Qué es un musical, la historia de un musical. Musical en la historia de Rusia: desde los orígenes hasta el presente ¿Qué es una definición corta musical?

07.09.202027.05.2017

El contenido del artículo

MUSICAL(Musical inglés), un género escénico especial, donde las artes dramáticas, musicales, vocales, coreográficas y plásticas se fusionan en una unidad inseparable. En la etapa actual, es uno de los géneros más complejos y originales, en el que, en un grado u otro, se reflejan casi todos los estilos de artes escénicas que existían antes. Formado en los Estados Unidos a principios del siglo XX.

CONDICIONES HISTÓRICAS PARA LA FORMACIÓN DEL GÉNERO

Arte teatral de Estados Unidos hasta finales del siglo XIX. se desarrolló de manera difícil, a lo largo de un camino especial que prácticamente no se correlacionó con el europeo general. Los puritanos ingleses, que constituían la mayoría de los inmigrantes al joven país, trajeron consigo una actitud extremadamente intolerante hacia la cultura artística en general y el arte teatral en particular. Los orígenes de esto se remontan al siglo XVII, desde la época de la revolución burguesa inglesa, cuando en 1642 el parlamento inglés prohibió todas las representaciones teatrales por decreto especial. Sin embargo, Inglaterra, a pesar de su ubicación insular, aún no podía desarrollarse aislada de las tendencias generales de la Ilustración europea del siglo XVIII, que puso el teatro al servicio de su ideología y, en consecuencia, prestó mucha atención al arte teatral. Estados Unidos, debido a su lejanía de Europa, tenía una capacidad mucho mayor para resistir la integración de las tendencias en la cultura artística. Los inmigrantes puritanos, predicando constantemente la ideología del ascetismo, durante dos siglos asignaron al teatro el papel de un tipo de actividad humana “baja” y socialmente desaprobada, proclamando el desarrollo intelectual, pero no artístico, como el centro de la vida espiritual. Esto no pudo destruir el teatro en absoluto, pero determinó completamente ciertas formas de su desarrollo.

Existencia en el siglo XIX. El teatro estadounidense al margen de la ideología oficial contribuyó al desarrollo de sus formas más simples y groseras, diseñadas para un espectador inexperto y, por tanto, modesto. Además, las compañías de teatro y los actores individuales que emigraron de Europa, por regla general, no eran las personas más talentosas ni las más ricas que no podían tener éxito en su tierra natal. Las más extendidas en ese momento eran las compañías itinerantes, formadas por un pequeño número de actores. La pequeña composición de las comparsas determinaba su repertorio: un conjunto heterogéneo, en su mayoría cómicos, números, breves bocetos, escenas musicales o de danza. Como cualquier teatro itinerante, cuyo bienestar material está directamente relacionado con los intereses específicos de la audiencia, estos grupos se vieron obligados a dominar los "detalles locales", incluido el folclore negro. A mediados del siglo XIX. Se formaron géneros teatrales estadounidenses, que representaban, a pesar de tomar prestados sus nombres del teatro europeo, una variedad muy especial de ellos. Todos tenían un enfoque común: el entretenimiento. Las diferencias entre estos géneros eran más formales que fundamentales.

ORÍGENES DE LA MÚSICA

Espectáculo de juglar (de "juglar" - cantante medieval, músico, recitador). Inicialmente, los espectáculos de mineshot eran breves escenas cómicas interpretadas por actores blancos, disfrazados de negros, parodiando su vida, música y baile. Al final de la Guerra Civil entre el Norte y el Sur, aparecieron las compañías negras, continuando la tradición de los juglares blancos. La inmersión en el folclore negro, y especialmente en su cultura musical, llevó al surgimiento del jazz en el espectáculo de los ministerios (en particular, el reg-time, como una de sus formas tempranas). Parece que es precisamente por eso que el género jugó un papel especial en la formación de la música y arte teatral ESTADOS UNIDOS. El pico de popularidad del programa mineshot terminó en la década de 1870.

Burlesque, que surgió en Europa como una parodia, una parodia de representaciones teatrales serias, en los Estados Unidos se ha convertido en una colección de una variedad de números pop basados \u200b\u200ben la ambigüedad y la obscenidad. A finales del siglo XIX. Los números de striptease comenzaron a aparecer en burlesque, que luego constituyó su principal "destaque".

Vodevil: a diferencia de su versión europea, por regla general, no tenía una trama común y, más bien, se acercaba a un espectáculo de variedades, un espectáculo de music hall, donde varios números musicales, de danza y circo se seguían en un orden arbitrario. Una revista puede considerarse una especie de vodevil, en el que los números estaban conectados por una determinada línea temática.

Quizás el único género musical y teatral que conserva sus raíces europeas en América fue la opereta. A finales del siglo XIX. las más populares fueron las operetas de autores ingleses, franceses y austriacos.

A principios del siglo XX. Lo ocurrido, sin exagerar, puede considerarse un giro revolucionario en el desarrollo de la cultura de América, y más tarde - del mundo entero: la formación y desarrollo del jazz como un nuevo concepto genérico de arte musical. El jazz se convirtió gradualmente no solo en música, sino también en una forma de pensar; penetró en todas las esferas de la cultura artística, incluido el teatro. Gradualmente reconocidas como una música nacional distintiva, las composiciones de jazz fueron ganando cada vez más popularidad. A principios de la década de 1940, era difícil encontrar una actuación de comedia musical que no incluyera temas de jazz. En su contexto, la trivialidad de otras escenas y bocetos parecía cada vez más vulgar. Un salto cualitativo en las representaciones musicales y teatrales se estaba volviendo inevitable. Fue el pensamiento jazzístico el que unió todos los géneros musicales y espectaculares no muy diferentes entre sí sobre nuevos principios, dando a su carácter ligero y superficial una profundidad inesperada. El cambio en la naturaleza de la música condujo inevitablemente a un cambio fundamental en la base dramática. Entonces, en la intersección de direcciones artísticas aparentemente incompatibles, surgió un musical.

MÚSICA EN AMÉRICA

Se considera que la fecha oficial de nacimiento del nuevo género es marzo de 1943, cuando tuvo lugar el estreno de la obra en Broadway. ¡Oklahoma! R. Rogers y O. Hammerstein. Aunque en un principio los autores se referían tradicionalmente a su interpretación como una "comedia musical", el público y la crítica la percibieron como una innovación que destruye los cánones establecidos. La actuación fue compositivamente un todo único: no se insertaron números vocales y de baile divertidos; la trama, los personajes de los personajes, la música, el canto: todos los componentes existían inseparablemente, enfatizando y desarrollando por diversos medios la línea general del trabajo escénico. Los valores básicos - amor, comunidad social, patriotismo - estaban detrás de una trama simple y sin pretensiones. No es de extrañar que diez años después, el estado de Oklahoma anunció la canción de este programa como su himno oficial.

Tras el estreno, que se celebró con extraordinario éxito, los autores propusieron un nuevo término para el género de la interpretación: musical. Musical ¡Oklahoma!no ha dejado los escenarios de Broadway por más de cinco años; después, viajó por todo Estados Unidos en una gira. En 1944 recibió el premio Pulitzer. Por primera vez, se lanzó un disco con la grabación no de números musicales individuales, sino de la actuación completa. La película fue filmada en 1955. ¡Oklahoma!, que ha recibido dos premios Oscar, por mejor música y mejor trabajo con sonido. En 2002 se representó nuevamente en Broadway. Anunciada la New York Drama League ¡Oklahoma! el mejor musical del siglo.

Así comenzó una nueva era en la historia del teatro primero estadounidense y luego mundial, que fue glorificada por compositores como J. Gershwin, R. Rogers, L. Bernstein, E. Lloyd Webber, J. Herman y otros. W. Shakespeare, M. Cervantes, C. Dickens, B. Shaw, T.S. Eliot, D. Hayward y otros.

Para todo el género sintético del musical, su particularidad no es la presencia obligada de “escenas conversacionales” en la obra: son indudables musicales escritos y escenificados de manera operística, donde los roles se convierten en partes: Porgy and Bess, Gatos, Jesucristo superestrella, Evitay otros. Para evitar confusiones, estas obras suelen denominarse "óperas de rock". Sin embargo, de hecho, se relacionan con los musicales por la forma general de actuar, cuando cualquier medio de la técnica actoral, sea danza, vocal o plástica, se vuelve absolutamente orgánico para el intérprete en la expresión de la emoción o el pensamiento. Este género teatral vívido y extremadamente convencional debe combinarse incomprensiblemente con la naturalidad de la transición de un medio de expresión a otro. Además, con el más alto nivel de desempeño técnico, la puesta en escena de voces o plásticos debe ser fundamentalmente diferente a la de los géneros de música clásica: las voces no pueden sonar “operísticas” y la danza no puede parecer “ballet”. El habla, las expresiones faciales, la plástica, la danza solo pueden subordinarse a una única línea de comportamiento escénico, la tarea de crear una imagen integral.

Esta es la forma de ser demostrado por los actores en las mejores producciones de los musicales de Broadway, así como en sus versiones cinematográficas: Sonidos de musica(1965), West Side Story(1961), ¡Hola muñequita!(1969), Chica divertida(1968), Jesucristo superestrella(1973), Mi Bella Dama(1964), El violinista en el tejado(1971) etc. Muchas de estas películas han recibido importantes premios cinematográficos.

GESTIÓN Y FORMAS DE PRÁCTICA TEATRAL

La forma de la empresa determina el cálculo cuidadoso del éxito comercial de la obra. La apuesta se pone igualmente en el arte del equipo creativo y en el arte del productor. El trabajo en la actuación se lleva a cabo mediante el método de "inmersión profunda", negándose a participar en otros proyectos. La actuación final, llevada al nivel de perfección tecnológica, se opera continuamente, siempre que haya demanda de la audiencia (si tiene éxito, durante varios años). El refinamiento de la forma, combinado con la orientación psicológica de los actores específicamente hacia la forma de trabajo empresarial, permite que la actuación evite la obsolescencia durante mucho tiempo y logre el mismo tipo de reacción de la audiencia, independientemente de la composición de la audiencia. Además, el complejo desarrollo de efectos espectaculares, que se ha convertido en una de las señas de identidad de un musical moderno, requiere sin duda que los actores sean automáticos en estricta observancia de toda la partitura de la actuación. El contacto de tales actuaciones con el espectador se puede comparar con la percepción de una película: independientemente de la reacción individual de la audiencia, una obra de arte no cambia, se crea de una vez por todas. Una actuación entretenida simplemente no puede permitir fluctuaciones en la reacción de la audiencia: una disminución en el interés por el proyecto equivale a su muerte. Además, para la administración estadounidense, el lanzamiento de una actuación empresarial es solo el comienzo. Casi todos los proyectos van acompañados de ingresos por el lanzamiento de grabaciones de audio y video, y con gran éxito, licencias para su puesta en escena en otros teatros.

Los teatros estacionarios con una compañía permanente y un repertorio amplio y diverso son más característicos de la tradición teatral europea. Esto dicta un estilo de trabajo completamente diferente y un tipo diferente de relación con el espectador: más íntimo y complejo. Reencarnando en diferentes roles cada día, el actor del teatro de repertorio en cada representación establece un nuevo contacto con el público, ganando su atención y ajustándose a las reacciones del público. No en vano se cree que en un teatro de este tipo no hay dos representaciones idénticas: los acentos semánticos, los matices de las relaciones y los personajes de los personajes cambian según el estado psicofísico de los actores y la receptividad y el estado de ánimo del público. Y si el teatro también recibe subvenciones, entonces el éxito comercial de la representación sigue siendo, por supuesto, una condición importante pero no vital para su existencia. Todo esto complica enormemente la estandarización de la formulación y ejecución de las tareas técnicas que enfrentan los actores. En consecuencia, se reduce la probabilidad de una producción exitosa de un musical.

Sin embargo, el género del musical resultó ser extremadamente atractivo para actores de todos los países y todas las direcciones teatrales. Sin duda, esto está relacionado no solo con el anhelo natural de popularidad, sino también con el deseo de dominar un nuevo género, de expandir sus posibilidades creativas.

HISTORIA MUSICAL EN RUSIA

En Rusia, las relaciones con el musical comenzaron a estar ligadas durante mucho tiempo, aunque en una modificación original ligeramente diferente de este género. Sin embargo, los primeros acercamientos al musical fueron de la misma manera que en Estados Unidos: a través del jazz. Esto sucedió en las películas de G. Alexandrov, y especialmente en Chicos alegres con la participación de la banda de jazz L. Utesov. A pesar de que no hay tantos números musicales en la partitura, en realidad son participantes autorizados en la película, existiendo en pie de igualdad con los actores. Esta línea fue continuada por el director en Circoy, algo menos orgánico, en Volga-Volgadonde a menudo se insertaban números musicales. Esta experiencia de Aleksandrov prácticamente no tiene análogos en el cine soviético, donde el desarrollo del género de la comedia musical procedió principalmente a lo largo de la línea de la opereta (desde las primeras películas de I.Pyriev hasta la obra del clásico del género J. Fried).

Desde mediados de la década de 1960, se han realizado numerosos intentos de escenificar musicales en el escenario soviético. En el Teatro de Leningrado que lleva el nombre de Lenin Komsomol incluso se representó West Side Story... Sin embargo, predominantemente el rango de puesta en escena de actuaciones musicales fluctuó entre el periodismo social como la ópera-canción de Brecht persona amable de Cezuan en Taganka, Ópera de tres peniques y Personas y pasionesen el Teatro Lensovet) y una comedia musical lírica-opereta, interpretada con más o menos persuasión psicológica ( Dulcinea Tobosskaya en los cines que llevan el nombre de Mayakovsky y Lensovet, Zurdo en el Teatro Lensovet e incluso Khanuma en la BDT). Sin embargo, también hubo una serie de avances reales hacia el musical. Por regla general, estaban asociados con el arte rupestre de los compositores rusos. Entonces, la actuación parecía completamente inesperada La boda de Krechinsky en el Teatro de Opereta de Leningrado (compositor A. Kolker, director V. Vorobyov). Y, por supuesto, las actuaciones de Lenkomov de M. Zakharov: Thiel(compositor G. Gladkov), La estrella y muerte de Joaquín Murietay "Juno y Avos"(compositor A. Rybnikov). El último de ellos, de alguna manera inexplicable, sanó según las leyes del musical estadounidense, manteniendo una reacción de audiencia estable durante décadas (a pesar de que los intérpretes están ampliamente empleados en el resto del repertorio del teatro).

Tatiana Shabalina

Cuando el musical se formó como un género teatral separado, comenzó a ganar cada vez más popularidad en el mundo. Las mejores obras que han recibido el reconocimiento de la audiencia se trasladan a los escenarios en diferentes países.

Los musicales capturaron inmediatamente al público con un ritmo escénico agudo y a través de este ritmo les hacen percibir toda una cascada de sentimientos: la tensión de los choques dramáticos, el humor de las situaciones cómicas, incluso la tristeza lírica de los héroes. Los espectadores reciben una profunda sacudida emocional. El ritmo es creado por escenas de multitudes brillantemente ejecutadas, escenarios y trajes coloridos. En combinación con un ritmo rápido de acción y bailes enérgicos, los colores brillantes añaden intensidad a la acción. "Idealmente, todo: palabras, voces, movimientos, brazos, piernas, vestidos, sombreros, pantalones, portales, techos, techos y candelabros - todo esto en el musical hasta el más mínimo detalle debe fusionarse, alcanzando esa unidad inesperada, esa brillante culminación de la perfección, que cautiva al público con su vertiginoso esplendor ”, - escribió la artista inglesa Cecile Beaton, autora del vestuario de la obra y película" My Fair Lady ". Todo lo anterior es el medio expresivo utilizado en el musical.

Por lo tanto, del estudio anterior, se puede rastrear que durante el siglo XIX, la danza en casi todos los géneros teatrales que precedieron a la formación del musical se utilizó con éxito y dio interés, brillo y entretenimiento a tales representaciones. Por tanto, es muy posible considerar el papel de la importancia de la coreografía en el musical.

Si antes la danza en el musical se daba muy poco y se trataba principalmente de números enchufables que diluían las interpretaciones vocales, hoy la danza ocupa un lugar importante en cualquier musical. En los primeros años (1943) de la existencia del nuevo género teatral, el musical contó principalmente con elementos del claqué. Un ejemplo es la famosa producción de la obra "Oklahoma", que todavía agrada a los bailarines de claqué de todo el mundo. El ballet fue el siguiente estilo de baile que llegó al escenario de Broadway. La puesta en escena "Masacre en la Décima Avenida" se considera un representante llamativo de este género. El famoso coreógrafo Robert Alton agregó ritmos de jazz y elementos de plásticos latinoamericanos al musical.

En el musical moderno, la danza juega un papel importante. La danza es un medio de expresar las emociones y sentimientos de los héroes, con la ayuda de la danza se revela la era de la actuación, la atmósfera de lo que está sucediendo en el escenario. Y la coreografía con ayuda de texto coreográfico realza las imágenes de los personajes, haciéndolos más expresivos. Por tanto, los medios expresivos de construcción coreográfica en el musical son parte integral. El concepto de "medios expresivos" incluye: el tipo de construcción de la actuación (diversión, imágenes líricas, a través del desarrollo sinfónico, etc.), un texto coreográfico que consta de formas solistas y de conjunto de varios tipos de danza y características de la danza, la interacción de formas coreográficas y musicales formas de resolución, bifurcación y reproducción de imágenes coreográficas, su significado filosófico, el papel de los accesorios y objetos en la performance, escenografía, etc. El concepto también incluye un conjunto de medios de expresividad escénica, que es: una idea plástica (vocabulario), una idea musical, una idea escenográfica, la personalidad de un artista.

Un ejemplo típico es el legendario musical "Cats" del compositor Andrew Lloyd Webber, un espectáculo emocionante y fascinante. A pesar de la popularidad de la banda sonora de "Cats", es el baile lo que crea la belleza y la imagen del musical. Al mismo tiempo, además de los personajes principales, hay extras en el musical: crean personajes masivos, dan atractivo adicional al musical, llenan el espacio, crean una imagen aparentemente única, pero en estos extras cada personaje tiene su propio personaje: cada gato que ni siquiera tiene un nombre y un cierto papel. Y las características, el comportamiento es creado por el movimiento de la danza.

Si miras la danza como un acto estético, decoración, entonces también puedes encontrar una serie de características en ella: gestos, posturas, expresiones faciales, escorzos, cada paso tiene su propio significado. Por tanto, la danza se utiliza para expresar cualquier acción.

El director, creando una construcción plástica y artística en el escenario, piensa con imágenes plásticas, traduce la psicología de las palabras y el contenido en una representación teatral viva, busca técnicas expresivas originales para la fascinación y contagio del espectáculo teatral. El lenguaje de la coreografía en forma vívida revela el contenido de la actuación y es una de las técnicas expresivas del director.

Lo principal para un director es la expresividad y la contagiosidad de su trabajo. Creando imágenes, selecciona y comprende cada detalle para descubrir la esencia de una cosa, sus importantes cualidades y propiedades. Todo esto es necesario para llamar la atención sobre lo que se muestra. El director busca conmover, asombrar, asombrar emocionalmente con el descubrimiento del contenido de su espectador, haciéndole sentir, pensar, imaginar, asociar, hacer generalizaciones.

La ópera y la opereta acostumbraron al espectador a escenas de ballet tipo divertimento: a veces son números separados, a veces suites enteras que interrumpen, deteniendo el desarrollo de la intriga principal. El musical, en sus mejores ejemplos, conecta esas escenas con la trama, con el desarrollo de los personajes. Los episodios de ballet, así, dejan de ser números insertados, pasan a formar parte de la acción. Pero esto no es suficiente: la coreografía y la plástica se convierten en el elemento más importante en el sistema de medios expresivos de lo musical junto con el canto. Los números musicales, por regla general, también se resuelven plásticamente. Los personajes de los personajes se revelan tanto en el canto como en el baile.

Asimismo, en un musical moderno, la expresividad de la coreografía viene dada por interesantes técnicas escenográficas dirigidas no solo a crear efectos especiales que puedan sorprender y asombrar al espectador, sino que también están dirigidos a la percepción asociativa. Las imágenes y metáforas escenográficas, entretejidas en el texto coreográfico del musical, incitan al espectador a analizar la interacción de la danza y las imágenes. Por ejemplo, el uso de baldes en la producción como decoración y atrezzo, que actúan como símbolo del hogar, o una pantalla de niebla (humo) es un dispositivo que crea una superficie plana de pequeñas gotas de agua para mostrar imágenes o videos. La característica clave de la pantalla de humo es la capacidad de caminar libremente a través de la instalación sin destruirla (tales decoraciones ayudan a los bailarines a moverse libremente por el escenario). Al mismo tiempo, los números coreográficos pueden adquirir un sonido "irreal" y los bailarines parecen inusuales, como una visión.

También son de interés los hallazgos escenográficos del musical "Cats" (compositor - Andrew Lloyd Webber, coreógrafo Gillian Lynn). El diseño original del musical fue creado por el diseñador John Napier. La sala y el escenario son un solo espacio, y la acción no se desarrolla frontalmente, sino en toda su profundidad. En el musical con extraordinaria habilidad, se utilizó un importante medio de expresión: el maquillaje, que se desarrolló individualmente para cada actor y sirvió como un reflejo visible del carácter de cada héroe del musical. Los actores se reencarnan en elegantes gatos con capas de maquillaje, medias pintadas a mano, pelucas de lana, cuellos de piel, colas y cuellos brillantes.

Me gustaría señalar que el musical moderno del siglo XX se basa en la idea de una síntesis armoniosa y completa de los componentes del arte escénico (coreografía, música, vestuario, maquillaje, efectos escénicos). Los componentes de la serie de información visual (vestuario, escenografía) "acompañan" la expresividad plástica, complementan el contenido del texto coreográfico en el musical.

El musical debe su nacimiento al azar. En 1886, se produjo un incendio en uno de los teatros musicales de Nueva York y la compañía de ballet se quedó sin trabajo. El productor de Pogoreltsev se dirigió a un colega del teatro dramático, donde se ensayó el melodrama. Juntos idearon un movimiento original: conectaron ambas comparsas y mostraron una actuación musical inusual. Duró cinco horas y media, pero el público no se cansó, lo aceptaron con entusiasmo. El éxito inspiró a los directores de los teatros, y comenzaron a aparecer actuaciones similares en varios escenarios.

De lo anterior se desprende que la naturaleza de género del musical se debe en gran medida a la práctica del espíritu empresarial teatral en los Estados Unidos. El teatro estadounidense es, ante todo, una empresa comercial y se ha ido configurando como un arte de género extremadamente ligero, generalmente centrado en el entretenimiento. Así, el musical tiene una doble naturaleza: es, por un lado, arte y, por otro, una poderosa industria del entretenimiento.

Un musical es un género de representación teatral y musical, donde se entrelazan la coreografía y la música, el canto y los diálogos, el drama teatral.

El surgimiento del musical como género, concepto y características

Este tipo de arte nació en Estados Unidos en los años 20 del siglo pasado. Sin embargo, esta forma de arte fue reconocida como una dirección independiente solo en los años 40, cuando el primer musical "Oklahoma" se representó con éxito en Broadway. A pesar de que los propios autores calificaron la obra de "comedia musical", el público la percibió como algo nuevo e inusual. Más tarde, los propios autores llamaron a su trabajo simplemente "musical", esto le dio el nombre al nuevo género. Oklahoma estuvo en el escenario durante cinco años. Y en 2002 volvió a subir a los escenarios.

Durante mucho tiempo, las actuaciones musicales fueron dominio exclusivo de la industria del entretenimiento estadounidense. Fue solo en los años 80 del siglo pasado que Los Miserables se puso en escena en los escenarios de Londres; a partir de este momento comienza la historia de las producciones europeas de este género.

Las principales "tres ballenas" del género:

libreto, letra y música son igualmente la base del trabajo;
una amplia gama de géneros, desde la comedia hasta el drama;
basado en obras literarias famosas;
un gran número de personas involucradas: directores, guionistas, diseñadores de vestuario, iluminadores, coreógrafos, decoradores.

Musical como género de arte. Diferencia del vodevil y la opereta

Ambas áreas del arte tienen muchas similitudes. Por ejemplo, hasta principios del siglo XX, el musical se llamaba "opereta americana". Después de la base obras musicales Las tradiciones y preferencias locales comenzaron a formarse, se convirtió en un género artístico independiente. La opereta se percibe como un género de comedia ligera, en el que la música es una parte esencial de la actuación. A diferencia de ella, en el musical, los principales son los diálogos, cercanos a la música pop, el diseño coreográfico y musical más complejo. Además, el baile es una parte integral del género.

Vaudeville es una pieza de comedia con bailes y versos. Es más fácil de percibir, menos costoso en términos de producción y uso de varios efectos.

Los musicales más famosos del mundo

Obras de fama mundial como

"My Fair Lady", "Cabaret", "Cats", "Chicago", "Evita", "Los Miserables", "El fantasma de la ópera", "Mama Mia"

no pierden su relevancia, todavía se representan en Broadway y en Londres.

El trabajo más legendario inscrito en el Libro Guinness de los Récords como campeón musical es "Fantástico". Ha sido popular durante 42 años. Durante este tiempo, se llevaron a cabo 17.162 representaciones.

La famosa producción de "Jesucristo Superstar", que cautivó a la audiencia con su espectáculo y tragedia, se representó en todo el mundo durante solo 33 años (estamos hablando solo de la producción original).

Música y drama como reflejo de la base del musical

Los principales componentes del musical son igualmente:

las palabras,
música,
paisaje,
coreografía.

Se complementan, se explican, dando dinamismo a la producción. El drama musical es una parte importante de la acción, un medio generalizador que está presente en la obra de principio a fin. La música acompaña lo que está sucediendo en el escenario, sigue el texto, refleja el cambio de humor, la alegría y la tragedia, expresa la idea principal de la obra. Juntos, esto permite al espectador sentir la profundidad total del drama de la obra.

La dramaturgia de una interpretación musical debe reflejar los problemas sociales agudos de su época y su valoración crítica. Esta es otra característica del desarrollo del género.

El origen del musical en Rusia

En Rusia, al igual que en los Estados Unidos, el jazz se convirtió en un requisito previo para el surgimiento de esta tendencia.

El "estilo ruso" del desarrollo del musical difiere del estadounidense. Se originó en el entorno teatral ruso, tiene una especificidad diferente a su "colega" del extranjero. Así, en la década de los 70, se empezaron a considerar actuaciones musicales y dramáticas, las cuales se basaban en obras clásicas, en las que el acompañamiento musical era paralelo al efecto máximo de percepción de la producción.

Las producciones musicales estadounidenses, por otro lado, hacen un uso extensivo de una forma especial de práctica teatral muy extendida en Broadway: la empresa. Actores universales, productores: todos están trabajando en el éxito comercial de la actuación. Para ellos, el contacto con el espectador es tan importante como la parte económica, a diferencia del ruso, donde el material es secundario.

Tanto más interesante es el destino de la obra "Juno y Avos", que siguió el camino del desarrollo estadounidense, reteniendo a la audiencia durante varias décadas.

Musical en la URSS: de Utesov a "Tres mosqueteros"

Después del lanzamiento de "Merry Fellows" en la pantalla, donde la banda de jazz de Leonid Utesov tocaba de manera tan brillante, la URSS comenzó a hablar de un musical. Aunque no hubo muchos números musicales en la película, sin embargo, fueron participantes de la película, junto con los actores principales. Posteriormente, la línea musical comenzó a trazarse en otras películas: "Circo", "Volga-Volga", donde se incorporaron números musicales a la película.

Gracias al éxito de las películas que salieron a la pantalla, salieron una tras otra producciones del mismo género: "Scarlet Sails", "Orpheus y Eurydice", "Juno y Avos", "Free Wind", "White Acacia" y otras.

Además de las representaciones teatrales, las películas musicales se proyectan en las pantallas soviéticas no solo para adultos, sino también para niños: "Buratino", "Diablo". Y la adaptación de las novelas de A. Dumas "Los tres mosqueteros" trajo a los actores y al director un éxito asombroso entre el público, y la película en sí no ha perdido su atractivo.

Musical contemporáneo en Rusia

Los musicales del período ruso no respaldaron los éxitos de alto perfil de tales producciones de la URSS. Solo a finales de los 90 comenzaron a aparecer tales producciones en el ruso escenario teatral... La primera producción de este género fue una versión adaptada del Metro polaco (1999).

Poco después, salió una producción rusa: "Nord-Ost" (2001). Fue una producción a gran escala de "Dos capitanes" de V.Kaverin, que prometió volverse muy popular. Desafortunadamente, las perspectivas de este trabajo fueron canceladas por un gran ataque terrorista - toma de rehenes del 23 al 26 de octubre de 2002 en el edificio del Theatre Center en Dubrovka. Como resultado de un enfrentamiento de tres días y un operativo militar, murieron alrededor de 174 personas, según diversas fuentes. Desde entonces, el nombre "nord-ost" se ha asociado exclusivamente con la tragedia que sucedió. Se intentó reiniciar el trabajo varias veces, pero fue en vano.

A lo largo de varios años, aparecen uno tras otro:

"Notre Dame de Paris", "Chicago", "Calle cuarenta y dos" (todo 2002),
Brujas de Eastwick, 12 sillas (2003),
Romeo y Julieta (2004),
"Gatos" (2005).

En 2006, se lanzó una producción basada en las canciones del grupo ABBA: el musical "Mamma Mia!" - se convirtió en el más exitoso en ese momento en Rusia. Sin embargo, a excepción de las "12 sillas", todas fueron producciones con licencia de autores extranjeros.

2008 es un hito importante en la historia del desarrollo del género en la Rusia moderna. En este momento, se lanzó la primera película musical rusa "Hipsters". Desde entonces, se puso en marcha la producción de musicales en Rusia. Famosos y no tan exitosos, exitosos y fracasados, extranjeros y rusos: se publicaron entre 5 y 7 trabajos anualmente.

Hoy en día, los musicales siguen en demanda y no han perdido su popularidad, se traducen a diferentes idiomas del mundo y se reproducen en todo el mundo. Aparecen nuevas producciones que aún no se han ganado su audiencia.

Compositores del género musical de la URSS:
I. Dunaevsky.
G. Gladkov.
A. Rybnikov.
A. Kolker.
V. Dashkevich.
M. Dunaevsky.

Compositores de género musical ruso:
M. Dunaevsky.
A. Rybnikov.
A. Gradsky.
A. Zhurbin.
A. Ivaschenko.
G. Vasiliev.

¿Te gustó? No ocultes tu alegría al mundo - comparte

Universidad Estatal de Ugra

Humanitario instituto

Departamento de Pedagogía y Psicología

Resumen sobre el tema

"Musical como género musical"

por disciplina académica

"La historia del desarrollo de la música pasiva y jazz »

Realizado:

estudiante de 4to año

grupo No. 9175

SU. Sokolova

Comprobado:

profesor asociado

educación musical

NUEVO MÉJICO. Provozina

Khanty-Mansiysk

1. ¿Qué es un musical?

2. "Vía americana" de desarrollo del musical.

3. Musical en Rusia.

Lista de referencias.

¿Qué es un musical?

El arte musical contemporáneo está lleno de una variedad de géneros y tendencias. Ahora en el escenario puedes conocer a representantes de la escuela clásica y varias subculturas juveniles y todo tipo de tendencias musicales. ¿Qué es un musical y cuáles son las características de este género único?

Musical (a veces llamado comedia musical) es un trabajo musical y escénico en el que se entrelazan diálogos, canciones, música, la coreografía juega un papel importante.

El musical es un género escénico especial, donde las artes dramáticas, musicales, vocales, coreográficas y plásticas se fusionan en una unidad inseparable. Su combinación e interconexión le dio al musical un dinamismo extraordinario, característica distintiva de muchos musicales, la solución de problemas dramáticos serios se ha vuelto fácil de percibir por medios artísticos. En la etapa actual, es uno de los géneros más complejos y peculiares, en el que, en un grado u otro, se reflejan casi todos los estilos de arte escénico que existían antes. Si bien el musical estaba en sus primeras etapas de formación, muchos no creían en su éxito.

Los tres componentes principales de un musical son la música, la letra y el libreto. El libreto de un musical se refiere a la "obra de teatro" o la historia del espectáculo; de hecho, su línea coloquial (no vocal). Sin embargo, "libreto" también puede referirse al diálogo y la letra juntos, como un libreto en una ópera. La música y la letra juntas forman la partitura musical. La interpretación del musical por parte del equipo creativo influye mucho en la forma en que se presenta el musical. El equipo creativo incluye un director de cine, un director musical y generalmente un coreógrafo. La producción de musicales también se caracteriza creativamente por aspectos técnicos como decorados, vestuario, propiedades escénicas, iluminación, etc. Esto generalmente cambia de una producción a otra (aunque algunos aspectos notables de la producción tienden a persistir de la producción original, como la coreografía de Bob Fosse en Chicago).

No hay una duración fija para un musical, y puede variar desde una actuación breve en un acto hasta varios actos y varias horas (o incluso varias noches). Sin embargo, la mayoría de los musicales duran entre media hora y tres horas. Los musicales de hoy suelen presentarse en dos actos, con una pausa de diez a 20 minutos. El primer acto es casi siempre algo más largo que el segundo y generalmente representa la mayor parte de la música. Un musical se puede construir alrededor de 4-6 melodías temáticas principales que se repiten a lo largo del espectáculo, o puede consistir en una serie de canciones que no están relacionadas musicalmente directamente. El diálogo conversacional se suele intercalar entre números musicales, aunque no se excluye el uso de "diálogo vocal" o recitativo.

"American Way" del desarrollo del musical.

¿Qué edad tiene el musical? El arte de contar historias a través de canciones se remonta a tiempos inmemoriales. Sabemos que los antiguos griegos incluyeron la música y la danza en sus representaciones teatrales ya en el siglo V a. C. Algunos escribieron canciones especiales para cada musical, otros usaron canciones existentes. Estas obras combinaban la sátira política y social y cualquier otra cosa que pudiera entretener a las masas. Con la ayuda de canciones se pudo comentar acciones, hablar de lo que estaba pasando, etc.

Los romanos copiaron casi todas las formas y tradiciones del teatro griego, pero también hicieron algunos cambios. En particular, comenzaron a amontonar zapatos con metal para escuchar mejor el movimiento de los bailarines, lo que comenzó a enfatizar la importancia de los efectos especiales.

Los precursores del musical moderno fueron muchos géneros ligeros: opereta, ópera cómica, vodevil, burlesque. Algunos generalmente lo consideran solo una versión estadounidense de la opereta. Este no es un gran error. Los géneros artísticos tienden a desarrollarse y la opereta ha cambiado su especificidad nacional y de género más de una vez. Las operetas melodramáticas sentimentales de I. Kalman y F. Lehar se diferenciaban tanto de la opereta vienesa de finales del siglo XIX, y las comedias musicales de autores soviéticos se diferenciaban tanto de la producción occidental que en ocasiones también daban lugar a hablar de ellas como un nuevo género. Las palabras "esto no es una opereta" eran bien conocidas por muchos autores de operetas del siglo XX. La principal diferencia estructural entre opereta y musical está determinada por el papel que juega la música en comparación con las escenas habladas. La opereta ha conservado en gran medida las características de una forma musical consistente con conjuntos y finales, con leitmotiv y elementos de desarrollo sinfónico. El musical es más una forma teatral, en la que la música es uno de los medios de edición musical y escénica junto con coreografías, plásticos, efectos de puesta en escena, etc. "En estructura, el musical se acerca al tipo de opereta que tenemos como y en otros países, recibió el nombre de "comedia musical" y que aboga por la pureza del género a veces fundamentalmente separado de la opereta. continuidad con la opereta.

Un papel muy importante en el surgimiento del musical (se podría decir, el musical apareció gracias a este género) lo jugó el jazz, que a principios del siglo XX. Poco a poco se convirtió no solo en música, sino también en una forma de pensar, penetró en todas las esferas de la cultura artística, incluido el teatro. Gradualmente reconocidas como una música nacional distintiva, las composiciones de jazz ganaron cada vez más popularidad. A principios de la década de 1940, era difícil encontrar una actuación de comedia musical que no incluyera temas de jazz. En su contexto, la trivialidad de otras escenas y bocetos parecía cada vez más vulgar. Un salto cualitativo en las representaciones musicales y teatrales se hizo inevitable. Fue el pensamiento jazzístico el que unió todos los géneros musicales y espectaculares no muy diferentes entre sí sobre nuevos principios, dando a su carácter ligero y superficial una profundidad inesperada. El cambio en la naturaleza de la música condujo inevitablemente a un cambio fundamental en la base dramática. Entonces, en la intersección de direcciones artísticas aparentemente incompatibles, surgió un musical.

La historia del mundo musical actual tiene alrededor de 100 años. Aunque algunos expertos consideran la ópera Carmen (1874) de Georges Bizet como el primer musical del mundo, algunos van más allá y comienzan a contar con La flauta mágica de Mozart (1791). Los precursores incondicionales del musical pueden considerarse la "Ópera de los mendigos" de John Gay (1787) o las óperas cómicas de Gilbert y Sullivan (mediados del siglo XIX). El primer musical americano verdadero es "Show Boat" del compositor Jerome Kern y el libretista Oscar Hammerstein (1927). En él, por primera vez, el grado de integración de texto y música alcanzó una "consistencia musical". Sin embargo, en ese momento "Floating Ship" no se llamaba un musical, sino también una comedia musical.

Se considera que la fecha oficial de nacimiento del nuevo género es marzo de 1943, cuando tuvo lugar el estreno de la obra en Broadway. ¡Oklahoma! R. Rogers y O. Hammerstein. Aunque en un principio los autores llamaron tradicionalmente a su interpretación una "comedia musical", el público y la crítica la percibieron como una innovación que destruye los cánones establecidos. La actuación fue compositivamente un todo único: no se insertaron números vocales y de baile divertidos; la trama, los personajes de los personajes, la música, el canto: todos los componentes existían inseparablemente, enfatizando y desarrollando por diversos medios la línea general del trabajo escénico. Detrás de una trama simple y sin pretensiones, había valores fundamentales: amor, comunidad social, patriotismo. No es de extrañar que diez años después, el estado de Oklahoma anunció la canción de este programa como su himno oficial.

Tras el estreno, que se celebró con extraordinario éxito, los autores propusieron un nuevo término para el género de la interpretación: musical. Musical ¡Oklahoma! no ha abandonado los escenarios de Broadway durante más de cinco años; después, viajó por todo Estados Unidos en una gira. En 1944 recibió el premio Pulitzer. Por primera vez, se lanzó un disco con la grabación no de números musicales individuales, sino de la actuación completa. La película fue filmada en 1955. ¡Oklahoma!, que ha recibido dos premios Oscar, por mejor música y mejor trabajo con sonido. En 2002 se representó nuevamente en Broadway. Anunciada la New York Drama League ¡Oklahoma! el mejor musical del siglo.

En Estados Unidos, el epicentro de una actuación musical y teatral tan brillante es, por supuesto, Broadway, la calle de culto en Nueva York, donde se concentra una gran cantidad de teatros y salas de música, que siempre ha atraído la imaginación tanto de actores como de espectadores. Los musicales de Broadway se han convertido en una marca real, las estrellas de Hollywood de vez en cuando participan en las producciones locales y los amantes del teatro leen con entusiasmo las reseñas de las nuevas actuaciones en los periódicos. En la intersección de Broadway con la calle 42 está Times Square, donde se encuentran los famosos teatros de Broadway. Hoy en día, hay alrededor de 40 grandes teatros en este barrio, que son la columna vertebral de la cultura teatral estadounidense. Por lo tanto, el nombre de la calle se ha convertido durante mucho tiempo en un nombre familiar, un sinónimo de este arte en los Estados Unidos en principio.

Broadway ha marcado la pauta del mundo musical durante años. En los años veinte y treinta, los compositores más destacados en el mundo de los musicales fueron Rudolf Friml (Rosemary, 1924), Oskar Hammerstein (Floating Theatre, 1927) y George Gershwin (Canto sobre ti, 1931). , - el primer musical en recibir el premio Pulitzer; la ópera popular Porgy and Bess, 1935). En 1937, el teatro musical comenzó a perder terreno, cediendo a su formidable rival: el cine. El desarrollo de las películas sonoras llevó inmediatamente al deseo de escuchar música y canciones en la pantalla, y ¿qué género era mejor que el musical para esto?

Sin embargo, el musical sobrevivió en el escenario. En 1943, el famoso "¡Oklahoma!" Rogers y Hammerstein, que ya se ha mencionado, se filmó posteriormente con un éxito abrumador. ¡Es "Oklahoma!" marcó el tono para una nueva ronda en el desarrollo del musical.

En los años siguientes, Broadway produjo musicales populares casi todos los años. The Threepenny Opera de Bertold Brecht, escrita en los años veinte, fue un gran éxito. Rogers y Hammerstein presentaron The King and I, protagonizada por Gertrude Lawrence y Yule Brynner, y The Sound of Music. Pero el pináculo del musical de los cincuenta fue uno de los más grandes musicales de todos los tiempos, My Fair Lady de Frederick Lowe. El libreto de My Fair Lady se basó en el famoso Pigmalión de Bernard Shaw. Lowe y sus coautores le pidieron muchas veces permiso a Shaw para montar un musical basado en Pygmalion, pero el clásico británico los rechazó obstinadamente, considerando el musical como un género "frívolo". Cuando "Lady" finalmente apareció en el escenario, quedó claro que el musical era bastante capaz de presentar historias clásicas. De hecho, en el futuro se puede rastrear que las obras de W. Shakespeare, M. Cervantes, C. Dickens, B. Shaw, T.S. Eliot, D. Hayward y otros se convirtieron en las principales fuentes dramáticas de los musicales.

Julia Andrews, la gran actriz musical, debutó en My Fair Lady y luego se hizo famosa en el musical The Sound of Music y Mary Poppins. Además, los años 50 vieron el apogeo del gran compositor estadounidense Leonard Bernstein. Cabe mencionar tres de sus obras: "Wonderful City", "Candide" y el West Side Story, que quedarán para siempre en la historia del musical.

En los años sesenta, Broadway le dio al mundo algunos musicales inolvidables. "Funny Girl" de Stein convirtió a Barbra Streisand en una estrella. En 1969, Barbra Streisand protagonizó la adaptación cinematográfica del maravilloso musical de Broadway Hello, Dolly! Germán. La obra maestra artística de la década fue el musical Cabaret de John Kander, que revivió espléndidamente la atmósfera del Berlín de los años treinta. Cabaret fue el debut como director de Harold Prince, con mucho el director de escena más famoso de teatros musicales. Posteriormente participó en la producción el famoso coreógrafo y director Bob Foss.

Y el mayor éxito de los sesenta fue ... de nuevo un musical basado en una trama clásica, esta vez "Fiddler on the Roof" de Jerry Bock basado en "Tevye the Milkman" de Sholem Aleichem. Fiddler on the Roof se ha estado ejecutando en Nueva York durante casi ocho años, un evento sin precedentes en la historia de Broadway que siempre requiere algo nuevo.

A finales de los 60, los teatros de Broadway se estaban vaciando rápidamente. El disco, el rock y otros géneros musicales nuevos ocuparon los primeros lugares en las listas de éxitos, las canciones de musicales perdieron popularidad, los musicales perdieron su prensa y la gente fue a escuchar música nueva y de moda. El fracaso siguió al fracaso en Broadway. Afortunadamente para el género, algunos compositores comenzaron a pensar que si la música es un arte sintético, ¿por qué no combinar la idea de la producción teatral con las tendencias de la moda en la música?

La música rock fue introducida por primera vez en la escena musical por Galt McDermot en su escandaloso musical Hair. El burlón "Chicago" de John Kander, coreografiado por Bob Fosse, revivió los ritmos de baile de la década de 1920. Y el mejor musical de Broadway de los 70 es considerado el "Corps de Ballet" de Marvin Hamlish, quien habló sobre la "cocina" de Broadway: ver bailarines en la compañía para una nueva producción; este musical ganó el premio Pulitzer. El rock y las historias bíblicas no fueron las primeras en ser conectadas por Andrew Lloyd Webber. Uno de los primeros musicales de rock fue "Encanto del Señor" de Stephen Schwartz basado en ... el Evangelio de Mateo. Y a finales de los 70 y 80, apareció de repente un "musical que sacudió al mundo". Hablamos de "Los Miserables" de Alain Bublil y Claude-Michel Schonberg. El mundo de los musicales nunca ha visto algo así. Por supuesto, no el primer musical se organizó de acuerdo con los clásicos literarios, pero por primera vez en el escenario de un teatro musical apareció un lienzo histórico a gran escala. La ficción de Víctor Hugo se entrelaza con hechos reales; los héroes líricos se encontraron en el centro del caldero histórico. Por primera vez en un musical han aparecido escenas corales tan poderosas; además, los autores abandonaron casi por completo los diálogos conversacionales, acercando la representación lo más posible a la ópera. Los autores del musical fueron dos jóvenes franceses, alejados de las tradiciones de Broadway. Al parecer, solo querían crear una actuación musical basada en clásicos franceses.

Pronto, los musicales estadounidenses comenzaron su marcha triunfal alrededor del mundo. Sin embargo, sus producciones europeas estuvieron plagadas de serias dificultades. El hecho es que la formación escénica única de un actor polifacético que cumple los requisitos de un musical se debe a una determinada forma de práctica teatral adoptada en Broadway: una empresa, cuando una compañía específica se reúne para implementar un proyecto específico. La forma de la empresa conduce a un cuidadoso error de cálculo del éxito comercial de la obra. La apuesta se pone igualmente en el arte del equipo creativo y en el arte del productor. El trabajo en la actuación se lleva a cabo mediante el método de "inmersión profunda", negándose a participar en otros proyectos. La actuación final, llevada al nivel de perfección tecnológica, se opera continuamente, siempre que haya una demanda de la audiencia (si tiene éxito, durante varios años). El contacto de tales actuaciones con el espectador se puede comparar con la percepción de una película: independientemente de la reacción individual de la audiencia, una obra de arte no cambia, se crea de una vez por todas. Una actuación entretenida simplemente no puede permitir fluctuaciones en la reacción de la audiencia: una disminución en el interés por el proyecto equivale a su muerte.

Musical en Rusia.

En Rusia, las relaciones con el musical comenzaron a vincularse hace mucho tiempo, aunque en una modificación peculiar y ligeramente diferente de este género. Sin embargo, los primeros acercamientos al musical fueron de la misma manera que en Estados Unidos: a través del jazz. Esto sucedió en las películas de G. Aleksandrov, y especialmente en los "Merry Fellows" con la participación de la banda de jazz L. Utesov. A pesar de que no hay tantos números musicales en la partitura, en realidad son participantes autorizados en la película, existiendo en pie de igualdad con los actores. Esta línea fue continuada por el director en Circus y, algo menos orgánicamente, en Volga-Volga, donde a menudo se insertaban números musicales.

Desde mediados de la década de 1960, se han realizado numerosos intentos de escenificar musicales en el escenario soviético. The West Side Story incluso se representó en el Teatro Leninista Komsomol de Leningrado. Sin embargo, el rango de puesta en escena de actuaciones musicales fluctuó predominantemente entre el periodismo social como la ópera zong de Brecht ("El buen hombre de Sesuan" en Taganka, "Threepenny Opera" y "Gente y pasiones" en el Teatro Lensovet) y una comedia musical lírica-opereta, interpretada con más o menos menos persuasión psicológica ("Dulcinea Tobosskaya" en los teatros que llevan el nombre de Mayakovsky y Lensovet, "Levsha" en el teatro Lensovet). Sin embargo, también hubo una serie de avances reales hacia el musical. Por regla general, estaban asociados con el arte rupestre de los compositores rusos. Entonces, la obra "La boda de Krechinsky" en el Teatro de Opereta de Leningrado (compositor A. Kolker, director V. Vorobyov) parecía completamente inesperada. Y, por supuesto, las actuaciones de Lenkomov de M. Zakharov: "Til" (compositor G. Gladkov), "La estrella y muerte de Joaquin Murieta" y "Juno y Avos" (compositor A. Rybnikov). El último de ellos de alguna manera sanó inexplicablemente según las leyes de un musical estadounidense, manteniendo una reacción de audiencia estable durante décadas (a pesar de que los intérpretes están ampliamente empleados en el resto del repertorio del teatro).

Lista de referencias.

1. Historia del teatro extranjero: libro de texto sobre cultura y arte. / Ed. L. Gitelman. - SPb.: Peter, 2005.

2. Kiryanova, NV Historia de la literatura y el arte mundiales. / N.V. Kiryanova. - M .: Nauka, 2006.

3. Shabalina T. Artículo "Musical"

Musical

De Wikipedia, la enciclopedia libre

Un musical (a veces llamado comedia musical) es una obra de teatro musical en la que se entrelazan diálogos, canciones, música, bailes, mientras que la trama suele ser sencilla. Muchos géneros tuvieron una gran influencia en el musical: opereta, ópera cómica, vodevil, burlesque. Durante mucho tiempo no fue reconocido como un género separado de arte teatral y todavía no es reconocido por todos.

Musical es un género de puesta en escena, el trabajo en cada proyecto comienza con la escritura de una obra de teatro. La producción de la obra corre a cargo del director de escena. En la producción también pueden participar coreógrafos y especialistas en canto.

El musical es uno de los géneros teatrales más comerciales. Esto se debe a su espectacularidad, variedad de temas para la puesta en escena, elección ilimitada de medios de expresión para los actores.

Cuando se organizan musicales, a menudo se usan escenas de multitudes con cantos y bailes, y a menudo se usan varios especiales. efectos.

En su forma, un musical suele ser una interpretación de dos actos.
Contenido
1. Historia
1.1 Los orígenes del musical
1.2 Desarrollo en América
1.3 Mayor desarrollo
2 musicales más famosos
2.1 musicales de Broadway
2.2 musicales franceses
2.3 musicales austriacos
2.4 musicales rusos

Historia

El origen del musical

Los predecesores del musical fueron muchos géneros ligeros, donde se mezclaron espectáculos de variedades, ballet francés e interludios dramáticos. En septiembre de 1866, tuvo lugar una producción de Black Crook en el escenario de Nueva York, donde se entrelazaron ballet romántico, melodrama y otros géneros. Es ella quien se considera el punto de partida del nuevo género. El productor inglés George Edwards describió uno de sus éxitos "The Chorus Girl" como una comedia musical. Una comedia musical significaba una actuación liviana y entretenida, donde la trama no era importante, sino números vocales populares interpretados por los ídolos del público. Las producciones de Edwards obtuvieron un éxito abrumador en Nueva York y, hasta principios del siglo XX, las actuaciones en inglés dictaron la moda en el nuevo género.

Desarrollo en América

En los años anteriores a la Primera Guerra Mundial, los talentosos emigrantes Herbert, Friml, Romberg y otros impulsaron el desarrollo activo del musical en América. En las décadas de 1920 y 1930, con la llegada de los nuevos compositores estadounidenses Jerome Kern, George Gershwin, Col Porter y otros, el musical adquiere un verdadero sabor estadounidense. El libreto se hizo más complicado, la influencia del jazz, el ragtime se hizo notorio en los ritmos, aparecieron giros típicos americanos en las canciones. Muchas canciones de musicales se han convertido en clásicos musicales. Las habilidades de actuación de los cantantes aumentaron significativamente. En 1932, el compositor Gershwin recibió por primera vez el Premio Pulitzer por su trabajo en el musical "Of Thee I Sing" (1931). Con la colaboración de Rogers y Hammerstein II, producciones como Oklahoma! ("Oklahoma!", 1943), "Carousel" ("Carousel", (1945), "South Pacific" (1949), distinguidos por un alto nivel de dramatismo, fueron un éxito abrumador de público.

Después de la Segunda Guerra Mundial, la trama de los musicales se volvió más seria y apareció "Westside Story" (1957) de Leonard Bernstein. La producción se basa en la tragedia de Shakespeare "Romeo y Julieta", mientras que la acción se desarrolla en la Nueva York moderna. La expresividad de los bailes indicó la creciente importancia de la coreografía.

Mayor desarrollo

A finales de los años 60 del siglo XX, bajo la influencia de los nuevos estilos musicales, surge una nueva comprensión del género musical. La obra "Hair" (1967) reflejaba las ideas entonces de moda de los hippies, por lo que la producción fue llamada "el musical del primitivo rock lírico estadounidense". Desde los años 70, el número de actuaciones ha ido disminuyendo, pero los decorados y vestuario de los nuevos musicales son cada vez más lujosos. La producción de 1971 de "Jesucristo Superstar" del compositor Andrew Lloyd Webber y el libretista Tim Rice provocó un cambio dramático en el concepto de musical. El tema serio del musical "Evita" (1978) demostró el largo camino que ha recorrido el género durante su desarrollo. Creación de Webber "Cats" ("Cats", 1981) basada en el ciclo poético de T.S. El "Libro de los gatos prácticos de Old Possum" de Elliot presenta imágenes vívidas y memorables, las entonaciones de los gatos se reconocen en la música, los bailes son flexibles y plásticos. Otro trabajo popular de Webber fue el musical "El fantasma de la ópera", que combina elementos de detectives y thriller.

El monopolio musical angloamericano terminó en 1985, cuando tuvo lugar en los escenarios londinenses el estreno de la producción francesa Los Miserables, basada en la novela homónima de Victor Hugo. Los autores son el compositor Claude Michel Schonberg y el libretista Alain Bublil. El alto nivel del musical como género lo demuestra "Miss Saigon", una ópera modernizada de Puccini "Madame Butterfly".

Los musicales más famosos

Musicales de Broadway

Los musicales de Broadway le dieron fama mundial al género.
My Fair Lady: Música: Frederick Lowe, libreto y letra de la canción: Alan Jay Lerner (1956)
Sound of Music, The / "Sound of Music" música: Richard Rogers, libreto: Howard Lindsay & Russell Cruise, letra de la canción: Oscar Hammerstein (1959)
¡Oliver! / "Oliver!": Música, libreto y letra de las canciones: Lionel Barth (1960)
Música de Fiddler on the Roof: Jerry Bock, libreto: Joseph Stein, letra de la canción: Sheldon Harnik (1964)
Música de Jesucristo Superstar: Andrew Lloyd-Webber, Letra: Tim Rice (1970)
Los Miserables / Los Miserables: música: Claude-Michel Schonberg, libreto: Alain Bublil (1980)
Música de Cats / "Cats": Andrew Lloyd-Webber, libreto: TS Eliot (1981)
42nd Street / Forty-second Street: Música: Harry Warren, Letra: Al Dabin, Libreto: Mark Bramble & Mike Stewart (1981)
Phantom of the Opera, The / "The Phantom of the Opera" música: Andrew Lloyd-Webber, libreto: Richard Stilgow y Andrew Lloyd-Webber, letra de la canción: Charles Hart (1986)
Jekyll & Hyde / Música de "Jekyll and Hyde": Frank Wildhorn, libreto y letra: Leslie Brickass (1989)
Ópera / música de tres peniques: Kurt Weill, libreto: Bertolt Brecht (basado en The Threepenny Novel)

Musicales franceses

Al principio, en Francia, los musicales tomaron un camino diferente: eran menos espectaculares y costaban un mínimo de escenografía (en comparación con los de Broadway) y, en general, recordaban más los conciertos de varios cantantes pop. Un ejemplo sorprendente de esto es la versión original del musical Nôtre-Dame de Paris de Riccardo Cocciante y Luc Plamondon. Pero con el tiempo los gustos han cambiado, y en los últimos años Francia ha presentado representaciones musicales bastante coloridas, en cuanto a vestuario y escenografía, como Romeo et Juliette, Autant en Emporte le Vent, Le Roi Soleil, etc.
Starmania: Música: Michel Berger, libreto: Luc Plamondon (1979)
Misérables, Les / Les Miserables: música: Claude-Michel Schonberg, libreto: Alain Bublil (1980)
La legende de Jimmy / The Legend of Jimmy: música: Michel Berger, libreto: Luc Plamondon (1990)
Nôtre-Dame de Paris / Notre Dame de Paris: música: Riccardo Cocciante, libreto: Luc Plamondon (1998)
Romeo et Juliette / Romeo y Julieta: Música: Gerard Presgurvik, libreto: Gerard Presgurvik (2000)
Ali Baba / "Ali Baba": Música: Chatel Aboulker (12 de junio de 2001)
Les Dix Commandements / "10 Commandments": música: Pascal Obispo (2001)
Le Petit Prince / "El Principito": música: Riccardo Cocciante, libreto: Elisabeth Anais (2002)
Don Juan / Don Juan: Música: Felix Gray (3 de agosto de 2003)
Le Roi Soleil / The Sun King: música: Albert Cohen, libreto: Eli Shuraki (2005)
Dracula, Entre l'amour et la mort / "Dracula: Between Love and Death": música: Simon Leclerc, libreto: Roger Tabra (2005) - musical canadiense en francés
Cléopâtre, la dernière reine d'Egypte / "Cleopatra, la última reina de Egipto": (2009)

Musicales austriacos
Elisabeth / "Elizabeth": música: Sylvester Levy, libreto: Michael Kunze (1992)
Tanz der Vampire / Vampire Ball: Música: Sylvester Levy, libreto: Jim Steinman (1997)
Mozart! / "Mozart!": Música: Sylvester Levy, libreto: Michael Kunze (1999)
Rebecca / Rebecca: música: Sylvester Levy, libreto: Michael Kunze (2006)

Musicales rusos
Orfeo y Eurídice es quizás el fundador del musical ruso. Todavía suena interpretada por el Teatro de San Petersburgo "Rock Opera"
"Juno and Avos" es una ópera rock de Alexei Rybnikov, que se presentó por primera vez en el escenario de Lenkom en 1981.
"La estrella y la muerte de Joaquín Murieta": la obra se estrenó en vinilo en la URSS.
"Nord-Ost" es el primer musical ruso de talla mundial. Organizado por Georgy Vasiliev y Alexei Ivaschenko
"Www.silikonovaya dura.ru" es un musical de Alexander Pantykin y Konstantin Rubinsky, presentado en Ekaterimburgo en 2007 y recibió dos "Máscaras de oro" en 2008 en las nominaciones.
Open Doors Night es un musical de Yevgeny Karmazin y Konstantin Rubinsky, que se representó en Ekaterimburgo en 2005 y recibió una Máscara de Oro en dos nominaciones, incluida Mejor actuacion».
"12 Chairs" es un musical ruso basado en la novela del mismo nombre de I. Ilf y E. Petrov.
Mowgli es un musical de fantasía ruso que se presenta en el Teatro de Opereta de Moscú. Ha estado funcionando en Moscú desde 2005. Música y libreto - Vlad Stashinsky, director de escena - Alina Chevik, director musical - Vlad Stashinsky, coreógrafo - Boris Baranovsky, artista - Viktor Arefiev, diseñador de vestuario - Valentina Komolova, maquillador - Andrey Drykin, diseñador de iluminación - A Kuznetsov, director de coro - P. Suchkov.
“Monte Cristo” es un musical ruso basado en la novela de A. Dumas “El Conde de Montecristo”. Compositor - Roman Ignatiev, autor del libreto - Julius Kim, productor del musical - Vladimir Tartakovsky y Alexey Bolonin, director de escena - Alina Chevik, coreógrafa - Irina Korneeva, diseñadora de producción - Vyacheslav Okunev, maquillador y peluquero - Andrey Drykin, diseñador de iluminación - Gleb Filshtinsky, director de acrobacias de parkour - Oleg Krasnyansky
"The Last Test" es un musical de fantasía de Anton Kruglov y Elena Khanpira.
Children of the Sun es un etnomusical de Vladimir Podgoretsky.
The Bremen Town Musicians es un musical familiar basado en las canciones mega-populares de Gennady Gladkov y letras de Yuri Entin.