ถ้าคุณคิดว่าศิลปินผู้ยิ่งใหญ่ทุกคนล้วนแต่เป็นอดีตไปแล้ว คุณไม่มีทางรู้หรอกว่าคุณคิดผิดแค่ไหน ในบทความนี้ คุณจะได้เรียนรู้เกี่ยวกับศิลปินที่มีชื่อเสียงและมีความสามารถที่สุดในยุคของเรา และเชื่อฉันเถอะ ผลงานของพวกเขาจะฝังอยู่ในความทรงจำของคุณไม่น้อยไปกว่าผลงานของเกจิในสมัยก่อน
Wojciech babski
Wojciech Babski เป็นศิลปินร่วมสมัยชาวโปแลนด์ เขาจบการศึกษาจากสถาบันสารพัดช่าง Silesian แต่เชื่อมโยงตัวเองด้วย ล่าสุดเขาวาดรูปผู้หญิงเป็นหลัก มุ่งเน้นไปที่การแสดงออกของอารมณ์มุ่งมั่นที่จะได้รับผลที่ดีที่สุดด้วยวิธีง่ายๆ
ชอบสี แต่มักใช้เฉดสีดำและสีเทาเพื่อประสบการณ์ที่ดีที่สุด ไม่กลัวที่จะทดลองเทคนิคใหม่ๆ เมื่อเร็ว ๆ นี้ได้รับความนิยมมากขึ้นเรื่อย ๆ ในต่างประเทศโดยเฉพาะในสหราชอาณาจักรซึ่งประสบความสำเร็จในการขายผลงานซึ่งสามารถพบได้ในคอลเล็กชั่นส่วนตัวมากมาย นอกจากศิลปะแล้ว เขายังสนใจในจักรวาลวิทยาและปรัชญาอีกด้วย ฟังแจ๊ส. ปัจจุบันเขาอาศัยและทำงานใน Katowice
วอร์เรน ชาง
Warren Chang เป็นศิลปินอเมริกันร่วมสมัย เกิดปี 2500 และเติบโตในเมืองมอนเทอเรย์ รัฐแคลิฟอร์เนีย เขาสำเร็จการศึกษาระดับเกียรตินิยมอันดับสองจากวิทยาลัยการออกแบบ Pasadena Art Center College of Design ในปี 2524 โดยสำเร็จการศึกษาระดับปริญญาตรีสาขาวิจิตรศิลป์ ในอีกสองทศวรรษข้างหน้า เขาทำงานเป็นนักวาดภาพประกอบให้กับบริษัทต่างๆ ในแคลิฟอร์เนียและนิวยอร์ก ก่อนจะเริ่มอาชีพในฐานะศิลปินมืออาชีพในปี 2552
ภาพวาดที่เหมือนจริงของเขาสามารถแบ่งออกเป็นสองประเภทหลัก: ภาพวาดภายในชีวประวัติและภาพวาดที่วาดภาพคนทำงาน ความสนใจของเขาในการวาดภาพสไตล์นี้มีรากฐานมาจากผลงานของ Jan Vermeer ศิลปินในศตวรรษที่ 16 และขยายไปถึงวัตถุ ภาพเหมือนตนเอง รูปภาพของสมาชิกในครอบครัว เพื่อน นักเรียน สตูดิโอ ห้องเรียน และการตกแต่งภายในบ้าน เป้าหมายของเขาคือการสร้างอารมณ์และอารมณ์ในภาพวาดที่เหมือนจริงผ่านการปรับแสงและการใช้สีที่ไม่ออกเสียง
ช้างเริ่มมีชื่อเสียงหลังจากเปลี่ยนไปใช้ทัศนศิลป์แบบดั้งเดิม ในช่วง 12 ปีที่ผ่านมา เขาได้รับรางวัลและเกียรติยศมากมาย โดยรางวัลอันทรงเกียรติที่สุดคือ Master Signature จาก Oil Painters Association of America ซึ่งเป็นชุมชนภาพสีน้ำมันที่ใหญ่ที่สุดในสหรัฐอเมริกา มีเพียงคนเดียวใน 50 คนเท่านั้นที่ได้รับเกียรติจากโอกาสที่จะได้รับรางวัลนี้ ปัจจุบัน วอร์เรนอาศัยอยู่ในเมืองมอนเทอเรย์และทำงานในสตูดิโอของเขา และเขายังสอน (รู้จักกันในนามนักการศึกษาที่มีความสามารถ) ที่สถาบันศิลปะซานฟรานซิสโก
ออเรลิโอ บรูนี
ออเรลิโอ บรูนี เป็นศิลปินชาวอิตาลี เกิดที่แบลร์ 15 ตุลาคม 2498 สำเร็จการศึกษาระดับปริญญาด้านการออกแบบเวทีจากสถาบันศิลปะในสโปเลโต ในฐานะศิลปิน เขาเรียนรู้ด้วยตนเองในขณะที่เขา "สร้างบ้านแห่งความรู้" อย่างอิสระบนรากฐานที่วางไว้ในโรงเรียน เขาเริ่มวาดภาพด้วยน้ำมันเมื่ออายุ 19 ปี ปัจจุบันเขาอาศัยและทำงานในอุมเบรีย
ภาพวาดยุคแรกๆ ของบรูนีมีรากฐานมาจากลัทธิสถิตยศาสตร์ แต่เมื่อเวลาผ่านไป เขาเริ่มมุ่งเน้นไปที่ความใกล้ชิดของแนวโรแมนติกและสัญลักษณ์เชิงโคลงสั้น ๆ เสริมการผสมผสานนี้ด้วยความประณีตบรรจงและความบริสุทธิ์ของตัวละครของเขา วัตถุที่มีการเคลื่อนไหวและไม่มีชีวิตจะได้รับศักดิ์ศรีและรูปลักษณ์ที่เท่าเทียมกันเกือบจะเกินจริง แต่ในขณะเดียวกันก็ไม่ได้ซ่อนอยู่หลังม่าน แต่ช่วยให้คุณเห็นแก่นแท้ของจิตวิญญาณของคุณ ความเก่งกาจและความซับซ้อน ความเย้ายวนและความเหงา ความรอบคอบ และประสิทธิผลคือจิตวิญญาณของออเรลิโอ บรูนี ที่หล่อเลี้ยงด้วยความงดงามของศิลปะและความกลมกลืนของดนตรี
อเล็กซานเดอร์ บาลอส
Alkasandr Balos เป็นศิลปินร่วมสมัยชาวโปแลนด์ที่เชี่ยวชาญด้านการวาดภาพสีน้ำมัน เกิดปี 1970 ในเมือง Gliwice ประเทศโปแลนด์ แต่ตั้งแต่ปี 1989 ก็ได้อาศัยและทำงานในสหรัฐอเมริกาในเมือง Shasta รัฐแคลิฟอร์เนีย
เมื่อตอนเป็นเด็ก เขาศึกษาศิลปะภายใต้การแนะนำของแจน พ่อของเขา ศิลปินและประติมากรที่เรียนรู้ด้วยตนเอง ดังนั้นตั้งแต่อายุยังน้อย กิจกรรมศิลปะจึงได้รับการสนับสนุนอย่างเต็มที่จากพ่อแม่ทั้งสอง ในปี 1989 เมื่ออายุได้สิบแปดปี Balos ออกจากโปแลนด์เพื่อไปสหรัฐอเมริกา โดยที่ครูประจำโรงเรียนและศิลปินนอกเวลา Katie Gaggliardi ได้สนับสนุนให้ Alkasandra เข้าเรียนในโรงเรียนศิลปะ จากนั้น Balos ก็ได้รับทุนการศึกษาเต็มจำนวนจากมหาวิทยาลัย Milwaukee Wisconsin ซึ่งเขาศึกษาการวาดภาพกับศาสตราจารย์ด้านปรัชญา Harry Rosin
หลังจากสำเร็จการศึกษาในปี 1995 และได้รับปริญญาตรีแล้ว Balos ย้ายไปชิคาโกเพื่อศึกษาที่ School of Fine Arts ซึ่งมีวิธีการตามผลงานของ Jacques-Louis David ภาพเหมือนจริงและภาพเหมือนประกอบขึ้นจากงานส่วนใหญ่ของ Balos ในยุค 90 และต้นทศวรรษ 2000 ทุกวันนี้ Balos ใช้ร่างมนุษย์เพื่อเน้นถึงลักษณะเฉพาะและเพื่อแสดงข้อบกพร่องของมนุษย์ โดยไม่เสนอวิธีแก้ปัญหาใดๆ
องค์ประกอบของภาพวาดของเขามีจุดประสงค์เพื่อให้ผู้ชมตีความอย่างอิสระจากนั้นผืนผ้าใบจะได้รับความหมายทางโลกและอัตนัยที่แท้จริง ในปีพ.ศ. 2548 ศิลปินได้ย้ายไปอยู่ที่แคลิฟอร์เนียตอนเหนือ ตั้งแต่นั้นมา ขอบเขตงานของเขาได้ขยายกว้างขึ้นอย่างมาก และขณะนี้ได้รวมวิธีการลงสีแบบอิสระมากขึ้น รวมทั้งรูปแบบนามธรรมและรูปแบบมัลติมีเดียต่างๆ ที่ช่วยแสดงความคิดและอุดมคติของการเป็นภาพวาด
พระอลิสสา
Alyssa Monks เป็นศิลปินชาวอเมริกันร่วมสมัย เธอเกิดในปี 2520 ที่ริดจ์วูด รัฐนิวเจอร์ซีย์ เธอเริ่มมีความสนใจในการวาดภาพตั้งแต่ยังเป็นเด็ก เธอเข้าเรียนที่ New School ในนิวยอร์กและ Montclair State University และสำเร็จการศึกษาจากวิทยาลัยบอสตันในปี 2542 ด้วยปริญญาตรีศิลปศาสตร์ เธอเรียนจิตรกรรมที่ Lorenzo Medici Academy ในเมืองฟลอเรนซ์พร้อมๆ กัน
จากนั้นเธอก็ศึกษาต่อในหลักสูตรปริญญาโทที่ New York Academy of Art ที่ Department of Figurative Art สำเร็จการศึกษาในปี 2544 เธอสำเร็จการศึกษาจาก Fullerton College ในปี 2549 เป็นเวลาหนึ่งที่เธอบรรยายในมหาวิทยาลัยและสถาบันการศึกษาทั่วประเทศ สอนการวาดภาพที่ New York Academy of Art เช่นเดียวกับ Montclair State University และ Lyme Academy of Arts College
“การใช้ฟิลเตอร์อย่างเช่น แก้ว ไวนิล น้ำ และไอน้ำ ฉันบิดเบือนร่างกายมนุษย์ ตัวกรองเหล่านี้ช่วยให้คุณสร้างพื้นที่ขนาดใหญ่ของการออกแบบที่เป็นนามธรรม โดยมีเกาะสีต่างๆ มองผ่าน - ส่วนต่างๆ ของร่างกายมนุษย์
ภาพวาดของฉันเปลี่ยนมุมมองสมัยใหม่ของท่าและท่าทางการอาบน้ำของผู้หญิงที่เป็นที่ยอมรับแล้ว พวกเขาสามารถบอกผู้ชมที่เอาใจใส่ได้มากมายเกี่ยวกับสิ่งที่ดูเหมือนชัดเจนในตัวเอง เช่น ประโยชน์ของการว่ายน้ำ การเต้นรำ และอื่นๆ ตัวละครของฉันถูกกดทับกับกระจกของหน้าต่างห้องอาบน้ำ ทำให้ร่างกายของพวกเขาบิดเบี้ยว โดยตระหนักว่าการทำเช่นนั้นส่งผลต่อการมองผู้หญิงที่เปลือยเปล่าของผู้ชายที่ฉาวโฉ่ ชั้นสีหนาถูกผสมเพื่อเลียนแบบแก้ว ไอน้ำ น้ำ และเนื้อจากระยะไกล อย่างไรก็ตาม เมื่อดูใกล้จะพบว่าคุณสมบัติทางกายภาพอันน่าทึ่งของสีน้ำมันนั้นชัดเจน โดยการทดลองกับชั้นของสีและสี ฉันพบช่วงเวลาที่ลายเส้นนามธรรมกลายเป็นอย่างอื่น
เมื่อฉันเริ่มวาดภาพร่างกายมนุษย์ครั้งแรก ฉันรู้สึกทึ่งในทันทีและถึงกับหมกมุ่นอยู่กับมัน และเชื่อว่าฉันต้องทำให้ภาพวาดของฉันสมจริงที่สุด ฉัน “ยอมรับ” ความสมจริงจนเริ่มคลี่คลายและเปิดเผยความขัดแย้งในตัวเอง ตอนนี้ฉันกำลังสำรวจความเป็นไปได้และศักยภาพของรูปแบบการวาดภาพที่ภาพวาดที่เป็นตัวแทนและนามธรรมมาบรรจบกัน - หากทั้งสองรูปแบบสามารถอยู่ร่วมกันได้ในเวลาเดียวกันฉันก็จะทำ”
อันโตนิโอ ฟิเนลลี
ศิลปินชาวอิตาลี - “ ตัวจับเวลา” - อันโตนิโอ ฟิเนลลี เกิดเมื่อวันที่ 23 กุมภาพันธ์ พ.ศ. 2528 ปัจจุบันเขาอาศัยและทำงานในอิตาลีระหว่างกรุงโรมและกัมโปบัสโซ ผลงานของเขาได้รับการจัดแสดงในแกลเลอรี่หลายแห่งในอิตาลีและต่างประเทศ: โรม, ฟลอเรนซ์, โนวารา, เจนัว, ปาแลร์โม, อิสตันบูล, อังการา, นิวยอร์ก และยังสามารถพบได้ในคอลเลกชันส่วนตัวและสาธารณะ
ภาพวาดดินสอ " ตัวจับเวลา“Antonio Finelli ส่งเราเดินทางนิรันดร์ผ่านโลกภายในของมนุษย์ชั่วขณะและการวิเคราะห์ที่เกี่ยวข้องอย่างพิถีพิถันของโลกนี้ องค์ประกอบหลักคือการผ่านกาลเวลาและร่องรอยที่เกิดขึ้นบนผิวหนัง
ฟิเนลลีวาดภาพคนทุกวัย ทุกเพศ และทุกสัญชาติ ซึ่งการแสดงออกทางสีหน้าเป็นพยานถึงการผ่านกาลเวลา ศิลปินยังหวังที่จะพบหลักฐานของความไร้ความปราณีของกาลเวลาบนร่างของตัวละครของเขา อันโตนิโอกำหนดผลงานของเขาโดยใช้ชื่อทั่วไปว่า "ภาพเหมือนตนเอง" เพราะในภาพวาดดินสอของเขา เขาไม่เพียงแต่วาดภาพบุคคลเท่านั้น แต่ยังช่วยให้ผู้ชมได้พิจารณาถึงผลลัพธ์ที่แท้จริงของกาลเวลาภายในตัวบุคคล
ฟลามิเนีย คาร์โลนี
Flaminia Carloni เป็นศิลปินชาวอิตาลีวัย 37 ปี ลูกสาวของนักการทูต เธอมีลูกสามคน เธออาศัยอยู่ในกรุงโรมสิบสองปี สามปีในอังกฤษและฝรั่งเศส ได้รับปริญญาด้านประวัติศาสตร์ศิลป์จาก BD School of Art จากนั้นเธอก็ได้รับประกาศนียบัตรในฐานะผู้ฟื้นฟูงานศิลปะ ก่อนหางานทำและอุทิศตนอย่างเต็มที่ในการวาดภาพ เธอทำงานเป็นนักข่าว นักสี นักออกแบบ และนักแสดง
Flaminia พัฒนาความหลงใหลในการวาดภาพตั้งแต่ยังเป็นเด็ก สื่อหลักของเธอคือน้ำมันเพราะเธอชอบ “coiffer la pate” และชอบเล่นกับวัสดุนี้ด้วย เธอได้เรียนรู้เทคนิคที่คล้ายกันในผลงานของศิลปิน Pascal Torua Flaminia ได้รับแรงบันดาลใจจากจิตรกรผู้ยิ่งใหญ่ เช่น Balthus, Hopper และ François Legrand เช่นเดียวกับการเคลื่อนไหวทางศิลปะต่างๆ: สตรีทอาร์ต ความสมจริงแบบจีน สถิตยศาสตร์ และความสมจริงของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ศิลปินคนโปรดของเธอคือคาราวัจโจ ความฝันของเธอคือการค้นพบพลังบำบัดของศิลปะ
เดนิส เชอร์นอฟ
Denis Chernov เป็นศิลปินชาวยูเครนที่มีพรสวรรค์ เกิดในปี 1978 ในเมือง Sambir ภูมิภาค Lviv ประเทศยูเครน หลังจากจบการศึกษาจากโรงเรียนศิลปะคาร์คอฟในปี 2541 เขาพักที่คาร์คอฟซึ่งปัจจุบันเขาอาศัยและทำงานอยู่ นอกจากนี้เขายังศึกษาที่สถาบันการออกแบบและศิลปะแห่งรัฐคาร์คอฟภาควิชากราฟิกซึ่งสำเร็จการศึกษาในปี 2547
เขามีส่วนร่วมในการจัดนิทรรศการศิลปะเป็นประจำในขณะนี้มีมากกว่าหกสิบคนทั้งในยูเครนและต่างประเทศ ผลงานของเดนิส เชอร์นอฟส่วนใหญ่ถูกเก็บไว้ในคอลเลกชั่นส่วนตัวในยูเครน รัสเซีย อิตาลี อังกฤษ สเปน กรีซ ฝรั่งเศส สหรัฐอเมริกา แคนาดา และญี่ปุ่น ผลงานบางส่วนถูกขายให้กับคริสตี้
เดนิสทำงานในเทคนิคกราฟิกและการวาดภาพที่หลากหลาย ภาพวาดดินสอเป็นหนึ่งในวิธีการระบายสีที่เขาโปรดปราน รายการธีมสำหรับภาพวาดดินสอของเขานั้นมีความหลากหลายมาก เขาเขียนภาพทิวทัศน์ ภาพบุคคล ภาพเปลือย การเรียบเรียงประเภท ภาพประกอบหนังสือ การสร้างวรรณกรรมและประวัติศาสตร์ และความเพ้อฝัน
ทิวทัศน์ของธรรมชาติในภาพวาดของศิลปินรัสเซีย พวกเขาถ่ายทอดเส้นบางๆ ที่มองไม่เห็นซึ่งแยกมนุษย์ออกจากธรรมชาติ ธรรมชาติในการวาดภาพสะท้อนถึงโลกที่ไม่ใช่คนที่ครอบงำธรรมชาติ แต่เป็นธรรมชาติที่อยู่เหนือเขา โลกที่สีสันเพิ่มความรู้สึกเป็นหนึ่งเดียวกับธรรมชาติ
(ในประกาศ: ภาพวาดโดย N.P. Krymov "หลังฝนฤดูใบไม้ผลิ")
ฤดูกาลในการวาดภาพเป็นธีมพิเศษในภูมิทัศน์ของภาพธรรมชาติโดยศิลปินชาวรัสเซีย เพราะไม่มีอะไรที่สัมผัสได้ละเอียดอ่อนเท่ากับการเปลี่ยนแปลงของรูปลักษณ์ของธรรมชาติตามฤดูกาล ตามฤดูกาล อารมณ์ของธรรมชาติเปลี่ยนแปลงไป ซึ่งด้วยความสะดวกในการแปรงของศิลปิน ถ่ายทอดด้วยภาพวาดในภาพวาด
ตรวจสอบผลงานที่โด่งดังที่สุดของศิลปินชาวรัสเซียผู้ยิ่งใหญ่:
การนำเสนอ: ธรรมชาติในภาพวาดโดยศิลปินชาวรัสเซีย
ภาพวาดฤดูใบไม้ผลิ
สดใสและมีเสียงดังด้วยเสียงพึมพำของลำธารและการร้องเพลงของนกที่บินเข้ามา ฤดูใบไม้ผลิปลุกธรรมชาติในภาพวาดของ A. Savrasov, Konchalovsky, Levitan, Yuon, S. A. Vinogradov, A. G. Venetsianov, Ostroukhov
ไปที่ส่วน ...
ภาพวาดฤดูร้อน
สวนดอกไม้บานสะพรั่ง อาบน้ำอุ่นและแดดร้อน ฤดูร้อนมีกลิ่นสีฉ่ำอย่างช้าๆ ในภาพวาดของ I. Levitan, Plastov, Polenov, Vasiliev, Gerasimov, Shishkin
ไปที่ส่วน ...
ภาพวาดฤดูใบไม้ร่วง
การเต้นรำเป็นวงกลมของใบไม้ในเฉดสีต่างๆ ที่ขับเคลื่อนด้วยลมเย็นที่มีเม็ดฝน วอลซ์ในฤดูใบไม้ร่วงในภาพวาดของ Levitan, Polenov, Gerasimov, Brodsky, Zhukovsky
ไปที่ส่วน ...
ภาพวาดฤดูหนาว
ถูกล่ามโซ่ไว้ปกคลุมพื้นดินที่เหนื่อยล้าด้วยผ้าคลุมหิมะเขาร้องเพลงกล่อมเหมือนพายุหิมะปกป้องการนอนหลับของธรรมชาติอย่างระมัดระวังฤดูหนาวในภาพวาดของ Plastov, Krymov, Levitan, Nyssa, I.E Grabar, Yuon, Shishkin, Kustodiev
ไปที่ส่วน ...
ในการอธิบายภาพวาดธรรมชาติโดยศิลปินที่มีชื่อเสียง เราสามารถพบภาพสะท้อนของความละเอียดอ่อนและความงามของภูมิทัศน์ของธรรมชาติรัสเซียในช่วงเวลาหนึ่งของปี ไม่น่าเป็นไปได้ที่ศิลปินเช่นธรรมชาติจะมีฤดูกาลที่ดีกว่าสำหรับการรับรู้ธรรมชาติบนผืนผ้าใบแม้ว่าทุกคนจะมีฤดูกาลโปรดก็ตาม
ภูมิประเทศตรงบริเวณสถานที่พิเศษในวิจิตรศิลป์ของรัสเซีย ชื่อนี้มาจากคำภาษาฝรั่งเศส จ่าย - แอเรีย ภูมิทัศน์น้ำมัน - ภาพของธรรมชาติในสภาพธรรมชาติหรือแก้ไขเล็กน้อย
เป็นครั้งแรกที่ลวดลายภูมิทัศน์ปรากฏในภาพวาดไอคอนรัสเซียโบราณ ภูมิทัศน์ที่เป็นอิสระทางธรรมชาติซึ่งเป็นตัวแทนของสวนสาธารณะในพระราชวังเริ่มปรากฏในรัสเซียในศตวรรษที่ 18 ในช่วงรัชสมัยของเอลิซาเบ ธ เปตรอฟนาศิลปะการวาดภาพได้รับการพัฒนาอย่างแข็งขันมีการเผยแพร่คอลเล็กชั่นงานแกะสลักชุดแรกพร้อมมุมมองของเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กซึ่งพบภาพทิวทัศน์ด้วย
การออกดอกของภูมิทัศน์เริ่มต้นด้วยการปรากฏตัวของ Semyon Fedorovich Shchedrin ซึ่งถูกเรียกอย่างถูกต้องว่าเป็นผู้ก่อตั้งจิตรกรรมภูมิทัศน์ของรัสเซีย ชีวประวัติของศิลปินรวมถึงการศึกษาในต่างประเทศหลายปีโดยที่ Shchedrin ศึกษาพื้นฐานของความคลาสสิคซึ่งสะท้อนให้เห็นในงานของเขาในภายหลัง
ต่อจากนั้นนักวาดภาพภูมิทัศน์ชาวรัสเซียคนอื่น ๆ ก็ปรากฏตัวขึ้น: Fedor Alekseev - ผู้ก่อตั้งภูมิทัศน์เมือง Fedor Matveev - ผู้เชี่ยวชาญด้านภูมิทัศน์ในประเพณีคลาสสิกที่ดีที่สุด
ประเภทของวิจิตรศิลป์ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 นั้นเต็มไปด้วยเทรนด์ใหม่ๆ ภูมิทัศน์ที่สร้างขึ้นในทิศทางที่แตกต่างกันถูกนำเสนอโดยศิลปินที่มีชื่อเสียง: Ivan Aivazovsky (โรแมนติก), Ivan Shishkin (สัจนิยม), Viktor Vasnetsov (ทิศทางมหากาพย์ที่ยอดเยี่ยม), Mikhail Klodt (ภูมิทัศน์อันยิ่งใหญ่) และปรมาจารย์ด้านการวาดภาพอื่น ๆ ที่เป็นที่ยอมรับ
ในช่วงกลางของศตวรรษที่ 19 ภาพวาดของรัสเซีย "ยืนยัน" อากาศบริสุทธิ์ว่าเป็นเทคนิคทางศิลปะที่ช่วยให้คุณสามารถสร้างภูมิทัศน์ที่สวยงามได้ ในรูปแบบที่ตามมานั้นมีบทบาทสำคัญในการพัฒนาอิมเพรสชั่นนิสม์ซึ่งมีอิทธิพลอย่างมากต่องานของจิตรกรภูมิทัศน์ ในเวลาเดียวกัน แนวคิดที่แยกจากกันของการรับรู้ "ธรรมชาติ" ได้ก่อตัวขึ้น - ภูมิทัศน์ที่เป็นโคลงสั้น ๆ ในทิศทางนี้ภูมิทัศน์ถูกสร้างขึ้นโดยศิลปิน: Alexei Savrasov, Arkhip Kuindzhi, Mikhail Nesterov
ภาพเขียนสีน้ำมันภูมิทัศน์ของศตวรรษที่ 19 มาถึงความมั่งคั่งที่แท้จริงในผลงานของ Isaac Levitan ภาพวาดของศิลปินเต็มไปด้วยอารมณ์ที่สงบ เจาะลึก และน่าปวดหัว นิทรรศการของศิลปินเป็นงานสำคัญในโลกศิลปะมาโดยตลอด โดยมีผู้เข้าชมจำนวนมากจากทุกเมืองของรัสเซีย
ในตอนต้นของศตวรรษที่ 20 ได้มีการก่อตั้ง "Union of Russian Artists" ซึ่งก่อตั้งขึ้นจากความคิดริเริ่มของ Konstantin Yuon, Abram Arkhipov และ Igor Grabar ทิศทางหลักของความคิดสร้างสรรค์และภาพวาดของศิลปินหลายคนมีลักษณะเฉพาะด้วยความรักในภูมิทัศน์ของรัสเซียทั้งทางธรรมชาติและในเมือง
ทัศนศิลป์ประเภทอื่นกำลังพัฒนาเช่นกัน - การค้นหาเชิงรุกกำลังดำเนินการสำหรับวิธีอื่นในการแสดงออกสำหรับการวาดภาพทิวทัศน์ ตัวแทนที่โดดเด่นของเทรนด์ใหม่คือ: Kazimir Malevich (เปรี้ยวจี๊ด, ภูมิทัศน์ในฤดูใบไม้ร่วง "The Red Cavalry Galloping"), Nikolai Krymov (สัญลักษณ์, ภูมิทัศน์ฤดูหนาว "Winter Evening"), Nikolai Dormidontov (neoacademism)
ในยุค 30 ทัศนศิลป์ในสหภาพโซเวียตได้รับการเติมเต็มด้วยความสมจริงแบบสังคมนิยมแนวนอน Georgy Nyssa และผลงาน "Boys Running Out of the Water" กลายเป็นหนึ่งในตัวแทนหลัก การเริ่ม "ละลาย" ในช่วงครึ่งหลังของทศวรรษ 1950 นำไปสู่การฟื้นฟูความหลากหลายของภาษา "ภาพ" ซึ่งยังคงหลงเหลืออยู่ในโรงเรียนสมัยใหม่
เอ็ม.เค.คล็อดท์. บนที่ดินทำกิน พ.ศ. 2414
จิตรกรรมภูมิทัศน์โดยศิลปินชาวรัสเซียแห่งศตวรรษที่ 19
ในช่วงต้นทศวรรษ 1820 Venetsianov เริ่มสนใจปัญหาแสงในการทาสี ศิลปินได้รับแจ้งให้แก้ไขปัญหาเหล่านี้โดยความคุ้นเคยของเขาในปี พ.ศ. 2363 ด้วยภาพวาดของ F. Granet "มุมมองภายในของอารามคาปูชินในกรุงโรม" เป็นเวลามากกว่าหนึ่งเดือนทุกวันที่ศิลปินนั่งต่อหน้าเธอในอาศรมและเข้าใจว่าภาพมายาได้ผลอย่างไร ต่อจากนั้น Venetsianov เล่าว่าทุกคนรู้สึกประทับใจกับความรู้สึกของวัตถุ
ในหมู่บ้าน Venetsianov วาดภาพเขียนที่น่าทึ่งสองภาพ - "The Barn" (1821 - 1823) และ "Morning of the Landdowner" (2366) เป็นครั้งแรกในภาพวาดของรัสเซียที่ภาพและชีวิตของชาวนาได้รับการถ่ายทอดด้วยความจริงใจที่น่าประทับใจ เป็นครั้งแรกที่ศิลปินพยายามสร้างบรรยากาศของสภาพแวดล้อมที่ผู้คนใช้งาน Venetsianov อาจเป็นหนึ่งในคนกลุ่มแรก ๆ ที่ตระหนักถึงภาพวาดว่าเป็นการสังเคราะห์แนวเพลง ในอนาคต การรวมประเภทต่าง ๆ เข้าด้วยกันเป็นหนึ่งเดียวจะกลายเป็นความสำเร็จที่สำคัญที่สุดของการวาดภาพในศตวรรษที่ 19
ในโรงนา เช่นเดียวกับในยามเช้าของเจ้าของที่ดิน แสงไม่เพียงช่วยเผยให้เห็นความโล่งใจของวัตถุ - "เคลื่อนไหว" และ "วัตถุ" ตามที่ Venetsianov กล่าว แต่การโต้ตอบกับพวกมันจริง ๆ ทำหน้าที่เป็นวิธีการรวบรวม เนื้อหาที่เป็นรูปเป็นร่าง ใน "Morning of the Landdowner" ศิลปินรู้สึกถึงความซับซ้อนของการเชื่อมต่อระหว่างแสงและสี แต่จนถึงตอนนี้เขารู้สึกได้เพียงเท่านั้น ความสัมพันธ์ของเขากับสีไม่ได้อยู่นอกเหนือกรอบความคิดแบบเดิมๆ อย่างน้อยก็ในการให้เหตุผลเชิงทฤษฎี Vorobyov ยึดมั่นในมุมมองที่คล้ายคลึงกัน เขาอธิบายให้นักเรียนฟังว่า "เพื่อที่จะมองเห็นความเหนือกว่าของอุดมคตินิยมมากกว่านักธรรมชาตินิยม เราจะต้องเห็นการแกะสลักจากปูสแซ็งและรุยส์ดาล เมื่อทั้งคู่ปรากฏตัวต่อหน้าเราโดยไม่มีสี"
ทัศนคติต่อสีนี้เป็นแบบดั้งเดิมและมีต้นกำเนิดมาจากปรมาจารย์แห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ในทัศนะของพวกเขา สีอยู่ตรงกลางระหว่างแสงและเงา Leonardo da Vinci แย้งว่าความงามของสีที่ปราศจากเงาทำให้ศิลปินมีชื่อเสียงในหมู่คนโง่เขลาเท่านั้น การตัดสินเหล่านี้ไม่ได้บ่งชี้เลยว่าศิลปินแห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเป็นนักวาดภาพสีที่ไม่ดีหรือเป็นคนที่ไม่ใส่ใจ การปรากฏตัวของปฏิกิริยาตอบสนองถูกระบุโดย L.-B. Alberti, Leonardo ยังเป็นเจ้าของทฤษฎีบทที่มีชื่อเสียงเกี่ยวกับปฏิกิริยาตอบสนอง แต่สิ่งสำคัญสำหรับพวกเขาคือการระบุคุณสมบัติถาวรของความเป็นจริง ทัศนคติต่อโลกนี้สอดคล้องกับทัศนะในสมัยนั้น
ในปี ค.ศ. 1827 A. V. Tyranov ได้วาดภาพภูมิทัศน์ฤดูร้อน "View on the Tosno River ใกล้หมู่บ้าน Nikolskoye" รูปภาพถูกสร้างขึ้นราวกับเป็นคู่สำหรับ "Russian Winter" มุมมองเปิดจากฝั่งสูงและครอบคลุมระยะทางที่กว้างใหญ่ เช่นเดียวกับในภาพวาดของ Krylov ผู้คนที่นี่ไม่ได้เล่นบทบาทของพนักงาน แต่สร้างกลุ่มประเภท ภาพวาดทั้งสองเป็นภูมิทัศน์ที่บริสุทธิ์
ชะตากรรมของ Tyranov นั้นใกล้เคียงกับ Krylov ในหลาย ๆ ด้าน นอกจากนี้เขายังศึกษาการวาดภาพ โดยช่วยพี่ชายของเขาซึ่งเป็นจิตรกรไอคอน ในปี 1824 ต้องขอบคุณความพยายามของ Venetsianov เขาจึงมาที่เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก และอีกหนึ่งปีต่อมาเขาได้รับความช่วยเหลือจาก Society for the Encouragement of Artists ภาพวาด "View on the Tosno River ใกล้หมู่บ้าน Nikolskoye" สร้างขึ้นโดยเด็กชายอายุสิบเก้าปีซึ่งกำลังใช้ขั้นตอนแรกในการเรียนรู้เทคนิคการวาดภาพแบบมืออาชีพเท่านั้น น่าเสียดายที่ผลงานของศิลปินทั้งสอง ประสบการณ์ในการหันไปใช้การวาดภาพทิวทัศน์ไม่ได้รับการพัฒนา ครีลอฟเสียชีวิตในอีก 4 ปีต่อมาระหว่างที่เกิดโรคอหิวาตกโรค และ Tyranov ก็ได้มอบตัวเองให้กับประเภทของ "ในห้อง" การวาดภาพด้วยมุมมอง วาดภาพเหมือนที่ทำขึ้นเองได้สำเร็จ และได้รับชื่อเสียงไปตลอดทาง
ในช่วงครึ่งหลังของยุค 1820 พรสวรรค์ของ Sylvester Shchedrin ได้รับแรงผลักดัน หลังจากวงจร "กรุงโรมใหม่" เขาวาดภาพทิวทัศน์ที่เต็มไปด้วยชีวิตซึ่งเขาสามารถถ่ายทอดการมีอยู่ตามธรรมชาติของธรรมชาติบนระเบียงและเฉลียง ในภูมิประเทศเหล่านี้ในที่สุด Shchedrin ก็ละทิ้งประเพณีการจัดบุคลากรในการกระจายตัวเลข ผู้คนอาศัยอยู่ในความสามัคคีที่แยกออกไม่ได้กับธรรมชาติทำให้มีความหมายใหม่ การพัฒนาความสำเร็จของรุ่นก่อนอย่างกล้าหาญ Shchedrin กวีชีวิตประจำวันของชาวอิตาลี
ศูนย์รวมของเนื้อหาใหม่ของศิลปะ ความแปลกใหม่ของงานจินตนาการเกี่ยวข้องกับศิลปินในการค้นหาวิธีการทางศิลปะที่เหมาะสมอย่างหลีกเลี่ยงไม่ได้ ในช่วงครึ่งแรกของปี 1820 เชดรินเอาชนะธรรมเนียมปฏิบัติของรสชาติ "พิพิธภัณฑ์" และละทิ้งการสร้างพื้นที่หลังเวที เขาเปลี่ยนไปใช้สีโทนเย็นและสร้างพื้นที่ที่มีการพัฒนาอย่างค่อยเป็นค่อยไปในเชิงลึก โดยปฏิเสธนักข่าวและแผนงาน เมื่อวาดภาพพื้นที่ขนาดใหญ่ Shchedrin ชอบสภาพของบรรยากาศดังกล่าวเมื่อภาพที่อยู่ห่างไกลเขียนว่า "มีหมอก" นี่เป็นขั้นตอนสำคัญในการแก้ไขปัญหาการพ่นสีลม แต่ต้องใช้เวลาอีกมากในการวาดภาพในอากาศบริสุทธิ์
มีคนเขียนมากมายเกี่ยวกับการวาดภาพในที่โล่ง ส่วนใหญ่แล้ว plein air จะสัมพันธ์กับภาพของสภาพแวดล้อมที่มีแสงน้อย แต่นี่เป็นเพียงหนึ่งในองค์ประกอบเท่านั้น A. A. Fedorov-Davydov วิเคราะห์วัฏจักร "New Rome" เขียนว่า: "Shchedrin ไม่สนใจความแปรปรวนของแสง แต่ในปัญหาของแสงและอากาศที่เขาค้นพบเป็นครั้งแรก เขาไม่ได้สื่อถึงความรู้สึกของเขา แต่เป็นความจริงตามวัตถุประสงค์และแสวงหาความเที่ยงตรงของการส่องสว่างและการส่งผ่านสภาพแวดล้อมทางอากาศ " ผลงานของเชดรินและเลวีแทนได้นำเอาทัศนะแบบประชาธิปไตยบางอย่างมารวมกัน และแบ่งปันช่วงเวลาครึ่งศตวรรษในการพัฒนางานศิลปะ ในช่วงเวลานี้มีการขยายความเป็นไปได้ของการวาดภาพอย่างมีนัยสำคัญ นอกเหนือจากการแก้ปัญหาสภาพแวดล้อมที่มีแสงน้อยแล้ว ยังยืนยันค่าพลาสติกสีของวัตถุที่แสดงภาพด้วย
ต่อจากนี้ VS Turchin มีความสัมพันธ์อย่างถูกต้องกับการวาดภาพทิวทัศน์ของแนวโรแมนติกกับ plein air: "ความโรแมนติกที่เข้าใกล้อากาศ plein ต้องการค้นหาและแสดงสีที่งดงามของอากาศ แต่นี่เป็นเพียงส่วนหนึ่งของอากาศ plein ถ้าอากาศ plein ตัวเองเข้าใจว่าเป็นระบบบางอย่างซึ่งรวมถึงปัญหาของ "สื่อแสง" ซึ่งทุกอย่างสะท้อนและแทรกซึมซึ่งกันและกัน "
มีการสังเกต แต่ไม่มีความรู้ F. Engels เขียนไว้ใน "Dialectics of Nature": "ไม่เพียงแต่ความรู้สึกอื่นๆ เท่านั้นที่เพิ่มเข้ามาในดวงตาของเรา แต่ยังรวมถึงกิจกรรมของความคิดของเราด้วย" Newton เผยแพร่ Optics ในปี ค.ศ. 1704 จากผลการวิจัยเป็นเวลาหลายปี เขาได้ข้อสรุปว่าปรากฏการณ์ของสีเกิดขึ้นเมื่อแสงสีขาว (แสงแดด) ธรรมดาถูกแยกออก ก่อนหน้านี้ในปี ค.ศ. 1667 โรเบิร์ต บอยล์ นักฟิสิกส์ชื่อดัง ได้พยายามนำทฤษฎีทางแสงของแสงมาใช้กับทฤษฎีสีโดยจัดพิมพ์หนังสือ Experiments and Discourses Concerning Colours ในลอนดอน ซึ่งเดิมเขียนขึ้นโดยบังเอิญท่ามกลางการทดลองอื่นๆ กับเพื่อน และ แล้วเผยแพร่เป็นจุดเริ่มต้นของประวัติศาสตร์การทดลองของสี "
ประการแรก จิตรกรภูมิทัศน์ให้ความสนใจกับปัญหาในการสร้างพื้นที่ ในยุค 1820-1830 ศิลปินหลายคนมีส่วนร่วมในการศึกษามุมมอง อันดับแรก ควรตั้งชื่อ Vorobyov และ Venetsianov ความประทับใจของความเป็นธรรมชาติในการถ่ายโอนพื้นที่ในงานของพวกเขากลายเป็นเรื่องเด่น ก่อนการเดินทางของ Vorobyov ไปยังตะวันออกกลาง ประธาน Academy of Arts A. N. Olenin ได้มอบ "คำสั่ง" อันยาวเหยียดแก่เขาในวันที่ 14 มีนาคม ค.ศ. 1820 ในบรรดาคำแนะนำเชิงปฏิบัติอื่นๆ คุณสามารถอ่านได้ดังนี้: “คุณจะเริ่มหนีจากทุกสิ่งที่บางครั้งพรสวรรค์ธรรมดาๆ ถูกบังคับให้ประดิษฐ์ขึ้นอย่างแน่นอน เพื่อเพิ่มความแข็งแกร่งให้กับผลงานศิลปะ ฉันพูดเรื่องนี้เกี่ยวกับการกดขี่ข่มเหงที่มีอยู่ในจินตนาการเท่านั้นและไม่ใช่ในธรรมชาติ และถูกใช้โดยจิตรกรที่ไม่รู้ว่าจะพรรณนาถึงธรรมชาติอย่างที่มันเป็นอย่างไร ด้วยความจริงอันน่าทึ่งนั้น ในความคิดของฉัน ทำให้งานศิลปะมีความน่าหลงใหล " Olenin ยืนยันแนวคิดเรื่องการบรรจบกันของงานศิลปะและธรรมชาติมากกว่าหนึ่งครั้ง ตัวอย่างเช่น ในปี ค.ศ. 1831 เขาเขียนว่า “หากการเลือกวัตถุในธรรมชาติสร้างด้วยรสนิยม (ความรู้สึกที่ยากจะนิยามได้เท่ากับความสง่างามที่สุดในศิลปะ) ข้าพเจ้าว่า วัตถุนั้นจะอยู่ใน ในแบบของตัวเอง สง่างาม ในการแสดงออกที่ถูกต้องของธรรมชาตินั่นเอง " รสนิยมเป็นหมวดหมู่ที่โรแมนติก และการค้นหาความสง่างามในธรรมชาติโดยไม่ต้องแนะนำจากภายนอก เป็นความคิดที่วิพากษ์วิจารณ์แนวคิดคลาสสิกของการเลียนแบบ
ในยุค 1820-1830 ภายในกำแพงของ Academy of Arts ทัศนคติต่อการทำงานจากชีวิตค่อนข้างเป็นบวกมากกว่าเชิงลบ FG Solntsev ซึ่งสำเร็จการศึกษาจากชั้นเรียนวาดภาพเหมือนในปี 1824 จำได้ว่าพระผู้ช่วยให้รอดบนไม้กางเขนมักจะถูกดึงมาจากพี่เลี้ยง: "หลังจาก 5 นาที พี่เลี้ยงเริ่มหน้าซีด และจากนั้นพวกเขาก็ถ่ายรูปเขาจนเหนื่อยแล้ว" หลังปี ค.ศ. 1830 Vorobyov หัวหน้าชั้นเรียนภูมิทัศน์ได้รับสิทธิเท่าเทียมกับอาจารย์ด้านจิตรกรรมประวัติศาสตร์และนักเรียนของชั้นเรียนภูมิทัศน์ได้รับอนุญาตให้เปลี่ยนชั้นเรียนการวาดภาพด้วยงานจากธรรมชาติ
ทั้งหมดนี้พูดถึงกระบวนการบางอย่างที่เกิดขึ้นในระบบการสอนของ Academy of Arts
ตัวอย่างเช่น V. I. Grigorovich เขียนในบทความ "Science and Art" (2366): "จุดเด่นของวิจิตรศิลป์ประกอบด้วยการพรรณนาทุกอย่างที่สง่างามและน่ารื่นรมย์" และยิ่งไปกว่านั้น: "ภาพเหมือนของบุคคลซึ่งวาดขึ้นจากชีวิตคือภาพและภาพประวัติศาสตร์ที่จัดและดำเนินการตามกฎของรสนิยมเป็นการเลียนแบบ" หากเราพิจารณาว่าภูมิทัศน์ "ควรเป็นภาพบุคคล" ทิวทัศน์ก็ควรถูกมองว่าเป็นภาพ ไม่ใช่ของเลียนแบบ ตำแหน่งนี้ซึ่งกำหนดโดย Grigorovich เกี่ยวกับภาพเหมือนไม่เห็นด้วยกับภาพสะท้อนของ IF Urvanov เกี่ยวกับภูมิทัศน์ที่กำหนดไว้ในบทความ "A Brief Guide to the Knowledge of Drawing and Painting of a Historical Type, Based on Conception and การทดลอง" (พ.ศ. 2336) "ศิลปะภูมิทัศน์ประกอบด้วยความสามารถในการผสมพันธุ์เป็นวัตถุหลายชนิดของสถานที่ใดแห่งหนึ่งและวาดได้อย่างถูกต้องเพื่อให้มองเห็นได้อย่างเพลิดเพลินและเพื่อให้ผู้ที่มองทิวทัศน์ดังกล่าวจินตนาการว่าพวกเขาเห็น มันอยู่ในธรรมชาติ " ดังนั้น ทฤษฎีคลาสสิกของรัสเซียในแง่หนึ่งจึงเรียกร้องให้ภูมิทัศน์และภาพเหมือนมีความคล้ายคลึงกับธรรมชาติ ส่วนนี้อธิบายเกี่ยวกับย่านคลาสสิกที่ปราศจากความขัดแย้งด้วยการค้นหาที่โรแมนติกในประเภทแนวนอนและแนวตั้ง ในศิลปะโรแมนติก คำถามว่าจะบรรลุถึงความคล้ายคลึงกันนี้ได้อย่างไรนั้นรุนแรงกว่าเท่านั้น ความรู้สึกของธรรมชาติซึ่งแต่งแต้มด้วยทัศนคติของมนุษย์ได้แสดงออกในผลงานของผู้ก่อตั้งภูมิทัศน์รัสเซีย Semyon Shchedrin แม้ว่ามุมมองของ Gatchina, Pavlovsk, Peterhof ที่เขียนโดยเขามีคุณลักษณะขององค์ประกอบบางอย่าง แต่พวกเขาก็ตื้นตันด้วยความรู้สึกของทัศนคติที่ชัดเจนอย่างสมบูรณ์ต่อธรรมชาติ
ในข่าวมรณกรรมของ Semyon Shchedrin IA Akimov เขียนว่า: "การวาดภาพใต้ภาพแรกของเขาโดยเฉพาะอย่างยิ่งในอากาศและระยะทางเขาวาดภาพด้วยทักษะที่ยอดเยี่ยมและประสบความสำเร็จซึ่งเป็นที่ต้องการเพื่อให้ความแน่วแน่และศิลปะแบบเดียวกันจะคงอยู่ในระหว่างการตกแต่ง" ต่อมา Sylvester Shchedrin ในภาพวาดของปรมาจารย์ด้านภูมิทัศน์คลาสสิก F.M. Matveyev กล่าวว่า "บุญหลัก" ซึ่ง "ประกอบด้วยศิลปะในการเขียนแผนระยะยาว"
ในช่วงปลายทศวรรษ 1820 เชดรินหันไปใช้ภาพทิวทัศน์ที่มีดวงจันทร์ เมื่อมองแวบแรก นี่อาจดูเหมือนเป็นการดึงดูดใจให้โรแมนติกตามแบบฉบับ โรแมนติกชอบ "เรื่องราวที่น่าเบื่อในตอนกลางคืน"
ในช่วงกลางทศวรรษ 1820 เครื่องประดับแสนโรแมนติกมากมายในบทกวีได้กลายเป็นเทมเพลต ในขณะที่กำลังถูกค้นพบในการวาดภาพลักษณะที่เป็นรูปเป็นร่างและอารมณ์ของภูมิทัศน์ และโดยเฉพาะอย่างยิ่งบทกวีของกลางคืนและหมอก ยังคงถูกค้นพบ
เชดรินวาดภาพทิวทัศน์ยามค่ำคืนโดยทิ้งงานไว้กับมุมมองอื่นๆ ของอิตาลี ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา เขาได้สร้างภาพวาดที่ยอดเยี่ยม: "Terrace by the Sea" และ "The Mergellina Embankment in Naples" (1827), วิวใน Vico และ Sorrento ทิวทัศน์ของแสงจันทร์ปรากฏขึ้นพร้อมกับระเบียงที่มีชื่อเสียงด้วยเหตุผล พวกเขากลายเป็นความต่อเนื่องตามธรรมชาติของการค้นหาภาพธรรมชาติเชิงลึกที่มีความเชื่อมโยงกับมนุษย์ในหลายแง่มุม การเชื่อมต่อนี้รู้สึกได้ไม่เพียง แต่ต้องขอบคุณคนที่ Shchedrin มักจะรวมไว้ในภูมิประเทศของเขาอย่างเต็มใจ แต่ยังอุดมไปด้วยความรู้สึกของศิลปินซึ่งทำให้แต่ละผืนเคลื่อนไหวเคลื่อนไหว
บ่อยครั้งมากในทิวทัศน์กลางคืน Shchedrin ใช้แสงคู่ ภาพวาด "Naples on a Moonlit Night" ซึ่งเป็นที่รู้จักในหลายเวอร์ชัน (1829) ยังมีแหล่งกำเนิดแสงสองแห่ง - ดวงจันทร์และไฟ ในกรณีเหล่านี้ ตัวแสงเองก็มีความเป็นไปได้ของสีที่แตกต่างกัน เช่น แสงที่เย็นกว่าจากดวงจันทร์และความอบอุ่นจากไฟ ในขณะที่สีในท้องถิ่นจะอ่อนลงอย่างเห็นได้ชัด เนื่องจากมันเกิดขึ้นในเวลากลางคืน การพรรณนาถึงแหล่งกำเนิดแสงสองแห่งดึงดูดศิลปินมากมาย บรรทัดฐานนี้ได้รับการพัฒนาโดย A. A. Ivanov ในสีน้ำ "Ave Maria" (1839), I. K. Aivazovsky ในภาพวาด "Moonlit Night" (1849), K. I. Rabus ในภาพวาด "Spassky Gate in Moscow" (1854) ในการแก้ปัญหาภาพ แรงจูงใจของการส่องสว่างสองครั้งทำให้เกิดปัญหาความสัมพันธ์โดยตรงของแสงและโลกของวัตถุกับศิลปิน
อย่างไรก็ตาม เพื่อที่จะรวบรวมความสมบูรณ์ของภาพสีของโลก ความสวยงามในทันที จิตรกรภูมิทัศน์จึงต้องออกจากเวิร์กช็อปไปในที่โล่งแจ้ง หลังจาก Venetsianov ในภาพวาดของรัสเซีย Krylov ได้ทำความพยายามครั้งแรกในการวาดภาพ "Winter Landscape" (Russian Winter) อย่างไรก็ตาม ศิลปินหนุ่มแทบไม่ตระหนักถึงภารกิจนี้ต่อหน้าเขาเลย
การค้นพบที่สำคัญที่สุดในประเภทภูมิทัศน์ถูกทำเครื่องหมายโดยช่วงทศวรรษที่ 1830 ศิลปินหันไปหาแรงจูงใจทางโลกมากขึ้น ดังนั้นในปี พ.ศ. 2375 MI Lebedev และ ID Skorikov จึงได้รับเหรียญเงินจาก Academy of Arts สำหรับภาพวาดของเกาะ Petrovsky ปีหน้า Lebedev สำหรับภาพวาด "ดูในบริเวณใกล้เคียงทะเลสาบ Ladoga" และ Skorikov สำหรับงาน "ดูใน Pargolovo จาก Shuvalov Park” ได้รับเหรียญทอง ในปี 1834 A. Ya. Kukharevsky สำหรับภาพวาด "View in Pargolovo" และ L. K. Plakhov สำหรับภาพวาด "View in the บริเวณใกล้เคียง Oranienbaum" ก็ได้รับเหรียญทองเช่นกัน ในปี 1838 KV Krugovikhin ได้รับรางวัลเหรียญเงินสำหรับภาพวาด "Night" นักเรียนของ Vorobyov เขียน Pargolovo (ซึ่งเป็นที่ตั้งของกระท่อมของ Vorobyov) บริเวณใกล้เคียง Oranienbaum และทะเลสาบ Ladoga เกาะ Petrovsky โปรแกรมเรียงความไม่ได้เสนอให้คู่แข่งอีกต่อไป หัวข้อจะถูกเลือกโดยพวกเขาอย่างอิสระ ตัวอย่างสำหรับการคัดลอกรวมถึงภาพวาดโดย Sylvester Shchedrin
Vorobiev ผู้สอนชั้นเรียนการวาดภาพทิวทัศน์ที่ Academy of Arts ยังคงทำงานเพื่อเปิดเผยเนื้อหาทางอารมณ์และธรรมชาติต่อไป เขาเลือกโครงเรื่องด้วยจิตวิญญาณแห่งกวีนิพนธ์ที่โรแมนติก ซึ่งเกี่ยวข้องกับบรรยากาศหรือแสงบางส่วน แต่ยังคงแปลกใหม่ที่จะนำคุณลักษณะของการทำสมาธิเชิงปรัชญามาสู่ภูมิทัศน์ อารมณ์ของภูมิทัศน์ "พระอาทิตย์ตกในบริเวณใกล้เคียงของเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก" (1832) ถูกสร้างขึ้นโดยการตัดกันของพื้นที่ส่องสว่างของท้องฟ้าทางตอนเหนือและการสะท้อนกลับในน้ำ เงาที่ชัดเจนของเรือยาวที่ลากเข้าหาฝั่งเน้นระยะทางที่ไร้ขอบเขต ซึ่งธาตุน้ำผสานเข้ากับ "อากาศ" อย่างมองไม่เห็น ภูมิทัศน์ที่วาดภาพเรือที่ยืนอยู่บนชายฝั่งมีน้ำเสียงที่ไพเราะ - แยกออกจากองค์ประกอบน้ำ เรือดูเหมือนจะกลายเป็นคำอุปมาที่หรูหราสำหรับการเดินทางที่ถูกขัดจังหวะซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของความหวังและความตั้งใจที่ไม่บรรลุผล บรรทัดฐานนี้แพร่หลายในภาพวาดของยุคโรแมนติก
ภูมิทัศน์ซึ่งมีจุดมุ่งหมายเพื่อศึกษาธรรมชาติของบรรยากาศนั้นดึงดูด Vorobyov มาโดยตลอด เป็นเวลาหลายปีที่เขาเก็บบันทึกการสังเกตการณ์อุตุนิยมวิทยา ในช่วงกลางทศวรรษ 1830 เขาได้สร้างมุมมองของท่าเรือใหม่ขึ้นที่ด้านหน้า Academy of Arts ซึ่งมีความสำคัญในแง่ของบุญทางศิลปะซึ่งตกแต่งด้วยสฟิงซ์ที่นำมาจากธีบส์โบราณ Vorobyov พรรณนาถึงเธอในช่วงเวลาต่าง ๆ ของวันและปี
ภาพวาด "Neva Embankment ใกล้ Academy of Arts" (1835) มีพื้นฐานมาจากแรงบันดาลใจของเช้าตรู่ของฤดูร้อน กลางคืนสีขาวหายไปอย่างมองไม่เห็น และแสงจากดวงอาทิตย์ที่ต่ำราวกับสัมผัสกับอากาศเหนือเนวาทำให้ภูมิทัศน์มีอารมณ์ที่สว่างไสว ซักผ้าล้างผ้าบนแพข้างท่าเรือ ความใกล้ชิดของสฟิงซ์โบราณกับฉากที่ดูธรรมดานี้เป็นเครื่องยืนยันถึงความสดใสของมุมมองของศิลปินเกี่ยวกับปรากฏการณ์ชีวิต Vorobyov ตั้งใจขจัดความเป็นตัวแทนในลักษณะของภาพโดยเน้นถึงเสน่ห์ของความเป็นธรรมชาติของการเป็น ดังนั้นความสนใจหลักจึงมุ่งเน้นไปที่การแก้ปัญหาที่มีสีสันของภูมิทัศน์ในการแสดงออกของอารมณ์ที่เป็นเอกลักษณ์ แต่ค่อนข้างชัดเจน
ในช่วงกลางทศวรรษ 1830 Vorobyov อยู่ที่จุดสูงสุดของความรุ่งโรจน์ของเขาและอย่างไรก็ตามหลังจากวัฏจักรของมุมมองของท่าเรือที่มีสฟิงซ์เขาเกือบจะทิ้งงานในภูมิประเทศของปีเตอร์สเบิร์ก - เขาเขียนงานที่ได้รับมอบหมายเป็นหลักแก้ไขขั้นตอนการก่อสร้างเซนต์ . วิหารของไอแซค มุมมองของคอนสแตนติโนเปิลและสำหรับตัวเขาเองมุมมองของเนวาในคืนฤดูร้อน จากปีพ. ศ. 2381 ถึง พ.ศ. 2385 นอกเหนือจากคำสั่งอย่างเป็นทางการ "การยกเสาขึ้นสู่มหาวิหารเซนต์ไอแซก" Vorobyov วาดมุมมองเฉพาะของ Pargolov สิ่งนี้บ่งชี้ว่าศิลปินที่เคารพนับถือรู้สึกว่าจำเป็นต้องเพิ่มพูนความรู้เกี่ยวกับธรรมชาติของเขาให้ลึกซึ้งยิ่งขึ้น น่าเสียดายที่ผลการสังเกตเหล่านี้ไม่ได้สะท้อนให้เห็นในงานของเขา ในปี ค.ศ. 1842 ภายใต้ความประทับใจของการเสียชีวิตของภรรยาของเขา Vorobyov ได้วาดภาพสัญลักษณ์ "An Oak Broken by Lightning" ภาพวาดนี้ยังคงเป็นตัวอย่างเดียวของความโรแมนติกเชิงสัญลักษณ์ในงานของเขา
ในบรรดาผู้สำเร็จการศึกษาจากการประชุมเชิงปฏิบัติการภูมิทัศน์ผู้ชนะเลิศเหรียญทอง M.I. Lebedev และ I.K.
ไม่ต้องสงสัยเลย Lebedev จะต้องกลายเป็นหนึ่งในจิตรกรภูมิทัศน์ที่โดดเด่นในยุคของเขา ลงทะเบียนเรียนใน Academy of Arts เมื่ออายุสิบแปดปี เขาได้รับเหรียญทองเหรียญเล็กๆ ในอีกหกเดือนต่อมา และเหรียญใหญ่ในปีหน้า ในช่วงเวลานี้ Lebedev สังเกตธรรมชาติและผู้คนอย่างระมัดระวัง ภูมิทัศน์ "Vasilkovo" (1833) มีอารมณ์ของธรรมชาติและมีความรู้สึกกว้างขวาง ผ้าใบขนาดเล็ก "ในสภาพอากาศที่มีลมแรง" (ทศวรรษ 1830) มีคุณสมบัติเหล่านั้นซึ่งจะกลายเป็นพื้นฐานในงานของศิลปินในภายหลัง Lebedev ไม่สนใจภาพบางประเภท แต่ในการถ่ายทอดความรู้สึกของสภาพอากาศเลวร้ายคือลมพายุ มันแสดงให้เห็นการแตกของเมฆ การบินของนกที่ถูกรบกวน ต้นไม้ที่โค้งงอโดยลมจะได้รับจากมวลทั่วไป แผนแรกเขียนด้วยจังหวะที่ซีดขาวและกระฉับกระเฉง
ในอิตาลี Lebedev ได้รับการพิสูจน์แล้วว่าเป็นนักวาดภาพสีที่โดดเด่นและเป็นนักสำรวจธรรมชาติที่เอาใจใส่ จากอิตาลี เขาเขียนว่า: “เท่าที่เขาจะทำได้ เขาพยายามเลียนแบบธรรมชาติ ให้ความสนใจกับความคิดเห็นที่คุณเคยบอกกับฉันเสมอ: ระยะทาง แสงของท้องฟ้า ความโล่งใจ - เพื่อสลัดกิริยาที่โง่เขลาที่น่ารื่นรมย์ Claude Lorrain, Ruisdael ตัวอย่างจะคงอยู่ชั่วนิรันดร์
แน่นอน Lebedev จดจ่ออยู่กับการทำงานจากชีวิต ไม่เพียงแต่ในขั้นตอนของการสเก็ตช์ แต่ยังอยู่ในกระบวนการสร้างภาพวาดด้วยตัวมันเองด้วย ในช่วงทศวรรษที่ 1830 การวาดภาพทิวทัศน์ได้ขยายขอบเขตของตัวแบบ ความรู้สึกของศิลปินที่มีต่อธรรมชาตินั้นลึกซึ้งยิ่งขึ้น ไม่เพียงแต่เหตุการณ์ในโลกธรรมชาติ: พระอาทิตย์ตก พระอาทิตย์ขึ้น ลม พายุ และอื่นๆ ในทำนองเดียวกัน แต่สภาพชีวิตประจำวันกำลังดึงดูดความสนใจของจิตรกรภูมิทัศน์มากขึ้น
ในข้อความที่ตัดตอนมาจากจดหมายข้างต้น เราสามารถสัมผัสได้อย่างชัดเจนว่า Lebedev จ้องมองไปที่ธรรมชาติ ซึ่งเป็นความเป็นธรรมชาติในการรับรู้ ภูมิทัศน์ของเขาอยู่ใกล้กับผู้ชมมากและไม่ค่อยครอบคลุมพื้นที่ขนาดใหญ่ ศิลปินเห็นงานสร้างสรรค์ของเขาในการอธิบายโครงสร้างของอวกาศ สถานะของแสง ความเชื่อมโยงกับปริมาตรของวัตถุ - "ระยะทาง แสงของท้องฟ้า ความโล่งใจ" การตัดสินของ Lebedev นี้หมายถึงการล่มสลายของปี 1835 เมื่อเขาเขียน Ariccia
ในฐานะศิลปิน Lebedev พัฒนาขึ้นอย่างรวดเร็ว และเป็นการยากที่จะจินตนาการว่าเขาจะประสบความสำเร็จได้อย่างไรหากไม่ใช่เพราะความตายก่อนวัยอันควร ในภาพวาดของเขา เขาเดินตามเส้นทางของงานสีที่ซับซ้อน ความกลมกลืนของสีของธรรมชาติ และไม่ได้หลีกเลี่ยงการเขียนเรื่องราวใน "ดวงอาทิตย์เปิด" Lebedev เขียนได้อย่างอิสระและโดดเด่นกว่า Vorobyov เขาเป็นจิตรกรรุ่นใหม่แล้ว
Aivazovsky นักเรียนที่รู้จักกันดีของ Vorobyov อีกคนก็พยายามเขียนจากชีวิตตั้งแต่ฝึกงาน เขาถือว่าซิลเวสเตอร์ เชดรินเป็นแบบอย่างให้กับตัวเอง ในฐานะนักเรียนของ Academy เขาทำสำเนาภาพวาดของ Shchedrin เรื่อง "View in Amalfi near Naples" และหลังจากมาถึงอิตาลีแล้ว เขาเริ่มวาดภาพชีวิตในลวดลายซอร์เรนโตและอมาลฟีถึงสองครั้งซึ่งเขารู้จักจากภาพวาดของเชดริน แต่ไม่มีมาก ความสำเร็จ.
ทัศนคติต่อธรรมชาติของ Aivazovsky มาจากกวีนิพนธ์แนวโรแมนติก แต่ควรสังเกตว่า Aivazovsky มีความทรงจำเกี่ยวกับสีแบบเฉียบพลันและเติมเต็มด้วยการสังเกตธรรมชาติอย่างต่อเนื่อง จิตรกรทางทะเลที่มีชื่อเสียงซึ่งอาจจะเป็นมากกว่านักเรียนคนอื่น ๆ ของ Vorobyov อยู่ใกล้กับครูของเขา แต่เวลาเปลี่ยนไปและหากผลงานของ Vorobyov ในบทวิจารณ์ทั้งหมดสมควรได้รับการยกย่องอย่างต่อเนื่อง Aivazovsky ก็ได้รับการประณามพร้อมกับการสรรเสริญ
ในขณะที่ยอมรับผลกระทบในการวาดภาพ โกกอลปฏิเสธพวกเขาในวรรณคดีโดยสิ้นเชิง แต่ในการวาดภาพ กระบวนการของการเคลื่อนไหวจากเอฟเฟกต์ภายนอกไปจนถึงการพรรณนาถึงสภาพธรรมชาติในชีวิตประจำวันได้เริ่มต้นขึ้นแล้ว
V.I.Sternberg ทำงานในเวลาเดียวกันกับ Lebedev เขาจบการศึกษาจากชั้นเรียนภูมิทัศน์ของ Academy of Arts ในปี 1838 ด้วยเหรียญทองขนาดใหญ่สำหรับภาพวาด "Lighting the beads in a Little Russian village" ไม่ได้แต่ง แต่ทาสีจากธรรมชาติ แม้ว่าสเติร์นเบิร์กจะวาดภาพทิวทัศน์ที่น่าสนใจจำนวนหนึ่ง แต่ในงานของเขา เขารู้สึกดึงดูดใจอย่างมากต่อการวาดภาพแนวประเภท ในงานแข่งขัน เขารวมภูมิทัศน์กับการวาดภาพประเภท การประสานกันดังกล่าวทำให้เขาใกล้ชิดกับประเพณีของชาวเวนิสและปัญหาที่ได้รับการแก้ไขในภาพวาดรัสเซียในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19
ภาพวาดขนาดเล็กโดย Sternberg "In" Kachanovka " ที่ดินของ GS Tarnovsky" นั้นมีเสน่ห์อย่างยิ่ง มันแสดงให้เห็นนักแต่งเพลง M.I. Glinka นักประวัติศาสตร์ N.A. Markevich เจ้าของ Kachanovka, G. S. Tarnovsky และตัวศิลปินเองที่ขาตั้ง องค์ประกอบประเภทนี้ "ในห้อง" เขียนได้อย่างอิสระและเต็มตา แสงและสีถ่ายทอดได้อย่างชัดเจนและน่าเชื่อถือ พื้นที่ขนาดใหญ่เปิดออกนอกหน้าต่าง ในงานที่เสร็จแล้วสเติร์นเบิร์กถูก จำกัด มากขึ้นในนั้นใคร ๆ ก็เดาได้เพียงว่าพรสวรรค์ของศิลปินคือวิสัยทัศน์ทั่วไปและพรสวรรค์ของนักสี
ท่ามกลางปัญหามากมายที่เป็นจุดศูนย์กลางของความสนใจของ Alexander Ivanov สถานที่สำคัญถูกครอบครองโดยความสัมพันธ์ของประเภทต่าง ๆ การค้นพบใหม่ของความเป็นไปได้ของการวาดภาพด้วยสีและสุดท้ายคือวิธีการทำงานบนภาพวาด ภาพร่างภูมิทัศน์โดย Alexander Ivanov กลายเป็นการค้นพบอากาศบริสุทธิ์สำหรับการวาดภาพรัสเซีย ราวปี 1840 Ivanov ตระหนักถึงการพึ่งพาสีของวัตถุและพื้นที่บนแสงแดด ทิวทัศน์สีน้ำในเวลานี้และภาพสเก็ตช์สีน้ำมันสำหรับ "The Appearance of the Messiah" เป็นเครื่องยืนยันถึงความเอาใจใส่อย่างใกล้ชิดของศิลปินในสี Ivanov คัดลอกอาจารย์เก่าอย่างมากและขยันขันแข็งและในเวลาเดียวกันรู้สึกชัดเจนยิ่งขึ้นถึงความแตกต่างระหว่างโลกทัศน์ของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาและศตวรรษที่ 19 ผลสืบเนื่องตามธรรมชาติของข้อสรุปดังกล่าวอาจเป็นเพียงการศึกษาธรรมชาติอย่างถี่ถ้วนเท่านั้น ในงานของ Alexander Ivanov วิวัฒนาการของภาพวาดของรัสเซียเปลี่ยนจากระบบคลาสสิกไปจนถึงการพิชิต plein-air นั้นเสร็จสมบูรณ์ในทางปฏิบัติ Ivanov ได้สำรวจความสัมพันธ์ทางวิภาษระหว่างแสงและสีในสเก็ตช์มากมายที่สร้างจากชีวิต โดยแต่ละครั้งจะเน้นไปที่งานเฉพาะ ในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 งานดังกล่าวต้องใช้ความพยายามของไททานิคจากศิลปิน อย่างไรก็ตาม Alexander Ivanov ได้แก้ปัญหาเกือบทั้งหมดที่เกี่ยวข้องกับการวาดภาพในที่โล่งในภาพร่างของยุค 1840 ด้วยความสอดคล้องดังกล่าวไม่มีผู้ร่วมสมัยของเขาแก้ปัญหาดังกล่าวได้ Ivanov ตรวจสอบอัตราส่วนสีของโลก หิน และน้ำ ร่างกายเปลือยเปล่าเทียบกับพื้นหลังของโลก และในภาพร่างอื่นๆ เทียบกับพื้นหลังของท้องฟ้าและพื้นที่ที่มีความยาวมาก อัตราส่วนของความเขียวขจีของระนาบใกล้และไกล และ ชอบ. เวลาในภาพสเก็ตช์ภูมิทัศน์ของ Ivanov ได้มาซึ่งความหมายเฉพาะ มันไม่ใช่เวลาโดยทั่วไป แต่เป็นช่วงเวลาเฉพาะซึ่งมีลักษณะเฉพาะด้วยแสงนี้
วิธีการทำงานของ Ivanov นั้นไม่ชัดเจนสำหรับผู้ร่วมสมัยทุกคน แม้แต่ในปี 1876 จอร์แดนซึ่งกำลังเขียนบันทึกความทรงจำของเขาอาจไม่เข้าใจอย่างถ่องแท้ว่า Ivanov กำลังยุ่งอยู่กับการศึกษาวิธีการใหม่ในการทำซ้ำความเป็นจริง และปัญหาเร่งด่วนที่สุดของวิธีนี้ก็คือการทำงานในที่โล่ง ในสายตาของ Ivanov ธรรมชาติมีคุณค่าทางสุนทรียะเชิงวัตถุ ซึ่งเป็นที่มาของภาพที่ลึกซึ้งกว่าการเชื่อมโยงระหว่างหลักประกันและอุปมานิทัศน์ที่เข้าใจยาก
ตามกฎแล้วศิลปินโรแมนติกไม่ได้ตั้งเป้าหมายในการทำซ้ำธรรมชาติในความหลากหลายทั้งหมดของวัตถุประสงค์ ดังที่เราเห็นได้จากตัวอย่างงานของ Vorobyov วัสดุในการเตรียมการเต็มรูปแบบจำกัดเฉพาะภาพวาดดินสอ สีน้ำสีดำ หรือซีเปีย ซึ่งให้เฉพาะลักษณะโทนสีของภูมิทัศน์เท่านั้น บางครั้งการสเก็ตช์ภาพแบบเต็มรูปแบบเป็นภาพวาด แต่งแต้มด้วยสีน้ำเล็กน้อยเพื่อกำหนดความสัมพันธ์ที่อบอุ่นและเย็น ลักษณะสีของภูมิทัศน์ในสายตาของคู่รัก และสิ่งนี้สอดคล้องกับประเพณีการวาดภาพแบบคลาสสิก จะต้องถูกกำหนดด้วยตัวเองอันเป็นผลมาจากการค้นหาสีทั่วไป ประการแรก ความโรแมนติกถูกจำกัดด้วยความจริงที่ว่าความสัมพันธ์ในโทนสีสว่างยังคงเป็นศูนย์กลางของความสนใจของพวกเขา นี่คือวิธีที่ Vorobyov มองเห็นธรรมชาติ นี่คือวิธีที่เขาสอนให้มองเห็นธรรมชาติและสัตว์เลี้ยงของเขา ในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 มุมมองดังกล่าวค่อนข้างเป็นธรรมชาติเพราะได้รับการอุทิศตามประเพณี
ในช่วงกลางทศวรรษ 1850 หนุ่ม A.K.Savrasov ได้รับคำแนะนำในการค้นหาวิธีการทำงานที่คล้ายคลึงกัน เขาอยู่ใกล้กับโรงเรียนของ Vorobyov ด้วยครู Rabus ที่เรียนกับ Vorobyov ในปี 1848 Savrasov คัดลอก Aivazovsky มีความสนใจในผลงานของ Lebedev และ Sternberg ทิศทางในการวาดภาพทิวทัศน์ซึ่งเริ่มโดย Sylvester Shchedrin และดำเนินการต่อโดย Lebedev ได้แพร่หลายไปในช่วงกลางศตวรรษที่ 19 ในเวลานี้ แนวโรแมนติกที่โอบรับทุกอย่างตามหลักวิชา แต่ในทางปฏิบัติมีข้อจำกัด ไม่สามารถรักษาบทบาทของการชี้นำในงานศิลปะได้อีกต่อไป
รากฐานของความรักนั้นมั่นคง แต่ความสัมพันธ์ระหว่างคู่รักกับธรรมชาติจำเป็นต้องมีวิวัฒนาการบางอย่าง หนึ่งในศิลปินที่พัฒนาแนวคิดของ Venetsianov เกี่ยวกับความเป็นอันดับหนึ่งของธรรมชาติคือ G.V. Soroka ในภูมิทัศน์ฤดูหนาว "ปีกในเกาะ" (ครึ่งแรกของปี 1840) นกกางเขนลงสีเงาบนหิมะอย่างมั่นใจ ศิลปินที่มีความสามารถคนนี้โดดเด่นด้วยความรักในสีขาว เขามักจะรวมผู้คนในชุดสีขาวไว้ในทิวทัศน์ เห็นความสามารถของสีที่ไม่มีสีที่จะทาสีขึ้นอยู่กับแสง ความจริงที่ว่า Soroka ตั้งใจทำภารกิจเกี่ยวกับสีโดยสังเกตการเปลี่ยนแปลงของสีอย่างรอบคอบ แสดงให้เห็นได้จากทิวทัศน์ที่แสดงช่วงเวลาต่างๆ ของวัน ตัวอย่างเช่น ภาพวาด "ทิวทัศน์ของทะเลสาบมอลดิโน" (ไม่เกินปี 1847) แสดงถึงสภาพของธรรมชาติในแสงยามเช้า ศิลปินสังเกตเงาสีและการแสดงแสงสีที่ซับซ้อนบนเสื้อผ้าสีขาวของชาวนา ในภาพวาด "ชาวประมง" (ครึ่งหลังของปี 1840) Soroka ถ่ายทอดแสงสองครั้งได้อย่างแม่นยำมาก - แสงที่อบอุ่นจากพระอาทิตย์ตกและแสงเย็นจากท้องฟ้าสีคราม
ความจริงใจของศิลปิน สัมผัสอันละเอียดอ่อนของความงามของการแสดงออกในชีวิตประจำวันของธรรมชาติทำให้ผลงานของ Soroka มีเสน่ห์และบทกวี
ผลงานของ Sylvester Shchedrin, MI Lebedev, GB Soroka เป็นพยานถึงความจริงที่ว่าการอุทธรณ์ของ A. A. Ivanov ในการทำงานในที่โล่งไม่ได้เป็นผลงานพิเศษของผู้โดดเดี่ยว แต่เป็นเวทีธรรมชาติในการพัฒนาภาพวาดของรัสเซีย
ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก Ivanov ได้แสดงภาพพร้อมกับภาพร่างเตรียมการ มันเป็นช่วงเวลาที่งานระยะยาวของ Ivanov ซึ่งสร้างขึ้นอย่างที่ศิลปินเองกล่าวว่า "โรงเรียน" ยังไม่ได้รับความชื่นชมอย่างเต็มที่จากทุกคน ตัวอย่างของ Ivanov นั้นยากโดยเฉพาะอย่างยิ่งหลังจาก "เจ็ดปีที่มืดมน" เมื่อทุกสิ่งที่อยู่นอกเหนือระบบที่ยอมรับกันทั่วไปถูกข่มเหง การวาดภาพทิวทัศน์ก็ไม่มีข้อยกเว้น อ้างอิงจาก BF Yegorov ผู้เซ็นเซอร์ได้ลบข้อความนี้ "เพราะกลัวความเข้าใจทางทฤษฎีที่ซับซ้อนของธรรมชาติและสังคม - คุณไม่มีทางรู้ว่าพวกเขาสามารถตีความวิภาษวิธีดังกล่าวได้อย่างไร!"
ในช่วงปลายทศวรรษ 1840 และ 1850 Academy of Arts ซึ่งอยู่ภายใต้เขตอำนาจของกระทรวงราชสำนักและสมาชิกในราชวงศ์ในฐานะประธานาธิบดี กลายเป็นองค์กรระบบราชการ สถาบันการศึกษามีการผูกขาดในการมอบเหรียญเงินและเหรียญทองให้กับศิลปินในการเข้าร่วมโปรแกรมการแข่งขัน ความพยายามที่จะรักษาสิทธิ์ดังกล่าวสำหรับโรงเรียนจิตรกรรมและประติมากรรมแห่งมอสโกถูกปฏิเสธอย่างแน่นหนา ประเพณีของศิลปะเชิงวิชาการปกป้องประเภทประวัติศาสตร์อย่างกระตือรือร้นซึ่งเรื่องราวจากประวัติศาสตร์ถูกเสนอให้คู่แข่งน้อยกว่าเรื่องราวจากตำนานหรือพระคัมภีร์ นอกจากนี้ยังเสนอให้วาดภาพตามมาตรฐานบางอย่าง: พล็อตเป็นตัวเป็นตนตามกฎองค์ประกอบที่กำหนดไว้ล่วงหน้าการแสดงออกทางสีหน้าและท่าทางของตัวละครโดดเด่นด้วยการแสดงออกโดยเจตนาความสามารถในการเขียนผ้าม่านและผ้าได้อย่างมีประสิทธิภาพคือ ที่จำเป็น.
ในขณะเดียวกันในช่วงกลางทศวรรษ 1840 "โรงเรียนธรรมชาติ" ได้ประกาศตัวเองอย่างชัดเจนในวรรณคดีซึ่งต่อสู้เพื่อเกียรติยศและศักดิ์ศรีของบุคคล ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา Belinsky ได้พัฒนามุมมองของสัญชาติในงานศิลปะและทำความเข้าใจเกี่ยวกับสัญชาติเป็นปรากฏการณ์ที่รวมเอาชาวบ้าน ชาติ และมนุษยชาติเข้าเป็นหนึ่งเดียว ความคิดกำลังสุกงอม โดยเน้นย้ำถึงความจำเป็นในการเปลี่ยนแปลงทางสังคมที่รุนแรงในรัสเซีย ช่วงเปลี่ยนผ่านของทศวรรษ 1850-1860 ได้เปิดเวทีราซโนชินแห่งใหม่ในประวัติศาสตร์ของปัญญาชนชาวรัสเซีย
ภายใต้อิทธิพลของเขา ได้มีการพัฒนาโปรแกรมด้านสุนทรียะของศิลปะรัสเซีย รากฐานของมันถูกวางโดย Belinsky และได้รับการพัฒนาเพิ่มเติมในผลงานของ N. G. Chernyshevsky และ N. A. Dobrolyubov การต่อสู้ดิ้นรนเพื่อศิลปะเชิงอุดมการณ์ เนื่องจากมีเนื้อหาเกี่ยวกับสุนทรียศาสตร์ที่ไม่อาจแยกออกจากอุดมคติ "คุณธรรมและการเมือง" ที่เป็นประชาธิปไตยได้ เบลินสกี้เห็นงานวรรณกรรมหลักของภาพสะท้อนของชีวิต การพัฒนามุมมองของ Belinsky Chernyshevsky ในวิทยานิพนธ์ที่มีชื่อเสียงของเขาได้กำหนดคุณสมบัติหลักของศิลปะประชาธิปไตยที่ค่อนข้างกว้าง: การสืบพันธุ์ของชีวิตคำอธิบายของชีวิตประโยคเกี่ยวกับชีวิต "คำตัดสิน" ที่ผู้เขียนต้องการไม่เพียงแต่ตำแหน่งพลเมืองบางตำแหน่ง ความรู้เกี่ยวกับชีวิต แต่ยังรวมถึงความรู้สึกของมุมมองทางประวัติศาสตร์ด้วย
ในชะตากรรมของการวาดภาพทิวทัศน์ของรัสเซียในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษ Savrasov มีบทบาทพิเศษ: เขาไม่เพียง แต่เป็นศิลปินที่มีความสามารถ แต่ยังเป็นครูด้วย ตั้งแต่ปี พ.ศ. 2400 Savrasov เป็นหัวหน้าชั้นเรียนจิตรกรรมภูมิทัศน์ที่โรงเรียนมอสโกเป็นเวลายี่สิบห้าปี เขาแนะนำนักเรียนให้ทำงานอย่างไม่ลดละ เรียกร้องให้พวกเขาวาดภาพร่างด้วยน้ำมัน สอนให้พวกเขามองหาความงามด้วยแรงจูงใจที่ไม่โอ้อวดที่สุด
ทัศนคติใหม่ต่อภูมิทัศน์เป็นตัวเป็นตนในภาพวาดโดย V. G. Schwartz "รถไฟสปริงของราชินีในการแสวงบุญภายใต้ซาร์อเล็กซี่มิคาอิโลวิช" (1868) ศิลปินเหมาะกับฉากประวัติศาสตร์ประเภทในภูมิทัศน์ที่กว้างใหญ่ ในปี ค.ศ. 1848 Aivazovsky ตัดสินใจคล้ายคลึงกันเกี่ยวกับภาพประวัติศาสตร์ในภาพวาด "Brig Mercury" หลังจากเอาชนะเรือตุรกีสองลำเขาได้พบกับฝูงบินรัสเซีย " โครงเรื่องของภาพไม่ได้ขึ้นอยู่กับภาพของการต่อสู้ แต่ขึ้นอยู่กับการกระทำที่ตามมาซึ่งเผยให้เห็นเบื้องหลัง ภูมิทัศน์และเหตุการณ์ที่ปรากฎขึ้นในความสามัคคีที่ไม่ละลายน้ำซึ่งภาพประวัติศาสตร์ไม่เคยรู้มาก่อน
ภูมิทัศน์ในภาพวาดของรัสเซียค่อยๆได้รับความสำคัญมากขึ้นเรื่อย ๆ และคนที่เข้าใจได้มากที่สุดก็เดาวิธีการพัฒนาต่อไป
ภายในปี พ.ศ. 2413 กระบวนการภายในที่เกิดขึ้นในการวาดภาพเริ่มมีความกระตือรือร้นมากขึ้น การสำแดงที่สำคัญที่สุดอย่างหนึ่งของแนวโน้มใหม่คือการก่อตั้งสมาคมนิทรรศการศิลปะการเดินทาง
ผลงานของ Repin และ Vasiliev จากแม่น้ำโวลก้าสร้างความประทับใจให้เขาอย่างมาก และ Polenov เขียนถึงครอบครัวของเขาว่า "เราจำเป็นต้องเขียนภาพสเก็ตช์จากธรรมชาติและทิวทัศน์เพิ่มเติม"
ระหว่างการเดินทางไปอิตาลีเพื่อเกษียณอายุ Polenov ตั้งข้อสังเกตเป็นพิเศษว่า: "ภูเขาในภาพและรูปถ่ายไม่น่าประทับใจเท่าในอากาศจริง" เกี่ยวกับภาพวาดของกุยโด เรนี เขาเขียนว่า: "ภาพวาดของกุยโด เรนี ดูเหมือนเราจะเป็นเพียงสีที่คัดสรรมาเท่านั้น ซึ่งไม่เกี่ยวอะไรกับแสง อากาศ หรือสสาร" ข้อสังเกตเหล่านี้ยังไม่ได้รวมเข้ากับโปรแกรมที่แน่นอน แต่ในนั้น เราสามารถสัมผัสได้ถึงความตระหนักในวิธีการใหม่ๆ ในการวาดภาพ ศิลปินหนุ่มมองเห็นภาพเหล่านี้ในเชิงลึกของความเป็นไปได้ในการถ่ายภาพ ในบทสนทนาที่จริงใจกับความเป็นจริง
ในตอนต้นของปี พ.ศ. 2417 ซึ่งลงไปในประวัติศาสตร์ศิลปะด้วยการเปิดนิทรรศการครั้งแรกของอิมเพรสชั่นนิสต์ในหอศิลป์นาดาร์บนถนนบูเลอวาร์ด Kapucinok Kramskoy ที่มีประสบการณ์และเข้าใจได้สะท้อนถึงชะตากรรมของภาพวาดรัสเซียในงานทันที , เขียนถึง Repin หนุ่ม: ตามนิพจน์ Gospel ที่เป็นรูปเป็นร่าง "ก้อนหินที่จะพูด" สำหรับ Repin วลีสุดท้ายมีความสำคัญ เนื่องจากตามธรรมเนียมแล้ว บทบาทของการวาดภาพในภาพวาดของรัสเซียนั้นอยู่ในระดับสูงเสมอ และศิลปินก็มั่นใจว่าเมื่อย้ายไปที่อากาศบริสุทธิ์ไม่ควรมองข้ามภาพวาด
กลับจากการเดินทางเกษียณอายุ Polenov ตั้งรกรากในมอสโกซึ่งเขาสร้างภาพร่าง plein air ซึ่งยอดเยี่ยมในการวาดภาพสำหรับภาพวาดที่ยังไม่เกิดขึ้น "Tons of the Unsuitable Princess" และภาพวาด "Moscow Courtyard" (1878) ภาพวาด "สวนคุณยาย" (1878) ติดกับ "ลานมอสโก" ในวิธีแก้ปัญหาที่เป็นรูปเป็นร่างและงดงาม เธอรวมถึงผลงานอีกสองชิ้นคือ "Anglers" และ "Summer" (ทั้งปี 2421) Polenov จัดแสดงในนิทรรศการ VII ของสมาคมการท่องเที่ยวในปี 2422
ในตอนท้ายของปี 2424 โพเลนอฟเดินทางไปตะวันออกกลางเพื่อรวบรวมวัสดุสำหรับภาพวาด ภาพสเก็ตช์แนวตะวันออกและเมดิเตอร์เรเนียนของเขาโดดเด่นด้วยความกล้าหาญและทักษะด้านสีสัน
ตั้งแต่ปี พ.ศ. 2425 เป็นต้นมา Polenov ได้เข้ามาแทนที่ Savrasov ในการสอนที่โรงเรียนจิตรกรรม ประติมากรรม และสถาปัตยกรรมแห่งมอสโก Polenov ยังมีอิทธิพลอย่างมากต่องานของผู้ร่วมสมัยของเขาโดยเฉพาะจิตรกรภูมิทัศน์ I. I. Levitan, I. S. Ostroukhov, S. I. Svetoslavsky และอื่น ๆ
ในช่วงต้นทศวรรษ 1870 Shishkin ยังคงทำงานต่อไป ด้วยความชำนาญในศิลปะการวาดภาพ เขาวาดภาพจากธรรมชาติอย่างไม่ลดละ วันละสองหรือสามภาพ เขาชื่นชมความรู้ของป่าโดย Shishkin Kramskoy อย่างมาก
ภาพของหมอกในตอนเช้าเมื่อแสงแดดส่องผ่านใบไม้ของต้นไม้แทบจะไม่ได้ กลายเป็นภาพเขียนที่โด่งดังที่สุดชิ้นหนึ่งของ Shishkin เรื่อง "Morning in a Pine Forest" (1889) ป่าครอบครองพื้นที่ทั้งหมดของภาพ ต้นไม้ถูกทาสีในขนาดใหญ่ ในหมู่พวกเขามีหมีนั่งลงบนต้นสนที่ร่วงหล่น ในแนวทางที่คล้ายคลึงกันกับภาพทิวทัศน์เป็นการคาดเดาบางสิ่งที่โรแมนติก แต่นี่ไม่ใช่การทำซ้ำของอดีต ypOKOBs ไม่ใช่การขีดเส้นใต้เทียม
สีของสภาวะธรรมชาติที่ไม่ปกติ และมองปรากฏการณ์ปกติของธรรมชาติให้แหลมคมขึ้น ตำนานทั้งหมดเหล่านี้เป็นพยานว่าภาพวาดของ Kuindzhi ผิดปกติในช่วงเวลานั้นอย่างไร
ความคิดสร้างสรรค์ของ Kuindzhi พัฒนาขึ้นอย่างรวดเร็ว สะท้อนให้เห็นถึงขั้นตอนของการพัฒนาที่การวาดภาพทิวทัศน์ร่วมสมัยได้ผ่านพ้นไปในระดับหนึ่ง Kuindzhi มีวิสัยทัศน์เกี่ยวกับสีที่เฉียบแหลม: ความแตกต่างของความสัมพันธ์ของสีและความรู้สึกที่ละเอียดอ่อนของการไล่โทนสีของโทนสีทำให้ภาพวาดของเขามีความหมายบางอย่าง ภาพวาดของศิลปินเต็มไปด้วยความรู้สึกของพลังแห่งธรรมชาติ อากาศ และแสงที่ให้ชีวิต ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ Repin เรียก Kuindzhi ว่าเป็นศิลปินแห่งแสง แรงจูงใจที่ไม่ธรรมดา - ที่ราบกว้างใหญ่ในทะเลทรายที่ไม่มีที่สิ้นสุดซึ่งเป็นหมู่บ้านยูเครนที่ไม่รู้จักซึ่งส่องสว่างด้วยพระอาทิตย์ตกหรือดวงจันทร์ก็กลายเป็นจุดสนใจของความงามภายใต้แปรงของเขา
นักเรียนของ Kuindzhi หลายคนมีส่วนสำคัญในการพัฒนาศิลปะรัสเซีย K. F. Bogaevsky, A. A. Rylov, V. Yu. Purvit, N. K. Roerich และศิลปินคนอื่น ๆ เริ่มก้าวแรกในงานศิลปะภายใต้การแนะนำของอาจารย์
ในช่วงเวลาที่ชื่อเสียงของ Kuindzhi ถึงจุดสุดยอด ภาพวาด "Autumn Day. Sokolniki "(2422) เปิดตัวโดย II Levitan มันถูกซื้อโดย P.M. Tretyakov สำหรับแกลเลอรี่ Levitan เริ่มวาดภาพภูมิทัศน์ครั้งแรกของเขาภายใต้การแนะนำของ Savrasov ที่โรงเรียนจิตรกรรม ประติมากรรม และสถาปัตยกรรมมอสโก เขามีพรสวรรค์ในการสรุปซึ่งสามารถเดาได้ในแบบร่างเล็ก ๆ "วันฤดูใบไม้ร่วง โซโคลนิกิ ". มันดึงดูดสิ่งแรกด้วยโซลูชันสี แต่ไม่เพียง แต่แรงจูงใจในฤดูใบไม้ร่วงซึ่งทำให้สามารถถ่ายทอดความรู้สึกของอากาศชื้นได้ทำให้ศิลปินหนุ่มสนใจ ในปีต่อ ๆ มาเขาวาดภาพทิวทัศน์ที่มีแดดจัดจำนวนหนึ่ง - "โอ๊ค" (1880), "สะพาน" (1884), "หิมะสุดท้าย" (1884) Levitan เชี่ยวชาญด้านความเป็นไปได้ของสี ซึ่งสอดคล้องกับสภาวะธรรมชาติในช่วงเวลาต่างๆ ของปีและในช่วงเวลาต่างๆ ของวัน Polenov ดึงความสนใจของศิลปินในการแก้ปัญหา plein-air ซึ่ง Levitan ศึกษามาเกือบสองปี Korovin ระลึกถึงบทเรียนของ Polenov ที่โรงเรียนมอสโก: "เขาเป็นคนแรกที่พูดถึงภาพวาดที่บริสุทธิ์ตามที่เขียนพูดถึงความหลากหลายของสี" หากปราศจากความรู้สึกสีที่พัฒนาแล้ว ก็คงเป็นไปไม่ได้ที่จะถ่ายทอดอารมณ์และความงามของแรงจูงใจในแนวนอน หากปราศจากความรู้เกี่ยวกับความสำเร็จของการวาดภาพด้วยลม plein ประสบการณ์ในการใช้ความเป็นไปได้ของสีก็เป็นเรื่องยากที่จะถ่ายทอดความรู้สึกของธรรมชาติโดยตรง .
ในปี พ.ศ. 2429 เลวีแทนได้เดินทางไปที่แหลมไครเมีย ธรรมชาติที่แตกต่างกัน แสงที่แตกต่างกันทำให้ศิลปินรู้สึกได้อย่างชัดเจนมากขึ้นถึงความไม่ชอบมาพากลของธรรมชาติของภูมิภาคมอสโก ซึ่งเขามักจะวาดจากธรรมชาติ ทำให้ความคิดของเขาลึกซึ้งยิ่งขึ้นเกี่ยวกับความเป็นไปได้ของแสงและสี เลวีแทนมักถูกขับเคลื่อนด้วยความปรารถนาที่ไม่สามารถควบคุมได้ในการถ่ายทอดความรักที่มีต่อโลกอันกว้างใหญ่รอบตัวเขา ในจดหมายฉบับหนึ่งของเขา เขายอมรับอย่างขมขื่นในความไร้อำนาจของเขาในการถ่ายทอดความงามอันไม่รู้จบของสิ่งแวดล้อม ซึ่งเป็นความลับที่อยู่ลึกที่สุดในธรรมชาติ
ชายชรา Aivazovsky ยังคงวาดองค์ประกอบของทะเลต่อไป ในปีพ.ศ. 2424 เขาได้สร้างผลงานที่ดีที่สุดชิ้นหนึ่งของเขาคือ The Black Sea ซึ่งทำให้ผู้ชมประหลาดใจด้วยพลังที่เข้มข้นของภาพ ภาพวาดนี้ตามแผนแรกควรจะแสดงถึงจุดเริ่มต้นของพายุในทะเลดำ แต่ในระหว่างการทำงาน Aivazovsky ได้เปลี่ยนวิธีแก้ปัญหาเฉพาะเรื่องสร้าง "ภาพเหมือน" ของทะเลกบฏซึ่งมีพายุ ออกกำลังอย่างท่วมท้น
สถานที่พิเศษถูกครอบครองโดยภาพวาดของ Aivazovsky ซึ่งวาดระหว่างสงครามรัสเซีย - ตุรกีในปี 2420-2421 Aivazovsky กลายเป็นผู้บันทึกเหตุการณ์สมัยใหม่ที่เกิดขึ้นในทะเล แต่ถ้าก่อนหน้านี้เขาเขียนการกระทำอันรุ่งโรจน์ของเรือเดินทะเลตอนนี้พวกเขาถูกแทนที่ด้วยรูปเรือกลไฟ
มีพื้นฐานมาจากเหตุการณ์ทางประวัติศาสตร์บางอย่าง และถึงแม้ว่างานเหล่านี้จะไม่ใช่งานภูมิทัศน์โดยพื้นฐานแล้ว แต่สามารถวาดได้โดยศิลปินที่เชี่ยวชาญด้านศิลปะของท่าจอดเรือเท่านั้น Polenov ยังอยู่ในโรงละครของการปฏิบัติการทางทหารในปี 2420-2421 แต่เขาไม่ได้วาดภาพการต่อสู้ จำกัด ตัวเองให้อยู่ในภาพร่างเต็มรูปแบบที่พรรณนาถึงชีวิตของกองทัพและอพาร์ตเมนต์หลัก ในนิทรรศการของสมาคมการท่องเที่ยวซึ่งจัดขึ้นในปี 2421 ที่กรุงมอสโก Polenov จัดแสดงเฉพาะงานภูมิทัศน์เท่านั้น
แนวโรแมนติกที่แข็งแกร่งยังคงอยู่ในผลงานของจิตรกรภูมิทัศน์ L.F. Lagorio เช่นเดียวกับ Aivazovsky เขาวาดภาพทะเล แต่ในงานของเขามีความหลงใหลน้อยกว่า Lagorio ศิลปินรุ่นก่อนไม่สามารถปฏิเสธทักษะและเทคนิคที่ได้รับในระหว่างปีการศึกษาที่ Academy of Arts จาก M.N. Vorobiev และ B.P. Villevalde ภาพวาดของเขามักมีรายละเอียดมากมายและขาดความสมบูรณ์ทางศิลปะ การระบายสีไม่ได้มีความเกี่ยวข้องมากนักกับการระบุความสัมพันธ์ของสีจริงว่าเป็นการตกแต่ง สิ่งเหล่านี้สะท้อนถึงความโรแมนติกในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 ภาพวาดของ Lagorio ถูกประหารชีวิตด้วยทักษะ ในภาพเขียน "Batum" (1881), "Alushta" (1889) เขาแสดงให้เห็นท่าเรือทะเลดำอย่างซื่อสัตย์ น่าเสียดายที่ศิลปินไม่สามารถพัฒนาคุณสมบัติภาพเหล่านั้นที่เห็นได้ชัดเจนในผลงานของยุค 1850 ในปี พ.ศ. 2434 ลาโกริโอได้เขียนภาพเขียนเกี่ยวกับเหตุการณ์ในสงครามรัสเซีย - ตุรกีในปี พ.ศ. 2420-2421 แต่งานเหล่านี้อยู่ห่างไกลจากปัญหาของการวาดภาพทิวทัศน์สมัยใหม่
ทศวรรษสุดท้ายของศตวรรษที่ 19 เป็นเทรนด์ใหม่ในการวาดภาพ เยาวชนของเมื่อวานกำลังได้รับการยอมรับ ในการแข่งขันของสมาคมคนรักศิลปะ VA Serov ได้รับรางวัลชนะเลิศสำหรับภาพเหมือน "Girl with Peaches" (1887) ในการแข่งขันครั้งต่อไปสำหรับประเภทกลุ่ม "At the Tea Table" (1888) รางวัลที่สองคือ ได้รับโดย KA Korovin (รางวัลแรกไม่ได้รับรางวัล) จากนั้น I. I. Levitan ได้รับรางวัลที่หนึ่งสำหรับภูมิทัศน์ "ตอนเย็น" และรางวัลที่สอง - อีกครั้งโดย K. A. Korovin สำหรับภูมิทัศน์ "ฤดูใบไม้ร่วงสีทอง" Polenov มีลักษณะเฉพาะด้วยความรู้สึกที่มีสีเพิ่มขึ้น ซึ่งเขาไม่เพียงใช้เป็นองค์ประกอบในการตกแต่งเท่านั้น แต่ยังใช้เป็นเครื่องมือในการสร้างผลกระทบทางอารมณ์ต่อผู้ชมเป็นหลัก
ในปี 1896 นิทรรศการศิลปะและอุตสาหกรรม All-Russian จัดขึ้นที่ Nizhny Novgorod คณะลูกขุนของนิทรรศการปฏิเสธแผงที่สั่งโดย Mamontov ถึง Vrubel ผิดหวัง Vrubel ปฏิเสธที่จะทำงานบนแผง "Mikula Selyaninovich" และ "Princess of Dreams" ต่อไป Mamontov ผู้ชอบมองสิ่งต่าง ๆ จนจบพบทางออก เขาตัดสินใจที่จะสร้างศาลาพิเศษและแสดงแผงเป็นนิทรรศการ: ในกรณีนี้ไม่จำเป็นต้องได้รับอนุญาตจากคณะลูกขุนศิลปะ แต่มีใครบางคนต้องทาสีแผงให้เสร็จและมีคนมาตามคำร้องขอของ Mamontov, Polenov “ พวกเขา (แผง - VP) มีความสามารถและน่าสนใจมากจนฉันไม่สามารถต้านทานได้” โพเลนอฟเขียน ด้วยความยินยอมของ Vrubel ทำให้ Polenov ทำงานบนแผงควบคุมร่วมกับ Konstantin Korovin เสร็จสิ้น ในนิทรรศการเดียวกัน Korovin และ Serov ได้แสดงภาพสเก็ตช์ที่สวยงามมากมายที่วาดจากความงามอันน่าหลงใหลของธรรมชาติทางเหนือของภูมิภาค Murmansk ที่ไม่รู้จักในขณะนั้น ซึ่งพวกเขาเดินทางไปตามคำร้องขอของ Mamontov จากภูมิประเทศทางเหนือของ Korovin โดดเด่น "St. Tryphon ใน Pechenga "(1894)" Hammerfest แสงเหนือ "(2437 - 2438) ธีมของภาคเหนือไม่ได้เป็นตอนในผลงานของ Korovin ใน Nizhny Novgorod เขาจัดแสดงแผงตกแต่งตามความประทับใจของการเดินทาง Korovin กลับมาที่ธีมของภาคเหนืออีกครั้งด้วยแผงตกแต่งขนาดใหญ่ที่สร้างขึ้นสำหรับนิทรรศการโลกปี 1900 ที่ปารีส สำหรับแผงเหล่านี้ซึ่งรวมถึงลวดลายของเอเชียกลาง Korovin ได้รับรางวัลเหรียญเงิน ภูมิทัศน์ในการทำงานของ Korovin มีบทบาทสำคัญ การรับรู้สีที่สำคัญ การมองโลกในแง่ดีเป็นลักษณะของศิลปิน Korovin มักจะมองหาหัวข้อใหม่ ๆ อยู่เสมอ เขาชอบที่จะเขียนมันในแบบที่ไม่มีใครเขียน ในปี พ.ศ. 2437 เขาได้สร้างภูมิทัศน์สองแห่ง: "ฤดูหนาวในแลปแลนด์" และภูมิทัศน์ฤดูหนาวของรัสเซีย "ฤดูหนาว" ในภูมิประเทศแรก เรารู้สึกถึงความรุนแรงของธรรมชาติของบริเวณขั้วโลก หิมะที่ไม่มีที่สิ้นสุด ล้อมรอบด้วยความหนาวเย็น ภาพที่ 2 แสดงภาพม้าลากเลื่อน Sedok ได้หายไปที่ไหนสักแห่ง และด้วย Korovin นี้เน้นย้ำถึงช่วงเวลาสั้นๆ ของงาน นั่นคือความกระชับ หลังจากภูมิทัศน์ฤดูหนาว ศิลปินหันไปหาแรงจูงใจในฤดูร้อน
ในวัยหนุ่ม Korovin และ Serov มีลักษณะที่แตกต่างกันโดยสิ้นเชิงซึ่งแยกออกไม่ได้ซึ่งพวกเขาถูกเรียกว่า "Korov และ Serovin" ในแวดวงศิลปะ Abramtsevo เมื่อ * Serov เขียน "Girl with Peaches" เขาอายุยี่สิบสองปี แต่เขาได้เรียนการวาดภาพจาก Repin แล้วศึกษาที่ Academy of Arts ในการประชุมเชิงปฏิบัติการของ Chistyakov ในฐานะนักวาดภาพสีที่ละเอียดอ่อน Serov ไม่สามารถช่วยได้ แต่มีความสนใจเป็นพิเศษในประเภทภูมิทัศน์ซึ่งมีอยู่ในผลงานหลายชิ้นของเขาไม่ทางใดก็ทางหนึ่ง Repin ระลึกถึงชั้นเรียนกับ Tonya อายุเก้าขวบ (ตามที่ญาติของ Serov ถูกเรียก) ในปารีสเขียนว่า: "ฉันชื่นชม Hercules และศิลปะที่เพิ่งตั้งไข่ ใช่มันเป็นธรรมชาติ!”
ผลงานเหล่านี้แสดงให้เห็นว่ายุคนี้เป็นช่วงเวลาแห่งการค้นหาวิธีการใหม่ๆ ในการพัฒนาภาพวาด ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ Levitan และ Shishkin ได้สร้างภูมิทัศน์ที่ดีที่สุดของพวกเขาในเวลาเดียวกัน และศิลปินรุ่นเยาว์ที่มีพรสวรรค์ก็ประกาศตัวเองในงานศิลปะเช่นกัน
ในเดือนพฤศจิกายน พ.ศ. 2434 มีการเปิดนิทรรศการเดี่ยวสองครั้งโดย Repin และ Shishkin ในห้องโถงของ Academy of Arts นอกจากภาพวาดแล้ว จิตรกรภูมิทัศน์ Shishkin ยังรวมภาพวาดประมาณ 600 ภาพที่แสดงถึงผลงานของเขาตลอดสี่สิบปี นอกจากนี้ เขายังแสดงภาพสเก็ตช์และภาพวาดโดย Repin ร่วมกับภาพวาดอีกด้วย นิทรรศการนี้ดูเหมือนจะให้ผู้ชมได้เห็นสตูดิโอของศิลปิน เพื่อที่จะเข้าใจและสัมผัสถึงผลงานของความคิดสร้างสรรค์ของศิลปิน ซึ่งมักจะซ่อนเร้นจากผู้ชม ในฤดูใบไม้ร่วงปี 2435 ชิชกินได้แสดงภาพสเก็ตช์ฤดูร้อน นี่เป็นอีกครั้งที่ยืนยันบทบาทพิเศษทางศิลปะของ etudes มีช่วงหนึ่งที่ภาพสเก็ตช์และภาพวาดเข้ามาใกล้ ภาพร่างนั้นกลายเป็นภาพวาด และบางครั้งภาพก็ถูกวาดเหมือนภาพร่างในที่โล่ง การศึกษาธรรมชาติอย่างละเอียด การออกไปในที่โล่งแจ้งความรู้สึกโดยตรงของช่วงเวลาที่ผ่านพ้นไปจากชีวิตของธรรมชาติเป็นขั้นตอนสำคัญในการพัฒนาจิตรกรรม
ทุกคนไม่สามารถแก้ปัญหานี้ได้ ในตอนต้นของปี พ.ศ. 2435 นิทรรศการของ Yu. Yu. Klever ได้จัดขึ้นที่กรุงมอสโกซึ่งเป็นศิลปินที่สังเกตเห็นได้ชัดเจนในสมัยของเขาซึ่งไม่มีใครลืมแม้กระทั่งตอนนี้ พื้นที่จัดแสดงตกแต่งด้วยกระท่อมไม้ซุงและตุ๊กตานก ความประทับใจคือป่าทั้งผืนไม่เข้ากับภาพวาดและยังคงอยู่ในความเป็นจริง คุณลองนึกภาพทิวทัศน์ของ Levitan, Kuindzhi, Polenov หรือ Shishkin ที่รายล้อมไปด้วยการแสดงโชว์สุดประหลาดในป่านี้ได้ไหม ศิลปินที่มีชื่อกำหนดไว้เพื่อถ่ายทอดคุณสมบัติที่ไม่ใช่การมองเห็นของวัตถุ พวกเขารับรู้ภูมิทัศน์ในการโต้ตอบของความรู้สึกและการสะท้อนทั่วไปเกี่ยวกับธรรมชาติ B. Astafiev เรียกมันว่า "วิสัยทัศน์ที่ชาญฉลาด"
ภาพที่แตกต่างความสัมพันธ์ที่แตกต่างกันระหว่างมนุษย์กับธรรมชาติถูกนำเสนอในภาพวาด "Vladimirka" (1892) ศิลปินวาดภาพการเดินทางที่โศกเศร้าสู่ไซบีเรียไม่เพียง แต่ภายใต้ความประทับใจของถนนวลาดิเมียร์เท่านั้น เขาจำเพลงเกี่ยวกับชีวิตที่ยากลำบากในการทำงานหนักซึ่งได้ยินในสถานที่เหล่านี้ สีของภาพมีความเข้มงวดและน่าเศร้า ด้วยความยินยอมตามเจตจำนงสร้างสรรค์ของศิลปิน เขาไม่เพียงแค่เศร้า แต่ยังกระตุ้นความรู้สึกของความแข็งแกร่งที่ซ่อนอยู่ในแผ่นดินอันกว้างใหญ่ ภูมิทัศน์ "วลาดิเมียร์" ที่มีโครงสร้างทางศิลปะทั้งหมดกระตุ้นให้ผู้ชมนึกถึงชะตากรรมของผู้คนเกี่ยวกับอนาคตของมัน มันกลายเป็นภูมิทัศน์ที่มีภาพรวมทางประวัติศาสตร์
"Above Eternal Peace" ไม่ใช่แค่จิตรกรรมภูมิทัศน์เชิงปรัชญาเท่านั้น ในนั้นเลแวนต้องการแสดงเนื้อหาภายในทั้งหมดของเขาซึ่งเป็นโลกที่น่ารำคาญของศิลปิน ความตั้งใจของแนวคิดนี้สะท้อนให้เห็นทั้งในองค์ประกอบของภาพและในการแก้ปัญหาเกี่ยวกับสี - ทุกอย่างถูก จำกัด และพูดน้อย ทิวทัศน์มุมกว้างทำให้ภาพมีเสียงดราม่าสูง ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ Levitan เชื่อมโยงความคิดของภาพกับ Heroic Symphony ของ Beethoven พายุฝนฟ้าคะนองที่ใกล้เข้ามาจะผ่านพ้นขอบฟ้าอันไกลโพ้น แนวคิดนี้อ่านได้จากการสร้างภาพ การเปรียบเทียบภาพสเก็ตช์และภาพวาดรุ่นสุดท้ายช่วยให้สามารถแสดงความคิดของศิลปินได้ในระดับหนึ่ง พบสถานที่ของโบสถ์และสุสานทันทีที่มุมล่างซ้ายของผืนผ้าใบซึ่งเป็นจุดเริ่มต้นขององค์ประกอบ นอกจากนี้ ตามการเคลื่อนไหวแปลก ๆ ของแนวชายฝั่งซึ่งในภาพร่างปิดพื้นที่ทะเลสาบภายในผืนผ้าใบ การจ้องมองของเรามุ่งไปที่ขอบฟ้าอันไกลโพ้น ลักษณะเด่นอีกประการหนึ่งทำให้ภาพร่างแตกต่างออกไป: ต้นไม้ที่อยู่ใกล้โบสถ์ถูกฉายโดยยอดของพวกเขาไปยังฝั่งตรงข้ามและสิ่งนี้ให้ความหมายที่แน่นอนกับองค์ประกอบทั้งหมด - การเปรียบเทียบที่เทียบเท่ากับสุสานร้างและส่วนหนึ่งของทะเลสาบที่ปิดโดยชายฝั่งเกิดขึ้น . แต่เลวีแทนไม่ต้องการการเปรียบเทียบที่เทียบเท่านี้ ในเวอร์ชันสุดท้าย เขาแยกโบสถ์และสุสานออกจากภาพพาโนรามาทั่วไปของภูมิทัศน์ วางบนแหลมที่ยื่นลงไปในทะเลสาบ: ตอนนี้แรงจูงใจของสุสานกลายเป็นเพียงจุดเริ่มต้นขององค์ประกอบ จุดเริ่มต้นของการสะท้อนกลับ จากนั้นความสนใจของเราจะเปลี่ยนไปพิจารณาถึงน้ำท่วมของทะเลสาบ ชายฝั่งที่ห่างไกล และการเคลื่อนที่ของพายุเหนือเมฆ
โดยทั่วไปแล้ว การจัดองค์ประกอบภาพไม่ใช่ภาพที่เป็นธรรมชาติ เธอเกิดจากการประดิษฐ์ของศิลปิน แต่นี่ไม่ใช่การสร้างภาพนามธรรมที่สวยงาม แต่เป็นการค้นหาภาพศิลปะที่แม่นยำที่สุด ในงานนี้ Levitan ได้ใช้ความรู้เชิงลึกเกี่ยวกับภูมิทัศน์ของเขา เป็นการสเก็ตช์ภาพจากธรรมชาติโดยตรง ศิลปินสร้างภูมิทัศน์สังเคราะห์ในลักษณะเดียวกับที่ทำในภาพวาดคลาสสิก แต่นี่ไม่ใช่การกลับมา: เลแวนตั้งภารกิจที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิงโดยแก้ไขตามหลักภาพที่แตกต่างกัน นักวิจารณ์ศิลปะโซเวียตที่มีชื่อเสียง AA Fedorov-Davydov เขียนเกี่ยวกับภูมิทัศน์นี้: "ดังนั้นความเป็นสากลของการสังเคราะห์จึงถูกนำเสนอในฐานะที่เป็นอยู่ตามธรรมชาติของธรรมชาติและเนื้อหา" เชิงปรัชญา "ไม่ได้มาจากจิตรกรภูมิทัศน์ตามที่มอบให้กับผู้ชม โดยธรรมชาตินั่นเอง ในที่นี้ เช่นเดียวกับใน "วลาดิเมียร์กา" เลวีแทนมีความสุขหลีกเลี่ยงความคิดที่จะรับรู้เป็นรูปเป็นร่าง นั่นคือ "การแสดงภาพประกอบ" ใดๆ ก็ตาม การไตร่ตรองเชิงปรัชญาปรากฏในรูปแบบอารมณ์ล้วนๆ เป็นชีวิตตามธรรมชาติ เป็น "สภาพ" ของธรรมชาติ เป็น "ภูมิทัศน์แห่งอารมณ์" ครั้งหนึ่งเลวีแทนซึ่งเคยสอนที่โรงเรียนจิตรกรรม ประติมากรรม และสถาปัตยกรรมแห่งมอสโกมาตั้งแต่ปี 2441 เสนอแนะให้นักเรียนคนหนึ่งของเขาเอาพุ่มไม้สีเขียวสดใสออกจากภาพร่าง สำหรับคำถาม: "เป็นไปได้ไหมที่จะแก้ไขธรรมชาติ" - เลแวนตอบว่าไม่ควรแก้ไขธรรมชาติ แต่ให้คิดทบทวน
การวางตำแหน่งท้องฟ้าขนาดใหญ่และผืนน้ำขนาดใหญ่เข้าด้วยกันทำให้ศิลปินมีโอกาสใช้ความสัมพันธ์ของสีและโทนสีที่หลากหลาย เขามักจะพรรณนาถึงผิวน้ำด้วยความพึงพอใจ
บทบาทที่สำคัญในวรรณยุกต์ที่เป็นรูปเป็นร่างที่ยิ่งใหญ่ของภูมิประเทศเหล่านี้เล่นโดยงานของศิลปินเกี่ยวกับฉากสำหรับโอเปร่า "Khovanshchina" โดย M. P. Mussorgsky สำหรับโรงละครของ S. I. Mamontov “มอสโกเก่า ถนนใน Kitay-gorod ต้นศตวรรษที่ 17 "," At Dawn at the Resurrection Gate ” (ทั้งปี 1900) และผลงานอื่น ๆ อีกมากมายโดดเด่นด้วยการพรรณนาถึงภูมิทัศน์ตามความเป็นจริง ซึ่งไม่น่าแปลกใจเพราะผู้เขียนเป็นภูมิทัศน์ จิตรกร. เป็นเวลาหลายปีที่ Vasnetsov สอนการวาดภาพทิวทัศน์ที่โรงเรียนจิตรกรรม ประติมากรรม และสถาปัตยกรรมมอสโก
