"La pintura como una forma de arte" (desarrollo metódico). Pintura: tipos y géneros Tipos especiales de pintura

Pintura Pintura

Vista artes visuales, cuyas obras se crean utilizando pinturas aplicadas a cualquier superficie sólida. EN obras de artecreado por la pintura, se utilizan colores y patrones, claroscuro, expresividad de trazos, texturas y composiciones, lo que permite reproducir en el plano la riqueza colorida del mundo, el volumen de los objetos, su originalidad cualitativa, material, profundidad espacial y luz-aire ambiente. La pintura puede transmitir un estado de estática y una sensación de desarrollo temporal, calma y saturación emocional-espiritual, instantaneidad transitoria de una situación, efecto de movimiento, etc.; en la pintura es posible una narración detallada y una trama compleja. Esto permite que la pintura no solo encarne visualmente los fenómenos visibles del mundo real, muestre una imagen amplia de la vida de las personas, sino también se esfuerce por revelar la esencia de los procesos históricos, el mundo interior de una persona, para expresar ideas abstractas. En virtud de sus vastas capacidades ideológicas y artísticas, la pintura es un medio importante de reflexión e interpretación artística de la realidad, tiene un contenido social significativo y varias funciones ideológicas.

La amplitud e integridad de la cobertura de la realidad se refleja en la abundancia de géneros inherentes a la pintura (género histórico, género de género, género de batalla, retrato, paisaje, naturaleza muerta). Pintura distintiva: monumental y decorativa (pinturas murales, plafones, paneles), diseñada para decorar la arquitectura y que juega un papel importante en la interpretación ideológica y figurativa de un edificio arquitectónico; caballete (pinturas), generalmente no asociado con ningún lugar en particular en el conjunto artístico; decoración (bocetos de decorados y vestuario de teatro y cine); pintura de iconos; miniatura. Diorama y panorama también son tipos de pintura. Por la naturaleza de las sustancias que unen el pigmento (materia colorante), por los métodos tecnológicos de fijación del pigmento en la superficie, la pintura al óleo difiere. Pintar con pinturas al agua sobre yeso - húmedo (fresco) y seco (a secco), témpera, pintura con cola, pintura con cera, esmaltes, pinturas de cerámica y silicato, etc. Mosaico y vidrieras están directamente relacionados con la pintura, decisiva la misma, que la pintura monumental es una tarea artística. También se utilizan acuarelas, gouache, pastel y tinta para la ejecución de pinturas.

El color es el medio de expresión más específico de la pintura. Su expresión, la capacidad de evocar diversas asociaciones sensoriales, realza la emocionalidad de la imagen, determina las posibilidades pictóricas, expresivas y decorativas de la pintura. En las obras de pintura, el color forma un sistema integral (colorear). Por lo general, se utilizan varios colores interrelacionados y sus matices (gama de colores), aunque también hay pintura en matices de un color (monocromo). La composición del color proporciona una cierta unidad colorista de la obra, incide en el curso de su percepción por parte del espectador, siendo parte esencial de su estructura artística. Otro medio expresivo de la pintura es el dibujo (línea y claroscuro), junto con el color, organiza rítmica y compositivamente la imagen; la línea delimita volúmenes entre sí, es a menudo la base constructiva de una forma pictórica, permite la reproducción generalizada o detallada de los contornos de los objetos y sus elementos más pequeños. El claroscuro le permite no solo crear la ilusión de imágenes tridimensionales, para transmitir el grado de iluminación u oscurecimiento de los objetos, sino que también crea la impresión de movimiento de aire, luz y sombra. Un papel importante en la pintura también lo juega la mancha o la pincelada del artista, que es su técnica principal y le permite transmitir muchos aspectos. El frotis contribuye a la escultura plástica, volumétrica de la forma, la transferencia de su naturaleza material y textura, en combinación con el color, recrea la riqueza colorista del mundo real. La naturaleza del trazo (suave, sólido o pastoso, separado, nervioso, etc.) también contribuye a la creación de la atmósfera emocional de la obra, la transferencia de los sentimientos y el estado de ánimo inmediatos del artista, su actitud hacia lo representado.

Se distinguen condicionalmente dos tipos de imágenes pictóricas: lineal-plana y volumen-espacial, pero no hay límites claros entre ellas. La pintura lineal-plana se caracteriza por manchas planas de color local, delineadas por contornos expresivos, líneas claras y rítmicas; En la pintura antigua y en parte en la moderna, existen métodos condicionales de construcción espacial y reproducción de objetos que revelan al espectador la lógica semántica de la imagen, la ubicación de los objetos en el espacio, pero casi no violan la bidimensionalidad de lo pictórico. plano. El deseo de reproducir el mundo real como lo ve una persona, que surgió en el arte antiguo, provocó la aparición de imágenes tridimensionales en la pintura. En la pintura de este tipo, las relaciones espaciales se pueden reproducir en color, se puede crear la ilusión de un espacio tridimensional profundo, el plano pictórico se puede destruir visualmente con la ayuda de gradaciones tonales, perspectiva aérea y lineal, mediante la distribución de cálidos y colores fríos; las formas volumétricas se modelan con color y luz y sombra. En una imagen volumétrico-espacial y de plano lineal se utiliza la expresividad de la línea y el color, y el efecto de volumétrico, incluso escultural, se consigue mediante una gradación de tonos claros y oscuros, distribuidos en una mancha de color claramente delimitada; al mismo tiempo, el color suele ser abigarrado, las figuras y los objetos no se fusionan con el espacio circundante en un solo todo. Pintura tonal ( cm. Hue), a través de un desarrollo de color sofisticado y dinámico, revela cambios sutiles tanto en el color como en el tono dependiendo de la iluminación ( cm. Valera), así como de la interacción de colores adyacentes ( cm. Reflejo); el tono general une los objetos con el entorno y el espacio de luz-aire circundante. En la pintura de China, Japón, Corea, se ha desarrollado un tipo especial de imagen espacial, en la que hay una sensación de un espacio infinito visto desde arriba, con líneas paralelas que se alejan en la distancia y no convergen en profundidad; las figuras y los objetos están casi desprovistos de volumen; su posición en el espacio se muestra principalmente por la proporción de tonos.

Una pintura consta de una base (lienzo, madera, papel, cartón, piedra, vidrio, metal, etc.), generalmente cubierta con una imprimación, y una capa de pintura, a veces protegida por una película protectora de laca. Las posibilidades visuales y expresivas de la pintura, las peculiaridades de la técnica pictórica dependen en gran medida de las propiedades de las pinturas, que están determinadas por el grado de molienda de los pigmentos y la naturaleza de los aglutinantes, desde la herramienta con la que trabaja el artista, desde el diluyentes utilizados por él; la superficie lisa o rugosa de la base y la imprimación afecta los métodos de superposición de pinturas, la textura de las pinturas y el color translúcido de la base o la imprimación afecta el color; a veces, partes del sustrato o imprimación sin pintura pueden influir en la construcción colorista. La superficie de la capa de pintura de una pintura, es decir, su textura, es brillante y mate, sólida o intermitente, lisa o desigual. El color requerido, la sombra se logra tanto mezclando pinturas en la paleta como glaseando. El proceso de creación de una pintura o pintura mural puede dividirse en varias etapas, especialmente claras y consistentes en la pintura al temple medieval y al óleo clásica (dibujo en el suelo, pintura base, vidriado). Existe una pintura de carácter más impulsivo, que permite al artista encarnar directa y dinámicamente sus impresiones de vida a través del trabajo simultáneo de dibujo, composición, modelado de formas y color ( cm. Alla prima).

La pintura se originó a finales del Paleolítico (hace 40-8 mil años). Han sobrevivido pinturas rupestres (en el sur de Francia, norte de España, etc.), rellenas de pinturas de barro (ocre), hollín negro y carbón utilizando palos partidos, trozos de piel y dedos (imágenes de animales individuales y luego escenas de caza). En la pintura Paleolítica, hay imágenes de silueta lineal y modelado simple de volúmenes, pero el principio compositivo todavía está mal expresado en él. Las ideas más desarrolladas y abstractamente generalizadas sobre el mundo se reflejaron en la pintura neolítica, en la que las imágenes se vinculan en ciclos narrativos, aparece una imagen de una persona ( cm. Arte primitivo).

La pintura de la sociedad esclavista ya se había desarrollado sistema figurativo, rico en medios técnicos. En el Antiguo Egipto, así como en la antigua América, hubo una pintura monumental, que apareció en síntesis con la arquitectura ( cm. Síntesis de artes; pintura de tumbas, con menos frecuencia edificios). Asociado principalmente al culto funerario, tenía un carácter narrativo detallado; el lugar principal lo ocupaba una representación generalizada ya menudo esquemática de una persona. La estricta canonización de las imágenes, manifestada en las peculiaridades de la composición, la proporción de figuras y el reflejo de la rígida jerarquía imperante en la sociedad, se combinó con observaciones audaces y bien dirigidas de la vida y una abundancia de detalles recogidos del mundo circundante (paisaje , utensilios domésticos, imágenes de animales y aves). La pintura antigua, cuyos principales medios artísticos y expresivos eran una línea de contorno y una mancha de color, tenía cualidades decorativas, su planitud enfatizaba la suavidad de la pared.

En la época antigua, la pintura, que actuaba en unidad artística con la arquitectura y la escultura y adornaba templos, viviendas, tumbas y otras estructuras ( cm. Pompeya, Herculano, Paestum, tumba de Kazanlak), sirvieron no solo para el culto, sino también para fines seculares. Se revelaron nuevas y específicas posibilidades de la pintura, dando una amplia muestra de la realidad. En la antigüedad, nacieron los principios del claroscuro, versiones originales de la perspectiva lineal y aérea. Junto a escenas mitológicas, se crearon escenas cotidianas e históricas, paisajes, retratos, naturalezas muertas. El fresco antiguo (sobre yeso multicapa con una mezcla de polvo de mármol en las capas superiores) tenía una superficie brillante y brillante. EN Antigua Grecia casi no apareció pintura de caballete superviviente (sobre tablas, menos a menudo sobre lienzo), principalmente en la técnica encáustica ( cm. Pintura de cera); Los retratos de Fayum dan una idea de la pintura de caballete antiguo.

En la Edad Media, en Europa Occidental, Bizancio, en Rusia, el Cáucaso y los Balcanes, se desarrolló una pintura de contenido religioso: fresco (tanto en yeso seco como húmedo aplicado a piedra o ladrillo), pintura de iconos (sobre tablas imprimadas, principalmente con temple al huevo), así como miniaturas de libros (sobre pergamino o papel imprimado; ejecutados al temple, acuarelas, gouache, cola y otras pinturas), que en ocasiones incluían temas históricos. Iconos, pinturas murales (sujetos a divisiones arquitectónicas y planos de paredes), así como mosaicos, vidrieras, junto con la arquitectura, formaron un conjunto único en el interior de las iglesias. La pintura medieval se caracteriza por la expresión sonora, principalmente local de color y línea rítmica, expresividad de contornos; las formas suelen ser planas, estilizadas, el fondo abstracto, a menudo dorado; también existen métodos convencionales de modelado de volúmenes, como si sobresalieran en un plano pintoresco privado de profundidad. El simbolismo de la composición y el color jugó un papel importante. En el primer milenio d.C. mi. La pintura monumental (con pinturas adhesivas sobre yeso blanco o imprimación de cal sobre suelo arcilloso y pajizo) experimentó un gran auge en los países de Asia occidental y central, India, China y Ceilán (ahora Sri Lanka). En la era feudal, en Mesopotamia, Irán, India, Asia Central, Azerbaiyán, Turquía, se desarrolló el arte de la miniatura, que se caracteriza por un brillo sutil, la gracia del ritmo ornamental y el brillo de las observaciones de la vida. La pintura de tinta, acuarela y gouache del Lejano Oriente sobre seda y rollos de papel - en China, Corea, Japón - destacó por su poesía, asombrosa vigilancia de ver a las personas y la naturaleza, estilo lacónico de pintura y la más fina transmisión tonal de perspectiva aérea.

En Europa Occidental, durante el Renacimiento, se establecieron los principios de un nuevo arte basado en una cosmovisión humanista, descubriendo y conociendo el mundo real. El papel de la pintura aumentó, desarrollando un sistema de medios de representación realista de la realidad. En el siglo XIV se anticiparon algunos logros de la pintura renacentista. del pintor italiano Giotto. El estudio científico de la perspectiva, la óptica y la anatomía, el uso de técnicas de pintura al óleo mejoradas por J. van Eyck (Países Bajos) contribuyó a la divulgación de las posibilidades inherentes a la naturaleza de la pintura: reproducción convincente de formas volumétricas en unidad con la transferencia de profundidad espacial y ambiente de luz, revelación de la riqueza cromática del mundo. El fresco experimentó un nuevo apogeo; la pintura de caballete, que conservaba su unidad decorativa con el entorno del objeto circundante, también adquirió gran importancia. El sentido de la armonía del universo, el antropocentrismo de la pintura y la actividad espiritual de sus imágenes son característicos de composiciones sobre temas religiosos y mitológicos, retratos, escenas cotidianas e históricas e imágenes de desnudez. Poco a poco, el temple fue reemplazado por una técnica combinada (vidriado y elaboración de detalles con óleo sobre pintura de fondo al temple), y luego una pintura al óleo-laca multicapa técnicamente perfecta sin temple. Junto con la pintura suave y detallada sobre tablas con fondo blanco (típico de los artistas de la escuela holandesa y varias escuelas del Renacimiento temprano italiano), la escuela veneciana de pintura se desarrolló en el siglo XVI. técnicas de pintura pastosa libre sobre lienzos con sustratos de colores. Simultáneamente con la pintura con un color local, a menudo brillante, con un patrón claro, también se desarrolló la pintura tonal.Los pintores más grandes del Renacimiento: Masaccio, Piero della Francesca, A. Mantegna, Botticelli, Leonardo da Vinci, Michelangelo, Raphael, Giorgione, Tiziano, Veronés, Tintoretto en Italia, J. van Eyck, P. Bruegel el Viejo en los Países Bajos, A. Durer, H. Holbein el Joven, M. Niethardt (Grunewald) en Alemania, etc.

En los siglos XVII-XVIII. el desarrollo de la pintura europea se hizo más complicado. Las escuelas nacionales se formaron en Francia (J. de Latour, F. Champagne, N. Poussin, A. Watteau, J. B. S. Chardin, J. O. Fragonard, J. L. David), Italia (M. Caravaggio, D. Fetti, JB Tiepolo, JM Crespi, F.Guardi), España (El Greco, D. Velázquez, F.Zurbarán, BE Murillo, F.Goya), Flandes (P. P Rubens, J. Jordaens, A. van Dyck, F. Snyders), Holanda (F . Hals, Rembrandt, J. Vermeer, J. van Ruisdael, G. Terborch, K. Fabricius), Gran Bretaña (J. Reynolds, T. Gainsborough, W. Hogarth), Rusia (FS Rokotov, DG Levitsky, VL Borovikovsky) . La pintura proclamó nuevos ideales sociales y cívicos, se convirtió en una representación más detallada y precisa. vida real en su movimiento y diversidad, especialmente en el entorno cotidiano de una persona (paisaje, interior, menaje del hogar); la problemática psicológica se profundizó, se encarnó el sentimiento de una relación conflictiva entre el individuo y el mundo circundante. En el siglo XVII. el sistema de géneros se expandió y claramente tomó forma. En los siglos XVII-XVIII. Junto con la floreciente pintura monumental y decorativa (especialmente en el estilo barroco), que existió en estrecha unidad con la escultura y la arquitectura y creó un ambiente emocional que afecta activamente a una persona, la pintura de caballete jugó un papel importante. Se formaron varios sistemas de pintura, ambos con características estilísticas comunes (pintura barroca dinámica con su característica composición abierta en espiral; pintura de clasicismo con un dibujo claro, estricto y claro; pintura rococó con un juego de matices refinados de color, luz y tonos desvaídos. ) y no encajan en ningún marco de estilo específico. Esforzándose por reproducir el brillo del mundo, el entorno de luz y aire, muchos artistas mejoraron el sistema de pintura tonal. Causó la individualización tecnicas pintura al óleo multicapa. El crecimiento de la pintura de caballete, la creciente necesidad de obras diseñadas para la contemplación íntima, llevó al desarrollo de técnicas de pintura íntimas, sutiles y ligeras: pasteles, acuarelas, tintas, varios tipos de miniaturas de retratos.

En el siglo XIX. formó nuevas escuelas nacionales de los realistas. pintura en Europa y América. Los lazos de la pintura en Europa y otras partes del mundo se estaban expandiendo, donde la experiencia de la pintura realista europea recibió una interpretación original, a menudo basada en tradiciones antiguas locales (en India, China, Japón y otros países); La pintura europea estuvo influenciada por el arte de los países del Lejano Oriente (principalmente Japón y China), que afectó a la renovación de los métodos de organización decorativa y rítmica del plano pictórico. En el siglo XIX. La pintura resolvió problemas complejos y urgentes de cosmovisión, jugó un papel activo en vida publica; La crítica aguda de la realidad social adquirió gran importancia en la pintura. Durante todo el siglo XIX. en la pintura también se cultivaron los cánones del academicismo alejados de la vida, la idealización abstracta de las imágenes; Surgieron tendencias del naturalismo. En la lucha contra la abstracción del clasicismo tardío y el academismo de salón, la pintura romántica se desarrolló con su interés activo en los acontecimientos dramáticos de la historia y la modernidad, la energía del lenguaje pictórico, el contraste de luces y sombras, la riqueza del color (T. Gericault, E. Delacroix en Francia; FO Runge y K. D. Friedrich en Alemania; en muchos aspectos O. A. Kiprensky, Sylvester Shchedrin, K. P. Bryullov, A. A. Ivanov en Rusia). La pintura realista, basada en la observación directa de los fenómenos característicos de la realidad, llega a una descripción de la vida más completa, concretamente confiable y visualmente convincente (J. Constable en Gran Bretaña; C. Corot, maestros de la escuela de Barbizon, O. Daumier en Francia; AG Venetsianov, P.A.Fedotov en Rusia). Durante el auge del movimiento revolucionario y de liberación nacional en Europa, la pintura del realismo democrático (G. Courbet, J. F. Millet en Francia; M. Munkacci en Hungría, N. Grigorescu e I. Andreescu en Rumania, A. Menzel, V. Leibl en Alemania, etc.) mostró la vida y obra de la gente, su lucha por sus derechos, se dirigió a los hechos más importantes de la historia nacional, creó imagenes brillantes la gente común y destacadas figuras públicas; En muchos países han surgido escuelas de paisaje realista nacional. La pintura de los Errantes y artistas cercanos a ellos: V.G. Perov, I.N. Kramskoy, I.E.Repin, V.I.Surikov, V.V. Vereshchagin, que estaba estrechamente relacionada con la estética de los demócratas revolucionarios rusos, se distinguió por su agudeza socialmente crítica. I. I. Levitan.

La encarnación artística del mundo circundante en su naturalidad y variabilidad constante se produce a principios de la década de 1870. pintura del impresionismo (E. Manet, C. Monet, O. Renoir, C. Pissarro, A. Sisley, E. Degas en Francia), que renovó la técnica y los métodos de organización de la superficie pintada, revelando la belleza del color puro y efectos texturizados. En el siglo XIX. en Europa, prevaleció la pintura al óleo de caballete, su técnica en muchos casos adquirió un carácter individual y libre, perdiendo gradualmente su estricta sistemática inherente (que también se vio facilitada por la difusión de nuevas pinturas fabricadas en fábrica); la paleta ampliada (se crearon nuevos pigmentos y aglutinantes); en lugar de imprimaciones de color oscuro en principios del XIX en. se introdujeron nuevamente suelos blancos. Pintura monumental y decorativa utilizada en el siglo XIX. casi exclusivamente pegamento o pinturas al óleo estaban en declive. A finales del siglo XIX y principios del XX. se está intentando revivir la pintura monumental y fusionar varios tipos de pintura con obras de arte y arquitectura decorativos y aplicados en un solo conjunto (principalmente en art nouveau); se actualizan los medios técnicos de la pintura monumental y decorativa y se desarrolla la técnica de la pintura al silicato.

A finales de los siglos XIX - XX. el desarrollo de la pintura se vuelve especialmente complejo y contradictorio; conviven y luchan diversas corrientes realistas y modernistas. Inspirado en los ideales de la Revolución de Octubre de 1917, armado con método realismo socialista, la pintura se está desarrollando intensamente en la URSS y otros países socialistas. Aparecieron nuevas escuelas de pintura en los países de Asia, África, Australia, América Latina.

Pintura realista de finales del siglo XIX - XX se distingue por el deseo de conocer y mostrar el mundo en todas sus contradicciones, de revelar la esencia de los procesos profundos que tienen lugar en la realidad social, que en ocasiones no tienen una apariencia suficientemente visual; La reflexión y la interpretación de muchos fenómenos de la realidad adquirieron a menudo un carácter subjetivo y simbólico. Pintura del siglo XX. Junto con la forma volumétrico-espacial visualmente visible de la imagen, utiliza ampliamente principios condicionales nuevos (además de que se remontan a la antigüedad) para interpretar el mundo visible. Ya en la pintura del postimpresionismo (P. Cezanne, V. van Gogh, P. Gauguin, A. Toulouse-Lautrec), y en parte en la pintura de "moderno", aparecieron rasgos emergentes que determinaron las características de algunos movimientos del siglo XX. (una expresión activa de la relación personal del artista con el mundo, la emocionalidad y la asociatividad del color, que poco tiene que ver con las relaciones naturales del colorido, las formas exageradas, la decoratividad). El mundo fue interpretado de una manera nueva en el arte de los pintores rusos de finales del XIX - principios del XX - en las pinturas de V. A. Serov, M. A. Vrubel, K. A. Korovin.

En el siglo XX. la realidad es contradictoria y, a menudo, profundamente subjetivamente realizada y encarnada en la pintura de los artistas más importantes de los países capitalistas: P. Picasso, A. Matisse, F. Leger, A. Marquet, A. Derain en Francia; D. Rivera, J. K. Orozco, D. Siqueiros en México; R. Guttuso en Italia; J. Bellows, R. Kent en Estados Unidos. En pinturas, pinturas murales, paneles pintorescos, una comprensión veraz de las trágicas contradicciones de la realidad encontró expresión, que a menudo se convirtió en una exposición de las deformidades del sistema capitalista. Reflejo del patetismo de la industrialización de la vida, la penetración en la pintura de formas geométricas, "mecánicas", a las que a menudo se reducen las formas orgánicas, la búsqueda de nuevas formas que respondan a la cosmovisión del hombre moderno, que puedan ser utilizadas en la pintura. están asociados con la comprensión estética de la nueva era "técnica". artes Decorativas, arquitectura e industria. Extendido en la pintura, principalmente en los países capitalistas, desde principios del siglo XX. recibió diversas corrientes modernistas, reflejo de la crisis generalizada de la cultura de la sociedad burguesa; sin embargo, la pintura modernista refleja indirectamente los problemas "enfermos" de nuestro tiempo. En la pintura de muchas corrientes modernistas (fauvismo, cubismo, futurismo, dadaísmo, y más tarde - surrealismo), algunos elementos del mundo visible más o menos fácilmente reconocibles se fragmentan o geometrizan, aparecen en combinaciones inesperadas, a veces ilógicas que generan muchas asociaciones, fusionarse con formas puramente abstractas. La mayor evolución de muchos de estos movimientos condujo a un rechazo total de la representación, a la aparición de la pintura abstracta ( cm. Arte abstracto), que marcó la desintegración de la pintura como medio de reflexión y conocimiento de la realidad. Desde mediados de los 60. en paises Europa Oriental y América, la pintura se convierte en ocasiones en uno de los elementos del arte pop.

En el siglo XX. El papel de la pintura monumental y decorativa está aumentando, tanto pictórica (por ejemplo, la pintura monumental revolucionaria-democrática en México) como no pictórica, generalmente plana, en armonía con las formas geometrizadas de la arquitectura moderna.

En el siglo XX. hay un interés creciente por las búsquedas en el campo de las técnicas de pintura (incluida la cera y el temple; se inventan nuevas pinturas para la pintura monumental - silicona, sobre resinas de organosilicio, etc.), pero aún predomina la pintura al óleo.

La pintura soviética multinacional está estrechamente relacionada con la ideología comunista, con los principios de partidismo y nacionalidad del arte, representa una etapa cualitativamente nueva en el desarrollo de la pintura, que está determinada por el triunfo del método del realismo socialista. En la URSS, la pintura se está desarrollando en todas las repúblicas unidas y autónomas, están surgiendo nuevas escuelas nacionales de pintura. La pintura soviética se caracteriza por un agudo sentido de la realidad, la materialidad del mundo y la saturación espiritual de las imágenes. El deseo de abrazar la realidad socialista en toda su complejidad e integridad ha llevado al uso de muchas formas de género, que están llenas de contenido nuevo. Ya desde los años 20. el tema histórico-revolucionario adquiere especial significación (lienzos de M.B. Grekov, A.A. Deineka, K. S. Petrov-Vodkin, B. V. Ioganson, I. I. Brodsky, A. M. Gerasimov). Luego aparecen lienzos patrióticos, que cuentan el pasado heroico de Rusia, que muestran el drama histórico del Gran Guerra patria 1941-45, la fortaleza espiritual de la persona soviética.

El retrato juega un papel importante en el desarrollo de la pintura soviética: imágenes colectivas de personas del pueblo, participantes en la reorganización revolucionaria de la vida (A. Ye. Arkhipov, G. G. Rizhsky, etc.); Retratos psicológicos que muestran el mundo interior, la estructura espiritual del hombre soviético (M.V. Nesterov, S.V. Malyutin, P.D.Korin, etc.).

La forma de vida típica del pueblo soviético se refleja en la pintura de género, que ofrece una representación poética y vívida de gente nueva y una nueva forma de vida. Los grandes lienzos imbuidos del patetismo de la construcción socialista son característicos de la pintura soviética (S.V. Gerasimov, A.A.Plastov, Yu.I. Pimenov, T.N. Yablonskaya y otros). La aprobación estética de las formas de vida peculiares de las repúblicas unidas y autónomas se encuentra en la base de las escuelas nacionales que se han desarrollado en la pintura soviética (MSSaryan, L. Gudiashvili, SA Chuikov, U. Tansykbaev, T. Salakhov, E. Iltner, MA Savitsky, A. Gudaytis, A. A. Shovkunenko, G. Aitiev y otros), que representan los componentes de un solo cultura artística Sociedad socialista soviética.

En la pintura de paisaje, como en otros géneros, las tradiciones artísticas nacionales se combinan con la búsqueda de lo nuevo, con un sentido moderno de la naturaleza. La línea lírica de la pintura de paisajes rusa (V.N. Baksheev, N.P. Krymov, N.M. Romadin, etc.) se complementa con el desarrollo del paisaje industrial con sus ritmos rápidos, con motivos de naturaleza transformada (B.N. Yakovlev, G.G.. Nyssa). La pintura de bodegones alcanzó un alto nivel (I. I Mashkov, P. P. Konchalovsky, M. S. Saryan).

Evolución funciones sociales la pintura va acompañada del desarrollo general de la cultura pictórica. En el marco de un único método realista, la pintura soviética logra una variedad de formas artísticas, técnicas y estilos individuales. El amplio alcance de la construcción, la creación de grandes edificios públicos y conjuntos conmemorativos contribuyeron al desarrollo de la pintura monumental y decorativa (obras de V. A. Favorsky, E. E. Lancere, P. D. Korin), el renacimiento de la técnica de pintura al temple, frescos y mosaicos. En los años 60 - principios de los 80. aumentó la influencia mutua de la pintura monumental y de caballete, aumentó el deseo de aprovechar y enriquecer los medios expresivos de la pintura ( cm. (Véanse también la Unión de Repúblicas Socialistas Soviéticas y los artículos sobre las Repúblicas de la Unión Soviética).

"Nuestra Señora de Vladimir". 1er piso Siglo 12 Galería Tretyakov... Moscú.

Rafael. Fresco "Parnassus" en la Stanza della Señatura en el Vaticano. 1509-1511

J. Vermeer. "Copa de vino". Hacia 1660. Pinacoteca. Berlín-Dahlem.

P.V. Kuznetsov. "Bodegón con cristal". 1928. Museo Ruso. Leningrado.
Literatura: VII, t.1-6, M., 1956-66; IRI, t.1-13, M., 1953-69; K. Yuon, On Painting, (M.-L.), 1937; DI Kiplik, Técnica de pintura, (6ª ed.), M.-L., 1950; A. Kamensky, Al espectador de la pintura, M., 1959; B. Slansky, Técnica de pintura, trad. del checo, M., 1962; G. A. Nedoshivin, Conversations on Painting, (2ª ed.), M., 1964; BR Vipper, Artículos sobre arte, M., 1970; Ward J., Historia y métodos de la pintura antigua y moderna, v. 1-4, L., 1913-21; Fosca F., La peinture, qu "est-ce que c" est, Porrentruy-Brux.-P., 1947; Venturi L., Pintura y pintores, Cleveland, 1963; Cogniat R., Histoire de la peinture, t. 1-2, P., 1964; Barron J. N., El lenguaje de la pintura, Cleveland, (1967); Nicolaus K., Handbuch der Gemaldekunde de DuMont, Colonia, 1979.

Fuente: "Enciclopedia de Arte Popular". Ed. V.M. Polevoy; Moscú: Editorial "Enciclopedia soviética", 1986.)

cuadro

Uno de los tipos artes visuales... Una pieza de pintura se crea con la ayuda de pinturas aplicadas a la superficie de una pared, tablero, lienzo, metal, etc. El mismo nombre "pintura" sugiere que el artista "escribe la vida" en toda su riqueza, diversidad y colorido esplendor . Esta es su diferencia con el blanco y negro. gráficos... Como ninguna otra forma de arte, la pintura es capaz de encarnar toda la gama de sentimientos, experiencias, relaciones entre personas; observaciones precisas de la naturaleza y el vuelo de la fantasía, grandes ideas e impresiones instantáneas, la emoción de la vida, el aire y la luz.

La estatua es voluminosa, puedes caminar alrededor de ella por todos lados; la pintura es el arte de pintar en un avión; el espectador ve la imagen desde un solo punto de vista. Una de las tareas de la pintura, que cada época resuelve a su manera, es crear la ilusión de la profundidad del espacio, la tridimensionalidad de los volúmenes en un plano. Ésta es la convencionalidad del lenguaje pictórico. Además, las pinturas a disposición del artista no son idénticas a los colores reales, su paleta es mucho más pobre que la natural.

El pintor selecciona en el mundo que lo rodea aquello que cumple con su tarea artística, modifica, enfatiza, resume muchas cosas en una, busca transmitir las cualidades internas de las personas y las leyes de la naturaleza, inaccesible a la visión directa, sus vivencias, su actitud hacia ellos. Los principales medios expresivos de la pintura: sabor (una gama colorida que tiene un impacto emocional en el espectador); composición (la proporción de las partes de la imagen); perspectiva (lineal, inverso, paralelo, etc.); claroscuro (distribución de luces y sombras), líneas y manchas de colores; ritmo, textura (la naturaleza de la superficie pintada: lisa o en relieve). En la manera de escribir, en el movimiento del pincel, en las peculiaridades de aplicar pintura sobre un lienzo u otra superficie, siempre se siente la individualidad del artista, su "escritura" creativa única.

Según el propósito y la naturaleza de la actuación, distinguen entre pintura decorativa monumental, de caballete, decorativa y teatral. A pintura monumental incluir pinturas murales frescos) y mosaicos, vidrieras, plafones, panelesindisolublemente ligados a la arquitectura, a la pared (techo, suelo) del edificio para el que fueron creados; parcialmente iconos y grandes composiciones de altar alados (El retablo de Gante de J. van Eika, 1432). Las obras monumentales no se pueden trasladar a otro interior. Iconos, altares plegables destinados a templos, técnicamente es posible colocarlos en otro espacio (ahora muchos de ellos se exhiben en museos), sin embargo, privados de su entorno natural, arrancados del conjunto, pierden una parte significativa de su impacto en el espectador. El lenguaje artístico de la pintura monumental se distingue por su severidad y grandeza, el laconismo de las formas generalizadas y las grandes manchas de color. La pintura monumental ha existido desde la antigüedad; incluso los pueblos primitivos crearon pinturas rupestres ( Altamira en España, 15-10 mil AC ANTES DE CRISTO).

Rembrandt. "Retrato de Hendrickje Stoffels en la ventana". está bien. 1659 g.

Obras de arte pintura de caballete - pinturas: se crean con una máquina de caballete y no están destinadas a una habitación específica. Las primeras obras de caballete aparecieron en la época. Renacimiento (Siglos XV-16). La base (tabla, lienzo estirado sobre una camilla, etc.) se cubrió con una imprimación blanca hecha de yeso (tiza) mezclado con pegamento o aceite. La imprimación niveló la superficie y "resaltó" la capa de pintura desde el interior. Junto a los blancos, muchos maestros (P.P. Rubens y otros) utilizaron suelos coloreados (marrón dorado, rojo), que le dieron unidad al color del cuadro. Sobre la imprimación se aplicó pintura en una o varias capas; a veces se barnizaba el producto terminado. Las pinturas enmarcadas son como una ventana al mundo creado por la fantasía del artista. Por regla general, observan la unidad de lugar, tiempo y acción.

La pintura decorativa (tanto de trama como ornamental) está diseñada no solo para decorar la superficie de la pared, sino también para acentuar sus elementos estructurales ( columnas, pilares, arcos etc.); se realiza utilizando la técnica de los frescos, etc. Una variedad de pintura decorativa es grisalla, que se utilizó mucho para decorar los interiores de los palacios, donde imitaba relieves escultóricos (el palacio Sheremetev de Kuskovo, siglo XVIII). Los productos de cerámica también están decorados con pinturas decorativas. La pintura de cerámica se llama pintura de jarrón.

La pintura teatral y decorativa es escenografía y bocetos de vestuario para representaciones teatrales y películas; bocetos de puestas en escena individuales.
Técnicas básicas de pintura: pintura al óleo, tempera, pintura de pegamento, encáustico y etc. Acuarela, gouache, pastel ocupan una posición intermedia entre la pintura y las técnicas gráficas. Los pigmentos coloridos se extrajeron originalmente de minerales (ocre amarillo-marrón, de arcilla, rojo, de hematita, blanco, de lima, negro, de carbón o hueso quemado, azul y verde, de lapislázuli y malaquita, etc.). Más tarde, aparecieron pinturas fabricadas químicamente. Todas las técnicas de pintura utilizan los mismos pigmentos, pero diferentes aglutinantes: sustancias líquidas y pegajosas que no permiten que los polvos de pintura se desmoronen. Los antiguos maestros egipcios pintaban con pinturas adhesivas mezcladas con caseína; estas pinturas no fluían, lo que permitió transmitir muchos pequeños detalles. Imágenes de legendarios maestros griegos antiguos y lápidas que no nos han llegado retratos de Fayum se escribieron en la técnica de la encáustica: las pinturas se fundieron en cera fundida en caliente. Las pinturas de cera espesas permitieron crear una textura en relieve expresiva. En la Edad Media, se usa el témpera: pinturas mezcladas con yema de huevo o clara con varios aditivos. Las imágenes al temple se distinguen por colores apagados. El temple es fuerte y duradero, no se agrieta con el tiempo, a diferencia de la pintura al óleo.

La pintura al óleo apareció durante el Renacimiento; su invención se atribuye al holandés J. van Eyck. Los pigmentos se diluyeron con linaza, nueces y otros aceites vegetales; gracias a esto, las pinturas se secaron rápidamente, se pudieron aplicar en finas capas transparentes, lo que le dio a la pintura una luminosidad y brillo especial. La desventaja de las pinturas al óleo es que con el tiempo pierden su elasticidad, se oscurecen y se cubren de grietas (craquelures). El trabajo con pinturas al óleo permite una gran variedad de técnicas, desde un acabado delicado y cuidadoso hasta una pintura amplia y temperamental "alla prima"; con su ayuda, puede crear una superficie de esmalte suave y una textura plástica en relieve. Es en esta técnica que el artista puede expresar más plenamente su individualidad creativa y transmitir toda la diversidad de texturas del mundo: vidrio transparente, pelaje esponjoso, la calidez de la piel humana.
Un verdadero deleite para los amantes de la pintura es la contemplación del milagro de la transformación de los trazos en formas vivas, la carne de las pinturas en la carne de las cosas. Maestros del Renacimiento " pequeño holandés", En el siglo 17. buscó crear una sensación de objetos representados "no hechos a mano"; escribieron con los mejores pinceles, aplicando pequeños trazos imperceptibles. En el final. Siglo 19 los artistas se esfuerzan por "desnudar" el proceso creativo, por revelar la belleza no sólo del objeto representado, sino también la textura de la mampostería más pintoresca (coágulos de pintura, sus vetas y babosas, "mosaico" de trazos, etc.). Maestros del siglo XX Utiliza toda la variedad de técnicas y técnicas de la pintura.

El hombre siempre se ha esforzado por la belleza, la armonía y la autoexpresión. Este deseo de la antigüedad se manifiesta en cuadro - una forma de bellas artes, cuyas primeras obras podemos encontrar en las obras del hombre primitivo.

Cuadro transmite imágenes visuales aplicando pinturas sobre una base sólida o flexible (lienzo, madera, papel, cartón). Dependiendo de las pinturas y materiales utilizados, las bases se distinguen por varios tecnicas y tipos de pintura... Entre ellos:

• manteca;
• pintura al temple;
• esmalte;
• gouache;
• pastel;
• tinta;
• pintura sobre yeso: fresco y un secco;
• acuarela;
• pincel seco;
• acrílico;
• medios mixtos
• y muchos otros.

Hay muchísimas técnicas de pintura. Todo lo que deja huella en algo, en rigor, es pintura: la pintura es creada por la naturaleza, el tiempo y el hombre.

Color en la pintura es uno de los medios de expresión más importantes. Él por sí mismo puede ser portador de una determinada idea, además, puede multiplicar el pensamiento inherente a la trama de la imagen.

La pintura es capaz de despertar en nosotros una gran variedad de sentimientos y emociones. Contemplando, puedes estar lleno de una sensación de armonía y paz, aliviar el estrés y sumérgete en tus pensamientos, Puedo energizarse y la voluntad de hacer realidad tus sueños. Una imagen que está emocionalmente cercana puede retener la atención durante horas, y el propietario de dicha imagen encontrará en ella cada vez nuevos significados, ideas y mensajes del artista. La contemplación es una forma de meditación en la que te sumerges en tu mundo interior y pasas el tiempo que tanto necesitas contigo mismo.

Además, cuadrocomo cualquier otra forma de arte, ayuda a expresarse, sus emociones y estado de ánimo, alivian el estrés y la tensión interna y, a veces, encuentran respuestas a preguntas importantes.

Para muchas personas, la pintura se convierte no solo en un pasatiempo agradable, sino también en un pasatiempo útil que tiene un efecto beneficioso en el estado interior. Al crear algo nuevo, una persona revela su potencial, se da cuenta de sus habilidades creativas, se aprende a sí mismo y al mundo que lo rodea.

Las clases de pintura activan el derecho (creativo, emocional) hemisferio del cerebro... Esto es muy importante en nuestra era inteligente y racional. Dar rienda suelta a la creatividad ayuda a lograr el éxito en áreas de la vida completamente diferentes. (carrera, relaciones con los seres queridos, crecimiento personal), ya que la creatividad y la flexibilidad se vuelven parte de su personalidad.

¿Quizás, de niño, le encantaba dibujar y sus padres no querían enviarlo a la escuela de arte? ¿O siempre ha soñado con poder expresar maravillosamente sus pensamientos utilizando imágenes visuales? "¡Nunca es tarde para aprender a pintar!", - dicen los profesores modernos. Con la variedad actual de técnicas, géneros y materiales, todos pueden encontrar algo adecuado para ellos. Y puede estudiar los conceptos básicos de composición y navegar por los estilos y tendencias modernos en cursos especiales de pintura para adultos.

La pintura es todo un mundo de belleza, imágenes y colores.... Si quieres ser un participante directo en su creación, ¡la pintura es para ti!

Una persona se esfuerza por alcanzar la perfección, buscando la armonía en el mundo que le rodea. Al encontrar la belleza, intenta encontrar una manera de preservar esta belleza y llevarla a sus descendientes. Las bellas artes son uno de los pocos métodos inventados por el hombre en tiempos primitivos. Luego, los pueblos antiguos pintaron en las rocas y paredes de las cuevas, representando escenas de la vida de su pueblo. Así fue como el arte de pintar empezó a surgir en la sociedad primitiva. Con el tiempo, los artistas han aprendido a utilizar una variedad de herramientas y técnicas de pintura. Aparecieron nuevos géneros y tipos de pintura. Al transmitir el conocimiento y la experiencia acumulados de generación en generación, las personas lograron preservar la imagen del mundo en su forma original. Y hoy tenemos la oportunidad de admirar todas las partes del mundo, mirando las obras de artistas de diferentes épocas.

Diferencia con otros tipos de artes visuales.

La pintura, a diferencia de otros métodos de transmisión de imágenes visuales, se realiza aplicando pintura sobre lienzo, papel u otra superficie. Este tipo de arte visual tiene un estilo de expresión artístico inusual. El artista, jugando con la imaginación y las sombras de colores, es capaz de ofrecer al espectador no solo una muestra del mundo visible, sino que, añadiendo imágenes frescas de sí mismo, transmite su visión y enfatiza algo nuevo e inusual.

Tipos de pintura y su breve descripción.

Este tipo de arte se caracteriza en función de qué pinturas y materiales se utilicen. Existen diversas técnicas y tipos de pintura. Hay 5 variedades principales: miniatura, caballete, monumental, teatral y decorativa y decorativa.

Pintura en miniatura

Comenzó a desarrollarse incluso antes de la invención de la imprenta, en la Edad Media. En ese momento, había libros escritos a mano que los maestros del arte decoraban con tocados y terminaciones finamente trazados, y también decoraban los textos con coloridas ilustraciones en miniatura. En la primera mitad del siglo XIX, la pintura en miniatura se utilizó para crear pequeños retratos. Para ello, los artistas prefirieron las acuarelas, porque gracias a los colores puros y profundos y sus combinaciones, los retratos adquirieron una gracia y nobleza especial.

Pintura de caballete

Este arte de pintar recibió su nombre por el hecho de que las pinturas se realizan con un caballete, es decir, una máquina. Los lienzos se pintan con mayor frecuencia sobre lienzo, que se estira sobre una camilla. Además, se pueden utilizar papel, cartón y madera como base material. La pintura, pintada sobre un caballete, es una obra completamente independiente. Puede representar tanto al artista de ficción como al factual en todas sus formas. Estos pueden ser tanto objetos inanimados como personas, tanto de la modernidad como de los acontecimientos históricos.

Pintura monumental

Este tipo de arte visual es una pintura a gran escala. La pintura monumental se utiliza para decorar techos y paredes de edificios, así como varias estructuras de edificios. Con su ayuda, los artistas identifican eventos sociales e históricos significativos que afectan el desarrollo de la sociedad y contribuyen a la formación de las personas en el espíritu de progreso, patriotismo y humanidad.

Pintura teatral y decorativa

Este tipo se utiliza para maquillaje, atrezzo, decoración de vestuario y decoraciones, ayudando a revelar la trama de la actuación. El vestuario, el maquillaje y la decoración se realizan según los bocetos del artista, que busca transmitir el estilo de la época, el estatus social y el carácter personal de los personajes.

Pintura decorativa

Significa decorar el interior y los edificios, utilizando paneles de colores, con la ayuda de los cuales se crea un aumento o disminución visual en el tamaño de una habitación, la ilusión de una pared que se rompe, etc.

Pintura en Rusia

Hemos enumerado los principales tipos de pintura, que difieren en las peculiaridades del uso del material por parte del artista para la creatividad. Ahora hablemos de las características de esta forma de arte inherente a nuestro país. Rusia en todo momento fue famosa por sus vastas extensiones con rica flora y fauna. Y cada artista se esforzó por plasmar en el lienzo toda la belleza de la naturaleza y transmitir el esplendor de las imágenes al espectador.

Se pueden observar varios tipos de paisajes en la pintura en los lienzos de creadores famosos. Cada uno de ellos, utilizando su propia técnica, intentó transmitir sus propias emociones y su propia visión al espectador. La pintura rusa es glorificada por maestros como Levitan, Shishkin, Savrasov, Aivazovsky y muchos otros. Utilizaron diferentes técnicas para pintar sus famosos cuadros. Y tan variado mundos interiores maestros de la pintura, y en última instancia multifacéticos, sus creaciones y emociones evocaban en el público. Los sentimientos más sinceros y profundos los generan las famosas obras de nuestros pintores.

Por ejemplo, "Mañana en bosque de pinos"Shishkina nos llena de luz refinada y nos da tranquilidad. Parece que sentimos el aire fresco de la mañana, sumergiéndonos en la atmósfera de coníferas y viendo los juegos de los ositos de peluche. Mientras que "Seashore" de Aivazovsky nos adentra en el abismo de los sentimientos y la ansiedad. Los paisajes rurales de otoño de Levitan traen una parte de nostalgia y recuerdos. Y la creación de Savrasov "The Rooks Have Arrived" envuelve con una ligera tristeza y da esperanza.

La pintura rusa es una confirmación del colosal potencial y talento del pueblo ruso, así como del amor por su tierra natal y la naturaleza. Todo el mundo puede convencerse de esto mirando las fotografías de nuestros compatriotas. Y la tarea principal es preservar la tradición viva de la pintura rusa y las habilidades creativas de la gente.

La pintura es una de las formas de arte más comunes a través de las cuales los artistas - pintores transmiten su visión del mundo a la audiencia.

Por lo tanto, la pintura es una forma de bellas artes separada y muy popular, en la que el maestro transmite imágenes visuales aplicando pinturas a la superficie de la pintura.

I.I.Shishkin. Paisaje "Ship Grove" (1898).

Todas las pinturas que existen en la actualidad se pueden dividir en varios géneros separados, que tienen sus propias características en el tema y la técnica de la imagen. Consideremos los principales para tener una correcta comprensión de la estructura de las pinturas.

Entonces, entre los géneros modernos de pintura se encuentran los siguientes:

• Retrato
• Paisaje
• Puerto pequeño
• Pintura histórica
• Pintura de batalla
• Naturaleza muerta
• Pintura de género
• Pintura arquitectónica
• Pintura religiosa
• Pintura de animales
• Pintura decorativa

Esquemáticamente, la división de géneros del arte pictórico se verá como de la siguiente manera:

Retrato

Muchos de nosotros estamos familiarizados con un género de pintura como el retrato. Este es uno de los tipos más antiguos de pintura fina, y también se puede encontrar en esculturas y gráficos. Antes no había fotografías, por lo que toda persona rica o famosa consideraba necesario inmortalizar su rostro y su figura para la posteridad, y en esto, los retratistas acudieron en su ayuda.

Además, el retrato puede representar tanto a personas reales como a héroes literarios o míticos. Además, se puede crear tanto un retrato de una persona que vivió en el pasado como nuestro contemporáneo que existe hoy.

El género del retrato no tiene límites claros, por lo que en una obra un retrato se puede combinar con elementos de otros géneros de pintura: paisaje, naturaleza muerta, etc.

Tipos de retratos

Entre los tipos de retratos más comunes se encuentran los siguientes:

• Retrato histórico
• Retrato retrospectivo
• Retrato - pintura
• Retrato típico
• Auto retrato
• Retrato de donante
• Retrato ceremonial
• Retrato de medio desfile
• Retrato de cámara
• Retrato íntimo
• Retrato de pequeño formato
• Retrato - miniatura

Cada uno de los tipos de pintura de retrato tiene sus propias características y diferencias en la técnica de ejecución. Considérelos con más detalle.

• Retrato histórico - contiene una imagen de cualquier personalidad histórica, político o creativo. Tal retrato puede crearse a partir de los recuerdos de contemporáneos o nacer en la imaginación de un pintor.

A.M. Matveev. Retrato de Pedro el Grande (1724-1725). Lienzo, óleo.

• Retrato retrospectivo - una imagen póstuma de una persona que vivió en el pasado, que fue creada de acuerdo con las descripciones de testigos oculares o de una imagen de por vida. Sin embargo, también hay casos de composición completa del retrato por parte del maestro.

Vladislav Rozhnev "Retrato de una mujer" (1973). Lienzo, óleo.

• Pintura - retrato - se representa a una persona en una relación de trama con el mundo circundante, la naturaleza, en el contexto de edificios arquitectónicos o las actividades de otras personas. En las pinturas de retratos, la vaguedad de los límites y la combinación de varios géneros: paisaje, pintura histórica y de batalla, etc., se trazan con mayor claridad.

Boris Kustodiev. La pintura es un retrato de F.I Shalyapin (1922). Lienzo, óleo.

• Retrato típico - artista - pintor representa una imagen colectiva compuesta por los rasgos característicos de la apariencia de muchas personas, unidas por ideas comunes, tipos de actividades, estatus social o estilo de vida.

FV Sychkov "Retrato de una mujer campesina".

• Retrato disfrazado - la persona representada se presenta al espectador en forma de personaje literario o teatral, figura histórica o héroe mitológico. Estos retratos son de especial interés para estudiar trajes de otras épocas.

• Auto retrato - un tipo especial de pintura de retrato en el que el artista se representa a sí mismo. Es decir, quiere transmitir y transmitir al público su esencia interior.

• Retrato de donante - una de las formas obsoletas de pintar retratos. Una pintura de este tipo con un tema religioso representaba a un hombre que hizo una gran donación a la iglesia. Se presentó ante el público rodeado de santos, junto a la Virgen o en una de las puertas del altar en forma de rodillas. Las personas ricas en aquellos días veían un significado especial en crear un retrato de donante, porque tales imágenes siempre se percibían de manera positiva y se veneraban a la par.

Pinturicchio. "Resurrección de Cristo" con el Papa Alejandro VI arrodillado.

Por la naturaleza y el método de la imagen. figuras humanas, todos los retratos se dividen en los siguientes tipos:

• Retrato ceremonial - muestra a una persona en posición de pie en pleno crecimiento. En este caso, todos los detalles de la apariencia y la figura están escritos con mucha claridad.

• Retrato de medio desfile - Se representa a una persona hasta la cintura, hasta las rodillas o en posición sentada cuando la parte inferior de las piernas no es visible. En tal trabajo de retrato, la imagen del entorno o los accesorios juegan un papel muy importante.

Rokotov FS "Retrato de la coronación de Catalina II" (1763).

• Retrato de cámara - la figura de una persona se realiza sobre un fondo neutro, y se utiliza una versión abreviada de la imagen de la figura de una persona: hasta la cintura, el pecho o incluso hasta el nivel de los hombros. En este caso, el maestro escribe con especial claridad y cuidado las características del rostro de una persona.

• Retrato íntimo - se usa muy raramente y es una de las variedades de un retrato de cámara debido a su ejecución sobre un fondo neutro. La creación de un retrato íntimo se basa en los profundos sentimientos del artista por la persona representada o la relación de confianza entre ellos.

Edouard Manet "La chica del traje español" (1862 - 1863).

• Retrato de pequeño formato - una pequeña pieza de pintura. realizado, por regla general, con tinta, lápiz, pastel o acuarelas.

• Retrato - miniatura - uno de los tipos de pintura de retratos más reconocibles y técnicamente difíciles. La miniatura se caracteriza por un pequeño formato de imagen (de 1,5 a 20 cm), así como por una extraordinaria sutileza de escritura y un cuidado dibujo, casi de joyería, de todas las líneas. Se insertaron retratos en miniatura en medallones, decorados con ellos en relojes, brazaletes, broches, anillos y cajas de rapé.

Jacques Augustine "Bacchante" - retrato en miniatura (1799). Acuarela y gouache sobre hueso. Tamaño 8 cm (círculo).

Paisaje

El paisaje es un género de pintura separado, cuyo objeto principal es la naturaleza en su forma original o algo modificada en el curso de la actividad humana.

Konstantin Kryzhitsky "El camino" (1899).

El género de la pintura de paisaje se conoce desde la antigüedad. Sin embargo, en la Edad Media pierde algo de relevancia. Pero ya en el Renacimiento, el paisaje está reviviendo y adquiere el significado de uno de los géneros más importantes en el arte de la pintura.

Jean - Francois Millet "Primavera".

Puerto pequeño

Marina (de la palabra latina "marinus" - "mar") es un género especial de pintura en el que todos los eventos representados, los tipos de actividad humana y las imágenes de la naturaleza están dedicados al mar. A menudo, los lienzos representan paisajes marinos en diferentes épocas del año y bajo diferentes condiciones de iluminación.

IK Aivazovsky "La novena ola" (1850).

Los artistas que pintan los espacios marinos en sus diversas manifestaciones se denominan "pintores marinos". Uno de los pintores marinos más famosos es Ivan Aivazovsky, quien creó más de 6 mil pinturas sobre el tema marino.

Ivan Aivazovsky "Arco iris" (1873).

Pintura histórica

El género de la pintura histórica se originó en el Renacimiento, cuando los artistas buscaron reflejar en sus lienzos escenas de la vida de la sociedad en diferentes períodos de la historia.

Sin embargo, los lienzos históricos podrían representar no solo imágenes de la vida de personas reales, sino también tramas mitológicas, así como un replanteamiento ilustrado de historias bíblicas y evangélicas.

Domenico Beccafumi "Abstinencia de Scylion Africanus" (alrededor de 1525).

La pintura histórica sirve para mostrar los acontecimientos del pasado, los más importantes para un pueblo en particular o para toda la humanidad en general.

Francisco Pradilla "Bautismo del príncipe Juan, hijo de Fernando e Isabel" (1910).

Pintura de batalla

Una de las variedades del género histórico es la pintura de batalla, cuyo tema de imágenes se dedica principalmente a eventos militares, las famosas batallas en tierra y mar, así como a campañas militares. El género de batalla cubre la historia de los enfrentamientos militares a lo largo de la historia de la existencia de la civilización humana.

Al mismo tiempo, los lienzos de batalla se distinguen por una gran cantidad y variedad de figuras representadas, así como por imágenes bastante precisas del terreno y las características de una región en particular.

Francois Edouard Picot El asedio de Calais (1838).

El pintor de batalla se enfrenta a varias tareas difíciles:

1. Muestre la heroicidad de la guerra y muestre el comportamiento de los guerreros más valientes.
2. Captura un punto de inflexión o particularmente importante en una batalla.
3. Revelar en su trabajo el significado histórico completo de los eventos militares.
4. Expresar con precisión y claridad el comportamiento y las experiencias de cada uno de los participantes en la batalla, tanto generales famosos como soldados ordinarios.

Jean-Baptiste Debreu "Napoleón se dirige a las tropas bávaras en Abensberg el 20 de abril de 1809.

Cabe señalar que el género de la pintura de batalla se considera uno de los más difíciles, por lo tanto, tales lienzos son creados por maestros durante mucho tiempo, a veces durante diez años. Se requiere del artista no solo un excelente conocimiento de la historia detallada de la batalla representada, sino también la capacidad de crear lienzos de múltiples figuras con una gran cantidad de detalles auxiliares. Son imágenes de la naturaleza, elementos de la arquitectura y la imagen de armas o mecanismos militares. Por lo tanto, el género de batalla ocupa un lugar especial y se distingue de la pintura histórica.

Naturaleza muerta

Naturaleza muerta es la creación sobre lienzos de composiciones a partir de objetos inanimados en sus diversas combinaciones. Las más populares son las imágenes de platos, macetas con ramos de flores y frutas en bandeja.

Cezanne "La esquina de la mesa" (1895 - 1900).

Inicialmente, el tema de las imágenes en el género de la naturaleza muerta surgió a finales de los siglos XV al XVI, pero el diseño final del género en una dirección separada de la pintura tuvo lugar en el siglo XVII. Los primeros creadores de naturalezas muertas fueron artistas holandeses y flamencos. Más tarde, la naturaleza muerta ocupó un lugar importante en el trabajo de los artistas rusos.

El tema de las imágenes en naturalezas muertas puede ser muy rico y diverso, y no se limita exclusivamente a artículos para el hogar. Estos pueden ser libros, revistas y periódicos, botellas, figurillas, un globo terráqueo y muchos otros objetos.

David Teniers el Joven. Naturaleza muerta (1645-1650).

La idea principal de las composiciones del género Vanitas es la idea de la finitud de la existencia terrena y la humildad ante la inevitabilidad de la transición a otro mundo. Los bodegones con una calavera en el centro de la composición obtuvieron la mayor popularidad en los siglos XVI y XVII en Flandes y los Países Bajos. Un poco más tarde, los artistas franceses y españoles comenzaron a acudir a él.

Peter Claes "Bodegón con calavera".

Pintura de género

En las artes visuales, la pintura de género se considera parte del género de género. Desde la antigüedad, los artistas han representado escenas de la vida cotidiana de la gente común: campesinos, artesanos, comerciantes y sirvientes de nobles cortesanos en el proceso de trabajo o en la vida cotidiana de sus familias.

Gabriel Metsu "El vendedor de pájaros" (1662).

Los primeros ejemplos de pinturas de género en el sentido moderno aparecieron en la Edad Media y, posteriormente, se generalizaron y popularizaron. El tema de las pinturas de género se caracteriza por una variedad envidiable, que despierta el interés de la audiencia.

Bernardo Strozzi "Cocinero" (1625).

Pintura arquitectónica

La pintura arquitectónica es un género especial de pintura, cuyo tema está dedicado a la imagen de edificios, estructuras y diversos monumentos arquitectónicos, así como a las decisiones más interesantes en el aspecto histórico. Se refiere a la imagen del interiorismo de palacios, teatros y salas de conciertos, etc.

Gracias a tales pinturas, el espectador tiene la oportunidad de ver personalmente los monumentos de la arquitectura en su forma original a través de los ojos del propio artista. Las obras de pintura arquitectónica también ayudan en el estudio del paisaje arquitectónico de ciudades de épocas pasadas.

Louis Daguerre "Niebla y nieve vistas a través de la columnata gótica en ruinas" (1826).

Pintura de animales

El género animal es un género separado de arte pictórico que se especializa principalmente en representar el mundo animal de nuestro planeta. En las pinturas de este género podemos ver animales, aves, peces, así como representantes de muchas otras especies en su hábitat natural.

George Stubbs "El leopardo durmiente" (1777).

Sin embargo, esto no significa que el tema de la imagen género animal sólo los animales salvajes lo son. Por el contrario, los artistas suelen pintar cuadros dedicados a las mascotas: gatos, perros, caballos, etc.

Pintura decorativa

El género de la pintura decorativa se puede dividir aproximadamente en varios tipos, que tienen sus propias diferencias:

• Pintura monumental
• Cuadro de decoración teatral
• Pintura decorativa

La diversidad de especies del género decorativo se explica por el hecho de que los artistas intentaron en todo momento decorar todos los objetos del mundo circundante.

• Pintura monumental - el género de arte monumental, cuyas obras son de naturaleza bastante grande y se utilizan como diseño decorativo de edificios y estructuras de naturaleza secular y religiosa para diversos fines (e iglesias, edificios de oficinas y estructuras culturales, arquitectónicas monumentos y edificios residenciales).

• Escenografía teatral - Este es un tipo de género decorativo muy popular, que incluye la creación de escenarios y vestuario para personajes de representaciones teatrales y héroes de películas, así como bocetos de puestas en escena individuales. Artistas: los decoradores en el teatro y en el set a veces crean verdaderas obras maestras, que luego se convierten en uno de los mejores escenarios para el teatro y el cine.

• Pintura decorativa - representa composiciones de tramas o decoración ornamental creada en diversas partes de edificios y estructuras, así como en muestras de arte decorativo y aplicado, que tiene su origen en las artes y artesanías populares. Los principales tipos de artículos pintados fueron platos, artículos para el hogar, muebles, etc.

Aunque el concepto de "género" apareció en la pintura hace relativamente poco tiempo, existen ciertas diferencias de género desde la antigüedad: imágenes de animales en cuevas del Paleolítico, retratos Antiguo Egiptoy Mesopotamia del III milenio antes de Cristo, paisajes y naturalezas muertas en mosaicos y frescos helenísticos y romanos. La formación del género como sistema en la pintura de caballete se inició en Europa en los siglos XV y XVI. y terminó principalmente en el siglo XVII, cuando, además de la división de las bellas artes en géneros, el concepto de las llamadas. Géneros "altos" y "bajos", según el tema de la imagen, tema, trama. Los géneros históricos y mitológicos se atribuyeron al género "alto", retrato, paisaje y naturaleza muerta, al género "bajo". Esta gradación de géneros se prolongó hasta el siglo XIX. aunque con excepciones.

Entonces, en el siglo XVII. En Holanda, fueron los géneros “bajos” (paisaje, género, naturaleza muerta) los que se convirtieron en los protagonistas de la pintura, y el retrato ceremonial, que formalmente pertenecía al género “bajo” del retrato, no pertenecía a él. Convertidos en una forma de manifestar la vida, los géneros de la pintura, con toda la estabilidad de los rasgos generales, no se mantienen inalterados, se desarrollan junto con la vida, cambiando a medida que se desarrolla el arte. Algunos géneros mueren o adquieren un nuevo significado (por ejemplo, un género mitológico), aparecen nuevos, generalmente dentro de los preexistentes (por ejemplo, dentro de un género de paisaje, paisaje arquitectónico y puerto pequeño). Aparecen obras que combinan varios géneros (por ejemplo, una combinación de un género con un paisaje, un retrato de grupo con un género histórico).

Auto retrato (del autorretrato francés) - un retrato de uno mismo. Por lo general, se trata de una imagen pictórica; sin embargo, los autorretratos también son escultóricos, literarios, cinematográficos, fotográficos, etc.

Rembrandt "Autorretrato".

ALEGORÍA (Alegoría griega - alegoría) - la expresión de ideas abstractas utilizando imagenes artisticas... Ejemplo: "justicia" es una mujer con balanza.

Moretto da Brescia "Alegoría de la fe"

ANIMALISTA (de lat. animal - animal) - un género asociado con la imagen de animales en pintura, escultura y gráficos.

D. Stubbs. Yeguas y potros en un paisaje junto al río. 1763-1768

BATALLA (del francés bataille - batalla) - dedicado a la representación de operaciones militares y vida militar.

Averyanov Alexander Yurievich. href \u003d "http://www.realartist.ru/names/averyanov/30/"\u003e Waterloo.

DOMÉSTICO - asociado a la imagen de la vida diaria de una persona.

Nikolai Dmitrievich DMITRIEV-ORENBURGSKY (1837-1898).Fuego en el pueblo

GALANTE - "Cortés, educado, amable, cortés, interesante" está desactualizado. asociado con la imagen de exquisitas escenas líricas de la vida de damas y caballeros de la corte en el trabajo artístico principalmente del siglo XVIII.

Gerard ter Borch el Joven. Un valiente soldado.

HISTÓRICO - uno de los principales géneros de bellas artes, dedicado a hechos históricos del pasado y presente, fenómenos socialmente significativos en la historia de los pueblos.

Pavel Ryzhenko. Victoria de Peresvet.

CARICATURA - un género de bellas artes que utiliza los medios de la sátira y el humor, grotesco, caricatura, una imagen en la que se crea un efecto cómico mediante la exageración y agudización de los rasgos característicos. La caricatura se burla del defecto o la depravación de un personaje para atraerlo a él y a las personas que lo rodean, para que cambie para mejor.

MITOLÓGICO - dedicado a los eventos y héroes de los que cuentan los mitos. Dioses, demiurgos, héroes, demonios, criaturas míticas, personajes históricos y mitológicos. En el siglo XIX, el género mitológico sirvió como norma del arte elevado e ideal.

Alexander Ivanov. Bellerophon emprende una campaña contra la Quimera.

NATURALEZA MUERTA - el género de las bellas artes, imágenes de objetos inanimados colocados en un entorno cotidiano real y organizados en un grupo determinado; una pintura que representa artículos para el hogar, flores, frutas, caza, pescado, etc.

Aenvanck, Theodoor

Desnudo (desnudo): un género artístico en escultura, pintura, fotografía y cine, que representa la belleza del cuerpo humano desnudo, en su mayoría femenino.

Venus de Urbino ", Tiziano

PASTORAL (Pastoral francesa - pastor, rural) - un género de la literatura, la pintura, la música y el teatro, la imagen de la vida idílica de pastores y pastoras en la naturaleza.

PAISAJE (Paysage francés, de pays - país, área) - un género dedicado a la imagen de cualquier área: ríos, montañas, campos, bosques, paisaje rural o urbano.

Href \u003d "http://solsand.com/wiki/doku.php?id\u003dostade&DokuWiki\u003d7593bff333e2d137d17806744c6dbf83"\u003e Adriana van Ostade

RETRATO (fr. retrato, "reproducir algo en línea") - un género de bellas artes dedicado a la imagen de una persona o un grupo de personas; variedades: autorretrato, retrato de grupo, ceremonial, cámara, retrato de vestuario, retrato en miniatura.

Borovikovsky V. "Retrato de M. I. Lopukhina"

IMAGEN TEMÁTICA - la definición de una especie de cruce de géneros tradicionales de pintura, que contribuyó a la creación de obras a gran escala sobre temas socialmente significativos con una trama claramente expresada, acción de trama, composición de múltiples figuras. Brevemente: - mezcla de géneros de pintura tradicional de la vida cotidiana, histórica, de batalla, retrato compositivo, paisaje, etc.

Robert, Hubert - Inspección de la antigua iglesia

CARGO o CARGO AMISTOSO (Cargo francés) - humorístico o imagen satírica, en el que se cambian y enfatizan los rasgos característicos del modelo dentro del rango normal, con el objetivo de burlarse, y no humillar e insultar, como se suele hacer en los dibujos animados.