El camino creativo de Shakespeare se divide en tres etapas... Desde las primeras crónicas, las primeras comedias y poemas hasta Romeo y Julieta y "Julio César" (1590-1599); luego de "Aldea" a "A Timón de Atenas" (1600-1608) - una época trágica, que cubre las alturas del drama de Shakespeare y, finalmente, el período tardío - antes de irse (1609-1613), dramas fabulosos o románticos, entre ellos palabras de despedida - "Tormenta", y la última crónica algo solitaria Henry YIII escrito, como creen algunos investigadores, no solo por Shakespeare. También hay más divisiones fraccionarias. Capturan matices adicionales sin cambiar la línea general del trabajo de Shakespeare.

En sus primeros experimentos de etapa, Shakespeare se volvió hacia el pasado de Inglaterra, que era relativamente reciente para esa época. Al principio, Shakespeare siguió la historia, luego, sin embargo, retrocedió, volvió a los tiempos anteriores, lo que representa la agitación de la Guerra de los Cien Años.

Si rompemos el orden de aparición de las crónicas de Shakespeare y las ordenamos de acuerdo con la secuencia histórica: "Rey Juan" (1596), "Ricardo II" (1595), "Enrique IV" (partes 1-I, 1597-1598 ), "Enrique V" (1598), "Enrique VI" (parte G - III, 1590-1592), "Ricardo III" (1592), "Enrique VIII" (1613), luego de la época del rey Juan el Sin Tierra. al reinado de Enrique VIII, padre de la reina Isabel, en otras palabras, cerca de la era de Shakespeare, se desarrollará la imagen del ascenso de Inglaterra, el crecimiento de su monoliticidad y grandeza estatal.

La lucha feudal, la enemistad de las rosas blancas y escarlatas, la famosa batalla de Azincourt, las guerras en Francia, el levantamiento de Jack Ked, la batalla de Bosworth son hitos importantes en la historia rusa y, por supuesto, las figuras más grandes: reyes, nobles, generales, héroes populares: Jeanne d "Ark o Jack Ked: todo esto está plasmado en movimiento vivo por las crónicas de Shakespeare.

Shakespeare manejó los hechos históricos con libertad. Las obras de teatro se basaban no tanto en hechos como en la idea predominante de estos hechos, de hechos y personajes históricos. Shakespeare fue fiel a la historia en eso. Es acertado cuando se trata de las tendencias de la época, sobre dónde y cómo se movía la historia inglesa en ese momento. Shakespeare logra una verdad y expresividad especiales en los tipos del pasado, en la representación de los personajes del pasado. No se trata de una restauración, sino de tipos del pasado, conservados, sin embargo, desde los siglos pasados \u200b\u200bhasta la era de Shakespeare. En la corriente principal de una era, impulsada por la idea de un tiempo histórico, cuando el viejo mundo revivió y el Nuevo Tiempo se realizó en su contexto, así como el Nuevo Mundo se descubrió al otro lado del océano, Shakespeare encarnado en la historia tramas y situaciones, y especialmente en los personajes, la naturaleza de épocas pasadas. Este es el historicismo artístico. La época de Shakespeare es la respuesta a preguntas históricas y sociales básicas. En las crónicas de Shakespeare, se dice que los señores feudales de la oposición son abolidos no por la voluntad del rey, sino por el tiempo. Y ellos mismos, resistiendo al poder centralizador, se dan cuenta de que están intentando frenar la historia.

Shakespeare abrazó a todo el país, a toda la nación, al pueblo en un movimiento histórico. La mirada de Shakespeare tenía una enorme extensión en el espacio y en el tiempo. Shakespeare resumió los resultados del milenio en sus crónicas, observando y mostrando la formación del estado inglés. La fuerza de Shakespeare se manifiesta en la capacidad de transmitir tanto el "tiempo" como una era que forma a los "contemporáneos" y la escala de los tiempos históricos.

Al comienzo de la crónica "Enrique IV" se dice que los ingleses deben cumplir con un deber que los ha acosado durante catorce siglos. Entonces el rey anuncia que "han pasado doce meses" ya que se decidió que ellos cumplieran con este deber. Finalmente, se vuelve a las decisiones del consejo de estado adoptadas "ayer". Así, en una conexión viva e inmediata, como algo cercano y tangible, se comprende la historia. Los personajes, y con ellos Shakespeare y su público, se sintieron partícipes de un proceso que se prolongó durante casi mil quinientos años: se viven siglos tan reales como lo que sucedió "ayer".

En la primera crónica de Shakespeare, la imagen de una vida patriarcal, una existencia pacífica y sin pretensiones se opone a la "vanidad de la corte", aparece como un refugio seductor y deseado de los elementos promulgados de ambiciones sangrientas, un refugio bienvenido pero inalcanzable. Un sentido del curso histórico del tiempo se encuentra en los giros de los acontecimientos y los destinos personales, que se encuentran en el comienzo mismo del camino creativo del dramaturgo. E inmediatamente, la necesidad de equilibrio se manifiesta en una forma viva, y uno puede captar su prototipo social y su base real.

Una serie de comedias intercaladas con el ciclo de crónicas de la obra de Shakespeare; las diez "comedias divertidas" de Shakespeare fueron creadas en el primer período de su carrera dramática. El contraste en el ambiente social, moral y emocional de estos grupos de obras es evidente: "días sangrientos" en las crónicas y "días felices" en las comedias - La comedia de los errores (1592), El sueño de una noche de verano (1595), Mucho ruido y pocas nueces (1598), Como a usted le gusta (1599).

Las crónicas y comedias de Shakespeare son esferas independientes de la creatividad dramática, teniendo en cuenta las diferentes tareas de la representación teatral y la peculiaridad de los géneros, pero no aislados, sino interconectados. Las "Comedias divertidas" se correlacionan con crónicas saturadas de drama, pero no porque sean capaces de servir como una liberación cómica de tensión dramática y no como un comentario que despierte el buen estado del Espíritu.

Las primeras tragedias contienen motivos que predicen la tragedia "Aldea" y "Rey Lear". La participación activa del hermano Lorenzo en la suerte de Romeo y Julieta, impulsada y consagrada por el humanismo renacentista, termina no con el triunfo de su proyecto humano, sino con la muerte de los héroes. Las circunstancias son más fuertes que el esfuerzo inspirado y las buenas intenciones. La confluencia de hechos que impidieron su ejecución no suaviza la tragedia de la situación, no libera al humanista activo de los sentimientos de culpa personal e indica la trágica discrepancia entre las ideas ideales de los humanistas y la realidad voluntaria.

Entre las obras de Shakespeare, hay un grupo especial cuatro dramas "antiguos" -- Julio César (1599), Antonio y Cleopatra (1606), Coriolano (1607), Timón de Atenas (1608).

"Julio César" - Jugar "cambio de siglo", un fenómeno de transición en la obra de Shakespeare. Sigue nueve crónicas de la historia inglesa, un ciclo inacabado de crónicas nacionales, que amplía el horizonte histórico del drama de Shakespeare. Precede a las grandes tragedias y es una "tragedia-crónica", un género mixto y transicional. Se centra en la historia política de un punto de inflexión y el trágico destino de sus grandes personajes, revelando la base objetiva del movimiento del tiempo histórico, la inflexibilidad del proceso histórico y las consecuencias reales de las aspiraciones y voluntades subjetivas.

Como en sus otras obras de teatro, expandiendo la acción en países extranjeros y en otras épocas, Shakespeare también representa la Inglaterra de su época. Sin embargo, Ancient Rome en Julia Caesar no es un seudónimo de Londres; conserva características tanto nacionales como históricas. en Julia Caesar, el clima político y cívico y los personajes de las figuras políticas de la Antigua Roma son evidentes. En Julia Caesar, la acción está conectada con la ciudad, con los problemas urbanos, y este drama es en realidad “urbano”, desde el césped aterciopelado bajo el “árbol verde” la acción se traslada de una vez por todas a la piedra de la ciudad. El mismo ambiente urbano en Coriolanopero en la propia tragedia británica "Rey Lear" en el estado de ánimo de los personajes se manifiesta la misma crueldad "de piedra".

Shakespeare transmite un estado específico y paradójico: cuando el progreso integral, la expansión de horizontes reducen el Universo en la mente del hombre, el mundo se vuelve estrecho y pequeño. La multitud urbana en Julia Caesar aparece como una fuerza formidable, tal fuerza de movimiento histórico, que no estaba en las crónicas de la historia de Inglaterra. Shakespeare simpatiza profundamente con los pobres urbanos, especialmente si se encuentran a merced de demagogos inteligentes, como en la tragedia "Coriolanus", hace justicia a las demandas de las masas urbanas, está listo para comprender su extrema desesperación e ira cuando están decididos a ir a la rebelión.

Y fuera de los dramas antiguos, la tragedia de Shakespeare, como todo lo inherente a Shakespeare, se distingue por su escala. El enfoque moderno basado en el historicismo ve la tragedia en las obras de Shakespeare en el desarrollo de grandes procesos que se desarrollan a través de los personajes y su lucha. El paso de un tiempo largo o incluso de épocas diferentes, superponiéndose y chocando entre sí: esta es la línea principal de Shakespeare tragedias.

En una etapa decisiva de su obra, Shakespeare ascendió a la tragedia que acompañó al Renacimiento.

Cada una de las tragedias de Shakespeare es una tragedia "De su tiempo" se originó a partir de las contradicciones del curso principal de la historia en el Renacimiento. El descubrimiento del Nuevo Mundo y la pérdida de ilusiones sobre algunas tierras prometidas.

Es importante que un contemporáneo de Shakespeare señale que Hamletov se había vuelto "pleno y pleno" diez años antes de la aparición de la tragedia de Shakespeare: el tipo inmortalizado por Shakespeare estaba tomando forma. La unidad de Hamlet, la "soledad", por lo tanto, es condicional. El mismo Hamlet no comprende del todo lo que "recuerda" en él. De ahí el "misterio" de su estado, sus comentarios, paradojas.

Las nuevas convicciones en la mente de Hamlet y de todos los demás héroes trágicos de Shakespeare no existen en su "forma pura", sino en diversas conexiones y entretejidos con creencias tradicionales. Los personajes heroicos de las tragedias de Shakespeare son una fusión compleja creada por la influencia de diferentes fuerzas: un entorno semipatriarcal y su colapso, un período de transición con su fermentación violenta, que causa un ascenso espiritual, y el desarrollo burgués, que sirvió como base. por el cambio y la causa de la crisis.

EN El rey Lear (1605) el material de la tragedia es una maraña de estratos históricos. Las personas que viven en él le temen a las brujas, y no le temen a nada en el mundo, todavía creen en las estrellas, y no creen en nada en absoluto. El hombre se siente a la vez un animal de dos patas y dueño de su propio destino. El tiempo ha madurado, los conflictos se han definido ". Y esto no es solo un conflicto entre dos generaciones, es la desintegración de eras centenarias. La escala de lo que está sucediendo: la historia no es en el sentido: un pasado lejano, similar al presente, sino la historia misma como proceso: una cosa se va, otra llega.

Una disputa con su hija sobre el séquito: el rey quiere dejar atrás a su séquito como un caparazón, donde su mundo se conservaría, disminuiría, pero seguiría siendo el mismo mundo. El mundo de valor de Lear es un mundo de valor crudo, juventud brutal.

Shakespeare muestra cuán tenazmente las personas se aferran a "su tiempo" y cómo se dejan llevar por él. El tiempo está encarnado en las personas, las palabras clave de esta tragedia son raíz, sangre, semilla, género y sobre todo naturaleza. El texto de Shakespeare está saturado de estas palabras, en las que el tiempo y el lugar se entrelazan: historia. Detrás de las palabras, de los conceptos, detrás de los conceptos, una visión de las cosas, una forma de vida, la que se ha deteriorado y estallado por las costuras bajo la presión del cambio.

La diferenciación de las personas en la tragedia se produce según cómo entienden la naturaleza, en qué la buscan, en sí mismos o por encima de ellos mismos. No importa cuán grande sea la vanidad de Lear, todavía se considera a sí mismo como una parte de la naturaleza, mientras que Edmund es mucho más atrevido en su orgullo, pero también ve en sí mismo el centro de la naturaleza.

Shakespeare, que pintó la antigüedad, está tan interesado en lo patriarcal que incluso se sospechó que tenía una adicción "aristocrática" al pasado, en King Lear esta adicción casi no aparece. Más bien, por el contrario, con trazos bruscos deja claro que los viejos tiempos son completamente antiguos y pasados \u200b\u200bde moda. El pasado se va. Shakespeare muestra esto de manera clara y sucinta. Pero sigue el inicio de nuevos tiempos en detalle y desde diferentes ángulos. Shakespeare crea la máxima tensión trágica o incluso un trágico equilibrio de poder.

Es imposible deducir de Shakespeare alguna "idea" de una sola línea, pero Shakespeare tiene su propia sabiduría especial. Lo expresa en "King Lear" brevemente, en esencia en una frase: "La madurez lo es todo".

Shakespeare se dedica al análisis tanto del hombre como de la sociedad, por separado, en conexiones indirectas y directas. Analiza la naturaleza sensual y espiritual del hombre, la interacción y lucha de los sentimientos, los estados de ánimo en su movimiento y transiciones, el desarrollo de los afectos, su poder movilizador y destructivo. Enfoca el análisis en estados críticos de conciencia, en las causas de la crisis espiritual, causas externas e internas, subjetivas y objetivas, superficiales y profundas. Revela los estímulos y la lógica del comportamiento humano en sus relaciones directas e indirectas con la sociedad. Tal comprensión, comprensión psicológica y social, precisión y contenido de análisis son característicos de la literatura inglesa del Renacimiento, solo Shakespeare, sus tragedias, el pináculo no solo del inglés, sino de toda la literatura europea del Renacimiento.

EN OTELO (1604) no está desnudo, al contrario, se subraya, por así decirlo, la dependencia de la conciencia trágica del héroe y su muerte del entorno social. Otelo se levantó con sus propios esfuerzos, pero con sus propias manos arruina su valor, fama, amor y vida, se destruye no solo a sí mismo, sino a Desdémona, la encarnación del ideal renacentista de la feminidad, sublime, espiritualizada y real terrenal. Esta es la peculiaridad del personaje del protagonista y la trama de la tragedia. Por el momento, las aspiraciones de Otelo y Yago no chocaron, pero llegó un momento, y la colisión se hizo inevitable. Esto no es un choque de lo nuevo con lo viejo: tanto Otelo como Yago llevan, por supuesto, en diferentes proporciones y en diferentes formas, los rasgos de lo antiguo, ambos fueron planteados por el Renacimiento, pero cada uno a su manera: uno - expresa sus ideas y en parte las aplica a la práctica de la vida generalizada, el otro utiliza las normas renacentistas con la energía y amoralismo desatado en el curso del nuevo ataque a la ética trascendental de la Edad Media.

Iago no solo se liberó de los prejuicios, superó todo tipo de obstáculos internos, la asombrosa flexibilidad de carácter se logra en él mediante un total desprecio por las normas sociales. Ésta no es la libertad de la mente cuando una persona, entendiendo la relatividad de los principios morales, se da cuenta de su significado histórico, y si asume la responsabilidad de ser el juez de sus acciones, entonces confía en la razón, sin abusar de ella. Para Iago, la libertad es libre albedrío, persiguiendo el beneficio personal.

La integridad, la espontaneidad y la nobleza de carácter son el rasgo fundamental de Otelo, lo destaca Shakespeare como distintivo de una persona, correspondiente al ideal humanista. La cuestión de la importancia de las fuerzas sobrenaturales en el drama de Shakespeare, en el desarrollo de sus tramas y personajes, en el concepto de lo trágico continúa ocupando a los estudiosos de Shakespeare, especialmente en relación con el problema del realismo de la obra de Shakespeare.

En la última tragedia de Shakespeare, Timón de Atenas (1608)por el contrario, enfatiza la conexión entre la tragedia del héroe y el estado moral del entorno social, y la crisis moral con la influencia de las fuerzas sociales materiales. Si la transición del primer período al segundo parece ser abrupta, pero comprensiblemente natural, entonces Shakespeare del último período parece irreconocible. La transición aquí no es tan contrastante como la diferencia entre el optimismo de las crónicas y comedias, por un lado, y la tristeza de las tragedias, por el otro. En la última etapa, Shakespeare se convierte, por así decirlo, en un dramaturgo completamente diferente, aunque sigue desarrollando los mismos temas. El desarrollo de los mismos motivos, pero de una manera completamente diferente, enfatiza el principio de cambio. La impresión general de las últimas obras de Shakespeare, compartida por muchos críticos, es que se trata de situaciones de Shakespeare, que parecen estar representadas no por Shakespeare, sino por un dramaturgo de otra escuela, aunque no hay duda sobre la autoría de Shakespeare: las obras entraron en la "Canon" de Shakespeare, y "Tormenta", que concluyó el camino de Shakespeare, abre la colección de 1623. El propio Shakespeare ha cambiado significativamente, no solo dentro de los límites de su propia evolución, sino también en el contexto de una era literaria completamente diferente.

Este es Shakespeare, un contemporáneo mayor de Donne y Webster, una generación joven y fundamentalmente nueva en la literatura. Una generación que reconoció su deuda con la época de Shakespeare, con Shakespeare, y que al mismo tiempo definitivamente remitió a Shakespeare al pasado. Shakespeare, por su parte, intenta seguir el ritmo de la nueva etapa Un rasgo característico de las obras posteriores de Shakespeare fue la "anatomía" cada vez más profunda de la psique humana, las relaciones humanas. En las obras de Shakespeare, el número de referencias a Rusia y los rusos crece en proporción a la frecuencia cada vez mayor de las relaciones entre Inglaterra y Rusia, relaciones que se establecieron sobre una base estatal precisamente en la época de Shakespeare.

"Tormenta" por así decirlo, vuelve a un escenario más tradicional de Shakespeare, al círculo de personajes típicamente shakesperianos y, al mismo tiempo, contiene un motivo distinto de "adiós". Según la trama, la obra fue una respuesta directa al suceso que fue el tema del día, cuando una gran expedición inglesa se estrelló frente a la costa de América, cerca de las Bermudas, en la que Shakespeare hizo el escenario de La tempestad.

III. Las principales etapas de la creatividad.

El camino creativo de Shakespeare se divide en tres etapas... Desde las primeras crónicas, las primeras comedias y poemas hasta Romeo y Julieta y Julio César (1590-1599); luego de "Hamlet" a "Timón de Atenas" (1600-1608) - una época trágica, que cubre las alturas del drama de Shakespeare, y, finalmente, el período tardío - antes de partir (1609-1613), dramas fabulosos o románticos, entre para ellos una palabra de despedida: "La tempestad", y la última crónica algo solitaria "Henry YIII", escrita, como creen algunos investigadores, no sólo por Shakespeare. También hay más divisiones fraccionarias. Capturan matices adicionales sin cambiar la línea general del trabajo de Shakespeare.

En sus primeros experimentos de etapa, Shakespeare se volvió hacia el pasado de Inglaterra, que era comparativamente reciente para aquellos tiempos. Al principio, Shakespeare siguió la historia, luego, sin embargo, retrocedió, volvió a los tiempos anteriores, lo que representa la agitación de la Guerra de los Cien Años.

Si violamos el orden de aparición de las crónicas de Shakespeare y las ordenamos de acuerdo con la secuencia histórica: "Co-papel Juan" (1596), "Ricardo II" (1595), "Enrique IV" (parte 1-I, 1597 - 1598), "Enrique V" (1598), "Enrique VI" (parte G - III, 1590-1592), "Ricardo III" (1592), "Enrique VIII" (1613), luego de la época del rey Juan Lackland hasta el reinado de Enrique VIII, el padre de la reina de los pactos de Eli, en otras palabras, cerca de la era de Shakespeare, se desarrollará la imagen del surgimiento de Inglaterra, el crecimiento de su monoliticidad y grandeza estatal.

Las luchas feudales, la enemistad de las rosas blancas y escarlatas, la famosa batalla de Azincourt, las guerras en Francia, el levantamiento de Jack Ked, la batalla de Bosworth son hitos importantes en la historia rusa y, por supuesto, las mayores figuras - co- roles, nobles, generales, héroes populares: Jeanne dArc o Jack Ked: todo esto está plasmado en movimiento vivo por las crónicas de Shakespeare.

Shakespeare manejó los hechos históricos con libertad. Las obras de teatro se basaban no tanto en hechos como en la idea predominante de estos hechos, de hechos y personajes históricos. Shakespeare fue fiel a la historia en eso. Es acertado cuando se trata de las tendencias de la época, sobre dónde y cómo se movía la historia inglesa en ese momento. Shakespeare logra una verdad y expresividad especiales en los tipos del pasado, en la representación de los personajes del pasado. No se trata de una restauración, sino de tipos del pasado, conservados, sin embargo, desde los siglos pasados \u200b\u200bhasta la era Shek-Spiri. En la corriente principal de la era, impulsada por la idea del tiempo histórico, cuando el viejo mundo revivió y el Nuevo Tiempo se realizó en su contexto, así como el Nuevo Mundo se descubrió a través del océano, Shakespeare encarnado en tramas históricas y situaciones, y especialmente en personajes, la naturaleza de tiempos pasados. Este es el historicismo artístico. El tiempo de Shex Feast es la respuesta a preguntas históricas y sociales básicas. En las crónicas de Shakespeare, se dice que los señores feudales de la oposición son abolidos no por la voluntad del rey, sino por el tiempo. Y ellos mismos, resistiendo al poder centralizador, se dan cuenta de que están intentando frenar la historia.

Shakespeare abrazó a todo el país, a toda la nación, al pueblo en un movimiento histórico. La mirada de Shakespeare tenía una enorme extensión en el espacio y en el tiempo. Shakespeare resumió los resultados del milenio en sus crónicas, observando y mostrando la formación del estado inglés. La fuerza de Shakespeare se manifiesta en la capacidad de transmitir tanto el "tiempo" como una era que forma a los "contemporáneos" y la escala de los tiempos históricos.

Al comienzo de la crónica "Enrique IV" se dice que los británicos deben cumplir con un deber que gravita sobre ellos durante catorce siglos. Entonces el rey le informa que "han pasado de dos a once meses", cómo se decidió que cumplieran con este deber. Y finalmente, se vuelve a las decisiones del Consejo de Estado adoptadas "ayer". Entonces, en una conexión viva e inmediata, como algo cercano y tangible, se comprende la historia. Los personajes, y con ellos Shakespeare y su público, se sintieron partícipes de un proceso que se prolongó durante casi mil quinientos años: se viven siglos tan reales como lo que sucedió "ayer".

En la primera crónica de Shakespeare, la imagen de una vida patriarcal, una existencia pacífica e inaceptable se opone al "bullicio de la corte", surge como un refugio seductor y deseable de los elementos promulgados de ambiciones sangrientas, un refugio bienvenido pero inalcanzable. Un sentido del curso histórico del tiempo se encuentra en los giros y vueltas de los acontecimientos y los destinos personales, que se encuentran al comienzo de la carrera del dramaturgo. E inmediatamente la necesidad de equilibrio se manifiesta en una forma viva, y uno puede captar su prototipo social y su base real.

Una serie de comedias se intercalan con un ciclo de crónicas en la obra de Shakespeare; las diez "comedias divertidas" de Shakespeare fueron creadas en el primer período de su carrera dramática. El contraste en la atmósfera social, moral y emocional de estos grupos de obras es evidente: "días sangrientos" en las crónicas y "días felices" en las comedias - "La comedia de los errores" (1592), "El sueño de una noche de verano" ( 1595), Mucho ruido y pocas nueces (1598), Como a ti te gusta (1599).

Las crónicas y comedias de Shakespeare son esferas independientes de la creatividad dramática, teniendo en cuenta las diferentes tareas de la representación teatral y la peculiaridad de los géneros, pero no aislados, sino interconectados. Las "Comedias divertidas" se correlacionan con crónicas saturadas de drama, pero no porque sean capaces de servir como una liberación cómica de tensión dramática y no como un comentario que despierte el buen estado del Espíritu.

Las primeras tragedias contienen motivos que predicen la tragedia de Hamlet y el Rey Lear. La participación activa del hermano Lorenzo en la suerte de Romeo y Julieta, impulsada y santificada por el humanismo renacentista, termina no con el triunfo de su proyecto humano, sino con la muerte de los héroes. Las circunstancias son más fuertes que los esfuerzos inspirados y las buenas intenciones. La confluencia de hechos que impidieron su ejecución no suaviza la tragedia de la situación, no libera al humanista activo del sentimiento de culpa personal e indica la trágica inconsistencia de las ideas ideales de los humanistas con la realidad voluntaria.

Entre las obras de Shakespeare, un grupo especial consta de cuatro dramas "antiguos": "Julio César" (1599), "Antonio y Cleopatra" (1606), "Coriolano" (1607), "Timón de Atenas" (1608).

Julio César es una obra de principios de siglo, un fenómeno de transición en la obra de Shakespeare. Sigue nueve crónicas de la historia inglesa, un ciclo inacabado de crónicas nacionales, que amplía el horizonte histórico del drama de Shakespeare. Precede a las grandes tragedias y es una "tragedia-crónica", un género mixto y transicional. Se centra en la historia política de un punto de inflexión y el destino trágico de sus grandes figuras, revelando la base objetiva del movimiento del tiempo histórico, la desviación del proceso histórico y las consecuencias reales de las aspiraciones y voluntades subjetivas.

Como en sus otras obras de teatro, expandiendo la acción en países extranjeros y en otras ocasiones, Shakespeare también representa la Inglaterra contemporánea. Sin embargo, Ancient Rome en Julia Caesar no es un seudónimo de Londres; conserva características tanto nacionales como históricas. en "Julia Caesar" se evidencia el clima político y cívico y los personajes de las figuras políticas de la Antigua Roma. En Julia Caesar, la acción está conectada con la ciudad, con los problemas urbanos, y este drama es en realidad “urbano”, desde el césped aterciopelado bajo el “árbol verde” la acción se traslada de una vez por todas a la piedra de la ciudad. La misma atmósfera urbana en "Coriolanus", y en la tragedia británica "King Lear" propiamente dicha, la misma crueldad "de piedra" se manifiesta en el estado de ánimo de los personajes.

Shakespeare transmite un estado específico y paradójico: cuando el progreso integral, la expansión de los horizontes reducen el Universo en la mente del hombre, el mundo se vuelve estrecho y pequeño. La multitud urbana en Julia Caesar aparece como una fuerza formidable, tal fuerza de movimiento histórico, que no estaba en las crónicas de la historia de Inglaterra. Shakespeare simpatiza profundamente con los pobres urbanos, especialmente si ella se encuentra a merced de demagogos inteligentes, como en la tragedia "Coriolanus", da justicia a las demandas de las masas de la ciudad, está listo para comprender su extrema desesperación e ira cuando ella está decidido a ir al motín.

Y fuera de los dramas antiguos, el tra-gismo de Shakespeare, como todo lo inherente a Shakespeare, se distingue por su escala. El enfoque moderno basado en el historicismo ve el tragicismo en las obras de Shakespeare en el desarrollo de grandes procesos que se revelan a sí mismos a través de los personajes y su lucha. El paso de un tiempo largo o incluso de épocas diferentes, superponiéndose y chocando entre sí: esta es la línea principal de Shakespeare. tragedias.

En una etapa decisiva de su obra, Shakespeare ascendió a la tragedia que acompañó al Renacimiento.

Cada una de las tragedias de Shakespeare es una tragedia de "su propio tiempo" que surgió de las contradicciones del curso principal de la historia en el Renacimiento. El descubrimiento del Nuevo Mundo y la pérdida de ilusiones sobre algunas tierras prometidas.

Es importante que un contemporáneo de Shakespeare señalara que Gam-letov se había vuelto "pleno y pleno" diez años antes de la aparición de la tragedia de Shakespeare: se estaba formando el tipo inmortalizado por Shakespeare. La exclusividad, la "soledad" de Hamlet, por tanto, es condicional. El propio Hamlet no comprende del todo lo que "recuerda" en él. De ahí el "misterio" de su estado, sus comentarios, paradojas.

Las nuevas convicciones en la mente de Gamlet y todos los demás héroes trágicos de Shakespeare no existen en su “forma pura”, sino en diferentes conexiones y entrelazadas con convicciones tradicionales. Los personajes heroicos de las tragedias de Shakespeare son una fusión compleja creada por la influencia de diferentes fuerzas: un entorno semipatriarcal y su colapso, un tiempo de transición con su fermentación violenta, que provoca un ascenso espiritual y un desarrollo burgués, que sirvió de base para cambio, y la causa de la crisis.

En El rey Lear (1605), el material de la tragedia es una maraña de connotaciones históricas. Las personas que viven en él le temen a las brujas, y no le temen a nada en el mundo, todavía creen en las estrellas, y no creen en nada en absoluto. El hombre se siente a la vez un animal de dos patas y dueño de su propio destino. El tiempo ha madurado, los conflictos se han definido ". Y esto no es solo un conflicto entre dos generaciones, es la desintegración de eras centenarias. La escala de lo que está sucediendo: la historia no es en el sentido: un pasado lejano, similar al presente, sino la historia misma como proceso: una cosa se va, otra llega.

Una disputa con su hija sobre el séquito: el rey quiere dejar atrás a su séquito como un caparazón, donde su mundo se conservaría, disminuiría, pero seguiría siendo el mismo mundo. El mundo de valor de Lear es un mundo de valor crudo, juventud brutal.

Shakespeare muestra cuán tenazmente las personas se aferran a "su tiempo" y cómo se dejan llevar por él. El tiempo está encarnado en las personas, las palabras clave de esta tragedia son raíz, sangre, semilla, género y, sobre todo, naturaleza. El texto de Shakespeare está lleno de estas palabras, en las que el tiempo y el lugar se entrelazan: historia. Detrás de las palabras - conceptos, detrás de los conceptos - una visión de las cosas, una forma de vida, la que se ha deteriorado y estallando por las costuras bajo la presión del cambio.

La diferenciación de las personas en la tragedia se produce según cómo entienden la naturaleza, en qué la buscan, en sí mismos o por encima de ellos mismos. No importa cuán grande sea la vanidad de Lear, todavía se considera a sí mismo como una parte de la naturaleza, mientras que Edmund es mucho más atrevido en su orgullo, pero también ve en sí mismo el centro de la naturaleza.

Shakespeare, que pintó la antigüedad, está tan interesado en lo patriarcal que se sospechaba incluso de una adicción "aristocrática" al pasado, en King Lear esta adicción casi no aparece. Más bien, por el contrario, con trazos bruscos deja claro que los viejos tiempos son completamente antiguos y pasados \u200b\u200bde moda. El pasado se va. Shakespeare muestra esto de manera clara y sucinta. Pero sigue el inicio de nuevos tiempos en detalle y desde diferentes ángulos. Shakespeare crea la máxima tensión trágica o incluso un trágico equilibrio de poder.

Es imposible deducir de Shakespeare alguna "idea" de una sola línea, pero Shakespeare tiene su propia sabiduría especial. Lo expresa en "King Lear" brevemente, en esencia en una frase: "La madurez lo es todo".

Shakespeare se dedica al análisis tanto del hombre como de la sociedad, por separado, en conexiones indirectas y directas. Analiza la naturaleza sensual y espiritual del hombre, la interacción y lucha de los sentimientos, los estados de ánimo en sus movimientos y transiciones, el desarrollo de los afectos, su poder movilizador y destructivo. Enfoca el análisis en estados críticos de conciencia, en las causas de la crisis espiritual, causas externas e internas, subjetivas y objetivas, superficiales y profundas. Revela los estímulos y la lógica del comportamiento humano en sus relaciones directas e indirectas con la sociedad. Tal amplitud, perspicacia psicológica y social, precisión y contenido del análisis son característicos de Shakespeare en la literatura inglesa del Renacimiento, sus tragedias son el pináculo no solo del inglés, sino de toda la literatura europea del Renacimiento.

En "Otelo" (1604), no está desnudo, por el contrario, se enfatiza la dependencia de la conciencia trágica del héroe y su muerte del entorno social. Otelo se levantó con sus esfuerzos, pero con sus propias manos arruina su valor, fama, amor y vida, se destruye no solo a sí mismo, sino a Desdémona, la encarnación del ideal renacentista de la feminidad, sublime, espiritualizada y real terrenal. Esta es la peculiaridad del personaje del protagonista y la trama de la tragedia. Por el momento, las aspiraciones de Othello y Iago no asintieron, pero llegó el momento, y la colisión se volvió inevitable. Esto no es un choque de lo nuevo con lo viejo: ambos, Otelo y Yago, no están en sí mismos, por supuesto, en diferentes proporciones y en diferentes formas, y los rasgos de lo antiguo, ambos fueron planteados por el Renacimiento, pero cada uno en a su manera: uno - expresa sus ideas y en parte las aplica a la práctica de la vida generalizada, el otro usa las normas renacentistas con la energía y el inmoralismo desatados en el curso del nuevo ataque a la ética trascendental de la Edad Media.

Iago no solo se liberó de los prejuicios, superó todo tipo de obstáculos internos, la asombrosa flexibilidad de carácter se logra en él mediante un total desprecio por las normas sociales. Ésta no es la libertad de la mente cuando una persona, comprendiendo la relatividad de los principios morales, se da cuenta de su significado histórico, y si asume la responsabilidad de ser el juez de sus acciones, entonces confía en la razón, sin abusar de ella. Para Iago, la libertad es libertad de arbitrariedad, que persigue el beneficio personal.

La integridad, la espontaneidad y la nobleza de carácter son el rasgo fundamental de Otelo, lo destaca Shakespeare como distintivo de una persona, correspondiente al ideal humanista. La cuestión del significado de las fuerzas sobrenaturales en el drama de Shakespeare, en el desarrollo de sus tramas y personajes, en el concepto de lo trágico continúa ocupando a los estudiosos de Shakespeare, especialmente en relación con el problema del realismo de la obra de Shekspira.

En la última tragedia de Shakespeare, Timón de Atenas (1608), por el contrario, enfatiza la conexión entre la tragedia del héroe y el estado moral del entorno social, y la crisis moral con la influencia de las fuerzas sociales materiales. Si la transición del primer período al segundo parece ser abrupta, pero explicablemente regular, entonces Shakespeare del último período parece irreconocible. La transición aquí no es tan contrastante como la diferencia entre el optimismo de las crónicas y las comedias, por un lado, y la tristeza de las tragedias, por el otro. En la última etapa, Shakespeare se convierte, por así decirlo, en un dramaturgo completamente diferente, aunque sigue desarrollando los mismos temas. El desarrollo de los mismos motivos, pero de una manera completamente diferente, enfatiza el principio de cambio. La impresión general de las últimas obras de Shakespeare, compartida por muchos críticos, es que se trata de situaciones de Shakespeare, que parecen estar representadas no por Shakespeare, sino por un dramaturgo de otra escuela, aunque no hay duda sobre la autoría de Shakespeare: las obras de teatro fueron incluidos en el "Canon" de Shakespeare, y "La tempestad", que concluyó el camino de Shakespeare, abre la colección de 1623. El propio Shakespeare ha cambiado significativamente, no solo dentro de los límites de su propia evolución, sino también en el contexto de una historia completamente diferente era literaria.

Este es Shakespeare, un contemporáneo mayor de Donne y Webster, una generación joven y fundamentalmente nueva en la literatura. Una generación que reconoció su deuda con la época de Shakespeare, con Shakespeare, y que al mismo tiempo definitivamente remitió a Shakespeare al pasado. Shakespeare, por su parte, intenta seguir el ritmo de la nueva etapa Un rasgo característico de las obras posteriores de Shakespeare fue la "anatomía" cada vez más profunda de la psique humana, las relaciones humanas. En las obras de Shakespeare, el número de referencias a Rusia y los rusos crece en proporción a la frecuencia cada vez mayor de las relaciones entre Inglaterra y Rusia, relaciones que se establecieron sobre una base estatal en la época de Shakespeare.

La tempestad, por así decirlo, vuelve a un escenario más tradicional de Shakespeare, al círculo de personajes típicos de Shakespeare, y al mismo tiempo contiene un motivo distinto de "despedida". Según la trama, la obra fue una respuesta directa al suceso que fue el tema del día, cuando una gran expedición inglesa se estrelló frente a la costa de América, cerca de las Bermudas, en la que Shakespeare hizo el escenario de La tempestad.

CONCLUSIÓN

Supremo en importancia y poder entre los gigantes traídos por el Renacimiento, Shakespeare tiene una serie de peculiaridades en comparación con ellos. Shek-spir no se distinguió por la versatilidad exterior tan característica de las figuras del Renacimiento, incluidos los poetas cercanos a él. En el camino de Shakespeare, no hubo desviaciones significativas de la actividad literaria y teatral, dentro de la cual Shakespeare también mantuvo un canal, principalmente y principalmente el drama.

Una nueva etapa se asocia a Shakespeare en el conocimiento integral de la realidad y su valoración ideológica y estética, una valoración despiadada de la sociedad burguesa imperante y la arbitrariedad absolutista, así como un juicio sobrio del humanismo del Renacimiento, su grandeza y tragedia. Fue en esto que el realismo de Shakespeare se expresó como una visión imbuida de historicismo, a veces espontáneo y otras profundamente consciente.

Shakespeare es la máxima expresión de la literatura del Renacimiento inglesa, además, de toda la literatura inglesa: no hay igual a él en grandeza creativa, importancia y vitalidad de su legado en la historia literaria de Inglaterra. Sheks-pir, un genio nacional, pertenece a los genios de la literatura europea y mundial, a un pequeño número de escritores que han ejercido y están ejerciendo una intensa influencia en el desarrollo de muchas literaturas nacionales y en toda la cultura espiritual del mundo.

La visión de Shakespeare de las cosas es extraordinariamente real. Lo ha captado todo, todo tiene un precio real. En este sentimiento, en esta realidad y sobriedad de percepción y transmisión de la realidad, la esencia y base de su realismo.

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Y el resultado, y la cúspide del desarrollo del teatro. La base filosófica es el humanismo renacentista. Dado que todo el avivamiento encaja en la vida de una persona, está experimentando tanto optimismo como crisis. Por primera vez plantea la pregunta "¿Qué es la moral burguesa?" Shakespeare no resolvió este problema. Su final está asociado con la utopía. La personalidad de Shakespeare es legendaria. La pregunta de Shakespeare: si lo estaba, si escribió. Nacido en Stratford-on-Avon, casado. Hay muchas biografías de Shakespeare, pero nada significativo, sabemos más sobre su padre. El padre John dirigía una fábrica de guantes, pero no era un noble. Madre es una noble empobrecida. No hay educación regular, una escuela primaria en Stratford. La información de Shakespeare sobre la antigüedad es muy fragmentaria. Se casa con Anna Hasavey, 8 años mayor, vivió tres años, hijos, Shakespeare desaparece. 1587-1588 aprox. 1592 - información sobre él, ya es un famoso dramaturgo. Se conoce la participación de los ingresos de Shakespeare en las compañías de teatro. El primer dramaturgo profesional. La actitud del estado hacia el teatro fue muy despectiva. Solo podían moverse si obedecían. 2 Siervos del Lord Chamberlain ". La calidad de las obras antes de Shakespeare era baja, a excepción de las "mentes universitarias". O los ricos escribieron y pagaron la producción, o los propios grupos de actores. Baja calidad.

Shakespeare fue un éxito inmediato. En 1592 artículos a favor y en contra. Verde "Por un centavo de la mente, comprado por un millón de remordimientos", "Advenedizo, un cuervo adornado con nuestras plumas, el corazón de un tigre en el caparazón de un actor". La historia de Hamlet fue desarrollada por OU, pero de muy baja calidad. Capacidad para utilizar el material de otros. Escribió obras de teatro contando con un público determinado.

Tras la aparición del primer teatro, surgió una resolución de los puritanos, que creían que los teatros no tenían derecho a estar ubicados dentro de la ciudad. La frontera de Londres es el Támesis. Hay 30 teatros de madera en Londres, al principio no había piso ni techos. El teatro se basó en diferentes figuras: un círculo, un cuadrado, un hexágono. El escenario está absolutamente abierto al espectador. Trapecio. La gente estaba sentada en el suelo. Había un bufón en el escenario delantero, distraía a la audiencia. Son inteligentes. El vestuario no se correspondía con la época. Tragedia: se izó la bandera negra, la comedia es azul. La compañía es de 8-12 personas, rara vez 14. No hubo actrices. 1667 mujeres aparecieron en escena. La primera pieza es Otelo. Shakespeare escribió para esta escena en particular. También tuvo en cuenta el hecho de que no había un texto estable de la obra, no hay derechos de autor, conocemos muchas obras de grabaciones pirateadas. La primera edición de las obras de Shakespeare apareció 14 años después de su muerte. 36 piezas, no todo listo exactamente.

Varias teorías de la cuestión shakesperiana. Uno de ellos vincula a Shakespeare con Christopher Marlowe. Es asesinado poco antes de la aparición de Shakespeare. También tiene tragedias y crónicas históricas. Tipo de héroe: personalidad titánica, habilidades increíbles, oportunidades, etc. No sabe dónde aplicar todo esto, no hay criterios para el bien y el mal.

"Tamerlán el Grande". Un simple pastor, lo logró todo él mismo. Shakespeare encontrará los criterios de bondad y acción. CM era un informante, luego se detuvo. Pelea en la taberna. La leyenda de su escondite. Francis Bacon, la teoría sigue viva. Se cree que FB cifró su biografía en las obras de Shakespeare. El código principal es "La tempestad". Shakespeare no tiene educación, a diferencia de Bacon. En 1613, el Globo se incendió. La letra de Shakespeare es un testamento redactado por una persona muy mezquina. La historia continúa en el siglo XIX, Delia Bacon en Estados Unidos reclama los derechos de sus antepasados \u200b\u200bsobre todas las obras de Shakespeare. DB está loca. 1888 - El libro de Donnelly, quien cuenta fascinantemente que ha encontrado la clave de las obras de Shakespeare. Al principio, todos estaban interesados \u200b\u200by luego se rieron del folleto.

Otro candidato de Shakespeare. Galilov "El juego sobre William Shakespeare" - Lord Retland. Su esposa Mary Retland también está en el círculo. Shakespeare estaba, por así decirlo, con un salario, hay documentos. En Hamlet, reminiscencias, nombres, etc. También en los sonetos de Shakespeare. Después de la muerte de los Retland, Shakespeare deja de escribir y se va a Stratford. Se cree que hay un retrato de toda la vida de Shakespeare. Galilov cree que es un producto de la imaginación, porque no es realista. Ante nosotros hay una máscara con las cuencas de los ojos vacías, la mitad de la camisola se da por la espalda.

Periodización de la obra de Shakespeare. En los estudios nacionales de Shakespeare, se acostumbra distinguir tres períodos en la obra de Shakespeare, en angloamericano, cuatro, que probablemente sean más precisos: 1) el período de aprendizaje (1590-1592); 2) el período "optimista" (1592-1601); 3) el período de las grandes tragedias (1601-1608); 4) el período de los "dramas románticos" (1608-1612).

L.E. Pinsky sobre las peculiaridades de la poética de las obras de Shakespeare. El famoso erudito ruso de Shakespeare L.E. Pinsky identificó varios elementos de la poética comunes a todos los géneros principales del drama de Shakespeare: crónicas, comedia y tragedia. Pinsky se refirió a ellos como la trama principal, la realidad dominante de la acción y el tipo de relación entre los personajes y la realidad dominante. La trama principal es la situación inicial de todas las obras de un género determinado, que varía en cada una de ellas. Hay una trama principal de crónicas, comedias y tragedias.

Realidad dominante. En varias obras de Shakespeare, la fuente de acción no es un conflicto en las relaciones de los personajes, sino un factor detrás y por encima de ellos. Empodera a los actores con funciones que determinan su comportamiento escénico. Esta dependencia es cierta para las crónicas y las comedias, pero no se aplica a los protagonistas de las tragedias.

1. Optimista, ya que coincide con el período del avivamiento temprano, y el avivamiento temprano está asociado con el humanismo. Todo conduce al bien, los humanistas creen en el triunfo de la armonía. Predominan las crónicas históricas y las comedias. Al final del período 1-2, se creó la única tragedia, Romeo y Julieta. Esta tragedia no es del todo oscura. La atmósfera de la acción es soleada, una atmósfera luminosa de alegría universal. Lo que sucedió con los héroes sucedió por accidente: el asesinato de Mercucio, Romeo mata a Tybalt. Cuando R y D se casan en secreto, el mensajero llega tarde accidentalmente. Shakespeare muestra cómo una serie de accidentes conduce a la muerte de héroes. Lo principal es que el mal del mundo no llega a las almas de los héroes, mueren limpios. Shakespeare quiere decir que murieron como las últimas víctimas de la Edad Media.

Crónicas históricas: "Enrique 6", "Ricardo 3,2", "Rey Juan", "Enrique 4, 5". Las crónicas son muy voluminosas. Aunque en ellos tienen lugar los hechos más oscuros, la base es optimista. Triunfo sobre la Edad Media. Shakespeare es partidario de la monarquía y en las crónicas intenta crear la imagen de un monarca fuerte, inteligente y moral. Los historiadores y Shakespeare han prestado atención a la personalidad en la historia.

En Henry 4, Henry es justo, honesto, pero llega al poder derrocando al monarca, de una manera sangrienta. Pero no hay paz en el estado. Lo piensa y llega a la conclusión de que esto se debe al hecho de que llegó al poder de manera deshonesta. Heinrich espera que sus hijos estén bien. En Richard 3, cuando Richard está preocupado, necesita el apoyo de la gente, pero el backgammon está en silencio. Aparece una imagen positiva en las crónicas.

La imagen que determina el programa positivo de las crónicas es el tiempo. La imagen no escénica del tiempo está presente en todas las crónicas. Shakespeare habló por primera vez sobre la conexión entre el pasado, el presente y el futuro. El tiempo pondrá todo en su lugar.

La vida, la historia de Inglaterra no brinda la oportunidad de crear la imagen de un monarca ideal. Los espectadores simpatizan con Ricardo III porque es un héroe activo. Al crear Ricardo III, Shakespeare abordó el concepto de lo trágico y la contemplación del estado por un nuevo héroe. Richard 3 está haciendo el mal. Los estudiosos debaten si Shakespeare creó las crónicas de acuerdo con un plan único o espontáneamente. Cuando Shakespeare crea las primeras crónicas, no había ningún plan, pero luego lo hizo deliberadamente. Todas las crónicas pueden verse como una obra de varios actos. Con la muerte de un héroe, la trama no se agota, sino que pasa a la siguiente obra. Enrique 5 es el monarca perfecto, es imposible verlo y leerlo, porque es ficticio. Henry 4 es interesante de ver.

2. Comedia. Shakespeare se adelantó a su tiempo. Las comedias de Shakespeare son algo especial, se crean sobre una base diferente. Esta es una comedia de humor, alegría. No hay un comienzo satírico, acusatorio. No son del hogar. El contexto en el que se juega la acción es bastante arbitrario. La acción tiene lugar en Italia. Para los londinenses, era un mundo especial de sol, un carnaval. Nadie se burla de nadie, solo escuchan a escondidas. Las comedias de Shakespeare son comedias de héroes. El efecto cómico se crea por la hipertrofia del carácter o los sentimientos. "Mucho ruido y pocas nueces". Escaramuza entre Benedict y Beatrice: humor. Los celos son un conflicto. Hipertrofia de los sentidos "duodécima noche". La condesa llora por el matrimonio, pero la muerte trasciende todos los límites. Shakespeare tuvo por primera vez la idea de que lo cómico y lo trágico provienen de un punto, dos caras de la misma moneda. 12 noche. La ambición del mayordomo es exagerada. Macbeth es una tragedia de ambición, su realeza humana no está coronada con una corona real. Todos los eventos pueden convertirse en un lado cómico y trágico. En el primer período, se escribieron casi todas las comedias. "La fierecilla domada" "Dos de Verona" "El sueño de una noche de verano" "El mercader de Venecia" "Noche 12". Las siguientes comedias se quedan cortas en esto. En las comedias se plantean las mismas cuestiones importantes que en las tragedias y las crónicas. "El mercader de Venecia". Las golosinas que triunfan no son tan buenas y viceversa. El principal conflicto gira en torno al dinero.

3. Asociado al desarrollo del género de la tragedia. Shakespeare crea en su mayoría solo tragedias. Shakespeare se da cuenta muy pronto de que la moral burguesa no es mejor que la medieval. Shakespeare lucha con el problema del mal. Lo trágico se entiende idealista. Shakespeare está horrorizado de que la tragedia surja de la misma cosa de la cual la comedia. Shakespeare comienza a observar cómo la misma cualidad conduce al bien y al mal. Hamlet es una tragedia de la mente. Aquí el mal aún no ha penetrado completamente en el alma de Hamlet. El hamletismo es una inacción corrosiva asociada con la reflexión. Hamlet es un humanista del Renacimiento. "Othello" - escrito sobre la trama de un cuento italiano. En el corazón del conflicto está el enfrentamiento entre dos personalidades del Renacimiento. El humanista es Otelo, el idealista renacentista es Yago. Othello vive para los demás. No es celoso, pero muy confiado. Iago juega con esta credulidad. Othello matando a Desdemona mata al mal del mundo en un hermoso disfraz. Las tragedias no terminan irremediablemente.

29. Las Crónicas de Shakespeare. La trama principal. Tipología de conflictos

Crónicas. Crónica es una reproducción escénica de hechos históricos. El género de la crónica se creó en el teatro inglés antes que Shakespeare, pero encontró una forma clásica en su obra. Shakespeare creó un ciclo de 10 obras que abarcaron más de tres siglos de historia inglesa, desde el siglo XIII al XVI. L.E. Pinsky destacó en este ciclo una crónica prólogo ("El rey Juan"), una crónica epílogo ("Enrique VIII") y dos tetralogías: una temprana (trilogía dramática "Enrique VI" y "Ricardo III") y una posterior (" Ricardo II ", película dramática" Enrique IV "y" Enrique V ").

La trama principal de las crónicas, según Pinsky, es la formación de un estado nacional inglés liderado por un monarca en un enfrentamiento con oponentes externos (Francia y Roma papal) y enemigos internos (hombres libres feudales).

La realidad dominante de las crónicas es el Tiempo Histórico, es decir, el proceso histórico en sí mismo, que tiene un propósito y un significado, pero impersonal e inhumano, ya que es impulsado únicamente por la necesidad. No deja a los personajes involucrados en su flujo ninguna libertad, solo pueden ser sus actores. De toda la variedad de cualidades personales de los personajes, Historical Time utiliza sólo pasiones políticas: ambición y ansia de poder; estos son los hilos por los que la Historia tira de sus títeres. Pero pueden reconocerse a sí mismos como sus instrumentos o no ver su falta de libertad. L.E. Pinsky llamó al primero "consciente" y al segundo - "actores inconscientes de la Historia".

En la trama principal de las crónicas, los "actores concienzudos" son partidarios del poder real, que traen la paz y el orden al país, y los "actores inconscientes" son barones obstinados y rebeldes. Los primeros actúan de acuerdo con la necesidad histórica y por tanto ganan, los segundos interfieren en el curso de la historia y están condenados a la derrota y la destrucción. Pero la victoria del "pueblo del orden" sobre los partidarios de la anarquía es precisamente una necesidad y de ninguna manera una bendición. Los héroes de "Henry VI" (Warwick, Talbot, Somerset) y personajes como Henry Percy de "Henry IV" están acostumbrados a confiar en la "ley del puño" y la fuerza militar, porque el combate abierto les da a los participantes las mismas oportunidades y la victoria es para los más fuerte en justicia. Estas personas sin "doble fondo", despreciando el engaño y el engaño, combinan la rudeza con la fidelidad a la palabra, la crueldad, con un sentido del honor. Sus antagonistas, por el contrario, están convencidos de que los intereses del Estado están por encima del código de honor, por lo tanto, en aras de establecer la ley y el orden, se permite recurrir a la mentira y la traición. Así que el Tiempo Histórico conduce no solo al triunfo de la ley y el orden sobre la rebelión y la anarquía, sino también al triunfo del engaño y la duplicidad sobre la franqueza y la honestidad, que están retrocediendo hacia el pasado junto con sus portadores.

Además de los actores conscientes e inconscientes de la Historia, en el sistema de personajes de las crónicas, L.E. Pinsky destacó un tipo más de personajes: los "bufones de la historia". Estos incluyen Richard III de la obra del mismo nombre y Sir John Falstaff de la dramática película "Henry IV". Tanto parodian como profanan el proceso histórico, pero de formas completamente diferentes. La primera es que intenta subordinar el curso del Tiempo Histórico a su voluntad de conquistar el trono. Como un proceso histórico, Richard manipula a las personas como si fueran marionetas y, como si imitara lo inexorable de su movimiento, destruye constantemente a todos los que se interponen en su camino. Pero cuanto más exitosas son las acciones de Richard, más obvia se vuelve la caricatura grotesca de tal similitud. Las titánicas ambiciones de Richard están motivadas por un complejo de inferioridad: el camino de Richard hacia el poder es un intento deliberadamente condenado por un monstruo y un lisiado, con la ayuda de la Historia, de vengarse de la Naturaleza que lo ha privado.

Falstaff, a diferencia de Ricardo III, es una figura cómica, lo cual es una rareza en las crónicas. Pero es una antítesis viviente del proceso histórico, ya que encarna la naturaleza corporal de una persona, que no está limitada por ninguna meta ni norma social. Con un humor inagotable, disfruta libre de toda responsabilidad política y social, es decir, libre de la Historia. El mundo de la "alta política" y su lucha por el poder, Falstaff se opone a su filosofía de vida: en todas las condiciones y a cualquier precio, "complazca a su útero" para el placer de sí mismo y para la diversión de los demás. La escala y el arte de servir "su útero" en Falstaff es tal que los acontecimientos de la historia inglesa se convierten en sus medios prácticos o se ven oscurecidos por ellos.

El éxito del registro histórico se puede atribuir en gran parte al aumento de la conciencia nacional inglesa después de las devastadoras guerras civiles del siglo XV, así como después de la victoria naval de Inglaterra en 1588 sobre la Armada Invencible española.

Crónica histórica acercándose a la tragedia, "Ricardo III" completa el ciclo de obras de teatro dedicadas a la guerra de las Rosas Blancas y Escarlatas. En Ricardo III, se encarna el espíritu oscuro de la lucha fratricida. Esta es una persona cruel, insidiosa e hipócrita. Camina con confianza sobre los cadáveres hacia el objetivo previsto. Richard cubre su vileza con citas del Evangelio. Nacido como un fenómeno, se venga de la naturaleza y las personas con sus acciones. Es un villano sobresaliente, dotado de varios talentos: inteligente, perspicaz, valiente, gana donde parecería que la victoria es imposible. En su imagen, Shakespeare mostraba la caída de un gran hombre: "cuanto más grande es un hombre, más terrible es en su caída".

En una línea diferente, Shakespeare escribió las crónicas históricas "Henry 4", "Henry 5", que se remontan a finales de los noventa. siglo 16 Enrique 4, que se convirtió en rey, no estuvo a la altura de las esperanzas de la élite feudal, y las rebeliones comenzaron a estallar en el país, lideradas por la familia Percy. La figura más destacada entre los rebeldes interpretados por el dramaturgo es el joven Henry Percy, apodado Hotspur (espuela caliente), que luego muere a manos del hijo de Enrique IV, el príncipe Harry.

En el sombrío mundo de tensas pasiones políticas, Sir John Falstaff trae chispas de risa despreocupada y patrones coloridos de ingeniosa invención. Donde está Falstaff, hay risas fuertes, diversión y travesuras traviesas. El espíritu insaciable de la vitalidad renacentista abruma al corpulento caballero, pero al mismo tiempo Falstaff y sus secuaces saquean a los peregrinos que se dirigen a Canterbury ya los comerciantes que se dirigen a Londres. En el campo de batalla, el caballero obeso solo se preocupa por preservar su preciosa vida. Para Falstaff, el honor es una frase vacía.

La continuación inmediata de "Henry 4" es la crónica "Henry 5", que ocupa un lugar especial entre las crónicas de Shakespeare. Esta obra es un panegírico en honor al sabio rey, que une a los británicos en un solo impulso patriótico. Este rey ideal es el hijo de Enrique 4, el joven Enrique 5, que está realizando una exitosa campaña contra Francia. El dramaturgo le da los rasgos de un "rey del pueblo". Se siente seguro y tranquilo entre la gente corriente. En Inglaterra, durante la época de Shakespeare, todo esto se parecía más al reino de los sueños que a la vida cotidiana real.

En la atmósfera que reina en "Henry 5", el "trasfondo falstaffiano" estaba perdiendo su significado anterior. Por voluntad del dramaturgo, Falstaff muere de dolor. Los compañeros del caballero obeso parpadean aquí y allá. Su miserable insignificancia solo enfatiza una vez más la nobleza espiritual del joven rey, que dedicó su vida al servicio de la patria.

William Shakespeare

La obra del gran escritor inglés William Shakespeare es de importancia mundial. El genio de Shakespeare es querido por toda la humanidad. El mundo de ideas e imágenes del poeta-humanista es realmente enorme. La importancia mundial de Shakespeare radica en el realismo y la nacionalidad de su obra.

William Shakespeare nació el 23 de abril de 1564 en Stratford-on-Avon en una familia de guantes. El futuro dramaturgo estudió en una escuela primaria, donde enseñó latín y griego, además de literatura e historia. La vida en una ciudad de provincias brindó la oportunidad de una estrecha comunicación con la gente, de la que Shakespeare aprendió el folclore inglés y la riqueza de la lengua vernácula. Durante un tiempo, Shakespeare fue un profesor principiante. En 1582 se casó con Anna Hatvey; tenía tres hijos. En 1587 Shakespeare partió hacia Londres y pronto comenzó a actuar en los escenarios, aunque no tuvo mucho éxito como actor. A partir de 1593 trabajó en el Burbage Theatre como actor, director y dramaturgo, y desde 1599 se convirtió en accionista del Globe Theatre. Las obras de Shakespeare fueron muy populares, aunque muy poca gente conocía su nombre en ese momento, porque el espectador prestó atención principalmente a los actores.

En Londres, Shakespeare conoció a un grupo de jóvenes aristócratas. Uno de ellos, el conde de Southampton, le dedicó sus poemas "Venus y Adonis" (Venus y Adonis, 1593) y "Lucrece" (Lucrece, 1594). Además de estos poemas, escribió una colección de sonetos y treinta y siete obras de teatro.

En 1612 Shakespeare dejó el teatro, dejó de escribir obras de teatro y regresó a Stratford-on-Avon. Shakespeare murió el 23 de abril de 1616 y fue enterrado en su ciudad natal.

La falta de información sobre la vida de Shakespeare dio lugar a la llamada cuestión de Shakespeare. Desde el siglo XVIII. Algunos investigadores comenzaron a expresar la idea de que las obras de Shakespeare no fueron escritas por Shakespeare, sino por otra persona que quiso ocultar su autoría y publicó sus obras bajo el nombre de Shakespeare. Pero las teorías que niegan la autoría de Shakespeare son insostenibles. Surgieron sobre la base de la desconfianza hacia las leyendas que sirvieron de fuente de la biografía de Shakespeare, y sobre la base de una renuencia a ver la genialidad en una persona de origen democrático que no se graduó de la universidad. Lo que se sabe sobre la vida de Shakespeare confirma plenamente su autoría.

La carrera de Shakespeare se divide en tres períodos.

Primer periodo
El primer período cae aproximadamente en 1590-1594 años.

Por técnicas literarias se puede llamar un período de imitación: Shakespeare todavía está dominado por sus predecesores. Por estado de ánimo Este período fue definido por los partidarios de un enfoque biográfico del estudio de la obra de Shakespeare como un período de fe idealista en los mejores aspectos de la vida: "El joven Shakespeare castiga con entusiasmo el vicio en sus tragedias históricas y elogia con entusiasmo los sentimientos elevados y poéticos: la amistad, el yo -sacrificio y sobre todo amor "(Vengerov) ...

Crónicas: "Enrique VI" y "Ricardo III" (tetralogía); "Ricardo II", "Enrique IV" (2 partes), "Enrique V" (ciclo); "Rey Juan"

El género más característico de este período fue una comedia ligera y alegre: Comedia: "La fierecilla domada", "Dos de Verona", "El trabajo del amor perdido", "El sueño de una noche de verano", "El mercader de Venecia", "Los bromistas de Windsor", "Mucho ruido de la nada", "Como más te guste", "Duodécima noche".

Tragedias: Tito Andrónico, Romeo y Julieta.

En la tragedia " Titus Andronicus Shakespeare rindió homenaje a la tradición de los dramaturgos contemporáneos para mantener la atención de la audiencia avivando pasiones, crueldad y naturalismo.

El género de la crónica se originó antes de Shakespeare. Esta es una obra de teatro basada en la historia nacional inglesa. Inglaterra es el líder indiscutible de Europa, se está produciendo el crecimiento de la autoconciencia nacional, se está despertando el interés por el pasado.

Shakespeare en las crónicas reveló los patrones del movimiento de la historia. Sus obras no pueden imaginarse fuera del curso del tiempo histórico. Es el heredero del drama de misterio. En los misterios de la Edad Media, todo es muy colorido y dinámico. En Shakespeare, también, no hay tres unidades, hay una mezcla de alto y bajo (Falstaff). La versatilidad y todo lo que abarca el mundo dramático de Shakespeare proviene del teatro de misterio de la Edad Media.

Shakespeare revela contradicciones históricas en las crónicas. La historia terrenal no termina y no se sabe cuándo terminará. El tiempo realiza metas a través de la oposición, la lucha. Las crónicas no son sobre el rey (cuyo nombre lleva el nombre de la crónica), sino sobre la época de su reinado. Shakespeare del primer período no es trágico, todas las contradicciones de Shakespeare son parte de un mundo armonioso y significativo.

Género de comedia de Shakespeare.

Las comedias del primer período tienen su propia trama principal: el amor es parte del todo natural. La naturaleza es maestra, espiritualizada y hermosa. No tiene nada de feo, es armonioso. El hombre es parte de ella, lo que significa que también es bello y armonioso. La comedia no está ligada a ningún momento histórico.

En sus comedias, Shakespeare no utiliza la sátira (ridiculizar los vicios sociales), sino el humor (se ríe de las contradicciones cómicas que surgen de reclamos injustificados de importancia en la vida privada, no en la civil). No hay maldad en sus comedias, solo falta la armonía, que siempre se restaura.

^ Segundo período:

Tragedias: Julio César, Hamlet, Otelo, Rey Lear, Macbeth, Antonio y Cleopatra, Coriolano, Timón de Atenas.

Tragicomedia: "Medida por medida", "Troilo y Crésida", "El fin, la corona de la causa".

Las tragedias tienen su trama principal: el héroe se sorprende, hace un descubrimiento por sí mismo, que cambia su visión del mundo. En las tragedias, el mal surge como una fuerza activa independiente. Esto le presenta al héroe una opción. La lucha del héroe es la lucha contra el mal.

Alrededor de 1600, Shakespeare crea Hamlet. Shakespeare retuvo la trama de la famosa tragedia de la venganza, pero desvió toda la atención hacia la discordia espiritual, el drama interior del protagonista. Se introdujo un nuevo tipo de héroe en el drama tradicional de la venganza. Shakespeare se adelantó a su tiempo: Hamlet no es el héroe trágico habitual, que lleva a cabo la venganza en aras de la justicia divina. Al llegar a la conclusión de que es imposible restaurar la armonía de un solo golpe, experimenta la tragedia de la alienación del mundo y se condena a la soledad. Según la definición de L. E. Pinsky, Hamlet es el primer héroe "reflexivo" de la literatura mundial.

En el espacio desintegrador de las tragedias, los elementos sufren junto con las personas. El trágico destino de Lear se refleja en las catástrofes que asolaron la naturaleza y todo el orden mundial. El universo en "Macbeth" surge de sus profundidades espeluznantes figuras de brujas, la encarnación de los principios básicos de la naturaleza, una fuerza hostil a todo lo que existe, llena de engaño y ambigüedad: "El bien es el mal, el mal es el bien".

^ Tercer período:

Dramas fantásticos: "Pericles", "Cymbelin", "La tempestad", "Cuento de invierno"

Crónica: "Enrique VIII".

En las obras del último período, las ordalías van acompañadas del gozo de la liberación de la adversidad. Se expone la calumnia, se justifica la inocencia, se premia la lealtad, la locura de los celos no tiene consecuencias trágicas, los amantes se unen en un matrimonio feliz.

En los últimos dramas de Shakespeare, en el más grande de ellos, La tempestad, la metáfora del "teatro-mundo" sufre una nueva transformación final. La idea renacentista del "teatro-mundo" se fusiona con la forma barroca del "sueño-vida". El sabio y mago Prospero en su isla mágica organiza una actuación, todos los roles en los que son interpretados por espíritus voladores incorpóreos, y la actuación en sí es similar a un sueño fantástico.

Pero, hablando de la naturaleza ilusoria de estar condenado a muerte, Shakespeare no habla de su falta de sentido. El mundo en esta obra está gobernado por un sabio real, el demiurgo de este universo. El espacio poético de la obra está formado por la oposición y la lucha de dos motivos contrastantes: "tormenta" y "música". La tormenta de elementos naturales y pasiones egoístas se opone a la música de la armonía universal y el espíritu humano. La "tormenta" en la obra es domesticada por la "música", se somete a ella.

SONNETOS DE SHAKESPEARE

El pináculo de la poesía inglesa del Renacimiento y el hito más importante en la historia de la poesía mundial fueron los sonetos de Shakespeare (1592-1598, publicados en 1699).

Los investigadores de los sonetos caen en dos direcciones principales: algunos consideran todo en ellos autobiográfico, mientras que otros, por el contrario, ven en los sonetos un ejercicio puramente literario en un estilo de moda, sin negar, sin embargo, el significado autobiográfico de algunos de los detalles. La teoría autobiográfica se basa en la observación absolutamente correcta de que los sonetos no son solo una colección de poemas individuales. Cada soneto contiene, por supuesto, algo completo, como expresión integral de un pensamiento. Pero si se lee soneto tras soneto, es indudable que constituyen varios grupos y que dentro de estos grupos un soneto es, por así decirlo, una continuación del otro.

El soneto es un poema de 14 versos. En los sonetos de Shakespeare, se adopta la siguiente rima: abab cdcd efef gg, es decir, tres cuartetas para rimas cruzadas, y un pareado (un tipo introducido por el poeta Conde Surrey, que fue ejecutado bajo Enrique VIII). La excelencia artística en la expresión de ideas filosóficas profundas es inseparable de la forma condensada y lacónica del soneto. Tres cuartetas proporcionan un desarrollo dramático del tema, a menudo con la ayuda de contrastes y antítesis y en forma de una imagen metafórica; el distich final es un aforismo que formula el pensamiento filosófico del tema.

Shakespeare escribió un total de 154 sonetos, y la mayoría de ellos fueron creados en 1592-1599. Fueron publicados por primera vez sin el conocimiento del autor en 1609. Dos de ellos se publicaron ya en 1599 en la colección Peregrino apasionado. Estos son sonetos 138 y 144 .

Todo el ciclo de sonetos se divide en grupos temáticos separados:

• Sonetos dedicados a un amigo: 1 -126
• Cantando a un amigo: 1 -26
• Desafíos de amistad: 27 -99
• Amargura de separación: 27 -32
• Primera decepción en un amigo: 33 -42
• Anhelo y aprensión: 43 -55
• Creciente alienación y melancolía: 56 -75
• Rivalidad y celos de otros poetas: 76 -96
• "Invierno" de separación: 97 -99
• Una celebración de amistad renovada: 100 -126
• Sonetos dedicados al amante moreno: 127 -152
• Conclusión: la alegría y la belleza del amor: 153 -154

Así, los primeros 26 sonetos convencen a algún joven, noble y muy guapo de casarse para que su belleza no desaparezca y siga viviendo en sus hijos. Varios sonetos glorifican a este joven por dar al poeta un mecenazgo ilustrado, en otro grupo hay amargas quejas de que otros poetas se han apoderado del mecenazgo de un gran mecenas. En ausencia del poeta, el patrón se apodera de su amada, pero lo perdona. La apelación a la noble juventud termina en el soneto 126, tras el cual comienza a aparecer una dama morena, de cabello negro azabache y ojos negros. Esta coqueta desalmada traicionó al poeta y atrajo a su amigo. Pero, ¿quién es un joven tan noble y quién es una coqueta desalmada? Fue entonces cuando la imaginación de los investigadores empezó a funcionar y, mezclando lo fiable con la máxima arbitrariedad.

Soneto 126 viola el canon: tiene solo 12 líneas y un patrón de rima diferente. A veces se considera una sección entre dos partes convencionales del ciclo: los sonetos dedicados a la amistad (1-126) y dirigidos a la "dama morena" (127-154). Soneto 145 escrito en tetrámetro yámbico en lugar de pentámetro y difiere en estilo de los demás.

A finales del siglo XVI. el soneto se convirtió en el género principal de la poesía inglesa. Los sonetos de Shakespeare, en cuanto a su profundidad filosófica, potencia lírica, sentimiento dramático y musicalidad, ocupan un lugar destacado en el desarrollo del arte soneto de esa época. Los sonetos de Shakespeare son una confesión lírica; el héroe habla de la vida de su corazón, de sus sentimientos conflictivos; es un monólogo apasionado, que denuncia airadamente la hipocresía y la crueldad que reinaban en la sociedad, y las opone con valores espirituales perdurables: la amistad, el amor, el arte. Los sonetos revelan el complejo y polifacético mundo espiritual del héroe lírico, que responde vívidamente a los problemas de su tiempo. El poeta exalta la belleza espiritual del hombre y al mismo tiempo describe la tragedia de la vida en las condiciones de esa época.

La habilidad del retrato lírico veraz se distingue por la representación de una dama de piel oscura en el Soneto 130. Shakespeare abandona las comparaciones extravagantes y eufuistas en un esfuerzo por pintar la imagen real de una mujer:

Sus ojos no parecen estrellas

No puedes llamar corales a tu boca

La piel abierta de los hombros no es blanca como la nieve,

Y una hebra está trenzada con alambre negro.

Con una rosa de damasco, escarlata o blanca,

El tono de estas mejillas no se puede comparar.

Y el cuerpo huele como huele el cuerpo

No como las violetas, un pétalo delicado.

(Traducido por S. Marshak)

Entre los sonetos en los que se expresan las ideas sociales más importantes, destaca el soneto 66. Esta es una denuncia airada de una sociedad basada en la bajeza, la mezquindad y el engaño. Todas las úlceras de una sociedad injusta se nombran en frases lapidarios. El héroe lírico está tan preocupado por la terrible imagen del mal triunfante que se ha abierto ante él que comienza a pedir la muerte. El soneto, sin embargo, termina con un atisbo de humor ligero. El héroe recuerda a su amada, por la que debe vivir:

Todo lo que veo a mi alrededor es repugnante

¡Pero siento dejarte, querido amigo!

A través de los medios del lenguaje y el estilo, todo el poder de las emociones del héroe agitado se transmite magníficamente. Sonnet 146 está dedicado a la grandeza de una persona que, gracias a su búsqueda espiritual y a su incansable ardor creativo, consigue alcanzar la inmortalidad.

Conquista la muerte en una vida fugaz,

Y la muerte morirá, pero tú permanecerás para siempre.

Las diversas conexiones del mundo espiritual del héroe lírico con diversos aspectos de la vida social de esa época son enfatizadas por imágenes metafóricas basadas en conceptos políticos, económicos, legales, militares. El amor se revela como un sentimiento real, por lo que se compara la relación de amantes con la relación sociopolítica de esa época. El soneto 26 introduce los conceptos de vasallaje y embajada; El soneto 46 contiene términos legales: “el acusado niega ese motivo”; en el soneto 107 hay una imagen relacionada con la economía: “el amor como renta” (el arriendo de mi verdadero amor); El soneto 2 contiene términos militares: "Cuando cuarenta inviernos asedien tu frente y caven profundas trincheras en el campo de la belleza ...).

Los sonetos de Shakespeare son musicales. Toda la estructura figurativa de sus poemas se acerca a la música.

La imagen poética de Shakespeare también se acerca a la imagen pictórica. En el arte verbal del soneto, el poeta se apoya en la ley de la perspectiva descubierta por los artistas del Renacimiento. El soneto 24 comienza con las palabras: Mi ojo se ha convertido en un grabador y tu imagen Impresa verdaderamente en mi pecho. Desde entonces he estado sirviendo de marco vivo, y lo mejor en arte es la perspectiva.

Romeo y Julieta.

Las tragedias de Shakespeare Romeo y Julieta (1595), que se convirtieron para siempre en un símbolo del hermoso pero trágico amor de dos criaturas jóvenes, separadas por una enemistad irreparablemente secular de los clanes familiares a los que pertenecen: Montesco (Romeo) y Capuleto ( Julieta). Estos nombres se mencionan en la Divina Comedia de Dante. Posteriormente, la historia de dos amantes se desarrolló muchas veces en la literatura italiana del Renacimiento; los nombres de Romeo y Julieta aparecen por primera vez en la "Historia de dos amantes nobles" de Luigi da Porto (c. 1524), donde la acción tiene lugar en Verona. Desde da Porto, la trama pasó a otros escritores, en particular a Matteo Bandello (1554), cuyo cuento sirvió de base para el poema Romeo y Julieta (1562) de Arthur Brooke, que, a su vez, se convirtió en el principal, si no el principal sólo, fuente de la tragedia de Shakespeare. Sin embargo, como siempre, Shakespeare vertió vino nuevo en los odres viejos. Brooke, retratando a sus héroes enamorados, no sin simpatía, se inclina sin embargo a una lánguida moralización y predicación de la obediencia, la moderación y la humildad ante circunstancias hostiles. Para él, el amor de Romeo y Julieta, si no un pecado, al menos una especie de desmesura y engaño, por lo que son un merecido castigo. Shakespeare abordó esta historia de manera muy diferente. Su ideal renacentista de gran amor, que resulta estar por encima de los prejuicios familiares, por encima del odio secular, separando aparentemente irresistiblemente a los dos jóvenes descendientes de clanes en guerra - y hoy se percibe absolutamente moderno, sin descuentos para esos cuatro siglos que nos separan desde el momento de la creación de la obra. La acción de la tragedia de Shakespeare se concentra en cinco días, durante los cuales tienen lugar todos los acontecimientos de la obra: ¡desde el inicial hasta el fatal! - el encuentro de Romeo y Julieta en un baile en la casa de los Capuleto antes de su triste muerte en la cripta de la familia Capuleto. Los héroes de Shakespeare son muy jóvenes, pero la profundidad del sentimiento que los golpeó los convierte en adultos más allá de su edad. Sin embargo, en este sentido son bastante diferentes. Romeo al comienzo de la obra es ingenuo, lánguidamente se afana por enamorarse de cierta Rosalinda. (A diferencia de Brook, que la convierte en un personaje activo y construye una acción duradera en torno a ella y Romeo, Shakespeare no la lleva al escenario en absoluto). Alrededor de Romeo, hay toda una compañía de jóvenes como él (Mercucio, Benvolio). , y conduce su tiempo como debe ser en sus años: tambaleándose ociosamente, suspirando lánguidamente y sin hacer nada. Julieta, desde el principio, desde su primera aparición, sorprende no solo con la pureza y el encanto de una juventud floreciente, sino también con una profundidad infantil, una trágica sensación de ser. Ella es mayor que Romeo. Él, habiéndose enamorado de Julieta, poco a poco se da cuenta de lo grave y difícil que es todo lo que sucede entre ellos y de la cantidad de obstáculos que se interponen en su camino, y, por así decirlo, crece con ella, convirtiéndose de un joven mujeriego común en un apasionado amor. y dispuesto a todo por el bien de este amor "no un niño, sino mi marido". El amor de Romeo y Julieta no es solo una violación de las prohibiciones familiares, es un desafío abierto por ellos a la antigua tradición del odio, el odio con el que numerosos Montesco y Capuleto nacieron y murieron durante muchas generaciones, en en la que se basaron casi las fundaciones estatales de Verona. Por lo tanto, todos están tan asustados por la imprudencia y la profundidad del sentimiento que se apoderó de Romeo y Julieta, porque se esfuerzan por separarlos. Por su amor, su unión socava los cimientos, viola lo que no se puede violar. A pesar de su juventud y descuido, a pesar de toda la elegancia juvenil de Romeo y la espontaneidad juvenil de Julieta, casi desde el principio conocen el destino del final. "¡Mi alma está llena de presentimientos lúgubres!" - dice Julieta, cuidando al exiliado Romeo. El poder y la trascendencia de su pasión, la finalidad de su decisión y la determinación imprudente a todo, incluida la muerte, conmocionan incluso a quien, al parecer, los comprende y no solo se solidariza con ellos, sino que también contribuye de todas las formas posibles - Padre Lorenzo: “El fin de tales pasiones es terrible, // Y la muerte les espera en medio del triunfo”. El duque de Verona ve una escena terrible. En la cripta familiar de los Capuleto yacen los cadáveres de Romeo, Julieta y París. Ayer los jóvenes seguían vivos y llenos de vida, pero hoy se dejaron llevar por la muerte. La trágica muerte de los niños finalmente reconcilió a las familias Montesco y Capuleto. ¡Pero a qué precio se ha logrado la paz! El gobernante de Verona llega a una triste conclusión: "No hay historia más triste en el mundo que la historia de Romeo Julieta". Parece que no han pasado dos días desde que el duque se indignó y amenazó a Romeo con una "cruel retribución" cuando Tybalt y Mercucio fueron asesinados. Los muertos no pueden ser castigados; al menos un sobreviviente tuvo que ser castigado. Ahora el duque, lamentando sinceramente lo sucedido, sigue firme: "El perdón para algunos, el castigo espera a otros". ¿A quién se propone perdonar, a quién castigar? Desconocido. El monarca habló, expresó su voluntad para la edificación de los vivos. Por medidas gubernamentales, no pudo evitar la tragedia, y ahora que ha sucedido, su gravedad no cambiará nada. El duque esperaba fuerzas. Con la ayuda de armas, quería detener la anarquía. Creía que el miedo a una retribución inminente detendría a Montague, que levantó la mano hacia el Capuleto, y al Capuleto, que estaba listo para correr hacia Montague. ¿Era la ley débil o el duque no podía usarla? Shakespeare creía en la posibilidad de una monarquía y no esperaba desacreditarla. El recuerdo de la guerra de las Rosas Blancas y Escarlatas, que había traído tanta devastación al país, seguía vivo. Por eso, el dramaturgo intentó mostrar al guardián de la ley como una persona autorizada que no lanza palabras al viento. Si tenemos en cuenta la intención del autor, entonces deberíamos llamar la atención sobre la correlación de la lucha de las familias patricias con los intereses del Estado. El desenfreno, la voluntad propia, la venganza, que se convirtieron en los principios de vida de Montague y Capuleto, son condenados por la vida y el poder. En realidad, este es el significado político y filosófico de aquellas escenas en las que actúa el duque. La rama argumental, que a primera vista no es tan imprescindible, permite comprender más profundamente la batalla por la vida libre y los derechos humanos que libran Romeo y Julieta. La tragedia adquiere escala y profundidad. La obra resiste la creencia popular de que es una tragedia del amor. Por el contrario, si nos referimos al amor, triunfa en Romeo y Julieta. "Este es el patetismo del amor", escribió V. G. Belinsky, "porque en los monólogos líricos de Romeo y Julieta se puede ver no sólo admiración el uno por el otro, sino también una declaración de amor solemne, orgullosa y extática, sentimiento divino". El amor es la esfera principal de la vida de los héroes de la tragedia, es el criterio de su belleza y humanidad. Esta es la bandera levantada contra la cruel inercia del viejo mundo.

Problemático "Romeo y Julieta" La base de la problemática de "Romeo y Julieta" es la cuestión del destino de los jóvenes que se inspiraron en la afirmación de nuevos altos ideales revivalistas y que entraron valientemente en la lucha por la protección de los sentimientos humanos libres. Sin embargo, la solución al conflicto en la tragedia está determinada por el choque de Romeo y Julieta con fuerzas que se caracterizan con bastante claridad en términos sociales. Estas fuerzas que obstaculizan la felicidad de los jóvenes enamorados están asociadas a viejas normas morales, que se encarnan no solo en el tema de la enemistad tribal, sino también en el tema de la violencia contra la personalidad humana, que finalmente lleva a los héroes a la muerte.

Un Romeo amoroso es paciente. No se involucrará precipitadamente en un duelo: puede terminar con la muerte de uno o incluso de ambos participantes en la batalla. El amor hace a Romeo razonable, sabio a su manera. La ganancia de flexibilidad no se produce a expensas de la pérdida de dureza y resistencia. Cuando queda claro que las palabras no pueden detener al vengativo Tybalt, cuando el enfurecido Tybalt ataca al bondadoso Mercucio como una bestia y lo mata, Romeo toma el arma. ¡No por motivos vengativos! Ya no es el mismo Montague. Romeo castiga a Tybalt por el asesinato. ¿Qué más podía hacer? El amor es exigente: una persona debe ser luchadora. En la tragedia de Shakespeare no encontramos un idilio despejado: los sentimientos de Romeo y Julieta se ponen a prueba. Ni Romeo ni Julieta piensan ni por un momento a qué dar preferencia: el amor o el odio, que tradicionalmente define la relación entre Montesco y Capuleto. Se fusionaron en una sola carrera. Pero la individualidad no se disolvió en el sentimiento general. Al no ceder ante su amado con decisión, Juliet es más espontánea. Ella todavía es una niña. La madre y la enfermera establecen con precisión: quedan dos semanas del día en que Julieta cumplirá catorce años. En la obra esta edad de la niña se recrea de manera inimitable: el mundo la asombra con sus contrastes, está llena de vagas expectativas. Juliet no aprendió a ocultar sus sentimientos. Hay tres sentimientos: ama, admira, lamenta. Ella no conoce la ironía. Ella se sorprende de que puedas odiar a un Montague solo porque es un Montague. Ella protesta. Cuando la enfermera, que conoce el amor de Juliet, le aconseja en tono de broma que se case con Paris, la niña se enoja con la anciana. Juliet quiere que todos sean constantes, como ella. Para que todos aprecien dignamente al incomparable Romeo. La niña escuchó o leyó sobre la inconstancia de los hombres, y al principio se atreve a contarle esto a su amado, pero inmediatamente rechaza cualquier sospecha: el amor te hace creer en una persona. Y este infantilismo de sentimientos y comportamientos también se transforma en madurez, no solo Romeo crece. Al enamorarse de Romeo, comienza a comprender las relaciones humanas mejor que sus padres. Según los esposos Capuleto, el Conde Paris es un excelente novio para su hija: guapo, noble, cortés. Inicialmente piensan que Juliet estará de acuerdo con ellos. Para ellos, después de todo, una cosa es importante: el novio debe subir, debe cumplir con el código de decencia no escrito. La hija del Capuleto se eleva por encima de los prejuicios de clase. Prefiere morir, pero no casarse con los no amados. No dudará en casarse con alguien a quien ama. Tales son sus intenciones, tales son sus acciones. Las acciones de Juliet se vuelven más seguras. La niña es la primera en iniciar una conversación sobre el matrimonio y exige que Romeo, sin posponer las cosas en un segundo plano, se convierta en su marido al día siguiente. La belleza de Julieta, la fuerza de su carácter, la orgullosa conciencia de la rectitud: todos estos rasgos se expresan más plenamente en relación con Romeo. Para transmitir la tensión de los sentimientos elevados, se encontraron altas palabras: Sí, mi Montesco, sí, soy imprudente, y tienes derecho a considerarme ventoso.

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El primero se caracteriza por el optimismo, el dominio de un sentido brillante de la vida, tonos alegres. Esto incluye, en primer lugar, una serie de comedias alegres y pintorescas de Shakespeare, a menudo coloreadas con un lirismo profundo, por ejemplo, A Midsummer Night's Dream (1595), The Merchant of Venice (1596), Much Ado About Nothing (1598), As You Me gusta "(1599)," Noche de Reyes "(1600), etc.

Al mismo tiempo, Shakespeare crea una serie de sus "crónicas" (obras basadas en tramas de la historia inglesa): "Ricardo III" (1592), "Ricardo II" (1595), dos partes de "Enrique IV" (1597). , "Enrique V" (1599), etc. Aunque estas obras suelen representar cuadros muy lúgubres y crueles, están dominadas por la fe en la vida, en la victoria de un buen comienzo.

También pertenecen a este período las tragedias Romeo y Julieta (1595) y Julio César (1599). El primero de ellos, a pesar de su trama trágica, está escrito en colores brillantes y alegres y contiene muchas escenas divertidas que recuerdan las comedias de Shakespeare que han surgido al mismo tiempo. El segundo, más grave, es la transición al segundo período.

En este segundo período, de 1601 a 1608, Shakespeare plantea y resuelve los grandes problemas trágicos de la vida, y una corriente de pesimismo se suma a su fe en la vida.

Casi con regularidad, una al año, escribe una tras otra de sus tragedias: "Hamlet" (1601), "Otelo" (1604), "El rey Lear" (1605), "Macbeth" (1605), "Antonio y Cleopatra". (1606), Coriolano (1607), Timón de Atenas (1608). No se detiene en este momento para componer comedias, pero todas las comedias que escribió durante este período, con la excepción de sólo "Windsor Ridiculous" (1601 - 1602), ya no tienen el mismo carácter de diversión descuidada y contienen un carácter tan fuerte. elemento trágico que, usando terminología moderna, convendría llamarlos "dramas": tal es, por ejemplo, la obra "Medida por medida" (1604).

Finalmente, en el tercer período, de 1608 a 1612, Shakespeare escribe casi exclusivamente "tragicomedias" (obras de dramatismo agudo, pero con final feliz), en las que se manifiesta una actitud lírica y soñadora hacia la vida. Los más importantes son "Cymbelin" (1609), "Cuento de invierno" (1610), "La tempestad" (1612).

En el primer período de la obra de Shakespeare, escribió la mejor de sus comedias, sorprendiéndonos con su vivacidad y brillante ingenio.

“Solo en el primer acto de The Windsor Gossips”, escribió Engels a Marx en 1875, “hay más vida y realidad que en toda la literatura alemana; Lance solo con su perro Kreb vale más que todas las comedias alemanas juntas ”1. (1 Marx K. y Engels F. Soch. Ed. 2, vol. 33, p. 89.)

Sin embargo, al amparo de esta diversión, reflejo de la alegría característica del Renacimiento, Shakespeare plantea grandes problemas y expresa pensamientos profundos.

Una de sus primeras comedias, Love's Labour's Lost, muestra al rey de Navarra y a varios de sus asociados decidiendo renunciar al amor y sumergirse en el estudio de la filosofía. Pero la llegada de la princesa francesa con sus damas de honor trastorna sus planes, pues todos se enamoran de las señoritas recién llegadas.

En esta obra, Shakespeare critica la antigua comprensión escolástica de la sabiduría como algo separado de la vida real. Al mismo tiempo, ridiculiza el estilo eufuista que estaba de moda en su época. El propio Shakespeare rindió homenaje a este estilo ornamentado, cuyos ecos aún se escuchan en sus tragedias; pero desde el principio Shakespeare intenta superarlo en nombre de una sana naturalidad y sencillez. Al final de la obra, uno de los cortesanos, Biron, renuncia al oropel verbal y jura de ahora en adelante ser simple y veraz al expresar sus sentimientos. En otro monólogo, el mismo Biron revela todo el absurdo del rechazo ascético del amor en aras de la filosofía, declarando que el amor es el mejor estímulo para el desarrollo de la mente.

El sueño de una noche de verano afirma los derechos del amor libre y autodeterminado que supera el poder del padre, el "antiguo derecho" de los padres a controlar la vida de sus hijos. La acción se desarrolla en el seno de la naturaleza, cuyo encanto favorece a los amantes. Desarrollando en esta obra el género de las "máscaras" (obras de carácter decorativo y fantástico), Shakespeare lo reformó al mismo tiempo, sustituyendo las figuras convencionales de deidades antiguas por imágenes de creencias populares inglesas (elfos, el bromista Peck), personificando las buenas fuerzas de la naturaleza.

En la comedia Noche de Reyes, el amor ingenuo y bastante real de la inteligente y valiente Viola por Orsino se contrasta con la pasión artificial y ligeramente retórica de Orsino por Olivia. Al mismo tiempo, se ridiculiza al pedante Malvolio, un estúpido y secretamente ambicioso puritano, enemigo de la diversión despreocupada, encarnado en las imágenes del disoluto, pero bondadoso e ingenioso tío Olivia, Sir Toby, su juguetona criada y otros sirvientes. .

El mercader de Venecia va más allá del tema del amor. Aquí se enfrentan dos mundos: el mundo de la alegría, la belleza, la amistad, la generosidad (Antonio con sus amigos, Bassanio, Portia, Nerissa, Jessica) y el mundo de la codicia, la avaricia, la ira (Shylock y sus amigos). Antonio, siempre dispuesto a ayudar a sus amigos y prestando dinero sin intereses, encarna el ideal onírico de Shakespeare de un activo y al mismo tiempo humanista, receptivo a la "música de las esferas celestiales" (Acto V), inaccesible para el alma oscura de Shylock. Este ideal está profundamente en sintonía con el famoso discurso de Portia en el juicio sobre la "misericordia" como complemento y adorno de todas las leyes. El fetiche de la "ley" que protege los derechos burgueses de Shylock es anulado en esta obra por la más alta ley de la humanidad.

Al mismo tiempo, el acercamiento dialéctico de Shakespeare a los personajes humanos se manifestó en el hecho de que, mientras retrata la "negrura" del alma de Shylock, al mismo tiempo muestra la profunda tragedia de Shylock, a quien la sociedad circundante hizo de él lo que él. es. El Shylock de Shakespeare es a la vez producto y víctima, por un lado, de las relaciones de propiedad privada imperantes en la sociedad contemporánea, y por otro lado, de la injusticia insultante hacia los judíos de esta sociedad "brillante" del Renacimiento, es decir, la misma Antonio, Bassanio, etc. ...

Uno de los personajes cómicos más notables creados por Shakespeare es Falstaff, representado primero en varias escenas de Enrique IV y luego nuevamente, en el mismo año, en la comedia Los ridículos de Windsor. En su imagen, Shakespeare capturó y generalizó los rasgos más característicos del proceso social que tuvo lugar en su época. Falstaff es un noble de nacimiento. Entra en la corte, reparte votos de caballería a diestra y siniestra, intenta seducir al medio alguacil de Windsor con su título ("señor"), hace alarde de todas las prerrogativas nobles "caballerescas" y hábitos "caballerescos"; finalmente, toda la famosa banda con él (Nîmes, Bardolph, etc.), que no reciben un salario de él, sino que lo sirven a base de "vasallos" - por comida y una parte del botín - es una brillante parodia de los escuadrones feudales de los barones medievales. Pero, al mismo tiempo, no se trata de un señor feudal del viejo tipo clásico, sino de un oportunista, un señor feudal, reconstruido, perfectamente, en sus propias palabras, “asimilado el espíritu de la época”, es decir, todos los peores habilidades de la era de la acumulación primitiva. Falstaff se liberó de todas las ilusiones de su clase.

Cuando dice “nosotros, caballeros de la noche, guardabosques de Diana, caballeros de las tinieblas”, aludiendo a sus hazañas nocturnas en los caminos, se burla cínicamente de todos los conceptos feudales-caballerescos. Su razonamiento en el campo de batalla sobre el honor de los caballeros es especialmente expresivo:

“¿Y si el honor me envía al otro mundo? ¿Entonces que? ¿Puede el honor poner un pie? ¿O una mano? ¿O curar la herida? No ... ¿Qué es entonces el honor? Palabra. ¿Qué hay en esta palabra? Aire ... ¿A quién pertenece el honor? El que murió el miércoles ".

Para el encogido y desclasificado señor feudal Falstaff, la "perestroika" adopta la forma de un pequeño aventurero pirata a campo traviesa. Llega a vivir del dinero de la dueña de una posada sospechosa, y el final de su carrera se muestra en "Windsor Ridiculous": él, como basura innecesaria, es arrojado de una canasta de ropa sucia al río. .

Sin embargo, hay algo positivo en Falstaff, también asociado con el "zeitgeist": es su brillante ingenio, lo que nos deleita porque se basa en la total libertad de la mente de todos los prejuicios y limitaciones. Esto le permite a Falstaff reírse por igual de los demás y de sí mismo. Esa risa libre y desinteresada es el principal valor de Falstaff y en parte es su excusa. El pasatiempo disoluto en compañía de Falstaff también tuvo buenos resultados para el príncipe Enrique, desarrollando su mente y acostumbrándolo a la libertad de juicio. Si Falstaff usa su libertad de prejuicios por el mal, entonces el mismo hecho de tal liberación del pensamiento es un fenómeno positivo. Falstaff es uno de los retratos más complejos y artísticamente desarrollados de Shakespeare.

El cómic de Shakespeare es extremadamente diverso tanto en carácter como en su dirección. En sus comedias, puedes encontrar toda una gama de tonos de cómic, desde el humor sutil hasta el stand, a veces grosero para nuestro gusto, pero siempre chistes brillantes y divertidos. Muy a menudo, los chistes de Shakespeare expresan simplemente un exceso de alegría. Pero a menudo su risa tiene el propósito de exponer la estupidez o vulgaridad humana.

Los papeles de los bufones son muy importantes en Shakespeare. Este nombre une caracteres de dos tipos. Primero, Shakespeare retrata a menudo a bufones profesionales que, según la trama de la obra, sirven a personas nobles para divertirse; tales son los bufones en Como a ti te gusta, en Duodécima noche, y también en la tragedia El rey Lear.

Pero además, a veces muestra campesinos en sus obras de teatro "sirvientes, que divierten al público con sus pifias o payasadas". En realidad, estos no son "bufones", sino "personajes payasos"; tal es, por ejemplo, el sirviente de Shylock, Lancelot Gobbo, o el sirviente del Dr. Cayus en Windsor Ridiculous.

Los verdaderos bufones de Shakespeare son mucho más variados e interesantes. Bajo la apariencia de una broma, a menudo expresan pensamientos profundos y audaces, burlándose de los prejuicios, denunciando todo tipo de estupidez y vulgaridad.

Las tramas de las comedias de Shakespeare son siempre entretenidas y pintorescas, están llenas de todo tipo de aventuras, accidentes, malentendidos, coincidencias. Están dominados por la idea del destino.

Se expresa con especial claridad en "El sueño de una noche de verano" y en "La duodécima noche"; sin embargo, en mayor o menor medida, está presente en todas las demás comedias de Shakespeare. Este “destino” no tiene nada que ver con la idea de un “destino” irresistible que inutiliza cualquier resistencia por parte de una persona. Es entendido por Shakespeare en el sentido de "fortuna", o "buena suerte", y expresa el sentimiento, característico de la gente del Renacimiento, de la extensión ilimitada de la vida y la imposibilidad de prever y tener en cuenta todo de antemano. .

Esta idea de "fortuna" llama a la persona no a la pasividad, sino, por el contrario, a la actividad; despierta en una persona el deseo de experimentar su propia felicidad. Las comedias de Shakespeare muestran que los intentos más atrevidos, si los hacen personas talentosas y amorosas, terminan en éxito.