คุณรู้อะไรในรูปแบบการวาดภาพหลัก? สไตล์และทิศทางของรูปแบบการวาดภาพวาดและชื่อของพวกเขา

สไตล์ (เส้นทางการไหล) ในงานศิลปะ - ชุมชนที่จัดตั้งขึ้นในอดีตของสัญญาณศิลปะในรูปแบบหนึ่งของศิลปะหรือในเวลาเดียวกันในหลาย ๆ ศิลปะลักษณะของยุคสมัยต่าง ๆ และชนชาติที่แตกต่างกันและเกิดจากความสามัคคีของความปรารถนาทางอุดมการณ์และความงามของชนกลุ่มน้อยที่สร้างสรรค์ . ปัจจุบันจำนวนของการกำหนดที่ยั่งยืนได้พัฒนาขึ้นตามประเพณีสำหรับทิศทางที่มีอยู่จริง (และมีอยู่) ในศิลปะยุโรปคุณสมบัติหลักที่คุณต้องรู้ว่ามีคนทางวัฒนธรรมใด ๆ พิจารณาในการเชื่อมต่อนี้คำศัพท์หลักปฏิบัติตามหลักการตามลำดับเวลา

สไตล์โรมัน (จาก Lat. Romanus - โรมัน) ประจักษ์ในศตวรรษที่ X-XIII ในการตกแต่งสถาปัตยกรรมและการตกแต่งประติมากรรม โครงสร้างสไตล์ Romanese สืบทอดสัญญาณหลายอย่างของสถาปัตยกรรมโรมันแตกต่างกันความเรียบง่ายและความสมเหตุสมผล ความหนาและความแข็งแรงของผนังเป็นเกณฑ์หลักของอาคารความงาม อาคารสถาปัตยกรรมหลักของชาวโรมันคือปราสาทแห่งอัศวินและวัดวัด

สไตล์โกธิค (จากมัน Gotico - Gothic, Barbaric) มีความเกี่ยวข้องก่อนอื่นด้วยสถาปัตยกรรมทางศาสนาประติมากรรมและการตกแต่งและศิลปะการใช้งานของศตวรรษที่ XII-XIV โครงสร้างสถาปัตยกรรมหลักของโกธิค - มหาวิหาร สำหรับมหาวิหารโกธิคความทะเยอทะยานของลมมีลักษณะไปยังพระเจ้าการเชื่อมต่ออินทรีย์ของสถาปัตยกรรมและประติมากรรมซุ้มจังหวะ; Windows ตกแต่งด้วยกระจกสีหลากสีตกแต่งอย่างเขียวชอุ่ม

บาร็อค (จากมัน barocco เป็นสไตล์ที่แปลกประหลาดแปลก ๆ ) ในสถาปัตยกรรมดนตรีการวาดภาพวรรณกรรมศิลปะการตกแต่งของศตวรรษที่ผ่านมากลาง XVI-MID-XVIII ปลาย มันเป็นลักษณะของผลกระทบด้านสุนทรียภาพความร่ำรวยของการตกแต่งมักจะเป็นแบบฟอร์ม Curvilinear ในดนตรีและวรรณกรรม - ความงามความไม่แน่นอนเครื่องประดับความอุดมสมบูรณ์ของการตกแต่ง ในศิลปะของบาร็อคส่งมอบให้กับการให้บริการศาสนาเยซูอิตเห็นเครื่องมือที่ทรงพลังสำหรับอิทธิพลของโลกอารมณ์ของมนุษย์และการก่อตัวของความคิดใหม่ของชาวยุโรปเกี่ยวกับความมั่งคั่งความซับซ้อนและความแปรปรวนของโลก

Classicism (จาก Lat. Classicus เป็นสไตล์และทิศทางที่ถูกต้องเป็นแบบอย่าง) ในงานศิลปะและวรรณกรรมของ XVII ต้นศตวรรษที่สิบแปด ทำเครื่องหมายว่ากลับไปที่มรดกโบราณเป็นตัวอย่างปกติและในอุดมคติ สัจพจน์ความงามหลักของคลาสสิกคือความภักดีต่อธรรมชาติความสมเหตุสมผลตามธรรมชาติของโลกที่มีความงามโดยธรรมชาติที่แสดงในสมมาตรสัดส่วนพระพุทธศาสนาซึ่งควรถูกสร้างขึ้นใหม่ในงานศิลปะในรูปแบบที่สมบูรณ์แบบ

โรโคโค (จาก Fr. Rocaille - Sink) สไตล์ซึ่งครองตำแหน่งกลางระหว่างบาร็อคและคลาสสิค การแจกแจงที่เกิดขึ้นส่วนใหญ่ในฝรั่งเศสในช่วงเวลาของหลุยส์ XV สไตล์บางครั้งเรียกว่าด้วยชื่อ - "สไตล์หลุยส์ XV" คุณสมบัติที่กำหนดของสไตล์นี้คือความปรารถนาที่จะเกรซความอุดมสมบูรณ์ของการตกแต่งและความแตกต่างระหว่างความรุนแรงภายนอกของอาคารและความซับซ้อนของการตกแต่งภายในของพวกเขา สดใสที่สุดที่แสดงออกในสถาปัตยกรรมภาพวาดตกแต่งและศิลปะประยุกต์

Sentimentalism (จาก Fr. Sentiment- Sense) - หลักสูตรศิลปะของครึ่งหลังของศตวรรษที่สองของ XVIII ซึ่งได้พัฒนาเป็นผลมาจากความผิดหวังในบทบาทเชิงบวกของ "อารยธรรม", "อาณาจักรแห่งจิตใจ" ประกาศโดยอุดมการณ์ของ ศตวรรษแห่งการศึกษา Idean Sentimentalism กลับไปที่คำชี้แจงที่มีชื่อเสียง J.ZH Rousseau "จิตใจอาจผิดความรู้สึก - ไม่เคย!" ความซาบซึ้งไม่ได้หาสุนทรียภาพของตัวเองและเป็นความคิดที่ค่อนข้างพิเศษความเศร้าโศกเศร้าโศกแนวโน้มของความสันโดษเพิ่มความไว ความเชื่อของเขา - การปฏิเสธความซับซ้อนและความเสียหายใด ๆ ที่เรียกว่า สังคม "อารยธรรม"

โรแมนติกเป็นทิศทางอุดมการณ์และศิลปะในวัฒนธรรมโลกที่ครอบคลุมงานศิลปะและมนุษยธรรมทุกประเภทในตอนท้ายของ XVIII-Early XX ศตวรรษ โรแมนติกเป็นปฏิกิริยาต่อผลลัพธ์ของการปฏิวัติฝรั่งเศสที่ยิ่งใหญ่การทำเครื่องหมายทุนนิยม "ความคืบหน้า" และจิตวิญญาณของผู้ค้าอเนกประสงค์

Credo โรแมนติกคือ "ฮีโร่ที่ผิดปกติในสถานการณ์ผิดปกติ" ของความโรแมนติกที่ตรงกันข้ามกับการใช้ประโยชน์และการสูญเสียความทะเยอทะยานของแต่ละคนไปสู่อิสรภาพที่ไม่ จำกัด , ความเป็นเอกราชของความเป็นส่วนตัวและพลเรือน

ความสมจริง (จาก Lat. Realis เป็นสไตล์ที่แท้จริงที่ถูกต้อง) - สไตล์ที่เกิดขึ้นในภาพของชีวิตในรูปแบบของชีวิตตัวเองเป็นฮีโร่ทั่วไปในสถานการณ์ทั่วไป " ในฐานะที่เป็นวิธีการสร้างสรรค์ความสมจริงเป็นที่ประจักษ์อย่างเต็มที่ที่สุดในศตวรรษที่ XIX และเป็นตัวเป็นตนเหนือสิ่งอื่นใดในภาพวาดและวรรณกรรม

Naturalism (จาก Lat. Natura- ธรรมชาติ) เป็นทิศทางที่สร้างสรรค์ที่ปรากฏในสามของ XIX ภายใต้อิทธิพลของปรัชญาของ Positivism O. Kont และ Spencer สุนทรียศาสตร์ของลัทธินิยมนิยมการถ่ายโอนหลักการของการถ่ายภาพเชิงบวกต่อขอบเขตของศิลปะนั้นขึ้นอยู่กับสถานการณ์ที่ศิลปินควรสะท้อนให้เห็นถึงโลกรอบโดยไม่มีการจัดแต่งการพิมพ์การประชุมและข้อห้ามใด ๆ ที่มีความเที่ยงธรรมสูงสุด ตัวแทนของลัทธินิยมนิยมอ้างว่าบอกเกี่ยวกับผู้ชาย "ทุกคืนนรก" แสดงความสนใจเป็นพิเศษกับปาร์ตี้ชีวภาพในชีวิตของเขา การรวมตัวกันอย่างรุนแรงของลัทธินิยมนิยมซึ่งมองเห็นใบหน้าของศิลปะเป็นแถวของสื่อลามกภาพของงานปาร์ตี้ "สกปรก" ของชีวิตและฉากของความรุนแรงที่ไปเยี่ยมการกำหนดที่ติดแท็ก "Chernuha"

ความทันสมัย \u200b\u200b(จาก Fr. Moderne - ใหม่ทันสมัย) - แสดงถึงการรวมกันของโรงเรียนสุนทรียศาสตร์และกระแสของศตวรรษที่ผ่านมา XIX-XX ปลาย (Cubism, อนาคต, Expressionism, Constructivism, Fusism, Dadaism, Abstractionism ฯลฯ ) คัดค้านตัวเองกับศิลปะของอดีตและอนุมัติแนวทางใหม่ในภาพของการดำรงอยู่ทางสังคม

ลัทธิหลังสมัยใหม่ - (เกิดขึ้นในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ยี่สิบ) มันเป็นประเภทพิเศษของ WorldView มุ่งเน้นไปที่การก่อตัวของพื้นที่อยู่อาศัยดังกล่าวซึ่งปฏิเสธบรรทัดฐานและประเพณีทุกชนิดและคุณค่าหลักของเสรีภาพในทุกความเป็นธรรมชาติของกิจกรรมการเล่นเริ่มต้นปฐมนิเทศวัฒนธรรมถึง " Deconstruction "," การกระจายอำนาจ ", การคัดเลือก" แปลกใหม่ "เป็นวิธีการประเมินโลก (R. Barth)

ในศตวรรษที่ XVII การแยกประเภทการทาสีใน "สูง" และ "ต่ำ" ได้รับการแนะนำ ถึงคนแรกคือแนวประวัติศาสตร์การต่อสู้และความเป็นตำนาน ประเภทที่สองของการวาดภาพจากชีวิตประจำวันเช่นประเภทที่ใช้ในครัวเรือนชีวิตยังคงมีชีวิตอยู่, สัตว์, แนวตั้ง, เปลือย, ภูมิทัศน์

ประเภทประวัติศาสตร์

ประเภทประวัติศาสตร์ในการวาดภาพเป็นการแสดงให้เห็นถึงเรื่องเฉพาะหรือบุคคล แต่ช่วงเวลาที่แน่นอนหรือเหตุการณ์ที่เกิดขึ้นในประวัติศาสตร์ของ Eras ที่ผ่านมา เขารวมอยู่ในหลัก ประเภทของการวาดภาพ ในงานศิลปะ แนวตั้ง, การต่อสู้, ครัวเรือนและประเภทตำนานมักจะเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับประวัติศาสตร์

"Conquest Siberia Ermacom" (1891-1895)
vasily surikov

ในประเภทประวัติศาสตร์ศิลปิน Nikola Poussin, Tintoretto, Eugene Delacroix, Peter Rubens, Vasily Ivanovich Surikov, Boris Mikhailovich Kustodiev และอื่น ๆ อีกมากมาย

ประเภทตำนาน

ตำนานตำนานโบราณและตำนานพื้นบ้านพื้นบ้าน - ภาพของแปลงวีรบุรุษและกิจกรรมเหล่านี้พบสถานที่ของพวกเขาในแนวการวาดภาพในตำนาน บางทีมันอาจจะได้รับการจัดสรรในการวาดภาพของคนใด ๆ เพราะประวัติศาสตร์ของ Ethnos แต่ละคนได้รับการเติมเต็มด้วยตำนานและตำนาน ตัวอย่างเช่นพล็อตของตำนานเทพเจ้ากรีกในฐานะที่เป็นความรักที่เป็นความลับของเทพเจ้าแห่งสงครามอาเรสและเทพธิดาแห่งความงาม Aphrodite แสดงถึงการวาดภาพ "Parnas" ของศิลปินชาวอิตาลีชื่อ Andrea Manteny

"Parnas" (1497)
Andrea Mantenya

ในที่สุดตำนานในการทาสีก่อตัวขึ้นในยุคยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ตัวแทนของประเภทนี้นอกเหนือจาก Andrea Manteny เป็นราฟาเอลซานติ, Geororon, Lucas Crane, Sandro Botticelli, Victor Mikhailovich Vasnetsov และอื่น ๆ

ประเภทการต่อสู้

การวาดภาพการต่อสู้อธิบายถึงฉากจากชีวิตทหาร บ่อยครั้งที่การเดินป่าทางทหารต่าง ๆ มีภาพประกอบรวมถึงการต่อสู้ทางทะเลและดินแดน และเนื่องจากการต่อสู้เหล่านี้มักจะนำมาจากประวัติศาสตร์จริงการต่อสู้และแนวประวัติศาสตร์พบจุดตัดของพวกเขาที่นี่

ส่วนของพาโนรามา "Borodino Battle" (1912)
Franz Rubu

การวาดภาพการต่อสู้ใช้รูปร่างในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาของอิตาลีในผลงานของศิลปิน Michelangelo Buonaroti, Leonardo Da Vinci และจากนั้น Theodora Zheriko, Franzco Goya, Franz Alekseevich Roubo, Mitrofan Borisovich Grekova และจิตรกรอื่น ๆ อีกมากมาย

ประเภทที่ใช้ในครัวเรือน

ฉากจากชีวิตประจำวันสาธารณะหรือส่วนตัวของคนธรรมดาเป็นสิ่งที่เมืองในเมืองหรือชาวนาแสดงให้เห็นถึงประเภทของครัวเรือนในการวาดภาพ เหมือนคนอื่น ๆ ประเภทของการวาดภาพภาพวาดในครัวเรือนไม่ค่อยพบในรูปแบบตัวเองกลายเป็นส่วนหนึ่งของแนวตั้งหรือแนวนอน

"ผู้ขายเครื่องดนตรี" (1652)
Karel Fabrichius

การกำเนิดของภาพวาดในครัวเรือนเกิดขึ้นในศตวรรษที่ X ในภาคตะวันออกและผ่านไปยังยุโรปและรัสเซียในศตวรรษที่ XVII-XVIII เท่านั้น Jan Vermeer, Karel Fabrichius และ Gabriel Metsu, Mikhail Shibanov และ Ivan Alekseevich Yermenhev เป็นศิลปินที่โด่งดังที่สุดของภาพวาดในครัวเรือนในเวลานั้น

ประเภทสัตว์

วัตถุหลักของประเภทสัตว์คือสัตว์และนกทั้งป่าและการบ้านและโดยทั่วไปตัวแทนทั้งหมดของโลกของสัตว์ ในขั้นต้นสัตว์เป็นส่วนหนึ่งของประเภทของการวาดภาพจีนเพราะปรากฏตัวครั้งแรกในประเทศจีนในศตวรรษที่ VIII ในยุโรปสัตว์เกิดขึ้นในยุคยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา - สัตว์ที่ปรากฎในเวลานั้นเป็นศูนย์รวมของความชั่วร้ายและคุณธรรมของบุคคล

"ม้าในทุ่งหญ้า" (1649)
Paulus Potter

Antonio Pisanello, Paulus Potter, Albrecht Durers, France Sneders, Albert Cape - ตัวแทนก้างปลาใหญ่ในวิจิตรศิลป์

ยังมีชีวิตอยู่

ในประเภทชีวิตยังคงแสดงให้เห็นถึงวัตถุที่ล้อมรอบคนในชีวิต สิ่งเหล่านี้เป็นวัตถุที่ไม่มีชีวิตรวมเข้ากับกลุ่มเดียว รายการดังกล่าวอาจเป็นของสกุลหนึ่ง (ตัวอย่างเช่นเฉพาะผลไม้ที่ปรากฎในภาพ) และสามารถแตกต่างกัน (ผลไม้วัตถุของจานเครื่องดนตรีดอกไม้ ฯลฯ )

"ดอกไม้ในตะกร้าผีเสื้อและแมลงปอ" (1614)
Ambrosius Boshart Elder

ยังมีชีวิตอยู่ในฐานะที่เป็นประเภทอิสระใช้รูปร่างในศตวรรษที่ XVII โดยเฉพาะการจัดสรรโรงเรียนฟลูมและดัตช์ของชีวิตยังคง ในประเภทนี้ตัวแทนของสไตล์ต่าง ๆ เขียนภาพวาดจากความสมจริงถึงคิวบา สิ่งมีชีวิตที่โด่งดังที่สุดบางคนเขียนจิตรล Ambrosive Boshart อาวุโสอัลเบอร์ทัสไอออนแบงก์, พอล Cesanne, Vincent Van Gogh, Pierre Auguste Renoir, Villem Clas Heba

ภาพ

แนวตั้งเป็นแนวของการวาดภาพซึ่งเป็นหนึ่งในสิ่งที่พบมากที่สุดในภาพศิลปะ จุดประสงค์ของภาพเหมือนในการวาดภาพคือการวาดภาพบุคคล แต่ไม่ใช่แค่รูปลักษณ์ของเขาและถ่ายทอดความรู้สึกภายในและอารมณ์ที่แสดง

การถ่ายภาพบุคคลมีโสดจับคู่กลุ่มเช่นเดียวกับภาพตัวเองซึ่งบางครั้งมีความแตกต่างจากประเภทที่แยกต่างหาก และภาพที่โด่งดังที่สุดตลอดกาลอาจเป็นภาพของ Leonardo da Vinci ที่เรียกว่า "ภาพของนาง Liza del Jocondo" ที่รู้จักกันดีว่าเป็น "Mona Lisa"

"โมนาลิซ่า" (1503-1506)
Leonardo da Vinci

การถ่ายภาพครั้งแรกปรากฏตัวอีกหลายพันปีที่ผ่านมาในอียิปต์โบราณ - เหล่านี้เป็นภาพของฟาโรห์ ตั้งแต่นั้นมาศิลปินส่วนใหญ่พยายามอย่างเองในทางใดทางหนึ่งหรือในประเภทนี้ แนวตั้งและแนวประวัติศาสตร์ของภาพวาดสามารถตัดกัน: ภาพของบุคคลประวัติศาสตร์ที่ยิ่งใหญ่จะได้รับการพิจารณาว่าเป็นงานของประเภทประวัติศาสตร์อย่างน้อยในเวลาเดียวกันจะถ่ายโอนลักษณะที่ปรากฏและลักษณะของบุคคลนี้เป็นแนวตั้ง

นู

เป้าหมายของภาพเปลือยเป็นภาพของร่างกายมนุษย์ที่เปลือยเปล่า ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาถือเป็นช่วงเวลาแห่งการเกิดขึ้นและการพัฒนาของภาพวาดประเภทนี้และวัตถุหลักของการทาสีจากนั้นส่วนใหญ่มักจะกลายเป็นร่างกายของผู้หญิงซึ่งรวมถึงความงามของยุค

"คอนเสิร์ตชนบท" (1510)
ไทเทียน

Titian, Amedeo Modigliani, Antonio ใช่ Corredjo, Geororon, Pablo Picasso เป็นศิลปินที่มีชื่อเสียงที่สุดที่เขียนภาพในประเภทของ Nu

ทิวทัศน์

ธีมหลักของแนวนอนคือธรรมชาติสิ่งแวดล้อม - เมืองชนบทหรือถิ่นทุรกันดาร ภูมิประเทศแรกที่ปรากฏในโบราณเมื่อจิตรกรรมพระราชวังและวัดสร้างเพชรประดับและไอคอน ในฐานะที่เป็นประเภทอิสระภูมิทัศน์ถูกดึงขึ้นในศตวรรษที่ XVI และตั้งแต่นั้นมารวมอยู่ในที่นิยมมากที่สุด ประเภทของการวาดภาพ.

เขามีอยู่ในงานจิตรกรหลายคนเริ่มต้นด้วย Peter Rubens, Alexei Kondratyevich Savrasova, Eduard Mana ดำเนินการต่อไปยัง Isaac Ilyich Levitan, Pitom Mondrian, Pablo Picasso, George การแต่งงานและจบลงด้วยศิลปินสมัยใหม่หลายแห่งของ XXI

"ฤดูใบไม้ร่วงสีทอง" (1895)
Isaac Levitan

ในบรรดาภาพวาดภูมิทัศน์ประเภทดังกล่าวสามารถโดดเด่นเป็นภูมิทัศน์ทางทะเลและเมือง

คนฉลาด

ผู้นำเป็นภูมิทัศน์วัตถุประสงค์ของการแสดงให้เห็นถึงประเภทของเขตเมืองและถ่ายโอนไปสู่ความงามและรสชาติ ต่อมาด้วยการพัฒนาอุตสาหกรรมภูมิทัศน์เมืองไปสู่ภูมิประเทศของอุตสาหกรรม

"Square of St. Mark" (1730)
คนเคนเตลตา

คุณสามารถให้คะแนนภูมิทัศน์ในเมืองได้ทำความคุ้นเคยกับผลงานของ Cantelto, Peter Breygel, Fedor Yakovlevich Alekseeva, Sylvester Feodosievich Shchedrin

มาริน่า

ซีสเคปหรือท่าจอดเรือแสดงให้เห็นถึงธรรมชาติขององค์ประกอบทางทะเลความยิ่งใหญ่ของมัน นักท่องเที่ยวที่มีชื่อเสียงที่สุดของศิลปินในโลกบางที Ivan Konstantinovich Aivazovsky ซึ่งเป็นภาพ "The Ninth Val" สามารถเรียกว่าผลงานชิ้นเอกของการวาดภาพของรัสเซีย การเจริญรุ่งเรืองของ Marina เกิดขึ้นพร้อมกันกับการพัฒนาภูมิทัศน์เช่นนี้

"เรือใบในระหว่างพายุ" (1886)
James Battersworth

Katsusik Hokusai, James Edward Battersworth, Alexey Petrovich Bogolyubov, Lion Feliksovich Lagorio และ Rafael Montleon Torres เป็นที่รู้จักกันในภูมิประเทศทางทะเล

หากคุณต้องการเรียนรู้เพิ่มเติมเกี่ยวกับวิธีการวาดภาพในงานศิลปะที่เกิดขึ้นและพัฒนาดูวิดีโอต่อไปนี้:

พาตัวเองบอกเพื่อน ๆ !

อ่านเพิ่มเติมบนเว็บไซต์ของเรา:

แสดงมากขึ้น

คำถามหลักที่ทรมานศิลปินมือใหม่ทั้งหมด - สไตล์ของผู้เขียนมาจากไหนและจะพัฒนาอย่างไร?
ศิลปินส่วนใหญ่ที่ประกอบไปด้วยคำถามนี้เช่นนี้:

สไตล์ของผู้เขียนเป็นกรณีซึ่งไม่คุ้มค่าที่จะคิด คุณเพียงแค่ต้องวาดและมันจะมาด้วยตัวเอง
ในความเป็นจริงฉันไม่เคยพอใจคำตอบนี้และฉันตัดสินใจที่จะแยกแยะปัญหานี้ด้วยตัวเอง
คุณต้องการสร้างสไตล์ผู้เขียนของคุณอย่างไร?

สำหรับฉันดูเหมือนว่าจะมีความจำเป็นในการคิดว่าสิ่งที่โดยทั่วไปนำเสนอสไตล์ของภาพประกอบ พวกเขาคืออะไรและคุณสมบัติของพวกเขาคืออะไร
สไตล์ในภาพประกอบมีจำนวนเงินที่เหลือเชื่อ! พวกเขาทั้งหมดเชื่อมโยงกันอย่างใกล้ชิดกันมาก แต่ในหมู่พวกเขาคุณสามารถแยกแยะได้ห้าหลัก:

• ความสมจริง
• สไตล์การตกแต่ง
• พิถีพิถัน
• ขั้นต่ำ

ความสมจริง

ความสมจริงเป็นสไตล์ตามที่งานของศิลปินประกอบด้วยการตรึงภาพที่เป็นไปได้มากที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้และมีวัตถุประสงค์
จุดสนใจหลักคือความน่าเชื่อถือสูงสุดของภาพ การทำงานในประเภทของความสมจริงศิลปินต้องปฏิบัติตามสัดส่วนกฎหมายของแสงสว่างและโอกาส อย่างไรก็ตามอย่างไรก็ตามในระดับของการทำให้เรียบง่ายในสไตล์นี้มีอยู่ ผลของการทำให้เรียบง่ายเกิดขึ้นที่ค่าใช้จ่ายของเทคโนโลยีการดำเนินการ - การฟักดินสอ, ความอุดมสมบูรณ์และการทาสีที่ประมาทเลินเล่อยังละเลยการวาดองค์ประกอบแต่ละอย่างในเทคนิคการวาดภาพดิจิตอลเพื่อเน้นวัตถุหลัก

ใครมาพร้อมกับความสมจริง?

• ผู้ชื่นชอบการศึกษาทั้งหมด
• ศิลป์คอนเสิร์ต

สิ่งที่ปั๊มสำหรับการเรียนรู้สไตล์ของความสมจริงคืออะไร?

• ภาพวาดวิชาการ
• ภาพวาด
• กายวิภาคศาสตร์
• เบา
• พื้นผิวที่สมจริง

สไตล์การตกแต่ง

สไตล์การตกแต่ง - สไตล์มีการผสมผสานที่ขัดแย้งกันของการประชุมตกแต่งและวัตถุที่สมจริงของสิ่งอำนวยความสะดวก
ความแข็งแกร่งหลักของสไตล์การตกแต่งคือความแตกต่างของความสมจริงและความเป็นธรรม เอฟเฟกต์นี้ทำได้โดยการเติมที่หนาแน่นขององค์ประกอบบางอย่างของวัตถุนั่นคือด้วยการบิดสีที่สะอาดและการวาดภาพที่เป็นจริงขององค์ประกอบอื่น ๆ
เพื่อเพิ่มเอฟเฟกต์คุณสามารถใช้การตกแต่งของเครื่องประดับของวัตถุแต่ละชิ้น การทำงานในสไตล์การตกแต่งเป็นสิ่งสำคัญมากที่จะไม่หักล้างความสมดุลของการประชุมและความสมจริงเพื่อให้ภาพทำให้เกิดความรู้สึกผสมมากที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้ที่ผู้ชม
ใครมาพร้อมกับสไตล์การตกแต่ง?

• กบฏทุกคนมีโรงเรียนสอนวิชาการที่ดี
• นิตยสาร Illustrator
• ศิลปินที่ต้องการสร้างแนวคิด Super และทำให้เกิดการทำงาน

ปั๊มสำหรับการตกแต่งสไตล์การตกแต่งคืออะไร?

• กายวิภาคศาสตร์
• เครื่องประดับและองค์ประกอบตกแต่งอื่น ๆ

พิถีพิถัน

Grotesque เป็นภาพและสไตล์ศิลปะตามแนวแฟนซีและการรวมกันของจริงและไม่จริง การบิดเบือนภาพและพล็อต
Grotesque เป็นหนึ่งในสไตล์ที่ได้รับความนิยมมากที่สุดในภาพประกอบ มันเป็นลักษณะของการผิดเพี้ยนที่สำคัญของสัดส่วนโอกาสเช่นเดียวกับมุมมองที่ผิดปกติผิดปกติซึ่งต้องขอบคุณกฎของมุมมองวัตถุที่แสดงนั้นบิดเบี้ยวอย่างมีนัยสำคัญ
อย่างไรก็ตามมันเป็นสิ่งสำคัญมากที่จะไม่ให้พื้นฐานจากภาพเริ่มต้นเพื่อรักษาการยอมรับ สำหรับ grotesque การยึดบางอย่างและความเหนือชั้นของพล็อตและภาพลักษณ์ของตัวละครเป็นลักษณะ
ใครเกิดขึ้นอย่างพิถีพิถัน

• นักวาดภาพประกอบส่วนใหญ่
• ศิลปิน - Animatimizers
• ตัวละครแนวคิด - นักออกแบบ

อะไรที่จะปั๊มสำหรับความเป็นเจ้าของสไตล์ grotesque?

• องค์ประกอบ
• กายวิภาคพลาสติก
• จินตนาการของผู้เขียนเอง

ไร้เดียงสา

ไร้เดียงสาเป็นสไตล์ลักษณะหลักที่จะทำให้แบบฟอร์มการรับรู้ของจิตใต้สำนึกและอารมณ์ง่ายขึ้น
คุณสมบัติที่โดดเด่นหลักคือความดั้งเดิมของรูปแบบที่มีการปฏิเสธการปฏิบัติจริงของกายวิภาคศาสตร์และสัดส่วน มันมักจะเรียกว่าสไตล์เด็กหรือการ์ตูน
ภารกิจหลักของภาพประกอบในรูปแบบของความไร้เดียงสาคือการเรียกอารมณ์เชิงบวกจากผู้ชมและการดูดนึ่ง
การวาดภาพในสไตล์ของความไร้เดียงสาเป็นสิ่งสำคัญที่จะไม่หักโหมจนเกินไปด้วยการทำให้เข้าใจง่ายรักษาคุณสมบัติและการรับรู้ของวัตถุของวัตถุ
ใครเหมาะสมกับสไตล์ของความไร้เดียงสา?

• นักวาดภาพประกอบส่วนใหญ่
• นักวาดภาพประกอบเด็ก
• ศิลปิน - อนิเมเตอร์
• ตัวละครและสภาพแวดล้อมของนักออกแบบคอนเสิร์ตสำหรับการ์ตูน

อะไรที่จะปั๊มสำหรับการครอบครองสไตล์ของ naiv?

• รูปแบบ
• ทำงานกับ silhouette
• เนื้อซอฟต์แวร์
• วิธีการฟักไข่ที่หลากหลาย

ขั้นต่ำ

Minimalism เป็นสไตล์ที่การทำให้รูปร่างของภาพง่ายขึ้นของวัตถุนั้นมีลักษณะการใช้วิธีการน้อยที่สุดในการแสดงออกสำหรับการส่งงานศิลปะ
ตอนนี้เป็นที่นิยมมากและมีชื่ออื่น - การออกแบบแบบแบน (การออกแบบแบน) นั่นคือ "แบน"
สำหรับมินิมัลลิสต์การขาดโอกาสทางกฎหมายของแสงมีลักษณะ วัตถุนั้นง่ายขึ้นกับตัวเลขทางเรขาคณิตหรือรวบรวม นอกจากนี้วัตถุสามารถแสดงได้เพียงหลายบรรทัดและคราบ เพื่อที่จะหายใจชีวิตเล็ก ๆ น้อย ๆ ในการทำงานของคุณและเพิ่มเสน่ห์ของพวกเขานักวาดภาพประกอบมักจะใช้พื้นผิวที่น่ารื่นรมย์และหยาบ
ใครมาพร้อมกับความเรียบง่ายนับร้อย?
นักวาดภาพประกอบที่ต้องการทำงานกับ:

• เกี่ยวกับอินโฟกราฟิก
• Mourez-Design
• ภาพประกอบนิตยสาร

อะไรที่จะปั๊มเพื่อครอบครองสไตล์มินิมอล?

• องค์ประกอบ
• รูปแบบ

หลังจากที่เราถอดแยกชิ้นส่วนทั้ง 5 สไตล์และเรียนรู้เกี่ยวกับคุณสมบัติของพวกเขาเวลาของปัญหาที่สำคัญที่สุดมา:

วิธีการสร้างสไตล์ของคุณในภาพประกอบ?

การสร้างสไตล์ของผู้เขียนเป็นสิ่งจำเป็นจากสิ่งที่คุณดีขึ้น แต่ตอนนี้เมื่อคุณรู้อยู่แล้วเกี่ยวกับสไตล์สไตล์ที่มีคุณสามารถเปรียบเทียบภาพวาดของคุณกับตัวอย่างที่ฉันนำและดูว่าสไตล์ของคุณมีสไตล์อะไร และเพื่อเพิ่มลูกเกดให้กับสไตล์ของคุณและทำให้เป็นที่น่าจดจำที่สุดฉันแนะนำให้คุณรวมลักษณะของสองสไตล์ที่แตกต่างกันในสไตล์เดียว
หากเป็นการดีที่สุดที่จะวาดในสไตล์ที่ไร้เดียงสาการเพิ่มองค์ประกอบจากสไตล์การตกแต่งกับคุณแล้วคุณทำลายมือของผู้เขียนของคุณเองแล้ว

มีทิศทางและสไตล์ที่หลากหลายในภาพศิลปะ บ่อยครั้งที่พวกเขาไม่มีพรมแดนเด่นชัดใด ๆ และสามารถย้ายจากที่หนึ่งไปอีกคนหนึ่งได้อย่างราบรื่นในขณะที่อยู่ในการพัฒนาอย่างต่อเนื่องคัดค้านและผสม ทิศทางส่วนใหญ่ในการทาสีร่วมกันพร้อมกันด้วยเหตุผลนี้ - "สไตล์ที่สะอาด" ไม่ได้เกิดขึ้น เรานำเสนอรูปแบบการทาสีที่ได้รับความนิยมมากที่สุดให้กับคุณในวันนี้

อิมเพรสชั่น

Claude Monet "ความประทับใจ ดวงอาทิตย์ขึ้น "

ได้รับชื่อผ่านภาพ "ความประทับใจ, Soleil Levant" Claude Monet อิมเพรสชั่นนิสต์เป็นรูปแบบการทาสีซึ่งตามกฎแล้วมีวัตถุประสงค์เพื่อทำงานในที่โล่ง การวาดภาพในทิศทางนี้ได้รับการออกแบบมาเพื่อถ่ายทอดความรู้สึกของเจ้านาย

ลักษณะสำคัญของอิมเพรสชั่นนิสนั่นรวมถึง: บอบบางค่อนข้างเล็กจังหวะที่มองเห็นได้ แสงที่ส่งมาอย่างแม่นยำ; เปิดองค์ประกอบ; การปรากฏตัวของการเคลื่อนไหวใด ๆ วิสัยทัศน์ที่ผิดปกติของรายการ

ตัวแทนที่สดใสของอิมเพรสชั่น: Pierre Renoir, Edgar Degas, Claude Monet

การแสดงออก

Edward Munch "Creek"

หนึ่งในพื้นที่ศิลปะสมัยใหม่ซึ่งมีต้นกำเนิดในประเทศเยอรมนีในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 20 ในขั้นต้นการแสดงออกที่ครอบคลุมเฉพาะกวีนิพนธ์และการทาสี

Expressionists มักแสดงให้เห็นถึงโลกรอบตัวเราเพียงอย่างเดียวเท่านั้นที่บิดเบือนความเป็นจริงอย่างสมบูรณ์สำหรับผลกระทบทางอารมณ์ที่ยิ่งใหญ่กว่า ดังนั้นพวกเขาบังคับให้ผู้ชมคิด

ในบรรดาตัวแทนของเขา: Amedeo Modigliani, Edward Munk, Ernst Ludwig Kirchner เป็นต้น

คิวบา

Pablo Picasso "Dora Maar"

Cubism เป็นทิศทางศิลปะเปรี้ยวจี๊ดที่มีต้นกำเนิดในศตวรรษที่ 20 เนื่องจาก Pablo Picasso ที่มีชื่อเสียง ดังนั้นจึงเป็นผู้แทนที่มีชีวิตชีวาที่สุดของสไตล์นี้ ควรสังเกตว่าทิศทางนี้ทำให้การปฏิวัติในประติมากรรมและการวาดภาพของยุโรปสร้างแรงบันดาลใจในทิศทางที่คล้ายคลึงกันในสถาปัตยกรรมวรรณกรรมและดนตรี

สำหรับงานศิลปะในสไตล์นี้มีลักษณะโดยการบ่งชี้รายการที่เสียหายในรูปแบบนามธรรม

การสมัยนิยม

Henri Matisss "Dancer ในชุดสีน้ำเงิน"

ความทันสมัยแสดงให้เห็นถึงการรวมกันของเทรนด์ที่แตกต่างกันของวัฒนธรรมรวมถึงทิศทางของศิลปะยูไนเต็ดที่มีต้นกำเนิดในศตวรรษที่ XIX และ XX

สีเรียกว่าสมัยใหม่ของ "ศิลปะอื่น ๆ " วัตถุประสงค์ที่จะสร้างเอกลักษณ์ไม่มีอะไรเกี่ยวข้องกับภาพวาดที่คล้ายกันนั่นคือพวกเขาแสดงวิสัยทัศน์พิเศษของศิลปิน

ตัวแทนที่มีชื่อเสียง: Henri Matisse และ Pablo Picasso

ลัทธินีโอคลาสสิก

Nicolas Pussen "Parnas"

Neoclassicism เป็นทิศทางหลักในภาคเหนือของยุโรปเกี่ยวกับ XVIII และ XIX ศตวรรษซึ่งศิลปะของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสมัยโบราณและแม้กระทั่งคลาสสิกเป็นลักษณะ

เนื่องจากความรู้อย่างลึกซึ้งเกี่ยวกับกฎหมายของคริสตจักรอาจารย์ของ Neoclassicism พยายามสร้างขึ้นใหม่เช่นเดียวกับการเข้าร่วมงานของพวกเขา

ตัวแทนสดใสคือ: Nicolas Poussin, Franz Josef Haydn, Rafael

ศิลปะป๊อป

Andy Warhol "Dollar"

การทำโรแมนติก

Francisco Goya "การสืบสวนศาล"

โรแมนติกเป็นทิศทางของศิลปะที่มีต้นกำเนิดในศตวรรษที่สิบแปดในยุโรป อารมณ์ที่แข็งแกร่งได้รับการพิจารณาว่าเป็นแหล่งความรู้ด้านสุนทรียภาพที่แท้จริง ส่วนใหญ่มีคุณค่าของอารมณ์เช่นความเคารพความกลัวความสยองขวัญและความกังวลใจ

ในบรรดาตัวแทนของเขา: Francisco Goya, Isaac Levitan, Ivan Shishkin, Ivan Aivazovsky, William Turner

ความสมจริง

Ilya repin "guy of timid"

สถิตยศาสตร์คือการเปิดรับความจริงทางจิตวิทยาด้วยความช่วยเหลือของการแยกวัตถุจากความสำคัญปกติของพวกเขาในการสร้างภาพที่แข็งแกร่งเพื่อให้เกิดความเห็นอกเห็นใจของผู้ชม

ตัวแทนที่มีชื่อเสียงของสไตล์นี้: Max Ernst, Rene Magritte และ Salvador Dali

สัญลักษณ์

Mikhail Vrubel "พล็อตปีศาจ"

สัญลักษณ์เป็นการประท้วงในความโปรดปรานของจิตวิญญาณความฝันและจินตนาการซึ่งพัฒนาขึ้นในบางประเทศในยุโรปในตอนท้ายของศตวรรษที่สิบเก้า

ศิลปินสัญลักษณ์ได้ส่งผลกระทบอย่างแรงกล้าต่อสถิตยศาสตร์และการแสดงออกในการวาดภาพ สองทิศทางนี้เกิดขึ้นโดยตรงจากสัญลักษณ์

ในบรรดาตัวแทนของสไตล์: Mikhail Vrubel, Gustave Moro, Hugo Simberg, Victor Vasnetsov ฯลฯ

หนึ่งในวิธีหลักของความคิดของเรา ผลลัพธ์ของมันคือการก่อตัวของแนวคิดและการตัดสินที่พบบ่อยที่สุด (abstractions) ในศิลปะการตกแต่งนามธรรมเป็นกระบวนการของรูปแบบที่จัดแต่งทรงผมตามธรรมชาติ

ในกิจกรรมศิลปะสิ่งที่เป็นนามธรรมมีอยู่ตลอดเวลา ในการแสดงออกอย่างรุนแรงในความคิดสร้างสรรค์ที่ดีมันนำไปสู่การเป็นนามธรรมทิศทางพิเศษในศิลปะภาพของศตวรรษที่ XX ซึ่งการปฏิเสธภาพของวัตถุจริงการวางนัยทั่วไปหรือความล้มเหลวที่สมบูรณ์ของแบบฟอร์มที่ชนะฟรี องค์ประกอบ (จากบรรทัดคะแนนจุดสปอตเครื่องบินและเครื่องบินและดร.) การทดลองที่มีสีการแสดงออกที่เกิดขึ้นเองของโลกภายในของศิลปินจิตใต้สำนึกในรูปแบบนามธรรมที่ไม่ได้จัดระเบียบ (การแสดงออกบทคัดย่อ) ในพื้นที่นี้สามารถนำมาประกอบกับภาพวาดของศิลปินรัสเซีย V. Kandinsky

ตัวแทนของกระแสน้ำบางอย่างในศิลปะนามธรรมสร้างโครงสร้างที่ได้รับคำสั่งอย่างมีเหตุผลพึ่งพาการค้นหาองค์กรที่มีเหตุผลของรูปแบบในสถาปัตยกรรมและการออกแบบ (Suprematism ของจิตรกรชาวรัสเซีย K. Malevich, Constructivism ฯลฯ ) ในประติมากรรมประติมากรรมแสดงน้อยกว่าภาพวาด

ความเป็นนามธรรมคือการตอบสนองต่อความไม่ลงรอยกันของโลกสมัยใหม่และประสบความสำเร็จเพราะเขาประกาศการปฏิเสธที่จะตระหนักในศิลปะและเรียกร้องให้ "เพื่อให้รูปแบบความคิดริเริ่มสีสี"

ความสมจริง

จาก fr. จริงจาก lat. Realis - จริง ในงานศิลปะในความรู้สึกในวงกว้างความเป็นจริงวัตถุประสงค์การสะท้อนความเป็นจริงของความเป็นจริงของวิธีการเฉพาะที่มีอยู่ในประเภทของความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะ

สัญญาณทั่วไปของวิธีการของความสมจริงคือความถูกต้องในการทำซ้ำความเป็นจริง ในเวลาเดียวกันศิลปะที่สมจริงมีความหลากหลายของความรู้ทั่วไปการสะท้อนความเป็นจริงของความเป็นจริง (G. Korzhev, M. B. Greeks, A.a Plastov, A. M. Gerasimov, T. N. Yablonskaya, P. D. Corin et al.)

ศตวรรษที่สมจริง XX ลักษณะของชาติที่สดใสและหลากหลายรูปแบบที่ได้มา ความสมจริง - ปรากฏการณ์เป็นสิ่งที่ตรงกันข้ามกับสมัยใหม่

เปรี้ยวจี๊ด

จาก fr. Avant - Advanced, Garde - การออกเดี่ยว - แนวคิดที่กำหนดการทดลองการใช้งานเชิงศิลปะสมัยใหม่ในงานศิลปะ ในทุกสมัยปรากฏการณ์ที่เป็นนวัตกรรมเกิดขึ้นในทัศนศิลป์ แต่คำว่า "Avant-Garde" ก่อตั้งขึ้นเมื่อต้นศตวรรษที่ XX เท่านั้น ในเวลานี้ทิศทางดังกล่าวปรากฏขึ้นเช่น Fusism, Cubism, Futurism, Expression, Accriptionism จากนั้นในยุค 20 และ 30 ตำแหน่ง Avant-Garde ครอบครองสถิตยศาสตร์ ในช่วงเวลา 60-70 วินาทีมีการเพิ่มพันธุ์ใหม่ของความเป็นส่วนตัว - รูปแบบต่าง ๆ ของความพยายามทำงานกับวัตถุ (ศิลปะป๊อป), ศิลปะแนวความคิด, การถ่ายทอดเสียง, kinetism ฯลฯ ศิลปิน avant-gardeists แสดงการประท้วงแบบดั้งเดิม วัฒนธรรม.

ในทุกทิศทาง Avant-Garde แม้จะมีความหลากหลายของพวกเขาคุณสามารถระบุคุณสมบัติทั่วไป: การปฏิเสธบรรทัดฐานของภาพคลาสสิกความแปลกใหม่อย่างเป็นทางการการเสียรูปแบบการแสดงออกและการแปลงเกมต่าง ๆ ทั้งหมดนี้นำไปสู่การพังทลายของขอบเขตระหว่างศิลปะและความเป็นจริง (Redi-Maid, การติดตั้ง, สิ่งแวดล้อม) การสร้างอุดมคติของงานศิลปะที่เปิดกว้างที่บุกรุกสิ่งแวดล้อมโดยตรง The Art of Avant-Garde ได้รับการออกแบบมาสำหรับบทสนทนาของศิลปินและผู้ชมปฏิสัมพันธ์ที่กระตือรือร้นของบุคคลที่มีงานศิลปะการสมรู้ร่วมคิดในความคิดสร้างสรรค์ (ตัวอย่างเช่นศิลปะจลน์ติก Heptening ฯลฯ )

การทำงานของทิศทางเปรี้ยวจี๊ดบางครั้งสูญเสียจุดเริ่มต้นของภาพและเท่ากับวัตถุของรอบ ทิศทางสมัยใหม่ของแก่นสาร - เรสเตอร์มีการพันกันอย่างใกล้ชิดสร้างรูปแบบใหม่ของงานศิลปะสังเคราะห์

Andersrund

ภาษาอังกฤษ ใต้ดิน - ใต้ดินดันเจี้ยน แนวคิดหมายถึงวัฒนธรรม "ใต้ดิน" ตรงข้ามกับการประชุมและข้อ จำกัด ของวัฒนธรรมดั้งเดิม นิทรรศการของศิลปินของพื้นที่ที่อยู่ภายใต้การพิจารณามักจะไม่ผ่านร้านค้าและหอศิลป์ แต่โดยตรงบนโลกรวมถึงการเปลี่ยนแปลงใต้ดินหรือรถไฟใต้ดินซึ่งในหลายประเทศเรียกว่าใต้ดิน (สถานีรถไฟใต้ดิน) อาจเป็นไปได้ว่าสถานการณ์นี้มีอิทธิพลต่อความจริงที่ว่าทิศทางนี้ในศิลปะของศตวรรษที่ XX ชื่อนี้ได้รับการจัดตั้งขึ้น

ในรัสเซียแนวคิดของใต้ดินได้กลายเป็นการกำหนดชุมชนของศิลปินที่เป็นตัวแทนของศิลปะนอกระบบ

สถิตยศาสตร์

ฟร. Surrealisme - Superdealism ทิศทางในวรรณคดีและศิลปะของศตวรรษที่ XX ปัจจุบันในช่วงปี 1920 มาถึงในฝรั่งเศสที่ความคิดริเริ่มของนักเขียน A. Breton, Surrealism ในไม่ช้าก็กลายเป็นทิศทางสากล เซอร์เรียลต์เชื่อว่าพลังงานที่สร้างสรรค์มาจากทรงกลมของจิตใต้สำนึกซึ่งแสดงให้เห็นว่าตัวเองในระหว่างการนอนหลับการสะกดจิตไร้สาระเจ็บปวดความเข้าใจอย่างกะทันหันการกระทำอัตโนมัติ (ดินสอแบบสุ่มเดินบนกระดาษ ฯลฯ )

ศิลปินเซอร์เรียลในทางตรงกันข้ามกับผู้เป็นนามธรรมอย่าปฏิเสธภาพของวัตถุจริง แต่เป็นตัวแทนของพวกเขาในความโกลาหลโดยจงใจไร้ความสัมพันธ์เชิงตรรกะ การขาดความหมายการปฏิเสธการสะท้อนความเป็นจริงที่สมเหตุสมผลเป็นหลักการหลักของศิลปะแห่งการสถิตยศาสตร์ ชื่อของทิศทางที่มากกำลังพูดถึงการหย่าร้างจากชีวิตจริง: "Sur" ในภาษาฝรั่งเศส "มากกว่า"; ศิลปินไม่ได้อ้างถึงการสะท้อนของความเป็นจริง แต่จิตใจของพวกเขาสร้างสรรค์ "มากกว่า" ความสมจริงการออกจินตนาการที่บ้าคลั่งสำหรับงาน ดังนั้นภาพเขียนที่เหนือจริงรวมถึงความคล้ายคลึงกันไม่สามารถอธิบาย M. Ernsta, J. Miro, I. Tangi รวมถึงวัตถุที่ได้รับการรักษาด้วย Surrealists นอกเหนือจากการจดจำ (M. Oppenheim)

ทิศทางที่เหนือจริงซึ่งนำโดย S. Dali ขึ้นอยู่กับความถูกต้องของภาพลวงตาของการทำซ้ำภาพสัญลักษณ์ที่เกิดขึ้นในจิตใต้สำนึก ภาพวาดของมันโดดเด่นด้วยการเขียนอย่างละเอียดการส่งแสงที่แม่นยำมุมมองซึ่งเป็นลักษณะของภาพวาดทางวิชาการ ผู้ชมปล่อยให้การโน้มน้าวใจของภาพลวงตาของภาพลวงตาถูกดึงเข้าสู่เขาวงกตของการหลอกลวงและความลึกลับที่ไม่สามารถแก้ไขได้: รายการที่เป็นของแข็งแพร่กระจายหนาแน่นได้รับความโปร่งใสวัตถุที่เข้ากันไม่ได้มีการบิดและเปิดออกปริมาณมากที่ได้รับการลดน้ำหนักและทั้งหมดนี้สร้างภาพที่เป็นไปไม่ได้ในความเป็นจริง .

เป็นที่รู้จักความจริงเช่นนี้ ครั้งหนึ่งในการจัดนิทรรศการก่อนการทำงานของ S. ให้ผู้ชมเป็นเวลานานการมองอย่างรอบคอบและพยายามเข้าใจความหมาย ในที่สุดในความสิ้นหวังอย่างสมบูรณ์เขาพูดเสียงดัง: "ฉันไม่เข้าใจความหมาย!" การแสดงออกของผู้ชมถูกได้ยินที่นิทรรศการ S. Dali "ในขณะที่คุณสามารถเข้าใจสิ่งที่หมายความว่าถ้าฉันไม่เข้าใจ" ศิลปินกล่าวจึงแสดงหลักการพื้นฐานของศิลปะเหนือจริง: การเขียนภาพวาดโดยไม่ต้องคิดโดยไม่สะท้อนให้เห็นถึงการละทิ้งความคิดและตรรกะ

การจัดนิทรรศการของงาน Surrealists มาพร้อมกับกฎเรื่องอื้อฉาว: ผู้ชมได้รับความขุ่นเคืองดูภาพวาดที่ไร้สาระที่ไม่สามารถเข้าใจได้เชื่อว่าพวกเขาถูกหลอกเมียัสการ Surrealists กล่าวหาผู้ชมระบุว่าผู้ที่อยู่เบื้องหลังไม่ได้เติบโตขึ้นในการทำงานของศิลปิน "ขั้นสูง"

คุณสมบัติทั่วไปของศิลปะแห่งการสถิตยศาสตร์เป็นนิยายไร้สาระ alogyrism การผสมผสานที่ขัดแย้งกันของรูปแบบความไม่แน่นอนของภาพความแปรปรวนของภาพ ศิลปินยื่นอุทธรณ์ต่อการเลียนแบบศิลปะดั้งเดิมความคิดสร้างสรรค์ของเด็กและป่วยทางจิตใจ

ศิลปินในทิศทางนี้ต้องการสร้างความเป็นจริงบนเว็บของพวกเขาไม่ได้สะท้อนให้เห็นถึงความเป็นจริงได้รับแจ้งจากจิตใต้สำนึก แต่ในทางปฏิบัติมันถูกเทลงในการสร้างภาพที่น่ารังเกียจทางพยาธิวิทยา, ระแนงและ kitsch (มัน - kitsch; ราคาถูก; ออกแบบมาเพื่อผลกระทบภายนอก)

การค้นพบการค้นพบของเซอร์เรียลส์แยกต่างหากในพื้นที่เชิงพาณิชย์ของศิลปะการตกแต่งเช่นภาพลวงตาแสงที่อนุญาตให้เห็นสองภาพหรือแปลงที่แตกต่างกันในภาพหนึ่งภาพขึ้นอยู่กับทิศทางของมุมมอง

ผลงานของ Surrealists ทำให้สมาคมที่ซับซ้อนที่สุดอาจถูกระบุในการรับรู้ของเราด้วยความชั่วร้าย การอดอาหารวิสัยทัศน์และความฝันอันงดงามที่สิ้นหวัง - ความรู้สึกเหล่านี้ในเวอร์ชั่นต่าง ๆ ปรากฏในผลงานของ Surrealists อย่างแข็งขันส่งผลกระทบต่อผู้ชมอย่างไร้สาระของผลงาน Surrealism ที่ดำเนินการเกี่ยวกับจินตนาการที่สม่ำเสมอและจิตใจ

สถิตยศาสตร์เป็นปรากฏการณ์ทางศิลปะที่ขัดแย้งกัน ตัวเลขทางวัฒนธรรมขั้นสูงมากมายที่มีสติที่มีสติในทิศทางนี้ทำลายงานศิลปะต่อมาปฏิเสธที่จะดูเหนือจริง (ศิลปิน P. Picasso, P. Clee และอื่น ๆ กวี F. Lorca, P. Neruda ผู้อำนวยการสเปน L. Bunuel ผู้ยิงภาพยนตร์ Suralistic . ในช่วงกลางทศวรรษที่ 1960 การสถิตยศาสตร์ถูกแทนที่ด้วยสิ่งใหม่ที่มีความทันสมัยยิ่งขึ้นของความทันสมัย \u200b\u200bแต่แปลกประหลาดส่วนใหญ่น่าเกลียดงานที่ไร้ความหมายของ Suralists ยังคงเติมเต็มห้องโถงของพิพิธภัณฑ์

การสมัยนิยม

ฟร. สมัยใหม่จาก lat. Modernus - ใหม่ทันสมัย การกำหนดโดยรวมของเทรนด์ทิศทางโรงเรียนและกิจกรรมล่าสุดของศิลปินแต่ละคนของศตวรรษที่ XX ซึ่งเป็นประเพณีของวิธีการสร้างสรรค์ (Fusism, Expressionism, Cubism, อนาคต, การกระทำผิดปกติ, dadaism, สถิตยศาสตร์, ศิลปะป๊อป, ศิลปะ, ภาพลวงตา ศิลปะ, hyperrealism ฯลฯ ) ความทันสมัยอยู่ใกล้กับค่าของเปรี้ยวจี๊ดและตรงข้ามกับนักวิชาการ ความทันสมัยได้รับการประเมินในเชิงลบโดยนักประวัติศาสตร์ศิลปะโซเวียตเป็นปรากฏการณ์วิกฤตของวัฒนธรรมชนช่างหลัง ศิลปะมีอิสระในการเลือกเส้นทางประวัติศาสตร์ของพวกเขา ความขัดแย้งของความทันสมัยเช่นนี้มีความจำเป็นต้องพิจารณาว่าไม่คงที่ แต่ในพลวัตทางประวัติศาสตร์

ศิลปะป๊อป

ภาษาอังกฤษ ศิลปะป๊อปจากศิลปะยอดนิยม - งานศิลปะยอดนิยม ทิศทางในศิลปะของยุโรปตะวันตกและสหรัฐอเมริกาจากปลายปี 1950 การเฟื่องฟูของศิลปะป๊อปมาสู่พายุ 60s เมื่อในหลายประเทศของยุโรปและอเมริกาคนหนุ่มสาวคนหนุ่มสาวโผล่ออกมา การเคลื่อนไหวของเยาวชนไม่มีเป้าหมายเดียว - เขารวมกันโดยการปฏิเสธ Pathos

คนหนุ่มสาวพร้อมที่จะทิ้งวัฒนธรรมที่ผ่านมาทั้งหมดในต่างประเทศ ทั้งหมดนี้สะท้อนให้เห็นในงานศิลปะ

คุณสมบัติที่โดดเด่นของการรวมกันของศิลปะป๊อปที่มีความเฉยเมย ทุกอย่างมีค่าที่มีค่าเท่ากันหรือไม่ถูกต้องพอ ๆ กันมีความสวยงามเท่ากันหรือน่าเกลียดพอ ๆ กันมีค่าเท่ากันหรือไม่คุ้มค่า บางทีธุรกิจโฆษณาเท่านั้นที่ขึ้นอยู่กับทัศนคติทางธุรกิจที่ไม่สำคัญต่อทุกสิ่งในโลก ไม่ใช่โดยบังเอิญที่โฆษณามีผลกระทบอย่างมากต่อศิลปะป๊อปและตัวแทนของเขาหลายคนทำงานและทำงานในศูนย์โฆษณา ผู้สร้างโปรแกรมโฆษณาและการแสดงสามารถจุดประกายบนชิ้นส่วนและรวมผงซักผ้าและผลงานชิ้นเอกที่มีชื่อเสียงของศิลปะยาสีฟันและ Fugu ของ Bach ในการรวมกันของพวกเขา ในทำนองเดียวกันศิลปะป๊อป

แรงจูงใจหลายวัฒนธรรมดำเนินการในรูปแบบที่แตกต่างกัน ภาพได้รับการแนะนำโดยการจับแพะชนแกะหรือภาพถ่ายวัตถุจริงมักจะอยู่ในการผสมผสานที่ไร้สาระหรือไร้สาระ (R. Raushenberg, E. War Hall, R. Hamilton) การวาดภาพสามารถเลียนแบบเทคนิคคอมโพสิตและเทคนิคการโฆษณาโล่ภาพของการ์ตูนสามารถเพิ่มขึ้นเป็นขนาดของ Canvase ขนาดใหญ่ (R. Lichtenstain) ประติมากรรมสามารถรวมกับ milyales ตัวอย่างเช่นศิลปิน K. Oledenburg สร้างความคล้ายคลึงกันของการแสดงทาง Moising ของอาหารขนาดใหญ่จากวัสดุที่ผิดปกติ

มักจะไม่มีเส้นขอบระหว่างประติมากรรมและการทาสี งานศิลปะของศิลปะป๊อปมักไม่เพียง แต่มีสามมิติเท่านั้น แต่ยังเติมเต็มในห้องแสดงนิทรรศการทั้งหมด โดยอาศัยอำนาจตามการเปลี่ยนแปลงดังกล่าวภาพเริ่มต้นของวัตถุของวัฒนธรรมจำนวนมากถูกแปลงและรับรู้แตกต่างกันมากกว่าในสภาพแวดล้อมที่ใช้ในครัวเรือนที่แท้จริง

หมวดหมู่หลักของศิลปะป๊อปไม่ใช่ภาพศิลปะ แต่ "การแต่งตั้ง" ของเขากำจัดผู้เขียนจากกระบวนการสร้างภาพของบางสิ่งบางอย่าง (M. Dushan) กระบวนการนี้ได้รับการแนะนำเพื่อขยายแนวคิดของศิลปะและการรวมอยู่ในกิจกรรมที่ไม่รู้จัก "ออก" ของงานศิลปะในด้านวัฒนธรรมมวลชน ศิลปินศิลปะป๊อปเป็นผู้ริเริ่มรูปแบบดังกล่าวเป็นฟ้องการติดตั้งหัวเรื่องสภาพแวดล้อมและรูปแบบอื่น ๆ ของศิลปะแนวความคิด กระแสที่คล้ายกัน: ใต้ดิน, hyperrealism, op-art, redi- แม่บ้าน ฯลฯ

Op-Art

ภาษาอังกฤษ หรือศิลปะ, redfish จากศิลปะออปติคอล - ศิลปะออปติคอล ทิศทางในศิลปะของศตวรรษที่ XX ซึ่งแพร่หลายในปี 1960 ศิลปิน OP-Art ใช้ภาพลวงตามองเห็นต่าง ๆ ตามลักษณะเฉพาะของการรับรู้ของตัวเลขที่ราบเรียบและเชิงพื้นที่ ผลของการกำจัดเชิงพื้นที่การควบรวมกิจการรูปแบบที่ได้รับจากการแนะนำของการทำซ้ำจังหวะสีที่คมชัดและความแตกต่างของวรรณยุกต์ข้ามการกำหนดค่าเกลียวและตาข่ายเส้นบิด ใน OP-ART การติดตั้งของไฟเปลี่ยนการออกแบบแบบไดนามิกมักใช้ (ต่อไปในส่วนศิลปะจลนศาสตร์) ภาพลวงตาของการเคลื่อนไหวที่ไหลการเปลี่ยนแปลงของภาพที่สอดคล้องกันแบบฟอร์มที่ไม่แน่นอนสร้างขึ้นใหม่อย่างต่อเนื่องเกิดขึ้นใน OP-Art เท่านั้นในความรู้สึกของผู้ชม ทิศทางยังคงเป็นสายเทคนิคของความทันสมัย

ศิลปะการเคลื่อนไหว

จาก c. Kinetikos - ขับเคลื่อนการเคลื่อนไหว ทิศทางในศิลปะร่วมสมัยที่เกี่ยวข้องกับการใช้โครงสร้างการเคลื่อนไหวและองค์ประกอบพลศาสตร์อื่น ๆ Kinetism เป็นทิศทางที่เป็นอิสระก่อตั้งขึ้นในช่วงครึ่งหลังของปี 1950 แต่มันถูกนำหน้าด้วยการทดลองเพื่อสร้างพลาสติกแบบไดนามิกในการก่อสร้างรัสเซีย (V. Tatlin, K. Melnikov, A. Rodchenko), Dadaism

ก่อนหน้านี้ศิลปะพื้นบ้านยังแสดงให้เห็นถึงตัวอย่างของวัตถุที่เคลื่อนไหวและของเล่นเช่นนกที่มีความสุขจากภูมิภาค Arkhangelsk ของเล่นกลการเลียนแบบกระบวนการแรงงานจากหมู่บ้าน Bogorodskoye ฯลฯ

ในศิลปะการเคลื่อนไหวมีการเปิดตัวในรูปแบบที่แตกต่างกันผลงานบางอย่างถูกเปลี่ยนแบบไดนามิกโดยผู้ชมเองตัวเอง - การแกว่งของสภาพแวดล้อมของอากาศและที่สามถูกขับเคลื่อนโดยเครื่องยนต์หรือแรงแม่เหล็กไฟฟ้า วัสดุที่หลากหลายที่ใช้ - จากวิธีการทางเทคนิคแบบดั้งเดิมถึงสุดยอดกับคอมพิวเตอร์และเลเซอร์ มักจะอยู่ในองค์ประกอบ kinetic ใช้กระจก

ในหลายกรณีภาพลวงตาของการเคลื่อนไหวถูกสร้างขึ้นโดยการเปลี่ยนแสง - Kinetism ที่นี่ปิดด้วย OP-ART เทคนิค Kinetism ใช้กันอย่างแพร่หลายในการจัดนิทรรศการงานแสดงสินค้าดิสโก้ในการออกแบบพื้นที่สวนสาธารณะการตกแต่งภายในสาธารณะ

Kinetism พยายามที่จะสังเคราะห์ศิลปะ: การเคลื่อนไหวของวัตถุในอวกาศสามารถเสริมได้โดยผลของแสงเสียงเพลงแสงฟิล์ม ฯลฯ
งานเลี้ยงต้อนรับศิลปะสมัยใหม่ (เปรี้ยวจี๊ด)

ความเชื่อ่สูง

ภาษาอังกฤษ hyperrealism ทิศทางในการวาดภาพและประติมากรรมที่เกิดขึ้นในสหรัฐอเมริกาและได้กลายเป็นเหตุการณ์ในภาพศิลปะทั่วโลกในยุค 70 ของศตวรรษที่ XX

อีกชื่อหนึ่งของ hypeeralism คือการถ่ายทอดเสียง

ศิลปินของพื้นที่นี้ลอกเลียนแบบภาพถ่ายที่มีความงดงามหมายถึงบนผืนผ้าใบ พวกเขาแสดงให้เห็นถึงโลกของเมืองที่ทันสมัย: ร้านค้าร้านค้าของร้านค้าและร้านอาหารสถานีรถไฟใต้ดินและสัญญาณไฟจราจรอาคารที่อยู่อาศัยและผู้คนในถนน ในเวลาเดียวกันความสนใจเป็นพิเศษได้รับการจ่ายให้กับเงาสะท้อนแสงพื้นผิว: แก้วพลาสติกการขัดรถยนต์ ฯลฯ เกมสะท้อนแสงบนพื้นผิวดังกล่าวสร้างความประทับใจของการแทรกซึมของช่องว่าง

เป้าหมายของ hypeeralists คือการพรรณนาโลกที่ไม่น่าเชื่อถือ แต่ยังไม่สามารถทำได้ ในการทำเช่นนี้พวกเขาใช้วิธีการกลไกในการคัดลอกภาพถ่ายและเพิ่มขนาดของเว็บขนาดใหญ่ (Diaprosection และตารางขนาดใหญ่) ทาสีตามกฎแล้วพ่นด้วยพู่กันเพื่อรักษาคุณสมบัติทั้งหมดของภาพภาพถ่ายกำจัดการแสดงออกของลายมือของศิลปิน

นอกจากนี้ผู้เข้าชมในการจัดนิทรรศการของพื้นที่นี้อาจพบกันในห้องโถงของมนุษย์ที่ทำจากวัสดุโพลีเมอร์ที่ทันสมัยในราคาธรรมชาติแต่งตัวในชุดที่เสร็จแล้วและทาสีในลักษณะที่พวกเขาไม่แตกต่างจากผู้ชม มันทำให้เกิดความสับสนและตกใจมาก

การถ่ายทอดความรู้สึกของเขาเพื่อเพิ่มการรับรู้ของเราทุกวันเป็นสัญลักษณ์ของสภาพแวดล้อมที่ทันสมัยสะท้อนให้เห็นถึงเวลาของเราในรูปแบบของ "ศิลปะเทคนิค" แพร่กระจายอย่างกว้างขวางในยุคของความก้าวหน้าทางเทคนิคของเรา การแก้ไขและเปิดเผยความทันสมัยซ่อนอารมณ์ของผู้เขียนการถ่ายทอดเสียงในงานซอฟต์แวร์ของพวกเขาอยู่บนชายแดนของภาพที่มีทัศนเนียมและเกือบข้ามเพราะเธอพยายามแข่งขันกับชีวิตของเขาเอง

แม่บ้าน

ภาษาอังกฤษ พร้อมทำ - พร้อม หนึ่งในเทคนิคทั่วไปของศิลปะสมัยใหม่ (เปรี้ยวจี๊ด) ประกอบด้วยในความจริงที่ว่าเรื่องของการผลิตภาคอุตสาหกรรมกำลังหลบหนีจากสถานการณ์ในครัวเรือนตามปกติและจัดแสดงในห้องโถงนิทรรศการ

ความหมายของ Redi-Maid มีดังนี้: เมื่อเปลี่ยนสภาพแวดล้อมการรับรู้ของการเปลี่ยนแปลงวัตถุ ผู้ชมเห็นในเรื่องที่แสดงบนแท่นไม่ใช่สิ่งที่ใช้ประโยชน์และวัตถุศิลปะการแสดงออกของรูปร่างและสี ชื่อของ Redi-Maid เป็นครั้งแรกในปี 1913 - 1917 นำไปใช้ M. Dushan ที่เกี่ยวข้องกับ "วัตถุสำเร็จรูป" ของเขา (หวี, ล้อจักรยาน, เครื่องเป่าขวด) ในปี 1960 แม่บ้าน Redi มีการกระจายอย่างกว้างขวางในทิศทางต่าง ๆ ของศิลปะเปรี้ยวจี๊ดโดยเฉพาะใน Dadaism

การติดตั้ง

จากอังกฤษ. การติดตั้ง - การติดตั้ง องค์ประกอบเชิงพื้นที่ที่สร้างขึ้นโดยศิลปินจากองค์ประกอบต่าง ๆ - ของใช้ในครัวเรือนผลิตภัณฑ์อุตสาหกรรมและวัสดุวัตถุธรรมชาติข้อมูลที่เป็นข้อความหรือภาพ ชาวต่างชาติของการติดตั้งเป็น Dadist M. Dushan และ Surrealists การสร้างการผสมผสานที่ผิดปกติของสิ่งธรรมดาศิลปินให้ความหมายสัญลักษณ์ใหม่แก่พวกเขา เนื้อหาที่สวยงามของการติดตั้งในเกมของค่าความหมายซึ่งแตกต่างกันไปตามที่ตั้งอยู่ในสภาพแวดล้อมที่ใช้ในครัวเรือนที่คุ้นเคยหรือในห้องโถงนิทรรศการ ศิลปินหลายคนของ Avant-Garde R. Raushenberg, D. Dyane, Yukker, I. Kabakov สร้างการติดตั้ง

การติดตั้ง - รูปแบบของงานศิลปะแพร่หลายในศตวรรษที่ XX

สภาพแวดล้อม

ภาษาอังกฤษ สภาพแวดล้อม - สภาพแวดล้อม, วันพุธ องค์ประกอบเชิงพื้นที่ที่กว้างขวางครอบคลุมผู้ชมเช่นสภาพแวดล้อมจริงหนึ่งในรูปแบบของศิลปะเปรี้ยวจี๊ดของยุค 60-70s สิ่งแวดล้อมประเภทธรรมชาติที่ถ่ายทอดภายในกับตัวเลขที่สร้างประติมากรรม D. Segal, E. Kinholz, K. Odoland, D. Hanson ความจริงในความเป็นจริงดังกล่าวอาจรวมถึงองค์ประกอบของนิยายบ้า สภาพแวดล้อมประเภทอื่นเป็นพื้นที่เล่นเกมที่แสดงให้เห็นถึงการกระทำบางอย่างของผู้ชม

การเกิดขึ้น

ภาษาอังกฤษ เกิดขึ้น - เกิดขึ้น ความหลากหลายของความพยายามที่พบบ่อยที่สุดในศิลปะเปรี้ยวจี๊ดของยุค 60-70s เกิดขึ้นพัฒนาเป็นเหตุการณ์ค่อนข้างยั่วยุมากกว่าจัด แต่ผู้ริเริ่มของการกระทำจำเป็นต้องมีส่วนเกี่ยวข้องกับผู้ชม เกิดขึ้นมาในช่วงปลายยุค 50 เป็นรูปแบบของโรงละคร ในองค์กรเพิ่มเติมของการเกิดขึ้นศิลปินมักจะตรงกับสภาพแวดล้อมหรือธรรมชาติในเมือง

พวกเขาพิจารณาแบบนี้เป็นสกุลของงานที่เคลื่อนไหวซึ่งสภาพแวดล้อมรายการไม่มีบทบาทน้อยกว่าผู้เข้าร่วมการใช้ชีวิตในการดำเนินการ

ผลของการตีติ่งกระตุ้นเสรีภาพของผู้เข้าร่วมแต่ละคนและจัดการวัตถุ การกระทำทั้งหมดกำลังพัฒนาตามโปรแกรมที่วางแผนไว้ก่อนหน้านี้ซึ่งการปรับตัวเป็นสิ่งสำคัญมากซึ่งให้มุมมองที่ไม่ได้สติที่แตกต่างกัน Hephening อาจรวมถึงองค์ประกอบของอารมณ์ขันและคติชนวิทยา ในการฟ้องร้องความปรารถนาของเปรี้ยวจี๊ดเพื่อการควบรวมกิจการของศิลปะกับวิถีชีวิตของชีวิตได้รับการแสดงออกอย่างชัดเจน

และในที่สุดศิลปะสมัยใหม่ที่ทันสมัยที่สุด - Superplaneness

ซุปเปอร์เพลน

SuperFlat เป็นคำที่คิดค้นโดยศิลปินญี่ปุ่นสมัยใหม่ Takasi Murakami

คำ SuperFlat ถูกออกแบบมาเพื่ออธิบายภาษาภาพใหม่ที่ใช้อย่างแข็งขันโดยการสร้างศิลปินญี่ปุ่นหนุ่มเช่น Takasi Murakami: "ฉันคิดเกี่ยวกับความเป็นจริงของการวาดภาพและการวาดภาพของญี่ปุ่นและความแตกต่างจากศิลปะตะวันตก สำหรับญี่ปุ่นความรู้สึกของระนาบเป็นสิ่งสำคัญ วัฒนธรรมของเราไม่มีรูปแบบ 3 มิติ แบบฟอร์ม 2D ได้รับการอนุมัติในการวาดภาพญี่ปุ่นประวัติศาสตร์คล้ายกับภาษาที่เรียบง่ายและเรียบง่ายของภาพเคลื่อนไหวสมัยใหม่การ์ตูนและการออกแบบกราฟิก "