Entre las primeras obras de Leonardo, que datan de los años 70, en el momento en que acababa de dejar el taller del maestro, destacan varias imágenes de Madonnas. Diferentes autores diferencian la autoría de Leonardo de diferentes formas. La atribución más confiable de Leonardo en el famoso Hermitage "Madonna Benoit", que lleva el nombre de los propietarios anteriores.
Italia | Leonardo da Vinci (1452-1519) | "Madonna Benois" | 1478 | óleo sobre lienzo | Estado. Ermita | San Petersburgo
"Madonna Benoit" demuestra la originalidad del pensamiento artístico de Leonardo en las primeras etapas de la formación de su obra. Hay muchas cosas fundamentalmente nuevas para la pintura florentina: en la composición, en relación con el claroscuro, con el color. ... También es destacable que las cifras se dan sobre un fondo oscuro. En lugar de un motivo paisajístico o un motivo arquitectónico convencional, aquí se le da una profundidad tranquila y sombreada, cuya espacialidad se enfatiza por la imagen de la ventana. De alguna manera sentimos que la ventana está lo suficientemente lejos en la parte de atrás.
La sombra de esta habitación presupone el mejor claroscuro desarrollado. Ya en esta obra, Leonardo perfila esos famosos principios del sfumato que serán característicos de su método de modelar la forma con claroscuro. Sfumato traducido del italiano significa "poco claro, distraído, suave". Este es el claroscuro, pero no activo, el que esculpe estereométricamente la forma, sacando el volumen de la oscuridad e iluminándolo nítidamente con el contraste de matices oscuros y claros, pero casi indescriptibles. Además, notamos que para Leonardo en su sfumato, la sombra es más importante que la luz. Y posteriormente, rara vez dará áreas de volumen deslumbrantemente iluminadas. Con el tiempo, teniendo en cuenta toda su experiencia futura, este ligero sombreado se abalanzará sobre toda la figura, toda la composición en su conjunto. Esto es bueno y malo. Por un lado, esto le dio a su ojo brillante y agudo la oportunidad de rastrear el movimiento más sutil del aire en la composición, el movimiento y el estado de la atmósfera en todas las áreas del espacio representado. En sentido figurado, debajo de cada pliegue. Por otro lado, habiéndose asentado en la pintura de Leonardo, pasando de él a sus alumnos, esta práctica del sombreado de la luz entre artistas menos vigilantes, menos talentosos se transformó en una conocida ponderación en blanco y negro, en una especie de sombreado, tono general sombrío. Posteriormente, se reprochará a Leonardo que enseñó a la pintura a ser sepultura, negro lúgubre, que retrasó durante siglos el desarrollo del color, el desarrollo del color en la dirección de un mayor resaltado del tono, resaltando el color en general. Después de todo, Leonardo, en sus notas, en su llamado "Tratado de pintura" (que no es un tratado, fue incorporado en su totalidad en un momento posterior) a veces dice cosas asombrosamente audaces, incluso sobre el color. Por ejemplo, analizando las tonalidades de color que deben leerse en el vestido blanco de una figura femenina iluminada por el sol sobre un césped verde, habla de sombras azules, reflejos cálidos y fríos, dice que recién en el siglo XIX. obtenido empíricamente por los impresionistas. Pero este no es el caso en su propia práctica. Su pintura da efectos completamente diferentes, los efectos de este espacio ligeramente sombreado, aire ligeramente húmedo a través del cual vemos las figuras. Y aunque en "Madonna Benois" este claroscuro como sistema aún no ha tomado forma, aquí ya se pueden ver los primeros indicios de su presencia. Y el claroscuro dicta la sutileza de las relaciones coloristas en los detalles, en el color de las telas, en su favorito amarillento-dorado e indefinido violeta-azul con verde claro.
La fragilidad casi infantil de la Virgen y las formas grandes y pesadas de un bebé bien alimentado contrastan notablemente. Hay en esto una especie de equivalente especial al estado psicológico de los personajes. Ya en la oposición física de una madre-niña y un niño grande, hay algo más de grano de la trama.
Con ligereza y naturalidad, Leonardo centra la atención de la Madre de Dios y del pequeño Jesús en jugar con la flor. En sí mismo, este motivo está lejos de ser nuevo: Cristo jugando con una flor. Y los holandeses en el siglo XV. fue escrito muchas veces, y los italianos - una flor o un pájaro en la mano, a veces una flor con un significado simbólico. Pero aquí la alegría infantil de María es muy fresca, parece estar igualmente complacida con el juego de su hijo y con la belleza de la flor misma. Y por más alegre que sea la madre, el bebé es tan serio. En él se produce una especie de tremendo trabajo interior cuando examina los pétalos de una flor con sus manitas. Y esta es también una comparación psicológica algo inesperada. La cosa, a pesar de sus aparentes dimensiones de cámara, está organizada de manera bastante compleja tanto plástica-espacial como emocionalmente-psicológicamente.
En el otoño de 1478, escribe en uno de sus cuadernos, junto a varios bocetos, las siguientes palabras: "... en 1478 comencé dos vírgenes". En las hojas de sus dibujos, que se remontan a la misma época, encontramos realmente una gran cantidad de bocetos para la composición "La Virgen y el Niño", y él, con su cuidado y atención característica, esboza tanto las diversas posiciones de los cuerpos de la materia y el niño, así como los detalles: brazos con pliegues de ropa ligera y pesada, trozos de tela. Estos dibujos siguen siendo algo ingenuos y secos, pero ya hablan del dominio paulatino de la técnica.
Su línea se vuelve más segura, el sombreado y el sombreado realzan los volúmenes. Numerosas variantes de posiciones diferentes y similares de los cuerpos de la madre, el niño y ambos juntos son evidencia indudable de que el joven maestro se esforzó con ligeros trazos de lápiz o bolígrafo para transmitir con fluidez las impresiones recibidas de las observaciones de la realidad real, para capturar esta realidad. en toda su dinámica de vida.
La primera de las dos Madonnas, sobre la que escribe Leonardo y que fue creada sobre la base de muchos bocetos, es la Madonna Benois.
Cuando Leonardo lo escribió, tenía veintiséis años. A estas alturas, el artista ya había adquirido un dominio perfecto en el gran arte de la pintura, que, como veremos, situó por encima de todos los demás.
“Madonna with a Flower” (“Madonna Benoit”) es cronológicamente la primera Madonna cuya imagen está internamente desprovista de cualquier tipo de santidad.
Madonna tiene la apariencia de una niña algo enfermiza que juega con un bebé de gran tamaño sentado en su regazo. Una especie de color verde mortal, una interpretación enfáticamente realista del cuerpo humano, una mayor atención a la representación del juego de luces y sombras en partes individuales del cuerpo, la posición compleja de ambas figuras: todo en esta imagen nos muestra a un joven Leonardo, aunque busca un estilo libre todavía amplio, pero ya con firmeza que ha tomado el camino por el que irá en el transcurso de sus futuras actividades.
Ambas figuras, inscritas de cerca en el cuadro, llenan de sí mismas casi sin dejar rastro toda su superficie, solo a la derecha, en la parte superior, hay una pequeña ventana lanceta, aparentemente inacabada por el artista. Hay que pensar que tenía la intención de poner aquí su paisaje de montaña favorito con un río, que recuerda las vistas de su Vinci natal, pero, como de costumbre, retrasó la obra y, pasando a otra cosa, dejó inconcluso este detalle.
La luz sobre las figuras de la imagen cae principalmente de izquierda, pero es muy posible que sea una pequeña ventana y, probablemente, las montañas y el agua ubicadas detrás de ella las que determinen que la habitación en la que se encuentra la Virgen esté mal iluminada. y, además, con una especie de luz verdosa. Pinta todo en tonos verdosos, arroja reflejos verdosos en las partes desnudas del cuerpo, crea sombras espesas en lugares más oscuros, oscurecidos por algo de la luz que entra por la ventana.
El centro compositivo e ideológico del cuadro es el entrelazamiento de tres manos: dos manitas regordetas de un niño y una mano tierna e infantil de una madre que sostiene una flor por el tallo, a la que se dirige la mirada atenta y cariñosa de la Virgen y el Se dirigen la mirada inquisitiva y seria de un bebé que trata torpemente de agarrar la flor. La sed de conocimiento, infantilmente inconsciente, pero no infantilmente apasionado, ese conocimiento que atormentó y empujó a Leonardo hacia adelante, se expresa en toda la apariencia del bebé. La mirada del espectador se fija involuntariamente en el centro semántico de la imagen: el entrelazamiento de tres manos, la escena simple y modesta representada en ella adquiere significado y profundidad ideológica. Una imagen pequeña atrae la atención, los intereses, la emoción.
"MADONNA LITTA"
Son tantos los cuadros que representan a la Virgen María que es costumbre poner apodos a los más famosos. A menudo, el nombre de uno de los propietarios anteriores se les pega, como sucedió con "Madonna Litta".
La pintura, pintada en la década de 1490, permaneció en Italia durante muchos siglos. Desde 1813 era propiedad de la familia milanesa Litta, cuyos representantes sabían muy bien lo rica que era Rusia. De esta familia vino el caballero maltés Conde Giulio Renato Litta, que estaba muy a favor de Pablo I y, habiendo dejado la orden, se casó con sus sobrinos.itse Potemkina, convirtiéndose en millonario. Sin embargo, no tiene nada que ver con la pintura de Leonardo. Un cuarto de siglo después de su muerte, en 1864, el duque Antonio Litta se dirigió aMuseo de la ermita, convertido recientemente en un museo público, con oferta para comprar varios cuadros de la colección familiar.
Angelo Bronzino. Competencia entre Apolo y Marsias. 1531-1532 años. Ermita del estado
Antonio Litta estaba tan ansioso por complacer a los rusos que envió una lista de 44 obras ofrecidas a la venta y pidió a un representante del museo que fuera a Milán para ver la galería. El director del Hermitage, Stepan Gedeonov, fue a Italia y eligió cuatro pinturas, pagando 100 mil francos por ellas. Además de Leonardo, el museo adquirió The Competition of Apollo and Marsyas de Bronzino, Venus Feeding Cupid de Lavinia Fontana y Praying Madonna de Sassoferrato.La pintura de Da Vinci llegó a Rusia en muy mal estado, no solo tuvo que limpiarse, sino también transferirse inmediatamente del tablero al lienzo. Así es como el primero« leonardo» .
Por cierto, aquí hay un ejemplo de disputas sobre la atribución: ¿Leonardo creó a Madonna Litta él mismo o con un asistente? ¿Quién era este coautor, su alumno Boltraffio? ¿O tal vez Boltraffio lo escribió en su totalidad, basado en un boceto de Leonardo?
Este problema aún no se ha resuelto finalmente, y Madonna Litta se considera un poco dudosa.
Leonardo da Vinci tuvo muchos estudiantes y seguidores, se les llama "Leonardeschi". A veces interpretaban el legado del maestro de una forma muy extraña. Así apareció el tipo de desnudo "Mona Lisa". En el Hermitage hay una de estas pinturas de un autor desconocido: Donna Nuda (Mujer desnuda). Apareció en el Palacio de Invierno durante el reinado de Catalina la Grande: en 1779, la Emperatriz lo adquirió como parte de la colección de Richard Walpole. Además de ella, el Hermitage también alberga una gran colección de otras Leonardescas, incluida una copia de la Mona Lisa vestida.
"MADONNA BENOIS"
Esta pintura, pintada en los años 1478-1480, también recibió un sobrenombre en honor a su propietario. Además, bien podría llamarse "Madonna Sapozhnikova", pero "Benoit"ciertamente suena más bonito. El Hermitage lo adquirió de la esposa del arquitecto Leonty Nikolaevich Benois (hermano del famoso Alejandro) - Maria Alexandrovna Benois. Ella era nee Sapozhnikova (y, por cierto, era un pariente lejano del artistaMaria Bashkirtseva que orgulloso).Anteriormente, la pintura era propiedad de su padre, el comerciante millonario Astrakhan Alexander Alexandrovich Sapozhnikov, y antes de él, el abuelo Alexander Petrovich (nieto de Semyon Sapozhnikov, por la participación en el motín de Pugachev en el pueblo de Malykovka por un joven teniente llamado Gavrila Derzhavin). La familia dijo que "Madonna" fue vendida a los Sapozhnikovs por músicos italianos errantes que, nadie sabe cómo, fueron llevados a Astrakhan.
Vasily Tropinin. Retrato de A.P. Sapozhnikov (abuelo). 1826; retrato de A.A. Sapozhnikov (padre), 1856.
Pero, de hecho, el abuelo de Sapozhnikov lo compró en 1824 por 1.400 rublos en una subasta después de la muerte del senador, presidente del Berg Collegium y director de la Escuela de Minería Alexei Korsakov (quien aparentemente lo trajo de Italia en la década de 1790).
Sorprendentemente, cuando, tras la muerte de Korsakov, se subastó su colección, que incluía a Tiziano, Rubens, Rembrandt y otros autores, el Hermitage compró varias obras (en particular, Millet, Mignard), pero descuidó a esta modesta Madonna.
Habiéndose convertido en el propietario de la pintura después de la muerte de Korsakov, Sapozhnikov se encargó de la restauración de la pintura, a petición suya, se transfirió inmediatamente del tablero al lienzo.
Orest Kiprensky. Retrato de A. Korsakov. 1808. Museo Ruso.
El público ruso se enteró de esta pintura en 1908, cuando el arquitecto de la corte Leonty Benois exhibió una obra de la colección de su suegro, y el curador jefe del Hermitage, Ernst Lipgart, confirmó la mano del maestro. Esto sucedió en la "Exposición de Arte de Europa Occidental de las Colecciones de Coleccionistas y Anticuarios de San Petersburgo", que se inauguró el 1 de diciembre de 1908 en las salas de la Sociedad Imperial para el Fomento de las Artes.
En 1912, la pareja Benois decidió vender el lienzo, el cuadro fue enviado al extranjero, donde los expertos lo examinaron y confirmaron su autenticidad. El anticuario londinense Duvin ofreció 500 mil francos (unos 200 mil rublos), pero en Rusia comenzó una campaña para la compra de la obra por parte del estado. El director del Hermitage, el conde Dmitry Tolstoy, se volvió hacia Nicolás II. La pareja Benois también quería que la Virgen se quedara en Rusia, y finalmente la cedió al Hermitage en 1914 por 150 mil rublos, que se pagaron a plazos.
"Madonna Benois" de Leonardo da Vinci (1478-1480).
Lienzo (traducido de madera), óleo. 48 × 31,5 cm
Ermita del Estado, San Petersburgo
"Madonna Benoit" o "Madonna con una flor" (1478 - 1480): una de las primeras pinturas de Leonardo da Vinci, presumiblemente sin terminar. En 1914 fue adquirido por el Hermitage Imperial a Maria Alexandrovna, la esposa del arquitecto de la corte Leonty Nikolaevich Benois.
En 1912, los propietarios decidieron vender la "Madonna con una flor" y para ello la llevaron a Europa para su examen, donde el anticuario londinense Joseph Duvin la estimó en 500 mil francos. La atribución de la pintura de Leonardo fue confirmada a regañadientes por la mayor autoridad de la época, Bernard Berenson:
“Un día lamentable me invitaron a examinar la Madonna Benois. ¡Me miró una mujer joven con frente calva y mejillas hinchadas, una sonrisa desdentada, ojos miopes y cuello arrugado! Un fantasma inquietante de una anciana juega con un niño: su rostro se asemeja a una máscara vacía, y los cuerpos y miembros hinchados están adheridos a él. Pequeñas manos patéticas, pliegues de piel estúpidamente vanidosos, color como suero. Y, sin embargo, tuve que admitir que esta terrible criatura pertenece a Leonardo da Vinci ... "
El público quería que la pintura permaneciera en Rusia. MAMÁ. Benoit quería lo mismo y, por lo tanto, perdió ante Madonna por 150 mil rublos. El monto se pagó a plazos y los últimos pagos se realizaron después de la Revolución de Octubre.
MAMÁ. Benoit, de soltera Sapozhnikova, heredó la pintura. Había una leyenda en la familia de que la pintura fue comprada a músicos italianos itinerantes en Astracán. No hubo más información sobre el destino de la pintura a principios del siglo XX. En 1908, EK Lipgart escribió: “[La pintura] era parte de la antigua colección de los príncipes de Kurakin, y ahora pertenece a M.A. Benoit, esposa de un famoso arquitecto ".
Después de unos años se corrigió a sí mismo: "El suegro del Sr. Benois se lo compró [la pintura] a los showmen italianos mientras se movía por Astrakhan".
Esta versión también fue ampliamente replicada por otros autores. A menudo, sin ninguna referencia a las fuentes, se agregó que el trabajo estuvo una vez en la colección de los recuentos de Konovnitsyn.
Sólo en 1974 se publicaron datos documentales sobre cuándo y bajo qué circunstancias llegó "Madonna con una flor" a los Sapozhnikovs. En los Archivos Estatales de la Región de Astracán, se descubrió el "Registro de pinturas del Sr. Alexander Petrovich Sapozhnikov, compilado en 1827". En el inventario del primer número está “La Madre de Dios, sosteniendo al Niño eterno en su mano izquierda ... Arriba con un óvalo. Maestro Leonardo da Vinci ... De la colección del general Korsakov ". Por lo tanto, resultó que la pintura provenía de la colección del coleccionista y senador Alexei Ivanovich Korsakov (1751 / 53-1821).
Sin embargo, todavía no hay información exacta sobre el destino anterior de la pintura. Se cree que fue de esta pintura de la que habló MF Bocchi en su libro "Atracciones de la ciudad de Florencia", publicado en 1591: ... La figura de Cristo, representada como un bebé, es hermosa y sorprendente, su rostro elevado es único y sorprendente en términos de la complejidad del diseño y cómo este diseño se resuelve con éxito ".
"Virgenconflor "LeonardosíVinci
De las pocas pinturas de Leonardo da Vinci (1452-1519) que han sobrevivido hasta nuestros días, dos se encuentran en el Hermitage (Sala 2.1.4). En el corazón de "Madonna with a Flower" ("Madonna Benois"), una de las primeras obras del artista, hay un contenido vivo y concreto que expresa la idea humanista del hombre como la creación más perfecta de la naturaleza. Con amor y alegría, una joven observa el despertar de la conciencia en un niño. Con concentración infantil, intenta agarrar los pétalos de flores que le trae su madre y los examina con atención. La escena que captura el momento de la cognición en la imagen es importante no solo para revelar el contenido ideológico, sino que contribuye a una conexión compositiva más lógica y natural de las figuras. La luz de la ventana solo permite imaginar el espacio de la habitación en términos generales. Otra fuente de luz, ubicada en el frente izquierdo y ligeramente arriba, resalta suavemente las figuras de la Virgen y el bebé, enfatiza su volumen, ayuda a sentir el calor del cuerpo humano, a examinar la tela de la ropa y un broche decorado con piedras. .
Aquí, como en otras obras del gran maestro, se vio afectada la inextricable conexión de la obra pictórica de Leonardo con su actividad como científico. Con confianza, basado en el conocimiento de la anatomía y el estudio de las proporciones del cuerpo humano, Leonardo transmite la figura de una mujer sentada y los rasgos del cuerpo de un niño. El estudio de la fisonomía, numerosos bocetos hicieron posible que el artista captara y mostrara en las pinturas los cambios más sutiles en las expresiones faciales, a veces el momento del inicio del movimiento del rostro, obligándolo a adivinar su próximo estado. La aparición en las obras de Leonardo "sfumato" (como llamaban los italianos a la bruma del aire que envuelve las figuras de las personas) se basó en su propia conclusión científica de que el aire tiene un color. Leonardo, que experimentó mucho en la búsqueda de la composición de pinturas, fue uno de los primeros en Italia en pasar de la pintura al temple a trabajar con pinturas al óleo, lo que enriqueció las capacidades del artista. "Madonna con una flor", interpretada en esta técnica, entonces aún rara, es evidencia de que el maestro de veintiséis años dominó rápidamente nuevos materiales y métodos de trabajo, creando una de sus primeras obras maestras.
