Descripción de la pintura "Retrato del niño Chelishchev" del artista Orest Kiprensky.
Orest Adamovich (1782-1836) es un gran artista ruso. Se le considera uno de los maestros más talentosos del género del retrato en pintura. Durante su vida creativa, logró pintar retratos de representantes famosos de su tiempo. La pintura a la que se hace referencia aquí se considera una de las más famosas en la obra del artista ruso.
"Retrato de un niño A. A. Chelishchev" - una pintura que fue pintada en 1808-1809. El retrato está pintado al óleo sobre madera. Dimensiones: 48 x 38 cm. Actualmente en la Galería Estatal Tretyakov, Moscú.
La imagen cautivó inmediatamente al espectador y sigue siendo una de las obras más importantes de la obra del artista. Esta imagen llama la atención por la imagen misma del niño, que combina rasgos tanto infantiles como adultos. Alexander Chelishchev * tiene solo 10-12 años aquí, pero en la imagen tiene ojos pensativos y una imagen que es típica de los retratos de adultos.
Para su época, la imagen resultó ser bastante original. El caso es que los artistas de esa época retrataban a los niños como copias en miniatura de los adultos, es decir, sin esa ingenuidad infantil, la risa tonta, las ganas de tontear y divertirse, a veces incluso sin los rasgos característicos de la apariencia que son inherentes a un niño. Los rasgos de tal imagen también son característicos de este retrato, pero aquí el artista representó a un niño con rasgos característicos de un niño. Esta combinación da lugar a la sensación de que el niño Chelishchev está tratando de parecer un adulto, pero sigue siendo un niño, y esto cautiva al espectador, lo toca de lo más vivo en su corazón.
Otro rasgo distintivo del retrato son los ojos inusualmente profundos y melancólicos. En ojos grandes y negros, se pueden ver los primeros rudimentos de sabiduría, los primeros signos de una persona que puede hacer algo en la vida que dejará su nombre en la historia para siempre. El niño aún no ha sido tocado por todas las penurias de la vida, los vicios y las tentaciones, por eso su mirada es pura y franca, sin sombra de engaño ni intento de darse un estatus mayor. El niño nos mira el mundo abiertamente. A pesar de que el niño de la imagen todavía tiene algunos años, y muchos de sus compañeros de nuestro tiempo todavía juegan con juguetes y, a menudo, no piensan en algo más grande y global, se puede ver en los ojos y la expresión de Chelishchev que el el chico ya no es un niño. En esta imagen, Kiprensky parecía poder capturar el momento en que un niño se convierte en un hombre joven.
Es evidente que A. A. Chelishchev tiene un alto origen. El niño tiene un peinado hermoso que los niños comunes no usaban, ropa cara, un color de piel pálido con rubor, una postura uniforme, un ajuste especial de la cabeza, una mirada llena de orgullo y dignidad.
* La pintura representa a Alexander Alexandrovich Chelishchev (1797-1881). Fue capitán de personal, miembro de la Unión de Bienestar, participó en la Guerra Patriótica de 1812.
Orest Kiprensky se ganó el título de artista ruso famoso por su vida, gracias a sus maravillosos retratos. Su trabajo ocupó un lugar especial en la sección del romanticismo, ayudó al desarrollo de este estilo. Una de estas obras fue "Retrato del niño Chelishchev".
La pintura representa a un niño de 12 años. El fondo de la pintura es oscuro, este método es utilizado por los artistas para mostrar más claramente el rostro para que el fondo no confunda al espectador. Esta técnica es visible en muchas pinturas de este autor. Los ojos del niño son grandes, anchos, de color oscuro, parece que son completamente negros. La mirada se va a lo lejos, está claro que el chico está pensativo.
El autor expresó vívidamente los labios regordetes, resaltándolos con rojo. Un rostro ligeramente rosado, mechones negros de cabello cayendo sobre su frente y un poco de mejilla, podemos decir que su peinado era justo ese momento. La expresión en el rostro del niño, por así decirlo, dice que quiere parecer un adulto, pero los rasgos infantiles se apoderan de él. Un look muy adulto y unos labios tan regordetes para los niños.
Un suéter escarlata brillante llama la atención de inmediato. Las cejas arqueadas muestran cierta sorpresa en el rostro del niño. Parece que el niño ya está pensando en el futuro, en lo que le espera, y está intentando comprender el mundo que le rodea. Se puede ver que a menudo piensa en la edad adulta y tiene cierto interés en las pruebas y los problemas.
A pesar de que el niño representado todavía es pequeño, los rasgos de un adulto ya son visibles en él. El artista representó con éxito con la ayuda de un retrato el momento en que un niño pasa de la infancia a la juventud. Deje que el niño todavía juegue y se mime como un niño, pero al mismo tiempo, a menudo piensa en cosas de adultos. La imagen tiene buen contraste, el autor eligió la gama de colores con mucha precisión, los colores oscuros se diluyen con notas brillantes. Entonces, por ejemplo, el cabello negro y una cara clara, un traje oscuro y un suéter brillante transmiten bien la emotividad de la imagen.
Composición basada en la pintura Retrato del niño Chelishchev Kiprensky
El retrato del famoso artista Orest Adamovich Kiprensky representa a un niño de doce años, Alexander Chelishchev, el futuro cadete del Cuerpo de Páginas, más tarde, el héroe de la guerra de 1812 y el Decembrist.
Sobre el fondo oscuro del retrato, que esconde casi toda la figura del niño, su rostro destaca con especial nitidez. El rostro no es del todo un niño, pero aún no es un niño, sino más bien un joven o, como decían durante su vida, un niño.
Hay una contradicción en toda su imagen: un descuidado remolino de cabello oscuro en la parte superior de la cabeza, flequillo despeinado, como si insinuara que el retrato es un niño al que, en principio, no le importa su apariencia. Al mismo tiempo, el cabello en las sienes, prolijamente arreglado en rizos y cayendo sobre el rostro del joven, muestra que el interés por su propia apariencia ya está despertando.
A la primera mirada a la imagen, los ojos del joven atraen de inmediato una atención especial: enormes, marrones, profundos, que miran directamente al alma. Las cejas semicirculares más bien delgadas le dan al rostro del niño una mirada un poco sorprendida e inquisitiva. En la mirada del joven, en la apertura de las cejas, se transmite una pureza infantil de ingenuidad, pero al mismo tiempo se lee en sus ojos sabiduría, tranquilidad y confianza en el futuro.
Los labios del niño son regordetes como un joven, con un pequeño hoyuelo debajo del labio inferior y, hasta ahora, sin la apariencia de un cañón ligero sobre el superior. Alexander todavía tiene las mejillas regordetas de un niño y una cara ovalada.
Una tez pálida con un rubor apenas perceptible habla de los orígenes aristocráticos del niño. Esto también lo confirma la mirada, llena de dignidad, la postura del niño: una espalda uniforme, hombros estirados, posición de la cabeza. Rodamiento francamente militar.
El joven viste a la moda de la época: camisa blanca de cuello alto desabrochado, chaleco cruzado rojo con botones, levita oscura, casi negra, de cuello alto y solapas abotonadas. La ropa también indica que el niño casi ha entrado en la edad adulta: este no es un traje de marinero con pantalones cortos, que eran populares entre los niños de esa época, sino un vestuario bastante adulto. La pintura roja y blanca utilizada para pintar la ropa ayuda a diluir un poco el fondo oscuro del retrato, haciéndolo menos lúgubre.
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O. Kiprensky. Auto retrato.
Un representante destacado del romanticismo en Rusia. Creció en la familia de un patio, pero, se cree, era hijo ilegítimo del dueño de la finca, quien lo asignó a la Academia de las Artes, le dio un apellido “gratis” e inusual. Después de graduarse de la Academia en 1803, se convirtió en retratista.
Incluso durante sus estudios en la Academia, Kiprensky quedó cautivado por el romance. La buscaba por todas partes. Después de una sesión agotadora en las clases de dibujo, Kiprensky se dirigió al terraplén del Neva, vagó por él y cantó poesía ... Kiprensky fue el primer pintor ruso en ganar el reconocimiento europeo. Recibió una orden honorable para un autorretrato para la Galería de los Uffizi en Florencia, donde se guardan los autorretratos de todos los maestros de renombre mundial.
Kiprensky quería ser brillante no solo en la pintura, sino también en la vida cotidiana. Soñó que la fama le daría riqueza, descuido, amor, admiración. En Roma, donde fue para superarse, Kiprensky tuvo que elegir entre la dura vida de un verdadero artista y la dorada existencia de un pintor de moda. Kiprensky eligió este último. En ese momento, el romance ya era cosa del pasado, no encontrando apoyo en la vida cotidiana. Fue reemplazado por la vida real, donde los héroes eran reales. El romance estaba muriendo. Kiprensky murió con ella.
Muchos biógrafos afirman que Kiprensky bebió mucho al final de su vida y acabó con su vida casi bajo una cerca. Sin embargo, hay información de que muchos hechos en la biografía de Kiprensky son controvertidos. Sí, a los 50 años tenía fama, pero no tenía dinero. No se han recibido pedidos. Además, fue acusado de asesinar a una modelo, aunque no fue procesado, y todos los que lo conocían no creían tal acusación, por naturaleza Kiprensky era una persona muy gentil, pero los rumores, una mancha permaneció ...
Al final de su vida, se casó con una joven italiana, Mariucce, pensando en un nuevo comienzo. Pero eso tampoco ayudó. Mariuccia no lo entendió, incluso tuvo miedo, aunque le agradeció que no la dejara morir de hambre. Pero este hecho se disputa, de hecho, Mariuccia estaba muy apegada al artista, él era el único que realmente la amaba. Sin embargo, tenían una gran necesidad de dinero. Kiprensky sufrió una depresión persistente. Además, cogió un fuerte resfriado y se enfermó.
En octubre de 1836, Kiprensky murió de neumonía y fue enterrado en la Iglesia de Sant, Andrea delle Fratte, en Roma, donde se instaló una estela conmemorativa a expensas de artistas rusos.
Seis meses después de la muerte de Kiprensky, la viuda del artista, Anna Maria (Mariuccia), dio a luz a una hija. Rusia ha asignado una pequeña pensión a una viuda con un hijo: 60 ducados por año. Además, la viuda vendió las obras de Kiprensky. La pobreza no amenazaba a la familia Kiprensky.
La galería de obras de Kiprensky es diversa. Estos son autorretratos magníficos, retratos de niños y sus contemporáneos: poetas, escritores, estadistas, líderes militares, amantes del arte, comerciantes, actores, campesinos, marineros, decembristas, artistas, albañiles, escultores, coleccionistas, mujeres ilustradas y arquitectos.
(Utilizado, en parte, material del libro de I. Bocharov e Y. Glushakova "Kiprensky")
Chica en una corona de amapolas. 1823 g.
La niña representada en el retrato es una Mariuccia italiana de seis años, que ocupó un lugar especial en la vida de Kiprensky. Esta es una de las historias de amor más inusuales de la historia. En la primera visita del artista a Italia, estaba buscando un modelo para su pintura. La elección recayó en una pequeña niña italiana, Mariuccia, cuya madre no siguió bien a la niña y llevó una vida agitada. Kiprensky sintió pena por la niña y tomó la parte más ardiente de su vida. Llevó a Mariuccia a su casa, la crió como a una niña. Y cuando tuvo que partir hacia su tierra natal, colocó a la niña en un orfanato del monasterio. Y solo 17 años después, después de haber experimentado mucho sufrimiento, reveses, decepciones, regresó a Italia y se casó con ella. Por supuesto, esto no podría llamarse amor en el sentido generalmente reconocido. Kiprensky esperaba, con la ayuda de una niña, establecer una nueva vida, y Mariuccia estaba agradecida con la artista por su patrocinio, por salvarla de la pobreza y el hambre. Sin embargo, sus esperanzas se vieron frustradas. La felicidad duró solo tres meses. Sí, y no se puede llamar felicidad: Kiprensky enfermó y él estaba empeorando, y Mariuccia le tenía miedo, era incomprensible para ella. El retrato de la niña respira con ternura, confiando en la sinceridad. La imagen de las flores es simbólica: una amapola es un símbolo del sueño y la noche, y un clavel es un símbolo de la inocencia. Uno siente que el retrato está inspirado en los inolvidables lienzos del Renacimiento.
E. Teleshova como Zelia.
Ekaterina Teleshova es la heredera de una familia noble empobrecida. Se graduó de la escuela de teatro en San Petersburgo. Apareció por primera vez en la escena de San Petersburgo cuando aún era estudiante, en 1820. Después de graduarse, aparece en la compañía de ballet del Teatro Bolshoi de San Petersburgo. Realiza con gran éxito. Era una mujer elegante y atractiva, esbelta y alta. Era una bailarina pantónima con expresiones faciales extremadamente expresivas, tenía una extraordinaria ligereza en la danza. Al mismo tiempo, Teleshova también fue una talentosa actriz dramática. En 1827 recibió el título de bailarina de la corte. Ekaterina Teleshova fue inusualmente encantadora y tuvo un gran éxito con los hombres. Su patrón y amante fue el famoso Conde Mikhail Andreevich Miloradovich. Alexander Griboyedov, entonces oficial del regimiento de húsares, estaba enamorado de ella. Le dedicó un poema después de ver la obra "Ruslan y Lyudmila":
¿Quién es ella? - Amor, charita, Ile peri por otro país
Eden dejó su casa.
La nube más fina se entrelaza Y de repente - ¡como el viento su vuelo!
Se derrumbará como una estrella, instantáneamente brillará, desaparecerá, el aire se arremolina
Con un pie alado arriba ...
Karl Pavlovich Bryullov la invitó para el cuadro "Mujer italiana en la fuente", y Kiprensky la retrató en la imagen de Zelia, una de sus heroínas.
En un matrimonio civil, Teleshova estaba con un hombre rico A.F. Shishmarev, de quien tuvo seis hijos. Ekaterina Teleshova murió a la edad de 53 años.
Retrato del húsar Davydov. 1809
Esta es la mejor creación de Kiprensky, un retrato por el que se hizo famoso por primera vez y por el que recibió el título de académico. El retrato está pintado con el espíritu de lo nuevo. de la escuela romántica: una figura de cuerpo entero, con un pintoresco traje de húsar que es ventajoso para un retratista, a través del carácter del retrato retratado para expresar el carácter de toda la generación joven del ejército ruso, que debía defender el honor e independencia de su patria en poco tiempo, para romperle la espalda al enemigo considerado invencible, que conquistó toda Europa. Orestes puso toda su alma en el cuadro. Akimbo, de pie, apoyando su mano izquierda sobre una losa de piedra, y su derecha muy curva sobre su propio costado, un hombre apuesto - un húsar con bigote con rizos negros y patillas. El bordado de oro en la mentica ceremonial escarlata, el oro del sable, en cuyo mango descansa la mano izquierda, y el shako brillan. La luz tenue delinea el contorno de la figura, reflejada en la pared detrás de la cabeza del húsar. El shako, arrojado casualmente sobre una repisa de piedra a la izquierda de la figura, y el sable sobre el que descansa el húsar con su mano izquierda, todo esto dice mucho sobre la personalidad del héroe. Davydov está representado en el contexto de un paisaje con nubes de tormenta, presagiando una tormenta purificadora. Las sombras gruesas y los puntos de luz deslizantes resaltan la figura del guerrero, el contraste contrastante del color rojo de la chaqueta de húsar y las polainas blancas brillantes contra el fondo oscuro del paisaje dan a la imagen de Davydov una emoción romántica. En el trabajo, la pasión del personaje de Davydov se transmite con un poder excepcional. Ella brilla en toda su apariencia: en una pose algo pintoresca, en la mirada ardiente de ojos oscuros, en rizos rebeldes. En la imagen, el artista quiere decir sobre el esfuerzo de Davydov por una hazaña para la gloria de la patria, que es la felicidad personal de esta persona. Cabe señalar que todavía hay disputas sobre cuál de los miembros de la familia Davydov, con quien Kiprensky era amigo, retrató en el retrato. El hecho es que, según la descripción de los contemporáneos, la imagen no se correspondía completamente con ninguno de los jóvenes Davydovs. Lo más probable es que esta siga siendo una imagen colectiva del héroe de guerra, como lo imaginó Kiprensky.
Retrato de E.P. Rostopchina (1809)
Todo lo contrario de Fyodor Vasilyevich es la imagen de su esposa, frágil de constitución, con hombros caídos, una persona aparentemente de voluntad débil, a quien el artista retrató con una expresión tan perdida en su rostro que parece como si las lágrimas estuvieran a punto de salpicar. de sus ojos. Pero mirando más de cerca a esta mujer de apariencia modesta, quizás incluso fea, en sus ojos se nota una fuerza de espíritu y carácter profundamente escondida. Ekaterina Petrovna, a quien los extraños tomaban por sirvienta por su carácter tranquilo y su apariencia anodina en el salón de los Rostopchins, protegía cuidadosamente la independencia de su mundo interior. En 1806, se convirtió en secreto al catolicismo, que durante mucho tiempo nadie, ni siquiera su marido, sospechó. La condesa, convertida en una "apóstata" que comprometía a su marido ya deshonrado a los ojos del zar, confesó al abad Syuryug, que cenaba semanalmente con el conde Rostopchin, caminando con él por las vastas habitaciones de su casa y fingiendo tener pequeños hablar con el jesuita. A lo largo de los años, su compromiso con el catolicismo ha adquirido un carácter francamente fanático. Convirtió a su hija al catolicismo, la favorita de su padre, que se moría de tisis a los 18 años, lo que supuso un duro golpe para su marido, que falleció 2 años después de la muerte de su hija. Ni siquiera asistió al funeral de su marido, explicando esto por la diferencia de religiones. Al final de su larga vida, Rostopchina cayó en el misticismo e incluso escribió tratados religiosos en francés. Kiprensky no sabía nada de esto, pero con su ojo agudo supo discernir inclinaciones místicas en Ekaterina Petrovna e iniciar muy sutilmente al espectador en esto, sumergiendo su modelo en el crepúsculo, desde donde aparece como una visión en un halo luminoso de encaje. gorra y cuello, alzados al cielo, una mirada llena de éxtasis religioso ...
Retrato de N.V. Kochubey (1813) Lápiz, acuarela sobre papel
Kiprensky conoció a Natasha Kochubey, hija de Viktor Pavlovich Kochubei, príncipe, conde, ministro del Interior de Rusia, en Tsarskoe Selo, donde pasó el verano con sus padres. Fue ella quien fue el "primer objeto de amor de Pushkin", y este sentimiento dejó un rastro muy brillante en las almas tanto de la propia Natasha como de Pushkin. Natasha era un año menor que Pushkin, y el año en que se creó el retrato solo tenía 13 años. También es mitad niña, mitad joven. Pero es a esta edad cuando las niñas quieren ser adultas.
Kiprensky, con asombrosa delicadeza espiritual, logró notarlo y plasmarlo en su retrato. El rostro conmovedoramente ingenuo y cómicamente serio de la niña, vuelto hacia el interlocutor, infecta directamente al espectador con la confianza en las personas y la fe en la vida. Toda la apariencia de Natasha respira con tanta pureza, un alma tan despejada, un corazón tan abierto que parece que fue de ella que Pushkin escribió la imagen de Tatyana Larina. Es fácil imaginar que era una chica como Natalya Kochubei quien podía decir con las palabras de Tatyana a Onegin:
¡Otro! ... ¡No, no le daría mi corazón a nadie en el mundo!
Que en el más alto consejo destinado ... Entonces la voluntad del cielo: Yo soy tuyo;
Toda la vida ha sido una prenda del fiel encuentro contigo;
Sé que fuiste enviado a mí por Dios, hasta la tumba eres mi guardián ...
Me apareciste en sueños, Invisible, ya me eras querido,
Tu mirada maravillosa me atormentó, Tu voz sonó en mi alma ...
Niña napolitana con frutas. 1831 g
Kiprensky eligió a una joven adolescente como modelo. Ella sostiene tranquilamente una canasta de frutas en sus manos. Detrás de ella, el espectador reconoce la extensión azul del Golfo de Nápoles con la silueta rota de la isla de Capri a la derecha y el promontorio del Cabo de Sorrento a la izquierda. Todos los detalles de indumentaria y decoración, cuidadosamente pintados, añaden riqueza cromática al cuadro y, junto con el fondo, enfatizan que estamos ante una joven italiana, pintada en medio de su naturaleza nativa, a la hora de coleccionar el regalos de la tierra italiana.
Retrato de E. S. Avdulina (1822)
Tenemos ante nosotros un retrato pintoresco de Ekaterina Sergeevna Avdulina, de treinta y cinco años, esposa del general A.N. Avdulin, un rico filántropo, miembro de la Sociedad para el Fomento de los Artistas. Se la representa contra el fondo de una ventana con nubes arremolinadas detrás y con una rama de jacinto en un vaso. Por lo general, Kiprensky recurría a las alegorías en un retrato con la ayuda de, por ejemplo, plantas (en La niña de la corona de amapolas, las amapolas representan pureza e inocencia). ¿Y qué quería el artista decirle al espectador en este retrato? ¿Es que la vida, personificada por las nubes, pasa y una mujer está destinada a envejecer en lo sucesivo dentro de las cuatro paredes de su casa, de las que, tal vez, los pétalos de jacinto desmoronados y marchitos están hablando de una manera algo sencilla? ¿Contiene algún indicio de algunas razones ocultas del trastorno mental de esta todavía joven, sentada en un sillón en alguna pose aburrida y congelada y complaciéndose en la tristeza? .. No sabemos cómo se entristeció el general Avdulin, al igual que sus contemporáneos. No sé, por qué, sin embargo, la imagen no adquiere un aura de misterio, no evoca ni simpatía ni un deseo ardiente de penetrar en el mundo interior de esta mujer, pues su cabecita de ojos inexpresivos y labios tiernos es, en De hecho, nada interesante y no promete recompensar la curiosidad por sus pensamientos e inquietudes. La mirada se distrae involuntariamente en la imagen de los detalles: la fina piel magníficamente representada de la cara, el cuello y las manos, los patrones del chal sobre los hombros, el collar y las pulseras en los brazos y, por supuesto, las manos escritas de manera extremadamente expresiva. , en el que todas las venas son visibles. En una palabra, lo que sucedía siempre sucedía cuando Orestes pintaba un retrato de una persona ordinaria, aburrida, poco interesante, incapaz de inspirar para crear una imagen verdaderamente espiritualizada.
Retrato de F. V. Rostopchin (1809)
A los moscovitas les gustaron mucho los retratos emparejados de los Rostopchin, principalmente porque el artista, habiéndose desviado de las reglas generalmente aceptadas, no quería halagar a sus modelos en absoluto y los pintó como se le aparecían al artista en vida. FV Rostopchin, un noble seguro de sí mismo de mejillas sonrosadas con una gran frente calva y ojos saltones, es representado por el artista sentado en un sillón y perdido en sus pensamientos. Pero sus ojos de una manera extraña no están vueltos hacia adentro, como cualquier persona pensativa, sino que están observando con atención algo que está sucediendo en algún lugar a un lado. Por eso no hay ni una sombra de relajación en su figura, está llena de ansiedad y tensión escondidas, como un resorte de acero apretado, listo para enderezarse en cualquier momento y liberar energías contenidas. Junto con un comienzo extremadamente activo y efectivo en el personaje de Rostopchin, Kiprensky mostró francamente su arrogancia, excentricidad, rasgos despóticos ...
Retrato del niño Chelishchev (1810)
Una de las mejores obras de Kiprensky. El artista representó un retrato de un niño de doce años que se prepara para ingresar al Cuerpo de Pajes. Chelishchev tiene un gran futuro reservado. En 1812, el joven se convertirá en participante de la Guerra Patriótica, luego será miembro de la Sociedad Norteña de Decembristas. Pero esto es en el futuro. Ahora vemos a un niño con todo por delante, que está a punto de crecer. El niño mira al mundo abiertamente. Sus grandes ojos oscuros irradian bondad, espontaneidad e ingenuidad infantiles. Los labios gruesos, al parecer, ahora se están convirtiendo en una sonrisa. Rostro redondo, cabello ligeramente despeinado. Entonces parece que el chico se cansará de posar ahora, se soltará y se escapará. Pero la época de la infancia ya está pasando. Si miras de cerca, podemos ver que los ojos ya no se reflejan en los sueños de la infancia. Y el niño no es tan ingenuo como podría parecer a primera vista, en su imagen se puede leer la razón y la voluntad fuerte. La combinación de colores elegidos por el artista completa la imagen: una chaqueta oscura, un cuello apenas perceptible de una camisa blanca, un chaleco escarlata, agregan un toque de misterio al retrato de Chelishchev.
Retrato de Pushkin A.S. (1827)
Esta es una de las representaciones más significativas de toda la vida del gran poeta. El propio Pushkin apreció mucho este retrato. Se sabe que el amigo de Pushkin, A.A. Delvig, encargó la pintura a Kiprensky. Sin embargo, tras la muerte de su amigo, Pushkin le compró el retrato a la viuda, pagando una gran suma por esos tiempos, aunque él mismo realmente necesitaba fondos. El retrato siempre colgaba en el estudio del apartamento del poeta en Petersburgo.
El lienzo está realizado en una gama de tonos negros y marrones, cuya moderación masculina queda bien acentuada por el brillo de las manchas rojas del forro a cuadros de la capa ("cuadros") que se emite sobre el hombro. Los brazos cruzados sobre el pecho dan confianza y coraje a la figura. La obra revela el espíritu inquebrantable del poeta en un momento difícil de pruebas, que recayó en la suerte de las fuerzas avanzadas de Rusia tras la derrota de los decembristas.
A Pushkin le gustó mucho el retrato, le dedicó las siguientes líneas a Kiprensky:
Amante de la moda de alas ligeras, aunque no británica, ni francesa,
Me volviste a crear, querido mago, una mascota de puras musas,
- Y me río de la tumba, alejada para siempre de las ataduras mortales.
Me veo como en un espejo, pero este espejo me halaga.
Dice que no humillaré las adicciones de anoides importantes.
Entonces Roma, Dresde, París de ahora en adelante se conocerá mi apariencia.(Año 1827)
Retrato de A. A. Olenina
Retrato de A.R. Tomilov (1828)
Retrato de D.N. Khvostova (1814)
Retrato del príncipe N.P. Trubetskoy (1826)
Retrato de O. A. Ryumina 1826
Descripción de la pintura de Kiprensky "Retrato del niño Chelishchev"
Si las personas pudieran conocer su futuro de antemano, ¿todos querrían convertirse en adultos? No sé.
Sólo el retrato pintado por O. Kiprensky, que representa a un niño de unos doce años, parece prever el futuro de su héroe.
¿De quién trata el cuadro "Retrato del niño Chelishchev"? ¿Era posible adivinar por la apariencia del niño sus acciones audaces en el futuro?
¿Por qué, entre cientos de niños conocidos, Kiprensky fue el primero en decidir escribir al Chelishchev más joven? ¿Cómo este niño tocó tanto al pintor que fácilmente le dedicó su tiempo y pintó uno de los retratos infantiles más interesantes? Probablemente hablaron más de una vez.
Se sentaron uno al lado del otro y hablaron sobre varios temas.
¡Cómo impresionó al artista adulto la espontaneidad infantil del niño! Probablemente se hicieron amigos por tal pasatiempo.
Encontré la verdad de estas suposiciones cuando vi accidentalmente el nombre de este niño entre todos los adolescentes que, apenas tres años después, partieron a la gran batalla por su patria con los franceses.
Resulta que tenía entonces quince años.
Edad suficiente para estudiar, pero absolutamente inapropiado para una guerra seria.
Esto significa que durante mucho tiempo la conciencia del niño creció más rápido que la de todos sus compañeros.
Creo que esto se debe precisamente a la libre comunicación con los adultos sabios.
Las conversaciones no fueron en vano, porque el futuro futuro de Chelishchev ya está entre los decembristas.
Sí, qué rápido creció este niño para tomar decisiones tan serias.
El retrato llama la atención, no tiene un aspecto infantilmente inteligente.
Como si pudiera decir con estos ojos tantas cosas que ni siquiera veían.
Ojos oscuros y tristes miran tranquilamente desde el lienzo, como si mirasen dentro de mí, directamente en mi alma.
¿Qué ve allí? ¿Soy digno de comunicarme con él?
Retrato del niño Chelishchev por Orest Adamovich Kiprensky. 1808. Óleo sobre lienzo. 48 x 38 cm
Esta imagen es uno de los primeros retratos de niños, donde el artista realmente trató de retratar a un niño con todo su mundo interior, y no una copia reducida de un adulto, como se hacía antes. Nuestros contemporáneos no comprenden que hace relativamente poco tiempo, los niños no fueron tratados como se trata ahora. Ni siquiera tenían ropa especial para "niños"; los niños iban vestidos con copias en miniatura de los trajes de los adultos. No se trataba de psicología infantil.
La mayoría de los retratos de niños de esas épocas muestran a los niños pequeños y adolescentes como una versión más pequeña de un adulto, están vestidos y peinados como sus padres. Esas pinturas parecen artificiales y los niños se asemejan a estatuas de cera, con las más raras excepciones ("Boy in Blue" de Gainsborough y "Meninas" de Velázquez).
En este retrato, el artista representó por primera vez a un niño real, sin estilización de la edad. La pintura, inscrita en un óvalo según el estilo de la época, representa a un niño de mejillas regordetas de niño y piel delicada. Tiene labios brillantes y deliciosos y ojos grandes y oscuros muy expresivos. Inmediatamente captan la atención del espectador, ya que el artista logró transmitir en ellos una cierta consideración infantil. Parece que mientras posaba, el niño se distrajo de lo que estaba pasando y se sumergió en sus propios pensamientos.
Como es bien sabido que el artista pintó todos sus retratos de la vida, queda clara una imagen tan atractiva de un niño. El maestro simplemente transmitió asombrosamente todos los rasgos del rostro del niño y su expresión única, por lo que queda claro de inmediato que estamos frente a un niño. A pesar de la ropa y el peinado de "adultos", se trata de un niño pequeño, ante quien hay un gran futuro. Todavía es desconocido para nadie, pero en el futuro este niño dulce y soñador se convertirá en un héroe de la Guerra Patriótica de 1812, luego ingresará en una de las sociedades decembristas que intentaron cambiar la historia del país derrocando la autocracia.
Pero todo esto es en un futuro lejano, y ahora el futuro decembrista se encuentra en un estado en el que la infancia se convierte gradualmente en adultez. Con toda la ternura exterior en el porte orgulloso del niño, en su manera de sostener la cabeza y mirar, se puede sentir la raza y la excelente crianza. El artista logró plasmar esta fina línea, darle vida al retrato, por lo que aún despierta admiración.
El esquema de color es sobrio, pero expresivo debido al acento central brillante: el chaleco escarlata del niño. Su levita azul oscuro crea un hermoso contraste con el color delicioso y pegadizo, y los colores brillantes proyectan reflejos rosáceos en sus mejillas aún infantiles, suaves y delicadas. La buena complexión de un niño de la alta sociedad se realza con la blancura azucarada del cuello de la camisa, casi oculta por el cuello alto de la ropa exterior. El peinado también llama la atención: este es un estilo masculino típico, de moda en esos tiempos románticos.
No hay un solo detalle en el retrato que pueda desviar la atención de la apariencia del niño y su rostro conmovedor. Composicionalmente, la imagen está idealmente inscrita en un óvalo, el fondo es uniforme, grisáceo, diseñado solo para dar volumen y colores vivos al retrato del niño. La ropa también es sumamente simple, sin detalles ni adornos, solo llaman la atención los grandes botones de un chaleco rojo de abotonado alto, cubierto con la misma tela de la que está cosida la prenda. Todo esto está destinado a que la atención del espectador se concentre en el rostro del niño, en sus expresivos e insondables ojos negros. Si seguimos la afirmación de que los ojos son el espejo del alma, entonces el maestro logró capturar perfectamente el alma viva y en desarrollo de un niño, preservando esta maravillosa imagen para la posteridad.
