audio, pero ¿de qué tipo? Investigaciones recientes sobre esqueletos supervivientes Homoheanderthalelaensis Sugieren que solo podían hacer sonidos ásperos en falsete, su laringe estaba menos desarrollada en comparación con la gente moderna. Es muy posible que los neandertales tuvieran un sistema de comunicación sonora bastante complejo, en comparación con otras especies biológicas, sin embargo, este subdesarrollo de la laringe, aparentemente, impidió el surgimiento de un discurso articulado integral en ellos, sin el cual, de hecho, no puede haber una espiritualidad completa en un amplio espectro. sentido. Para el surgimiento de un proceso sociocultural tan complejo como arte de la danza (como, de hecho, de cualquier otro tipo de arte) en la sociedad, debe desarrollarse un nivel suficientemente alto de pensamiento, comunicación y espiritualidad para que surja una necesidad urgente, que inicia emergencia de la danza como material, materialización motor de esta nueva necesidad. Y la estructura misma del cuerpo de los neandertales no era muy adecuada para bailar. De baja estatura, musculosos, en cuclillas con piernas cortas y poderosas, se mantenían firmes sobre sus pies, pero claramente no estaban adaptados para correr, saltar y todo tipo de movimientos plásticos ligeros. Así que eso bailarines, aparentemente, no eran importantes y el surgimiento de una cultura de la danza, a nuestro entender, probablemente se refiere a la era subsecuente del Paleolítico Superior, la era del dominio del Hombre moderno, o como a menudo se le llama - Cromañón. El análisis molecular moderno muestra que los neandertales probablemente fueron una rama lateral relacionada de la evolución, y no los predecesores y progenitores directos del Homo sapiens sapiens. Ahora, muchos científicos creen que vino de África, donde se encuentran sus primeros rastros hace unos 100 mil años. En Europa, aparece hace unos 50 mil años y desde hace algún tiempo convive con los neandertales. Pero, desplazando gradualmente a los neandertales y asimilándolos sólo en pequeña medida, los cromagnones, como especie más desarrollada, obtienen la dominación completa. Los neandertales, incapaces de resistir la competencia, desaparecen para siempre del escenario histórico. Las excavaciones de los primeros sitios europeos de cromañones muestran que durante su coexistencia con los neandertales, estos últimos a menudo se incluyeron en la cadena alimentaria del nuevo Hombre. Simplemente pon, los cromañones cazaron neandertalescomo bestias salvajes, sin hacer una gran diferencia entre ellos. Esto se confirma con los hallazgos de huesos de neandertal en montones de desperdicios de comida cerca de los sitios de los primeros humanos modernos. Una persona de tipo físico moderno trae consigo a la historia signos indudables y estables de existencia cultural: discurso articulado, imágenes, signos, símbolos, etc. Todo esto da ese nivel de conexiones integradoras, que se llama cultura. Así, cedemos incondicionalmente el "copyright" de la "invención" de la danza al "Homo sapiens". Y este evento ocurrió muy probablemente en la era del Paleolítico Superior, simultáneamente con el surgimiento de las primeras creencias de culto y bellas artes. Todo esto sucedió hace tanto tiempo, y hay tan pocos materiales arqueológicos y de otro tipo que ciertamente es imposible afirmar nada, pero lógicamente, lo más probable, en un sentido cronológico, es el tiempo. el surgimiento de las tradiciones de la danza aparece el período Madeleine (hace 15 - 10 mil años).

Fue durante este periodo arte primitivo y, sobre todo, la pintura rupestre alcanza su mayor nivel de desarrollo. Las galerías rupestres más famosas y perfectas datan de la época de la Madeleine: Lascaux, Altamira, Montespan. Es lógico suponer que fue durante este período, cuando la psique y la comunicación humanas cada vez más complejas iniciaron el surgimiento de la necesidad de bellas Artes podría haber necesidad de otras formas de arte - incluyendo la danza evidencia de esto son las pinturas rupestres en las cuevas de Francia y España, donde de 1794 dibujos - 512 representan personas en diferentes poses y momentos de movimiento, que se repiten periódicamente, además, se dedican unos 100 dibujos algunas criaturas humanoides. Teniendo en cuenta que la pintura rupestre es muy realista, incluso fotográfica, el artista aún no podía pensar de manera abstracta, no inventó nada y pintó lo que vio con sus propios ojos, entonces puedes preguntar: ¿qué vio? Si descartamos la versión de extraterrestres o mutantes, lo más probable es que se trate de personas vestidas de animales o algún tipo de espíritus que imitan.

¡¡¡Detener!!! Entonces, en los dibujos más antiguos, que son esencialmente las fuentes históricas más antiguas, se muestra la imitación de animales o los espíritus de la naturaleza. ¿Pero, qué es esto? Trate de representar sin palabras cualquier animal o fenómeno natural, como en el famoso juego infantil, cuando algunos representan algo, mientras que otros deben adivinar qué es. ¿Cómo imitarás? Solo puedes imitar sonidos, expresiones faciales y movimientos corporales, pero ¿cómo es que no es lo más? baile temprano ¡en su centro! Una confirmación indirecta de que la danza se originó en la era de Madeleine es el hecho de que la aparición de los primeros instrumentos musicales entre las personas también pertenecen a este período: por ejemplo, una flauta hecha de cuerno de reno del campamento de Molodov y un martillo hecho de asta de reno y batidores de colmillos. mamut del sitio de Mezin. Por tanto, podemos hablar del inicio de la capa musical del arte primitivo. Ya hemos mencionado el estrecho entrelazamiento de todos los géneros de arte prehistórico. Basado en esto, se puede argumentar con un alto grado de probabilidad que comienzo musical no se separó del movimiento, los gestos, las expresiones faciales, las exclamaciones, es decir, de hecho - de bailar.

Entonces, respondimos a la primera de las preguntas planteadas: ¿cuándo podría surgir la cultura de la danza más antigua? En la época de Madeleine del Paleolítico tardío hace unos 15 - 10 mil años. Desafortunadamente, danzano deja atrás un monumento material tan objetivo y duradero, susceptible de datación precisa, como la pintura o la arquitectura, pero esto difícilmente podría haber sucedido mucho antes: la sociedad humana simplemente no estaba lista todavía. Ahora sigamos adelante e intentemos responder la siguiente pregunta: ¿Cómo surgió el nacimiento de la cultura de la danza?

Ya hemos dicho que arte de la danzase originó en las profundidades de la psique humana cada vez más compleja y se convirtió en una manifestación externa de la necesidad de una persona de cierto tipo de movimientos corporales. Nos reunimos con usted con tales necesidades constantemente. Por ejemplo, después de una larga sentada a la mesa, desea levantarse, estirar, estirar las piernas. Lo hacemos reflexivamente, a nivel de instinto, sin siquiera pensar. ¿Por qué estamos haciendo esto? Sí, ¡nos sentimos mucho mejor después de eso! Además del instinto y los reflejos naturales, una persona tiene una memoria biomecánica. Somos capaces de memorizar los movimientos corporales que nos gustan, después de lo cual nos sentimos mejor y más alegres, y podemos reproducirlos. ¡Una persona no puede vivir sin movimiento muscular!Si algún órgano, por una razón u otra, está inactivo durante un tiempo determinado, inevitablemente se atrofiará. ¡Ahí es donde está enterrado el perro! ¡Necesitamos movimiento para vivir! Todo en este mundo está en constante movimiento, todo vibra y cambia. El hombre es un hijo de este mundo y no puede existir separado de sus leyes objetivas. Y una de las principales leyes de la madre naturaleza es la ley del movimiento y el cambio perpetuos. “Nada dura para siempre”, “Todo fluye, todo cambia”, dice la sabiduría popular. Por lo tanto, una persona se vio obligada, además de los movimientos de producción necesarios, a escuchar la voz de la naturaleza, a realizar movimientos adicionales para mantener su vitalidad. Parecería, por qué necesitaría esto, porque la vida primitiva era físicamente difícil y llena de peligros, la persona ya recibía mucha actividad física y claramente no sufría de inactividad física. ¡Pero no!

¿Alguna vez ha tenido casos en los que, después de un arduo día de trabajo, "atropellado" y "teniendo problemas", se encontró de repente en una discoteca genial e incluso en buena compañía? Y después de haber bailado y divertido allí desde el corazón, ¿cómo te sentiste después de eso? Seguramente tuvo una sensación de alegría, placer y, lo más importante, de elevación espiritual, aunque físicamente puede estar cansado. Pero mentalmente, recibiste tal impulso energético que te llenó de nueva fuerza e hizo que el consumo de energía justificara su adquisición. Somos criaturas con una psique compleja y altamente organizada, nuestros sentimientos y pensamientos tienen un impacto en nuestros campos energéticos y por ello la carga psíquica, espiritual es aún más importante para nosotros que la física, ya que es nuestra psique la que controla todos los procesos físicos en nuestro cuerpo a través de impulsos bio-eléctricos. Estoy convencido de que fue esta necesidad de recarga mental periódica la que inició las primeras necesidades humanas de rítmico movimientos corporales. Preste atención, no a los movimientos corporales simples, sino a los rítmicos. ¿Porqué es eso? Sí, porque todos nuestros órganos internos, todo el cuerpo y el sistema nervioso están en constante vibración y pulsación, que tienen su propio ritmo: el corazón late a un cierto ritmo, el ciclo respiratorio también se realiza estrictamente rítmicamente, etc. Por lo tanto, la carga psicoenergética también debe realizarse rítmicamente, para no entrar en disonancia con los ritmos biológicos naturales del cuerpo. Y esta persona buscaba un equilibrio de forma puramente empírica, mediante ensayo y error. ¡Lo interesante es que este proceso continúa hasta el día de hoy! Creo que ha observado repetidamente cómo una persona, habiendo escuchado la música rítmica y alegre que le gustaba, comenzó a balancearse, pisotear y contraerse involuntariamente al ritmo de esta música. De la misma manera, los pueblos antiguos, "crearon" casi en un nivel inconsciente, hasta que tarde o temprano, no desarrollaron un cierto "complejo" de movimientos corporales rítmicos -! Ellos, por supuesto, no se parecían mucho bailes modernos, pero sus tareas eran diferentes. En este caso, no estamos hablando de los bailes a los que estamos acostumbrados, sino de la cultura de las formas más tempranas de movimientos rítmicos del cuerpo con un acompañamiento primitivo, muy probablemente de voz y ruido, que puede catalogarse como el comienzo mismo de la cultura de la danza. Estaba indisolublemente vinculado con el surgimiento de la magia y las primeras formas de religión, así como con la cultura musical y visual. Todos estos fenómenos aparecieron, en mi opinión, casi simultáneamente y existieron, al principio, como un solo complejo de actividad mental humana, destinado a conocer el mundo que nos rodea y a uno mismo. Además de todo musica y baile son capaces de ejercer sobre el cuerpo humano no solo fisiológico, sino también un poderoso impacto emocional. Escuchar buena música y recargar el motor rítmico hace que el cuerpo libere hormonas adicionales de alegría y placer: las endorfinas, que estimulan todo el sistema nervioso. Lo sé por mi propia experiencia. Por eso a mucha gente le encanta bailar. En el proceso de fusionar la música y el movimiento corporal, tienen un gran placer. Ésta es otra razón indirecta. el surgimiento de la cultura de la danza. Personas le gustaba bailar... ¡Lo disfrutaron! Y si algo te gusta, disfrutas algo, entonces siempre encontrarás tiempo y oportunidad para esto.

Entonces, no fueron en absoluto las necesidades de los primeros rituales religiosos las que iniciaron aparición del arte de la danza, este iniciador fue la psique misma del hombre antiguo, su necesidad de recarga rítmica periódica y la creciente necesidad de conocimiento del mundo, autoexpresión y placer. Y los representantes del culto, las personas, por regla general, los más inteligentes y desarrollados para su época, notaron rápidamente lo que impacto mental y emocional renders musica y baile en una persona y comenzaron a usarlo como un medio para fortalecer su influencia en las mentes y corazones de los miembros de la tribu durante la realización de los rituales. Además, primeros bailesmuy probablemente fueron grupo, y la multitud tiene un efecto de resonancia, multiplicando el grado de influencia sobre cada participante individual en la ceremonia. ¿Por qué creo eso? El llamado "efecto manada" en el lenguaje común parece ser familiar para todos. La masa ejerce una tremenda influencia sobre el individuo, subyugando su voluntad individual e involucrándolo en su proceso. Era imposible y sin sentido resistir esta influencia en una sociedad primitiva, un individuo no podía sobrevivir solo en un mundo duro, sin su propia comunidad. Por lo tanto, todos, al final, tuvieron que aceptar las reglas generales del juego, que, como regla, fueron establecidas por las personas más inteligentes y autorizadas: líderes y sacerdotes. Participando en celebraciones grupales, bailes rituales y rituales, en los que participaban casi todos los miembros de la comunidad, una persona se sentía parte de un gran todo común, se sentía protegida, recargada energética y emocionalmente de él. Exactamente bailes y bailes grupales La mayoría cumplía con los requisitos necesarios que la vida social cada vez más compleja presentaba inicialmente a arte de danza emergente .

Vicepresidente de la Federación de Danza Contemporánea de Volgogrado (VFST),

profesor Titular, Departamento de Coreografía, Instituto de Educación Artística, VSPU;

jefe del CFTS Dynamo Volgograd

Chernikov Konstantin Petrovich

Hasta ahora, no hay consenso sobre la primacía del nacimiento de la danza, la canción o la música, una cosa es indiscutible: la aparición de la danza está asociada con la conciencia del ritmo como acompañamiento de una determinada secuencia de movimientos corporales. Estos movimientos rítmicos corporales podían tener un contenido diferente, que luego sirvió de motivo para la creación de muchas teorías sobre el origen de la danza (sus antecesores se denominaron juego, rituales mágicos o religiosos, instintos eróticos, etc.). Cualquiera de las teorías tiene derecho a existir y tampoco puede considerarse la única correcta. Su cuidadoso estudio confirma la conclusión: en todo momento, la danza ha jugado un papel importante en la vida social de una persona, en su desarrollo armonioso, estético y físico.

Ya en la primera etapa de su existencia, la danza intentó reflejar la realidad en forma social, seleccionar sus rasgos más típicos, darles una determinada imagen. La primera música para los bailarines fue el sonido de los tambores, el ruido del tintineo de brazaletes y amuletos, el primer maquillaje fue una pintura facial imitando sangre, y la primera experiencia de expresividad actoral fue la imitación de varios animales. Todo esto les sucedió a los investigadores a principios del siglo XX entre los indígenas de Brasil y algunas tribus indígenas de América del Norte.

Además de la imitación, la danza también tenía una función educativa. Un investigador estadounidense capturó un ejemplo de la actuación de una danza de guerra por 33 filas de 33 personas cada una. Esta enorme masa de bailarines, actuando sorprendentemente armoniosa, reflejaba la fuerza y \u200b\u200bel poder del ejército.

El nacimiento del arte de la danza

Los primeros bailes de la antigüedad estaban lejos de lo que ahora se llama esta palabra. Tenían un significado completamente diferente. Con varios movimientos y gestos, una persona transmitía sus impresiones del mundo que lo rodeaba, poniendo en ellas su estado de ánimo, su estado de ánimo. Exclamaciones, cantos, juegos de pantomima estaban interconectados con la danza. El baile en sí siempre, en todo momento, ha estado estrechamente asociado con la vida y la vida de las personas. Por lo tanto, cada baile se encuentra con el personaje, el espíritu de las personas de donde se originó. Con el cambio en el sistema social, las condiciones de vida, la naturaleza y el tema del arte cambiaron, y la danza también cambió. Estaba profundamente arraigado en el arte popular.

Los bailes eran muy comunes entre los pueblos del mundo antiguo. Los bailarines se esforzaron por asegurarse de que cada movimiento, gesto, expresión facial expresara algún pensamiento, acción, hecho. Los bailes expresivos fueron de gran importancia tanto en la vida cotidiana como en la vida pública. Muy a menudo las festividades comenzaban y iban acompañadas de bailes.

Para un hombre de la sociedad primitiva, la danza es una forma de pensar y de vivir. Las técnicas de caza se practican en danzas que representan animales; la danza se usa para expresar oraciones por la fertilidad, la lluvia y otras necesidades vitales de la tribu. El amor, el trabajo y la ceremonia se plasman en movimientos de danza. En este caso, la danza está tan conectada con la vida que en el lenguaje de los indios tarahumaras mexicanos, los conceptos de "trabajo" y "danza" se expresan con la misma palabra. Percibiendo profundamente los ritmos de la naturaleza, la gente de la sociedad primitiva no pudo evitar imitarlos en sus danzas.

Las danzas primitivas se suelen realizar en grupos. Los bailes de danza redonda tienen un significado específico, objetivos específicos: expulsar a los espíritus malignos, curar a los enfermos, alejar los problemas de la tribu. El movimiento más común aquí es el de pisotear, quizás porque hace temblar la tierra y obedecer al hombre. En las sociedades primitivas, la okupación es común; a los bailarines les encanta girar, moverse y saltar. Las carreras de caballos y los giros llevan a los bailarines a un estado de éxtasis, que a veces termina en la pérdida del conocimiento. Los bailarines generalmente no usan ropa, pero usan máscaras, elaboran sombreros y a menudo se pintan el cuerpo. Como acompañamiento se utilizan pisadas, palmas y tocar todo tipo de tambores y gaitas fabricados con materiales naturales.

Las tribus primitivas no tienen una técnica de baile regulada, pero un excelente entrenamiento físico permite a los bailarines entregarse por completo al baile y bailar con absoluta dedicación, hasta el frenesí. Danzas de este tipo todavía se pueden ver en las islas del Océano Pacífico Sur, en África y en América Central y del Sur.

Se puede obtener información visual importante sobre el desarrollo de la danza en el Antiguo Egipto a partir de registros jeroglíficos, relieves de madera, imágenes talladas en piedra, esculturas y diversos objetos de tumbas antiguas. En Abydos, el lugar donde, según las creencias de los egipcios, fue enterrado Osiris, el dios de los muertos, durante el solsticio de verano se llevaron a cabo ceremonias con baile y música. Grupos de cantantes y bailarines vivían en los templos y participaban en la adoración de los dioses. Una de las fiestas principales fue una ceremonia dedicada al toro Apis, con danzas secretas realizadas por los "sirvientes" del toro.

Los bailes fúnebres y ceremoniales se distinguieron por la severidad y la sencillez, pero con el tiempo comenzaron a aparecer otros tipos de bailes más decorativos. A las esclavas y esclavas se les enseñó a bailar como entretenimiento en el hogar. Se trajeron bailarines de otros países a Egipto. Había comparsas itinerantes de actores profesionales que representaban pantomimas, realizaban actos acrobáticos con acompañamiento de panderetas y castañuelas. Durante algún tiempo fueron populares las danzas de los pigmeos negros.

En las obras de los antiguos poetas, escritores, artistas, hay nombres de bailes y sus participantes, y se describen las reglas de ejecución.

Por ejemplo, el antiguo poeta griego Homero describió una danza redonda en la Ilíada y en la Odisea: un dúo masculino en el contexto de jóvenes bailarines. Lucian escribió un tratado completo, El diálogo sobre la danza. También podemos encontrar descripciones de danzas en Aristóteles, Filostrato, en las tragedias de Esquilo, Sófocles, Eurípides, en las comedias de Aristófanes. Numerosas imágenes de bailarines y bailarines en barriles, en pintura de jarrones y en esculturas también hablan sobre la naturaleza de las danzas griegas antiguas. Los más famosos son el bajorrelieve "Bailando jóvenes griegas", la pintura de jarrones "Kordax" y "Sikinnis", las esculturas - "Mujer griega bailando", "Dancing Menada", las famosas figuras de Tanagra, "Running Mercury".

Las danzas de los antiguos griegos se pueden dividir en sagradas (ceremoniales, rituales), militares, escénicas y sociales. Otros pueblos tenían bailes de aproximadamente el mismo carácter.

Bailes militares en Antigua Grecia jugó un papel importante en el fomento del valor, el patriotismo y el sentido del deber en la juventud. Por lo general, las danzas pírricas militares eran realizadas por dos. Había pírricas masivas en las que solo bailaban hombres jóvenes y, a veces, las niñas bailaban junto con los jóvenes. Danzas militares reproducían la batalla, varias reconstrucciones de combate, eran composiciones coreográficas complejas. En las mangas de los bailarines había arcos, flechas, escudos, antorchas encendidas, espadas, lanzas, dardos. En las tramas de bailes heroicos, por regla general, se reflejaban mitos y leyendas sobre héroes.

Las danzas escénicas de los antiguos griegos formaban parte de las representaciones teatrales, y cada género tenía sus propias danzas. Durante los bailes, los intérpretes golpeaban el ritmo con los pies, para esto usaban sandalias especiales de madera o hierro, a veces golpeaban el ritmo con las manos usando una especie de castañuelas - conchas de ostras - puestas en sus dedos medios.