09 de noviembre de 2012
“Leonardo da Vinci es el único artista del que podemos decir que todo lo que tocaba con su mano se convertía en belleza eterna. La estructura del cráneo, la textura del tejido, el músculo tenso ... - todo esto se hace con un estilo asombroso para la línea, el color y la luz convertidos en verdaderos valores ” Bernard Berenson, 1896
Madonna Benoit
1475-1478; 49,5x31,5 cm;
madera, óleo transferido a lienzo
Ermita, San Petersburgo
La Madonna de Benois fue escrita por Leonardo cuando aún era muy joven. A pesar de que el artista acaba de terminar sus estudios en el taller de Verrocchio, esta es una de las primeras obras en las que se manifiesta el estilo original de Leonardo.
Han sobrevivido muchos bocetos que datan de este período, en los que Leonardo, con su minuciosidad característica, esboza no solo las diversas poses y expresiones en los rostros de la Virgen y el Niño, sino también los pliegues de sus vestidos, detalles de joyería y, de Por supuesto, paisajes pintados en la técnica del sfumato, uno de los cuales fue utilizado por el maestro como fondo en el cuadro "Madonna del Clavel".
La pintura "Madonna Benoit" sorprende con la audacia de la interpretación de los personajes. A pesar del halo dorado (se supone que los halos alrededor de las cabezas de los personajes se agregaron más tarde, y tal vez no por la mano de Leonardo), Madonna aparece ante nosotros sin ningún signo de santidad.
Se trata de una niña, casi una niña, que se divierte con un bebé bastante grande sentado en su regazo. Llama la atención un matiz interesante: un niño que debería divertirse se ve completamente de forma adulta, seria y con concentración, mientras que Madonna -contrariamente a todas las leyes de la iconografía tradicional- es alegre e incluso juguetona.
Un cierto realismo sensual, una atmósfera de calidez y alegría ligera animan esta imagen, aunque la escala general marrón-verde y una solución compositiva bastante compleja de poses y gestos de los personajes aportan un toque de ansiedad y expectación a la tonalidad emocional del lienzo. .
El modelado perfecto del cuerpo del bebé con la ayuda del claroscuro es admirable: aquí se puede sentir la influencia de los experimentos escultóricos de Verrocchio. El centro semántico y compositivo de esta obra, sin duda, es el cruce de tres manos: las regordetas manitas del Niño y la virgen y delgada mano de la Madre de Dios.
Este conmovedor detalle nos permite comprender el ingenioso plan de Leonardo: tal representación de la Virgen y el Niño, de hecho, es la encarnación de los sentimientos de las madres de todo el mundo. Entonces, ya al comienzo de su carrera, da Vinci logró no solo darle a su creación una expresividad asombrosa, sino también dotarla de un carácter hipertemporal característico solo de las verdaderas obras maestras.
En el otoño de 1478, escribe en uno de sus cuadernos, junto a varios bocetos, las siguientes palabras: "... en 1478 comencé dos vírgenes". En las hojas de sus dibujos que se remontan a la misma época, realmente encontramos una gran cantidad de bocetos para la composición "La Virgen y el Niño" y ropa pesada, trozos de tela. Estos dibujos siguen siendo algo ingenuos y secos, pero ya hablan del dominio paulatino de la técnica.
Su línea se vuelve más segura, el sombreado y el sombreado resaltan los volúmenes. Numerosas variantes de posiciones diferentes y similares de los cuerpos de la madre, el niño y ambos juntos son evidencia indudable de que el joven maestro se esforzó con ligeros trazos de lápiz o bolígrafo para transmitir las impresiones fluidas recibidas de las observaciones de la realidad real, para captar esta realidad en todas sus dinámicas de vida.
La primera de las dos Madonnas, sobre la que escribe Leonardo y que se creó a partir de muchos bocetos, es la Madonna Benois.
Cuando Leonardo lo escribió, tenía veintiséis años. A estas alturas, el artista ya había adquirido un dominio perfecto en el gran arte de la pintura, que, como veremos, situó por encima de todos los demás.
“Madonna with a Flower” (“Madonna Benoit”) es cronológicamente la primera Madonna cuya imagen está internamente desprovista de cualquier tipo de santidad.
Madonna tiene la apariencia de una niña algo enfermiza que juega con un bebé de gran tamaño sentado en su regazo. Una especie de color verde mortal, una interpretación enfáticamente realista del cuerpo humano, una mayor atención a la representación del juego de luces y sombras en partes individuales del cuerpo, la posición compleja de ambas figuras: todo en esta imagen nos muestra a un joven Leonardo, aunque busca un estilo libre todavía amplio, pero ya con firmeza, ha tomado el camino que seguirá en el transcurso de sus futuras actividades.
Ambas figuras, inscritas de cerca en el cuadro, llenan de sí mismas casi sin dejar rastro toda la superficie, solo a la derecha, en la parte superior hay una pequeña ventana lanceta, aparentemente inacabada por el artista. Hay que pensar que tenía la intención de poner aquí su paisaje de montaña favorito con un río, que recordaba las vistas de su Vinci natal, pero, como de costumbre, retrasó la obra y, pasando a otra cosa, dejó inconcluso este detalle.
La luz sobre las figuras de la imagen cae principalmente de izquierda, pero es muy posible que sea una pequeña ventana y, probablemente, las montañas y el agua ubicadas detrás de ella las que determinen que la habitación en la que se encuentra la Virgen esté mal iluminada. y, además, con una especie de luz verdosa. Pinta todo en tonos verdosos, arroja reflejos verdosos en las partes desnudas del cuerpo, crea sombras espesas en lugares más oscuros, oscurecidos por algo de la luz que entra por la ventana.
El centro compositivo e ideológico del cuadro es el entrelazamiento de tres manos: dos manitas regordetas de un niño y una mano tierna y juvenil de una madre que sostiene una flor por el tallo, a la que se dirige la mirada atenta y cariñosa de la Virgen y el Se dirigen la mirada inquisitiva y seria de un bebé que trata torpemente de agarrar la flor. La sed de conocimiento, infantilmente inconsciente, pero no infantilmente apasionado, ese conocimiento que atormentó y empujó a Leonardo hacia adelante, se expresa en toda la apariencia del bebé. La mirada del espectador se fija involuntariamente en el centro semántico de la imagen: el entrelazamiento de tres manos, la escena simple y modesta representada en ella adquiere significado y profundidad ideológica. Una imagen pequeña atrae la atención, los intereses, la emoción.
Madonna Leonardo da Vinci y Raphael SantiM a don s
Leonardo da Vinci y Raphael Santi
Leonardo da Vinci- uno de los mayores representantes del arte del Alto Renacimiento, un ejemplo de un "hombre universal".
Fue artista, escultor, arquitecto, científico (anatomista, naturalista), inventor, escritor, músico.
Su nombre completo es Leonardo di ser Piero da Vinci, traducido del italiano significa "Leonardo, hijo de Monsieur Piero de Vinci".
En el sentido moderno, Leonardo no tenía un apellido: "da Vinci" simplemente significa "(originalmente de) la ciudad de Vinci".
Para nuestros contemporáneos, Leonardo es conocido principalmente como artista.Mona Lisa - 1503-1506 Leonardo da Vinci
¿Quién no conoce "La Gioconda", la famosa obra maestra de Leonardo da Vinci? El rostro de La Gioconda es familiar para todo el mundo, su imagen sigue siendo la imagen más reproducida. Sin embargo, a pesar de su popularidad y reproducción, "La Gioconda" sigue siendo un misterio para nosotros.
Esta imagen está envuelta en misterio, y cada vez que la miramos, experimentamos una increíble sensación de descubrir algo nuevo, no explorado previamente, al igual que redescubrimos un paisaje que es bien conocido desde el verano, viéndolo una vez en el otoño. inmerso en una misteriosa bruma de niebla ...
En un momento, Vasari argumentó que "Mona Lisa" (abreviatura de "Madonna Lisa") fue pintada de la tercera esposa de un hombre rico florentino llamado Francesco di Bartolome del Giocondo, de donde el segundo nombre de la imagen - "La Gioconda" vino de.
Típico de la pintura de Leonardo da Vinci, "sfumato" aquí enfatiza el misterioso poder de la naturaleza, que una persona solo puede ver, pero no puede comprender con la razón.
Este conflicto entre lo visible y lo real da lugar a una vaga sensación de malestar, intensificado por el desamparo frente a la naturaleza y el tiempo: una persona no sabe a dónde ir, porque su vida - como ese camino sinuoso desde un paisaje lúgubre detrás del Mona Lisa: sale de la nada y se apresura a ir a ninguna parte ...
Leonardo está preocupado por el lugar del hombre en este mundo, y parece que expresa una de las posibles respuestas en la sonrisa de la incomparable Mona Lisa: esta sonrisa irónica es un signo de plena conciencia de la corta duración de la existencia humana en la tierra. y obediencia al orden Eterno de la naturaleza. Esta es la sabiduría de la Mona Lisa.
Como señaló el filósofo alemán Karl Jaspers (1883-1969), "La Gioconda" "elimina la tensión entre la personalidad y la naturaleza, y también borra la línea entre la vida y la muerte".
Escrita en Italia, La Gioconda permaneció para siempre en Francia, probablemente como una especie de bonificación por la hospitalidad mostrada a su autor.
Leonardo da Vinci: Madonna Litta
Litta - Apellido aristocrático milanés de los siglos XVII-XIX. La pintura ha estado en la colección privada de esta familia durante varios siglos, de ahí su nombre. El título original de la pintura es "Madonna and Child". La Virgen fue adquirida por el Hermitage en 1864.
Se cree que el cuadro fue pintado en Milán, donde el artista se mudó en 1482.
Su aparición marcó una nueva etapa en el arte renacentista: el establecimiento del estilo del Alto Renacimiento.
El dibujo preparatorio del lienzo del Hermitage se conserva en París en el Louvre."Virgen de las rocas" (1483-1486) Madera transferida a lienzo, óleo. 199x122 cm Louvre (París)
Virgen de la gruta
"Madonna in the Grotto" es la primera de las obras de Leonardo da Vinci que se remonta al período milanés de su obra. Esta pintura fue originalmente pensada para decorar el altar de la capilla de la Hermandad de la Inmaculada Concepción en la Catedral de San Francesco Grande de Milán y es un excelente testimonio de la habilidad insuperable de Leonardo da Vinci para sombrear figuras y espacios.
Leonardo da Vinci: Dama con armiño
Leonardo da Vinci: Madonna Benoit
Leonardo da Vinci: Ginevra de Benchi
La Belle Ferronera es un retrato de una mujer en el Louvre, que se cree que es obra de Leonardo da Vinci o sus alumnos.
"Madonna del clavel" es un cuadro que muchos historiadores del arte atribuyen al joven Leonardo da Vinci. Presuntamente creado por Leonardo cuando era estudiante en el taller de Verrocchio. 1478-1480
Esta colección contiene las pinturas más famosas Rafael dedicada a la imagen de la Madre de Dios (Madonna).
Siguiendo a tu maestroPintor perugino Rafael Santi(1483-1520) creó una galería ampliada de imágenesMaría y el bebé , que se distinguen por una amplia variedad de técnicas compositivas e interpretaciones psicológicas.
Las primeras Madonnas de Rafael siguen patrones famosospintura umbria quattrocento ... Las imágenes idílicas no carecen de rigidez, sequedad, hierático. La interacción de las figuras en las Madonnas del período florentino es más directa. Se caracterizan por complejos paisaje antecedentes. En primer plano están las experiencias universales de la maternidad: un sentimiento de ansiedad y, al mismo tiempo, el orgullo de María por el destino de su hijo. Esta belleza de la maternidad es el principal acento emocional en las Madonnas, interpretada después del traslado de la artista a Roma. El pico absoluto es "Virgen sixtina "(1514), donde el deleite triunfante con notas de despertar alarma se entrelazan armoniosamente.
Madonna y el niño "(Madonna di Casa Santi) - La primera apelación de Rafael a la imagen, que se convertirá en el principal de la obra del artista. La pintura se remonta a 1498. El artista en el momento de escribir la imagen tenía solo 15 años. Ahora la imagen está en el Museo Rafael de la ciudad italiana de Urbino.
"Madonna Connestabile" (Madonna Connestabile) se pintó en 1504 y más tarde recibió el nombre del propietario de la pintura, el Conde Connestabile. La pintura fue adquirida por el emperador ruso Alejandro II. Ahora "Madonna Conestabile" está en el Hermitage (San Petersburgo). "
Madonna Conestabile "es considerada la última obra creada por Rafael en Umbría, antes de trasladarse a Florencia."La Virgen y el Niño con los santos Jerónimo y Francisco" (Madonna col Bambino tra i santi Girolamo e Francesco), 1499-1504. La pintura se encuentra ahora en la Galería de Arte de Berlín.
"Little Madonna Cowper" (Piccola Madonna Cowper) fue escrita en los años 1504-1505. La pintura lleva el nombre de su propietario, Lord Coper. La pintura se encuentra ahora en Washington, DC (Galería Nacional de Arte).
"Madonna Terranuova" (Madonna Terranuova) fue escrita en los años 1504-1505. La pintura lleva el nombre de uno de los propietarios, el duque italiano de Terranuva. La pintura se encuentra ahora en la Galería de Arte de Berlín.
El cuadro de Rafael "La Sagrada Familia bajo la palma" (Sacra Famiglia con palma) está fechado en 1506. Como en la última imagen, aquí se representan a la Virgen María, Jesucristo y San José (esta vez con una barba tradicional). La pintura se encuentra en la Galería Nacional de Escocia en Edimburgo.
Madonna del Belvedere está fechada en 1506. La pintura se encuentra ahora en Viena (Kunsthistorisches Museum). En la pintura, la Virgen María sostiene al bebé Cristo, quien agarra la cruz de Juan el Bautista.
"Madonna Aldobrandini" (Madonna Aldobrandini) está fechada en 1510. La pintura lleva el nombre de los propietarios: la familia Aldobrandini. La pintura se encuentra ahora en la Galería Nacional de Londres.
Madonna dei Candelabri (Madonna dei Candelabri) tiene fecha de 1513-1514. La pintura representa a la Virgen María con el Niño Jesús, rodeada de dos ángeles. La pintura se encuentra en el Museo de Arte Walters de Baltimore (EE. UU.).
La "Madonna Sixtina" (Madonna Sistina) está fechada entre 1513 y 1514 años. La pintura representa a la Virgen María con el niño Jesús en brazos. A la izquierda de Nuestra Señora está el Papa Sixto II, a la derecha está Santa Bárbara. La "Madonna Sixtina" se encuentra en la Galería de los Antiguos Maestros de Dresde (Alemania).
Madonna della Seggiola (Madonna della Seggiola) tiene fecha de 1513-1514. La pintura representa a la Virgen María con el niño Cristo en brazos y a Juan el Bautista. La pintura se encuentra en la Galería Palatina de Florencia.
Publicación original y comentarios sobre
Leonardo Da Vinci "Madonna con una flor (Madonna Benois)", 1452-1519
Ermita del Estado, San Petersburgo
Renacimiento
Leonardo da Vinci es el exponente más destacado de las aspiraciones e ideales del Renacimiento. En el arte de Leonardo aparecieron los rasgos que se volvieron característicos del Alto Renacimiento: la creación de una imagen generalizada de una persona, la construcción de una composición monolítica, libre de detalles excesivos; conexión armoniosa entre los elementos individuales de la imagen. El mayor logro del artista fue el uso del claroscuro para suavizar los contornos, para generalizar formas y colores. Hizo mucho por el desarrollo del retrato y la pintura de paisajes.
Pocas obras de Leonardo da Vinci han sobrevivido hasta nuestro tiempo; hay menos de una docena de sus obras en el mundo. Algunos quedaron sin terminar, otros fueron completados por sus alumnos. La colección del Hermitage contiene dos de sus obras: "Madonna con una flor (Madonna Benoit)" y "Madonna Litta".
Un pequeño lienzo "Madonna con una flor", o, como se le llama a menudo, "Benois Madonna" es una de las primeras obras de Leonardo da Vinci. Hizo una serie de bocetos, dibujos preparatorios para esta composición. Se conserva un registro del propio artista, del que se desprende que empezó a pintar el cuadro en octubre de 1478 a la edad de veintiséis años. Rechazando la apariencia tradicional de la Virgen, Leonardo la retrató muy joven, admirando al Niño con una dulce sonrisa. En la imagen, sin duda, se sienten las observaciones de la vida del artista. La composición estrictamente pensada es simple y extremadamente generalizada. Madre e hijo están unidos en un grupo inseparable. La obra utiliza las ricas posibilidades de la luz y la sombra para esculpir formas, dándoles un volumen y expresividad especiales. La sutileza de las transiciones en blanco y negro produce el efecto característico de las obras de Leonardo, cuando toda la imagen parece envuelta en una neblina de aire.
Las altas cualidades pictóricas de la "Madonna Benois" permiten juzgar la gran habilidad que poseía el artista en su juventud. La pintura de Leonardo sorprende por su ligereza exterior, detrás de la cual se esconde la atención hasta el más mínimo detalle. Se sabe que el maestro trabajó para cada una de sus obras durante mucho tiempo, lo que a veces obligaba a los clientes a esperar varios años por las pinturas que encargaban.
"Madonna Benois" como obra de Leonardo se hizo conocida sólo en nuestro siglo. A principios del siglo XIX, un músico italiano errante lo vendió a uno de los coleccionistas rusos en Astrakhan. Luego perteneció a la familia Benois (cuyo nombre se conserva en el título del cuadro). Por primera vez se empezó a hablar de esta obra en 1908, cuando fue expuesta en una exposición organizada por la revista "Old Years". Pronto la pintura fue reconocida casi por unanimidad como creación de Leonardo da Vinci, y en 1914 ocupó un lugar de honor en la colección del Hermitage.
Se cree que han sobrevivido unas 15 pinturas de Leonardo da Vinci (además de los frescos y dibujos). Cinco de ellos se conservan en el Louvre, uno en los Uffizi (Florencia), la Alte Pinakothek (Múnich), el Museo Czartoryski (Cracovia), las Galerías Nacionales de Londres y Washington, así como en otros museos menos famosos. Sin embargo, algunos estudiosos sostienen que en realidad hay más pinturas, pero el debate sobre la atribución de las obras de Leonardo es interminable. En cualquier caso, Rusia ocupa un sólido segundo lugar después de Francia. Echemos un vistazo al Hermitage y recordemos la historia de nuestros dos Leonardos."MADONNA LITTA"
Son tantos los cuadros que representan a la Virgen María que es costumbre poner apodos a los más famosos. A menudo, el nombre de uno de los propietarios anteriores se les pega, como sucedió con "Madonna Litta".
La pintura, pintada en la década de 1490, permaneció en Italia durante muchos siglos. Desde 1813 fue propiedad de la familia Litta de Milán, cuyos representantes sabían muy bien lo rica que era Rusia. De esta familia vino el caballero maltés Conde Giulio Renato Litta, que estaba muy a favor de Pablo I y, habiendo dejado la orden, se casó con sus sobrinos.itse Potemkina, convirtiéndose en millonario. Sin embargo, no tiene nada que ver con la pintura de Leonardo. Un cuarto de siglo después de su muerte, en 1864, el duque Antonio Litta se dirigió aMuseo de la ermita, convertido recientemente en un museo público, con oferta para comprar varios cuadros de la colección familiar.
Angelo Bronzino. Competencia entre Apolo y Marsias. 1531-1532 años. Ermita del Estado
Antonio Litta estaba tan ansioso por complacer a los rusos que envió una lista de 44 obras ofrecidas a la venta y pidió a un representante del museo que fuera a Milán para ver la galería. El director del Hermitage, Stepan Gedeonov, fue a Italia y eligió cuatro cuadros, pagando 100 mil francos por ellos. Además de Leonardo, el museo adquirió The Competition of Apollo and Marsyas de Bronzino, Venus Feeding Cupid de Lavinia Fontana y Praying Madonna de Sassoferrato.La pintura de Da Vinci llegó a Rusia en muy mal estado, no solo tuvo que limpiarse, sino también transferirse inmediatamente del tablero al lienzo. Así es como el primero« leonardo» .
Por cierto, aquí hay un ejemplo de disputas sobre la atribución: ¿Leonardo creó a Madonna Litta él mismo o con un asistente? ¿Quién era este coautor, su alumno Boltraffio? ¿O tal vez Boltraffio lo escribió en su totalidad, basado en un boceto de Leonardo?
Este problema aún no se ha resuelto finalmente, y Madonna Litta se considera un poco dudosa.
Leonardo da Vinci tuvo muchos estudiantes y seguidores, se les llama "Leonardeschi". A veces interpretaban el legado del maestro de una forma muy extraña. Así apareció el tipo de desnudo "Mona Lisa". En el Hermitage hay una de estas pinturas de un autor desconocido: Donna Nuda (Mujer desnuda). Apareció en el Palacio de Invierno durante el reinado de Catalina la Grande: en 1779, la Emperatriz lo adquirió como parte de la colección de Richard Walpole. Además de ella, el Hermitage también alberga una gran colección de otras Leonardescas, incluida una copia de la Mona Lisa vestida.
"MADONNA BENOIS"
Esta pintura, pintada en los años 1478-1480, también recibió un sobrenombre en honor a su propietario. Además, bien podría llamarse "Madonna Sapozhnikova", pero "Benoit"ciertamente suena más bonito. El Hermitage lo adquirió de la esposa del arquitecto Leonty Nikolaevich Benois (hermano del famoso Alejandro) - Maria Alexandrovna Benois. Ella era nee Sapozhnikova (y, por cierto, era un pariente lejano del artistaMaria Bashkirtseva que orgulloso).Anteriormente, la pintura era propiedad de su padre, un comerciante millonario de Astrakhan Alexander Alexandrovich Sapozhnikov, y antes de él, su abuelo Alexander Petrovich (el nieto de Semyon Sapozhnikov, por participar en el motín de Pugachev, ahorcado en el pueblo de Malykovka por un joven teniente llamado Gavrila Derzhavin). La familia dijo que "Madonna" fue vendida a los Sapozhnikovs por músicos italianos errantes que, nadie sabe cómo, fueron llevados a Astrakhan.
Vasily Tropinin. Retrato de A.P. Sapozhnikov (abuelo). 1826; retrato de A.A. Sapozhnikov (padre), 1856.
Pero, de hecho, el abuelo de Sapozhnikov lo compró en 1824 por 1.400 rublos en una subasta después de la muerte del senador, presidente del Berg Collegium y director de la Escuela de Minería Alexei Korsakov (quien aparentemente lo trajo de Italia en la década de 1790).
Es sorprendente: cuando, después de la muerte de Korsakov, su colección, que incluía a Tiziano, Rubens, Rembrandt y otros autores, se subastó, el Hermitage compró varias obras (en particular, Millet, Mignard), pero descuidó a esta modesta Madonna.
Habiéndose convertido en el propietario de la pintura después de la muerte de Korsakov, Sapozhnikov asumió la restauración de la pintura, a petición suya, se transfirió inmediatamente del tablero al lienzo.
Orest Kiprensky. Retrato de A. Korsakov. 1808. Museo Ruso.
El público ruso se enteró de esta pintura en 1908, cuando el arquitecto de la corte Leonty Benois exhibió una obra de la colección de su suegro, y el curador jefe del Hermitage, Ernst Lipgart, confirmó la mano del maestro. Esto sucedió en la "Exposición de Arte de Europa Occidental de las Colecciones de Coleccionistas y Anticuarios de San Petersburgo", que se inauguró el 1 de diciembre de 1908 en las salas de la Sociedad Imperial para el Fomento de las Artes.
En 1912, la pareja Benois decidió vender el lienzo, el cuadro fue enviado al extranjero, donde los expertos lo examinaron y confirmaron su autenticidad. El anticuario londinense Duvin ofreció 500 mil francos (unos 200 mil rublos), pero en Rusia comenzó una campaña para la compra de la obra por parte del estado. El director del Hermitage, el conde Dmitry Tolstoi, se volvió hacia Nicolás II. La pareja Benois también quería que la Virgen se quedara en Rusia, y finalmente la cedió al Hermitage en 1914 por 150 mil rublos, que se pagaron a plazos.
