Desafortunadamente, Walter Benjamin ha sido durante mucho tiempo un lugar común de literatura sobre él. Mucho de lo que escribió, vio la luz solo años después de su muerte, y lo que se publicó, no siempre encontró un entendimiento de inmediato. Está en su tierra natal, en Alemania. El camino hacia el lector ruso resultó ser difícil. Y esto es a pesar del hecho de que Benjamin mismo quería una reunión de este tipo e incluso llegó a Moscú para esto. En vano.
Sin embargo, es posible que esto no sea tan malo. Ahora, cuando las prohibiciones que impidieron el trabajo de la obra de Benjamin en ruso, no hay más, y en el oeste ya ha dejado de ser, como hace un tiempo, un autor de moda, finalmente, el momento simplemente leí con calma. Debido a que el hecho de que hubo modernidad, tenemos de frente a nuestros ojos en la historia, sin embargo, la historia que aún no ha perdido el contacto con nuestro tiempo y, por lo tanto, no desprovisto de interés directo.
El comienzo de la vida de Walter Benjamin no era notable. Nació en 1892 en Berlín, en la familia de un financiero exitoso, por lo que su infancia pasó en un ambiente completamente próspero (años más tarde, escribiría sobre el libro "Berlín la infancia en el umbral del siglo"). Sus padres eran judíos, pero de aquellos que eran judíos ordinales llamados judíos, afrontados de Navidad, por lo que la tradición judía se convirtió en una realidad para él bastante tarde, no creció tanto en él, pero luego llegó a ella más tarde, como vienen A los fenómenos de la historia cultural.
En 1912, Walter Benjamin comienza la vida estudiantil, alejándose de la universidad a la universidad: de Friburgo a Berlín, desde allí a Munich y, finalmente, a Berna, donde completó sus estudios a la protección de la disertación doctoral "el concepto de artística. Crítica en el romanticismo alemán ". La Primera Guerra Mundial pareció abrirse, fue reconocido como completamente desabrochado al servicio, pero dejó un sendero pesado de sus pérdidas en su alma, desde una ruptura con sus costosas personas que sucumbieron a la guerra militarista de Euphoria, que siempre fue ajeno a él. Y la guerra todavía lo enganchó con sus consecuencias: la devastación y la inflación de la posguerra en Alemania devaluían los fondos de efectivo y obligaron a Benjamín a dejar su suiza caro y próspero, donde se le pidió que continuara. trabajo científico. Regresó a casa. Resolvió su destino.
En Alemania, varios intentos fallidos de encontrar su lugar en la vida: la revista que quería publicar, nunca salió, la segunda tesis (necesaria para la carrera universitaria y recibir la cátedra), dedicada a la tragedia alemana de la era barroca, lo hizo No recibir una evaluación positiva en la Universidad de Frankfurt. Es cierto, el tiempo pasado en Frankfurt resultó estar lejos de ser inútiles: allí Benjamin se reunió con entonces filósofos muy jóvenes de Siegfried Krakauer y Theodore Adorno. Estas relaciones desempeñaron un papel importante en el establecimiento del fenómeno, que más tarde recibió el nombre de la escuela de Frankfurt.
El fracaso de la Segunda Protección (el contenido de la disertación se dejó simplemente incomprensible, sobre el cual el revisor informado en conciencia en su recuerdo) significó que el final de los intentos de encontrar su lugar en el entorno académico, que no estaba demasiado atraído por Benjamin. Las universidades alemanas experimentaron no el mejor momento; Benjamin ya en los años estudiantiles críticos refutados a la vida universitaria, participando en el movimiento para la actualización del estudiante. Sin embargo, para que sus actitudes críticas tengan vergüenza a una cierta posición, ya no había suficiente impulso. Se convirtieron en una reunión con Asi Lazis.
Conocimiento con el bolchevich letón, como se describió brevemente, su Benjamin en una carta a su antiguo Hot, Solme, ocurrió en 1924 a Capri. Después de unas semanas, él la llama "una de las mujeres más maravillosas, que yo conocí". Para Benjamina, se convirtió en una realidad, no solo una posición política diferente, para él, el mundo entero se abrió inesperadamente, sobre las cuales tenía ante las ideas más vagas. Este mundo no se limitó a las coordenadas geográficas de Europa del Este, desde donde vinieron esta mujer a su vida. Resultó que otro mundo se puede abrir y donde ya ha estado. Solo necesito ver, digamos, en la misma Italia, no a través de los ojos de un turista, y para sentirse tenso. vida diaria Los habitantes de la Gran Ciudad del Sur (el resultado de este pequeño descubrimiento geográfico fue firmado por Benjamin y Lazis Ensay "Nápoles"). Incluso en Alemania, Lazis, muy familiarizados con el arte de la vanguardia rusa, primero de todos los teatrales, vividos como en otra dimensión: colaboró \u200b\u200bcon la entonces que aún estaba comenzando su actividad teatral Brecht. Más tarde, Brecht se convertirá en Benjaman una de las personalidades más importantes, no solo como el autor, sino también como una persona que tiene una cualquiera, incluso causando una capacidad de pensamiento no convencional.
En 1925, Benjamin va a Riga, donde Lazis dirigió el teatro subterráneo, en el invierno de 1926-27, llega a Moscú, donde se mudó en ese momento. Para una visita a Rusia, tenía una razón comercial completamente: la Orden de la Oficina Editorial de la "Gran Enciclopedia Soviética" en el artículo sobre Goethe. Benjamin, quien ha escrito recientemente sobre la "afinidad electoral" del estudio de Goethe en un espíritu completamente "inmanente", está inspirado en la tarea de dar la interpretación materialista de la personalidad y la creatividad del poeta. Claramente lo sintió como un desafío, a sí misma como el autor y la tradición literaria alemana. El resultado fue un ensayo bastante extraño (es difícil no estar de acuerdo con los editores que deciden que claramente no se ajusta como un artículo enciclopédico), solo parcialmente utilizado para la publicación en la enciclopedia. El caso no fue en el coraje especial (o "Audacity", como dijo el mismo Benjamin), hubo demasiados movimientos de interpretación simplificada en línea recta,, obviamente, eran vagos, aún no están totalmente resueltos. Pero también hubo que incorporan la dirección posterior de Benjamin. Fue su capacidad para ver en pequeños, a veces solo los detalles más pequeños de algo, descubriendo inesperadamente la comprensión de los problemas más graves. Así fue, por ejemplo, su abandonado como si un comentario casual sobre el hecho de que guir toda su vida evitó claramente grandes ciudades Y nunca fue en Berlín. Para Benjamina, un residente de la gran ciudad, fue una importante cuenca de vida y pensamiento; Él mismo trató de llenar toda la historia de la cultura europea de los siglos XIX-XX, precisamente a través de la vida de estas ciudades, gigantes.
Entre el número de otros representantes de la Escuela Frankfurt establecerá las obras de Walter Benjamin (1892-1940). En el contexto de los temas tratados para nosotros, el hecho de que Benjamin estimó que el papel de los medios de comunicación en la cultura moderna no es la forma en que Adorno. El desarrollo de la industria cultural, desde el punto de vista de Benjamin, no solo es negativa, sino también las tendencias positivas. En la forma más clara, esto está fundamentado en el ensayo "Trabajo de arte en la era de su reproducibilidad técnica".
Las obras de arte, según el autor, siempre de una manera u otra, respondieron a la reproducción. Sin embargo, en la era moderna, la posibilidad de que las obras de arte de "reproducción técnica" se vuelven cada vez más importantes. Herramientas de reproducción técnica (el autor habla de fotos modernas, películas) se convirtió en la más gravemente influenciada por
72 DAVYDOV YU.N. CRISTISIÓN DE VISTAS SOCIO-FILOSOFÍAS DE LA ESCUELA FRANKFURT. M.: Ciencia.1977. P.218.
73 Benjamin V. Trabajo de arte en la era de su reproducibilidad técnica. Moscú. 1996.
Comunicación masiva en la perspectiva de la teoría sociológica.
La audiencia misma. Reproducción técnica del original, es decir,. Su replicación "puede transferir la apariencia del original a una situación, ya que el original en sí mismo no es asequible. En primer lugar, permite que el original haga el movimiento hacia el público ..." 74.
Según Adorno, el arte inicialmente inherente es un cierto aura del elitismo debido a la unidad, la singularidad del trabajo como tal. Benjamin ve en el desarrollo de fondos de reproducción en masa solo que este aura se transforma, democratizando inusualmente la disponibilidad de materiales culturales. Esos. unicidad trabajo artístico Supera a través de la adopción de su reproducción.
Benjamin sugiere que el aura de las antiguas obras de arte fue predeterminada en gran medida de su "disfrute" en el contexto de la tradición. Aquí el arte realizó funciones rituales importantes, primer mágico, luego religioso. Sin embargo, la presencia de formas masivas de reproducción técnica conduce a la eliminación de la autenticidad del trabajo. Esto, a su vez, predetermina los cambios en las funciones sociales del arte en su conjunto. Ahora, el lugar de la función ritual toma la función política.
En paralelo, con la liberación de varios tipos de prácticas artísticas de "Vonda Ritual", las obras del público ocurren. Según Benjamin, el cambio cuantitativo en el balance de la lámina de las capacidades de exposición predetermina a los fenómenos cualitativamente nuevos en la percepción de las obras por masas anchas. Para el cine, el autor indica que la naturaleza de esto significa "a través de la cámara", ya que se convierte en la amplia gama de espectadores directamente en el proceso de creación de materiales.
Una tendencia similar de Benjamin asigna en relación con la prensa: "El desarrollo progresivo de la prensa, que comenzó a ofrecer al público de lectura a todas las nuevas impresiones políticas, religiosas, científicas, profesionales, locales, llevaron al hecho de que un número creciente de Lectores, al comienzo del caso a ocasiones, comenzó a pasar al rango de los autores "75.
74 Benjamin V. Propiedad del arte en la era de su reproducibilidad técnica. M.1996. P. 21.
75 ibid. P. 44.
Entendiendo la comunicación masiva en el marco de la teoría crítica.
Un aumento cualitativo en el número de participantes en los procesos de comunicación conduce al hecho de que la forma de la participación de la audiencia masiva cambia. Benjamin en este sentido discute la contradicción asociada con la concentración de atención, por un lado, y la búsqueda de entretenimiento, por el otro. Debido a la naturaleza misma de las comunicaciones modernas, la atención en relación con sus materiales está "dispersada", sin implicar concentración. También es importante que no haya intermediarios entre el trabajo de la cultura y sus consumidores, las mismas propias actúan como expertos. Es "que la reproducibilidad técnica de la obra de arte cambia la actitud de las masas al arte. ... Para una relación progresiva, se caracteriza el plexo del placer de los espectadores, la empatía con la posición de la evaluación de expertos" 76. En este sentido, Benjamin destaca el cine, donde la instalación crítica y hedonista, desde su punto de vista, coincide.
Por lo tanto, la tendencia de la replicación peculiar de la industria cultural es positiva porque las obras de arte "encanto" detengan de ser una galerías espaciales limitadas o salas de conciertos. Las obras de arte adquieren la forma masiva de la existencia. Los métodos técnicos de reproducción introducen obras de arte en el mundo de la vida cotidiana, democrándose inusualmente la posibilidad de interpretación. Amplia accesibilidad significa la destrucción del elitismo, previamente obras de arte inherentes. Entonces, en Benjamin, gracias a los medios de comunicación masiva, la obra de arte se incluye en la vida de una persona sencilla, se crean oportunidades para enriquecer los procesos de comunicación de las capas más amplias.
Estudio teórico Walter Benjamina "La obra de arte en la era de su reproducibilidad técnica" (1892-1940) con el tiempo se ha vuelto más famosa que en la vida de un filósofo. Además, su primera publicación encontró dificultades. La intención de Benjamin de publicarlo en la revista Emigrant idioma aleman No realizado. Uno de los miembros del Consejo Editorial, a saber, B. BRECHT, cuyos juicios V. Benjamin a menudo cita, no solo no apoyaron al filósofo, sino que también lo acusó de adicción a la interpretación mística de la historia. En alemán, el artículo se publicó por primera vez solo en 1955. Las dificultades con su publicación se explican por el hecho de que V. Benjamin fue uno de los primeros en reflexionar sobre los procesos provocados por la invasión de la tecnología, o, como N. Berdyaev, el automóvil, en el alcance de las artes. El tema de su reflexión es cambios bajo la influencia de las nuevas tecnologías de las funciones sociales del arte y, como resultado, el surgimiento de una nueva estética. No es por casualidad de que el epígrafe del artículo sirva una cotización de P. Valeria, quien afirma que las nuevas tecnologías cambian el concepto de arte. La mayoría de toda la formación de una nueva estética se puede rastrear en el ejemplo de fotografías y películas, que el filósofo presta una atención considerable.
Sin embargo, la razón de los cambios cardinales en la estética se asocia no solo con la invasión del arte y, en consecuencia, con sus consecuencias. Estos cambios, a su vez, preparados por factores sociales e incluso económicos, más precisamente, el hecho de que H. ortega-i-gasset llamará "el levantamiento de las masas". Tal motivación no puede sorprenderse, porque V. Benjamin a menudo se refiere a K. Marx y el neomarxismo está cerca. No es aleatorio la proximidad de sus ideas de la filosofía de la escuela de Frankfurt. Sin embargo, desde 1935, V. Benjamin fue un empleado de la sucursal de París del Instituto de Investigación Social de Frankfurt, que continuó sus actividades en la emigración. Los representantes de este instituto fueron los filósofos tan conocidos como M. Horkheimer, T. Adorno, Markuse y otros. Sin embargo, sería incorrecto argumentar que el enfoque marxista agota el reflejo de V. Benjamin. En sus escritos hay una influencia del psicoanálisis. Por lo tanto, Z. Freud permite que el filósofo revele en la realidad visual registrada por la cámara y el cineasta, lo que merece la atención no solo del artista, sino también a un científico. En realidad, la nueva estética en V. Benjamin está representada por fotografía y películas que están constantemente en el campo de su visión. En otras palabras, la nueva estética presentada en la foto y el cine de V. Benjamin, y eliminó el arte de la estética tradicional y al mismo tiempo lo llevó a la ciencia. Este es un matiz importante en una nueva estética, que parece ser V. Benyamin. Confiando en el psicoanálisis, V. Benjamin soluciona cómo se recuerda el contenido visual de la película, del hecho de que Z. Freud llamó a la "reserva", a la que era tan atento fundador del psicoanálisis, porque era la reserva que era la puerta, que es un AJAR para ingresar al alcance del inconsciente. Este es el viaje de la realidad física en las fotos y el cine los hace, en comparación con el teatro y la pintura, inusualmente atractiva para el psicoanálisis.
Quizás la posición más famosa expresada por V. Benjamin en este artículo fue una disposición sobre la pérdida del arte de nuestro tiempo que el filósofo denota el concepto de "aura". En la historia de la teoría del arte, hay muchos conceptos conocidos que conservan cierta falta de claridad, incluso misteriosidad. Por ejemplo, el concepto de "voluntad artística" de A. RAGA o el concepto de "fotoding" L. dellyuk. El concepto de aura incluye conceptos tan misteriosos, que no le impiden que hoy sea uno de los más populares. En el artículo " Cuento Fotos "V. Benjamin hace la pregunta:" ¿Qué es, en realidad hablando, Aura? " - y responde completamente poéticamente: este es "plexo extraño de lugar y tiempo" (p. 81). Más precisamente, Aura es lo que hace que el trabajo de arte sea único y genuino, pero que en el arte contemporáneo está completamente perdido. Este es el apego de la obra de arte a un cierto espacio geográfico e histórico, su inclusión en estos fenómenos. En otras palabras, es la inclusión en un contexto cultural único. Si tiene en cuenta el arte moderno, entonces Aura es lo que ya no tiene. No tiene un aura porque la tecnología trajo con ellos a la revolución del arte. Con la ayuda de la tecnología, las obras únicas pueden ser multiplicadas, es decir, concentradas en cualquier cantidad y temas son abordados por la audiencia masiva. Estas son copias o reproducciones de fenómenos únicos. Su funcionamiento en la sociedad hace que la existencia de originales opcionales.
Si estamos de acuerdo con esto, entonces, en esencia, V. Benjamin ya abre uno de los fenómenos clave del posmodernismo, denotado por el concepto de "simulacr", cuyo significado, como se conoce, se asocia con la falta de la falta de la falta de la falta de la falta de la falta de la falta de la falta de Original, el original, el significado real. En otras palabras, Simulacro es una imagen o un signo de la realidad perdida. VERDADERO, V. BENJAMIN habla de un contexto que falta, no una realidad. Pero tal vez solucione solo una de las primeras fases en la historia de la formación de un simular. Y la expresión de tal fase es la brecha de un trabajo en funcionamiento con un contexto cultural e histórico, o más bien, una ruptura de un trabajo con un contexto histórico y geográfico único, a saber, con las tradiciones. La desintegración del aura es el reverso de la pérdida de la tradición. Gracias a la reproducibilidad técnica, las estructuras arquitectónicas y las galerías de arte son aproximadas. Funciones de reproducción en la lógica, para el original inaccesible. Sin embargo, la brecha con una tradición que tiene signos de espatio-temporal es esencialmente una ruptura con un culto, y, en consecuencia, con la pérdida del arte de su función de culto o ritual, acompañante de arte durante siglos y es una de sus funciones principales. Tal brecha es especialmente obvia en fotografías y cine que surge ya en una cultura secular que argumenta la ruptura del arte con un culto.
Sin embargo, dados los patrones de cultivo secular, la fotografía y el cine todavía están tratando de mantener aura, aunque en lo modificado, es decir, las formas seculares, o compensarlo en los casos en que sea imposible mantenerlo. Esto es especialmente notable en Dagerrotype, es decir, en la foto. Aquí, la función ritual aún tiene lugar, respondiendo a las necesidades para preservar las caras de cierre muerto y familiares, en los antepasados \u200b\u200bgenerales. Por lo tanto, la foto, aunque contribuye a la extinción en el arte de lo sagrado, pero, por otro lado, está tratando de crearlo con sus medios específicos. En cuanto al cine, la pérdida radical aquí, el aura se convirtió en la aparición de toda una institución que reemplaza al aura en su forma de compensación clásica. Esta institución compensatoria fue en el Instituto de Estrellas de Movie. El actor, que, con la ayuda del público en masa, se transforma en una estrella, está dotada de connotaciones sacras y mitológicas. Este último crea un contexto, el significado de lo que supera con creces los límites semánticos de un trabajo en particular. Sin embargo, a pesar de la necesidad de mantener una conexión con Aura incluso en los artes más radicales, es decir, técnicos, técnicos, técnicos, nuevos, las nuevas artes ya no se corresponden con la estética clásica, y su importancia culto, es decir, una función ritual es inferior al expositivo. Esencia del arte correspondiente a la era de la oxidación.
Cambio de la función ritual de la exposición como respuesta al proceso de la Oasion of Art en mundo moderno Solicitudes incluyendo cambios cualitativos en su percepción. Tal vez, con la mayor nitidez, esta circunstancia no da tanto V. Benjamin, cuánto su gran compatriota M. Heidegger con respecto al trabajo en el arte moderno de su esencia expositiva. M. Heidegger de manera más precisa y más profunda representa el proceso de extracción de aura debido a la expansión del valor de la exposición del arte, y en virtud del contexto, no entiende no solo las características espaciales-temporales de la existencia de la obra, sino su significado sacro. Cuanto más en el arte, su significado ritual se desvanece en el arte, lo obvio de la función de entretenimiento, correspondiente a la cultura secular de sabores y necesidades de masas. Entonces, si tiene en cuenta el conjunto de plástico de las artes, el lado óptico de estas artes, así que se desarrolla a partir de la era del Renacimiento, que está tan fundamentalmente analizado por Velflin, es inferior a una explosión en el arte moderno de la táctil de fenómeno. Más tarde, esta tesis se desarrollará en sus libros M. M. Mescle. Tal es la lógica de activar las épocas históricas con la crisis de la contemplación y las formas ópticas establecidas. En tales épocas, la pintura clásica pierde el cultivo del principio de contemplación, que distingue la era de sus obras maestras y se incluye en los procesos de funcionamiento masivo con el cultivo de un método colectivo de percepción. Desde el punto de vista de esta última, incluso las obras maestras creadas por las grandes personas se perciben de acuerdo con los estereotipos populares. Así que cambiando el entorno social del funcionamiento del arte cambia radicalmente el proceso de su percepción.
Sin embargo, no habría manera de profundizar en la cultura del siglo XX, la historia del aura, la historia testifica al deseo del arte para recrear constantemente, aunque sea una nueva base. Pero la discrepancia entre el arte y el sacro, es decir, entre arte y religión, dio lugar a un fenómeno paradójico en la cultura del siglo XX, que V. Benjamin establece. Su estudio termina con la tesis sobre la politización del arte en Rusia y la estética de la política en Alemania. De hecho, habla de la recreación del aura del arte, su sentido social, pero ya no es religioso, sino por una base política. Aquí, sin duda, tiene sentido, porque en los Estados totalitarios hubo sacralation y ritualización de la política, que fue el punto de partida para restaurar el AURA de AUURA sobre una nueva base.
SOBRE EL. Khrenov
I.
(...) La obra de arte en principio siempre ha sido reproducida. Lo que fue creado por personas siempre podía repetirse a otros. Los alumnos estaban comprometidos en tal copia por mejorar la habilidad, maestría, para la distribución más amplia de sus obras, finalmente, un tercero con el propósito de lucro. En comparación con esta actividad, la reproducción técnica de la obra de la técnica es un nuevo fenómeno que, aunque no continuamente, y dividir grandes intervalos temporales de idiotas, se vuelve cada vez más significado histórico. Los griegos sabían solo dos formas de reproducción técnica de obras de arte: casting y estampado. Las estatuas de bronce, las figuras de terracota y las monedas fueron las únicas obras de arte que podían replicar. Todos los demás eran únicos y no sucumbieron a la reproducción técnica. Con la llegada del grabado en el árbol, primero se convirtió en gráficos técnicamente reproducidos; Todavía es suficiente por mucho tiempoAntes, gracias a la aparición de una tipografía, lo mismo sucedió para los textos. Esos grandes cambios que han causado un libro en la literatura, es decir, la posibilidad técnica del texto se conoce. Sin embargo, constituyen solo una privada, aunque especialmente una ocasión importante de ese fenómeno, que se considera aquí en una escala mundial histórica. Engraving en un árbol durante la Edad Media, grabado con un cortador sobre cobre y grabado, y a principios del siglo XIX, litografía.
Con el advenimiento de la litografía, la técnica de reproducción aumenta en plug. nuevo paso.. Una forma mucho más simple de traducir un patrón en una piedra, distinguir un litografo de cortar una imagen en un árbol o grabado en una placa de metal, por primera vez dio un calendario con la oportunidad de ingresar al mercado no solo con circos bastante grandes (como antes), pero también variando la imagen diariamente. Gracias a la litografía, la gráfica pudo convertirse en un compañero ilustrativo de eventos cotidianos. Ella comenzó a mantenerse al día con la técnica tipográfica. En este sentido, la litografía ya ha pasado una foto después de varias décadas. La foto por primera vez liberó su mano en el proceso de reproducción artística de los deberes creativos más importantes, que a partir de ahora, cruzaron el ojo como se dirige a la lente. Dado que el ojo agarra más rápido que hacer una mano, el proceso de reproducción recibió una aceleración tan poderosa, que ya podría dormir después del habla oral. El camarógrafo corrige durante la filmación en los eventos de estudio a la misma velocidad con que dice el actor. Si la litografía llevaba la posibilidad de la posibilidad del periódico ilustrado, la aparición de la foto significaba la posibilidad de cine sólido. La solución del problema de la reproducción de sonido técnica ha comenzado a finales del siglo pasado. Estos esfuerzos convergentes permitieron predecir la situación que Valery describió la frase: "Al igual que el agua, el gas y la electricidad, obedecer al movimiento casi imperceptible de las manos, provienen de lejos en nuestro hogar para servirnos, y las imágenes visuales y sonanas serán Entregado a nosotros, apareciendo y desapareciendo en la clase de movimiento menor, casi ese signo "1. A principios de los siglos XIX y XX, los medios de reproducción técnica alcanzaron el nivel en el que no solo comenzaron a convertirse en su objeto, todo el conjunto de obras de arte existentes y más gravemente cambian su impacto en el público, sino también ocupadas. Un lugar independiente entre los tipos de actividades artísticas. Para estudiar el nivel logrado, no hay nada fructífero para el análisis de cómo dos fenómenos característicos de ello son la reproducción artística y el cine: efecto inverso en el arte en su forma tradicional.
II.
Incluso en la reproducción más avanzada, no hay ningún punto: aquí y ahora obras de arte, su estado único en el lugar en el que se encuentra. Sobre esta singularidad y en cualquier cosa, se celebró una historia en la que se involucró el trabajo en su existencia. Esto incluye ambos cambios que, con el tiempo, sufre su estructura física y el cambio de las relaciones de propiedad en las que resultó estar involucrado. Se pueden detectar rastros de cambios físicos solo con la ayuda del análisis químico o físico, que no se puede aplicar a la reproducción; En cuanto a las huellas del segundo tipo, son objeto de la tradición, en el estudio de las cuales el punto original debe tomarse por el lugar de encontrar el original.
Aquí y ahora el original determina el concepto de su autenticidad. El análisis químico de la pátina de la escultura de bronce puede ser útil para determinar su autenticidad; En consecuencia, la evidencia de que un cierto manuscrito medieval proviene de la recolección del siglo XV puede ser útil para determinar su autenticidad. Todo lo que está asociado con la autenticidad no está disponible técnica, y, por supuesto, no solo la reproducción técnica. Pero si en relación con la reproducción manual, que califica en este caso como una autenticidad falsa, conserva su autoridad, entonces en relación con la reproducción técnica no ocurre. La razón por la cual dual. Primero, la reproducción técnica resulta ser más independiente en relación con el original que el manual. Si estamos hablando, por ejemplo, sobre la foto, es capaz de resaltar dichos aspectos ópticos del original, que solo están disponibles para cambiar arbitrariamente su posición en la lente espacial, pero no un ojo humano, o tal vez con la ayuda De ciertos métodos, como un aumento o disparo acelerado, corregir imágenes, simplemente inaccesibles con el aspecto habitual. Este es el primero. Y, además,, y esto es segundo, puede transferir la apariencia del original en la situación, para el original inaccesible. En primer lugar, permite que el original haga el movimiento hacia el público, ya sea en forma de una foto, ya sea en forma de una placa de gramófono. La catedral abandona el área en la que es entrar en la oficina del experto en la oficina; El trabajo del coro, que sonaba en el pasillo o en el cielo abierto, se puede escuchar en la habitación.
Las circunstancias en las que se puede colocar la reproducción técnica del arte, incluso si no afectan el resto del trabajo del trabajo, en ningún caso, lo deprimen aquí y ahora. Aunque esto se aplica no solo a las obras de arte, sino también, por ejemplo, un paisaje nadando en el cine ante los ojos del espectador, sin embargo, en el tema del arte, este proceso es sorprendente su núcleo más sensible, no hay natural. Objetos similares a la vulnerabilidad. Esta es su autenticidad. La autenticidad de cualquier cosa es una totalidad de todo lo que es capaz de transportar desde el momento de origen, desde su edad material hasta el valor histórico. Dado que la primera es la base del segundo, luego en la reproducción, donde la edad material se convierte en el esquivo, el valor histórico también es el cine. Y aunque solo ella se ve afectada, resulta el prestigio de las cosas.
Lo que desaparece se puede resumir utilizando el concepto de aura: en la era de la reproducibilidad técnica, la obra de arte está privada de su aura. Este proceso es sintomático, su valor está más allá de los límites del campo del arte. Técnica de reproducción, por lo que sería posible expresarlo en forma general, muestra un sujeto reproducible de la esfera de la tradición. Al reprocher la reproducción, reemplaza su manifestación única de masa. Y permitir que las reproducciones se acerquen a la persona perceptiva, donde sea que sea, actualiza el sujeto reproducible. Ambos procesos causan una sorpresa profunda de los valores tradicionales, el impacto de la propia tradición, que representa el lado opuesto de la crisis y las actualizaciones experimentadas por la humanidad. Están en la estrecha conexión con los movimientos masivos de nuestros días. Su representante más poderoso es una película. Su importancia social es incluso en su manifestación más positiva, y está en él, no concebible sin este componente destructivo, causando catarsis: la eliminación del valor tradicional en el patrimonio cultural. Este fenómeno es más obvio en grandes películas históricas. Está cada vez más expansionando su esfera. Y cuando Abel Hans en 1927, con entusiasmo exclamó: "Shakespeare, Rembrandt, Beethoven disparará una película ... todas las leyendas, toda la mitología, todas las figuras religiosas y todas las religiones ... están esperando la resurrección de la pantalla, y los héroes son Impacientemente lleno de gente en la puerta "2, él es obviamente, sin consciente, invitado a la liquidación en masa.
III
Durante períodos históricos considerables, junto con la vida de una persona común, la percepción sensual del hombre también está cambiando. El método y la imagen de la organización de la percepción sensual de una persona, los medios que se garantiza, se debe, no solo a factores naturales, sino también a los factores históricos. La era del gran reasentamiento de los pueblos, en el que la industria del arte de la Rime y las miniaturas del Libro de Viena de Viena, dio lugar a no solo que no solo en la antigüedad, el arte, sino también una percepción diferente. El científico de la Escuela de Viena, Rigglu y Vikirofo, quien cambió la tradición clásica de Machina, bajo la cual esta arte fue enterrada, por primera vez, le tomó la idea recrear la estructura de la percepción de la persona de la época. Cualquiera que sea la importancia de su investigación, sus limitaciones fueron que los científicos consideraron suficiente para identificar características formales características de la percepción en la época de la velocidad tardía. No lo intentaron, y, tal vez, no pudieron considerarlo posible, mostrar transformaciones públicas, que encontró una expresión en este cambio de percepción. En cuanto a la modernidad, las condiciones para tal descubrimiento son más favorables. Y si los cambios en las formas de percepción, los testigos que somos, podemos entenderse como la desintegración del aura, entonces es posible identificar las condiciones sociales de este proceso.
Sería útil ilustrar el concepto de aura propuesto anteriormente para objetos históricos utilizando el concepto de aura de objetos naturales. Este aura se puede determinar a medida que se dio un sentimiento único, sin importar lo cerca que fuera. Deslice el look durante el descanso de la tarde de verano a lo largo de la cresta de la montaña en el horizonte o las ramas, que toma un descanso debajo del dosel, es inhalar el aura de estas montañas, esta sucursal. Con esta imagen, no es difícil ver la condición social para la desintegración del aura que pasa en nuestro tiempo. Se basa en dos circunstancias, ambas relacionadas con el significado cada vez mayor de las masas en la vida moderna. A saber: El deseo apasionado de "acercarse" a sí mismo, tanto en la relación espacial como en la humana, también es característica de las masas modernas, así como la tendencia a superar la singularidad de los cuales se da a través de la adopción de su reproducción. Desde el día a día, existe una necesidad inseparable de dominar el sujeto en estrecha proximidad a través de su imagen, más precisamente, la pantalla, la reproducción. Al mismo tiempo, la reproducción en la forma en la que se puede encontrar en una revista ilustrada o en un periódico, es completamente diferente de la imagen. La singularidad y la consistencia de los muchachos en la imagen tan cercanos como la transferencia y la repetibilidad en la reproducción. La liberación del artículo de su caparazón, la destrucción del aura es un rasgo característico de la percepción, cuyo "gusto por el mismo tipo en el mundo" aumentó tanto que aprieta este mismo tipo con la ayuda de la reproducción, incluso de un único. fenómenos. Entonces, en el campo de la percepción visual, el hecho de que en el área de la teoría se manifiesta como un valor fortalecido de las estadísticas. La orientación de la realidad sobre las masas y masas para la realidad es el proceso, cuya influencia y pensamiento, y es infinito.
Iv
La singularidad de la obra del arte es idéntica a su caída en la continuidad de la tradición. Al mismo tiempo, esta tradición en sí, el fenómeno es bastante vivo y extremadamente móvil. Por ejemplo, existía una antigua estatua de Venus para los griegos por los que era una cuestión de adoración, en otro contexto tradicional que para los clérigos medievales, que se vieron en él un terrible ídolo. Eso fue igualmente significativo para aquellos y para otros, por lo que esta es su singularidad, en otras palabras: su aura. La forma inicial de colocar la obra de arte en un contexto tradicional encontró una expresión en un culto. Las obras de arte más antiguas se originaron, ya que se sabe que sirve al ritual, primero el mágico, y luego religioso. La circunstancia es el valor decisivo que esta flecha que causa una existencia de la obra de arte nunca está completamente exenta de la función ritual del trabajo. En otras palabras: el valor único de la obra "genuina" del arte se basa en el ritual en el que encontró su solicitud inicial y primera. Esta base puede estar mediada repetidamente, sin embargo, en las formas más extravagantes de la belleza de servir, se rompe como un ritual secularizado. El culto profesional del Ministerio, que surgió en la era del Renacimiento y existió durante tres siglos, claramente descubrió, habiendo experimentado los primeros choques graves después de este período, sus fundaciones rituales. A saber, cuando, con el advenimiento del primer agente reproductivo verdaderamente revolucionario, la fotografía (al mismo tiempo que la ocurrencia del socialismo), el arte comienza a sentir el enfoque de la crisis, en qué siglo más tarde se vuelve completamente obvio, pone la doctrina de L'Art pour l'Art como respuesta. Teología del arte. La teología negativa en la imagen de la idea del arte "limpio", rechazando no solo nada, se publicó a partir de ella. función socialPero toda la dependencia de cualquier base material. (La poesía de esta posición fue la primera en llegar a Mallarm.)
En la percepción de las obras de arte, son posibles diversos acentos, entre los cuales se distinguen dos postes. Uno de estos acentos cae en la obra de arte, la otra, en su valor de exposición. Las actividades del artista comienzan con las obras que consisten en un culto. Para estas obras, cómo se puede asumir es más importante que estén en stock, que los que los ven. Elk, a quien el hombre de la Edad de Piedra representado en las paredes de su cueva era un instrumento mágico. Aunque es accesible a la mirada de sus tribus, pero en primer lugar está destinado a los espíritus. Valor en frío Cómo se lo forzó, como aparece hoy, ocultar la obra de arte: algunas estatuas de deidades antiguas estaban en el santuario y solo los sacerdotes estaban disponibles, algunas imágenes de Nuestra Señora siguen siendo casi todo el año, algunas imágenes escultóricas de medieval. Las catedrales no son visibles para el observador en el suelo. Con la liberación de ciertos tipos de prácticas artísticas de Vonda Ritual, se plantea para exhibir sus resultados en público. Las capacidades de exposición de un busto de retratos, que se pueden colocar en diferentes lugares, es mucho más grande que el de la estatua de la Divina, que debería estar dentro del templo. Las capacidades de exposición de la pintura de la máquina son más que en mosaicos y frescos que la precedieron. Y si las capacidades de exposición de la masa en principio no son más bajas que las de la sinfonía, entonces la sinfonía apareció en el momento en que sus capacidades de exposición eran más prometedoras que la masa.
Con el advenimiento de varios métodos de reproducción técnica, la obra de arte, sus capacidades de exposición aumentaron en una cantidad tan enorme que el cambio cuantitativo en el equilibrio de sus polos pasa, como en la era primitiva, en un cambio cualitativo en su naturaleza. Al igual que en la era primitiva, la obra de arte debido a la prevalencia absoluta de su función de culto fue principalmente una herramienta para la magia, que fue solo más tarde, por así decirlo, como una obra de arte y hoy, la obra de arte se convierte en, debido. A la prevalencia absoluta de sus valores de exposición, el nuevo fenómeno con características completamente nuevas, de las cuales se percibe por nuestra conciencia, estética, se distingue como la que posteriormente puede ser reconocida por el concomitante. En cualquier caso, está claro que ahora la foto, y luego el cine da la información más importante para comprender la situación.
Vi
Con el advenimiento de la fotografía, el valor de la exposición comienza a cerrar el valor de culto sobre toda la línea. Sin embargo, el valor de culto no se rinde sin pelea. Se fija en la última frontera, que resulta ser una cara humana. En absoluto, no es casual que el retrato realice un lugar central en la foto temprana. La función de culto de la imagen encuentra su último refugio en el culto de la memoria sobre el cierre faltante o muerto. En capturado el verano, la expresión facial en las primeras fotos de Aura fue por última vez se recordó a sí mismo. Es en esto que su melancólico y nada es comparable al encanto. Allí, donde una persona deja la foto, la función de exposición reemplazó el culto. Este proceso registró el ATG, que es el significado único de este fotógrafo, que capturó las calles de París desierta del golpe de los siglos en sus imágenes. Con el derecho completo de él, dijeron que los disparó como una escena del crimen. Después de todo, la escena del crimen está maldiciendo. Está filmado para la evidencia. ATZH, las imágenes fotográficas comienzan a convertirse en la evidencia presentada en el proceso de historia. Esta es su importancia política oculta. Ya requieren percepciones en cierto sentido. Una mirada de contemplación libremente deslizante aquí es inapropiada. Ellos eliminan al espectador de equilibrio; Él siente: Necesitan encontrar un cierto enfoque. Punteros: cómo encontrarlo: los periódicos ilustrados lo exhiben de inmediato. Fiel o erróneo - de todos modos. Primero se convirtieron en textos obligatorios a las fotografías. Y está claro que el carácter de ellos es completamente diferente al de los nombres de las pinturas. Las directivas que reciben de las inscripciones a las fotografías en la edición ilustrada son la que los considera pronto tomará un carácter aún más preciso e imperativo en el cine, donde la percepción de cada marco está predeterminada por la secuencia de todos los anteriores.
Vii
La disputa, que fue dirigida por la pintura y fotografía del siglo XIX en el valor estético de sus obras, hoy produce la impresión de lo confuso y que conduce desde la esencia del caso. Esto, sin embargo, no niega sus significados, más bien lo enfatiza. De hecho, esta disputa fue una expresión del golpe de estado histórico, que, sin embargo, no se dio cuenta de ninguna de las partes. Si bien la era de la reproducibilidad técnica privó al arte de su fundación de culto, la ilusión de su autonomía desapareció para siempre. Sin embargo, el cambio en la función del arte, que así se estableció, se cayó del campo de la visión del siglo. Y el siglo XX, que sobrevivió al desarrollo del cine, no se dio durante mucho tiempo.
Si hubiera mucha fuerza mental antes de desperdiciar, tratando de resolver la pregunta, ya sea que la foto era arte, sin preguntarse antes: no cambió las fotos y toda la naturaleza del arte con la invención, luego pronto los teóricos del cine recogieron Lo mismo causado por el dilema. Sin embargo, las dificultades que han creado una foto para la estética tradicional fueron divertidas para los niños en comparación con los que prepararon su cine. Por lo tanto, violencia ciega característica de la teoría emergente de la película. Entonces, Abel Hans compara el cine con los jeroglíficos: "Y ahora estuvimos de nuevo, como resultado de un retorno extremadamente extraño al hecho de que ya había un día, a nivel de autoexpresión de los antiguos egipcios ... la El lenguaje de las imágenes aún no ha logrado su madurez, porque nuestros ojos no están acostumbrados a él. No hay suficiente respeto, suficiente reverencia religiosa a lo que expresa "3. O las palabras de Severin Marte: "En algunas artes, se preparó un sueño ... ¡lo que podría ser tan poético y real al mismo tiempo! Desde este punto de vista, la película está sin nada con un medio de expresión comparable, estar en la atmósfera de la cual solo las caras de la forma más noble de pensar en los momentos más misteriosos de su máxima perfección son dignos en los más misteriosos. Momentos de su máxima perfección. Y Alexander Arna completa directamente su fantasía sobre una película de una película: "¿No todas las descripciones audaces que aprovechamos la definición de la oración?" 5 Es extremadamente instructivo observar cómo el deseo de grabar una película en "Arte" obliga a estos teóricos con incertidumbre incomparable para atribuirle los elementos de culto. Y esto es a pesar del hecho de que en ese momento en que se publicó este razonamiento, ya hubo películas como "parisina" y "fiebre dorada". Esto no impide que Abel Hans utilice la comparación con los jeroglíficos, y Severin-Marte habla sobre el cine, ya que fue posible hablar sobre las imágenes de Fra Angeliko. Es característico que incluso hoy en día, especialmente los autores de reacción están buscando un valor de película en la misma dirección, y si no está directamente en sacro, al menos en la sobrenatural. Los estados de Verfel sobre la proyección de "Dormir en la noche de verano" Reinhardt que aún estéril copia del mundo exterior con calles, locales, estaciones de tren, restaurantes, automóviles y playas fue un cierto obstáculo para las películas al Reino de Arte. "El cine aún no ha atrapado su verdadero sentidoSus capacidades ... concluyen en su capacidad única para expresar los medios naturales mágicos, maravillosos y sobrenaturales y con la persuasión incomparable "6.
Viii.
La habilidad artística del actor del escenario trae al público por parte del actor por su propia persona; Al mismo tiempo, las habilidades artísticas del actor de la película están informando el equipo correspondiente. La consecuencia de esto es doble. El equipo que representa al actor del juego público no está obligado a solucionar este juego en su totalidad. Bajo el liderazgo del operador, ella evalúa constantemente el juego del actor. La secuencia de vistas estimadas creadas por el borde del material obtenido forma una película montada listaizada. Incluye un cierto número de movimientos que deben identificarse como el movimiento de la cámara, sin mencionar sus posiciones especiales, como, por ejemplo, un primer plano. Por lo tanto, las acciones del actor de la película pasan a través de una serie de pruebas ópticas. Esta es la primera consecuencia de esa circunstancia que el trabajo del actor en el cine está mediado por el equipo. La segunda consecuencia se debe al hecho de que la película Acter, ya que no se comunica con el público, pierde la oportunidad de cambiar el juego con el actor del teatro, dependiendo de la reacción pública. El público se debe a esto, resulta en la posición del experto, que no previene el contacto personal con el actor. La audiencia se disfruta en el actor, solo visitando la película. Es decir, ella se levanta hasta la posición de la cámara: ella evalúa, pruebas. Esta no es la posición para la cual los valores religiosos son significativos.
* * *
Xii.
La reproducibilidad técnica de las ilustraciones cambia la actitud de las masas al arte. De los más conservadores, por ejemplo, en relación con Picasso, se convierte en el más progresivo, por ejemplo, con respecto a Chaplin. Para una relación progresiva, es típico del plexo cercano del placer de la audiencia, la empatía con la posición de la evaluación de expertos. Tal plexo es un síntoma social importante. Cuanto más fuerte sea la pérdida del valor social de cualquier arte, mayor, ya que está claro en el ejemplo de la pintura, el entorno crítico y hedonista en el público. Los habituales consumidos sin crítica, realmente nuevos criticados con disgusto. El cine es crítico y la instalación hedonista coincide. Al mismo tiempo, la siguiente circunstancia es decisiva: en el cine en cualquier lugar, una reacción de una persona separada es la suma de estas reacciones importes a la reacción masiva del público, resulta desde el principio debido al proceso directo en un proceso directo en una reacción masiva. Y la manifestación de esta reacción es simultáneamente su autocontrol. Y en este caso, la comparación con la pintura es útil. La imagen siempre ha tenido en sí mismo un requisito subrayado de consideración por uno o solo por varios espectadores. La contemplación simultánea de las pinturas del público en masa, que aparece en el siglo XIX, el síntoma temprano de la crisis de la pintura, causada por no solo una foto, y relativamente independientemente de sus reclamaciones de arte para el reconocimiento masivo.
El hecho es que la pintura no puede ofrecer el tema de la percepción colectiva simultánea, ya que fue de la antigüedad con la arquitectura, ya que una vez fue con la Epic, y en nuestro tiempo hay una película. Y aunque esta circunstancia no proporciona fundaciones especiales para las conclusiones con respecto al papel social de la pintura, pero en este momento resulta ser una circunstancia agravadora grave, ya que la pintura por el poder de las circunstancias especiales y en cierto sentido, al contrario de su La naturaleza, se ve obligada a interactuar directamente con las masas. En las iglesias y monasterios medievales y en el patio de los monarcas hasta finales del siglo XVIII, la percepción colectiva de la pintura no ocurrió simultáneamente, sino gradualmente, se medié con estructuras jerárquicas. Cuando la situación cambia, se revela un conflicto especial, en el que la pintura resulta involucrada debido a la reproducción técnica de la imagen. Y aunque se hizo un intento a través de galerías y salones para presentarla con las masas, sin embargo, no había manera, seguida de las masas podrían organizarse y controlarse por dicha percepción. En consecuencia, la misma audiencia que reacciona de inmediato a la película grotesca, se convierte en reaccionario frente a los surrealistas.
Xiii.
Las características características del cine no solo se encuentran en lo que la persona aparece antes de la cámara de cine, sino también en lo que se representa con su ayuda en todo el mundo. Una mirada a la psicología de la creatividad de actuación abrió las posibilidades de prueba de equipos de cine. Una mirada al psicoanálisis lo muestra en el otro lado. El cine realmente enriqueció nuestro mundo de percepción consciente por métodos que pueden ilustrarse por los métodos de la teoría de Freud. Hace veinte, la reserva en la conversación se mantuvo más probablemente inadvertida. La capacidad de abrir con su ayuda la perspectiva profunda en una conversación, que parecía ser unión, era la excepción más bien. Después de la aparición de "psicopatología de la vida cotidiana", la situación ha cambiado. Este trabajo ha asignado e hizo el artículo del análisis de las cosas que antes de que permanecieran desapercibidas en el flujo general de impresiones. El cine causó la percepción óptica en todo el espectro, y ahora la profundización acústica y similar de la appeping. No más que lateral trasero Esta circunstancia es el hecho de que la imagen que se está creando es susceptible a un análisis más preciso y mucho más multidimensional que la imagen en la imagen y la presentación en la escena. En comparación con la pintura, esta es una característica incomparablemente más precisa de la situación, gracias a la cual la película está susceptible de análisis más detallado. En comparación con la presentación en el escenario, la profundización del análisis se debe a la mayor posibilidad del cálculo de los elementos individuales. Esta circunstancia contribuye, y en esto su principal importancia, la penetración mutua del arte y la ciencia. Y, de hecho, es difícil decir acerca de la acción que puede ser exactamente, como un músculo en el cuerpo, se deduce de una situación determinada que más fascinantes: brillo artístico o la posibilidad de interpretación científica. Una de las funciones más revolucionarias del cine será que permitirá ver la identidad del uso artístico y científico de las fotografías, que, en su mayor parte, existían por separado.
Por un lado, el cine con sus primer plano, enfocando los detalles ocultos de los requisitos familiares para nosotros, el estudio de situaciones banales bajo el ingenioso liderazgo de la lente multiplica la comprensión de los gerentes de inevitabilidad a nuestro génesis, por el otro Mano, se trata de lo que nos proporciona un enorme e inesperado campo de actividad libre! Nuestras calles de cerveza y urbanas, nuestras oficinas y habitaciones amuebladas, nuestras estaciones y fábricas parecían estar desesperadamente cerradas en su espacio. Pero luego la película vino y sopló esta dinamita de la carcasa con la dinamita de las décimas de segundos, por lo que continuamos tranquilamente un viaje fascinante a través de las pilas de sus restos. Bajo la influencia de los primeros planos, el espacio, el tiroteo acelerado. Y al igual que el final de la foto no solo aclare que "y así" se puede ver, pero, por el contrario, revelando estructuras completamente nuevas de la organización de la materia, al igual que los fugaces acelerados no solo los motivos conocidos de Movimiento, pero también se abre en estos familiares, los movimientos son completamente desconocidos, "la impresión no reduce los movimientos rápidos y los movimientos, en movimiento peculiarmente, se mueve, sobrenatural" 7. Como resultado, se vuelve obvio que la naturaleza, que abre la cámara es otra que la que se abre. Otro principalmente porque el lugar del espacio resuelto por la conciencia humana ocupa un espacio inconscientemente dominante. Y si es bastante habitual que en nuestra conciencia, incluso en las características más ricas, hay una idea de la marcha humana, definitivamente no se conoce la conciencia sobre la posición ocupada por las personas en cualquier fracción del segundo de su paso. En general, familiarizamos con el movimiento que tomamos un encendedor o una cuchara, pero casi no sabemos algo sobre lo que, de hecho, sucede entre la mano y el metal, por no mencionar el hecho de que la acción puede variar dependiendo de nuestro estado. Una cámara con sus medios auxiliares, descenso y ascensores, capacidad para interrumpir y aislar, estirar y comprimir la acción, aumentar y reducir la imagen. Ella nos abrió el área del inconsciente visual, al igual que el psicoanálisis, un área de instintivamente inconsciente.
Xiv
Desde los tiempos más antiguos, una de las tareas de arte más importantes fue el requisito de la necesidad de satisfacción total de qué hora aún no ha llegado. En la historia de cada forma de arte, hay momentos críticos cuando busca efectos que se pueden lograr sin ninguna dificultad especial al cambiar la norma técnica, es decir, en una nueva forma de arte. Surgiendo de manera similar, especialmente en los llamados períodos de décadas, las manifestaciones extravagantes e inconvenientes del arte en realidad, toman su origen de su centro histórico más rico. El dadaísmo fue la última creación de tales valvarismos. Solo ahora queda claro para su principio de conducción: Dadaism intentó lograr con la ayuda de los efectos de pintura (o literatura) que la audiencia hoy está buscando en las películas.
Cada acción fundamentalmente nueva, pionera que da a luz está demasiado lejos. Dadaism lo hace en la medida en que dona por los valores de mercado que se caracterizan por el cine de manera tan alta, por el bien de los objetivos más significativos, lo que, por supuesto, no está al tanto de la forma en que se describe aquí. Las posibilidades del uso mercantil de sus obras de dadaistas dieron un valor mucho menor que la excepción de la posibilidad de usarlas como una contemplación de refugio. No menos importante, intentaron lograr esta excepción debido a la privación de principios del material de la colina. Sus poemas son una "ensalada verbal" que contiene expresiones obscenas y cualquier basura verbal, que se puede imaginar. No hay mejores pinturas en las que insertan botones y boletos de viaje. Lo que lograron estos medios es la destrucción despiadada de la creación Aura, quemándose a través de métodos creativos en las obras del sello de reproducciones. La pintura del ARPA o el poema de Augusta StramaMa no da, como la imagen de la diente o el poema Rilke, el tiempo para reunirse y llegar a algún tipo de opinión. En contraste con la contemplación que se ha convertido en una burguesía a la escuela de comportamiento asocial, hay entretenimiento como un tipo de comportamiento social. Las manifestaciones del dadaísmo en el arte y, de hecho, fueron un gran entretenimiento, porque convirtieron la obra de arte en el centro del escándalo. Se suponía que se ajustaba al mismo todo el mismo requisito: causar irritación pública.
De la ilusión óptica perturbadora o una imagen de sonido convincente, la obra de arte se ha convertido de dadaístas al proyectil. Es sorprendente al espectador. Ha adquirido propiedades táctiles. Por lo tanto, contribuyó a la aparición de una necesidad de cine, cuyo elemento de entretenimiento también será principalmente táctil, a saber, se basa en cambiar el lugar de acción y el punto de disparo, que se trituró al espectador. Puede comparar la pantalla de la pantalla en la que se muestra la película, con una imagen pintoresca. El pintoresco lienzo invita al espectador a la contemplación; Delante de él, el espectador puede llegar a las demás asociaciones.
En frente del kinocadr, es imposible. Tan pronto como él abrazó su mirada, como ya había cambiado. No es susceptible de fijación. Dumel, odian las películas y que no entendieron nada en su significado, pero algo en su estructura, caracteriza esta circunstancia de la siguiente manera: "Ya no puedo pensar en lo que quiero. El lugar de mis pensamientos ocupó imágenes en movimiento "8. De hecho, la cadena de las asociaciones del espectador de estas imágenes se interrumpe inmediatamente por su cambio. Esto se basa en un efecto de choque de una película, que, como cualquier impacto de golpes, requiere superar un grado aún mayor de presencia espiritual. En virtud de su estructura técnica, el impacto de los golpes físicos liberó, cuyo dadaísmo seguía pintado en moral, desde esta envoltura.
XV
Las masas son una matriz, desde la cual, en este momento, cualquier relación habitual con las obras de arte se renueva. La cantidad se aprobó en calidad: un incremento muy significativo de la masa de los participantes condujo a un cambio en el método de participación. No debe sentirse avergonzado por el hecho de que inicialmente esta participación aparece en una imagen ligeramente desacreditada. Sin embargo, había muchos de los que seguían apasionadamente este particular fuera del tema. El más radical entre ellos fue Dumel. Lo que reprocha principalmente la película, por lo que es en forma de participación que se despierta en las masas. Llama a la película "El pasatiempo para Ilotov, entretenimiento para los no educados, miserables, extendidos por el trabajo de las criaturas, se comen preocupaciones ... un espectáculo que no requiere ninguna concentración que no implique ninguna habilidad mental ... sin encender ninguna luz En los corazones y no despiertan ninguna otra esperanza que no sea una espero divertida, algún día se convierta en una "estrella" en Los Ángeles "9. Como puede ver, es esencialmente una vieja queja que las masas están buscando entretenimiento, mientras que el arte requiere una concentración de espectador. Este es un lugar común. Sin embargo, debe verificarse si es posible confiar en él en el estudio de las películas. - Mira más de cerca. El entretenimiento y la concentración conforman lo contrario para formular la siguiente posición: la que se concentra en la obra de arte está inmersa en ella; Entra en este trabajo, como el artista-héroe de la leyenda china, contemplando su trabajo completado. A su vez, divirtiéndose, por el contrario, sumerge la obra de arte en ti mismo. La arquitectura más obvia es la más evidente. Durante mucho tiempo, ella representó el prototipo de la obra de arte, cuya percepción no requiere concentración y ocurre en formas colectivas. Las leyes de su percepción son las más instructivas.
La arquitectura acompaña a la humanidad desde la antigüedad. Muchas formas de arte surgieron y se fueron al olvido. La tragedia surge de los griegos y desaparece con ellos, renace el siglo solo en sus "reglas". EPOS, los orígenes de los cuales están en los jóvenes de los pueblos, se desvanecen en Europa con el fin del Renacimiento. La pintura de Stankovaya fue el producto de la Edad Media, y nada garantiza su existencia permanente. Sin embargo, la necesidad de una persona en las instalaciones está increditada. La arquitectura nunca ha sido interrumpida. Su historia es más larga que cualquier otra arte, y la conciencia de su impacto es significativa para cada intento de entender la relación de las masas para la obra de arte. La arquitectura se percibe de dos maneras: a través del uso y la percepción. O más bien hablando: táctil y óptico. Para tal percepción, no hay concepto si lo representa en una muestra de percepción concentrada, recaudada, que es característica, por ejemplo, para los turistas que consideran las famosas estructuras. El hecho es que en el área táctil no hay equivalente a lo que contempla está en el campo de la óptica. La percepción táctil no está tanto en la atención, sino a través del hábito. En relación con la arquitectura, también determina incluso la percepción óptica. Después de todo, y se basa en mucho más parecido, y no como máximo en tiempo. Sin embargo, esta percepción desarrollada por la arquitectura en ciertas condiciones adquiere importancia canónica. Para las tareas que resuelven las épocas históricas de la facturación frente a la percepción humana, no se pueden resolver en absoluto en el camino de la óptica pura, es decir, la contemplación. Con ellos, puede hacer frente gradualmente, confiando en la percepción táctil, a través de la adicción.
PODER CUSTOM y UNSHAW. Además: la capacidad de resolver algunas tareas en un estado relajado solo demuestra que su solución se ha convertido en un hábito. Entretenimiento, el arte relajante imperceptiblemente verifica cuál es la capacidad de resolver nuevos problemas de percepción. Dado que una sola persona realmente experimenta la tentación de evitar tales tareas, el arte agarrará a los más complejos y más importantes de ellos donde pueda movilizar a las masas. Hoy lo hace en el cine. Herramienta directa para entrenar una percepción dispersa, cada vez más visible en todas las áreas de arte y ser un síntoma de conversión profunda de la percepción, es una película. Su impacto influye en el cine corresponde a esta forma de percepción. El cine desplaza el valor de culto no solo por el hecho de que coloca al público en una posición estimada, sino que el hecho de que esto evalúe la posición en el cine no requiera atención. La audiencia resulta ser un examinador, pero dispersos.
En el libro: Benjamin V. Trabajo de arte en la era de su reproducibilidad técnica.
(Traducción s.a. romashko)
Notas
1. Paul Valery. Piezas Sur l'Art. París. P. 105 ("La Conqute de l'Ubiquita").
2. Abel Gance. LE TEMPS DE L'Image Est sesión, en: L'Art Cinematográfico II. París, 1927. P. 94-96.
3. Abel Gance, I. C. P. 100-101.
4. cit. Abel Gance, I. C. C. P. 100.
5. Alexandre Arnoux: Cine. París, 1929. P. 28.
7. Rudolf Arnheim. Película Als Kunst. Berlín, 1932. S. 138.
8. Georges Dulamel. Escenas de la Vie Future. 2e ed., París, 1930. P. 52.
No se trata de declive, ni sobre el progreso.
En ruso, la primera colección de artículos del escritor alemán y el filósofo de Walter Benjamin (1892-1940) "La obra de arte en la era de su reproducibilidad técnica" (prefacio, preparación, traducción y notas S. A. Romashko) fue publicada. En este sentido, el Centro Cultural Alemán. Goethe presentó una exposición dedicada a la obra de uno de los pensadores más originales del siglo XX. Crítico Grigory Kommersant habla sobre el concepto de Benjamín.
El nombre de la colección dio un ensayo que ha sido clásico durante mucho tiempo. Su esencia en lo siguiente: "En la era de la reproducibilidad técnica, la obra de arte está privada de su aura" - Aura Benjamin llama una combinación de autenticidad, singularidad, unida a un lugar determinado y en el momento, ascendiendo en última instancia al ritual religioso. El trabajo de arte existe a partir de ahora, no en una forma única, y en masa, y es percibida por una persona no individual, pero la misa (el ejemplo más fácil es una película).
La percepción de la masa no es la cantidad privada, sino un nuevo tipo de percepción. La anterior, privada, fue construida sobre una contemplación concentrada, y una nueva masa, está más cerca de la adicción dispersa (a medida que las personas siempre percibían la arquitectura, paseando y viviendo dentro de los edificios, y no los mirando específicamente en ellos). Dicha percepción, en Benjamín, inevitablemente en las eras de crisis, cuando se produce demasiado nuevo a la vez.
El objetivo principal de Benjamin en este ensayo, escrito en 1936-1938, es crear un sistema de conceptos que no pudieran ser usados \u200b\u200ben el espíritu fascista, y para oponerse a la "estetización de la política" fascista "Politización del arte". "POLITICIZACIÓN" significa aquí la capacidad de influir en su posición en la sociedad, en contraste con una simple autoexpresión y similar a la "lengua literal" (término trabajo temprano Benjamina): es decir, el idioma en el que dice el leñador sobre el árbol, y no un bocado.
Benjamin no habló de declinación, no sobre el progreso. La desaparición del aura y el surgimiento de una nueva percepción masiva es un hecho para que él utilice lo que es posible en el mal (como lo hizo el fascismo) o en beneficio de los cuales estaba esperando a los comunistas). No otorgó el valor independiente a los flujos de arte, eran más como un síntoma para él que la causa del cambio. Dadaisti no apedó el arte, sino que expresó la secularización de segunda mano. Querían excluir la oportunidad de usar sus obras "como una contemplación de refugio. Sus poemas son una" ensalada verbal "que contiene expresiones obscenas y toda la basura verbal, que uno puede imaginar. No es mejor y sus pinturas en las que insertan botones y viajes. boletos. Lo que lograron estos medios es el despiadado destruyendo el aura de la creación, quemando con la ayuda de métodos creativos en las obras del sello de reproducciones ".
Debe recordarse que todo el razonamiento de Benjamin en el arte se asocia con sus ideas sobre una catástrofe cercana, sobre los movimientos reales fascistas y comunistas, en una sola palabra, sobre la historia. Se quedó claro hasta el final de estos movimientos masivos que el aura es mucho más sobreviviente que el pensamiento de Benjamín. Y la parte trasera de las actividades del mismo Dadaistov resultó ser un síntoma de la prudencia del arte, sino por el nativo de la "blasfemia", que, como cualquier blasfemia, puede destruir o estropear el tema sagrado, pero solo refuerza solo el Muy concepto de sagrado. Es decir, la "obra de arte" es la obra del artista y su entorno se convierte en el tema de una contemplación reverente.
Otra cosa es que Aura realmente dejó de existir en forma de un halo invisible, y espesó en el ritual real. Múltiple (a diferencia de la primera) "basura" o "tonterie" solo enfatiza, por un lado, la capacidad del museo, la galería, la editorial, etc. para convertir cualquier cosa en la "obra de arte" y, por el otro, que La existencia del museo está garantizada no por obras de arte, sino forasteras, fuerzas infinitamente fuertes. La obra de arte, por lo tanto, no se refiere a su origen ritual, sino al verdadero ritual de su liberación a la luz, demostraciones o publicaciones. Es decir, la tradición reemplazó el poder local.
Esta localidad es evidencia de que las sectas como el único promedio visual de las autoridades han llegado a las masas, como copias de juguete (grupo o individuo) de movimientos masivos o modos totalitarios. Por lo tanto, el poder es mucho más real, pero no personal y dispersado, en la conciencia de masas regularmente tiene la apariencia de la misma secta con los mismos rituales que en pequeños grupos maníacos, sino el restante invisible, secreto.
Ahora, cuando el artista se esfuerza por la claridad (propia y sus obras), imita esta conspiración invisible, que difiere de los miembros o fundadores de "hermandads blancas" solo en ausencia de violencia. La visualidad está directamente relacionada con el hecho de que el trabajo de la técnica necesita el contexto ya no debe entenderse, sino para diferir de la no artística. El "contexto" es la mayoría de las veces, esto es un grupo (pequeño) un grupo de personas que reproducen y sin que las formas visuales, dejan fuerzas no formadas de un mundo grande e incoloro.
Benjamin ha escrito repetidamente que la acción consciente debe ser precedida por la conciencia de su posición. La naturaleza visual-ritual del arte, por un lado, enseña la tolerancia, por el otro, como cualquier laboratorio de tolerancia, lleva a la esquizofrenia, no solo a los espectadores, sino también a los participantes. Esta esquizofrenia solo puede ser superada por la introducción del ritual por completo dentro del trabajo, es decir, la traducción a un lenguaje homogéneo y cerrado, como lo fue con las sucursales anteriores del arte del ritual.
Biografía
Desafortunadamente, Walter Benjamin ha sido durante mucho tiempo un lugar común de literatura sobre él. Mucho de lo que escribió, vio la luz solo años después de su muerte, y lo que se publicó, no siempre encontró un entendimiento de inmediato. Está en su tierra natal, en Alemania. El camino hacia el lector ruso resultó ser difícil. Y esto es a pesar del hecho de que Benjamin mismo quería una reunión de este tipo e incluso llegó a Moscú para esto. En vano.
Sin embargo, es posible que esto no sea tan malo. Ahora, cuando las prohibiciones que impidieron el trabajo de la obra de Benjamin en ruso, no hay más, y en el oeste ya ha dejado de ser, como hace un tiempo, un autor de moda, finalmente, el momento simplemente leí con calma. Debido a que el hecho de que hubo modernidad, tenemos de frente a nuestros ojos en la historia, sin embargo, la historia que aún no ha perdido el contacto con nuestro tiempo y, por lo tanto, no desprovisto de interés directo.
El comienzo de la vida de Walter Benjamin no era notable. Nació en 1892 en Berlín, en la familia de un financiero exitoso, por lo que su infancia pasó en un ambiente completamente próspero (años más tarde, escribiría sobre el libro "Berlín la infancia en el umbral del siglo"). Sus padres eran judíos, pero de aquellos que eran judíos ordinales llamados judíos, afrontados de Navidad, por lo que la tradición judía se convirtió en una realidad para él bastante tarde, no creció tanto en él, pero luego llegó a ella más tarde, como vienen A los fenómenos de la historia cultural.
En 1912, Walter Benjamin comienza la vida estudiantil, alejándose de la universidad a la universidad: de Friburgo a Berlín, desde allí a Munich y, finalmente, a Berna, donde completó sus estudios a la protección de la disertación doctoral "el concepto de artística. Crítica en el romanticismo alemán ". La Primera Guerra Mundial pareció abrirse, fue reconocido como completamente desabrochado al servicio, pero dejó un sendero pesado de sus pérdidas en su alma, desde una ruptura con sus costosas personas que sucumbieron a la guerra militarista de Euphoria, que siempre fue ajeno a él. Y la guerra todavía le enganchó con sus consecuencias: la devastación de posguerra e inflación en Alemania devaluó fondos en efectivo y obligó a Benjamín a abandonar querida y próspera suiza, donde se le pidió que continuara el trabajo científico. Regresó a casa. Resolvió su destino.
En Alemania, varios intentos fallidos de encontrar su lugar en la vida: la revista que quería publicar, nunca salió, la segunda tesis (necesaria para la carrera universitaria y recibir la cátedra), dedicada a la tragedia alemana de la era barroca, lo hizo No recibir una evaluación positiva en la Universidad de Frankfurt. Es cierto, el tiempo pasado en Frankfurt resultó estar lejos de ser inútiles: allí Benjamin se reunió con entonces filósofos muy jóvenes de Siegfried Krakauer y Theodore Adorno. Estas relaciones desempeñaron un papel importante en el establecimiento del fenómeno, que más tarde recibió el nombre de la escuela de Frankfurt.
El fracaso de la Segunda Protección (el contenido de la disertación se dejó simplemente incomprensible, sobre el cual el revisor informado en conciencia en su recuerdo) significó que el final de los intentos de encontrar su lugar en el entorno académico, que no estaba demasiado atraído por Benjamin. Las universidades alemanas experimentaron no el mejor momento; Benjamin ya en los años estudiantiles críticos refutados a la vida universitaria, participando en el movimiento para la actualización del estudiante. Sin embargo, para que sus actitudes críticas tengan vergüenza a una cierta posición, ya no había suficiente impulso. Se convirtieron en una reunión con Asi Lazis.
Conocimiento con el bolchevich letón, como se describió brevemente, su Benjamin en una carta a su antiguo Hot, Solme, ocurrió en 1924 a Capri. Después de unas semanas, él la llama "una de las mujeres más maravillosas, que yo conocí". Para Benjamina, se convirtió en una realidad, no solo una posición política diferente, para él, el mundo entero se abrió inesperadamente, sobre las cuales tenía ante las ideas más vagas. Este mundo no se limitó a las coordenadas geográficas de Europa del Este, desde donde vinieron esta mujer a su vida. Resultó que otro mundo se puede abrir y donde ya ha estado. Solo debes lucir diferente, digamos, en la misma Italia, no a través de los ojos de un turista, por lo que, para sentir la tensión de la vida cotidiana de los habitantes de la Gran Ciudad del Sur (el resultado de este pequeño descubrimiento geográfico fue firmado por Benjamin y Lazis ensayos "Nápoles"). Incluso en Alemania, Lazis, familiarizados con el arte de la vanguardia rusa, primero de todos los teatrales, vividos como en otra dimensión: colaboró \u200b\u200bcon la actividad teatral de Breht uniformemente. Más tarde, Brecht se convertirá en Benjaman una de las personalidades más importantes, no solo como el autor, sino también como una persona que tiene una cualquiera, incluso causando una capacidad de pensamiento no convencional.
