Lev Kamenev (1833 - 1886) "ภูมิทัศน์พร้อมกระท่อม"
ภูมิทัศน์เป็นประเภทจิตรกรรมอิสระ ก่อตั้งขึ้นในรัสเซียประมาณกลางศตวรรษที่ 18 และก่อนช่วงเวลานี้ ภูมิทัศน์เป็นพื้นหลังของภาพองค์ประกอบภาพวาดไอคอนหรือส่วนหนึ่งของภาพประกอบหนังสือ
มีการเขียนมากมายเกี่ยวกับภูมิทัศน์ของรัสเซียในศตวรรษที่ 19 และเขียนโดยผู้เชี่ยวชาญที่ยอดเยี่ยมในด้านการวาดภาพโดยปราศจากการพูดเกินจริงซึ่งโดยพื้นฐานแล้วฉันไม่มีอะไรจะเพิ่มเติม
Semyon Shchedrin, Fyodor Alekseev และ Fyodor Matveyev ถูกเรียกว่าเป็นผู้บุกเบิกการวาดภาพทิวทัศน์ของรัสเซีย ศิลปินทั้งหมดเหล่านี้ศึกษาการวาดภาพในยุโรปซึ่งทิ้งรอยประทับไว้ในงานต่อไปของพวกเขา
เชดริน (ค.ศ. 1749 - 1804) กลายเป็นที่รู้จักในฐานะผู้ประพันธ์ผลงานเกี่ยวกับสวนสาธารณะในชนบทของจักรวรรดิ Alekseev (1753 - 1824) ได้รับฉายาว่า Russian Canaletto สำหรับภูมิทัศน์ที่แสดงถึงอนุสาวรีย์ทางสถาปัตยกรรมของ St. Petersburg, Gatchina และ Pavlovsk, Moscow Matveev (1758 - 1826) ทำงานเกือบทั้งชีวิตในอิตาลีและเขียนด้วยจิตวิญญาณของอาจารย์ Gackert ผลงานของศิลปินชาวอิตาลีผู้มากความสามารถนี้ถูกเลียนแบบโดย M.M. อีวานอฟ (1748 - 1828)
ผู้เชี่ยวชาญสังเกตเห็นสองขั้นตอนในการพัฒนาจิตรกรรมภูมิทัศน์รัสเซียในศตวรรษที่ 19 ซึ่งไม่ได้เชื่อมโยงถึงกันอย่างเป็นธรรมชาติ แต่สามารถแยกแยะได้อย่างชัดเจน สองขั้นตอนเหล่านี้คือ:
- เหมือนจริง;
- โรแมนติก
พรมแดนระหว่างทิศทางเหล่านี้เกิดขึ้นอย่างชัดเจนในช่วงกลางทศวรรษที่ 20 ของศตวรรษที่ 19 ในช่วงกลางศตวรรษที่สิบแปด ภาพวาดของรัสเซียเริ่มปลดปล่อยตัวเองจากการใช้เหตุผลนิยมของภาพวาดคลาสสิกของศตวรรษที่สิบแปด และแนวโรแมนติกของรัสเซียซึ่งเป็นปรากฏการณ์ที่แยกจากกันในภาพวาดของรัสเซียมีความสำคัญอย่างยิ่งต่อการเปลี่ยนแปลงเหล่านี้
ภูมิทัศน์ที่โรแมนติกของรัสเซียพัฒนาขึ้นในสามทิศทาง:
- ภูมิทัศน์เมืองตามผลงานจากธรรมชาติ
- การศึกษาธรรมชาติของรัสเซียตาม "ดินอิตาลี";
- ภูมิทัศน์แห่งชาติรัสเซีย
และตอนนี้ฉันขอเชิญคุณไปที่แกลเลอรี่ผลงานของศิลปินชาวรัสเซียในศตวรรษที่ 19 ซึ่งวาดภาพภูมิทัศน์ ฉันหยิบชิ้นเดียวจากศิลปินแต่ละคน ไม่อย่างนั้นแกลเลอรีนี้ก็ไม่มีที่สิ้นสุด
หากคุณมีความปรารถนา คุณสามารถอ่านเกี่ยวกับผลงานของศิลปินแต่ละคน (และจำผลงานของศิลปินได้ตามนั้น) บนเว็บไซต์นี้
ทิวทัศน์ของรัสเซียในศตวรรษที่ 19Vladimir Muravyov (1861 - 1940), "ป่าสีน้ำเงิน"
Vladimir Orlovsky (1842 - 1914), "วันฤดูร้อน"
Pyotr Sukhodolsky (1835 - 1903), "วันทรินิตี้"
Ivan Shishkin (1832 - 1898), "ไรย์"
Efim Volkov (1844 - 1920), "ทะเลสาบป่า"
Nikolay Astudin (1847 - 1925), "ถนนบนภูเขา"
Nikolay Sergeev (1855 - 1919), "บ่อน้ำฤดูร้อน"
Konstantin Kryzhitsky1 (1858-1911), "Zvenigorod"
Alexey Pisemsky (1859 - 1913), "แม่น้ำป่า"
โจเซฟ คราชคอฟสกี (1854 - 1914), "วิสทีเรียส"
Isaac Levitan (1860 - 1900), "เบิร์ชโกรฟ"
Vasily Polenov (1844-1927), "โรงสีเก่า"
Mikhail Klodt (1832 - 1902), "Oak Grove"
Apollinary Vasnetsov (1856 - 1933), “Akhtyrka. คฤหาสน์วิว "
จับปลาที่ยอดเยี่ยม เอ.พี. โลเซนโก
("การจับปลามหัศจรรย์" ในเนื้อเรื่องจากพระวรสาร ศิลปิน A. Losenko) ประเภทประวัติศาสตร์ครอบงำสถาบันศิลปะเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กอย่างไรก็ตามไม่ได้รับการพัฒนาเช่นเดียวกับภาพเหมือน ตามกฎแล้วผู้สำเร็จการศึกษาจาก Academy ได้รับมอบหมายให้วาดภาพเมื่อสำเร็จการศึกษาในประเภทประวัติศาสตร์ หัวข้อมักจะเป็นหัวข้อในตำนานหรือในพระคัมภีร์ การวาดภาพเป็นสิ่งจำเป็นในสไตล์คลาสสิก ศิลปินในรูปแบบของคลาสสิกเลียนแบบประติมากรโบราณดังนั้นในภาพวาดร่างมักจะคล้ายกับรูปปั้นกรีกและโรมันตัวละครแสดงการกระทำที่กล้าหาญ
ผู้ก่อตั้งประเภทประวัติศาสตร์ในรูปแบบของคลาสสิกในรัสเซียถือเป็น A.P. โลเซนโก (1737 - 1773) ในบรรดาผืนผ้าใบของเขามีทั้งภาพวาดเกี่ยวกับวัตถุโบราณและในพระคัมภีร์ไบเบิล Losenko ยังวาดภาพแรกในธีมประจำชาติ - "Vladimir and Rogneda" (1770)
วลาดิเมียร์ และ ร็อกเนดา เอ.พี. โลเซนโก (1770)
ภาพวาดแสดงให้เห็นลูกสาวของเจ้าชาย Polotsk ซึ่งวลาดิมีร์หลังจากเอาชนะกองทัพของพ่อและพี่น้องของเธอได้บังคับให้ภรรยาของเขา Losenko ถูกชี้นำโดยความคิดที่บริสุทธิ์ - เพื่อแสดงให้ Vladimir เห็นว่าไม่ใช่ผู้ข่มขืน ผู้บุกรุก แต่ในฐานะเจ้าบ่าวที่มาในวันแรก ในภาพวาดประวัติศาสตร์ของรัสเซียในศตวรรษที่ 18 ฉากของความรุนแรง การทุจริต และการฆาตกรรมได้รับการยกเว้นในทางปฏิบัติ ภาพต้องเป็นบวกเสมอ
อำลา Hector ถึง Andromache เอ.พี. โลเซนโก (1773)
อาจารย์หันไปหามหากาพย์กรีกโบราณ ภาพวาดแสดงให้เห็นฮีโร่โทรจัน Hector ออกเดินทางเพื่อต่อสู้กับศัตรูที่ปิดล้อมเมือง เขาต้องข้ามอาวุธกับ Achilles และผลของการต่อสู้ครั้งเดียวนั้นถูกกำหนดไว้ล่วงหน้า (เมื่อตอนเป็นเด็ก แม่ของ Achilles จุ่มลงในน่านน้ำของ Styx ซึ่งทำให้ร่างกายของเขาคงกระพัน) อย่างไรก็ตาม เฮคเตอร์ต้องการเป็นตัวอย่างของความกล้าหาญให้กับกองหลังของทรอยและความตายของเขาเองเพื่อเสริมความแข็งแกร่งของพวกเขา ในช่วงเวลาอันน่าสลดใจของการพรากจากครอบครัวของเขา เขาหันไปหาเหล่าทวยเทพด้วยคำขอเพียงข้อเดียวที่จะช่วยอันโดรมาเช่ภรรยาของเขาเลี้ยงดูลูกเล็กๆ ในฐานะลูกชายที่มีค่าของทรอย ภาพเขียนด้วยจิตวิญญาณของความคลาสสิค: ฉากอำลาเต็มไปด้วยการแสดงละครร่างคล้ายกับรูปปั้นกรีก เนื้อเรื่องของภาพเต็มไปด้วยจิตวิญญาณของความเป็นพลเมืองสูง เปี่ยมด้วยความรักต่อบ้านเกิดเมืองนอน
ฉลองสัญญาวิวาห์. มิคาอิล ชิบานอฟ
ภาพวาดครัวเรือน (ประเภท) ในศตวรรษที่ 18 มีการพัฒนาน้อยมาก Academy of Arts ถือว่าเธอเป็นเรื่องรองและไม่สำคัญ แต่ศิลปินบางคนก็ยังกล้าที่จะวาดภาพดังกล่าว แม้ว่าความพยายามเหล่านี้จะไม่ประสบความสำเร็จเสมอไป แต่โครงเรื่องมักจะประดับประดาเหตุการณ์จริง แต่ภาพก็ห่างไกลออกไป ศิลปินที่มีชื่อเสียงที่สุดในเวลานั้นคือ Mikhail Shibanov (? - หลัง 1789) ภาพวาดของเขา "การเฉลิมฉลองสัญญาแต่งงาน" แสดงให้เห็นถึงช่วงเวลาที่เคร่งขรึมที่สุดในชีวิตชาวนารัสเซีย: งานแต่งงานของคนหนุ่มสาว ศิลปินวาดภาพเสื้อผ้ารัสเซียที่สง่างามและใบหน้าที่น่าดึงดูดด้วยความรัก
F.Ya. Alekseev. มุมมองของจัตุรัสพระราชวังจากป้อมปีเตอร์และพอล
ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 การวาดภาพทิวทัศน์ก็พัฒนาขึ้นเช่นกัน ตัวแทนที่โดดเด่นที่สุดคือ F.Ya Alekseev และ S.F. เชดริน.
F. Ya. Alekseev (1753 หรือ 1754 - 1824) ที่ Academy of Arts เขาศึกษาการวาดภาพละคร แต่กลายเป็นจิตรกรภูมิทัศน์ ในตอนแรก เขาได้คัดลอกภูมิทัศน์ของเมืองต่างๆ มากมาย วาดภาพวิวของเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กเป็นจำนวนมาก และสามารถแนะนำลักษณะพิเศษสุดล้ำลึกเข้าไปในภาพของเมืองนี้ Alekseev กลายเป็นบรรพบุรุษของภูมิทัศน์ในรัสเซียโดยพื้นฐานแล้ว ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา การปรากฏตัวของ "Northern Palmyra" (เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก) ได้ก่อตัวขึ้นและ Alekseev ได้สะท้อนให้เห็นในภาพวาดของเขาหลายภาพ ในมุมมองที่มีชื่อเสียงของเขื่อนวัง ป้อมปราการปีเตอร์และพอล ศิลปินนำเสนอความสามัคคีที่กลมกลืนกันของความงามของสถาปัตยกรรมและภูมิทัศน์ - ท้องฟ้าสูง, พื้นผิวแสงที่เคลื่อนที่ได้ชั่วนิรันดร์ของเนวา ในตอนต้นของศตวรรษที่ 19 Alekseev เดินทางไปรอบ ๆ เมืองของรัสเซียเป็นจำนวนมากเขียนมุมมองของเมืองในต่างจังหวัดและมอสโก เขาถูกดึงดูดโดยเมืองหลวงเก่าด้วยเครมลินโบราณ จัตุรัสแดงที่พลุกพล่าน
เอส.เอฟ.เชดริน ปีเตอร์สเบิร์ก
S.F.Schedrin (1745 - 1804). เขาเข้าสู่ประวัติศาสตร์ศิลปะรัสเซียโดยส่วนใหญ่เป็นภาพ Gatchina, Pavlovsk, Peterhof ภาพวาดของเขาคล้ายกับสวนภูมิทัศน์ของอังกฤษ แผ่กระจายไปทั่วทะเลสาบและลำธารอย่างอิสระ โดยมีเกาะอันงดงามที่ประดับประดาด้วยพระราชวังและศาลา Shchedrin ถ่ายทอดความเขียวขจีที่ปกคลุมไปด้วยแสงแดดด้วยความรักและจิตวิญญาณ หาดทรายสีชมพูที่ปกคลุมเส้นทางของอุทยาน ความงามอันบอบบางของดอกไม้ สะพานและเสาโอเบลิสก์ หอคอย เสาที่สวยงามผสมผสานกับธรรมชาติอย่างกลมกลืน ควันกองไฟที่สงบสุข เมฆสะท้อนในน้ำนิ่ง มงกุฎต้นไม้ที่สงบอย่างสง่าผ่าเผยสร้างความรู้สึกของชีวิตในอุดมคติ
เอส.เอฟ. เชดริน เฉลียงที่โอบล้อมด้วยองุ่น พ.ศ. 2371
ภูมิทัศน์ที่เฉพาะเจาะจง
ตั้งแต่ศตวรรษที่ 17 ภูมิทัศน์ภูมิประเทศมีการแพร่กระจายอย่างกว้างขวาง (ช่างแกะสลัก - German M. Merian และ Czech V. Gollar) การพัฒนาส่วนใหญ่ถูกกำหนดไว้ล่วงหน้าโดยการใช้กล้อง obscura ซึ่งทำให้สามารถถ่ายโอนลวดลายแต่ละอย่างลงบนผืนผ้าใบหรือกระดาษ ด้วยความแม่นยำที่ไม่เคยมีมาก่อน ภูมิทัศน์แบบนี้ในศตวรรษที่ 18 ไปถึงความมั่งคั่งในอากาศและแสงสว่างของ Canaletto และ B. Belotto ในผลงานของ F. Guardi ซึ่งเปิดเวทีใหม่ที่มีคุณภาพในประวัติศาสตร์ของภูมิทัศน์ที่โดดเด่นด้วยการทำซ้ำอัจฉริยะของสภาพแวดล้อมของแสงที่เปลี่ยนแปลงได้ ภูมิทัศน์เฉพาะในศตวรรษที่ 18 มีบทบาทสำคัญในการก่อตัวของภูมิทัศน์ในประเทศแถบยุโรปเหล่านั้นจนถึงศตวรรษที่สิบแปด ไม่มีประเภทภูมิทัศน์ที่เป็นอิสระ (รวมถึงในรัสเซียซึ่งตัวแทนที่ใหญ่ที่สุดของภูมิทัศน์ประเภทนี้คือศิลปินกราฟิก A. F. Zubov, M. I. Makhaev, จิตรกร F. Ya. Alekseev)
ประเภทภูมิทัศน์ออกมาค่อนข้างช้า การปรากฏตัวของมันเกี่ยวข้องกับการก่อตั้งสถาบันศิลปะเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กซึ่งในปี พ.ศ. 2310 มีการจัดตั้งชั้นเรียนภูมิทัศน์เพื่อฝึกอบรมจิตรกรภูมิทัศน์ การสร้างประเภทนี้ยังอำนวยความสะดวกโดยชั้นเรียนของมุมมองและฉากละครซึ่งจิตรกรภูมิทัศน์จำนวนมากมา วิชาเฉพาะทางแคบๆ รวมทั้งภูมิทัศน์ ได้รับการสอนในชั้นเรียนการแกะสลัก
ชั้นเรียนภูมิทัศน์ตั้งแต่ปี ค.ศ. 1776 ถึง 1804 สอนโดยนักเรียนของ Academy of Arts Semyon Shchedrin จิตรกรภูมิทัศน์ที่มีชื่อเสียง Fyodor Alekseev โผล่ออกมาจากชั้นเรียนมุมมอง ความยากลำบากในการหาครูสอนวิชาตกแต่งโรงละคร ดังนั้นในปี พ.ศ. 2319 สภาวิชาการจึงตัดสินใจส่งนักเรียนสองคนไปหาอาจารย์โรงละคร - Yakov Gerasimov และ Fyodor Matveyev ต่อมาเป็นจิตรกรภูมิทัศน์ที่มีชื่อเสียง
การเดินทางเกษียณอายุของผู้สำเร็จการศึกษาที่มีพรสวรรค์มากที่สุดของ Academy มีความสำคัญอย่างยิ่งต่อการพัฒนาประเภทภูมิทัศน์ การศึกษาในอิตาลีและฝรั่งเศสกับอาจารย์ที่ยอดเยี่ยมผู้รับบำนาญได้พัฒนาทักษะของตนจนถึงระดับศิลปะยุโรป พวกเขาเคยไปต่างประเทศและบางคนก็อยู่ที่นั่น จิตรกรภูมิทัศน์ชาวรัสเซียที่มีชื่อเสียง: Maxim Vorobiev, Alexander Ivanov, Mikhail Lebedev, Semyon Shchedrin, Fyodor Matveev Fedor Alekseev, Sylvester Shchedrin และอีกหลายคน ทำให้แนวภูมิทัศน์สามารถตามทันศิลปะยุโรปและดำเนินชีวิตแบบรัสเซียต่อไป ได้ใบหน้าของตัวเอง และตอบสนองต่อปัญหาของความเป็นจริงทางจิตวิญญาณของประเทศ
ภูมิทัศน์ที่ดำเนินการโดย Semyon Fedorovich Shchedrin (1745 - 1804) กลายเป็นแนวเพลงที่เป็นอิสระไม่ได้รับภาระกับดินร่วนปนทรายชนิดต่างๆ สิ่งเหล่านี้ไม่ใช่แบบฝึกหัดในมุมมองเปอร์สเป็คทีฟอีกต่อไป แต่เป็นการแสดงมุมมองของภูมิประเทศ ในฐานะผู้รับบำนาญของ Academy of Arts Shchedrin ศึกษาในฝรั่งเศสซึ่งเขาได้รับการอุปถัมภ์จากเอกอัครราชทูตรัสเซียประจำกรุงปารีส Prince DA Golitsyn นักวิจารณ์ศิลปะชาวรัสเซียคนแรกที่เขียนเรียงความเกี่ยวกับทฤษฎีและประวัติศาสตร์ศิลปะ ตัดสินโดยงานแรกของเชดริน เที่ยง(พ.ศ. 2322) ซึ่งถูกประหารชีวิตหลังจากที่เขาอยู่ในอิตาลี ศิลปินเห็นได้ชัดว่าอยู่ภายใต้อิทธิพลของความคลาสสิค พล็อตลักษณะเฉพาะที่มีฝูงสัตว์และซากปรักหักพัง โทนสีตามแบบฉบับของความคลาสสิค แบ่งองค์ประกอบออกเป็นแผนผัง - สีน้ำตาลใกล้และสีน้ำเงินในระยะไกล การตีความการตกแต่งของต้นไม้ไม่เป็นธรรมชาติ แต่กลายเป็นเมฆปุยเป็นหลักฐานของการเกิดขึ้น ประเภทของภูมิทัศน์ที่ประกอบขึ้น
เมื่อมาถึงรัสเซีย Shchedrin ได้รับคำสั่งจำนวนมากสำหรับการดำเนินการแผงภูมิทัศน์สำหรับปราสาท Mikhailovsky (1799-1801) ภาพจิตรกรรมฝาผนังและแผงสำหรับ Gatchina, Pavlovsk และ Peterhof AA Fedorov-Davydov ตั้งข้อสังเกตถึงการพัฒนาศิลปะสวนสาธารณะเมื่อปลายศตวรรษที่ 18 ซึ่งมีอิทธิพลต่อภาพวาดของ Shchedrin สวนสาธารณะถูกสร้างขึ้นใน Pavlovsk, Peterhof, Tsarskoe Selo, Gatchina เป็นประจำหรือฟรีตามจิตวิญญาณของอังกฤษ ภาพวาดภูมิทัศน์มีจุดประสงค์เพื่อประดับพระราชวังและด้วยแผงพระราชวังจึงมีหน้าที่ตกแต่ง หน้าที่เหล่านี้กำหนดความหมายและโครงสร้างของยุคปีเตอร์สเบิร์กของงานของ Shchedrin รวมถึงภูมิทัศน์ขาตั้งที่ดำเนินการโดยเขาในปี ค.ศ. 1792-1798: โรงสีใน Pavlovsk(1792), พระราชวังกัจจิน่าจากเกาะยาว(1796). ชมวิวในสวนสาธารณะกัจจินะ(1798). ศิลปินเก็บสัญลักษณ์ของการประชุมไว้ทั้งหมด: สีน้ำตาล, สีเขียวและสีฟ้าเล็กน้อย, ต้นไม้ "พันธุ์แท้", ตัวเลขพนักงานบ่งบอกถึงแรงจูงใจของการไตร่ตรอง เวลาดูเหมือนจะหยุดนิ่งอยู่ในภาพ และมันต้องการความเข้าใจ
ไม่สามารถพูดได้ว่าภูมิทัศน์นี้ประกอบด้วย Shchedrin อย่างสมบูรณ์ มีพื้นฐานมาจากรูปลักษณ์เฉพาะ แต่ศิลปินจะเปลี่ยนแปลงโดยพลการ ดังนั้นในภูมิประเทศ โรงสีใน Pavlovskการตกแต่งของตัวอักษรนั้นมองเห็นได้ชัดเจนโดยได้รับแรงบันดาลใจจากบาโรกที่หลงเหลืออยู่ซึ่งไม่มีเวลาที่จะหายไปพร้อมกับการมาถึงของเวลาใหม่ ดูเหมือนว่า "Shchedrino Baroque" ได้รับอิทธิพลจากรูปแบบของภาพวาดไอคอนรัสเซียในศตวรรษที่ 17-18 รวมถึงการตกแต่งภายในของ Naryshkin Baroque ในสองมุมมอง - พระราชวัง Gatchina จาก Long Island และ Gatchina Park - พร้อมด้วยต้นไม้ที่ตกแต่งอย่างสวยงาม ความลึกของพื้นที่จริงที่สร้างด้วยแสงจะมองเห็นได้ ร่องรอยของสไตล์คลาสสิกนั้นขี้อายเกินไป แต่ความเข้าใจภูมิทัศน์ในฐานะภาพของดินแดนอันงดงามบางแห่งสอดคล้องกับแนวความคิดของความคลาสสิคซึ่งแก้ไขธรรมชาติที่ "เลวทราม" โดยการปรับให้เข้ากับของเก่า ธรรมชาติราวกับตัดแต่งให้เข้ากับลวดลายตกแต่งมาตรฐาน อยู่ห่างไกลจากธรรมชาติของรัสเซีย ภูมิทัศน์เป็นหลักการของรูปแบบซึ่งดำเนินการตามกฎของเกมในสไตล์นี้ แต่ยังมีการสังเกตธรรมชาติที่มีชีวิตซึ่งโดดเด่นด้วยความปรารถนาที่จะจับภาพความตื่นเต้นของธรรมชาติและความงามของความเป็นจริง พูดตรงๆ ก็คือ ความจริงถูกรวมเป็นสองอย่าง ทิวทัศน์ของพระราชวัง Kamennoostrovsky(1803 และ 1804) แม่น้ำและวังถูกเขียนขึ้นตามกฎของมุมมอง พวกเขามีความชัดเจนและน่าเชื่อถือ ในภาพเราสามารถสัมผัสได้ถึงอิทธิพลของจิตรกรภูมิทัศน์อีกคนหนึ่ง - Fyodor Alekseev ด้วยมุมมองที่โปร่งโล่งและเป็นพื้นที่ของเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ในภูมิทัศน์ของ Shchedrin ภาพถูกแทนที่ด้วยองค์ประกอบ ภูมิทัศน์ที่แต่งขึ้นเป็นเรื่องแต่งโดยอิงจากมุมมองของพื้นที่ที่เฉพาะเจาะจงมาก แต่แก้ไขได้เพียงคาดเดาเกี่ยวกับต้นแบบที่แท้จริงของมันเท่านั้น ภูมิทัศน์สมมติของเชดรินคือภูมิทัศน์ของต้นแบบ ไม่ใช่ภูมิทัศน์ ด้วยเหตุผลนี้ ภูมิประเทศจึงไม่เป็นที่รู้จักในฐานะสายพันธุ์ แม้ว่าจะมีชื่อก็ตาม สายพันธุ์
ความคลาสสิคมีแนวคิดเชิงอุดมคติและพลาสติกเป็นของตัวเอง กำหนดการล่วงหน้าของพล็อตและธีมปรากฏอยู่ในภาพ เที่ยง, ซึ่งศิลปินได้รับตำแหน่งนักวิชาการ โปรแกรมวิชาการกำหนด: "มันจะแสดงตอนเที่ยงที่ต้องมีวัวควาย คนเลี้ยงแกะ และคนเลี้ยงแกะ มักจะเป็นป่าน้ำ ภูเขา พุ่มไม้ ฯลฯ" ฉากบ้านนอกที่คล้ายกันนั้นปรากฎในภาพวาด วิวรอบๆ สตารยา รุสสา(1803) และ ภูมิทัศน์กับคนเลี้ยงแกะและฝูงสัตว์ Russian Arcadia ชนิดหนึ่งไม่มีส่วนเกี่ยวข้องกับความเป็นจริง ศิลปินดำเนินการในภูมิทัศน์เกี่ยวกับอุดมการณ์ของศิลปะคลาสสิกซึ่งเป็นระบบภาพที่จัดเตรียมระยะห่างระหว่างความเป็นจริงและนิยายโดยให้ความสำคัญกับภาพชีวิตที่แต่งขึ้นและการตีความแบบแผนพลาสติก
ในปี ค.ศ. 1799-1801 โดยนายพอลที่ 1 เชดรินได้ทาสีแผงสำหรับปราสาทมิคาอิลอฟสกี ในพวกเขาศิลปินไม่เพียง แต่เพิ่มคุณสมบัติการตกแต่งตามลักษณะของเขาเท่านั้น แต่ยังเปลี่ยนลักษณะของภูมิทัศน์เป็นประเภทซึ่งระบุไว้ในผลงานก่อนหน้าของเขา ในแผง สะพานหินใน Gatchina ใกล้ Connetable Squareความหมายและวัตถุประสงค์ของภูมิทัศน์ของเชดรินเปลี่ยนไปอย่างมาก แผงนี้พอดีกับภายในของวังซึ่งอยู่ใต้บังคับบัญชาการกำหนดเป้าหมายห้องโถง ภูมิทัศน์ซึ่งก็คือภาพของพื้นที่กลายเป็นเพียงข้ออ้างสำหรับการใช้งานฟังก์ชั่นที่แตกต่างกันของงานซึ่งปรับให้เข้ากับรูปแบบสถาปัตยกรรมของการตกแต่งภายใน การทำให้เป็นเอกเทศของภูมิทัศน์ที่ชัดเจนหรือมีอยู่ก่อนหน้านี้ในฐานะประเภทอิสระนั้นอยู่ภายใต้การดูแลของการตกแต่งภายในของพระราชวัง ดังนั้นการเสริมความแข็งแกร่งของหลักการตกแต่งของงานซึ่งละเลยการถ่ายโอนที่แน่นอนของวัตถุของภาพ หน้าที่ของงานตกแต่งและขาตั้งต่างกัน การส่งงานตกแต่งประเภทภูมิทัศน์กลายเป็นภาพลวงตาของประเภทการสูญเสียหรือจำกัดความเป็นอิสระในการวางปัญหาประเภทภูมิทัศน์ในการสะท้อนและทำซ้ำชีวิต
Fyodor Yakovlevich Alekseev (1753 - 1824) ก้าวแรกในการวาดภาพทิวทัศน์ของรัสเซียไปสู่ภาพที่แท้จริงของภูมิทัศน์ ภูมิทัศน์ของเมืองกลายเป็นหัวข้อของงานศิลปะของเขา ในแง่นี้ แนวมุมมองของเมืองได้รับการระบุไว้ในภูมิทัศน์ของรัสเซีย ราวกับว่าสืบทอดศิลปะของ Canaletto, Bellotto, Guardi และอื่นๆ
Alekseev สร้างภูมิทัศน์ที่เต็มไปด้วยอากาศด้วยการวางแผนแบบพาโนรามา มุมมองและอากาศเป็นองค์ประกอบชี้ขาดของภูมิทัศน์ของเขา ผลงานของศิลปินไม่ตอบสนองต่อแนวคิดที่อยู่นอกภาพทิวทัศน์ ดังนั้นจึงไม่มีองค์ประกอบภายนอกการตีความทางศิลปะของวัตถุในภาพ โทนสีเย็นที่ละเอียดอ่อนมักจะปรากฏอยู่ในมุมมองของเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ภาพวาดแสงสอดคล้องกับสีที่แท้จริงของเมือง และสภาพแวดล้อมในอากาศดูเหมือนจะแสดงให้เห็นถึงความตื่นเต้นทางอารมณ์ของศิลปิน การตีความภูมิทัศน์ทางอากาศเป็นนวัตกรรมในศิลปะรัสเซีย บางทีมีเพียงชาวดัตช์ คลอดด์ ลอเรน และโจเซฟ เทิร์นเนอร์ ที่หันมาใช้เทคนิคนี้ ซึ่งกลายเป็นหนึ่งในวิธีการสำคัญของการแก้ปัญหาด้วยรูปภาพของธีม ภูมิทัศน์ของ Alekseev นั้นครุ่นคิด แสงที่สาดส่องลงมาทำให้งานบางส่วนของเขาสงบลง ในภูมิประเทศของปีเตอร์สเบิร์กใน Alekseev เราสัมผัสได้ถึงอิทธิพลของ Francesco Guardi ซึ่งหันไปใช้ภาพพาโนรามาทางอากาศเมื่อวาดภาพเวนิส
ในมุมมองของ Nikolaev และ Kherson ศิลปินให้ความสำคัญกับลักษณะความเป็นกลางของผลงานของ Antonio Canaletto และโดยเฉพาะอย่างยิ่ง Bernardo Bellotto ภูมิประเทศของ Alekseev นั้นมีผู้คนอาศัยอยู่ไม่มากนัก แต่เมื่อมีลักษณะเหมือนประเภทของแนวเพลง ธีมแนวนอนก็ชนะ สำหรับ Canaletto ชีวิตในเมืองเกือบจะเป็นแก่นแท้ของภาพ ดังนั้นจึงค่อนข้างยากที่จะกำหนดประเภทตามหัวเรื่องของภาพ โดยทั่วไปแล้ว ประเภทมักจะเปลี่ยนแก่นแท้ของมัน เพื่อให้ได้ความหมายที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง ที่ Canaletto ภูมิทัศน์ไม่ใช่ทิวทัศน์ของพื้นที่ แต่เป็นการแสดงถึงชีวิตในเมือง ความคลาดเคลื่อนนี้มีความสำคัญมาก เนื่องจากเป็นการยากที่จะประเมินงานจากมุมมองของการจัดประเภท เช่นเดียวกับ Canaletto Alekseev เป็นตัวแทนของเมืองทั้งในด้านพื้นที่และความสมบูรณ์ของชีวิตของเขา ไม่ใช่แค่เพลิดเพลินกับลักษณะทางสถาปัตยกรรมเท่านั้น (มุมมองจากเกาะ Vasilievsky ไปยังเขื่อนอังกฤษค.ศ. 1810) ในทางตรงกันข้าม ทิวทัศน์ของมอสโกมุ่งเน้นไปที่สถานที่ท่องเที่ยวในสมัยโบราณ บน "ความพินาศ" ที่มีอยู่ในภูมิทัศน์ของลัทธิคลาสสิก เมืองของ Alekseev ครึกครื้น เป็นที่อยู่อาศัยของคนทำงาน โดยเฉพาะในรูป จัตุรัสแดงในมอสโก(1801) และภาพเขื่อนเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ในแง่นี้ ภาพวาดไม่เหมือนกับภูมิทัศน์ของ Semyon Shchedrin หรือ Benjamin Patersen
ทิวทัศน์ของมอสโกแตกต่างจากภูมิทัศน์เชิงพื้นที่ สว่างไสว และโปร่งสบายของเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กอย่างมาก ดูเหมือนว่าอคติบางอย่างจะวนเวียนอยู่เหนือทุกสิ่ง เป็นทัศนะที่จงใจยอมรับในสิ่งต่างๆ เมืองหลวงโบราณปรากฏในรัศมีของ "สมัยโบราณ" สเกลสีเขียวเหมือน patina ภาพวาดมีลักษณะที่ซับซ้อนซึ่งทำให้ธรรมชาติเสียโฉม ด้วยเหตุนี้ภาพจึงกลายเป็นการตกแต่งโดยวาดศิลปะกลับไปที่ Semyon Shchedrin ภูมิทัศน์ของ Alekseev เคลื่อนไหวราวกับกระตุก ตอนแรกเขาเดินไปตามเส้นทางแห่งความสมบูรณ์แบบที่เหมือนจริงแล้วกลับมาสู่การตกแต่งที่มีลักษณะผิวเผิน
อันที่จริงภูมิทัศน์ของรัสเซียเริ่มต้นขึ้นในฐานะภูมิทัศน์เมืองซึ่งมีการปรับเปลี่ยนรูปแบบคลาสสิกอย่างมีนัยสำคัญ เขาทำลายมันเพราะเขาขัดกับความคิดของศิลปะคลาสสิกที่น่าสมเพช น่าสมเพช พลเมือง จากจุดเริ่มต้นมากภูมิทัศน์เมืองได้รับการยืนยันเป็นประเภทต่ำเนื่องจากเขาถูกบังคับให้หันไปใช้ชีวิตในเมืองเป็นประเภท ในชีวิตประจำวันซึ่งผสมผสานกันอย่างชัดเจน ผลงานของ Alekseev โดดเด่นในศิลปะรัสเซียในศตวรรษที่ 18 มันอยู่ร่วมกับการตกแต่งของ Semyon Shchedrin และความคลาสสิคของ Fyodor Matveyev แต่วิ่งสวนทางกับพวกเขาราวกับว่าคาดการณ์แนวโน้มที่เป็นจริงของภูมิทัศน์ที่ตามมา
Fedor Matveevich Matveev (1758 - 1826) สานต่อความฝันแห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาของชีวิตที่กลมกลืนกัน ลัทธิคลาสสิกโดยรวมใช้ประโยชน์จากจินตนาการของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาโดยอิงตามตำนานพระกิตติคุณ เขาเสริมความคิดถึงเพื่อชีวิตที่กลมกลืนกับความเสียใจในสมัยโบราณที่สูญหาย การอุทธรณ์ของเขาต่อตำนานเป็นพยานถึงความอ่อนไหวต่อจินตภาพซึ่งมีอยู่จริงตามที่คาดคะเน ก่อนความเป็นจริงที่ชัดเจนและสวยงาม ภูมิทัศน์คลาสสิกของศตวรรษที่ 18 จำกัด ความคิดของชีวิตที่ยอดเยี่ยมต่อการเชิดชูของความเป็นจริงโบราณที่พบในความเป็นจริงและคล้ายคลึงกับการดำรงอยู่ของมนุษย์และธรรมชาติที่กลมกลืนกันครั้งหนึ่ง ภูมิทัศน์คลาสสิกของ Matveev มีความสง่างามเป็นส่วนใหญ่ ความชัดเจนของ Lorrain นั้นแปลกสำหรับเขา อ่านเหมือนเพลงสวดที่ร้องให้ดวงอาทิตย์และแสงสว่าง ภูมิทัศน์ของ Matveyev เป็นเสียงที่สง่างามเบา ๆ ในโน้ตเดียวซึ่งรวมความเป็นจริงและอดีตเข้าด้วยกัน ภูมิทัศน์เป็นเหมือนที่เคยเป็นมาซึ่งไม่อยู่ในรูปแบบ แต่ในความรู้สึกและอารมณ์ที่มีอยู่ในศิลปินยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาการแก้ไขโครงสร้างทางจิตวิญญาณของศิลปะเก่านำเสนอความปรารถนาที่เป็นจริง rim razvaliny กระดานสนทนา
Matveev ยังคงรักษาองค์ประกอบตกแต่งไว้ นี่แสดงให้เห็นว่าความคลาสสิคเกิดขึ้นจากการทาสีตกแต่งโดยคงไว้ซึ่งความเป็นพลาสติกเป็น atavism การตกแต่งให้ความรู้สึกมีสไตล์ของธรรมชาติ การปรับเปลี่ยนรูปแบบเกี่ยวข้องกับภาพของต้นไม้, มัน, บด, ราวกับว่าใบสะระแหน่จากพื้นกลาง, เช่นเดียวกับสีที่เห็นได้ชัดสีน้ำเงินหรือสีเขียวมากเกินไป.
ในงานของ Matveev ปรัชญาภูมิทัศน์ทั้งหมดเกิดขึ้น การตีความปัญหาโลกทัศน์ผ่านภูมิทัศน์ ภูมิทัศน์ดูเหมือนภาพซิมโฟนีที่ได้ยินอย่างชัดเจนโดยผู้เขียนเกี่ยวกับอวกาศของโลกเกี่ยวกับความอ่อนแอของการดำรงอยู่ของโลก ปรัชญาถูกกำหนดโดยโครงร่างโครงเรื่อง
ในแบบคลาสสิก พื้นฐานของภาพเป็นบทความที่ดัดแปลงตามอัตภาพในหัวข้อคุณภาพที่แท้จริงของธรรมชาติ ธรรมชาติ และสถานการณ์ชีวิต ความคลาสสิกของ Matveev ในช่วงต้นศตวรรษที่ 19 มีรูปแบบที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิงของศตวรรษที่ 18 ก่อนหน้านี้ ลัทธิคลาสสิคนิยมเพ้อฝันในธีมโบราณหรือในตำนาน (Nicolas Poussin, Claude Lorrain) ตอนนี้มันเป็นอย่างที่เคยเป็นมาซึ่งความเป็นจริงที่แท้จริงซึ่งในแง่มุมหนึ่งถูกเลือก: "ซาก" ของวัฒนธรรมโบราณซึ่งเปลี่ยนโดยศิลปิน ตามปรัชญาของเขาที่เสียใจกับอดีตซึ่งถูกรวบรวมไว้ในรูปแบบของความเป็นจริงที่ลวงตา
"ตระหง่าน" (ในคำศัพท์ของลัทธิคลาสสิก) ถูกดึงออกมาจากธรรมชาติโดยเลือกบรรทัดฐานที่เหมาะสมของภูเขาอันยิ่งใหญ่หรือช่องว่างและเสริมด้วยซากปรักหักพังของอนุเสาวรีย์โบราณ เมื่อ Pyotr Chekalevsky กล่าวว่าภาพวาด "เลือกปรากฏการณ์ธรรมชาติที่สมบูรณ์แบบที่สุด ผสมผสานส่วนต่างๆ ของสถานที่ต่างๆ และความงามของบุคคลจำนวนมากเข้าด้วยกัน" สิ่งนี้อ้างอิงถึง Matveyev เป็นหลัก การสื่อสารของเขากับความเป็นจริงกลายเป็นอุดมคติ - เป็นสัญลักษณ์ของภูมิทัศน์แบบคลาสสิก Fedorov-Davydov เขียนว่า: "ในความคลาสสิก ภูมิทัศน์จากธรรมชาติและภูมิทัศน์แห่งจินตนาการไม่ได้รวมกันมากนักในขณะที่พวกเขากำลังต่อสู้กันเอง" แนวโน้มตามธรรมชาติเป็นไปตามนิยาย Fedorov-Davydov อ้างคำพูดของ Matveyev โดยยืนยันเหตุผลนี้ "ศิลปินไม่ต้องการทิ้งสถานที่ทาสีที่สวยงามและสวยงามเหล่านั้นซึ่งดูเหมือนว่าศิลปินตั้งใจไว้"
ในงานของ Matveyev การดึงดูดความสนใจของวัฒนธรรมในอดีตนั้นแตกต่างอย่างสิ้นเชิงจากของ Claude Lorrain หรือ Hubert Robert ที่ซากปรักหักพังมีลักษณะเหมือนตัวละคร แต่สอดคล้องกับสถาปัตยกรรมยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ซากปรักหักพังของ Matveyev มีบุคลิกที่แท้จริง เช่น โคลอสเซียม หรือวิหาร Paestum (ภูมิทัศน์ที่กล้าหาญ) มุมมองที่แท้จริงรับรู้ผ่านปริซึมของแนวคิด "การเปลี่ยนแปลง" ของผู้เขียน บ่อยครั้งในรูปแบบของกรุงโรม โคลอสเซียม ความเป็นธรรมชาติของมุมมองเริ่มเหนือกว่า "ปรัชญา" และภูมิทัศน์ แม้จะมีความรุนแรงของสถาปัตยกรรมคลาสสิก แต่ก็ดูเหมือนภาพเต็มสเกลธรรมดา บางครั้งดูเหมือนว่างานศิลปะของ Matveyev เป็นตำราตัวอย่างและกฎของความคลาสสิค อันที่จริงงานของเขาวาดภาพบรรทัดฐานแบบคลาสสิก องค์ประกอบหลายอย่างมีความสม่ำเสมอที่มั่นคง ขนาบข้างด้วยต้นไม้ สมดุลด้วยแนวราบของภูเขาและแนวดิ่งทางสถาปัตยกรรม โคลอสเซียม มุมมองเดียวกันของกรุงโรม มีการก่อสร้างที่ถูกต้องเหมาะสม มันแสดงให้เห็นการแบ่งเขตอย่างเข้มงวดของแผน: ครั้งแรกเขียนในรายละเอียดในรายละเอียด; แปลนกลางที่มีแนวคิดหลักของภูมิทัศน์ถูกทาสีใน สีเขียวภาพที่ถ่ายจากระยะไกลจะ "ละลาย" กลายเป็นฟ้าหม่น ทำหน้าที่เป็นแบ็คกราวด์ของโครงเรื่อง อย่างไรก็ตามในงานอื่น ๆ อีกมากมาย Matveev ยังคงรักษาหลักการของการตกแต่งภูมิทัศน์ไว้ ใน Vide in Paestum แผนผังระดับคลาสสิกของศิลปินกลุ่มหนึ่งถูกทำลายโดยกลุ่มต้นไม้ที่เกือบจะอยู่ในศูนย์กลางการเรียบเรียง ในภูมิทัศน์วีรชน มวลของต้นไม้ทางด้านขวาของภาพวาดจะมีอำนาจเหนือน้ำหนักถ่วงที่อ่อนแอทางด้านซ้าย องค์ประกอบของภาพวาดตกแต่งซึ่งไม่จำกัดเพียงองค์ประกอบที่เลื่อนออกไป จะได้รับการเก็บรักษาไว้ด้วยวิธีการก่อสร้างตกแต่งในรูปแบบที่มีความเสถียรและซ้ำซากจำเจ ภาพวาดมีแนวโน้มที่จะมีการตกแต่ง โดยเฉพาะอย่างยิ่งที่เห็นได้ชัดเจนในการที่ใบไม้แต่ละใบของมงกุฎต้นไม้ใหญ่ถูกทำขึ้นใหม่ โดยสามารถอ่านได้อย่างชัดเจนเมื่อเทียบกับพื้นหลังของท้องฟ้าที่สว่าง ความคลาสสิกของศตวรรษที่สิบเก้ายังคงรักษาความละเอียดของเนื้อหาและสีน้ำตาลไว้ตั้งแต่ปลายศตวรรษที่สิบแปดซึ่งมีเฉดสีน้อยสองหรือสามเฉด สีของ Matveev จางลง น่าเบื่อ ไม่กระตุ้นอารมณ์ สิ่งสำคัญคือการจัดองค์ประกอบและการวาดภาพ บางครั้งก็ชัดเจน บางครั้งก็มีรูปทรงโมโนแกรม ซับซ้อนและซับซ้อน ลายฉลุที่ทำออกมาแล้วนำไปสู่ผลลัพธ์เดียว: องค์ประกอบและการเปลี่ยนแปลงตามความเป็นจริง ธรรมชาติในแนวนอน วิวในบริเวณใกล้เคียงของเบิร์น (2360) หลังจากถูกแปลงร่างสูญเสียรูปแบบที่แท้จริงและถูกแปลเป็นภาพพาโนรามาตระหง่านในอุดมคติราวกับว่าไม่ใช่พื้นที่เฉพาะ แต่เป็นแนวคิดทางศิลปะของ "โลกทั้งใบ" กำลังดำเนินการอยู่ Matveev มีภูมิทัศน์ในอุดมคติในแบบของเขาเอง เขาไม่ได้กล้าหาญและสง่างามเสมอไป อุดมคติไม่เพียงแต่เกี่ยวข้องกับภาพลักษณ์ของดินแดนที่สวยงามเท่านั้น แต่ยังรวมถึงรายละเอียดที่ประกอบเป็นภาพรวมด้วย ตัวอย่างเช่น ต้นไม้เป็นแบบธรรมดา ผสมผสานแนวคิดของต้นไม้ที่หรูหรา แต่ไม่ได้สื่อถึงลักษณะที่แท้จริงของต้นไม้
ภูมิทัศน์ที่มีตัวเลขในชุดโบราณมีความโดดเด่นด้วยรายละเอียดที่พิถีพิถันของภาพและการตกแต่งลวดลายเป็นเส้น ส่วนหน้าและมงกุฎของต้นไม้ทางด้านขวานั้นถูกวาดด้วยความแม่นยำของเครื่องประดับ อย่างไรก็ตาม ความละเอียดรอบคอบในการเขียนขัดแย้งกับภาพรวมของภาพหรือไม่ ในระดับหนึ่งอย่างแน่นอน แต่เฉพาะในระดับของการวางนัยทั่วไปที่เหมือนจริงเท่านั้น ในแบบคลาสสิกมีลักษณะทั่วไปที่แตกต่างกัน ภาพคลาสสิกเป็นประเภทเดียวกัน เขาไม่ตอบสนองต่อความเฉพาะเจาะจงของรายละเอียดและทั้งหมด มันสร้างภาพในอุดมคติที่ควรกำหนดคุณภาพบางอย่าง ในศูนย์รวมนี้ ต้นไม้ได้รวบรวมแนวคิดเกี่ยวกับพืชพรรณอันหรูหรา นี่ไม่ใช่สัญลักษณ์ แต่เป็น "รายละเอียดทั่วไป" ในระบบการวัดทางศิลปะแบบคลาสสิก ด้วยความแตกต่างเล็กน้อย สิ่งนี้นำไปใช้กับองค์ประกอบอื่น ๆ (ซากปรักหักพัง ภูเขา ที่ราบ พืช หุบเขา) ที่เข้าใจธรรมชาติทั้งหมด ศิลปินในฐานะสถาปนิกทำงานด้วย "รายละเอียดทั่วไป" สร้างเมทริกซ์ภาพที่สร้างขึ้นมาอย่างดี สร้างภาพลักษณ์ของโลกที่ปรับอารมณ์ได้ดี
โลกในผลงานของ Matveev นั้นนิ่งเฉย ภูเขามีความเคร่งขรึมและคงที่ท้องฟ้าสงบและตรัสรู้แม่น้ำเรียบและสงบ ภาพของโลกในความใจเย็นที่มีเหตุผลของมัน ตรงกันข้ามกับองค์ประกอบอื่นของมัน นั่นคือทะเลที่สงบนิ่ง และหากภูเขากลายเป็นสัญลักษณ์ของความเงียบสงบแบบคลาสสิก ทะเลและน้ำตกก็เป็นสัญลักษณ์ของแรงกระตุ้นที่โรแมนติก
จิตรกรภูมิทัศน์ในต้นศตวรรษที่ 19 (ส่วนใหญ่สำเร็จการศึกษาจาก Academy of Arts) ไม่ถึงความสูงทางศิลปะ อย่างไรก็ตาม ผลงานบางชิ้นของพวกเขาแสดงให้เห็นถึงแนวโน้มที่สำคัญโดยไม่คาดคิด ดังนั้นภูมิทัศน์ของสีประจำชาติจึงปรากฏในภาพวาดโดย Andrei Efimovich Martynov (1768 - 1826) มุมมองของแม่น้ำ Selenga ในไซบีเรีย (1817) หรือ Timofei Alekseevich Vasiliev (1783 - 1838) มุมมองของท่าเรือ Nikolaev ที่แหล่งกำเนิดของ Angara แม่น้ำจากทะเลสาบไบคาล (ค.ศ. 1824) ซึ่งคงไว้ซึ่งความสำคัญแบบคลาสสิกและขนาดของสายพันธุ์ แต่สิ่งเหล่านี้ไม่ใช่ภูมิประเทศที่กล้าหาญอีกต่อไป แม้ว่าพวกมันจะได้รับคำแนะนำจากเอฟเฟกต์ของสายพันธุ์ก็ตาม ประสิทธิผลเป็นสิ่งที่น่าสมเพชที่ศิลปะรัสเซียจะคงอยู่ไปอีกนาน ในภูมิประเทศเหล่านี้ ธรรมชาติไม่มากนักที่ถูกพิจารณาว่ามีชีวิตบนโลก เป็นสิ่งสำคัญที่แม้จะมีเทคนิคคลาสสิกแบบดั้งเดิม แต่ชีวิตประจำวันก็ถูกพรรณนาโดยทำลายแรงจูงใจคลาสสิกที่ประเสริฐด้วยสาระสำคัญ ในกรณีเหล่านั้นเมื่อธรรมชาติยังคงรักษารูปลักษณ์ที่สง่างาม เปลือกชีวิตในแต่ละวันของมนุษย์เริ่มขัดแย้งกับความโอ่อ่าตระการตาแบบคลาสสิก
แนวโน้มการตกแต่งและศิลปะคลาสสิกมีความสัมพันธ์พิเศษกับเรื่อง วัตถุไม่ดึงดูดความสนใจของศิลปินด้วยคุณค่าที่เป็นอิสระซึ่งอาจทำให้เกิดความปรารถนาที่จะรู้และค้นพบคุณสมบัติด้านสุนทรียะในตัวมัน เรื่องนี้เกี่ยวข้องกับการไตร่ตรองเชิงปรัชญาและไม่มีความหมายอิสระ มันเป็นหนึ่งในองค์ประกอบอื่นๆ ของภาพในฐานะองค์ประกอบรองที่จำเป็นในการระบุสถานการณ์ที่สร้างโดยผู้เขียนและภาพของมุมมองแบบพาโนรามาที่แสดงออกถึงปรัชญาของผู้เขียน ดังนั้น อาสาสมัครจึงไม่ได้รับการศึกษา ไม่ถูกสอบสวน แต่ที่จริงแล้ว มีบทบาทเป็นพนักงาน ซึ่งต้องสร้างภาพ "ทั่วไป" ของโลกควบคู่ไปกับองค์ประกอบอื่นๆ ลัทธิคลาสสิคนิยมได้พัฒนามาตรฐานสำหรับการวาดภาพหมู่บ้าน ภูเขา พื้นที่ แผนผัง โดยทั่วไปจะมีการวาดภาพต้นไม้โดยไม่มีข้อยกเว้น เว้นแต่จะจำพินเนียได้ ดังนั้นแนวคิดของมงกุฎที่หรูหราจึงเป็นตัวเป็นตนซึ่งเป็นแนวคิดของภูเขาซึ่งกลายเป็นของประดับตกแต่งแบนราบ กล่าวอีกนัยหนึ่ง แนวทางธรรมชาติต่อธรรมชาติยังไม่ได้รับการพัฒนา ซึ่งทำให้ความหมายเฉพาะของสิ่งต่าง ๆ ลดลง ภาพคลาสสิกอยู่ไกลจากการตระหนักถึงชีวิตของธรรมชาติ แต่มันแสดงถึงการเคลื่อนไหวของความคิดของผู้เขียน ความคิดของผู้เขียนเกี่ยวกับภูมิทัศน์ ซึ่งธรรมชาติได้รับมอบหมายบทบาทสามองศา ธรรมชาติไม่เกี่ยวข้องกับเวลา สถานการณ์เฉพาะไม่ปรากฏในนั้น การขาดความจำเพาะนำไปสู่การประชุม ในความสัมพันธ์ระหว่างธรรมชาติกับจิตสำนึกทางศิลปะ ความเที่ยงธรรมของการพรรณนาถึงธรรมชาตินั้นฟุ้งซ่านโดยความคิดลวงของผู้เขียน ในการแสดงภาพโลกแห่งวัตถุประสงค์โดย Semyon Shchedrin และ Fyodor Matveev และก่อนหน้านี้โดย Fyodor Alekseev มีการเปลี่ยนแปลงที่ชัดเจน ในงานศิลปะของพวกเขา บทบาทที่เพิ่มขึ้นของความเป็นกลางอยู่ภายใต้การสังเกตและการศึกษา แต่สิ่งนี้เกิดขึ้นอย่างสมบูรณ์ในภูมิทัศน์ของ Sylvester Feodosievich Shchedrin (1791 - 1830)
Sylvester Shchedrin เกิดมาในครอบครัวของประติมากร Theodosius Shchedrin จิตรกรภูมิทัศน์ Semyon Shchedrin เป็นลุงของเขา เกือบทั้งชีวิตของเขาถูกใช้ไปในอิตาลีซึ่งเขาถูกส่งไปเป็นผู้รับบำนาญและเสียชีวิตเมื่ออายุยังน้อย งานส่วนใหญ่ของเขาอุทิศให้กับอิตาลีงานแรกของเขามีตราประทับของอิทธิพลที่เหลือของการตกแต่ง: มุมมองจากเกาะ Petrovsky ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก (1811) มุมมองจากเกาะ Petrovsky ไปยังสะพาน Tuchkov และเกาะ Vasilievsky ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก (1815) มุมมองไปยังเกาะ Petrovsky ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก (1817) ต่างจากภูมิทัศน์ของ Alekseev ที่ Shchedrin ไม่มีอากาศ ดูเหมือนว่ามันถูกสูบออกจากภาพด้วยสีที่ไม่จางหาย แต่ได้รับความแข็งแกร่งอย่างแท้จริง พวกเขานำความรู้สึกที่เป็นกลางของสีของวัตถุซึ่งเปล่งประกายอยู่ในรูปแบบคลาสสิกที่สร้างขึ้นบนความแตกต่างของพื้นหน้าแรเงาหนาแน่นและพื้นหลังที่สว่างขึ้น คำอธิบายของมงกุฎต้นไม้ของการออกแบบทั่วไปคล้ายกับโครงร่างการตกแต่งของต้นไม้ของ Semyon Shchedrin ตัวเลขในแนวนอนมีลักษณะเป็นพนักงาน พวกเขาไม่ได้อาศัยอยู่ในนั้นพวกเขาไม่ได้ทำ - พวกเขาเป็นตัวแทนของชีวิตทำให้ภูมิทัศน์มีชีวิตชีวา
ภูมิทัศน์ในรัสเซียเพิ่งเริ่มต้นขึ้น ตราประทับของการประชุมวิชาการวางอยู่บนนั้น แต่เขามีโอกาสได้รับอิสรภาพ เพราะเขาไม่ต้องทนทุกข์ทรมานจากโครงเรื่องและการเชื่อมโยงเฉพาะเรื่องที่ครองราชย์ในประเภทอื่น ในช่วงสองทศวรรษแรกของศตวรรษที่ 19 ศิลปินในต่างประเทศได้อิสรภาพนี้มาโดยเฉพาะอย่างยิ่งในอิตาลีซึ่งนักเรียนของ Academy ไปฝึกงาน (เกษียณอายุ) ภูมิประเทศแห่งแรกของ Shchedrin มีคุณสมบัติ 2 ประการ เต็มไปด้วยขนาดและความช้า พวกมันคงที่ราวกับว่าหยุดชั่วขณะหนึ่งจากห่วงโซ่ของเวลา ในทางกลับกัน การเติมภาพของเมืองด้วยพนักงานทำให้ภูมิทัศน์มีเฉดสีที่ลดความรู้สึกของความยิ่งใหญ่ของแรงจูงใจ การแนะนำส่วนประกอบในครัวเรือนที่เป็นเศษส่วน: สะพานทอผ้า, รถลากม้า, อาคารสุ่ม, ชาวประมง - ทำให้ภูมิทัศน์ใกล้จะถึงประเภทในชีวิตประจำวันที่เกิดขึ้นภายในภูมิทัศน์
ทิวทัศน์ของยุค 1810 นั้นไม่เป็นธรรมชาติอย่างชัดเจน หลังจากวาดช่องว่างแล้วภาพก็ถูกนำเข้าสู่ความทรงจำ เนื่องจากภูมิทัศน์ในประเภทการลงทะเบียนไม่ได้อยู่ในแนวหน้าจึงเชื่อว่าไม่สามารถรวบรวมความคิดทางศีลธรรมและศาสนาได้ ประเภทแนวนอน "ต่ำ" ดึงดูดการสังเกตตามธรรมชาติเพราะมันเป็นสิ่งที่น่าสมเพชของภาพลักษณ์ของ พื้นที่. ทันทีที่ภูมิทัศน์ได้รับอิสรภาพ เขาก็รีบเร่งที่จะปลดปล่อยตนเองจากอคติตามบัญญัติบัญญัติและพูดในภาษาธรรมชาติของธรรมชาติ โดยเลือกที่จะ "สงบนิ่ง" แรงดึงดูดตามธรรมชาติของประเภทต่อความถูกต้องไม่ได้หมายความว่าความสมจริงกลายเป็นเป้าหมายสูงสุด ภูมิทัศน์ประกอบด้วยความสามารถเท่าเทียมกันซึ่งจัดภาพตามแนวคิดที่กำหนด ตามกฎแล้วความคิดนั้นสร้างตำนานเกี่ยวกับประเทศที่สวยงามหากไม่ใช่ความคิดอันศักดิ์สิทธิ์ที่แสดงและรวบรวมการปรากฏตัวของวิญญาณศักดิ์สิทธิ์หรือพลังจักรวาลในธรรมชาติของโลก การกระตุ้นให้เกิดความสมจริงของ Shchedrin เมื่อเขามาถึงอิตาลีไม่ได้ถือเป็นจุดสุดยอดของงานของเขาเลย แม้ว่าจะให้ตัวอย่างที่ยอดเยี่ยมแก่โลกที่ขยายขอบเขตของงานศิลปะภาพและพลาสติก ศิลปินไล่ตามความงาม - เป้าหมายเดียวและสูงสุดของศิลปะ
ในอิตาลี Shchedrin ทำงานร่วมกับ Matveyev ซึ่งมีอิทธิพลต่อเขา เป็นที่เห็นได้ชัดเจนในภาพวาดโคลอสเซียมในกรุงโรม (2365) ซึ่งเปรียบได้กับโคลอสเซียมแห่งมัตเวเยฟเช่นเดียวกับในผ้าใบ มุมมองของเนเปิลส์ จากถนนสู่โพซิลิปโป (1829) ในงานนี้ในขณะที่ยังคงรักษารูปแบบคลาสสิกไว้ Shchedrin พยายามเอาชนะมัน เขาสังเกตโลกของวัตถุอย่างรอบคอบ ซึ่งทำให้เขาเสียสมาธิจากองค์ประกอบของภาพทิวทัศน์ แต่ศิลปินยังไม่ประสบความสำเร็จในการสร้างความสามัคคีของความสัมพันธ์ทางสี
การค้นพบที่สำคัญอีกประการหนึ่งที่เปลี่ยน "ปรัชญา" ของภูมิประเทศคือแสงที่ส่องผ่านต้นไม้และส่องให้เห็นทะเลหรือซากปรักหักพัง (Old Rome, 1824) แสงเปลี่ยนความเข้าใจในธรรมชาติทันที อันที่จริง "หน้าต่างสู่โลก" ถูกเปิดขึ้นโดยใช้แสงสว่างจากพื้นที่การมองเห็น ในเรื่องนี้ Shchedrin ละเลยที่จะเข้าใจโลกในฐานะจักรวาล เขาถูกแทนที่ด้วยความสนใจในชีวิตที่เฉพาะเจาะจง ชีวิตนี้ถูกมองว่าเป็นความสุขของบุคคลอย่างกลมกลืน การคาดเดาจินตนาการทิ้งภาพไว้แทนที่ด้วยภูมิทัศน์ที่แท้จริงที่มองเห็นได้ชัดเจนตีความว่าเป็นผู้ชายที่มีความสุข คนในภาพวาดของศิลปินทำงาน ตกปลา พักผ่อน ไตร่ตรองทะเล ซึ่งขยายภูมิทัศน์ไปสู่ประเภทของชีวิตประจำวัน โลกที่สังเกตได้ของชีวิตที่เงียบสงบได้รับการศึกษาอย่างรอบคอบหรือไตร่ตรองซึ่งให้ความสงบและไม่เปลี่ยนแปลง ผลงานของ Shchedrin นั้นแตกต่างจากความคลาสสิค เขาเขียนไม่ใช่สวนสาธารณะในวัง ไม่ใช่มุมมองของมหานคร แต่เป็นประเทศของผู้คน คนงานที่น่าเบื่อหน่าย วัฏจักรแห่งความรู้ได้ขยายออกไป ไม่เพียงแต่ค้นพบแผนการใหม่ๆ แต่ยังเพิ่มพูนด้วยมุมมองโลกที่ต่างออกไป ปัจจัยที่สำคัญที่สุดในภูมิทัศน์ของเชดรินคือการเข้าสู่ธรรมชาติของศิลปินโดยธรรมชาติ ซึ่งเขาวาดภาพให้กลมกลืนกับลมหายใจของเธออย่างเต็มที่ ธรรมชาติถูกรับรู้เกี่ยวกับสามัญชน เธออาศัยอยู่โดยพวกเขาและในที่อยู่อาศัยนี้เห็นคุณสมบัติใหม่ของแปลงภูมิทัศน์และแรงจูงใจ อดีตความยิ่งใหญ่ของโลกกำลังถูกแทนที่ด้วยมนุษยชาติ ศิลปินมองโลกในรูปแบบวัตถุ เสมือนเป็นความหรูหราที่นำเสนอโดยผู้สร้าง ความรู้สึกของความงามของทะเล ความรู้สึกทางกายภาพของต้นไม้ อากาศ พื้นที่ที่ตรัสรู้ ความสว่างและความโปร่งใสของท้องฟ้าก่อให้เกิดโลกแห่งความสามัคคี ด้วยเหตุนี้ การศึกษาธรรมชาติจึงกลายเป็นปัจจัยหลักประการหนึ่งในทัศนคติที่เปลี่ยนแปลงไปที่มีต่อภูมิทัศน์ สภาพแวดล้อมทางธรรมชาติสูญเสียความธรรมดาของภาพไป ดังนั้นรูปภาพจึงไม่ถูกสร้างตามกฎของปรากฏการณ์อันวิจิตรตระการตาอีกต่อไป แต่ตามแนวคิดทางศิลปะรูปแบบใหม่ หมายถึง มุมมองส่วนตัว เศษเสี้ยวของธรรมชาติหรือเมืองชายทะเล: เขื่อนในเนเปิลส์ (1825), ทิวทัศน์ของอามาลฟี ใกล้ Naples, Little Harbor ในซอร์เรนโต, บนเกาะ Capri ( ทั้งหมด - 1826)
แสงในภาพวาดของ Shchedrin กระจายไปทั่วภูเขา บ้านริมชายฝั่ง และต้นไม้อย่างแผ่วเบา จากนี้ไปก็มีหลายเฉดสีของท้องทะเล ท้องฟ้า ภูเขากำมะหยี่ แรเงาด้วยสีน้ำเงิน ในธรรมชาติที่ได้รับพร เราสามารถสัมผัสได้ถึงมรดกของสมัยโบราณ ซึ่งถูกมองว่าเป็นสวรรค์สำหรับมนุษย์ที่สงบ ในภูมิประเทศอิตาลีของ Shchedrin หลักการของ "องค์ประกอบ" ถูกแทนที่โดยสมบูรณ์ด้วยการทำซ้ำของธรรมชาติในคุณภาพที่สวยงาม
Fedorov-Davydov ตั้งข้อสังเกตถึงความเชี่ยวชาญของ Shchedrin เกี่ยวกับอากาศ plein การพิชิตภูมิทัศน์ของยุค 1820 อย่างแท้จริงทำให้ Shchedrin เป็นหนึ่งในจิตรกรภูมิทัศน์ที่โดดเด่นของยุโรป อากาศบริสุทธ์ของเขายังคงไม่สมบูรณ์ เมื่อเปรียบเทียบกับภาพวาดอันเขียวชอุ่มของอเล็กซานเดอร์ อิวานอฟ ลมปราณของชเคดรินจะขี้อาย ราวกับปรับให้เรียบทางวิชาการ มันเป็นเหมือนการสะท้อนสีบนสีเก็งกำไรมากกว่าวัตถุที่มองผ่านตัวกลางที่ให้แสงสี อย่างไรก็ตาม สิ่งสำคัญคือต้องเอาชนะทั้งสีโมโนโครมและขอบเขตเฉพาะของสีเปิด นำเสนอด้วยการแสดงออกที่งดงาม ธรรมชาติได้แสดงให้เห็นว่าความงามในชีวิตเพียงพอกับความสวยงามในงานศิลปะ Sylvester Shchedrin ผสมผสานหลักการแบบพาโนรามาของอวกาศที่หลงเหลือจากความคลาสสิกเข้ากับหลักการใหม่ - "หน้าต่างสู่โลก" ซึ่งมองเห็นได้ชัดเจนเป็นพิเศษในภูมิประเทศ "อุโมงค์" และในมุมมองจากภาพถ่ายซึ่งความลึกถูกสร้างขึ้นด้วยสี แรเงาในเบื้องหน้าและอากาศ ... นี่คือความก้าวหน้าของการวาดภาพเครื่องบินสู่พื้นที่เปิด: Grotto in Sorrento มองเห็น Vesuvius (1826), Grotto of Matrimonio บนเกาะ Capri (1827), Veranda ที่โอบล้อมด้วยองุ่น (1828), ระเบียงบนชายทะเล (1828) ทะเลสาบอัลบาโนในบริเวณใกล้เคียงของกรุงโรม (พ.ศ. 2368) ทิวทัศน์จากถ้ำไปยังวิสุเวียสและปราสาทคาสเตลโลเดลโอโวในคืนเดือนหงาย (ค.ศ. 1820)
การไตร่ตรองอย่างสงบสุขของโลกพังทลายลงในภูมิทัศน์ "กลางคืน" ของ Shchedrin องค์ประกอบของละครปรากฏขึ้น แต่นี่ไม่ใช่ละครในชีวิตจริง แต่เป็นความเข้มข้นของสถานะของผู้เขียนที่ฉายสู่ธรรมชาติ จากที่นี่อีกครั้ง องค์ประกอบของการส่งผ่านแบบดั้งเดิมของท้องฟ้ายามค่ำคืน เมฆที่ลอยอยู่ในสายลม ฯลฯ ได้ปรากฏขึ้น แต่การประชุมครั้งนี้ถูกแต่งแต้มสีสันด้วยคุณสมบัติของความโรแมนติกที่น่าสมเพชของเนเปิลส์ในคืนเดือนหงาย พ.ศ. 2372 Moonlit Night สองเวอร์ชันในเนเปิลส์ ค.ศ. 1828)
ภาพวาดรัสเซียตระหง่านและหลากหลายทำให้ผู้ชมพอใจด้วยความไม่แน่นอนและความสมบูรณ์แบบของรูปแบบศิลปะ นี่คือลักษณะเฉพาะของผลงานของปรมาจารย์ด้านศิลปะที่มีชื่อเสียง พวกเขามักจะทึ่งกับวิธีการทำงานที่ไม่ธรรมดา ทัศนคติที่เคารพต่อความรู้สึกและความรู้สึกของแต่ละคน บางทีนั่นอาจเป็นเหตุผลว่าทำไมศิลปินชาวรัสเซียจึงมักวาดภาพองค์ประกอบภาพเหมือนซึ่งภาพทางอารมณ์และแรงจูงใจอันสงบสุขผสมผสานกันอย่างเต็มตา ไม่น่าแปลกใจที่ Maxim Gorky เคยกล่าวไว้ว่าศิลปินคือหัวใจของประเทศของเขา ซึ่งเป็นเสียงของทั้งยุค อันที่จริงภาพวาดที่สง่างามและสง่างามของศิลปินรัสเซียนั้นถ่ายทอดแรงบันดาลใจในช่วงเวลาของพวกเขาได้อย่างเต็มตา เช่นเดียวกับแรงบันดาลใจของนักเขียนชื่อดัง Anton Chekhov หลายคนพยายามที่จะนำรสชาติที่เป็นเอกลักษณ์ของผู้คนมาสู่ภาพวาดของรัสเซียรวมถึงความฝันแห่งความงามที่ไม่มีวันดับ เป็นการยากที่จะดูถูกดูแคลนผืนผ้าใบที่ไม่ธรรมดาของปรมาจารย์ด้านศิลปะอันตระหง่านเหล่านี้ เพราะผลงานที่ไม่ธรรมดาอย่างแท้จริงของประเภทต่าง ๆ ถือกำเนิดขึ้นภายใต้พู่กันของพวกเขา จิตรกรรมเชิงวิชาการ ภาพเหมือน จิตรกรรมประวัติศาสตร์ ทิวทัศน์ ผลงานแนวจินตนิยม อาร์ตนูโว หรือสัญลักษณ์ ล้วนแต่นำความสุขและแรงบันดาลใจมาสู่ผู้ชม ทุกคนพบสิ่งที่มากกว่าสีสัน เส้นสายที่สง่างาม และศิลปะโลกที่เลียนแบบไม่ได้ บางทีรูปแบบและภาพมากมายที่สร้างความประหลาดใจให้กับภาพวาดของรัสเซียนั้นเกี่ยวข้องกับศักยภาพมหาศาลของโลกโดยรอบของศิลปิน แม้แต่เลแวนก็กล่าวว่าในทุกบันทึกของธรรมชาติอันเขียวชอุ่มมีจานสีที่ตระหง่านและไม่ธรรมดา ด้วยจุดเริ่มต้นดังกล่าว ทำให้แปรงของศิลปินมีความกว้างใหญ่ไพศาล ดังนั้นภาพวาดของรัสเซียทั้งหมดจึงมีความโดดเด่นด้วยความรุนแรงอันวิจิตรงดงามและความงามที่น่าดึงดูดซึ่งเป็นเรื่องยากที่จะแยกออกจากกันภาพวาดของรัสเซียแตกต่างจากโลกแห่งศิลปะอย่างถูกต้อง ความจริงก็คือจนถึงศตวรรษที่สิบเจ็ด ภาพวาดของรัสเซียมีความเกี่ยวข้องกับหัวข้อทางศาสนาเท่านั้น สถานการณ์เปลี่ยนไปตามอำนาจของนักปฏิรูปซาร์ - ปีเตอร์มหาราช ต้องขอบคุณการปฏิรูปของเขา อาจารย์ชาวรัสเซียเริ่มมีส่วนร่วมในการวาดภาพทางโลก มีการแยกภาพไอคอนเป็นทิศทางที่แยกจากกัน ศตวรรษที่สิบเจ็ดเป็นช่วงเวลาของศิลปินเช่น Simon Ushakov และ Joseph Vladimirov จากนั้นในโลกศิลปะของรัสเซีย ภาพเหมือนก็ถือกำเนิดขึ้นและได้รับความนิยมอย่างรวดเร็ว ในศตวรรษที่สิบแปด ศิลปินกลุ่มแรกที่เปลี่ยนจากการวาดภาพเหมือนเป็นการวาดภาพทิวทัศน์ ความเห็นอกเห็นใจที่เด่นชัดของผู้เชี่ยวชาญสำหรับภาพพาโนรามาในฤดูหนาวนั้นชัดเจน ศตวรรษที่สิบแปดยังเป็นที่ระลึกถึงการเกิดของ ทาสีบ้าน... ในศตวรรษที่สิบเก้า กระแสความนิยมมากถึงสามเทรนด์ในรัสเซีย ได้แก่ แนวโรแมนติก สัจนิยม และความคลาสสิค ก่อนหน้านี้ศิลปินรัสเซียยังคงหันมาใช้แนวภาพเหมือน ตอนนั้นเองที่ภาพเหมือนและภาพเหมือนตนเองของ O. Kiprensky และ V. Tropinin ที่โด่งดังไปทั่วโลกก็ปรากฏตัวขึ้น ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่สิบเก้า ศิลปินมักจะพรรณนาถึงคนรัสเซียธรรมดาๆ ในสภาพที่ถูกกดขี่มากขึ้นเรื่อยๆ ความสมจริงกลายเป็นกระแสหลักในการวาดภาพในยุคนี้ ตอนนั้นเองที่ Wanderers ปรากฏตัวขึ้นโดยพรรณนาถึงชีวิตจริงและชีวิตจริงเท่านั้น แน่นอนว่าศตวรรษที่ยี่สิบเป็นแนวหน้า ศิลปินในสมัยนั้นมีอิทธิพลอย่างมากทั้งผู้ติดตามในรัสเซียและทั่วโลก ภาพวาดของพวกเขากลายเป็นบรรพบุรุษของศิลปะนามธรรม ภาพวาดรัสเซียเป็นโลกมหัศจรรย์ที่ยิ่งใหญ่ของศิลปินที่มีพรสวรรค์ซึ่งยกย่องรัสเซียด้วยการสร้างสรรค์ของพวกเขา
รุ่งโรจน์ศตวรรษที่ 18! กับเขาในหนังสือประวัติศาสตร์รัสเซียที่น่าสนใจและน่าทึ่งไม่ใช่แค่บทใหม่เริ่มต้นขึ้น แต่บางทีอาจเป็นทั้งเล่ม แต่เล่มนี้ควรเริ่มต้นด้วยทศวรรษสุดท้ายของศตวรรษก่อนหน้า - ศตวรรษที่ 17 เมื่อประเทศของเราลังเลอย่างเจ็บปวดที่ทางแยกเริ่มทำการเลี้ยวที่ทรงพลังและไม่เคยปรากฏมาก่อน - จากยุคกลางสู่ยุคใหม่ หันหน้าไปทางยุโรป
รัสเซียในเวลานั้นมักจะถูกเปรียบเทียบกับเรือ เรือลำนี้แล่นไปข้างหน้าอย่างไม่สามารถควบคุมได้ กางใบเรือที่งดงาม ไม่กลัวพายุใดๆ และไม่หยุดที่ตะโกน: "ผู้ชายลงน้ำ!" เขาถูกนำโดยมืออันมั่นคงของกัปตันผู้เฉียบแหลม กล้าหาญ และโหดเหี้ยม - ซาร์ปีเตอร์ ผู้ซึ่งสร้างรัสเซียให้เป็นอาณาจักร และตัวเขาเอง - จักรพรรดิองค์แรก การปฏิรูปของเขานั้นยากและโหดร้าย เขากำหนดเจตจำนงของเขาในประเทศ ทำลายประเพณีโดยไม่ลังเล เสียสละชีวิตหลายพันชีวิตเพื่อผลประโยชน์ของรัฐ
มันจำเป็นหรือไม่? มีวิธีอื่นหรือไม่? คำถามที่ยากมากนักประวัติศาสตร์ยังไม่ได้ตอบ อย่างไรก็ตาม ตอนนี้มีอย่างอื่นที่สำคัญสำหรับเรา ข้อเท็จจริงที่ว่าในเวลาเพียงไม่กี่ทศวรรษ นับตั้งแต่เริ่มการปฏิรูปของปีเตอร์จนถึงสมัยของแคทเธอรีนมหาราช รัสเซีย ซึ่งในสายตาของยุโรปตะวันตกเป็นดินแดนที่ต่างด้าว อันตราย และแปลกใหม่ที่อาศัยโดยคนป่าเถื่อนที่คาดเดาไม่ได้ ได้กลายเป็นที่ที่ไม่ใช่แค่ อำนาจของยุโรป มหาอำนาจยุโรปคนแรก! การเปลี่ยนแปลงอย่างรวดเร็วไม่ได้เกิดขึ้นเฉพาะในทางการเมืองเท่านั้น แต่ยังส่งผลต่อรากฐานชีวิตของผู้คน ทัศนคติที่มีต่อโลกและต่อกันและกัน ชีวิตประจำวัน เสื้อผ้า และสิ่งเล็กๆ น้อยๆ ในชีวิตประจำวันมากมายที่ประกอบกันเป็นชีวิต และแน่นอนศิลปะ ในช่วงหลายทศวรรษที่ผ่านมา ศิลปะรัสเซียได้ล่องลอยไปตามเส้นทางที่ศิลปะยุโรปตะวันตกได้ไหลผ่านมานานหลายศตวรรษ
ศิลปินที่ไม่รู้จัก. ภาพเหมือนของ "ผู้เฒ่า" Milak - โบยาร์ Matvey Filimonovich Naryshkin ทศวรรษ 1690 สีน้ำมันบนผ้าใบ พิพิธภัณฑ์ State Russian ขนาด 86.5 x 75 ซม.
ความน่าสมเพชของความรู้เชิงรุกที่จับรัสเซียในยุค Petrine ส่วนหนึ่งทำให้คล้ายกับ ยุโรปตะวันตกยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา. จากนั้นในอิตาลี (และในประเทศอื่น ๆ ) การทำให้เป็นฆราวาสของวัฒนธรรมการพัฒนาวิทยาศาสตร์เชิงปฏิบัติแทนปรัชญาการเก็งกำไรในยุคกลางและความสนใจในบุคลิกภาพที่มีคุณค่าในตนเอง การพัฒนาอย่างรวดเร็วของศิลปะฆราวาสซึ่งเพิ่มขึ้นเป็นประวัติการณ์
ศิลปะนี้มีลักษณะเฉพาะด้วยการแสดงธรรมชาติที่แม่นยำ โดยอิงจากการศึกษากฎแห่งทัศนมิติและกายวิภาคของมนุษย์ และที่สำคัญที่สุดคือการจ้องมองบุคคลอย่างใกล้ชิดและไม่เฉยเมย ปรมาจารย์แห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาแสดงให้เราเห็นถึงความเป็นมนุษย์ ประการแรก มงกุฎแห่งการทรงสร้างเป็นปาฏิหาริย์ ซึ่งควรได้รับการชื่นชม เมื่อถึงศตวรรษที่ 17 ความกระตือรือร้นนี้ได้เปิดทางไปสู่จิตวิทยาที่ลึกซึ้งและมีสติสัมปชัญญะ การตระหนักรู้ถึงความขัดแย้งที่น่าเศร้าของการเป็นอยู่และธรรมชาติของมนุษย์เอง (เช่น ในผลงานของ Velazquez และ Rembrandt)
ศิลปะรัสเซียในศตวรรษที่ 17 ยังคงอยู่ในความเมตตาของประเพณีและศีล จิตรกรรมฆราวาสของเวลานั้น - นี่คือภาพบุคคล Parsun (จากคำภาษาละติน "persona") ซึ่งชวนให้นึกถึงใบหน้าที่วาดภาพไอคอน พวกเขาแบน, คงที่, ปราศจาก chiaroscuro, ถ่ายทอดลักษณะที่ปรากฏของภาพอย่างไม่ถูกต้อง (รู้จักผู้เขียนตามกฎโดยคำบอกเล่า) แน่นอนว่าทั้งหมดนี้ไม่ได้เกิดจากการขาดความสามารถ ก่อนที่เราจะเป็นระบบศิลปะที่แตกต่างกันซึ่งออกแบบมาสำหรับศิลปะทางจิตวิญญาณ เมื่อเธอทำให้ผลงานชิ้นเอกของ Theophanes the Greek และ Andrei Rublev มีชีวิตขึ้นมา แต่ยุคสมัยเปลี่ยนไปและเทคนิคการถ่ายภาพที่ปราศจากดินประวัติศาสตร์กลับกลายเป็นความเก่าแก่
การเปลี่ยนแปลงอย่างรวดเร็วในสังคม - และด้วยศิลปะ - เริ่มขึ้นในยุคของศตวรรษที่ 17 ตัวอย่างทั่วไปคือภาพเหมือนของตัวตลกของซาร์ Yakov Turgenev ซึ่งวาดโดยอาจารย์ที่ไม่รู้จักไม่เกิน 1695 โดยทั่วไป นี่เป็นพาร์ซูน่าทั่วไป: ภาพแช่แข็งบนเครื่องบิน แม้ว่าจะมีการร่างแสงและเงาไว้แล้วก็ตาม แต่สิ่งสำคัญคือลักษณะเฉพาะตัวของรูปลักษณ์ของนางแบบ: ลักษณะใบหน้า การแสดงออกทางตา; โลกภายในยังไม่ได้สะท้อนอยู่ในภาพเหมือน และเราก็ยังเป็นคนที่มีชีวิตอย่างไม่ต้องสงสัย
อีวาน นิกิติน. ภาพเหมือนของ Tsarevna Praskovya Ivanovna (?), หลานสาวของ Peter I. 1714
ผ้าใบ, สีน้ำมัน. 88 x 67.5 ซม.พิพิธภัณฑ์ State Russian
อีวาน นิกิติน. ภาพเหมือนของบารอน Sergei Grigorievich Stroganov 1726
ผ้าใบ, สีน้ำมัน. พิพิธภัณฑ์ State Russian 87 x 65 ซม.
อีวาน นิกิติน. ปีเตอร์ฉันบนเตียงมรณะของเขา 1725
ผ้าใบ, สีน้ำมัน. 36.6 x 54.4 ซม. พิพิธภัณฑ์ State Russian
ความจริงที่ว่าประเภทแนวตั้งเริ่มพัฒนาอย่างรวดเร็วนั้นไม่น่าแปลกใจ อย่างแรก มันมีอยู่แล้วในภาพวาดรัสเซีย เหตุผลหลักคือในยุคของปีเตอร์มหาราช ความสำคัญของบุคลิกภาพเพิ่มขึ้นอย่างรวดเร็ว - กระตือรือร้น กระหายในการยืนยันตนเอง ทำลายประเพณีและอุปสรรคทางชนชั้น นั่นคือ "ลูกไก่จากรังของ Petrov" - จาก Menshikov ถึง Abram Hannibal - คนที่ประมาทและมีความสามารถจากแหล่งกำเนิดต่าง ๆ ขอบคุณที่เรือรัสเซียสามารถเอาชนะทะเลที่มีพายุแห่งการปฏิรูปที่รุนแรง ชะตากรรมของคนเหล่านี้มักเป็นเรื่องน่าเศร้า ชะตากรรมเช่นนี้รอคอยครั้งแรก ศิลปินชื่อดังศตวรรษที่สิบแปดได้รับการเลื่อนตำแหน่งภายใต้ปีเตอร์ - อีวานนิกิติน
เขาเกิดในช่วงกลางทศวรรษที่ 1960 (ไม่ทราบวันที่แน่นอน) ในครอบครัวของนักบวชในมอสโก เขาแสดงความสามารถที่โดดเด่นตั้งแต่ยังเป็นเด็ก เขาสอนวิชาคณิตศาสตร์และการวาดภาพที่ "โรงเรียนปืนใหญ่" ในมอสโก เขาเริ่มศึกษาการวาดภาพอย่างจริงจังตามทิศทางของปีเตอร์ที่ 1 ซึ่งเรียนรู้เกี่ยวกับพรสวรรค์ของเขา
ผลงานยุคแรกๆ ของ Nikitin (เช่น ภาพเหมือนที่คาดว่าจะวาดภาพหลานสาวของปีเตอร์ Praskovya Ioannovna (ค.ศ. 1714)) ยังคงมีความคล้ายคลึงกับ Parsuns อยู่หลายประการด้วยความเรียบ ธรรมดา และไม่สนใจกายวิภาค แต่คุณสมบัติใหม่ ๆ นั้นชัดเจนขึ้นเรื่อย ๆ ในนั้น: ใส่ใจกับโมเดลอย่างใกล้ชิดพยายามถ่ายทอดลักษณะนิสัยชีวิตภายใน ในปี ค.ศ. 1716 Nikitin ถูกรวมอยู่ในจำนวนผู้รับบำนาญของปีเตอร์ - คนหนุ่มสาวที่ไปต่างประเทศเพื่อศึกษาด้วยค่าใช้จ่ายของรัฐ
อีวาน นิกิติน. ภาพเหมือนของชั้นเฮทแมน วันที่ 172020
ผ้าใบ, สีน้ำมัน. พิพิธภัณฑ์ State Russian 76 x 60 ซม.
ก่อนจากไป ซาร์ได้พบปะกับศิลปินเป็นการส่วนตัวแล้วจึงเขียนจดหมายถึงภริยา (ซึ่งตอนนั้นอยู่ที่เบอร์ลิน) เพื่อสั่งให้เขาวาดภาพเหมือนหลายๆ ภาพ รวมทั้งกษัตริย์ปรัสเซียนด้วย "เพื่อให้รู้ว่ามีปรมาจารย์ที่ดีจากเรา คนเช่นกัน” และเมื่อเขากลับจากต่างประเทศปีเตอร์ไม่ได้ทิ้ง Nikitin ด้วยความสนใจ: เขามอบบ้านให้เขาในใจกลางเมืองเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กและเรียกเขาว่า "คนขี้โกงเรื่องส่วนตัว"
ศิลปินรู้สึกไม่เพียงแค่ความกตัญญูต่อจักรพรรดิ - เขาชื่นชมผู้มีอำนาจคนนี้และเคารพในความเป็นอัจฉริยะของรัฐอย่างสุดซึ้ง ทัศนคตินี้สังเกตได้ชัดเจนมากในภาพวาดที่มีชื่อเสียงของปีเตอร์โดยนิกิติน ชายในรูปเหมือนไม่ใช่เด็กอีกต่อไปแล้ว ความขมขื่นส่องผ่านสายตาของเขาและริมฝีปากที่บีบแน่น เห็นได้ชัดว่าเขาสามารถมองเห็นและชื่นชมอีกด้านหนึ่งของความสำเร็จอันยิ่งใหญ่ แต่ - ยอมแพ้? ไม่ว่าในกรณีใด! เขายังคงเป็นศูนย์รวมของความแข็งแกร่งและพลังงานที่ไม่ย่อท้อ และในปี ค.ศ. 1725 ศิลปินต้องทำหน้าที่ที่โศกเศร้าให้สำเร็จ: เพื่อจับจักรพรรดิบนเตียงมรณะของเขา ผืนผ้าใบนี้สร้างความประทับใจอย่างมาก ใบหน้าของผู้ตายซึ่งสว่างไสวด้วยเปลวเทียน (เหลือ "เบื้องหลัง" ของภาพ) ถูกทาสีให้เหมือนจริงอย่างเคร่งครัดและในขณะเดียวกันก็เต็มไปด้วยความยิ่งใหญ่อย่างแท้จริง
ผลงานเหล่านี้และผลงานอื่นๆ ของนิกิตินเป็นพยานถึงการเติบโตอย่างรวดเร็วของทักษะของเขา ตัวอย่างเช่น ภาพเหมือนของนายกรัฐมนตรี G.I. โกลอฟกิ้น เขาเป็นคนที่ฉลาดเฉลียวและคลุมเครือช่างเป็นภาพอะไร! นัยน์ตาสีดำสนิทที่มองมาที่ผู้ชมช่างน่าหลงใหล หรือ "Portrait of the Floor Hetman" อันงดงาม ภาพวาดเหล่านี้พูดน้อย เต็มไปด้วยพลังภายในและแสดงออกอย่างผิดปกติ ผู้เขียนของพวกเขาไม่ผูกพันกับศีลอีกต่อไปเขาอยู่ภายใต้เทคนิคที่ซับซ้อนที่สุด
ความฝืดและความฝืดนี้สามารถเห็นได้แม้ในผลงานของผู้รับบำนาญอีกคนของปีเตอร์ - Andrei Matveyev ตัวอย่างเช่นใน "ภาพเหมือนตนเองกับภรรยาของเขา" (1729?) ท่าโพสและการแสดงออกทางสีหน้าของคู่รักหนุ่มสาวที่ปรากฎนั้นนิ่งและจงใจ ในขณะเดียวกัน ภาพเหมือนก็ดึงดูดด้วยความจริงใจและบริสุทธิ์อย่างลึกซึ้ง เมื่อเรามองดูเขา จู่ๆ ยุคอันไกลโพ้นก็กลายเป็นอยู่ใกล้ ๆ และพูดกับเราโดยตรง ...
หลังจากการตายของปีเตอร์ที่ 1 ในรัสเซียเริ่มขึ้น ช่วงเวลาที่ยากลำบาก... ผู้สืบทอดตำแหน่งของเขาซึ่งหมกมุ่นอยู่กับการต่อสู้เพื่ออำนาจ ไม่ค่อยกังวลกับชะตากรรมของรัฐและอาสาสมัครที่มีความสามารถ ชีวิตสร้างสรรค์ของ Ivan Nikitin จบลงอย่างน่าเศร้า ในรัชสมัยของ Anna Ioannovna เขาถูกจับในข้อหาเข้าร่วมกลุ่มต่อต้านมอสโกซึ่งมีแผ่นพับเกี่ยวกับ Feofan Prokopovich เขาใช้เวลาห้าปีในป้อมปราการ จากนั้นในปี 1737 ก็ถูกเฆี่ยนและเนรเทศไปยังไซบีเรีย ได้รับการให้อภัยหลังจากปี ค.ศ. 1742 เมื่อจักรพรรดินีที่ไร้สาระสิ้นพระชนม์ อนิจจาสายเกินไป
ศิลปินที่เหนื่อยล้าและป่วยไม่สามารถกลับบ้านได้ - เขาเสียชีวิตระหว่างทาง
ยุคแห่งการรัฐประหารในวังซึ่งเกือบจะพัดพาทุกสิ่งที่ทำได้สำเร็จภายใต้ปีเตอร์ สิ้นสุดลงในปี 1741 ด้วยการเป็นบุตรสาวของเอลิซาเบธ หลังจากได้รับบัลลังก์โดยการแย่งชิง (จักรพรรดิหนุ่ม John Antonovich ถูกถอดออกและถูกคุมขังในป้อมปราการ) เธอมุ่งมั่นที่จะฟื้นฟูความสงบเรียบร้อยในรัฐ เช่นเดียวกับพ่อของเธอ เธอพยายามทำให้แน่ใจว่ารัสเซียเข้ามาแทนที่โดยชอบธรรมท่ามกลางมหาอำนาจยุโรป เธอรู้วิธีค้นหาและสนับสนุนคนที่มีความสามารถ - ผู้คนจากชั้นทางสังคมต่างๆ และไม่เหมือนพ่อของเธอ ตลอดรัชสมัย เธอไม่ได้ลงนามในคำพิพากษาประหารชีวิตแม้แต่ครั้งเดียว
ไม่น่าแปลกใจที่วัฒนธรรมของชาติจะสูงขึ้นในเวลานี้ ในปี ค.ศ. 1755 มหาวิทยาลัยมอสโกได้ก่อตั้งขึ้น ในปี ค.ศ. 1756 โรงละครแห่งชาติได้ถูกสร้างขึ้น ในปี ค.ศ. 1757 สถาบันศิลปะได้ก่อตั้งขึ้น วิจิตรศิลป์รัสเซียกลายเป็นมืออาชีพอย่างแท้จริง
บทบาทนำในการวาดภาพในยุคนี้ยังคงเป็นของภาพเหมือน ในวัยสี่สิบและหกสิบ I. Vishnyakov, A. Antropov, I. Argunov, M. Kolokolnikov, E. Vasilievsky, K. Golovachevsky ทำงานในทิศทางนี้ ภาพเหมือนได้รับการพัฒนาในสองประเภท: พิธีการและห้อง
ภาพเหมือนในพิธีการเป็นผลผลิตจากสไตล์บาโรกในหลาย ๆ ด้าน (แนวโน้มนี้ซึ่งมีต้นกำเนิดในศตวรรษที่ 16 จากนั้นจึงครอบงำในรัสเซีย) ด้วยความโอ่อ่าตระการตาและความยิ่งใหญ่ที่มืดมน หน้าที่ของเขาคือไม่เพียงแสดงให้คนอื่นเห็นเท่านั้น แต่ยังเป็นบุคคลสำคัญในความงดงามของตำแหน่งทางสังคมที่สูงส่งของเธอ ดังนั้นเครื่องประดับมากมายที่ออกแบบมาเพื่อเน้นตำแหน่งนี้ ความงดงามของการแสดงละครของท่า ตัวแบบถูกวาดโดยตัดกับพื้นหลังของภูมิทัศน์หรือภายใน แต่แน่นอนว่าเป็นฉากหน้า ซึ่งมักจะโตเต็มที่ ราวกับว่ากำลังบดบังพื้นที่โดยรอบด้วยความยิ่งใหญ่
อีวาน วิษณุ. ภาพเหมือนของ M.S.Begichev 1825 สีน้ำมันบนผ้าใบ. 92 x 78.5 ซม.
พิพิธภัณฑ์วี.เอ. ศิลปิน Tropinin และมอสโกในสมัยของเขา, มอสโก
เป็นภาพเหมือนในพิธีที่กลายเป็นที่รู้จักสำหรับหนึ่งในจิตรกรภาพเหมือนชั้นนำในยุคนั้น I.Ya วิษณุยาคอฟ (1699-1761) ผลงานของเขาเป็นไปตามประเพณีของแนวเพลง แต่ก็มีคุณลักษณะหลายอย่างที่เฉพาะสำหรับอาจารย์ท่านนี้เท่านั้น ประการแรก ความซับซ้อนของสี ความสง่างามที่ประณีต การประดับประดาแสง นั่นคือคุณลักษณะเฉพาะของสไตล์โรโคโค โดยเฉพาะอย่างยิ่งในเรื่องนี้คือภาพเหมือนของ Sarah Eleanor Fermor ที่วาดในปี 1749 (ไม่กี่ปีต่อมาศิลปินก็สร้างภาพเหมือนของพี่ชายของเธอด้วย)
เด็กหญิงร่างผอม นัยน์ตาดำในวิกผมแบบแป้งและชุดเดรสผ้าซาตินเนื้อนุ่มแข็งทื่อกับฉากหลังของผ้าม่านและเสา ความแตกต่างของความเยาว์วัยที่เปราะบางและการตกแต่งในพิธีการที่น่าประทับใจนี้ เน้นโดยสเกลสีชมพู-เงินทั้งหมดของภาพ รอยพับที่แข็งกระด้างของเปลือกหอยมุก รูปแบบละเอียดอ่อนที่ดูเหมือนจะอยู่ด้านข้างของภาพเล็กน้อย ผ้า - เหมือนน้ำค้างแข็งบนกระจกและภูมิทัศน์โปร่งใสในพื้นหลัง ผืนผ้าใบนี้ค่อนข้างชวนให้นึกถึงแจกันที่ทำจากพอร์ซเลนชั้นดีที่คุณชื่นชมกลัวที่จะสัมผัสเพื่อไม่ให้เกิดความเสียหายด้วยการเคลื่อนไหวที่ประมาท
Vishnyakov เป็นจิตรกรชาวรัสเซียคนแรกที่มุ่งไปที่เนื้อเพลงในการตีความภาพอย่างชัดเจน บรรทัดนี้จะดำเนินต่อไปในผลงานของศิลปินและศิลปินรุ่นเยาว์ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษ
อเล็กซี่ อันโตรปอฟ. ภาพเหมือนของ Anna Vasilievna Buturlina 1763
ผ้าใบ, สีน้ำมัน. 60.3 x 47 ซม.The State Tretyakov Gallery
งานศิลปะภาพเหมือนที่สำคัญที่สุดของศตวรรษที่ 18 ถูกสร้างขึ้นในประเภทที่ไม่ใช่งานพิธี แต่เป็นภาพเหมือนในห้อง ความมั่งคั่งของประเภทนี้เริ่มขึ้นในวัยสี่สิบ มันโดดเด่นด้วยความรัดกุมรายละเอียดเล็กน้อย (แต่ละอย่างมีความสำคัญเป็นพิเศษโดยเพิ่มบางสิ่งให้กับลักษณะของแบบจำลอง) ตามกฎแล้ว - พื้นหลังสีเข้มทึบ ความสนใจหลักของปรมาจารย์ของภาพเหมือนในห้องนั้นจดจ่ออยู่ที่ใบหน้า เมื่อถ่ายในระยะใกล้ สังเกตลักษณะที่ปรากฏอย่างระมัดระวัง บรรลุความคล้ายคลึงกันมากที่สุด พยายามเจาะเข้าไปในโลกภายในของบุคคลที่ถูกพรรณนา
ความสำเร็จหลักในประเภทนี้เป็นของศิลปินสองคนที่ร่วมกับ Vishnyakov ได้รับการพิจารณาจากนักวิจารณ์ศิลปะว่าเป็นจิตรกรที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในช่วงกลางศตวรรษที่ 18 - Antropova และ Argunova
เอ.พี. Antropov (1716-1795) ศึกษาการวาดภาพกับ Andrei Matveev ญาติของเขา หนึ่งในผู้รับบำนาญของ Peter ในวัยหนุ่มของเขาเขาเริ่มทำงานในทีม Chancellery ที่งดงามจากอาคารภายใต้การนำของ Matveyev คนแรกจากนั้น Vishnyakov อาจารย์เหล่านี้มีอิทธิพลอย่างมากต่อเขาและตัวเขาเองก็เป็นครูของ Levitsky ผลงานของเขามีอิทธิพลต่องานของ Rokotov ต่อมา Borovikovsky และ Shchukin นี่คือความต่อเนื่องของการวาดภาพคนรัสเซียที่ดำเนินไปตลอดศตวรรษที่ 18
ผืนผ้าใบที่มีชื่อเสียงที่สุดของ Antropov ถูกสร้างขึ้นในวัยห้าสิบและหกสิบ ในเวลานี้ตามที่นักวิจัยกล่าวว่าเขาถือได้ว่าเป็นบุคคลสำคัญในภาพวาดของรัสเซีย ภาพเหมือนของคู่สมรส Buturlin, A.M. อิซไมโลวา แมสซาชูเซตส์ Rumyantseva, A.K. Vorontsova, Ataman Krasnoshchekov ถูกมองว่าเป็นคนที่แตกต่างกันมาก แต่ค่อนข้างคล้ายคลึงกัน - ตัวแทนของชั้นสังคมเดียวกันในยุคเดียวกัน บางครั้งภาพเหล่านี้ทำให้นึกถึง Parsuns: พวกเขา (เช่นเดียวกับในผลงานของ Vishnyakov) บางครั้งก็ขาดอากาศและพลวัต ลักษณะภายนอกที่แม่นยำสม่ำเสมอของแบบจำลองไม่ได้มาพร้อมกับลักษณะภายในเสมอไป
อย่างไรก็ตาม เมื่อมีคุณลักษณะนี้อยู่ มันจะมีความแข็งแกร่งที่น่าประทับใจ ตัวอย่างเช่นในภาพเหมือนของสตรีแห่งรัฐ A.M. อิซไมโลวา ใบหน้าของหญิงวัยกลางคนคนนี้ถูกซ่อนอยู่หลังหน้ากากสีขาวนวลและหน้าแดง มันสง่างาม เต็มไปด้วยพลังอำนาจและจิตสำนึกอันเงียบสงบของความเหนือกว่าของตัวเอง ความคิดเกิดขึ้นโดยไม่ได้ตั้งใจ: ยากแค่ไหนสำหรับผู้ที่อยู่ใต้บังคับบัญชาของเธอ แต่ศิลปินแสดงให้เห็นถึงความคลุมเครือของธรรมชาติของมนุษย์: เมื่อมองใกล้มากขึ้นเราสังเกตเห็นว่าดวงตาของผู้หญิงที่หยิ่งผยองนั้นฉลาดและนุ่มนวลกว่าที่เห็นในครั้งแรก ...
อีกตัวอย่างหนึ่งคือภาพเหมือนในพระราชพิธีของจักรพรรดิปีเตอร์ที่ 3 เจ้าชาย Holstein คนนี้ได้รับเลือกจาก Elizabeth ที่ไม่มีบุตรให้เป็นผู้สืบทอดของเธอเพียงเพราะเครือญาติ (เขาเป็นหลานชายของเธอซึ่งเป็นหลานชายของ Peter I) และไม่ใช่เพราะคุณสมบัติส่วนตัวของเขาอนิจจา - ไม่มีนัยสำคัญ หลังจากใช้เวลาหลายเดือนในรัชกาลอันรุ่งโรจน์ เขาถูกถอดออกจากบัลลังก์โดยภรรยาของเขาเอง จักรพรรดินีแคทเธอรีนในอนาคต ความไม่สำคัญของบุคลิกภาพนี้มองเห็นได้ชัดเจนในภาพเหมือน (แม้ว่าจะเต็มไปด้วยผ้าม่าน คำสั่ง เสื้อคลุมขนสัตว์ชนิดหนึ่ง และคุณลักษณะอื่น ๆ ของเอิกเกริกและอำนาจ) ที่ตรงไปตรงมา มันกลายเป็นความสงสารสำหรับจักรพรรดิผู้โชคร้าย
อันโตรปอฟแทบจะไม่ได้ตั้งภารกิจกำจัดพระมหากษัตริย์ เขาไม่สามารถแยกแยะได้เหมือนอาจารย์ที่แท้จริง ความแม่นยำที่ไร้ความกลัวเช่นนี้ทำให้ศิลปินต้องสูญเสียอาชีพของเขาไป เขาไม่เคยเป็นสมาชิกของ Academy of Arts ที่เพิ่งเปิดใหม่
ด้วยชื่อ ไอ.พี. Argunov (1729-1802) เกี่ยวข้องกับหน้าพิเศษในประวัติศาสตร์ศิลปะรัสเซีย เขาเป็นทาสตลอดชีวิตของเขา ความเป็นทาสได้รับการจัดตั้งขึ้นอย่างมั่นคงในศตวรรษที่ 18 โดยแท้จริงแล้วกลายเป็นทาสชนิดหนึ่ง บรรดาขุนนางของราชสำนักอันวิจิตรตระการตา แข่งขันกัน สร้างพระราชวังที่หรูหรา โรงละครและหอศิลป์ที่จัดไว้อย่างดี ความคิดสร้างสรรค์ของสถาปนิก จิตรกร นักดนตรี นักแสดง เป็นที่ต้องการอย่างมาก พวกเขามองหาและหล่อเลี้ยงคนที่มีความสามารถ สร้างเงื่อนไขให้พวกเขาทำงานได้ แต่ด้วยความตั้งใจของอาจารย์ พวกเขาสามารถสูญเสียทุกสิ่งได้อย่างง่ายดาย อาร์กูนอฟก็อยู่ในตำแหน่งนี้เช่นกัน ซึ่งมักถูกบังคับให้ฟุ้งซ่านจากงานไม่ว่าจะคัดลอกภาพวาดหรือจัดการทรัพย์สินของเจ้าของ
อีวาน อาร์กูนอฟ มารดาพระเจ้า. 1753 (?). ผ้าใบ, สีน้ำมัน. 202 x 70.7 ซม. พิพิธภัณฑ์ State Russian
อีวาน อาร์กูนอฟ พระเยซูคริสต์. 1753 (?). ผ้าใบ, สีน้ำมัน. พิพิธภัณฑ์ State Russian 198 x 71 ซม.
โชคดีที่เจ้าของของเขาไม่ได้แย่ที่สุด - พวกเชอเรเมเตฟ ตอนนี้เรากำลังพูดถึงทั้งสองครอบครัว - Sheremetevs และ Argunovs - ที่พวกเขายกย่องชื่อของพวกเขาในประวัติศาสตร์รัสเซีย: หนึ่งให้ผู้บังคับบัญชาและนักการเมืองรัสเซีย อื่น ๆ - สถาปนิกและจิตรกร สถาปนิกเป็นลูกพี่ลูกน้องของ Ivan Argunov และ Pavel ลูกชายของเขา พวกเขามีส่วนร่วมในการก่อสร้างคอมเพล็กซ์พระราชวังของ Kuskovo และ Ostankino ลูกชายคนที่สองของ Argunov, Nikolai ซึ่งมีชื่อเสียงในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 18-19 กลายเป็นจิตรกรภาพเหมือนพ่อ
ในลักษณะสร้างสรรค์ของไอ.พี. Argunov อยู่ใกล้กับ Antropov ภาพเหมือนของเขา - โดยเฉพาะงานพิธี - บางครั้งก็ทำให้นึกถึง Parsuns บุคคลสำคัญที่ปรากฎบนพวกเขา - เจ้าชายและเจ้าหญิง Lobanov-Rostovsky เจ้าชายพลเรือเอก M.M. Golitsyn ตัวแทนของตระกูล Sheremetev และคนอื่น ๆ - จ้องมองที่ผู้ชมอย่างไม่เคลื่อนไหวซึ่งถูกมัดด้วยความสามารถของพวกเขาเอง เช่นเดียวกับ Antropov Argunov พยายามดึงพื้นผิวออกมาอย่างอุตสาหะ ชื่นชมการเล่นของผ้า เครื่องประดับที่ส่องประกายระยิบระยับ การเรียงตัวของลูกไม้โปร่งสบาย (เราสังเกตเห็นว่าความชื่นชมในความงามของโลกวัตถุนั้นไม่ได้เป็นเพียงลักษณะเฉพาะของผู้เชี่ยวชาญเหล่านี้เท่านั้น: นี่เป็นหนึ่งในลักษณะเฉพาะของภาพวาดทั้งหมดในศตวรรษที่ 18)
ลักษณะทางจิตวิทยาของตัวแบบถูกซ่อนอยู่เบื้องหลังความฉลาดนี้ แต่มันมีอยู่จริงและเข้าถึงได้ง่ายในสายตาของผู้ชมที่เอาใจใส่ ในภาพเหมือนของห้องโดย Argunov ลักษณะเฉพาะนี้ปรากฏอยู่เบื้องหน้า นั่นคือภาพเหมือนของตอลสตอย สามีและภรรยาของคริปูนอฟ หญิงชาวนาที่ไม่รู้จักและคนอื่นๆ อีกจำนวนหนึ่ง ซึ่งแสดงถึงสถานะทางสังคม อายุ และอารมณ์ที่แตกต่างกันมาก ศิลปินมองดูใบหน้าของคนเหล่านี้อย่างตั้งใจและด้วยความสนใจโดยสังเกตเห็นลักษณะที่ปรากฏและตัวละครเพียงเล็กน้อยซึ่งบางครั้งก็ชื่นชมความงามของพวกเขาอย่างตรงไปตรงมาโดยเฉพาะอย่างยิ่งภายใน ชุดแต่งกาย).
Ivan Argunov ได้รับการยอมรับจากผู้ร่วมสมัยของเขาทั้งในฐานะศิลปิน (ไม่ใช่โดยไม่มีเหตุผลหลังจากการขึ้นครองบัลลังก์ของ Catherine II วุฒิสภาสั่งให้เขาเป็นภาพเหมือนของจักรพรรดินีหนุ่มซึ่งเธอพอใจมาก) และในฐานะ ครู. นักเรียนของเขาคือ Nikolai ลูกชายของเขา K.I. Golovachevsky, I.S. ซาบลูคอฟ, เอ.พี. Losenko - จิตรกรชื่อดังและบุคคลสำคัญของ Academy of Arts ในอนาคต
ประเภทที่ปรากฏในศิลปะรัสเซียในปีสุดท้ายของรัชกาลของปีเตอร์ซึ่งเจริญรุ่งเรืองในยุคหลัง Petrine และได้รับความต่อเนื่องในช่วงกลางและครึ่งหลังของศตวรรษสมควรได้รับการอภิปรายพิเศษ
มันเป็นเรื่องของสิ่งมีชีวิต
ประเภทนี้ในศิลปะยุโรปของศตวรรษที่ 18 (เมื่อคำว่าเกิดขึ้นเอง) ได้รับความนิยมอย่างมาก โดยเฉพาะอย่างยิ่งที่มีชื่อเสียงคือภาพนิ่งที่หรูหราของศิลปินเฟลมิชและชาวดัตช์: แก้วไวน์เงา, ผลไม้และเกมที่พ่ายแพ้ - สัญลักษณ์ของความสุขทางกามารมณ์และความอุดมสมบูรณ์ทางวัตถุ โลกทางกายภาพไม่เคยหยุดนิ่งสร้างความประหลาดใจและความสุขให้กับจิตรกร และในรัสเซีย เมื่อศิลปะทางโลกเริ่มพัฒนาอย่างรวดเร็วที่นั่นเช่นกัน
สิ่งมีชีวิตรัสเซียตัวแรกเป็นของแปรงของผู้เชี่ยวชาญหลายคนรวมถึงผู้ที่ไม่ระบุชื่อ ในหมู่พวกเขาชื่อที่มีชื่อเสียงที่สุดคือ Grigory Teplov นักสัมมนา นักเรียนของ Feofan Prokopovich ต่อมาเป็นรัฐบุรุษและนักวิทยาศาสตร์ เขาได้สร้างภาพวาดที่น่าสนใจมากในรูปแบบดั้งเดิมและในแบบของเขาเอง พวกเขาพรรณนาถึงสิ่งต่าง ๆ ในชีวิตประจำวันที่กระจัดกระจายเหมือนที่เคยเป็นมาบนกระดานไม้ซึ่งถูกปกปิดไว้ใต้ผืนผ้าใบ พวกเขาเขียนขึ้นอย่างระมัดระวังจนสร้างภาพลวงตาของความเป็นจริงขึ้นมา นักวิจารณ์ศิลปะเรียกภาพนิ่งประเภทนี้ว่า "trompe l'oeil" ไม่ใช่เรื่องไร้สาระ
การแกะสลัก นาฬิกา โน้ต ขวดยา ปากกาและสมุดบันทึก ซึ่งส่วนใหญ่เป็นวัตถุที่เพิ่งถูกนำมาใช้เมื่อเร็ว ๆ นี้ เป็นสัญญาณของวิถีชีวิตใหม่ที่ยังไม่คุ้นเคย นี่คือชีวิตของผู้คนที่ขับเคลื่อนด้วยความสนใจในโลกและความกระหายในความรู้ สำหรับผู้ที่ไม่ได้เป็นเพียงสิ่งของในชีวิตประจำวัน แต่เป็นความลับที่คู่ควรแก่การทำความเข้าใจ นั่นคือเหตุผลที่ภาพเขียนที่ดูเหมือนไร้ศิลปะเหล่านี้มีพลังงานที่แข็งแกร่ง พวกเขาทำให้เรารู้สึกดึงดูดใจอย่างมากในช่วงเวลาที่ห่างไกลเหล่านั้น ราวกับว่า "อุปสรรค์" เป็นสิ่งมีชีวิตจริง ๆ ซึ่งขณะนี้เมื่อสักครู่นี้ถูกมือของเจ้าของที่หายไปนาน ...
ไม่กี่ปีที่ผ่านมา - และตอนนี้ชีวิตประจำวันได้เข้าสู่ร่องปกติและความน่าสมเพชของผู้ค้นพบได้แทนที่ความปีติยินดีด้วยความสุขของชีวิต นั่นคือบรรยากาศของศาลเอลิซาเบธ - "เอลิซาเบธผู้ร่าเริง" อย่างที่ผู้ร่วมสมัยเรียกเธอ นอกจากสไตล์บาโรกแล้ว สไตล์โรโคโคยังเป็นแฟชั่น - เบา ขี้เล่น เจ้าชู้ ห้องโถงของพระราชวังถูกประดับประดาด้วยการตกแต่งที่แปลกตา
บอริส ซูโฮโดลสกี้. ดาราศาสตร์. ราวปี 1754 Desudeport
ผ้าใบ, สีน้ำมัน. 100 x 210 ซม.The State Tretyakov Gallery
ตอนนั้นเองที่สิ่งมีชีวิตที่แปลกประหลาดพัฒนาขึ้นในงานศิลปะของรัสเซีย - desudeports หรือแผงเหนือประตู พวกเขาพรรณนาแจกัน ดอกไม้และผลไม้ ภูมิประเทศที่สวยงาม ผ้าม่าน เครื่องประดับ ออกแบบมาเพื่อตกแต่งและกลมกลืนกับการตกแต่งภายใน แทบจะถือได้ว่าเป็นงานศิลปะอิสระ นอกเหนือจากสถาปัตยกรรมทั่วไป และอย่างที่กล่าวกันว่าตอนนี้คือการออกแบบโซลูชันของพื้นที่ ในเวลาเดียวกันพวกเขาได้รับการดำเนินการในระดับที่สูงมาก
สถาบันเช่นอาคารสถานเอกอัครราชทูตเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กดังกล่าวซึ่งมีทีมสถาปัตยกรรมและจิตรกรรมมีบทบาทสำคัญในการฝึกอบรมผู้เชี่ยวชาญที่ทำงานในพื้นที่นี้ จิตรกรของทีมวาดภาพได้ดำเนินการตามคำสั่งจำนวนมากสำหรับภาพวาดพระราชวัง โบสถ์ โครงสร้างแห่งชัยชนะและงานรื่นเริง ในหมู่พวกเขามีเจ้านายเช่น Ivan Firsov พี่น้อง Alexey และ Ivan Belsky Boris Sukhodolsky
ผลงานของ Firsov และ A. Belsky มีการตกแต่งอย่างเด่นชัด ภาพวาดแจกัน ผลไม้ และผ้าม่าน พวกเขาไม่ได้พยายามทำให้ดูเหมือนของจริงเลย การตกแต่งภายในที่ประดับประดาด้วยผลงานของปรมาจารย์เหล่านี้ได้รับความสมบูรณ์และความเฉลียวฉลาด
Sukhodolsky ถือว่างานของเขาค่อนข้างแตกต่างออกไป ตามปกติแล้วความเห็นแก่ตัวของเขาคือภูมิทัศน์ ผสานเข้ากับการตกแต่งภายในอย่างชำนาญ สวนและสวนสาธารณะในสไตล์บาโรกตอนปลาย - ด้วยความเขียวขจี ถ้ำ ซากปรักหักพังและน้ำพุ ตกแต่งด้วยรูปปั้นในจิตวิญญาณแบบโบราณและรูปปั้นครึ่งตัวของผู้ยิ่งใหญ่ สวนดังกล่าวได้รับความนิยมอย่างมากในศตวรรษที่ 18; บางแห่งเช่นสวนสาธารณะที่มีชื่อเสียงใน Pavlovsk รอดมาได้จนถึงทุกวันนี้ ในอุทยานแห่งนี้ ภายใต้ Catherine II มีห้องสมุดสวนพิเศษ: เมื่อมองดูรูปปั้นครึ่งตัวของผู้ยิ่งใหญ่ เป็นเรื่องน่ายินดีอย่างยิ่งที่ได้มีส่วนร่วมในการอ่านอย่างจริงจังและการไตร่ตรองถึงความประเสริฐ นอกจากนี้เรายังสามารถเห็นรูปแกะสลักของคนที่อ่านบนแผงของ Sukhodolsky (เช่น "Walk", c. 1754)
"การหลอกลวง" และการทำลายล้างอาจดูเหมือนไม่ใช่หัวข้อที่จริงจังมากนักที่จะต้องพิจารณาควบคู่ไปกับความสำเร็จในระดับสูงของการวาดภาพบุคคล ภาพประวัติศาสตร์ และประเภท
แต่หากไม่มีพวกเขา ความคิดเกี่ยวกับศิลปะแห่งศตวรรษที่ 18 ก็จะไม่สมบูรณ์ พวกเขามีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับเวลาที่ให้กำเนิดพวกเขา บางทีมันอาจจะไม่ใช่การพูดเกินจริงที่จะบอกว่าพวกเขาเป็นจิตวิญญาณของเวลานี้ เสน่ห์ที่เป็นเอกลักษณ์ของมัน
อีวาน ซาบลูคอฟ ภาพเหมือนของแคทเธอรีนที่ 2 ยุค 1770 สีน้ำมันบนผ้าใบ 85 x 65.5 ซม.
ในปี ค.ศ. 1762 ราชบัลลังก์รัสเซียถูกครอบครองโดยอดีตเจ้าหญิงโซเฟีย เฟรเดอริกา - จักรพรรดินีแคทเธอรีนที่ 2 แห่งเยอรมนี เธอโค่นล้มสามีของเธอซึ่งไม่สามารถบริหารรัฐหรือรักษาศักดิ์ศรีของราชสำนักได้อย่างน้อยก็ด้วยความช่วยเหลือจากผู้คุม "ยุคของผู้หญิง" ซึ่งบางครั้งเรียกว่าศตวรรษที่ 18 ดำเนินต่อไปและมาถึงความมั่งคั่ง
ภายใต้แคทเธอรีนรัสเซียกลายเป็นมหาอำนาจอย่างแท้จริง ความสำเร็จมาพร้อมกับกองทัพและการทูตของเธอ ดินแดนใหม่ถูกผนวกรวม รวมทั้งภูมิภาคทะเลดำตอนเหนือ แหลมไครเมีย และคอเคซัสเหนือ พรมแดนของจักรวรรดิเคลื่อนไปทางใต้และตะวันตกไกล ในยุโรป รัสเซียถือเป็นพันธมิตรที่น่ายินดีและเป็นศัตรูที่อันตรายมาก
ความขัดแย้งที่เกี่ยวข้องกับประเทศในยุโรปไม่ได้รับการแก้ไขหากไม่มีการมีส่วนร่วมของเธอ
นโยบายภายในประเทศของแคทเธอรีนมีความเด็ดขาดและเข้มงวด เธอเลือกปีเตอร์ฉันเป็นตัวอย่างสำหรับตัวเอง (ตามคำสั่งของเธออนุสาวรีย์ที่มีชื่อเสียงถูกสร้างขึ้นสำหรับเขาที่จัตุรัสพระราชวังเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก) การเสริมสร้างรากฐานของระบอบสมบูรณาญาสิทธิราชย์ ให้สิทธิพิเศษแก่ขุนนาง - การสนับสนุนหลัก - และเพิ่มการเป็นทาสของชาวนา ในฐานะที่เป็นแฟนตัวยงของนักปราชญ์ชาวฝรั่งเศส เพื่อป้องกันการคลายฐานรากของรัฐ (เมื่อเริ่มต้นการปฏิวัติในฝรั่งเศส งานนี้กลายเป็นเรื่องเร่งด่วนอย่างยิ่ง!) เธอติดตามการประท้วงของชาวนาที่กดขี่ข่มเหงอย่างไร้ความปราณี
แคทเธอรีนเช่นเดียวกับปีเตอร์และเอลิซาเบธรู้วิธีชื่นชมพรสวรรค์ Suvorov, Dashkova, Potemkin, Ushakov, Derzhavin - นี่เป็นเพียงส่วนเล็ก ๆ ของกลุ่มดาวที่ยกย่องเวลาของเธอ ชื่อจิตรกรชาวรัสเซียที่เก่งกาจก็ถูกถักทออยู่ในกลุ่มดาวนี้เช่นกัน
อีวาน ซาบลูคอฟ ภาพเหมือนของเคาน์เตสแอล. คูเชเลวา. วันที่ 1770 ผ้าใบ, สีน้ำมัน. 65 x 50 ซม.
พิพิธภัณฑ์ศิลปะแห่งรัฐ Nizhny Novgorod
ภาพวาดของรัสเซียก็เหมือนกับวัฒนธรรมทั่วไปในเวลานี้ภายใต้อิทธิพลอันยิ่งใหญ่ของแนวคิดเรื่องการตรัสรู้ แนวโน้มทางสังคมและปรัชญาซึ่งมีภูมิลำเนาอยู่ที่ฝรั่งเศส มีพื้นฐานมาจากลัทธิแห่งเหตุผล สามารถรู้จักโลกและเปลี่ยนแปลงโลกได้บนพื้นฐานของความยุติธรรม ความได้เปรียบ และความก้าวหน้า สำหรับนักการศึกษา แนวความคิดทั้งหมดนี้เป็นไปในเชิงบวกอย่างชัดเจน สิ่งที่ขัดขวางความก้าวหน้าถูกประณาม ไม่มีเหตุผลอธิบายไม่ได้ถือเป็นเท็จ
ความคลาสสิคกลายเป็นการแสดงออกถึงความคิดเหล่านี้ในงานศิลปะ ตามการรับรู้ของสมัยโบราณว่าเป็นอุดมคติ เทรนด์นี้ซึ่งตรงกันข้ามกับบาโรกและโรโคโค พยายามดิ้นรนเพื่อความชัดเจนและความเรียบง่ายที่เข้มงวด ความงามนับได้ - นี่คือลัทธิความเชื่อแบบคลาสสิก มีกฎหมายที่สังเกตอย่างเคร่งครัดซึ่งคุณสามารถสร้างงานศิลปะที่สมบูรณ์แบบได้ ประการหนึ่ง นี่คือความถูกต้อง ความได้สัดส่วน ความเป็นเอกภาพของชิ้นส่วน อีกนัยหนึ่ง "ส่วนรวมสูงกว่าส่วนตัว" "หน้าที่สูงกว่าความรัก"
ในฝรั่งเศส ศิลปิน นักเขียนบทละคร และสถาปนิกปฏิบัติตามหลักการของลัทธิคลาสสิกตั้งแต่ช่วงต้นศตวรรษที่ 17 - นานก่อนการตรัสรู้ ในรัสเซียความมั่งคั่งของศิลปะคลาสสิกลดลงในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 กิจกรรมของ Academy of Arts มีบทบาทอย่างมากในเรื่องนี้ซึ่งก่อตั้งขึ้นในปี 1757 ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก
ความสำคัญของ Academy ในประวัติศาสตร์ศิลปะรัสเซียนั้นยอดเยี่ยมมาก เป็นเวลาหลายสิบปีที่ยังคงเป็นสถาบันการศึกษาด้านศิลปะระดับสูงเพียงแห่งเดียวในรัสเซีย หลังจากได้รับสถานะอิมพีเรียลในปี พ.ศ. 2307 เธออยู่ภายใต้การปกครองอย่างต่อเนื่องของเจ้าหน้าที่ซึ่งในอีกด้านหนึ่งให้โอกาสเธอในการจ่ายค่าเดินทางไกลในต่างประเทศสำหรับนักเรียนที่ดีที่สุดและในอีกด้านหนึ่งเพื่อ จำกัด "อุดมการณ์ ความสับสนวุ่นวาย”
คิริลล์ โกโลโชเชฟสกี้. ภาพเหมือนของเคาน์เตสโซเฟีย Dmitrievna Matyushkina เมื่อตอนเป็นเด็ก 1763.
ผ้าใบ, สีน้ำมัน. 61.2 x 47.5 ซม.The State Tretyakov Gallery
อันตัน โลเซนโก้. ภาพเหมือนของกวีและนักเขียนบทละคร Alexander Petrovich Sumarokov
ผ้าใบ, สีน้ำมัน. 74 x 64.5 ซม.พิพิธภัณฑ์ State Russian
อย่างไรก็ตาม ระบบการรับนักศึกษาค่อนข้างเป็นประชาธิปไตย ไม่เป็นภาระกับพิธีการ กลุ่มแรกที่เข้าสู่ Academy คือนักเรียนสามคนของ I.P. Argunova - Losenko, Sablukov และ Golovachevsky ด้วยการฝึกอบรมที่ดี พวกเขาไม่เพียงแต่เรียนเท่านั้น แต่ยังช่วยครูนำชั้นเรียนวิชาการ และในคราวเดียวยังเป็นหัวหน้าชั้นเรียนวาดภาพด้วย
การสอนที่ Academy ขึ้นอยู่กับหลักการของความคลาสสิค ได้สอนนักเรียนแนวความคิดที่ต้องอาศัยประสบการณ์ในอดีต คุณค่าของประเพณี โดยเฉพาะของโบราณ ครูอธิบายว่าศิลปะควรมุ่งมั่นเพื่ออุดมคติซึ่งอนิจจาชีวิตโดยรอบไม่สอดคล้องกันมากนัก อย่างไรก็ตาม มันมีกฎหมายในอุดมคติด้วย ศิลปินที่ดีจะเปิดเผยพวกเขาและนำเสนอบนผืนผ้าใบถึงลักษณะที่ถูกต้องตามที่ควรจะเป็น
ด้วยหลักการดังกล่าว จึงไม่น่าแปลกใจที่นักวิชาการจะวางแนวประวัติศาสตร์เป็นอันดับแรกในการวาดภาพ (วิชาในพระคัมภีร์ไบเบิล ตำนาน และตำนานถือเป็นประวัติศาสตร์ด้วย) หลังจากเปิด Academy ประเภทนี้ก็เริ่มเฟื่องฟูในศิลปะรัสเซีย
ในหมู่นักศึกษา I.P. Argunov ผู้เข้าสู่ Academy of Arts, A.P. โลเซนโก เขาพิสูจน์แล้วว่าเป็นจิตรกรภาพบุคคลที่โดดเด่น: Sumarokov, Ivan Shuvalov ผู้ก่อตั้งโรงละครรัสเซีย Fyodor Volkov โพสท่าให้เขา แต่ก่อนอื่น เรารู้จักและชื่นชมเขาในฐานะจิตรกรประวัติศาสตร์ ผู้ก่อตั้งประเภทนี้ในศิลปะรัสเซีย
Anton Losenko ลูกชายกำพร้าวัยแรกรุ่นของชาวนารัสเซียตัวน้อย สามารถฝ่าฟันฝ่าฟันอุปสรรคในชีวิตไปได้ ต้องขอบคุณพรสวรรค์ของเขาเพียงอย่างเดียว ในวัยหนุ่มของเขาเขาร้องเพลงในคณะนักร้องประสานเสียงจากที่นั่นเขากลายเป็นสาวกของ Argunov จากนั้นเขาก็ถูกส่งไปยังสถาบันการศึกษา เขามักจะโดดเด่นด้วยการสังเกตความอยากรู้อยากเห็นที่มีชีวิตชีวาความปรารถนาอย่างโลภในความรู้ ในขณะที่อยู่ต่างประเทศ (ในอายุหกสิบเศษเขาไปปารีสสองครั้งจากนั้นในกรุงโรม) Losenko ได้เก็บ "วารสารผลงานจิตรกรรมและประติมากรรมที่โดดเด่นที่ฉันสังเกตเห็น" ซึ่งเขาได้วิเคราะห์ความประทับใจของเขาเกี่ยวกับผลงานของปรมาจารย์ชาวยุโรปผู้ยิ่งใหญ่ - Raphael Rubens, Rembrandt, Poussin ศึกษาอนุเสาวรีย์สมัยโบราณกำหนดเส้นทางศิลปะของเขาเอง
อันตัน โลเซนโก้. ความตายของอิเหนา 1764 สีน้ำมันบนผ้าใบ. 77.6 x 105.2 ซม.
อันตัน โลเซนโก้. ซุสและเธติส. 1769
ผ้าใบ, สีน้ำมัน. 172 x 126 ซม.พิพิธภัณฑ์ State Russian
และต่อมาได้สอนศิลปินรุ่นเยาว์ที่ Academy เขาไม่หยุดศึกษาเอง เขามุ่งมั่นเพื่อการเรียนรู้เทคนิคที่สมบูรณ์แบบ ความรู้ที่ถูกต้องเกี่ยวกับกายวิภาคศาสตร์และมุมมอง ภาพวาดของเขาถือเป็นหนึ่งในความสำเร็จสูงสุดของกราฟิกในศตวรรษที่ 18 เป็นเวลานานพวกเขาทำหน้าที่เป็นต้นแบบสำหรับนักเรียนของ Academy ในชั้นเรียนการวาดภาพ หนังสือเรียนเล่มแรกในรัสเซียเกี่ยวกับกายวิภาคพลาสติกซึ่งเขารวบรวม - "การอธิบายสัดส่วนโดยย่อของบุคคล ... เพื่อประโยชน์ของคนหนุ่มสาวที่ออกกำลังกายในการวาดภาพ ... " - ยังใช้ที่ Academy เป็นเวลาหลายทศวรรษ
หลักการทางศิลปะของ Losenko ถูกกำหนดเมื่อสิ้นสุดอายุหกสิบเศษ ตรรกะที่ชัดเจนของลัทธิคลาสสิกในเวลานั้นดูเหมือนสูดอากาศบริสุทธิ์กับพื้นหลังของความอวดดีในการตกแต่งและความแออัดด้วยสัญลักษณ์เปรียบเทียบของบาร็อคและโรโกโกตอนปลายด้วยจิตวิญญาณที่ศิลปินต่างชาติเชิญไปรัสเซียจึงทำงาน (เช่น S. Torelli และ F. Fontainebasso) ในปี ค.ศ. 1768 Losenko ได้วาดภาพ "บุคคลทางวิชาการขนาดเท่าคนธรรมดา" สองคน - การศึกษาร่างกายที่เปลือยเปล่าซึ่งมีชื่อว่า "Cain" และ "Abel" ตามอัตภาพและอีกหนึ่งปีต่อมา - ภาพวาด "Zeus and Thetis" ในงานเหล่านี้ เขาประกาศตัวเองว่าเป็นศิลปินแนวคลาสสิค
ผลงานที่ดีที่สุดของ Losenko คือผืนผ้าใบของประเภทประวัติศาสตร์ที่เขียนในรูปแบบของประวัติศาสตร์โบราณและที่สำคัญที่สุดคือประวัติศาสตร์ของชาติ ในปี ค.ศ. 1770 เขาได้แสดงภาพวาด "Vladimir and Rogneda" ที่ Academy โครงเรื่องอิงจากเหตุการณ์ในศตวรรษที่ X อันห่างไกลซึ่งอธิบายไว้ใน "Tale of Bygone Years" วลาดิเมียร์ แกรนด์ดยุกแห่งเคียฟในอนาคต แสวงหาเจ้าหญิง Rogneda แห่ง Polotsk และได้รับการปฏิเสธ จับกุมเธอด้วยกำลังหลังจากเอาชนะ Polotsk และสังหารพ่อและพี่น้องของเธอ การอุทธรณ์ไปยังโครงเรื่องจากประวัติศาสตร์รัสเซียเป็นนวัตกรรมและในขณะเดียวกันก็บ่งบอกถึงช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 เมื่อสังคมรัสเซียภายใต้เงื่อนไขของการเพิ่มขึ้นของชาติเริ่มตระหนักถึงความสำคัญและความยิ่งใหญ่ของอดีตทางประวัติศาสตร์ วีรบุรุษแห่งพงศาวดารและตำนานยืนหยัดเทียบเท่าตัวละครโบราณและในพระคัมภีร์ แสดงให้เห็นตัวอย่างเดียวกันของความหลงใหลและความรู้สึกสูงส่ง
อันตัน โลเซนโก้. อับราฮัมถวายอิสอัคบุตรชายของตน 1765
ผ้าใบ, สีน้ำมัน. พิพิธภัณฑ์ State Russian 202 x 157 ซม.
อันตัน โลเซนโก้. จับปลาที่ยอดเยี่ยม 1762
ผ้าใบ, สีน้ำมัน. 159.5 x 194 ซม. พิพิธภัณฑ์ State Russian
ในภาพ วลาดิเมียร์ไม่ใช่ผู้พิชิตที่โหดร้าย เขากำลังมีความรักและหดหู่จากความเศร้าโศกของผู้หญิงที่รักซึ่งตัวเขาเองทำให้เธอ ความเด็ดขาดและความรักเข้ากันได้หรือไม่? เรื่องที่ Losenko รู้ดีให้คำตอบ: Vladimir และ Rogneda อาศัยอยู่เป็นเวลาหลายปีในการแต่งงานที่เจริญรุ่งเรือง ... จนกระทั่งเจ้าชายจากเธอไปเพื่อเห็นแก่เจ้าหญิงไบแซนไทน์ซึ่งเขาต้องแต่งงานด้วยเหตุผลทางการเมือง
สามปีต่อมา ศิลปินได้นำเสนอภาพวาดอีกภาพในหัวข้อประวัติศาสตร์ - "การอำลาของ Hector to Andromache" แก่ผู้ชม ซึ่งเป็นองค์ประกอบที่ซับซ้อนหลายรูปที่สร้างขึ้นด้วยความเฉลียวฉลาดแบบมืออาชีพและการยกย่องการเสียสละในนามของมาตุภูมิ
หลังจาก Losenko กาแลคซีทั้งหมดของจิตรกรประวัติศาสตร์เข้าสู่ศิลปะรัสเซียซึ่งส่วนใหญ่เป็นนักเรียนของเขา: I. Akimov, P. Sokolov, G. Ugryumov, M. Puchinov พวกเขาทั้งหมดโดดเด่นด้วยทักษะระดับสูง: การวาดภาพที่สมบูรณ์แบบ, ความคล่องแคล่วของสีและแสงและเงา, การใช้เทคนิคการจัดองค์ประกอบที่ซับซ้อนที่สุด
ทักษะนี้สร้างความประทับใจอย่างมากในภาพของ Akimov อายุสิบเก้าปี "Grand Duke Svyatoslav จูบแม่และลูก ๆ ของเขาเมื่อเขากลับมาจากแม่น้ำดานูบไปยังเคียฟ" เขียนภายใต้อิทธิพลอันยิ่งใหญ่ของครู แต่ที่มืออาชีพ ระดับของศิลปินที่ค่อนข้างเป็นผู้ใหญ่ ต่อมา อากิมอฟ (ค.ศ. 1754-1814) สร้างภาพเขียนจำนวนหนึ่งซึ่งส่วนใหญ่เป็นธีมในตำนาน (เช่น "การเผาตัวเองของเฮอร์คิวลีส") ซึ่งสอนที่ Academy มาเป็นเวลานานในคราวเดียว ในปี 1804 เขาเขียนหนึ่งในบทความแรกเกี่ยวกับศิลปะรัสเซีย - "A Brief Historical News about Some Russian Artists"
ท่ามกลางผลงานของ P.I. Sokolov (1753-1791) ภาพวาด "Mercury and Argus" นั้นน่าสนใจเป็นพิเศษซึ่งร่างของชายผู้แข็งแกร่งที่หลับใหลอย่างไว้วางใจและ Mercury เจ้าเล่ห์ที่ร้ายกาจซึ่งกำลังจะโจมตีเขาด้วยดาบนั้นตรงกันข้าม โซโคลอฟยังเป็นที่รู้จักในฐานะหนึ่งในนักเขียนแบบร่างวิชาการที่ดีที่สุด: การพรรณนาถึงพี่เลี้ยงของเขาด้วยดินสออิตาลีและชอล์กบนกระดาษสี ถือว่านักวิจารณ์ศิลปะเป็นหนึ่งในความสำเร็จสูงสุดของกราฟิกรัสเซียในศตวรรษที่ 18
ผลงานของ M. Puchinov (1716-1797) มีความโดดเด่นด้วยการตกแต่งที่เพิ่มขึ้นซึ่งมาจากภาพวาดของรัสเซียในกลางศตวรรษและโดยทั่วไปแล้วไม่ธรรมดาสำหรับศิลปะคลาสสิก ตัวอย่างขององค์ประกอบที่ตกแต่งและมีสีสันเช่นภาพวาด "การประชุมของอเล็กซานเดอร์มหาราชกับไดโอจีเนส" ซึ่งแสดงให้เห็นการพบปะกับปราชญ์อเล็กซานเดอร์มหาราชซึ่งเขาได้รับตำแหน่งนักวิชาการในปี พ.ศ. 2305
อีวาน อากิมอฟ. โพรมีธีอุสสร้างรูปปั้นตามคำสั่งของมิเนอร์วา 1775
ผ้าใบ, สีน้ำมัน. พิพิธภัณฑ์ State Russian ขนาด 125 x 93 ซม.
อีวาน อากิมอฟ. ดาวเสาร์ถือเคียวนั่งบนก้อนหินและตัดปีกของกามเทพ 1802
ผ้าใบ, สีน้ำมัน. 44.5 x 36.6 ซม.The State Tretyakov Gallery
มัตวีย์ ปูชินอฟ การประชุมของอเล็กซานเดอร์มหาราชกับไดโอจีเนส
สีน้ำมันบนผ้าใบ 217 x 148 ซม. พิพิธภัณฑ์ State Russian
จีไอ Ugryumov (1764-1823) เขาหลงรักประวัติศาสตร์รัสเซียและวาดโครงเรื่องสำหรับภาพวาดของเขา เขาวาดภาพบนผืนผ้าใบขนาดใหญ่ที่มีหลายรูปร่างซึ่งอุทิศให้กับเหตุการณ์สำคัญทางประวัติศาสตร์ เติมแนวคิดเหล่านั้นให้ใกล้เคียงกับสังคมรัสเซียในช่วงเปลี่ยนศตวรรษ ตัวอย่างเช่น ในภาพวาด "การเรียกร้องของมิคาอิล เฟโดโรวิช สู่ราชอาณาจักรเมื่อวันที่ 14 มีนาคม ค.ศ. 1613" (ไม่เกินปี ค.ศ. 1800) เขาได้พัฒนาประเด็นเรื่องอำนาจเป็นหน้าที่และภาระที่เกี่ยวข้องตลอดเวลา มิคาอิลหนุ่มแม้ว่าจะไม่มั่นใจในความสามารถของเขา แต่เชื่อฟังเจตจำนงของประชาชนที่เลือกเขาเข้าสู่อาณาจักรเพราะเขารู้สึกรับผิดชอบต่อประชาชนและปิตุภูมิ
วีรบุรุษของ Ugryumov ไม่เพียงแต่จะเป็นผู้ปกครองและผู้บัญชาการเท่านั้น ("การเข้าเมืองอย่างเคร่งขรึมของ Alexander Nevsky สู่เมือง Pskov หลังจากชัยชนะเหนือชาวเยอรมัน", "การจับกุม Kazan") แต่ยังรวมถึงคนธรรมดาเช่น Yan ช่างหนังในตำนานของเคียฟ Usmar ("ทดสอบความแข็งแกร่งของ Yan Usmar") ผืนผ้าใบของเขามีลักษณะเฉพาะ นอกเหนือจากความสมบูรณ์เชิงความหมาย การแก้ปัญหาองค์ประกอบที่แสดงออก สีสันที่เข้มข้น การเล่นที่สดใสของ chiaroscuro
Ugryumov กลายเป็นครูสอนการวาดภาพประวัติศาสตร์ที่ Academy ในช่วงต้นทศวรรษที่ 1990 (ไม่นานหลังจากที่เขาจบการศึกษา) และยังคงอยู่มานานกว่ายี่สิบปี เขาได้ปรับปรุงวิธีการสอนการวาดภาพให้เป็นอิสระมากขึ้น ใกล้ชิดกับธรรมชาติมากขึ้น งดงาม ฝึกอบรมทางเทคนิคซึ่งทางสถาบันได้มอบให้แก่นักเรียนในศตวรรษหน้า ส่วนใหญ่แล้วคือข้อดีของเขา
กริกอรี่ อูกรียูมอฟ. การเรียกมิคาอิล เฟโดโรวิช โรมานอฟ สู่ราชอาณาจักรเมื่อวันที่ 14 มีนาคม ค.ศ. 1613 ไม่เกิน 1800
ผ้าใบ, สีน้ำมัน. 510 x 393 ซม.พิพิธภัณฑ์ State Russian
กริกอรี่ อูกรียูมอฟ. การยึดเมืองคาซานเมื่อวันที่ 2 ตุลาคม ค.ศ. 1552 ไม่เกินปี ค.ศ. 1800 สีน้ำมันบนผ้าใบ 510 x 380 ซม.
พิพิธภัณฑ์ศิลปะแห่งชาติสาธารณรัฐเบลารุส มินสค์
กริกอรี่ อูกรียูมอฟ. การเข้ามาของ Alexander Nevsky อย่างเคร่งขรึมเข้าสู่เมือง Pskov หลังจากชัยชนะเหนือชาวเยอรมัน พ.ศ. 2336 (พ.ศ. 2337) สีน้ำมันบนผ้าใบ 197.5 × 313.5 ซม. พิพิธภัณฑ์ State Russian
กริกอรี่ อูกรียูมอฟ. ทดสอบความแข็งแกร่งโดย Jan Usmar 1796 (1797?)
สีน้ำมันบนผ้าใบ 283 x 404 ซม. พิพิธภัณฑ์ State Russian
ช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 เป็นช่วงเวลาแห่งศิลปะภาพเหมือนของรัสเซียที่เพิ่มขึ้น ปรมาจารย์รุ่นใหม่กำลังมา พร้อมกับแนวคิดและแนวคิดใหม่ๆ ว่าภาพเหมือนควรเป็นอย่างไร ความคลาสสิคมีอิทธิพลต่อพวกเขา แต่มีขอบเขตน้อยกว่าจิตรกรประวัติศาสตร์มาก ขับเคลื่อนด้วยความสนใจอย่างแรงกล้าในบุคลิกภาพของมนุษย์ พวกเขามุ่งมั่นที่จะแสดงให้เห็นอย่างลึกซึ้งและหลากหลายที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้ ประเภทของภาพเหมือนกำลังขยายออกไป: เครื่องแต่งกายและภาพเหมือนในตำนานถูกเพิ่มเข้าไปในภาพบุคคลในพิธีการและห้องที่มีอยู่แล้ว วงสังคมของนางแบบกำลังเพิ่มขึ้น - ยิ่งไปกว่านั้น ซึ่งเป็นเรื่องปกติ ส่วนใหญ่มาจากคนที่ทำงานสร้างสรรค์ซึ่งได้รับชื่อเสียงในด้านความสามารถและความรู้ ไม่ใช่คนที่มีต้นกำเนิดสูง ศิลปะการวาดภาพเหมือนหยุดเป็นชนชั้นสูงและไปไกลกว่าเมืองหลวง: ผู้ที่อาศัยอยู่ในจังหวัดของรัสเซียก็ต้องการที่จะทำให้ตัวเองเป็นอมตะเพื่อลูกหลานและด้วยความพยายามของจิตรกรประจำจังหวัดจำนวนมากจึงมีการสร้างแกลเลอรี่ภาพมากมาย เนื้อหาที่น่าสนใจสำหรับนักวิจารณ์ศิลปะและนักประวัติศาสตร์
กล่าวอีกนัยหนึ่งศิลปะการวาดภาพบุคคลสามารถเรียกได้ว่าเป็นจุดสุดยอดของภาพวาดรัสเซียในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษได้อย่างปลอดภัย ประการแรก การประชุมสุดยอดนี้มีสองชื่อ: Rokotov และ Levitsky
Rokotov และ Levitsky ใครก็ตามที่เคยเห็นภาพเหมือนที่สร้างขึ้นโดยพวกเขาจะอยู่ภายใต้เสน่ห์ของพวกเขาตลอดไป คล้ายกันและแตกต่างกันมาก เลวิตสกี้ผู้สง่างาม เล่นกับรูปภาพ ใช้รายละเอียดอย่างไม่เห็นแก่ตัว อุปมานิทัศน์ คำย่อ - บางครั้งเขาก็ไม่รังเกียจที่จะเล่นกลกับนางแบบของเขาด้วยทัศนคติที่เปี่ยมด้วยความรักต่อพวกเขา และ Rokotov ลึกลับ - ใบหน้าในภาพวาดของเขาโผล่ออกมาจากความมืดมนที่คลุมเครือตื่นเต้นและดึงดูดอย่างผิดปกติ ... ด้วยเทคนิคที่ซ้ำซากจำเจทำให้เขาเข้าถึงความลึกทางจิตวิทยาที่น่าทึ่งและความแข็งแกร่งของผลกระทบทางอารมณ์ นักประวัติศาสตร์ศิลป์บางครั้งเปรียบเทียบศิลปินเหล่านี้กับจิตรกรภาพเหมือนผู้ยิ่งใหญ่อีกสองคนคือ British, Reynolds และ Gainsborough อันที่จริงความคล้ายคลึงกันนั้นชัดเจน แน่นอน เราไม่ได้พูดถึงอิทธิพลหรือการยืมใดๆ นี่คือความใกล้ชิดภายใน ยุคหนึ่งกระบวนการทางประวัติศาสตร์ที่คล้ายคลึงกัน ... ผู้คนที่อาศัยอยู่ในส่วนต่าง ๆ ของยุโรปมักจะพบว่าตัวเองเหมือนกันมากกว่าด้วยเหตุผลบางอย่างที่เชื่อกันทั่วไป
บนหน้า 65:
เฟดอร์ โรโคตอฟ ภาพเหมือนของ Praskovya Nikolaevna Lanskoy ต้นปี 1790 ผ้าใบ, สีน้ำมัน. 74 x 53 ซม. (โอปอล) หอศิลป์ Tretyakov ของรัฐ
เฟดอร์ โรโคตอฟ ภาพเหมือนของ Varvara Ermolaevna Novosiltseva 1780 สีน้ำมันบนผ้าใบ. 70.5 x 59 ซม. (วงรี) หอศิลป์ Tretyakov ของรัฐ
เราไม่รู้อะไรมากเกี่ยวกับชีวิตของ Fyodor Stepanovich Rokotov วันเกิดของเขาเป็นที่ถกเถียงกัน: 1732 หรือ 1735; และอาจจะ 1736 (ศิลปินเสียชีวิตในปี 2351) เป็นที่ทราบกันดีว่าเขาเกิดในครอบครัวทาสและได้รับอิสรภาพหลังจากที่เขาเริ่มวาดภาพ เขาได้รับชื่อเสียงตั้งแต่เนิ่นๆ ในช่วงปลายทศวรรษที่ 50 เมื่อเขายังห่างไกลจากอายุสามสิบ เขาได้รับมอบหมายให้แสดงภาพเหมือนของ Grand Duke Peter Fedorovich (อนาคต Peter III) ในเวลาเดียวกัน เขาวาดภาพแปลก ๆ สำหรับงานของเขา - หนึ่งในการตกแต่งภายในของรัสเซียชุดแรก "คณะรัฐมนตรีของ I.I. ชูวาลอฟ " นี่ไม่ใช่แค่การตกแต่งภายใน แต่เป็น "ภาพเหมือนที่ไม่มีโมเดล" (แต่เรายังเห็น Shuvalov: ภาพเหมือนของเขาโดย J.-L. de Vally แขวนอยู่บนผนังสำนักงาน) เคาท์อีวาน ชูวาลอฟไม่เพียงแต่เป็นรัฐบุรุษที่สำคัญเท่านั้น แต่ยังเป็นหนึ่งในผู้มีการศึกษามากที่สุดในยุคของเขา ผู้ก่อตั้งมหาวิทยาลัยมอสโก นักเลงและนักเลงศิลปะ ภาพวาดของ Rokotov ซึ่งจำลองบรรยากาศในสำนักงานของเขาด้วยความถูกต้องของเอกสาร ทำให้บรรยากาศของเขาฟื้นคืนชีพ ช่วยให้เราเข้าใจบุคคลที่ไม่ธรรมดาคนนี้ได้ดียิ่งขึ้น
จนถึงช่วงกลางทศวรรษที่หกสิบ Rokotov อาศัยอยู่ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ถึงอย่างนั้น เขามีคำสั่งมากมายที่แม้ว่าเขาจะทำงานเร็วมาก แต่รายละเอียดเล็กๆ น้อยๆ ของภาพเหมือนก็ต้องทำให้เสร็จโดยนักเรียน หนึ่งในผู้ร่วมสมัยของเขาเขียนด้วยความกระตือรือร้นเกี่ยวกับภาพเหมือนอันงดงามของ A.P. Sumarokov สร้างขึ้นในสามช่วงเท่านั้น: "... คุณเกือบจะเล่นแล้วทำเครื่องหมายเฉพาะรูปลักษณ์ของใบหน้าและความคมชัดของสายตา (จ้องมอง) ของ evo ในเวลานั้นจิตวิญญาณที่ร้อนแรงของ evo ด้วยความอ่อนโยนของ หัวใจบนผืนผ้าใบที่คุณฟื้นคืนชีพไม่ได้ซ่อน asya ... "
เฟดอร์ โรโคตอฟ ภาพเหมือนของ Varvara Nikolaevna Surovtseva ช่วงครึ่งหลังของปี 1780
ผ้าใบ, สีน้ำมัน. 67.5 x 52 ซม. (วงรี) พิพิธภัณฑ์รัฐรัสเซีย
เฟดอร์ โรโคตอฟ ภาพเหมือนของ Agrafena (Agrippina?) Mikhailovna Pisareva (?),
เกิด Durasova ครึ่งแรกของปี 1790
ผ้าใบ, สีน้ำมัน. 63.5 x 49.5 ซม. (วงรี) พิพิธภัณฑ์รัฐรัสเซีย
เฟดอร์ โรโคตอฟ ภาพเหมือนของเคาน์เตส Elizaveta Vasilyevna Santi เกิด Lachinova 1785
ผ้าใบ, สีน้ำมัน. 72.5 x 56 ซม. (วงรี) พิพิธภัณฑ์รัฐรัสเซีย
ภาพเหมือนของ Grand Duke Pavel Petrovich ซึ่งวาดในปี 1761 นั้นดีมาก ไม่กี่ทศวรรษต่อมา ชายผู้นี้จะกลายเป็นจักรพรรดิรัสเซียที่มีความลึกลับและมีนิสัยที่เข้าใจยากและ ชะตากรรมที่น่าเศร้า... ในขณะเดียวกัน ก็เป็นเพียงแค่เด็กชายตัวเล็ก ๆ ที่มีชีวิตชีวาและตามอำเภอใจ เสน่ห์ของวัยเด็กเน้นด้วยการผสมผสานที่อบอุ่นของโทนสีทองและสีแดงซึ่งสร้างสีของภาพ
ประมาณปี พ.ศ. 2309 ศิลปินย้ายไปมอสโก ในช่วงอายุหกสิบเศษและแปดสิบ ผลงานที่ดีที่สุดของเขาถูกเขียนขึ้น: ภาพเหมือนของ V.I. ไมโคว่า A.I. Vorontsova, A.M. โอเบรสโคว่า, เอ. ยู. Kvashina-Samarina, V.E. Novoseltseva, ป.ล. Lanskoy, E.V. สันติ สามีและภรรยาของ Struiskys และ Surovtsevs และอื่นๆ อีกมากมาย เขาเขียนในลักษณะห้องที่เคร่งครัด เมื่อเวลาผ่านไปแสดงให้เห็นถึงแรงดึงดูดที่เพิ่มขึ้นต่อความเรียบง่ายแบบคลาสสิก รายละเอียดน้อยที่สุด พื้นหลังสีเข้มเรียบง่าย ความสนใจของผู้ชมทั้งหมดถูกดึงดูดไปที่ใบหน้าของนางแบบ ใบหน้าเหล่านี้แตกต่างกันมาก พวกเขารวมกันเป็นหนึ่งโดยข้อเท็จจริงที่ว่าพวกเขาทั้งหมดได้รับจิตวิญญาณ Rokotov ไม่ได้วาดภาพคนตัวเล็ก ๆ หรือมากกว่านั้นเขาสามารถแยกแยะความลึกของมันในทุกคนที่โพสท่าให้เขา ตาที่มีชีวิตชีวามองมาที่เราตอนนี้อย่างเย้ยหยัน ตอนนี้เศร้า ตอนนี้ด้วยความวิตกกังวลอย่างระทมทุกข์ มีความลึกลับในตัวพวกเขาอยู่เสมอ ความลึกลับของชีวิตที่เราไม่รู้จัก การไม่สามารถคลี่คลายความกังวลของเธอทำให้เธอมีเพื่อนซ้ำแล้วซ้ำอีก ...
บางทีสิ่งที่ดีที่สุดเกี่ยวกับเอฟเฟกต์การสะกดจิตที่ภาพบุคคล Rokotov มีต่อผู้ชมกวี Nikolai Zabolotsky กล่าวว่า:
... คุณจำได้ไหมว่าจากความมืดมิดในอดีต
แทบห่อด้วยผ้าซาติน
จากรูปเหมือนของ Rokotov อีกครั้ง
Struyskaya มองมาที่เราหรือไม่?
ตาของเธอเหมือนหมอกสองสาย
ครึ่งยิ้ม ครึ่งร้องไห้
ดวงตาของเธอเปรียบเสมือนการหลอกลวงสองครั้ง
ปกคลุมไปด้วยหมอกแห่งความล้มเหลว
การรวมกันของสองปริศนา,
กึ่งยินดี กึ่งหวาดกลัว
ความอ่อนโยนอย่างบ้าคลั่ง
คาดโทษประหารชีวิต ...
(จากบทกวี "ภาพเหมือน", 2497)
Dmitry Grigorievich Levitsky (1735-1822) เกิดและใช้เวลาช่วงปีแรก ๆ ในยูเครน ศิลปะติดตามเขามาตั้งแต่เด็ก: พ่อของเขานักบวชชอบแกะสลักและถือเป็นหนึ่งในช่างแกะสลักชาวยูเครนที่ดีที่สุด อย่างไรก็ตาม เป็นการยากที่จะบอกว่าชะตากรรมของ Levitsky จะพัฒนาไปอย่างไรหากไม่ได้พบปะกับ A.P. Antropov ผู้ซึ่งมาที่เคียฟเพื่อดูแลภาพวาดในโบสถ์เซนต์แอนดรูว์ Antropov สังเกตเห็นพรสวรรค์ของ Dmitry และพาเขาไปเป็นนักเรียน
เลวิตสกี้ได้เรียนรู้มากมายจากครูของเขา ประการแรก - ความสามารถในการให้ลักษณะที่ถูกต้องและชัดเจนของบุคคลที่ถูกพรรณนา แต่เขาไปไกลกว่า Antropov มาก เติมเต็มงานของเขาด้วยความลึก ลงทุนในมนุษยนิยมและมุมมองที่กว้างซึ่งทำให้เขาคล้ายกับ Rokotov
ภาพวาดแรกทำให้เราพูดถึงเลวิตสกี้ในฐานะศิลปินที่เป็นผู้ใหญ่เขาวาดเมื่ออายุหกสิบเศษและเจ็ดสิบ ภาพเหล่านี้เป็นภาพของ A.F. Kokorinov (สถาปนิกชื่อดังผู้สร้างอาคาร Academy of Arts) และ N.A. เซเซโมวา ในภาพเหมือนของ Sezemov ความสนใจถูกดึงดูดไปยังรูปลักษณ์ของบุคคลที่ปรากฎ - ชาวนาซึ่งไม่ธรรมดาสำหรับศิลปะในเวลานั้น ภาพเหมือนของ Denis Diderot ซึ่งวาดในปี พ.ศ. 2316 เมื่อนักปรัชญาชาวฝรั่งเศสมาที่เซนต์ปีเตอร์สเบิร์กก็น่าสนใจเช่นกัน
ในปี ค.ศ. 1773 เลวิตสกี้ได้รับคำสั่งซื้อจำนวนมากจากแคทเธอรีนที่ 2 จนถึงปี พ.ศ. 2319 เขายังคงทำงานเกี่ยวกับ "Smolyanka" ซึ่งเป็นภาพเหมือนของนักเรียนของสถาบัน Smolny ซึ่งเป็นภาพที่จะเชิดชูชื่อของเขาตลอดไปแม้ว่าเขาจะไม่ได้ทาสีอย่างอื่นก็ตาม ความประทับใจทั่วไปที่เกิดขึ้นเมื่อตรวจสอบภาพบุคคลที่น่าทึ่งเหล่านี้สามารถแสดงออกมาได้สองสามคำ: ความสุข ความยินดี การเฉลิมฉลอง! เด็กสาวเจ้าเล่ห์เหล่านี้ในชุดละครที่แสดงฉากอภิบาลต่อหน้าศิลปินอย่างชาญฉลาด เป็นเพียงปาฏิหาริย์ที่พวกเขาทำได้ดีเพียงใด นี่คือที่ซึ่งชาวรัสเซียตัวน้อยที่มีแดดส่องถึงได้ระบายความรักในชีวิต การมองโลกในแง่ดี ความชื่นชมในความจริงของการเป็น ภาพเหมือนแต่ละภาพเป็นงานอิสระ Smolyanka แต่ละคนมีลักษณะเฉพาะของตัวเอง แต่ทั้งหมดรวมกันเป็นหนึ่งความหมายและโวหารที่ยอดเยี่ยมและด้วยความกระตือรือร้นไม่น้อยไปกว่าใบหน้าของพวกเขาศิลปินเขียนชุดของพวกเขาโดยถ่ายทอดคุณสมบัติของผ้าอย่างเชี่ยวชาญ: ผ้าไหมและผ้าซาติน, กำมะหยี่, ลูกไม้และผ้า
และนี่คือภาพที่สวยงามอีกภาพหนึ่ง ซึ่งวาดทั้งหมดในปี 1773 เดียวกัน ในนั้นเลวิตสกี้ไม่เพียงแสดงทักษะและอารมณ์ขันเท่านั้น แต่อาจแสดงความกล้าหาญเป็นพิเศษ นี่คือภาพเหมือนของพ่อพันธุ์แม่พันธุ์ที่มีชื่อเสียง P.A. เดมิดอฟ ภาพเหมือนเป็นพิธีการ: Demidov ปรากฎในท่าที่น่าภาคภูมิใจในการเติบโตอย่างเต็มที่ข้างหลังเขาอย่างที่ควรจะเป็นมีเสาและผ้าม่าน อย่างไรก็ตาม เขาไม่ได้แต่งกายด้วยชุดเครื่องแบบตามคำสั่ง แต่สวมหมวกและชุดคลุมประจำบ้าน และไม่เอนกายบนแผ่นพับหรือหน้าอกของศิลปินผู้ยิ่งใหญ่ แต่อยู่บนกระป๋องรดน้ำ ท่าทางสง่างามของมือถูกส่งไปยังกระถางดอกไม้: นี่คือความสำเร็จหลักและผลงานตลอดชีวิต! แน่นอนว่าความหมายที่น่าขันของภาพเหมือนไม่ใช่เพียงแค่การแช่ตัวของนางแบบในสภาพแวดล้อมของบ้านเท่านั้น: เทคนิคดังกล่าวซึ่งพบมากกว่าหนึ่งครั้งในการวาดภาพเหมือนของศตวรรษที่ 18 จะเพิ่มความจริงใจและความอบอุ่นให้กับภาพเท่านั้น . แต่มันเป็นการผสมผสานกันอย่างลงตัวของความไม่ลงรอยกันที่ช่วยให้คำอธิบายที่แม่นยำอย่างร้ายแรงของ Demidov ซึ่งในอีกด้านหนึ่งมีความคิดที่โดดเด่นและในอีกด้านหนึ่งมีนิสัยที่แปลกประหลาดมากพร้อมสัญญาณที่ชัดเจนของการปกครองแบบเผด็จการที่ไร้สาระ
ลักษณะเฉพาะที่แม่นยำนี้เป็นลักษณะเฉพาะของภาพบุคคลทั้งหมดโดย Levitsky เขารู้วิธีสังเกตสิ่งสำคัญในคนอย่างสมบูรณ์แบบและสร้างองค์รวม ภาพที่สดใส... และเขาไม่เคยอ้างถึงแบบจำลองของเขาด้วยความเป็นกลางอย่างเยือกเย็น หากเขาชอบใครสักคน เขาวาดภาพที่เปล่งประกายด้วยความอบอุ่น (ภาพเหมือนของ MA Dyakova-Lvova พ่อของศิลปินและลูกสาวของเขา สามีและภรรยา Bakunins และอื่นๆ)
มิทรี เลวิตสกี้ ภาพเหมือนของนักบวช (G.K. Levitsky?) พ.ศ. 2322
ผ้าใบ, สีน้ำมัน. 71.2 x 58 ซม.The State Tretyakov Gallery
มิทรี เลวิตสกี้ ภาพเหมือนของสถาปนิก Alexander Filippovich Kokorinov 1769
มิทรี เลวิตสกี้ ภาพเหมือนของนักเรียนของสมาคมการศึกษาอิมพีเรียลสำหรับสตรีผู้สูงศักดิ์ Feodosia Stepanovna Rzhevskaya และ Nastasya Mikhailovna Davydova พ.ศ. 2315
ผ้าใบ, สีน้ำมัน. 161 x 103 ซม. พิพิธภัณฑ์ State Russian
มิทรี เลวิตสกี้ ภาพเหมือนของนักเรียนของสมาคมการศึกษาอิมพีเรียลสำหรับสตรีผู้สูงศักดิ์ Ekaterina Ivanovna Nelidova 1773
สีน้ำมันบนผ้าใบ 164 x 106 ซม. พิพิธภัณฑ์ State Russian
มิทรี เลวิตสกี้ ภาพเหมือนของ Ekaterina Ivanovna ลูกศิษย์ของ Imperial Educational Society for Noble Maidens
มอลชาโนวา พ.ศ. 2319 สีน้ำมันบนผ้าใบ พิพิธภัณฑ์รัสเซียแห่งรัฐ 181.5 x 142.5 ซม.
มิทรี เลวิตสกี้ ภาพเหมือนของ Natalia Semyonovna ลูกศิษย์ของ Imperial Educational Society for Noble Maidens
บอร์ชโชวา พ.ศ. 2319 สีน้ำมันบนผ้าใบ 196.5 x 134.5 ซม. พิพิธภัณฑ์ State Russian
มิทรี เลวิตสกี้ ภาพเหมือนของ Ivan Logginovich Golenishchev-Kutuzov
ผ้าใบ, สีน้ำมัน. 80.3 x 63.2 ซม. พิพิธภัณฑ์ประวัติศาสตร์แห่งรัฐมอสโก
มิทรี เลวิตสกี้ ภาพเหมือนของ Alexander Vasilyevich Suvorov พ.ศ. 2329
ผ้าใบ, สีน้ำมัน. 80.5 x 62.5 cm.V.A. ศิลปิน Tropinin และมอสโกในสมัยของเขา, มอสโก
มิทรี เลวิตสกี้ ภาพเหมือนของ Anna Stepanovna Protasova อดีตแม่บ้านผู้มีเกียรติของ Catherine II 1800
ผ้าใบ, สีน้ำมัน. 81.5 x 64.5 ซม.พิพิธภัณฑ์ State Russian
มิทรี เลวิตสกี้ ภาพเหมือนของแคทเธอรีนที่ 2 ค. 1782
ผ้าใบ, สีน้ำมัน. พิพิธภัณฑ์รัฐ- สำรอง "พาฟลอฟสค์"
ปีเตอร์ ดรอซดิน ภาพเหมือนของแคทเธอรีนที่ 2 พ.ศ. 2339
ผ้าใบ, สีน้ำมัน. 251 x 187 ซม. The State Tretyakov Gallery
เออร์โมเลย์ คาเมเชนคอฟ ภาพเหมือนของผู้ร่วมงานกิตติมศักดิ์ของ Academy of Arts จิตรกร Johann Friedrich Groth 1780
ผ้าใบ, สีน้ำมัน. พิพิธภัณฑ์ State Russian 134 x 102 ซม.
แต่ความเฉลียวฉลาดภายนอกที่ตระการตาที่สุดไม่สามารถทำให้เขาซ่อนความเย่อหยิ่ง ความใจกว้าง หรือการหลอกลวงที่เขาสังเกตเห็นได้ (เช่น ในภาพเหมือนของเออร์ซูลา มนิสเซกและแอนนา เดเวีย)
อย่างไรก็ตามในบรรดาผลงานของ Levitsky มีงานหนึ่งที่เขาไม่อนุญาตให้แสดงอคติทางศิลปะ เรากำลังพูดถึงภาพเหมือนที่มีชื่อเสียงของ Catherine II (รุ่นแรกถูกสร้างขึ้นในปี ค.ศ. 1783) ที่นี่เขาต้องเผชิญกับงานที่กำหนดไว้อย่างชัดเจน: การสร้างภาพลักษณ์ของจักรพรรดินี - สมาชิกสภานิติบัญญัติ, ศูนย์รวมของแนวคิดเรื่องราชาธิปไตยที่รู้แจ้ง แนวคิดนี้เป็นที่นิยมในสังคมในขณะนั้น เลวิตสกี้เองก็แบ่งปัน - นั่นคือเหตุผลที่เขาสามารถสร้างผืนผ้าใบนี้ด้วยความเฉลียวฉลาดคล้ายกับบทกวีเคร่งขรึมในจิตวิญญาณของเฟลตซาของ Derzhavin
เป็นเวลากว่าสิบห้าปีแล้ว (ตั้งแต่ปี ค.ศ. 1771 ถึง ค.ศ. 1787) เลวิตสกี้สอนการวาดภาพเหมือนที่ Academy of Arts นักเรียนของเขาคือ Shchukin จิตรกรภาพเหมือนที่โดดเด่นซึ่งเป็นของศิลปินรัสเซียรุ่นต่อไปแล้ว แน่นอน อิทธิพลของเขาไม่เพียงแต่สัมผัสได้จากคนที่เขาสอนการวาดภาพเท่านั้น เราสามารถพูดคุยเกี่ยวกับศิลปินทั้งหมดในยุคนั้นได้ใกล้เคียงกับ Levitsky อย่างมีสไตล์และมุมมองเกี่ยวกับภาพบุคคล
ก่อนอื่นก็คือ P.S. Drozhdin (1745-1805) ซึ่งนอกเหนือจาก Levitsky ยังศึกษากับ Antropov และเขียนภาพที่อบอุ่นและถูกต้องทางจิตใจในปี 1776 ซึ่งแสดงถึง Antropov กับลูกชายของเขาต่อหน้าภาพภรรยาของเขา หรือที่รู้จักก็คือภาพเหมือนของชายหนุ่มในชุดสีฟ้าคราม (พ.ศ. 2318) ชาวตเวียร์ (พ.ศ. 2322) และอีกหลายคน ซึ่งประกอบขึ้นเป็นแกลเลอรีของตัวละครมนุษย์ที่แตกต่างกันมาก
เป็นไปไม่ได้ที่จะไม่พูดถึง E.D. Kamezhenkov (1760-1818) ซึ่งผลงานที่ดีที่สุด ("ภาพเหมือนของชายนิรนามในชุดสีม่วง", "ภาพเหมือนตนเองกับอเล็กซานดราลูกสาวของเขา" ภาพเหมือนของลูกสาวของเขากับพี่เลี้ยง IF Grot) ยังแสดงลักษณะของเขาในฐานะศิลปิน ของวงกลมของเลวิตสกี้
มิคาอิล ชิบานอฟ. อาหารกลางวันชาวนา. พ.ศ. 2317
ผ้าใบ, สีน้ำมัน. 103 x 120 ซม.The State Tretyakov Gallery
แน่นอนว่าเราได้ระบุรายชื่อจิตรกรภาพเหมือนที่ทำงานในรัสเซียในช่วงสมัยของแคทเธอรีน มีอยู่มากมายในเมืองหลวงและต่างจังหวัด รวมถึงศิลปินต่างประเทศที่ประสบความสำเร็จไม่มากก็น้อยเข้ากับภาพรวมของภาพวาดรัสเซีย (ตัวอย่างเช่นเราสามารถตั้งชื่อ K. Khristinek ซึ่งใกล้เคียงกับ Rokotov ในลักษณะของเขา) ศิลปะการวาดภาพบุคคลยังคงพัฒนาอย่างต่อเนื่อง เมื่อถึงศตวรรษที่ 18 มันเข้าสู่เวทีใหม่
ตรงกันข้ามกับภาพเหมือน ประเภทของแนวเพลงในศตวรรษที่ 18 เพิ่งเกิดขึ้นใหม่ ความมั่งคั่งจะมาถึงในศตวรรษหน้า ซึ่งเป็นที่รู้จักจากแนวโน้มประชาธิปไตย ในระหว่างนี้ ศิลปินที่ชื่นชมความงามของชีวิตประจำวัน กำลังมองหาธีมและโครงเรื่องใหม่ และมองด้วยความอยากรู้อย่างระมัดระวังในการเปิดโอกาส
ชีวิตของสามัญชนซึ่งส่วนใหญ่เป็นชาวนาถูกเปิดเผยแก่พวกเขา
ปัญหาชาวนาในรัสเซียนั้นรุนแรงมาโดยตลอด โดยเฉพาะอย่างยิ่งหลังจากสงคราม Pugachev ที่ทำลายล้าง อย่างไรก็ตาม สังคมที่มีการศึกษาไม่ต้องการที่จะเห็นชาวนามีแต่โจรหรือผู้หารายได้ทางวัตถุที่ไร้หน้าและไม่ได้รับสิทธิในทรัพย์สินทางวัตถุ การตระหนักว่านี่คือคนรัสเซียที่เกิดในตัวเขา ดังนั้นความสนใจในชีวิตของชาวนา การแต่งกาย พิธีกรรม และประเพณีของชาวนา ในหลาย ๆ ด้านมันก็เป็นเช่นนั้นเช่นกันโดยธรรมชาติ: ชนชั้นสูงของรัสเซีย (สังคมที่มีการศึกษาของศตวรรษที่ 18 อย่างที่คุณรู้เกือบจะเป็นชนชั้นสูงเท่านั้น) ทำความคุ้นเคยกับด้านชีวิตที่แทบไม่มีใครรู้จัก
ในแง่ของความสนใจนี้ เราพิจารณาผลงานของผู้ก่อตั้งประเภทในภาพวาดรัสเซีย มิคาอิล ชิบานอฟ
เราไม่รู้อะไรเลยเกี่ยวกับชีวิตของเขา ยกเว้นที่มาของข้ารับใช้ (อาจเป็นเจ้าชาย Potemkin) และความจริงที่ว่าเขาเขียนผลงานที่ดีที่สุดของเขาในยุค 70 และงานก็ยอดเยี่ยม รูปภาพเช่น "งานเลี้ยงอาหารค่ำของชาวนา" "การสมรู้ร่วมคิด" และโดยเฉพาะอย่างยิ่ง "การเฉลิมฉลองสัญญาแต่งงาน" ทำให้สามารถเทียบเคียงได้ ศิลปินที่ดีที่สุดเวลาของเขา แน่นอนว่าเขารู้ดีถึงชีวิตที่เขาแสดงให้เห็นในภาพวาดของเขา ที่ด้านหลังหนึ่งในนั้นระบุว่าเป็นตัวแทนของ "จังหวัดของชาวนา Suzdal" และเขียนว่า "ในจังหวัดเดียวกันในหมู่บ้าน Tatarovo" เครื่องแต่งกายของรัสเซียในชีวิตประจำวันและงานรื่นเริงนั้นถูกวาดอย่างสวยงามบนผืนผ้าใบโดยมีการแสดงรายละเอียดของชีวิตประจำวันอย่างแท้จริง แต่สิ่งสำคัญสำหรับชิบานอฟคือใบหน้าของเขา พวกเขามีชีวิตอยู่อย่างสมบูรณ์ ตัวละครและอารมณ์ที่หลากหลาย! และใบหน้าของหญิงชราจาก "The Celebration of the Wedding Contract" ในความคิดของเรานั้นเป็นผลงานชิ้นเอกที่แท้จริง
มิคาอิล ชิบานอฟ. ภาพเหมือนของ Count A.M. ดมิทรีเยฟ-มาโมนอฟ พ.ศ. 2330
ผ้าใบ, สีน้ำมัน. พิพิธภัณฑ์ศิลปะแห่งรัฐ Nizhny Novgorod
Mikhail Shibanov ภาพเหมือนของ Catherine II พ.ศ. 2330 สีน้ำมันบนผ้าใบ 70 x 59 ซม.
พิพิธภัณฑ์พระราชวังและอุทยาน - เขตสงวน "กัตชินา"
ความเชี่ยวชาญของ Shibanov ไม่เพียงแสดงออกในการวาดภาพทุกวันเท่านั้น เขาวาดภาพเหมือนของแคทเธอรีนที่ 2 ที่สวยงามหลายภาพในชุดสูทเดินทาง ซึ่งเป็นภาพที่เธอโปรดปรานของ A.M. ดมิทรีเยฟ-มาโมนอฟ, สปิริดอนอฟ, เนสเตอรอฟ แต่แน่นอนว่าเขาเข้าสู่ประวัติศาสตร์ศิลปะรัสเซียในฐานะผู้ค้นพบธีมพื้นบ้าน
I. Ermenev (1746 - หลัง 1789) นักวาดภาพสีน้ำและกราฟิกลูกชายของเจ้าบ่าวที่สำเร็จการศึกษาจาก Academy of Arts และเป็นที่รู้จักในการเข้าร่วมในการจับกุม Bastille เมื่อวันที่ 14 กรกฎาคม 1789 ทำงานในหัวข้อนี้ ด้วยวิธีที่แตกต่างอย่างสิ้นเชิง มีงานน้อยมากที่รอดชีวิตจากงานของเขา: แผ่นกราฟิกจำนวนหนึ่งซึ่งเป็นชุดที่ไม่ธรรมดาที่พัฒนาภาพชาวนา เธอสามารถถูกเรียกว่า "ขอทาน" มันเป็นขอทานที่ Ermenev แสดงให้เห็นในรูปแบบและมุมที่แตกต่างกันในลักษณะพิลึกพิศวงที่แปลกประหลาด เมื่อคุณดูแผ่นของซีรีส์ มีคนรู้สึกว่าการพบปะกับคนโชคร้ายเหล่านี้ครั้งหนึ่งทำให้ศิลปินตกใจอย่างสุดซึ้ง ไม่ใช่เรื่องน่าตกใจที่ในที่สุดก็โยนเขาเข้าสู่พายุนองเลือดของการปฏิวัติฝรั่งเศสหรือไม่ ..
เรื่องราวเกี่ยวกับการวาดภาพในชีวิตประจำวันของศตวรรษที่ 18 จะไม่สมบูรณ์หากเราไม่พูดถึงภาพวาดที่ยอดเยี่ยมโดย I. Firsov "The Young Painter" - หนึ่งในเรื่องแรกที่เกี่ยวข้องกับประเภทนี้ ความลึกลับหลายอย่างเชื่อมโยงกับภาพนี้และผู้แต่ง นี่เป็นคนเดียวกับ Firsov ที่อยู่ในวัยห้าสิบซึ่งเป็นส่วนหนึ่งของทีมที่งดงามของ Chancellery จากอาคารที่สร้าง desudeports แบบบาโรกหรือไม่? ภาพวาดถูกทาสีเมื่อใดและที่ไหน? มีข้อสันนิษฐานว่าในปารีสและแสดงถึงครอบครัวชาวฝรั่งเศส อย่างไรก็ตามหลังไม่สำคัญ ภาพนั้นยอดเยี่ยมจริงๆ ด้วยสีที่สด องค์ประกอบที่เบา ความมีชีวิตชีวาของตัวละครโดยเฉพาะเด็กๆ มันถูกสร้างขึ้นราวกับอยู่ในลมหายใจเดียว และเช่นเดียวกับ Smolyanka ของ Levitsky ที่ทำให้เรารู้สึกถึงแสงสว่างและลมพัดที่รัสเซียในศตวรรษที่ 18 สูดหายใจ
ยุคของแคทเธอรีนมหาราชสิ้นสุดลงในปี พ.ศ. 2339 เธอทิ้งรัสเซียให้มีอำนาจ มั่งคั่ง แต่เต็มไปด้วยปัญหาร้ายแรง ที่ยังคงคุกรุ่นอยู่ แต่จับต้องได้ พวกเขาจะแสดงตัวออกมาอย่างเต็มกำลังในศตวรรษหน้า สถานการณ์ภายนอกก็ยากเช่นกัน การปฏิวัติที่ปะทุขึ้นในฝรั่งเศสได้กวาดล้างสันติภาพและความสมดุลของยุโรปไปอย่างสิ้นเชิง สิ่งที่ถูกมองว่าไม่สั่นคลอนกลับกลายเป็นเปราะบางและอายุสั้น
ในเงื่อนไขเหล่านี้ ความสมมาตรและความแน่นอนทางศีลธรรมของลัทธิคลาสสิคไม่สามารถสอดคล้องกับภารกิจทางจิตวิญญาณของสังคมอีกต่อไป โลกกลับกลายเป็นว่าขัดแย้งกันมากขึ้น คลาสสิกที่เปลี่ยนไป - สไตล์เอ็มไพร์, สไตล์ "จักรวรรดิ" - เน้นไปที่สมัยโบราณ แต่ขาดความชัดเจนตามสัดส่วนที่เข้มงวดซึ่งเป็นลักษณะของมันก่อนหน้านี้ กำลังเข้าสู่แฟชั่น (อีกครั้งครั้งแรกในฝรั่งเศส)
ศิลปินในยุคนี้มีลักษณะเฉพาะด้วยการดิ้นรนเพื่อความเป็นธรรมชาติและความสนใจอย่างแรงกล้าในการเคลื่อนไหวที่ละเอียดอ่อนที่สุดของจิตวิญญาณมนุษย์ ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่เมื่อถึงปลายศตวรรษที่ภูมิทัศน์กลายเป็นประเภทอิสระในภาพวาดของรัสเซีย
ในการออกแบบภูมิทัศน์เป็นประเภท บทบาทที่สร้างขึ้นก่อนหน้านี้และสวม ดังนั้นเพื่อพูด มุมมององค์ความรู้และภูมิประเทศของเมือง สวนสาธารณะ พระราชวัง และสถานที่ที่น่าจดจำต่างๆ มีบทบาท และยังมี - ทิวทัศน์ละคร ภาพเขียนและแผงภายใน องค์ประกอบภูมิทัศน์ของภาพคนและภาพเขียนหลายร่าง ภูมิทัศน์ทำหน้าที่เป็นของตกแต่งหรือพื้นหลังที่ช่วยเพิ่มความประทับใจทางอารมณ์ของงานได้ดีที่สุด แต่เมื่อถึงปลายศตวรรษ ความตระหนักในความจริงที่ว่า ประการแรก ภาพลักษณ์ของธรรมชาติมีค่าในตัวมันเอง และประการที่สอง อารมณ์ของมนุษย์ที่ซับซ้อนที่สุดสามารถแสดงออกผ่านมันได้นั้นแข็งแกร่งขึ้น
Semyon Fedorovich Shchedrin (1745-1804) ถือได้ว่าเป็นผู้ก่อตั้งจิตรกรรมภูมิทัศน์ของรัสเซีย เขาเป็นตัวแทนคนแรกของราชวงศ์ของศิลปินซึ่งได้รับการยกย่องจากจิตรกรภูมิทัศน์ที่โดดเด่นในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 ซิลเวสเตอร์เชดริน แต่งานของเขาเองก็มีบทบาทสำคัญในการพัฒนาศิลปะรัสเซียเช่นกัน
ตามหลักการของลัทธิคลาสสิก Shchedrin เชื่อว่าในภาพวาดของเขาเขาต้อง "แก้ไข" ธรรมชาติโดยเผยให้เห็นสัดส่วนที่ซ่อนอยู่เบื้องหลังความวุ่นวายและสุ่ม ในเวลาเดียวกัน ด้วยจิตวิญญาณแห่งอารมณ์ที่มีลักษณะเฉพาะของสภาพแวดล้อมทางศิลปะในช่วงปลายศตวรรษ เขามองหาบทกวีและความงามอันเป็นเอกลักษณ์ในธรรมชาติ
ภูมิทัศน์ของเขาในวัยเจ็ดสิบและแปดสิบส่วนใหญ่เป็นภาพสถานที่สมมติ โดยเน้นที่การแสดงออกด้วยต้นไม้ที่สวยงามในใบลูกไม้สีสดใส นับตั้งแต่ยุค 90 มุมมองของเขาเกี่ยวกับการวาดภาพทิวทัศน์ได้เปลี่ยนไป กลายเป็นนวัตกรรมใหม่ ๆ ในหลาย ๆ ด้าน เขาค้นพบความงามในภูมิประเทศในชีวิตจริง วาดภาพทิวทัศน์ของสวนสาธารณะที่มีชื่อเสียงในบริเวณใกล้เคียงกับเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก - Gatchina, Pavlovsk, Peterhof: "มุมมองของพระราชวัง Gatchina จาก Long Island" (1796), "สะพานหินใน Gatchina ใกล้ Connetable Square" (1799-1801) และ - ปีเตอร์สเบิร์กเอง (เช่น "มุมมองของ Bolshaya Nevka และกระท่อมของ Stroganovs", 1804) ในภาพซึ่งธรรมชาติยังคงเป็นสิ่งสำคัญสำหรับเขาและโครงสร้างทางสถาปัตยกรรมถูกมองว่าเป็นส่วนหนึ่งของมัน
แน่นอนว่านี่คือธรรมชาติ ที่สั่งโดยมือมนุษย์ เมื่อถ่ายโอนไปยังผ้าใบ Shchedrin สังเกตความสมมาตรแบบคลาสสิกอย่างระมัดระวังโดยแบ่งพื้นที่ออกเป็นสามระนาบ ฯลฯ แต่สีของท้องฟ้าและเมฆ หมอกควันทำให้ขอบฟ้าพร่ามัว แสงจ้าของดวงอาทิตย์บนผืนน้ำเนวา กล่าวโดยย่อ สภาพแวดล้อมของแสงในภาพที่ศิลปินแห่งศตวรรษหน้าบรรลุถึงความสมบูรณ์แบบ ได้รับมากขึ้นและ สำคัญกว่าสำหรับเขา
Shchedrin เตรียมทางสำหรับศิลปินเหล่านี้ไม่เพียง แต่กับผลงานของเขาเท่านั้น ตั้งแต่ปี ค.ศ. 1799 ร่วมกับ I. Klauber เขาได้กำกับชั้นเรียนการแกะสลักภูมิทัศน์ที่ Academy of Arts ซึ่งช่างแกะสลักที่โดดเด่น S.F. Galaktionov, A.G. Ukhtomsky พี่น้อง Kozma และ Ivan Chesky ในไม่ช้า ชั้นเรียนนี้ก็เริ่มเตรียมจิตรกรภูมิทัศน์เช่นกัน - ในที่สุดภูมิทัศน์ภายในกำแพงของสถาบันก็ได้รับสถานะที่เต็มเปี่ยม
ความสำเร็จที่ดีที่สุดของการวาดภาพรัสเซียในตอนปลายศตวรรษยังคงเกี่ยวข้องกับภาพเหมือน ในเวลานี้มีการเปลี่ยนแปลงของรุ่นเจ้านายใหม่ปรากฏขึ้น ศิลปินพยายามมากขึ้นที่จะพรรณนาชีวิตภายในของบุคคลซึ่งเป็นประสบการณ์ที่ลึกที่สุดของเขา ภาพเหมือนมีความใกล้ชิดมากขึ้น สะท้อนถึงแนวความคิดเกี่ยวกับอารมณ์ความรู้สึก ซึ่งเป็นกระแสนิยมในช่วงเปลี่ยนศตวรรษและช่วงต้นศตวรรษที่ 19 แนวโน้มเหล่านี้แสดงออกอย่างเต็มที่ที่สุดในผลงานของ V.L. Borovikovsky (1757-1825) - หนึ่งในปรมาจารย์ประเภทแนวตั้งที่ดีที่สุดในศิลปะรัสเซีย
โบโรวิคอฟสกีเกิดที่ยูเครน เขาเรียนวาดภาพกับพ่อของเขา และบางทีเขาอาจจะยังคงเป็นจิตรกรภาพเหมือนประจำจังหวัดไปตลอดชีวิต ถ้าไม่ใช่สำหรับการเดินทางของจักรพรรดินีไปทางใต้ของรัสเซีย ซึ่งเธอรับหน้าที่ในปี พ.ศ. 2330 แคทเธอรีนชอบภาพจิตรกรรมฝาผนังของพระราชวังชั่วคราวที่ทำโดยโบโรวิคอฟสกี และศิลปินไปที่เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก - เพื่อปรับปรุงการวาดภาพ เขาเรียนกับ I.B. Lumpy Sr. และอาจเป็น Levitsky เขากลายเป็นที่รู้จักอย่างรวดเร็วและได้รับคำสั่งมากมาย พู่กันของเขาประกอบด้วยภาพเหมือนในพระราชพิธีอันยอดเยี่ยมของเจ้าชายคุราคิน (1801-1802), พอลที่ 1 ในชุดของปรมาจารย์แห่งมอลตา (1800) และอื่น ๆ ลักษณะทางจิตวิทยาที่สดใสยังให้ภาพเหมือนในห้อง - G.R. Derzhavin, DP Troshchinsky นายพล F.A. โบรอฟสกี
วลาดีมีร์ โบโรวิคอฟสกี ภาพเหมือนของเคาน์เตส Anna Ivanovna Bezborodko กับ Lyubov และ Cleopatra ลูกสาวของเธอ 1803
ผ้าใบ, สีน้ำมัน. 134 x 104.5 ซม.พิพิธภัณฑ์ State Russian
แต่เหนือสิ่งอื่นใด Borovikovsky เป็นปรมาจารย์ด้านการถ่ายภาพบุคคลในห้องหญิง ที่แม่นยำกว่านั้นคือการถ่ายภาพบุคคลในบ้าน เขายังวาดภาพ Catherine II ในรูปของ "เจ้าของที่ดินคาซาน" ที่เดินไปรอบ ๆ สวนด้วยเสื้อคลุมที่อบอุ่น วีรสตรีของเขาเป็นหญิงสาวช่างฝันที่มีรอยยิ้มเจ้าเล่ห์บนริมฝีปาก มีดอกไม้หรือแอปเปิ้ลอยู่ในมือ โพสท่ากับฉากหลังของภูมิประเทศที่ครุ่นคิด หยิกของพวกเขาตามรสนิยมของอารมณ์อ่อนไหวเล็กน้อยเครื่องแต่งกายของพวกเขานั้นเรียบง่ายโดยเจตนา อักขระแต่ละตัวอ่านได้ถูกต้อง ไม่สามารถสับสนกับอักขระอื่นได้ นี่คือภาพเหมือนของ O.K. ฟิลิปโปวา, V.A. Shidlovskaya, E.A. Naryshkina, M.I. Lopukhina, E.N. Arsenyeva พี่สาวของ Gagarin หญิงชาวนา Khristinya (หลังก็น่าทึ่งสำหรับความจริงที่ว่าสำหรับ Borovikovsky สิ่งที่สำคัญไม่ใช่ภาพลักษณ์ "ชาติพันธุ์" ของหญิงชาวนาที่เป็นทาส แต่ในภาพวาดของหญิงสาวผู้สูงศักดิ์ โลก).
หลายปีที่ผ่านมา สายตาของศิลปินดูรุนแรงขึ้น ความเบลอของภาพวาดของเขาซึ่งใช้สีแบบ half-tone ถูกแทนที่ด้วยการสร้างแบบจำลองพลาสติกที่เข้มงวด (เช่น ในภาพเหมือนของ "Ladies in a Turban" - นักเขียนชาวฝรั่งเศส A. A. -L.-J. de Stael, - DA Derzhavina และ M.I.Dolgorukoy เขียนขึ้นในปีที่สิบของศตวรรษที่ XIX)
ชื่อของโบโรวิคอฟสกีในงานศิลปะภาพเหมือนของรัสเซียในช่วงเปลี่ยนศตวรรษนั้นไม่ได้เกิดขึ้นเพียงลำพัง จิตรกรภาพเหมือนที่สดใสและเป็นต้นฉบับคือนักเรียนของ Levitsky S.S. ชูกิน (1762-1828) ทั้งชีวิตของเขาเชื่อมโยงกับ Academy of Arts ซึ่งเขาลงเอยด้วยการเป็นเด็กชายจากสถานเลี้ยงเด็กกำพร้าและต่อมาก็เป็นหัวหน้าชั้นเรียนวาดภาพเหมือน ในภาพวาดของเขา แม้แต่ภาพแรกๆ ก็มีการนำเสนอแนวโรแมนติก - แนวโน้มในวัฒนธรรมที่จะได้รับตำแหน่งในตอนต้นของศตวรรษหน้าเท่านั้น แทนที่ความคลาสสิกและอารมณ์อ่อนไหว โดยเฉพาะอย่างยิ่งในเรื่องนี้คือภาพเหมือนตนเองในปี ค.ศ. 1786 และภาพเหมือนของจักรพรรดิปอลที่ 1 ในชุดเครื่องแบบของนายทหารที่เรียบง่าย พร้อมไม้เท้าอยู่ในมือ
ผลงานของ M.I. เบลสกี้ (1753-1794) เขาเช่นเดียวกับศิลปินร่วมสมัยบางคนเชื่อว่าความจริงของชีวิตมีค่ามากกว่าความกลมกลืนของภาพและตามความจงรักภักดีของตัวละครไม่หลีกเลี่ยงความคมชัดและความขัดแย้ง มุมมองเหล่านี้สะท้อนให้เห็น เช่น ในภาพเหมือนของนักแต่งเพลง D.S. บอร์ตเนียสกี้
วลาดีมีร์ โบโรวิคอฟสกี ภาพเหมือนของ Daria Alekseevna Derzhavina พ.ศ. 2356
ผ้าใบ, สีน้ำมัน. 284 x 204.3 ซม. The State Tretyakov Gallery
เรา. 117:
สเตฟาน ชูกิน. ภาพเหมือนของสถาปนิก Adrian Dmitrievich Zakharov ค. 1804
สีน้ำมันบนผ้าใบ 25.5 x 20 ซม. State Tretyakov Gallery
มิคาอิล เบลสกี้. ภาพเหมือนของนักแต่งเพลง Dmitry Stepanovich Bortnyansky 1788
ผ้าใบ, สีน้ำมัน. 65.7 x 52.3 ซม. The State Tretyakov Gallery
นิโคไล อาร์กูนอฟ ภาพเหมือนของผู้ช่วยนายพลนับ Alexander Matveyevich Dmitriev-Mamontov 1812
ผ้าใบ, สีน้ำมัน. 151 x 125.6 ซม.The State Tretyakov Gallery
นิโคไล อาร์กูนอฟ ภาพเหมือนของ Matryona Ivanovna Sokolova 1820 สีน้ำมันบนผ้าใบ. 67.1 x 52.8 ซม. State Tretyakov Gallery
นิโคไล อาร์กูนอฟ ภาพเหมือนของทีวี ชลีโควา 1789 สีน้ำมันบนผ้าใบ. 79 x 55 ซม. (วงรี)
พิพิธภัณฑ์เซรามิกแห่งรัฐและ "คฤหาสน์ Kuskovo แห่งศตวรรษที่ 18" มอสโก
ในที่สุดหนึ่งในผู้เชี่ยวชาญที่โดดเด่นที่สุดในยุคนี้ควรได้รับการพิจารณาว่า N.I. Argunov (1771 - หลัง 1829) ลูกชายและลูกศิษย์ของจิตรกรภาพเหมือนข้ารับใช้ที่มีชื่อเสียง นิโคไล อาร์กูนอฟเองก็เป็นข้ารับใช้จนกระทั่งเขาอายุสี่สิบห้าปี ผลงานในวัยเด็กของเขาเป็นพยานถึงความสามารถพิเศษของเขาแล้ว: "ชาวนาหัวเราะ", "ชาวนากับแก้วในมือ" และโดยเฉพาะอย่างยิ่ง - ภาพเหมือนบทกวีของนักเต้นทาสของโรงละคร Sheremetev Tatyana Shlykova-Granatova เขียนเมื่อศิลปินอายุประมาณสิบแปดปี เก่า ในอนาคต Argunov ได้สร้างผลงานที่ยอดเยี่ยมขึ้นมากมายซึ่งเป็นภาพเหมือนของ Praskovya Kovaleva-Zhemchugova ที่มีชื่อเสียงซึ่งเป็นนักแสดงเสิร์ฟที่กลายเป็นภรรยาของ Count N.P. Sheremeteva และเสียชีวิตในวัยหนุ่มของเธอไม่นานหลังจากที่ลูกชายของเธอให้กำเนิด ภาพเหมือนที่เธอปรากฎในช่วงสัปดาห์สุดท้ายของการตั้งครรภ์ - บนพื้นหลังสีดำ ในหมวกคลุมสีดำและสีแดง พร้อมสีหน้ากังวลใจบนใบหน้าที่ผอมแห้งของเธอ - เต็มไปด้วยลางสังหรณ์ของโศกนาฏกรรม
ความคิดสร้างสรรค์ของศิลปินเหล่านี้ ราวกับสะพานวิเศษ หลอมรวมอดีตและศตวรรษหน้าเข้าด้วยกัน เส้นทางที่เร่งรีบที่ศิลปะรัสเซียได้เดินทางมาตั้งแต่สมัยพระเจ้าปีเตอร์มหาราชได้นำไปสู่ผลลัพธ์อันยอดเยี่ยม ถนนสายใหม่วางอยู่ข้างหน้า ความหลงใหล การค้นหาสิ่งแปลกใหม่ ความขัดแย้งที่รุนแรง และการต่อสู้ที่แท้จริงเพื่อมองงานศิลปะ ทั้งหมดนี้อยู่ข้างหน้า รัสเซีย จิตรกรรม XVIIIฉันไม่ได้รู้เรื่องนี้มานานนับศตวรรษ งานของเธอคือการทำความเข้าใจกับผู้ชาย และเธอก็ทำหน้าที่นี้ได้อย่างยอดเยี่ยม
นิโคไล อาร์กูนอฟ ภาพเหมือนของ Ivan Yakimov ที่แต่งตัวเป็นกามเทพ 1790
ผ้าใบ, สีน้ำมัน. พิพิธภัณฑ์ State Russian 142 x 98 ซม.
นิโคไล อาร์กูนอฟ ภาพเหมือนของหญิงสาว Kalmyk Annushka 1767
ผ้าใบ, สีน้ำมัน. 62 x 50 ซม. พิพิธภัณฑ์เซรามิกแห่งรัฐและ "คฤหาสน์ Kuskovo แห่งศตวรรษที่ 18" มอสโก
นิโคไล อาร์กูนอฟ ภาพเหมือนขององคมนตรีของวุฒิสมาชิก Pavel Stepanovich Runich 1817
ผ้าใบ, สีน้ำมัน. พิพิธภัณฑ์ State Russian 134 x 103 ซม.
นิโคไล อาร์กูนอฟ ภาพเหมือนของจักรพรรดิปอลที่ 1 พ.ศ. 2340
ผ้าใบ, สีน้ำมัน. 285 x 206 ซม. พิพิธภัณฑ์มอสโก - นิคม Ostankino
