En Japón a finales del siglo XIX. trabajaron arquitectos de Estados Unidos y Europa. El inglés W. Barton construyó en 1890 la "Torre Alcanzando las Nubes" de 12 pisos - Ryounkaku. La estructura tenía 67 m de altura, por construcción era una torre de 8 esquinas hecha de ladrillo rojo, las dos plantas superiores eran de madera. El primer edificio en Japón equipado con un ascensor eléctrico. El inglés W. Barton construyó en 1890 la "Torre Alcanzando las Nubes" de 12 pisos - Ryounkaku. La estructura tenía 67 m de altura, por construcción era una torre de 8 esquinas hecha de ladrillo rojo, las dos plantas superiores eran de madera. El primer edificio en Japón equipado con un ascensor eléctrico.
Tendencia líder en la arquitectura japonesa en la segunda mitad del siglo XX. El METABOLISMO (cambio de metabólico griego) es una dirección en la arquitectura y la planificación urbana que surgió en la década de 1960. y representada principalmente por las obras de los arquitectos japoneses K. Tange, K. Kikutake, K. Kurosawa y otras direcciones en arquitectura y planificación urbana que surgieron en la década de 1960. y representada principalmente por las obras de los arquitectos japoneses K. Tange, K. Kikutake, K. Kurosawa y otros.
Kisho Mayokawa. Metropolitan Festival Hall en el parque Ueno, Tokio
Tange Kenzo. Monumento a las víctimas del bombardeo atómico de Hiroshima,
Nueva torre de televisión de Tokio: la más alta del mundo Autores del proyecto: arquitecto Tadao Ando; escultor Kiichi Sumikawa.
El yoga se caracteriza por la pintura de caballete al óleo sobre lienzo. Entre los primeros artistas del yoga se encontraban Togai Kawakami () y Yuichi Takahashi (), quienes comenzaron a estudiar pintura europea incluso antes de la Restauración Meiji.
1876 \u200b\u200b- Se establece la Western School of Arts en el State College of Engineering. Se invitó a varios italianos a enseñar allí. Uno de ellos, Antonio Fontanesi (), tuvo un impacto significativo en el mundo artístico de Japón.
Después de 1882, las pinturas de Yega ya no fueron admitidas en exposiciones estatales en la ciudad: se fundó la Sociedad de Arte Meiji, que incluía artistas realistas que habían regresado de Europa.
Kuroda Seiki () Maiko. IMPRESIONISMO JAPONÉS
Maruki Toshiko y Maruki Iri (ganadores del Premio Nobel de la Paz) "Bomba atómica", "Bomba atómica", DIRECCIONES MODERNAS EN LA PINTURA DE JAPÓN
El líder indiscutible es Takeuchi Seiho (). Takeuchi Seiho junto con otros dos maestros prominentes: Kikuchi Homon () y Yamamoto Shunkyo (), determinaron la dirección del desarrollo de la escuela nihonga de Kioto.
Una tendencia separada en nihonga es la escuela Bundzing, pintura de gente educada, o Nanga, pintura sureña. El representante más brillante es Tomioka Tessai ().
2. La generación intermedia Ito Shinsui (), Hashimoto Meiji (), Yamaguchi Hoshyun () y otros - encarnó los ideales de nihonga en direcciones estilísticas tradicionalmente consistentes.
3. La generación más joven creía que las antiguas formas y técnicas de nihonga no brindaban la oportunidad de transmitir las realidades de la vida moderna. Las asociaciones de jóvenes emergentes se convirtieron en el foco de desarrollos y experimentos innovadores, contribuyeron a la renovación de la nihonga a fines del siglo XX. Representantes: Azami Takako (n. 1964).
Obras maestras de la arquitectura japonesa Durante siglos, los palacios y templos de Japón se construyeron al estilo chino, pero la arquitectura nacional de Japón tiene un aspecto característico. Una de las estructuras arquitectónicas más antiguas de Japón es el monasterio budista Horyuji en la ciudad de Nara, la primera capital del estado japonés. El complejo del palacio, creado con las mejores tradiciones de la arquitectura china, es un fenómeno único. A lo largo de los siglos, los palacios y templos en Japón se construyeron al estilo chino, pero la arquitectura nacional de Japón tiene un aspecto característico. Una de las estructuras arquitectónicas más antiguas de Japón es el monasterio budista Horyuji en la ciudad de Nara, la primera capital del estado japonés. El complejo del palacio, creado con las mejores tradiciones de la arquitectura china, es un fenómeno único. Monasterio de Horyuji. 607 Nara. Monasterio de Horyuji. 607 Nara.
Particularmente dignos de mención son el Salón Dorado y la pagoda, que forman la base del monasterio. El plan del Salón Dorado es un edificio rectangular de dos pisos, sobre una base de piedra y sostenido por 26 columnas. Dos enormes techos de tejas curvadas de color gris azulado enfatizan el carácter solemne del edificio. Monasterio de Horyuji. 607 Nara. Monasterio de Horyuji. 607 Nara. El Salón Dorado y la Pagoda. El Salón Dorado y la Pagoda.
Una verdadera obra maestra de la arquitectura japonesa es el Pabellón Dorado de Kioto, un ejemplo clásico de la exquisita arquitectura japonesa. El pabellón debe un nombre tan inusual a un techo de tres niveles con bordes ligeramente elevados, una vez cubierto con láminas de oro. Los arquitectos pensaron cuidadosamente el diseño y la ubicación del edificio. Se eleva a la orilla de un pequeño lago sobre pilares de luz, reflejándose en el agua con toda la riqueza de líneas curvas, muros tallados y cornisas estampadas. Una verdadera obra maestra de la arquitectura japonesa es el Pabellón Dorado de Kioto, un ejemplo clásico de la exquisita arquitectura japonesa. El pabellón debe un nombre tan inusual a un techo de tres niveles con bordes ligeramente elevados, una vez cubierto con láminas de oro. Los arquitectos pensaron cuidadosamente el diseño y la ubicación del edificio. Se eleva a la orilla de un pequeño lago sobre pilares de luz, reflejándose en el agua con toda la riqueza de líneas curvas, muros tallados y cornisas estampadas. Pabellón Dorado. siglo 16 Kyoto. Pabellón Dorado. siglo 16 Kyoto.
Pabellón Dorado. siglo 16 Kyoto. La exuberante vegetación de hoja perenne le sirve de telón de fondo. Las paredes del templo están pintadas en color dorado, por lo que en los rayos del sol deslumbrante reflejado en la superficie del espejo del lago, es una vista inusualmente hermosa. La exuberante vegetación de hoja perenne le sirve de telón de fondo. Las paredes del templo están pintadas en color dorado, por lo que en los rayos del sol deslumbrante reflejado en la superficie del espejo del lago, es una vista inusualmente hermosa.
Durante el período de guerras intestinas y la lucha por la unificación del país, comenzaron a erigirse estructuras defensivas. Ya no son los templos y los monasterios los que juegan un papel principal en la arquitectura, sino los castillos de tamaño y esplendor sin precedentes, rodeados por varios anillos de poderosas murallas defensivas y torres de vigilancia que se elevan triunfalmente hacia el cielo. Durante el período de guerras intestinas y la lucha por la unificación del país, comenzaron a erigirse estructuras defensivas. Ya no son los templos y los monasterios los que juegan un papel principal en la arquitectura, sino los castillos de tamaño y esplendor sin precedentes, rodeados por varios anillos de poderosas murallas defensivas y torres de vigilancia que se elevan triunfalmente hacia el cielo. Uno de los castillos más pintorescos de esa época es el castillo de Himeji, cerca de la ciudad de Kobe. Las torres blancas como la nieve y los muros del castillo, que se elevan sobre la poderosa mampostería, le dieron otro nombre: el Castillo de la Garza Blanca. Uno de los castillos más pintorescos de esa época es el castillo de Himeji, cerca de la ciudad de Kobe. Las torres blancas como la nieve y los muros del castillo, que se elevan sobre la poderosa mampostería, le dieron otro nombre: el Castillo de la Garza Blanca. Castillo de Himeji - 1609 Castillo de Kobe Himeji - 1609 Kobe
Castillo de Himeji - 1609 Kobe
Castillo de Himeji - 1609 Kobe. Castillo de Himeji - 1609 Kobe. El castillo de Himeji es un enorme y complejo complejo de estructuras arquitectónicas con muchos laberintos, pasajes secretos y estructuras dentro de las paredes. El castillo de Himeji es un enorme y complejo complejo de estructuras arquitectónicas con muchos laberintos, pasajes secretos y estructuras dentro de las paredes.
Castillo de Himeji - 1609 Castillo de Kobe Himeji - 1609 Kobe Tuvieron que pasar más de diez puertas de varios diseños para llegar a la torre central, la ciudadela principal del castillo. Se tuvieron que pasar más de diez puertas de varios diseños para llegar a la torre central, la ciudadela principal del castillo.
Escaleras del castillo de Himeji Kobe. Escaleras del castillo de Himeji Kobe.
Arte de la jardinería en Japón Los orígenes del arte de la jardinería en Japón se remontan a la antigüedad, cuando la gente adoraba el agua, las rocas, las montañas, las piedras ... El agua en la mente japonesa es un espejo del mundo, la encarnación de la paz, que aparece como un juego interminable de reflejos. El agua es la encarnación de la fluidez, el cambio y la transformación de la vida. Los orígenes del arte de la jardinería en Japón se remontan a la antigüedad, cuando la gente adoraba el agua, las rocas, las montañas, las piedras ... El agua, en la mente de los japoneses, es un espejo del mundo, la encarnación de la paz, representada por un infinito juego de reflejos. El agua es la encarnación de la fluidez, el cambio y la transformación de la vida. Jardín del monasterio de Sambo. siglo 16 Jardín del monasterio de Sambo. siglo 16
Se consideró que las piedras fueron creadas a partir de "la energía más pura del Cielo y la Tierra". Llevar piedras al jardín y colocarlas correctamente significa traer un ciclo de energía al espacio del jardín, encarnando la idea del mundo en miniatura. Las piedras son mensajeros de lo eterno, arrojando pensamientos del pasado. En las piedras apreciaron el juego de colores, los patrones, las vetas en la superficie, la presencia de vacíos, la capacidad de emitir un sonido a partir de un golpe con una barra de hierro. Se consideró que las piedras fueron creadas a partir de "la energía más pura del Cielo y la Tierra". Llevar piedras al jardín y colocarlas correctamente significa traer un ciclo de energía al espacio del jardín, encarnando la idea del mundo en miniatura. Las piedras son mensajeros de lo eterno, arrojando pensamientos del pasado. En las piedras se apreciaba el juego de colores, los patrones, las vetas en la superficie, la presencia de vacíos, la capacidad de emitir un sonido a partir de un golpe con una barra de hierro. Jardín Daisen-in. Kyoto. siglo 16 Jardín Daisen-in. Kyoto. siglo 16
Los maestros japoneses han hecho su contribución única al desarrollo del arte de la jardinería paisajística. Al comenzar a crear un jardín, el artista eligió en primer lugar su tipo: un jardín de árboles, un jardín de rocas o un jardín acuático. Los maestros japoneses han hecho su contribución única al desarrollo del arte de la jardinería paisajística. Al comenzar a crear un jardín, el artista eligió en primer lugar su tipo: un jardín de árboles, un jardín de rocas o un jardín acuático. Daisen-in Garden of Daitokuji Monastery
En el jardín de árboles, los árboles de varias especies hábilmente colocados llevan los principales acentos semánticos. En el jardín del agua, el papel principal lo juega el agua, que se presenta en todas sus manifestaciones variables (remansos y estanques tranquilos, manantiales y arroyos, cascadas y regueros). La belleza del agua se complementa con la belleza de la madera viva y la piedra muerta. En el jardín de árboles, los árboles de varias especies hábilmente colocados llevan los principales acentos semánticos. En el jardín del agua, el papel principal lo juega el agua, que se presenta en todas sus manifestaciones variables (remansos y estanques tranquilos, manantiales y arroyos, cascadas y regueros). La belleza del agua se complementa con la belleza de la madera viva y la piedra muerta. Pabellón de Plata.Siglo XV. Pabellón de Plata.Siglo XV.
En el famoso Reanji Rock Garden de Kioto ("Flat Garden"), no hay montañas, ni agua, ni árboles, ni una sola flor. No hay nada en él que cambie, crezca y se desvanezca, esté expuesto al tiempo. Todo aquí crea una atmósfera de ensimismamiento filosófico, enfoca a una persona en lo principal: en la experiencia del espacio. Pero esta estática externa es en realidad cambiante y condicional. El jardín cambia a cada momento, es único en diferentes momentos del día y del año. En el famoso Reanji Rock Garden de Kioto ("Flat Garden"), no hay montañas, ni agua, ni árboles, ni una sola flor. No hay nada en él que cambie, crezca y se desvanezca, esté expuesto al tiempo. Todo aquí crea una atmósfera de ensimismamiento filosófico, enfoca a una persona en lo principal: en la experiencia del espacio. Pero esta estática externa es en realidad cambiante y condicional. El jardín cambia a cada momento, es único en diferentes momentos del día y del año. Jardín de rocas de Reanji. siglo 16 Kyoto. Jardín de rocas de Reanji. siglo 16 Kyoto.
Jardín de rocas de Reanji. siglo 16 Jardín de rocas Kyoto Reanji. siglo 16 Kyoto Quince grandes rocas de origen montañoso y arena de mar clara son todos componentes de este jardín inusual. Las piedras están rodeadas de musgo verde oscuro y están dispuestas en grupos en un área pequeña. Quince piedras grandes de origen montañés y arena de mar clara son todos los componentes de este jardín inusual. Las piedras están rodeadas de musgo verde oscuro y están dispuestas en grupos en un área pequeña.
En los siglos IX-X. la pintura secular apareció en Japón - yamato-e , que se desarrolló en los palacios de la nobleza. Artistas de pinturayamato-e pintaron paisajes, escenas de la corte, flores con colores brillantes con el agregado de oro sobre seda y papel. Pinturas en formapergaminos horizontales - emakimono fueron considerados en la mesa, ypergaminos verticales - kakimono decoró las paredes de las habitaciones del frente. Los pintores ilustraron a menudo las famosas novelas de sus contemporáneos.
En los siglos XII - XIV. en los monasterios budistas, los monjes-artistas comenzaron a pintar sobre papel con tinta , utilizando toda la riqueza de sus tonalidades, desde el gris plateado hasta el negro.Artista Toba Shozo(segunda mitad del siglo XII) en largos rollos contaba los trucos de las ranas, las liebres y los monos. Al representar alegóricamente a monjes y laicos disfrazados de animales, ridiculizó la codicia y la estupidez de los monjes.
Artista Toyo Oda, oSesshu(Siglo XV), escribió la naturaleza en diferentes épocas del año. Sus pergaminos han sobrevivido"Paisaje de invierno", "Otoño", "Cuatro estaciones" y varias otras pinturas.
La apariencia deretrato feliz en la pintura. Tales retratos fueron pintados por los artistas de los famosos generales: los gobernantes de Japón. Retrato de la obra del artistaFujiwara Takanobu representa a un señor de la guerra - gobernanteMinamoto Erimoto con ropa oscura, sentada en el suelo según la costumbre japonesa. Su cuerpo está, por así decirlo, encadenado con una tela rígida. El artista centró toda su atención en un rostro severo y arrogante, creando la imagen de una persona cruel y dominante.
En los siglos XVII - XIX. el comercio y la artesanía se están desarrollando en las ciudades. Para la población urbana, los artistas hicierongrabados , que se imprimieron en grandes cantidades en tablas de madera sobre papel fino. La demanda de ellos era muy grande: ahora cada persona, en lugar de un rollo de imágenes caro y a veces inaccesible, podía comprar un grabado elegante y significativo. Y los héroes de los grabados ya son diferentes. Se trata de actores y geishas, \u200b\u200bparejas enamoradas, artesanos en el trabajo. A menudo, los artistas creaban grabados de surimono festivos y muy elegantes, donde se inscribían poemas con un deseo de felicidad. Las impresiones japonesas en color son reconocidas en todo el mundo. Maestro reconocido del grabadoUtamaro (1753—1806) famoso por las imágenes de mujeres jóvenes y artistasHokusai (1760—1849) yHiroshige (1797—1858) - sus paisajes. Dedicó su trabajo a las imágenes de actoresSharaku (Siglo XVIII)... Los mostró en una variedad de roles, a menudo con rostros distorsionados de angustia e ira.
Grabados del artista Hokusai.
Lluvia blanca bajo la montaña
Primera mitad del siglo XIX
Hokusai nació en 1760 en Edo. Creó alrededor de 30 mil dibujos y grabados. Las mejores y más importantes obras de Hokusai fueron la serie de paisajes. Cuando era anciano, Hokusai escribió: “A la edad de 6 años, traté de transmitir correctamente las formas de los objetos. A lo largo de medio siglo hice muchas pinturas, pero hasta los 70 años no hice nada significativo.
EsculturaEl arte más antiguo de Japón es la escultura. Empezando con la era Jomon varios productos cerámicos (utensilios), también se conocen figurillas de arcilla-ídolos dogu .
EN la era Kofun se instalaron en las tumbas haniwa - esculturas de quemado arcillas , al principio formas cilíndricas simples, y luego formas más complejas, en forma de personas, animales o pájaros.
La historia de la escultura en Japón está asociada con la aparición en el país. budismo ... La escultura tradicional japonesa suele ser estatuas de conceptos religiosos budistas ( tathagata , bodhisattva y otros) Una de las esculturas más antiguas de Japón es una estatua de Buda de madera Amitabha en el templo Zenko-ji ... EN período de Nara Las estatuas budistas fueron creadas por escultores gubernamentales. EN período de Kamakura florecido escuela kay , un destacado representante del cual fue Unkei ... El budismo ha tenido una fuerte influencia en el desarrollo del arte japonés. Muchas obras representan la imagen de Buda, ya que en los templos se crearon numerosas estatuas y esculturas de Buda. Estaban hechos de metal, madera y piedra. Solo después de un tiempo aparecieron maestros que comenzaron a realizar esculturas de retratos seculares, pero con el tiempo la necesidad de ellas desapareció, por lo que los relieves escultóricos con tallas profundas se utilizaron cada vez más para decorar edificios.
Como material principal para esculturas (como en la arquitectura japonesa) se utilizó madera ... Las estatuas a menudo estaban cubiertas barniz , dorado o de colores brillantes. También se utiliza como material para las estatuas. bronce u otros metales.
En el siglo VIII, con el fortalecimiento de los templos y la expansión de sus intereses, también cambió la apariencia del arte plástico budista. El número de estatuas ha crecido y la técnica para hacerlas se ha vuelto más compleja. Un lugar importante junto con las estatuas de las deidades más altas comenzó a asignarse en el templo a las figuras de los semidioses, los protectores y guardianes de los países del mundo. Por lo general, estaban hechos de arcilla de colores brillantes y estaban dotados de una posición especial de poses y gestos. Estas son las estatuas de los reyes - guardianes del monasterio.T o d a d z i. Las estatuas de deidades superiores también se están volviendo diferentes. Las proporciones se han vuelto más correctas, las expresiones de los rostros son más terrenales.
En los siglos XII - XIV. junto con las estatuas de deidades budistas y, a menudo, en lugar de ellas, aparecían en los templos verdaderos retratos de monjes, guerreros y dignatarios nobles. En la severidad de los rostros de estos sentados en pensamientos profundos o figuras de pie, hechos de madera y pintados, y en ocasiones todavía vestidos con ropas naturales, los escultores japoneses transmitían una tremenda fuerza interior. En estas creaciones, los maestros japoneses estuvieron cerca de revelar las profundidades del mundo interior del hombre.
La escultura de netsuke japonesa en miniatura es conocida en todo el mundo. Su propósito principal es actuar como un colgante, un colgante. Con la ayuda de netsuke, se adjuntaron carteras, bolsas, cajas para perfumes o medicinas al cinturón de la ropa de kimono tradicional japonesa. Cada figurita tenía un agujero para una cuerda para colgar los artículos necesarios, ya que la ropa no tenía bolsillos en ese momento. Las figurillas de Netsuke representaban personajes seculares, dioses, demonios o varios objetos con un significado secreto especial, por ejemplo, un deseo de felicidad familiar. Netsuke está hecho de madera, marfil, cerámica o metal.El arte de netsuke, como el arte de tallar máscaras teatrales, es un fenómeno nacional tradicional de la cultura japonesa. Netsuke está lleno de imágenes de expresión de personas, animales, pájaros, flores, plantas, objetos individuales, más a menudo pequeñas cajas planas, hábilmente decoradas con tallas estampadas.
El flujo de nuevos temas artísticos llegó a Japón, reflejado en la creación de imágenes monumentales y heroicas. Esto es lo principalsantuario del monasterio T o d a y d z i - 16 m estatua de bronceBudd y - Rusyany. La enorme figura de la deidad es una verdadera maravilla del mundo. Combinó todo tipo de arte: fundición, persecución, forja.
Artes y artesanías japonesasLa fabricación de armas blancas se elevó al rango de arte en Japón, llevando a la perfección la fabricación de la espada samurái. Espadas, dagas, monturas de espadas, elementos de munición militar servían como una especie de joyería masculina que designaba pertenecer a la clase, por lo que eran elaborados por hábiles artesanos, decorados con piedras preciosas y tallas. La artesanía popular japonesa también incluye cerámica, laca, tejido y artesanía en madera. La cerámica tradicional está pintada por alfareros japoneses con varios patrones y esmaltes.
Hacia el primer milenio antes de Cristo. mi. Las vasijas asimétricas son magníficas en ejecución, esculpidas en arcilla gris, azul, rosada y decoradas con patrones en relieve en forma de cuerda. Por lo tanto, los vasos(y todo este período) son llamadosjomon("cuerda")... Se cree que sirvieron como sacrificios.
En los siglos XVII - XIX. Numerosos productos artísticos de Japón han ganado fama mundial. La cerámica japonesa sorprende con su naturalidad y variabilidad de patrones. En él siempre se siente la mano del maestro, que sabe dar a cada objeto una belleza y sorpresa únicas, suavidad de formas y plasticidad. La porcelana, los bordados, las tallas de marfil, las figuras y jarrones de bronce y los esmaltes también son muy coloridos y pintorescos. Pero especialmente famosos fueron los artículos hechos de laca negra y dorada, que se extraía de la resina de la madera lacada y se pintaba. Famosoel maestro de los barnices fue Ogata Korin (1658-1716), quien creó una serie de maravillosas cajas de laca y pinturas en pantallas.
Música y teatro. Sonidos música japonesa para el teatro Kabuki. Maestro: Esta música que acabas de escuchar es conocida y amada por toda la gente de Japón. Ella puede acompañar representaciones teatrales.
Uno de los primeros tipos de teatro fue teatro pero - "talento, habilidad", establecido en XIV - Siglos XV. , los actores jugaron con máscaras y trajes lujosos. El teatro se considera un drama "disfrazado", pero solo shite y waki usan máscaras (o-mote). imagen femenina), actores femeninas. En Kioto, la segunda capital de Japón, hay un monumento al famoso Okuni, considerado el antepasado del teatro Kabuki. La palabra "kabuki" es un sustantivo derivado del verbo "kabuku", que literalmente significa "desviar". Muchas de las costumbres del teatro Kabuki siguen vivas hoy en día, por ejemplo, la multa impuesta a un actor que cometió un error en el escenario. El delincuente debe tratar a cada actor que estuvo ocupado en el episodio con un plato de fideos. Si el escenario era grande, la pena era grave. Además del teatro pero y el kabuki existetradicional teatro de títeres bunraku . Algunos dramaturgos, por ejemplo, Chikamatsu Mondzaemon escribió obras de teatro para bunraku, que luego se representaron en el "gran escenario", en kabuki.
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La cultura japonesa es un fenómeno único y distintivo no solo en el contexto de la cultura global, sino también en varias otras culturas orientales. Se ha desarrollado continuamente desde los siglos X-XI. Desde el siglo XVII hasta mediados del XIX, Japón estuvo prácticamente cerrado a los extranjeros (las relaciones se mantuvieron solo con Holanda y China). Durante el período de este aislamiento en Japón, la identidad nacional se desarrolló de manera creativa. Y cuando, después de varios siglos, la cultura tradicional más rica de Japón finalmente se abrió al mundo, tuvo una fuerte influencia en el desarrollo posterior de la pintura, el teatro y la literatura europeos. La civilización japonesa se formó como resultado de contactos étnicos complejos y multitemporales. La cultura japonesa, a diferencia de la india y la china a principios de la Edad Media, recién estaba naciendo, por lo que se caracterizó por un mayor dinamismo y una especial sensibilidad a la percepción de las influencias extranjeras.
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En la mitología japonesa, los cónyuges divinos eran considerados los antepasados \u200b\u200bde todo lo que existe: Izanagi e Izanami. De ellos surgió la tríada de los grandes dioses: Amaterasu, la diosa del sol, Tsukiyomi, la diosa de la luna Susanoo, el dios de la tormenta y el viento. Según las ideas de los antiguos japoneses, las deidades no tenían una apariencia humana o animal, sino que estaban encarnadas en la naturaleza misma: en el Sol, la Luna, las montañas y las rocas, los ríos y las cascadas, los árboles y las hierbas, que fueron venerados como espíritus ("kami" en la traducción del japonés significa "viento divino"). Esta deificación de la naturaleza es la base de la religión nacional japonesa, que se llama sintoísmo (del japonés "Shinto" - "camino de los dioses").
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Como narra el "Kojiki", el monumento más antiguo de la lengua y la literatura japonesas, la diosa del sol Amaterasu le dio a su nieto, el príncipe Ninigi, el ancestro divinizado de los japoneses, el espejo sagrado Yata y dijo: "Mira este espejo como miras me." Ella le dio este espejo junto con la espada sagrada de Murakumo y el collar de jaspe sagrado de Yasakani. Estos tres símbolos del pueblo japonés, la cultura japonesa y la condición de Estado japonés se han transmitido desde tiempos inmemoriales de generación en generación como un relé sagrado del valor, el conocimiento y el arte.
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En la historia de la cultura y el arte japoneses, se pueden distinguir tres corrientes profundas y aún vivas, tres dimensiones de la espiritualidad japonesa, que se compenetran y se enriquecen entre sí: el sintoísmo ("el camino de las deidades celestiales") es la religión pagana popular de los japoneses ; El Zen es la rama más influyente del budismo en Japón (el Zen es tanto una doctrina como un estilo de vida, similar al cristianismo medieval, el Islam); bushido ("el camino del guerrero") - la estética del samurái, el arte de la espada y la muerte.
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Jasper es el símbolo más antiguo de las ideas sintoístas, que se basa en el culto a los antepasados. El espejo es un símbolo de pureza, desapasionamiento y ensimismamiento, expresa las ideas del Zen de la mejor manera posible. La espada ("el alma de un samurái" como dice un antiguo proverbio japonés) es un símbolo del bushido. Por supuesto, estas tres tendencias de la cultura y el arte japoneses no pueden aislarse en su forma más pura. Al mismo tiempo, determinan en cierta medida la secuencia de desarrollo de la cultura japonesa.
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Antes que nada, ya en los siglos 3-7, se formó un complejo ideológico y artístico asociado con el sintoísmo. Fue dominante en la era de la formación del estado de Yamato, mantuvo su posición durante el período de la primera penetración del budismo y finalmente se fusionó prácticamente con él (siglo VIII). Estas edades tempranas pasan como bajo el signo del jaspe. Luego, arraigados en la era bélica de Yamato, madurando gradualmente, emergen a la vuelta de los siglos XII y XIII como un sistema ideológico y artístico establecido de ética y estética Bushido: cultura bajo el signo de la espada. Desde el siglo XIII, ha continuado su desarrollo en estrecha interacción e interpenetración con las enseñanzas budistas mahayanas del Zen. Entrelazados en manifestaciones ideológicas y puramente artísticas, el Zen y el Bushido definieron la cultura nacional japonesa casi hasta nuestro siglo XXI.
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Los monumentos más antiguos del arte japonés pertenecen al período neolítico (siglo VIII - mediados del primer milenio antes de Cristo): platos de cerámica con exuberante decoración moldeada, figurillas estilizadas de ídolos, máscaras antropomórficas. A finales del Neolítico, principios de la temprana Edad del Hierro (siglo V a.C.-siglo IV d.C.), junto con piraguas y cabañas, se levantaron graneros de troncos, de planta rectangular, sin ventanas, con techo a dos aguas, elevado. por pilares sobre la tierra. En los primeros siglos de nuestra era, con el establecimiento de la religión sintoísta, los principales santuarios de Japón en Ise e Izumo (550) se erigieron a modo de graneros en vastos territorios de guijarros, rodeados de vallas. Con la sencillez y claridad de sus diseños, sentaron las bases de la tradición de la arquitectura japonesa. La cerámica doméstica ganó claridad de forma y la severidad de un patrón geométrico, espadas rituales de bronce, espejos y campanas se generalizaron. En los siglos IV-VI, con la formación del estado de Yamato (en el centro de la isla de Honshu), se construyeron grandiosos túmulos funerarios de gobernantes. Figuras de arcilla con fines mágicos ("haniwa") ubicadas en su superficie: guerreros, sacerdotes, damas de la corte, animales, etc. - se distinguen por la viva espontaneidad de las expresiones faciales y los gestos.
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El período de la Edad Media, que duró más de mil años (siglos VI-XIX), fue el más fructífero para el arte japonés. Un acontecimiento significativo en el desarrollo de la cultura japonesa fue el conocimiento de la fe budista a finales del siglo quinto. Junto con la escritura y la sofisticada cultura continental introducida por los monjes budistas, la nueva religión marcó el comienzo de los contactos de Japón con el resto del mundo asiático.
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Con la expansión del budismo, comenzó la construcción intensiva de monasterios budistas, que se remonta a los modelos coreano y chino. El más famoso fue Horyuji (finales del siglo VI a principios del VII), un pequeño complejo de templos ubicado a las afueras de la ciudad de Nara, un lugar donde se concentran los monumentos más importantes del budismo japonés, así como los edificios de madera más antiguos del mundo. El conjunto del templo incluía: una pagoda de varios niveles, el templo principal, un condominio (Salón Dorado), un salón de sermones, un depósito de sutras budistas, viviendas de monjes y otros edificios. Los edificios del templo estaban ubicados en un cuadrado rectangular rodeado por dos filas de muros con puertas. Los edificios se erigieron sobre la base de una estructura de pórtico de postes y vigas. Columnas y ménsulas pintadas con laca roja sostenían un enorme techo curvo de uno o dos niveles con tejas. El "milagro de la belleza" del conjunto Horyuji radica en el asombroso equilibrio y armonía de dos edificios de diferentes formas: un templo con sus techos altos y ligeros y una pagoda que mira hacia arriba, que termina con una aguja con nueve anillos, un símbolo de Esferas celestiales budistas.
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Otro fenómeno significativo de la escultura japonesa de este período son las figuras de monjes meditando o rezando, con un realismo conmovedor y acentuado que transmite no solo sus características físicas, sino también el éxtasis espiritual y la concentración de la oración.
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El acontecimiento principal en la arquitectura de los siglos XII-XIII. Fue la restauración de estructuras en la antigua capital Heijo (moderna. Nara), destruida e incendiada durante las guerras intestinas. Entonces, en 1199, se volvió a erigir la Gran Puerta Sur del conjunto Todaiji y se restauró el Daibutsuden (Gran Salón del Buda).
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Ceremonia del té (chado), "jardines de rocas" filosóficas, reflexiones breves y espaciosas de tres líneas (hokku): todo se cultiva bajo el signo de la auto-penetración y la perspicacia, bajo el signo de un espejo. Así se desarrolla la carrera de relevos milenaria de la cultura japonesa del arte japonés, “programada” en el antiguo mito de los tres tesoros.
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Ikebana es el arte tradicional japonés de los arreglos florales. Literalmente, ikebana es "flores que viven". En el arte europeo, componer un ramo demuestra la habilidad de la persona que lo creó, mientras que los creadores de ikebana buscan revelar en él no sus pasiones y gustos, ni su individualidad, sino la esencia natural de las plantas representadas en ikebana, el profundo significado de sus combinaciones y arreglos - la composición en su conjunto. Además, los europeos se esfuerzan en su mayor parte por el esplendor, la elegancia, la riqueza del color, mientras que los maestros japoneses de ikebana se esfuerzan por la severidad extrema, incluso la forma lacónica, a veces limitándose a dos o tres ramas y prestando especial atención a las plantas más simples y modestas. . Esta forma de arte, que se originó en la India y penetró en Japón junto con el budismo de China, se generalizó en este país y comenzó a desempeñar un papel importante en la vida cultural de su sociedad.
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Fue en Japón donde el ikebana, después de haber ido más allá del ritual ritual de ofrecer flores simbólicamente significativas al Buda, así como a los antepasados \u200b\u200bvenerados, se convirtió en un tipo especial de arte que se introdujo ampliamente en varias esferas de la vida pública. La sencillez como signo de originalidad y la singularidad como signo del todo son el credo de los verdaderos artistas ikebana. Sus creaciones en este sentido recuerdan a los poemas haiku japoneses: se distinguen por la misma brevedad, profundidad y perfección. El arte del ikebana en el Japón moderno es uno de los más populares, es reconocido como un símbolo de identidad nacional y como la encarnación del alto gusto artístico, reconocido en todo el mundo.
