Un buen retrato psicológico (de género) no es aquel retocado con ropa y maquillaje caros, tratando de mostrar su glamour. Un buen retrato muestra a una persona tal como es el 99% de su vida, muestra carácter y levanta ligeramente el telón sobre su mundo interior.
Por alguna razón, la gente siempre quiere decorar su apariencia en las fotografías con una sonrisa artificial, una pose antinatural o algunas otras cosas... Mientras tanto, en tales fotografías es casi imposible reconocer a las personas. Lo mismo se aplica a los retratos artísticos clásicos: el artista siempre quiso embellecer la apariencia del retratado para que le gustara su retrato.
Pero hay personas que necesitan rostros y emociones reales. Aunque tal retrato puede no parecer una foto de la portada de una revista de moda, tanto a la persona como al fotógrafo les gustará este retrato. Si la apariencia de una persona cambia con el tiempo, entonces el mundo interior casi desaparece y será posible reconocer a la persona por él.
Un fotógrafo experimentado, que crea retratos no para portadas de revistas, sino para clientes o, más probablemente, para él mismo, siempre podrá encontrar esas palabras que calmarán a la persona retratada y, en el proceso de disparo, revelarán plenamente su verdadera identidad. rostro. La conversación durante una sesión fotográfica puede crear conexiones invisibles entre el fotógrafo y su modelo. El proceso de filmación puede ser una gran sesión de terapia y tiempo de relajación. Alexey Kucher también escribió sobre esto, incluso patentó su método de "fotocorrección" de la personalidad, en el que una persona se vuelve más segura de sí misma y supera más fácilmente los complejos, la vulnerabilidad y la ansiedad.
Recuerda, ¿te sientes cómodo frente a la cámara de un fotógrafo profesional? ¿No empieza a atormentarte con el pensamiento “¿cómo me veo”? Así, encontrará un acercamiento a una persona con la ayuda del cual obtendrá excelentes retratos y una buena conversación psicoterapéutica, en la que el retratado no se preocupará por los aspectos puramente visuales de la fotografía.
A menudo, un fotógrafo que es visto con una cámara lista para disparar capturará la reacción ante la cámara en las fotografías. Muchas personas aprenden esta reacción: algunas comienzan a sonreír, otras se dan la vuelta. Por lo tanto, si toma fotografías en la vida cotidiana, intente que la gente no se dé cuenta de usted como fotógrafo o se acostumbre a usted y a su cámara y tampoco se dé cuenta del momento en que presiona el obturador.
Por supuesto, hay personas que se esfuerzan por aparecer en las fotografías con personalidades completamente diferentes a las que realmente son. Bueno, ese deseo debe ser satisfecho. Aquí lo que pasa a primer plano no son las conversaciones, ni “”, sino la capacidad de trabajar con la luz, la cámara y Photoshop. Y un retrato así también tiene significado, pero ya no es psicológico...
El 29 de mayo, el Centro de Fotografía de los Hermanos Lumiere acogió una clase magistral de Sergei Shandin dedicada a la fotografía de género. Junto con los participantes, intentó encontrar las diferencias entre la fotografía de género y el periodismo y otros tipos de fotografía.
Según Sergei Shandin, la fotografía de género tiene tres criterios principales:
Documental, presencia de historia y trama (es decir, ¿qué se muestra?), forma y composición (¿cómo se muestra?). Sergei se detuvo con más detalle en cada componente de la fotografía de género. Aquí hay extractos de su discurso.
Sobre el carácter documental de la fotografía de género
Cuando hablamos de dividir la fotografía en géneros, debemos entender que existen ciertas convenciones”, afirmó Serguéi Shandin. - La fotografía tiene un rasgo característico que la distingue de otras formas de arte, de la pintura, por ejemplo. El estilo del autor, la elección de la composición y la combinación de colores: todo esto es característico de la pintura. Pero, ¿por qué una persona no toma un pincel y pinta, sino una cámara?
Los principales componentes de la fotografía de género: documental, presencia de la historia y correcta composición. Foto de Sergei Shandin
Lo principal de la fotografía de género es que todos estos elementos se pueden generalizar. La fotografía es inherentemente documental. Mirando una fotografía podemos decir: “Sí, sucedió”. El tiempo detenido, la relevancia, la verdad del momento: estas son las características que distinguen a la fotografía de otras formas de arte.
Fotografía de género: ¿es posible la puesta en escena?
Una fotografía no puede ser documental si el fotógrafo tomó una fotografía escenificada. Un ejemplo es el trabajo de Robert Doisneau. A menudo recurría a la puesta en escena, invitando a actores y amigos a representar una determinada escena. Si no llamamos documento a una fotografía, entonces, en general, no hay diferencia: una fotografía escenificada o no. Si el fotógrafo simplemente crea una situación sin pretender ser un documental, entonces la puesta en escena es posible.
Robert Doisneau recurrió a menudo a la fotografía escénica, concertando previamente con los actores y los transeúntes. Este tipo de fotografía también es fotografía de género, pero carece de calidad documental.
Además, la fotografía no puede contener ningún evento o historia. Puede que no tenga fotografía narrativa y compositiva. Si todas estas características están presentes, podemos llamar género fotográfico.
El fotógrafo selecciona un tema para presentarlo a la audiencia.
En el fotoperiodismo, el fotógrafo explora un determinado fenómeno y lo transmite a través de sí mismo. Este concepto es mucho más amplio, me refiero a la fotografía de género. Para la fotografía de género, la presencia de una trama es importante. Por cierto, la fotografía puede crear una historia que no existe. Si en una fotografía aparece una trama, aunque en vida no existió, surge una historia. La fotografía en tales casos crea una realidad que no existía. El fotógrafo tiene todo un mundo desplegándose frente a él, y para él es importante ver el encuadre, resaltarlo y presentarlo al público. Debe elegir los elementos y personajes que quiere mostrar en el encuadre para que la fotografía cuente una historia. Por eso la composición es tan importante. Debe ser bueno porque determina la percepción del encuadre. Si la composición no es muy buena, los espectadores no entenderán la parte de la historia de la foto.
El fotógrafo tiene el mundo entero ante él y para él es importante ver el encuadre, resaltarlo y presentarlo al público. Foto de Sergei Shandin
Mucho más importantes son los límites entre si es un documento o no. En cualquier fotografía siempre está el propio fotógrafo. Influye en la situación de cierta manera. Su propia apariencia influye en la situación y determina el comportamiento de las personas atrapadas en el cuadro. Por tanto, ninguna fotografía puede ser cien por cien objetiva y documental. Sólo con su presencia, el fotógrafo aporta un elemento de entrega.
Siempre hay una historia en la fotografía de género.
Es importante no sólo lo que se muestra, sino también cómo se muestra. Cualquier evento puede mostrarse interesante o no interesante. Los criterios para una fotografía interesante son bastante subjetivos. Para comprender algunas obras es necesario conocer la historia del arte, pero para otras no. Es imposible medir el grado de belleza con una regla. André Kertesz, por ejemplo, logró crear tanto fotografía narrativa como fotografía en la que la forma es importante.
Uno de los componentes más importantes de la fotografía de género es la forma. La riqueza de las formas crea una percepción estética. Miramos el marco y decimos que es hermoso. El fotógrafo Trent Park retrata los sujetos más comunes, pero nota la combinación de elementos sorprendentes.
A menudo, en este tipo de obras la trama puede estar muy mal definida y expresada. Pero la riqueza de las formas: miramos la fotografía y simplemente decimos que es hermosa. La riqueza de las formas crea una percepción estética. La adición de elementos en una determinada figura abstracta. La forma determina en este caso el surgimiento de la trama.
La fotografía también intenta buscar nuevos medios de expresión. Con el tiempo, los medios de expresión han cambiado varias veces.
Otro fotógrafo interesante es Trent Park. Filma, en su mayor parte, los temas más comunes, pero los muestra de tal manera que nos sorprende.
¿Dónde buscar historias?
La mayoría de los buenos fotógrafos que conozco utilizan la misma táctica. Ellos deciden de antemano lo que quieren filmar. Un fotógrafo debe salir a caminar con la intención concreta de fotografiar algo.
En la fotografía de género es importante poder “calcular” la imagen y esperar el momento adecuado. Foto de Henri Cartier Bresson
Las historias se pueden encontrar en todas partes. Su intención determina el equipo apropiado que debe llevar consigo. Es importante conocer los lugares donde podrás fotografiar lo que tienes en mente. Puedes encontrar el lugar donde surge la situación, “anticipar” una toma interesante y esperar el momento adecuado. La fotografía de emboscada es uno de los métodos de la fotografía de género.
Fotografía de género: ¿cuál es la diferencia con el reportaje?
Informar es cuando sabes claramente que habrá un evento y lo filmas. Si fotografías a una abuela cruzando la calle corriendo, esto no es un reportaje, es fotografía de género o fotografía callejera. La fotografía deportiva también es un reportaje.
conclusiones
La mejor forma de crear fotografías de género es acostumbrarse a la situación, al acontecimiento, a los rostros y establecer un fuerte contacto emocional con los personajes. Se necesita tiempo para sentir la situación. Es ideal si tienes tiempo suficiente para esperar ese estado de ánimo.
La fotografía muestra cosas simples de una manera que hace que nos interese mirarlas. Durante el rodaje, los fotógrafos a menudo no entienden lo que están haciendo. Entonces es importante seleccionar una imagen entre cientos del metraje. Puedes encontrar un subíndice en cualquier imagen. Una fotografía debe hablarle al espectador en un lenguaje visual sencillo y comprensible. Hay tantas asociaciones como gente mirando. No hay necesidad de impedir que el espectador vea algo propio.
24.02.2016
Un retrato de género es un tipo de retrato fotográfico ordinario en el que el énfasis principal no está en la persona misma, sino en sus acciones y poses, y todo lo demás queda relegado a un segundo plano.
El retrato de género recuerda al cine. Aquí una persona encaja armoniosamente en la situación o el entorno y tiene su propia historia. En un retrato de género se presta mucha atención a la idea y la trama, la escenografía y el entorno, y esto distingue un retrato de género de un retrato como tal.
Se trata de una filmación en un entorno natural normal. El papel principal lo juega el estado de ánimo del fotógrafo y lo que quiere captar en la fotografía.
En un retrato de género siempre hay una persona representada en circunstancias y condiciones que le son familiares.
El entorno ayuda a transmitir mejor no sólo los rasgos individuales, sino también los rasgos de carácter, el estado de ánimo y las emociones, el entorno social y la vida cotidiana (la mayoría de las veces esto se transmite a través del paisaje y el entorno). La persona fotografiada siempre está integrada armoniosamente en alguna situación, y los espectadores ven una fotografía con una historia fuera del marco.
Buenos ejemplos incluyen un retrato de un herrero en una fragua, que fue tomado en el momento del trabajo, cuando forja una nueva espada. O puede recordar los periódicos murales con los principales trabajadores de producción, que eran populares en la Unión Soviética. Las personas que aparecen en estas fotografías sienten pasión por el proceso de trabajo, tienen un aspecto característico y todas las emociones y estados de ánimo se reflejan en sus poses y expresiones faciales.
Fotógrafo: Max Dart
A menudo, una profesión deja una huella tan clara en la imagen de una persona que es imposible discernir detrás de ella el entorno cotidiano o social en el que vive esa persona. Las personas en este tipo de fotografías suelen parecer honestas y abiertas.
Un retrato de género debe considerarse no sólo como parte del arte fotográfico, sino también como la creación de pinturas cotidianas y episodios de la vida real. Esta es una mirada nueva e interesante a la vida de una persona, su comportamiento y su carácter.
Se pueden distinguir dos direcciones. El primero de ellos muestra sencillez y tranquilidad, paz y silencio. La segunda dirección, por el contrario, está llena de emociones, movimiento, pasión y actividad.
Un estado de calma se refleja muy fácilmente en un retrato, pero un movimiento rápido es extremadamente difícil de transmitir, por lo que el nombre - "retrato de género" - es bastante arbitrario.
Al crear una fotografía de este tipo es necesario ser a la vez fotógrafo y director. Se trata de una fotografía escenificada, que está diseñada para reflejar con la mayor precisión posible la veracidad de la trama.
El retrato de género es un tipo de fotografía bastante complejo. En la fotografía, el fotógrafo representa la realidad tal como se ve en la vida real, no una realidad ficticia. Los episodios adecuados para este género no aparecen con frecuencia y es necesario estar siempre preparado para rodar. Es importante no interferir con el curso natural de los acontecimientos y tomar fotografías con una “cámara oculta”. Sería mejor ponerse de acuerdo con la persona de antemano y elegir el lugar más adecuado para disparar.
Este retrato se puede tomar en cualquier lugar. Podría ser una discusión sobre temas importantes, conversaciones en casa durante la cena, algún momento en el trabajo o una situación en un parque o calle de la ciudad. Es importante estar preparado para realizar un buen tiro en cualquier momento.
Fotógrafo: Yuri Pritisk
No será posible repetir el momento. Y, a menudo, las tomas más exitosas se obtienen de la manera más aleatoria, cuando el fotógrafo apenas tuvo tiempo de presionar el obturador de la cámara.
Puedes reflejar diferentes emociones: trágica, humorística, alegría, tristeza, melancolía, sorpresa, miedo, excitación o inspiración. La emoción puede ser en forma de coquetería o tristeza, ira o arrogancia, una sonrisa ordinaria o lágrimas. Para un fotógrafo es importante transmitir la manifestación más completa de una persona en una situación específica.
Por supuesto, la foto contendrá tanto detalles desapercibidos como claramente visibles. Esto es natural, ya que el fotógrafo no tendrá suficiente tiempo y no podrá organizar todo como sea conveniente y necesario. Nos centramos no solo y no tanto en la corrección de la situación y su armonía, sino en la culminación de emociones y sentimientos. También sucede que al fotógrafo no le importa lo que entre en cuadro además de la persona.
El retrato de género es interesante porque no tiene muchos detalles que, sin embargo, revelan al máximo la veracidad de las situaciones de la vida.
Publicaciones interesantes en el sitio.
En las artes visuales, como género independiente, se ha desarrollado a lo largo de los siglos bajo la influencia de dos factores principales. El primero, puramente técnico, es el progreso de las habilidades visuales del artista (el estudio de la anatomía humana, dominio de las leyes de composición etc.). El segundo factor más significativo que influyó en el desarrollo del retrato fue de naturaleza filosófica y se expresó en el desarrollo de ideas sobre el significado de la personalidad humana y su individualidad. Son esos hitos de la historia en los que la fe en las capacidades humanas alcanzó sus mayores alturas, cuando los artistas llegaron a comprender el poder efectivo y transformador del hombre, los que se consideran el apogeo del retrato (retrato escultórico romano, Renacimiento, XVII y segunda mitad del siglo). Siglo XVIII).
Retrato en bellas artes es una representación de una persona o grupo de personas, existente ahora o existente anteriormente, mediante la creación de características visuales del modelo.
Reproducir algo al carajo. Si antes en la cultura europea este término combinaba la reproducción pictórica de cualquier objeto (imágenes humanas, flora y fauna), entonces a partir de André Felibien el término comenzó a usarse exclusivamente para representar a una persona (o grupo de personas) específica. Al mismo tiempo, contrariamente al estereotipo predominante, un retrato no es necesariamente una cabeza en el marco o en el lienzo. Esta podría ser la persona representada comoplan General (de pie o sentado sobre algo), y medio y primer plano .
La característica principal de un retrato es su representatividad: la correspondencia de las características representadas de la imagen humana con las características de una persona real. Las funciones del retrato indicadas en fuentes de Internet son, en mi opinión, un poco lúgubres: religiosa, funeraria, conmemorativa. Quizás en pintura estas funciones sean dominantes a la hora de crear un retrato, pero como estamos hablando de un retrato fotográfico, dejaremos estas funciones fuera del alcance del artículo y hablaremos del retrato como uno de los géneros de la fotografía.
Cómo género de fotografía, el retrato incluye varios subgéneros que se diferencian entre sí principalmente en la forma de la narrativa. Ahora descubriremos qué significa esto. Comencemos con la forma más simple de narración: una declaración o un retrato documental.
Esta forma de narración implica una total correspondencia entre la imagen y el modelo, que no incluye ningún elemento alegórico y no requiere decodificación. Tal retrato es una declaración del hecho mismo de la existencia de una persona o un grupo de personas y no revela el estilo de vida de la persona, sus pasiones, pasatiempos, ocupación o emociones que está experimentando en ese momento. Un ejemplo sorprendente es sesion de fotos familiar, sesión de fotos para niños, Auto retrato (autofoto), foto para documentos. Estos retratos fotográficos son monótonos. Estas fotografías sirven principalmente como recordatorios y constituyen la mayoría de los álbumes de fotos familiares. Deja un recuerdo de alguien para alguien. En su mayor parte, según la ley del género, estos retratos fotográficos se realizan cara completa o en tres cuartos , la mirada del modelo se dirige hacia la lente o directamente hacia la cabeza.
La siguiente forma de narración, metafórica, implica una relación semántica y argumental entre el modelo y el mundo de las cosas que lo rodean (ella, ellos), la naturaleza, la arquitectura u otras personas.
Semejante foto retrato ya deja de ser sólo un documental y adquiere las características fotografía artística, reflejando la visión creativa del fotógrafo como artista. Un retrato fotográfico metafórico ya es capaz de transmitir al espectador no solo una mayor cantidad de información visual sobre una persona, sino también transmitirle el contenido sensual y emocional de la foto que quería reproducir. fotógrafo.
La diversidad es la característica principal de un retrato metafórico. En la ropa - una imagen, en la mirada - otra imagen, en los gestos - una tercera, etc. La variedad de imágenes disponibles para la reproducción por parte de un fotógrafo difiere retrato de boda. En el contexto de toda la solemnidad del evento. fotógrafo de bodas Puede plasmar en fotografías la alegría de los recién casados, la duda en sus ojos, momentos de tensión nerviosa, etc. Y si un retrato narrativo es inherentemente lo más lacónico posible, entonces un retrato artístico implica el trabajo completo del fotógrafo con la composición del encuadre, con luces y sombras.
El tercer tipo de narración. fotografía de retrato Todavía existe, pero está perdiendo popularidad cada día. Esta es una alegoría. Representación artística de una persona en forma de una imagen específica: mitológica, histórica, teatral, literaria o de otro tipo mediante copia fiel.
Un retrato de este tipo se puede crear tanto en condiciones reales (vestuario, maquillaje, selección de un interior específico) como mediante fotomontaje digital.
Pero en ambos casos, en mi opinión, este espectáculo de disfraces puede resultar interesante para los niños como parte de una fotografía entretenida, dada la gran cantidad de superhéroes modernos y otros personajes de dibujos animados, yun retrato fotográfico alegórico de un adulto no tiene absolutamente ningún valor artístico y no es una exposición digna de las salas de exposiciones.
Para concluir, quisiera decir lo siguiente: a pesar de que retrato es un género de fotografía independiente; puede existir fácilmente dentro de la misma estructura artística al lado de otros géneros. retrato callejero, retrato de reportaje, retrato artístico- todas estas fusiones de géneros están unidas por una tarea artística: capturar en fotografía la individualidad significativa de la personalidad humana. Y en qué forma narrativa se tomó esta fotografía, esta pregunta probablemente dentro de décadas ya no tendrá mucha importancia para el espectador.
Artículos
En la pintura clásica, el retrato existía en un contexto mínimo. A menudo era sólo la ropa de la modelo la que hablaba de ella a sus contemporáneos. Los holandeses ya preferían los retratos en el interior: cada vez había más artistas y los retratos sin contexto aparecían cada vez más del mismo tipo. Innumerables retratos, especialmente, son similares entre sí. Es necesario introducir información adicional en el retrato para diversificarlo.
En las condiciones estériles del estudio, la posibilidad de jugar al claroscuro, los cambios en el interior no proporcionan tantas variaciones del retrato: mesa, cama, sofá, ventana, pared; media docena de tipos de iluminación; ropa cerrada o erótica; maquillaje pastel o contrastante; objetos en las manos: esa es toda la gama de un retrato de estudio. El retrato de género, debido a la infinita variedad de situaciones, es infinitamente diverso, pero a costa de alejarse del retrato clásico. Imagen de género - más bien, "¿de qué se trata?" que “¿sobre quién?” La diferencia está en el énfasis: en un retrato, debe estar en el rostro. Las imágenes que son interesantes principalmente por su fondo y composición no son retratos.
Un modelo al aire libre resulta ser una pequeña parte del plan general, si, por supuesto, se quiere mostrarlo y no desenfocarlo. A diferencia de las condiciones del estudio, ella no puede sumergirse en sí misma y concentrarse en las expresiones faciales. A menudo, el modelo es sólo un acento del paisaje.
Al pasar de un retrato a una imagen de género, no intentes mostrar el rostro del modelo a toda costa. Las emociones pueden transmitirse no sólo mediante expresiones faciales, sino también mediante una pose discernible, e incluso simplemente mediante la presencia de una persona en un contexto tenso; Por lo general, se trata de una persona solitaria. La intensidad del fondo es una condición importante. En el contexto positivo de un campo de girasoles, un modelo apenas visible no resultará interesante. Pero el pequeño trasfondo de las ruinas brillará por la presencia de una persona en ellas: una imagen creada por el hombre se convierte en un drama psicológico.
En un retrato de estudio, fotografiar desde atrás sigue siendo sólo una posibilidad teórica, pero en un retrato de género es bastante real. La mera presencia de una persona en el encuadre cambia los sentimientos del espectador. Añade ropa, posa y el rostro ya no es tan importante (Caspar David Friedrich). Una fotografía desde atrás es interesante por el efecto de presencia: el espectador parece fusionarse con la modelo que mira el paisaje y ve el paisaje a través de sus ojos. Las imágenes desde atrás tienden a la melancolía, pero no excluyen otras emociones.
En un retrato de estudio, la modelo tradicionalmente se coloca cerca del centro. La fotografía de género te da más libertad. Los numerosos objetos, ángulos y superficies disponibles le permiten crear poderosas líneas activas que conducen al modelo. Al aparecer de repente desde el borde de la fotografía, al final de la línea activa, el modelo causa una impresión particularmente fuerte. Evita este tipo de composición en fotografías emocionalmente neutras. No te desvíes innecesariamente de componer tu toma usando la regla de los tercios, especialmente colocando tu modelo demasiado bajo en el encuadre.
Llama la atención del espectador sobre un modelo poco visible, situado lejos del centro de la foto, pequeño, casi sin rostro, con un punto de luz. Un reflejo brillante, una linterna o un semáforo servirán. El punto de luz se ve mejor al lado del modelo que directamente sobre él. Y si decide iluminar directamente el modelo, hágalo de manera amplia, con alto contraste y trazos grandes: la luz literalmente saca al modelo de la oscuridad.
La fotografía callejera parece fácil sólo porque un fotógrafo incompetente puede presionar el obturador sin cesar con la esperanza de capturar accidentalmente un momento interesante. Para los malos fotógrafos, el plein air es conveniente porque un paisaje interesante compensa la pose poco interesante del modelo. En realidad, la fotografía callejera de alta gama es más difícil que la fotografía de estudio, porque la elección del fondo se suma a la exposición del modelo y, en lugar de controlar la luz, hay que adaptarse a la luz natural disponible. Pasar de lo simple a lo complejo. Es casi imposible aprender a hacer un retrato en la calle sin aprender a hacerlo en las condiciones más sencillas de un estudio, donde se puede exponer tranquilamente al modelo y iluminarlo.
Luz natural: amplia, difusa; no hay sombras en la cara. Esta iluminación es más primitiva que incluso la iluminación de Hollywood, en la que la luz principal está al menos colocada con precisión y su potencia se regula por separado de la luz de relleno. La iluminación artificial le permite ajustar la iluminación del modelo por separado del fondo. Sin flash, un fondo claro hará que el modelo sea demasiado oscuro y un fondo oscuro hará que el modelo sea demasiado claro. Incluso al atardecer, será necesario un flash si estás fotografiando a una modelo con el sol poniente como telón de fondo; después de todo, está de espaldas al sol.
La iluminación artificial al aire libre casi siempre llena. Su tarea es interrumpir la luz del sol e igualar la iluminación del modelo y el fondo. El espectador no espera dibujar sombras sobre el modelo a la luz del día. La excepción es la sombra de un sombrero, un pañuelo en la cabeza, un peinado grande, gafas, marcos de puertas y objetos similares ubicados muy cerca. Sin embargo, la naturalidad es sólo una convención; Las sombras no deberían ser demasiado antinaturales. Coloque el flash aproximadamente en la dirección del sol, cree sombras en el cuerpo del modelo, no en la cara, y, dentro del marco de las convenciones fotográficas, dicha imagen será correcta.
La luz de fondo en la fotografía de género tiene un carácter completamente diferente que en el estudio. No se dirige estrechamente a lo largo de los contornos del modelo, sino que lo envuelve ampliamente y los objetos. La luz de fondo difusa crea un efecto de cuento de hadas. Sin embargo, los colores se pierden a contraluz. Como en el estudio, se captan mejor con iluminación directa. Al aire libre, puedes simular la luz de fondo direccional típica de un estudio: dispara en una habitación donde la luz entra a través de una abertura estrecha, como los agujeros de una puerta.
Recuerda usar gel naranja para combinar el color del flash con el del sol. Ten en cuenta que el color del sol se presenta en varias tonalidades: amarillo-blanco al mediodía, naranja al inicio del atardecer (gel 3/4 CTO) y casi ámbar al final del mismo (gel Bastard Amber).
El gel también es conveniente para usar al aire libre para pintar un fondo distante. Al apuntar un flash con un gel azul al modelo y configurar el balance de blancos en la cámara o en el posprocesamiento en azul, obtendrá un modelo correctamente iluminado y un color de cielo naranja intenso. O viceversa: aplique un gel naranja al modelo y haga un balance de blancos debajo, luego la luz circundante se volverá azul fría. Tome una fotografía de referencia con un objetivo gris para restaurar de manera confiable el color natural de la piel en el posprocesamiento.
La fotografía de género se presta al posprocesamiento de fantasía: los colores, la saturación y la nitidez bien pueden transportar al espectador a la realidad virtual. Tenga cuidado de no realizar ningún ajuste en la piel del modelo.
Un reflector de luz solar puede ser más conveniente que un flash. No deberías disparar al mediodía ni siquiera con un flash de estudio: la iluminación seguirá siendo intensa; Las pantallas de malla translúcidas suavizarán la luz del sol para el modelo, pero no para el fondo. Y por la mañana y más cerca del atardecer, un reflector es suficiente para iluminar el modelo. Al utilizar un reflector, este debe ser rectangular u ovalado para no inundar de luz el modelo por los lados, debe tener un asa cómoda que permita sujetarlo firmemente o sujetarlo a un trípode, y debe ser con un Patrón de cebra blanco dorado para la transmisión más correcta de la luz solar.
Las nubes ligeras actúan como una caja de luz, dispersando la dura luz del sol. Las densas nubes dispersan tanto la luz que se pierden las sombras y el fondo se vuelve plano y carente de contraste. Recuerde elevar la temperatura de la luz en el posprocesamiento cuando haya mucha nubosidad.
Es más interesante fotografiar con niebla: una imagen plana parece natural en ella. La niebla a través de la cual brilla la luz del sol es especialmente hermosa. La niebla rara vez es lo suficientemente densa como para oscurecer siquiera ligeramente a un modelo de cerca. Para lograr este efecto, aléjese a una distancia considerable y utilice un teleobjetivo. Para obtener un retrato con un modelo bien detallado que se destaque de la niebla por su contraste, dispara de cerca y utiliza una lente gran angular.
No dispares cuando llegues, sino cuando haya buena iluminación; Regrese por la tarde o por la mañana si el paisaje lo vale. Introduzca en el encuadre objetos con poca luz solar y hermosas sombras.
Contrariamente a los rumores románticos, es mejor fotografiar al amanecer que al atardecer. La luz del amanecer es más suave y no hay público que te moleste. La temperatura de la luz es más variada al amanecer, cambiando rápidamente de 2000 a 4500 K.
La iluminación ideal del atardecer no es cuando el sol se pone, sino en esos pocos minutos en los que ya ha bajado del horizonte, pero el cielo todavía está iluminado. Al anochecer, fotografíe con exposiciones prolongadas para obtener cielos azules profundos. Ilumine un poco el modelo para que sólo sea visible, pero no destaque del fondo en términos de brillo. Intente reducir la temperatura del color para que los colores azulados del crepúsculo parezcan más saturados. La temperatura del modelo, por el contrario, se puede elevar simulando la luz de una linterna con una lámpara incandescente.
No tengas miedo de disparar con poca luz. El ISO alto en las cámaras modernas no requiere gran grano. En cualquier caso, la veta es aceptable en retratos e incluso en glamour. Le dará a tu imagen un arte antiguo. Los postimpresionistas crearon específicamente una textura similar con trazos. Si la iluminación es demasiado tenue para el enfoque automático, utilice una linterna para iluminar el modelo. No olvide que la imagen en el visor es más brillante que la real: corresponde a una apertura completamente abierta.
Preste atención a que la cara no sea más brillante que los objetos circundantes: la naturalidad requiere que el espectador no note el flash. Por lo tanto, fotografiar al aire libre es problemático en el crepúsculo: cualquier flash iluminará al modelo con un brillo antinatural; Hay que disparar con alta sensibilidad con luz natural o ajustando el flash a la luz de una farola.
Elija un ángulo para que la cara clara aparezca sobre un fondo oscuro, especialmente al disparar de perfil; de esta manera será más claramente visible. No hay suficiente oscuridad: aumente el punto negro en el posprocesamiento. Los rostros oscuros y viejos lucen mejor sobre un fondo claro. Evite puntos de luz muy brillantes en el fondo que distraigan la atención del rostro de la modelo; No funcionó al disparar; recórtalo al recortar.
El brillo percibido es relativo y, por la noche, incluso las ventanas con poca luz o las farolas tenues pueden ser demasiado brillantes, lo que distrae la atención del modelo. Es más fácil atenuarlos en el posprocesamiento.
La fotografía nocturna al aire libre con flash de estudio abre posibilidades interesantes. El fotógrafo recibe simultáneamente un fondo de alta calidad y una luz controlada, que además es fácil de imaginar como la luz de una linterna. Dado que los colores de los objetos circundantes, privados de una iluminación brillante, aparecerán sucios, es mejor convertir la imagen a monocromática. O desenfoque el fondo, entonces la precisión de la reproducción cromática será insignificante.
Cuando fotografíes bajo farolas blancas o naranjas, intenta también cambiar a monocromo en el posprocesamiento. Por lo general, se ve mejor que el color antinatural del alumbrado público. En un paisaje urbano, el monocromo también funciona bien durante el día: pregúntate: ¿la información del color añade información o interés a tu foto? Lo más probable es que no.
Recuerde el bracketing de exposición: incluso sin trípode, puede trabajar sobre un fondo sobreexpuesto en comparación con el modelo durante el día y oscuro por la noche. Cuando dispare con una velocidad de obturación larga sin trípode, coloque la cámara sobre una bolsa de cereal o cualquier mezcla suelta comprada en una tienda cercana; quedará fijado de forma segura. El posprocesamiento HDR no produce tonos naturales para los retratos. Tenga en cuenta que no siempre se necesita un fondo detallado, a veces es mejor transmitir solo la textura, dejando los detalles en la oscuridad.
En un día soleado, baje la exposición en comparación con la automática. En condiciones de luz oscura y brillante, aparecen tonos profundos y agradables y la información del color no se pierde. Configure la exposición en modo manual o en prioridad de apertura; La prioridad temporal hará que la profundidad de campo sea incontrolable.
La luz natural permite obtener una fotografía más suave que en un estudio, así que utiliza el desenfoque. Intente desenfocar no sólo el fondo, sino incluso el modelo, para transmitir emociones a través de poses y composiciones en lugar de expresiones faciales. Puede reducir aún más la saturación y el contraste en el posprocesamiento. La excepción es la tarde soleada, pero entonces es mejor no hacer un retrato; y un paisaje de alto contraste puede resultar interesante.
El balance de blancos automático rara vez es una buena solución; ajuste el equilibrio en el posprocesamiento para que el cielo sea azul. No hay nada que le impida ajustar la temperatura de color por separado para el fondo y el modelo. Tenga cuidado: una fuerte disonancia en la temperatura del color de diferentes partes de la imagen resulta incómoda para la percepción. Mantenlo moderado y explica el cerebro del espectador con el interior, por ejemplo, una linterna cerca del modelo.
Bajo la lluvia se obtienen retratos interesantes. Esto incluye el cabello mojado y el estado de ánimo de la modelo. Aunque la lluvia crea una sensación menor, intenta contrastarla con alegría o romance. Cuando fotografíes bajo la nieve o la lluvia por la noche, asegúrate de que estén a contraluz. En ausencia de alumbrado público, puede arreglárselas con una linterna potente o un flash en la cámara. Es mejor tener luz de fondo, al menos una farola. Busque luces amarillas y colores en general: se ven bien bajo la lluvia. En ausencia de objetos paisajísticos coloridos, pruebe con un vestido modelo brillante. De lo contrario, convierta a monocromo. Configure la sensibilidad en alta si desea mostrar gotas de lluvia volando: necesitará una velocidad de obturación de aproximadamente 1/800. Para mostrar las gotas en la cara de la modelo, es necesario iluminarla bien desde un lado. Si desea mostrar al mismo tiempo todo el paraguas y la cara de la modelo, y no sólo su contorno, entonces un objetivo gran angular le resultará útil. No tenga miedo de inundar su cámara: cualquier cámara resistente al agua se puede utilizar bajo la lluvia colocándola en un estuche especial o en una bolsa de plástico normal. Es mejor tomar fotografías cuando deja de llover, cuando ya han aparecido zonas despejadas del cielo, dándole textura. Por supuesto, también puedes fotografiar al comienzo de la lluvia, pero este momento es difícil de capturar. Seque la lente después de la lluvia para evitar que crezcan hongos en su interior.
Cuando dispare contra el agua, utilice una velocidad de obturación lo suficientemente larga para evitar que parezca congelada. Indique al modelo que mantenga la postura y encienda el estabilizador.
Para la fotografía de género, es importante ver luces y sombras inusuales. Pueden ser la parte más interesante de la imagen. Preste atención a la forma de las sombras, busque la luz direccional que entra a través de aberturas estrechas. Desvanezca parte de la imagen en la oscuridad si esto le permite crear líneas activas, por ejemplo, desde los parapetos de las calles; ocultar detalles de las líneas. En un retrato de género, las líneas activas deben conducir al modelo.
No temas bloquear el horizonte: así la imagen gana dinámica. Pero gírelo apenas perceptiblemente o con una fuerza absurda para que no parezca un error accidental. La fotografía de género es un campo poco común en la fotografía donde se puede realizar el concepto de ritmo. La idea del ritmo es simple: objetos similares se repiten en el activo a ciertos intervalos. En la naturaleza muerta, el ritmo es difícil de aplicar debido a la poca profundidad de la escena. Una imagen no es música y el ritmo no juega un papel importante en ella, pero puede resultar útil. Los intervalos pueden ser los mismos o disminuir con el tiempo. Una relación de intervalos más compleja resultará incomprensible para el espectador.
Esté siempre atento a nuevos lugares de rodaje. Eres tu propio explorador. Mientras camina o conduce, marque los lugares interesantes para poder regresar allí con el modelo.
La fotografía de género debe ser comprensible. A diferencia de un reportaje periodístico, no implica una explicación en el artículo. Si te animas a firmar la fotografía “Calles de Palermo”, entonces ésta no es un retrato ni una imagen autosuficiente, sino una ilustración de tus viajes; Déjalo para tus familiares.
Plein air requiere un fondo seleccionado de manera significativa: un extraño (o usted dentro de unos años), al mirar esta foto, debería ver la conexión entre la emoción del modelo y el fondo. El paisaje no debe ser sólo una decoración, sino que debe complementar la imagen con información, crear una historia sobre la presencia del modelo aquí y ahora. El modelo no sólo se sitúa delante del fondo, sino que se sitúa y vive en él. Por lo tanto, no es necesario que la quite con un vestido de noche en la playa. Sin embargo, un vestido de noche lucirá interesante en las ruinas de un edificio antiguo: como de costumbre, lleve la extrañeza al extremo y, en lugar de un error, parecerá un diseño artístico.
No es necesario que el modelo sea realista. Recuerde “La libertad guiando al pueblo” de Delacroix: una imagen simbólica situada en un entorno realista. Asimismo, en la fotografía de género, la realidad del fondo no interfiere con la artificialidad de la modelo, sus expresiones faciales, sus poses o su vestimenta. Pero este contraste debe ser significativo, evocar emociones y no aleatorio. La artificialidad debe ser obvia para el espectador, haciéndole pensar en su motivo y no reírse de lo mal que encaja el modelo en el entorno. Un niño trabaja en una fábrica de ropa: una imagen común en los reportajes de los países del tercer mundo; Viste a un niño con ropa blanca festiva y la imagen ya simbolizará algo.
El trasfondo del género para hombres y mujeres es muy diferente. Para los hombres, se debe enfatizar el estatus, la fuerza y la confiabilidad; para mujeres: belleza y accesibilidad. Por lo tanto, en la cocina, una mujer vestida se ve mal, una mujer desnuda es atractiva por su accesibilidad, pero un hombre lucirá interesante. Es bueno fotografiar a hombres en actividades profesionales, ya sea en un escritorio de oficina o en un taller de reparación de automóviles.
Puede concentrar la mirada del espectador en el modelo desenfocando apenas perceptiblemente otros objetos. Una mirada más cercana notará una ligera falta de naturalidad, pero la pintura está lejos de ser fotorrealista. Desenfocar un poco: una pequeña diferencia en los detalles es suficiente para que el ojo entienda quién manda en la imagen, pero un contraste excesivo en los detalles de los objetos vecinos perjudicará la vista. La modelo debe ser nítida, y no el banco en el que está sentada, ni los personajes a su lado que están en el encuadre. Difumina con cuidado las líneas rectas que distraen especialmente la vista. Por el contrario, agregue nitidez en los detalles importantes.
La fotografía de género ofrece una oportunidad interesante para componer un retrato de grupo sin colocar a los modelos uno al lado del otro. Por ejemplo, están en diferentes tramos de escaleras, o uno a la vez en diferentes mesas. No los une la proximidad, sino la conexión con objetos iguales o idénticos.
El tamaño de los objetos del fondo debe quedar claro para el espectador. Evite, por ejemplo, tomas de gran angular en las que el modelo parezca más grande que la casa. En la fotografía de estudio todo es relativo, incluidas las dimensiones, pero en la fotografía de género el espectador quiere conocerlas. Coloque el modelo cerca de un objeto de altura conocida por el espectador, por ejemplo, un automóvil. Coloca un gato cerca o dale un paraguas. Necesitamos un estándar mediante el cual el espectador pueda llenar el vacío en su conocimiento del modelo. En los bodegones y en los retratos de estudio, el propio fotógrafo expone todos los objetos; obviamente presta atención a cada uno de ellos. Pero en la fotografía de género, los sujetos se colocan por ti. Aprende a ver cada uno de ellos. Un geranio en el alféizar de una ventana puede crear un fondo más interesante que un edificio distante. Considere el trasfondo del género como una colección de objetos dispuestos. No puedes reemplazarlos, pero puedes agregar énfasis cambiando el ángulo y el enfoque. La composición no es sólo el arte de combinar objetos, sino también el arte de separarlos primero. Para construir una composición, aprende a ver muchos de sus elementos por separado. Una herramienta poderosa en la composición de géneros es el encuadre. Utilice sus conocimientos de composición para seleccionar buenas fotografías y corregir las malas.
La iluminación difusa del plein air sugiere la necesidad de ropa llamativa. No solo puede ser más brillante que en el estudio, sino también texturizado. En tejidos gruesos, incluso una iluminación difusa creará sombras y profundidad. Las telas caladas se ven bien: están saturadas de luz, especialmente de iluminación.
Sería un error fotografiar en primer plano: con la pérdida de contexto, se pierde el significado de una fotografía de género. El paisaje pasa de ser un objeto igual de la composición a simplemente un fondo, incluso borroso. Al perder la luz precisa del estudio y las expresiones faciales precisas del modelo, el fotógrafo en este caso no gana a cambio nada que sea notablemente diferente del fondo sustituido en el posprocesamiento. En su lugar, dispare con una lente de 35 o 50 mm. En la moda del género, puedes disparar con una lente gran angular a corta distancia: la ropa es importante y las proporciones del modelo pueden ser moderadamente cómicas.
Cualquier fotografía debe ser interpretable, pero la fotografía de género, en mucha mayor medida, requiere su propia historia. Debe contener el contexto de "lo que está pasando aquí". Los personajes inusuales, a quienes los malos fotógrafos, por el contrario, consideran autosuficientes y retratan en primeros planos, necesitan especialmente contexto. El momento del rodaje debería ser un clímax, o al menos una continuación. Si el modelo está sentado en la mesa de un café, entonces el vaso debe estar casi vacío. Si camina, la puerta está abierta para recibirla. Una historia no es necesariamente un sustantivo, también puede ser un verbo: un hombre salta un charco, una niña sube corriendo las escaleras. Es importante que la historia sea interpretable y forme una imagen en la imaginación del espectador. Sólo así surgirá el sentimiento de presencia y voyeurismo, tan necesario para el arte.
Insinúa lo que queda fuera del marco. Esto es difícil y rara vez funciona, pero esté atento a tales posibilidades. La pista, si la hay, debe ser legible y no un recorte incomprensible.
Intente agregar algo de dinámica a la foto. Una modelo sentada en una mesa en un café puede verse bien, pero es mejor estar de pie con un paraguas, a punto de salir a la lluvia, o una cara arrebatada a una multitud que se apresura, o una modelo con la ventanilla de un auto entreabierta. Simule la dinámica siguiendo un rostro con una velocidad de obturación larga, creando un fondo borroso. Otro método es el zoom de la cámara, donde con una velocidad de obturación larga se aumenta la distancia focal, difuminando las líneas desde el exterior del encuadre hacia la cara. Este efecto se puede simular fácilmente en el posprocesamiento. Otra posibilidad es fotografiar con una exposición prolongada, cuando se representa a una modelo inmóvil con el telón de fondo de una multitud desdibujada por el movimiento. O el rostro fijo de una modelo girando y su ropa borrosa volando al viento. Al fotografiar con luz natural, el modelo debe estar lo suficientemente alejado de la cámara para que la imagen no quede notablemente borrosa. Cuando se utiliza el flash, la modelo puede estar en primer plano: el flash captura su imagen y la multitud se ve borrosa en una exposición prolongada con luz natural débil. Una vez que hayas enfocado el rostro, usa el modo de seguimiento en la configuración de enfoque de la cámara. De esta manera, el enfoque electrónico se mantendrá en la cara mientras el modelo se mueve.
Es mejor elegir un fondo oscuro para el género: en espacios claros y ligeros desenfoques adquiere misterio; un fondo claro y borroso se percibe como vacío. Por eso las sombras profundas son interesantes. No tengas miedo de utilizar la luz de fondo: las siluetas pueden ser más interesantes que los rostros, y las sombras y las formas pueden ser más interesantes que los objetos. Sin embargo, esto ya no será un retrato.
Al negarse a trabajar en la cara del modelo a favor de la figura, debe comprender claramente por qué lo hace. La figura debe expresar en este caso no menos de lo que suele expresar la cara. Deje que los “Bailarines” de Degas estén ante sus ojos como ejemplo. En la fotografía de siluetas, donde no hay rostro ni detalles de la figura, es necesario trabajar cuidadosamente el contexto: es éste el que se convierte en el rostro de la imagen.
El estilo cinematográfico de fotografía se caracteriza por objetos grandes desenfocados en primer plano y fondo. El estilo se caracteriza por una poca profundidad de campo, de modo que los objetos enfocados quedan intercalados por delante y por detrás en tomas con poca nitidez. Desenfocados están los objetos que apoyan el tema principal de la fotografía. Son borrosos, pero se pueden leer claramente sin convertirse en manchas; el ojo no debe volver a ellos, incapaz de interpretar. El primer plano es estrecho, es sólo un preludio de la trama. La iluminación es espectacular, incluso a contraluz; Los detalles no han sido resueltos. Agregar colores brillantes al área desenfocada es una manera fácil de crear una imagen agradable. En la fotografía callejera de género, el estilo cinematográfico crea un espacio íntimo en medio de la multitud. Hay un interesante contraste entre lo público y lo íntimo. Este estilo también es adecuado para naturalezas muertas.
Es suficiente abrir la apertura a 4 y, en casos raros, con una composición de encuadre ajustada, a 2,8. En postproducción, el contraste y la saturación se reducen ligeramente, los azules y verdes se realzan en Medios tonos, los rojos y amarillos en Destacados.
En la fotografía de género se manifiesta la exigencia de originalidad, común a toda fotografía. ¿Estás pensando en ligar con una chica cerca de una palmera en la playa? Imagínese cuántos millones de imágenes exactamente iguales están esparcidas por Internet. Vea algo en esta palmera que nadie haya visto antes; Ver la palmera como nadie más la ve. Cambie el equilibrio de color, el ángulo y la presencia de objetos extraños. No mires el objeto, sino junto a él: un coco solitario, raíces poderosas, un anuncio pegado en el tronco (bueno, lo pegaste tú mismo): mira algo nuevo. Crea, no hagas clic. Pero no hay tonterías: una modelo trepando a una rama con un vestido parecerá relativamente original, pero absurda, a menos, por supuesto, que intentes retratar un humor sutil. La triple sombra de una palmera, dibujada por tres destellos, será original, pero sólo provocará el encogimiento de hombros del público. La línea entre lo interesante y lo estúpido reside en la interpretabilidad: una buena fotografía es explicable y estimula la imaginación del espectador, una mala fotografía es confusa.
La fotografía de género se rige por las leyes habituales de composición. Objetos de significado, color, tono, textura y tamaño similares se verán conectados, o viceversa, claramente disonantes, como forma y contraforma, vejez y juventud, un automóvil y un carro, un modelo que se acerca a la cámara y un cadete. alejándose en la distancia.
Habiendo expuesto aproximadamente el modelo, pruebe diferentes ángulos; debido a la profundidad del escenario, el aire libre y el interior brindan muchas más oportunidades que el estudio. Evite fotografiar objetos desde el frente; trate de mantener sus líneas y sombras en ángulo. El problema se soluciona solo si disparas a lo largo de la calle: debido a la perspectiva, las casas convergen en ángulo.
Preste atención a los objetos del fondo: el árbol puede estar muy detrás de la modelo, pero en una fotografía 2D la rama sobresale de su cabeza. O la línea del horizonte te corta el cuello. No debe haber objetos brillantes visibles entre las piernas.
Las nubes se ven bien, pero hay pocas. Puedes reducir el cielo verticalmente en el posprocesamiento, entonces las nubes serán más densas. O estire las nubes para que cubran áreas vacías del cielo. Reduzca las áreas informativamente vacías, como el cielo azul o la parte inferior de un puente, ampliando las áreas interesantes.
Observa lo que se refleja en los charcos y los cristales. No debería ser el propio fotógrafo, grandes puntos de luz u objetos claramente extraños. El vaso vacío no es interesante: intenta elegir un ángulo que refleje algo significativo en él. El reflejo queda bien en el parabrisas de un coche: tiene textura, no es nítido; utilizar limpiacristales. En charcos y ríos, los objetos se reflejan al revés; pueden parecer grotescos cerca de los objetos que normalmente están en pie en la composición. Elija un ángulo para que aparezca un espacio notable entre los objetos normales e invertidos. Fotografiar reflejos puede producir resultados interesantes, pero lo aleja aún más de un retrato.
No intentes fotografiar a un modelo con el sol o la luna poniente en el encuadre. Tome una fotografía de los cuerpos celestes por separado y péguelos; Necesitará una lente de 200-400 mm. Será más fácil darte cuenta de que es imposible fotografiar la luna de una manera nueva, elige una fotografía de mesa y encuadrala en tu marco. Evite el aumento excesivo de la luna en el marco cosido, manténgala natural.
En la fotografía de estudio, una toma exitosa suele ser inmediatamente visible; puedes hacer un par de tomas y detener la sesión de fotos. Esto se debe a la puesta en escena del encuadre: el fotógrafo llega al resultado de forma paulatina, y un buen fotógrafo incluso de forma secuencial. No así en el género. Si la toma inmediatamente le parece exitosa, lo más probable es que sea trivial, replicada y vista muchas veces. Quizás incluso sea bueno, pero ya no sea interesante. Hazlo y sigue adelante en busca de algo sutil, difícil de captar, pero muy expresivo.
Un visor pequeño o una pantalla de cámara rara vez le permitirán juzgar la toma. Haz un marco con los dedos y mira la escena a través de él. Mejor aún, pegue una tableta electrónica a la parte inferior de la cámara y muestre las fotos en modo de conexión.
El género de la fotografía de retrato, junto con la naturaleza muerta, es el más adecuado para la fotografía tridimensional emergente. El contraste entre la imagen tridimensional del modelo y el fondo casi plano parece natural e interesante. En la fotografía de estudio existe una preferencia humana, arraigada desde la época de las pinturas rupestres, por una imagen bidimensional.
Una variación del retrato de género es la fotografía de reportaje, cuando el modelo posa sin querer. El fotógrafo busca una toma interesante en la calle y la captura en estilo retrato. Cientos de personas posan para ti de esta manera gratis todos los días es una ventaja. La desventaja es que se le priva de la oportunidad de exponer el modelo y la luz. En lugar de ser director y camarógrafo, te conviertes en un observador competente que puede ver un momento interesante y fotografiarlo. No es el azar, sino la alta profesionalidad lo que permite capturar una combinación imposible de innumerables objetos que corresponde a las leyes de la composición y la narración.
¿Por qué exaltamos aquí la fotografía como una oportunidad para capturar un evento aleatorio, una escena única, mientras que cuando hablamos de fotografía de estudio insistimos en su cuidadosa preparación? La fotografía, como cualquier arte, transmite un momento de fuga. La fotografía de estudio imita esta aleatoriedad; en el reportaje y la fotografía deportiva, la aleatoriedad se produce de forma natural. Puedes elegir una imagen de género entre miles de escenas reales, o puedes ordenar las escenas en tu mente y crear la que necesitas en el set de estudio.
En la fotografía de reportaje se necesita una base poderosa (Sergey Maximishin). ¿Por qué el contexto está en segundo plano? Debido a la distancia, permanece estacionario cuando el fotógrafo sigue al sujeto con el objetivo.
Debido a que el fotógrafo no tiene control sobre los colores de la ropa de los sujetos, la composición a menudo termina rota. Esto es especialmente evidente en los retratos de grupo. Simplemente convierta la imagen a monocromática.
En la fotografía de reportaje, a diferencia de otros tipos, los niños se convierten en sujetos interesantes. Desarrollan expresiones faciales naturales, regresa la flexibilidad de posar y surge un contexto para las emociones.
Dispare a velocidades de obturación superiores a 1/250. De esta forma conseguirás una imagen nítida incluso con movimientos bruscos del modelo. No podrás disparar así con flash: los modelos de precio medio tienen una duración de pulso más larga. Si hay animales en la foto, necesitarás una velocidad de obturación de 1/500; Los gatos se mueven más rápido que las personas. Cuando dispare en condiciones de poca luz, aumente la sensibilidad para mantener esa velocidad de obturación rápida. El rango de sensibilidad útil de su cámara, en el que la imagen sigue siendo de alta calidad, es diez veces menor que el máximo declarado por el fabricante. Una imagen granulada de baja calidad con mala reproducción del color se puede hacer aceptable convirtiéndola a monocromática y aumentando el contraste. Si la sensibilidad no es suficiente, alargue la velocidad de obturación, esperando que no se note un ligero desenfoque. Las personas en pose estática se pueden filmar incluso en 1/25; Los ojos no serán nítidos, pero en la escala de una fotografía de género todavía son apenas visibles.
Un mal hábito es realizar reportajes con un teleobjetivo. Se necesitará una velocidad de obturación muy rápida: según la regla mnemotécnica, al disparar sin trípode, la velocidad de obturación debe ser el doble de la distancia focal: incluso un objetivo estabilizado de 400 mm requiere una velocidad de obturación de 1/800, lo que limita la fotografía a días soleados. Normalmente, la proporción recomendada de 1:1 (1/400 a 400 mm) no es suficiente para obtener una representación visual nítida. Existe un problema similar con las cámaras con una resolución superior a unos 30 megapíxeles: en ausencia de un trípode, la imagen resulta apenas borrosa. Las nuevas tecnologías de estabilización pueden cambiar esto.
En el retrato de género, a diferencia de la fotografía de paisajes, el fondo debe estar ligeramente difuminado para resaltar el rostro. Evite fondos sobrecargados de detalles.
No intente lograr nitidez ajustando la apertura al máximo. Es un engaño. La mayoría de los objetivos proporcionan la máxima nitidez, pero no la profundidad de campo, en las aperturas 7 - 11. La imagen se verá más nítida si elige un ángulo de contraste: un modelo oscuro sobre un fondo claro y viceversa. Una apertura abierta produce transiciones de color suaves; cerrado aumenta el contraste. La elección de la apertura también está relacionada con la elección del objetivo: por ejemplo, las Leica, que se caracterizan por su plasticidad, no deben utilizarse con una apertura cerrada, en la que son casi indistinguibles de objetivos mucho más baratos.
Apunta en modo AF: no puedes fijar al sujeto, pero el enfoque seguirá sus movimientos. Si no puedes enfocar con cuidado, utiliza uno de los filtros en el posprocesamiento que ocultará un ligero desenfoque; por ejemplo, puede mejorar los detalles o el grano. La incapacidad de enfocar con precisión también conducirá a una exposición incorrecta, la cara quedará demasiado oscura; Utilice un filtro HDR en el posprocesamiento. Al mismo tiempo, los colores de fantasía del HDR harán que los errores de enfoque moderados, que a menudo se encuentran en la fotografía de reportaje, sean aceptables. Debido a los colores inusuales, la imagen sugiere impresionismo, con su falta de nitidez.
Una distancia focal de 200 o 400 mm le permitirá pasar desapercibido, pero a esa distancia no podrá cambiar el ángulo de manera efectiva y se perderá el fondo. Sólo podrás capturar una imagen interesante sin la más mínima influencia sobre ella, lo que podría calificar tu participación como creativa. Supera tu timidez y aprende a disparar abiertamente en las calles. En casi cualquier país, este es su derecho legal para fotografías no comerciales. Acércate, elige un ángulo, considera la luz, enfoca con cuidado, dispara con una gran profundidad de campo. Supere la tendencia natural a disparar desde el frente: elija un ángulo de disparo, como en un estudio.
No llames la atención de los transeúntes, de lo contrario perderán su naturalidad. Utilice una cámara pequeña, sin un objetivo enorme. Limpie o quite con cinta adhesiva cualquier parte brillante que tenga. Esconde tu cámara entre los pliegues de tu ropa. No te escondas, pero tampoco te escondas. Vestir casualmente.
La pantalla abatible es más cómoda que el visor a la hora de realizar reportajes, lo que permite al fotógrafo pasar menos desapercibido para los demás. Es mejor que la pantalla gire no solo hacia arriba y hacia abajo, sino también hacia la izquierda y hacia la derecha. De esta forma podrás disparar de forma más discreta. La pantalla táctil es más conveniente y le permite configurar el punto de enfoque con un solo toque. Pero tenga en cuenta que cuando trabaja con una pantalla, sostiene la cámara mucho más abajo que con un visor, y el ángulo de disparo es diferente al que ve su ojo. Deberá acostumbrarse a centrarse en la imagen mostrada y no en lo que es visible a simple vista.
La fotografía de reportaje permite una gran cantidad de fotogramas. Como no tienes la oportunidad de preparar la escena y planificar cuidadosamente la toma, varias tomas no son suficientes. Pero esto no significa que debas hacer clic en todo sin pensar. Las fotos sólo empezarán a funcionar cuando aprendas a notar momentos increíbles. Cuando veas una escena interesante, haz clic mucho para luego elegir la que realmente destaca.
No sostengas la cámara en la mano, sino en un guante abrochado (Hakuba), para que no cambie de manos en la calle. A menos que el objetivo sea muy pequeño, transporte la cámara con el objetivo hacia abajo para evitar dañarla (montura Manfrotto). Al realizar reportajes, no cubra la lente con una tapa; Utilice un filtro ND. Desactive la vista automática: su influencia en el marco del reportaje es mínima y, al mirar el marco anterior, se perderá el nuevo. No apagues la cámara, ponla en modo de suspensión. De esta manera tendrás más posibilidades de reaccionar ante una toma interesante.
Es raro que un buen fotógrafo de reportaje pueda ser también un buen fotógrafo de producción. Ver una escena y pensar en ella son talentos diferentes; encuentra el tuyo.
Una variante del retrato de género es el rodaje en un interior. El fotógrafo consigue un espacio cerrado con un mínimo de influencias extrañas sobre el modelo, luz controlada y, al mismo tiempo, una variedad de entornos. ¿Cuántos libros te has encontrado que sólo presentan las emociones del personaje, sin ningún hecho? Y si los hechos son necesarios en la literatura, no sorprende que sean útiles en las artes visuales. Los hechos son el interior. Se puede desenfocar y sumergir en la penumbra, y luego la técnica de disparo no es diferente de la de un estudio estándar con un fondo de pared. Los muebles pueden ser más reflectantes que el cuero; el interior no debe ser más luminoso que el modelo. Por la misma razón, es poco probable que los muebles brillantes o de colores brillantes le convengan.
Las superficies grandes no deben ser brillantes; el color distrae la atención de las expresiones faciales. Ningún modelo quedará bien contra una pared azul brillante. La excepción es cuando se trata de una técnica artística consciente de dominar un color en toda la imagen.
Los detalles interiores están indisolublemente ligados a la iluminación. En un interior vacío, no muy diferente del fondo de un estudio, se pueden utilizar espacios de luz: no hay objetos que se pierdan en la oscuridad. En otras palabras, la iluminación de Caravaggio es apropiada en una habitación vacía. Si hay muchos objetos, es necesario mostrarlos con luz al menos a nivel de texturas y contornos.
El interior, como cualquier fondo de género, no debe prevalecer en el modelo por su tamaño, color o alto costo. Aleje el modelo lo suficiente del fondo para que los muebles no cuelguen sobre él. Por lo general, 2-3 m son suficientes para que la perspectiva reduzca los muebles a un tamaño comparable al del modelo. Evite reducir excesivamente los objetos del fondo: el cerebro está acostumbrado a percibir objetos grandes como fondo y el modelo puede resultar el fondo de un armario.
Un error común es seleccionar el interior más caro y llamativo que abruma al modelo. Imagínese lo brillante que debe ser una modelo para destacar en un palacio o en una ópera europea. Como mínimo, llegas a la necesidad de un vestido de noche. Gracias al principio de contraste, un modelo lucirá más glamuroso en un coche viejo que en un Lamborghini nuevo y reluciente. ¿Por qué a menudo se pueden ver interiores caros en las revistas? No muestran un retrato, sino una imagen de lujo en la que la mujer es sólo un accesorio. Un interior glamoroso debe estar bien iluminado; Esté preparado para necesitar múltiples accesorios de iluminación.
El interior debe obedecer las reglas habituales de composición. El modelo debe estar en el centro semántico de la composición. Es a ella a quien vuelve la mirada del espectador. Evite las composiciones rotas en las que la vista se desvíe. Los objetos no deben desviar la atención del modelo.
