Estilo (direcciones, flujos) en el arte: la comunidad históricamente establecida de los signos artísticos en una forma de arte o al mismo tiempo en varias artes, característica de diferentes épocas y pueblos y causado por la unidad de las aspiraciones ideológicas y estéticas de una minoría creativa. . Actualmente, una serie de designaciones sostenibles se han desarrollado tradicionalmente para las direcciones objetivamente existentes (y existentes) en el arte europeo, las características principales de las cuales necesita conocer a cualquier persona cultural. Considere a este respecto la terminología principal, adherirse al principio cronológico.
Estilo románico (de Lat. Romanus - Roman) se manifestó en los siglos X-XIII. En arquitectura y decoración escultórica. Las estructuras de estilo románico heredan muchos signos de la arquitectura romana, difieren la simplicidad y la racionalidad. El grosor y la fuerza de las paredes fueron el principal criterio de edificios de belleza. Los principales edificios arquitectónicos de los rumanos son el castillo del caballero y el templo del monasterio.
Estilo gótico (de él. GOTICO - Gótico, Barbaric) está asociado, ante todo, con arquitectura religiosa, escultura y arte decorativo y aplicado de los siglos XII-XIV. La principal estructura arquitectónica de la catedral gótica. Para las catedrales góticas, la aspiración del viento se caracteriza, a Dios, la conexión orgánica de la arquitectura y las esculturas, los arcos del accidente cerebrovascular; Ventanas, decoradas con vitrales multicolores, exuberante decoración.
BAROQUE (de ella. Barocco es un estilo extraño, pintoresco) en arquitectura, música, pintura, literatura, arte decorativo de los siglos XVI-Medio XVIII. Se caracteriza por la afectación estética, la riqueza de la decoración, generalmente las formas curvilíneas. En la música y la literatura: de gestión, caprichismo, adorno, abundancia de decoraciones. En el arte del barroco, entregado al servicio de la religión, los jesuitas vieron una herramienta poderosa para influir en el mundo emocional del hombre y la formación de nuevas ideas de los europeos sobre la riqueza, la complejidad y la variabilidad del mundo.
Clasicismo (de lat. Classicus es el estilo y la dirección correctos, ejemplares) en la técnica y la literatura de los siglos XVII a principios del XIX. Marcado regreso al antiguo legado como muestra normal e ideal. El principal postulado estético del clasicismo es la lealtad a la naturaleza, la racionalidad natural del mundo con una belleza objetivamente inherente que se expresa en simetría, proporciones, armonías, que deben reconstruirse en el arte en perfecto forma.
Rococo (desde el p. F. Rocaille - Fregadero), que ocupa una posición intermedia entre barroco y clasicismo. La distribución resultante se encuentra principalmente en Francia durante el tiempo de Louis XV, el estilo a veces se llama con el nombre: "estilo de Louis XV". La característica definitoria de este estilo es el deseo de gracia, la abundancia de la decoración y el contraste entre la severidad externa de los edificios y la sofisticación de su decoración interna. Los más brillantes expresados \u200b\u200ben arquitectura, pintura, arte decorativo y aplicado.
Sentimentalismo (de fr. Sentimiento: sentido): el curso artístico de la segunda mitad del siglo XVIII, que se ha desarrollado como resultado de la decepción en el papel positivo de la "civilización", "el reino de la mente", proclamado por los ideólogos de El siglo de la educación. Idean Sentimentalism se remonta a la famosa declaración J.ZH. Rousseau "la mente puede estar equivocada, sentir - nunca!" El sentimentalismo no funcionó con su propia estética y es una mentalidad bastante especial, el desgarramiento melancólico, una tendencia a la soledad, aumentó la sensibilidad. Su credo - rechazo de cualquier sofisticación y desgastación, llamada. "Sociedad civilizada.
El romanticismo es una amplia dirección ideológica y artística en la cultura mundial que cubría todo tipo de arte y ciencias humanitarias al final de los siglos XVIII a principios de XX. El romanticismo fue una reacción a los resultados de la gran revolución francesa, marcando "progreso" capitalista y el espíritu de los comerciantes universales.
El credo romántico es "un héroe atípico en circunstancias atípicas" del romance contrastando con el utilitarismo y el agotamiento de la aspiración individual a la libertad ilimitada, pathos de independencia personal y civil.
El realismo (de Lat. Realis es un estilo real, válido) que ha formado una instalación en una imagen de la vida en las formas de vida en sí misma es un héroe típico en circunstancias típicas ". Como método creativo, el realismo se manifiesta más plenamente en el siglo XIX y encarnado, sobre todo, en pintura y literatura.
El naturalismo (de Lat. Natura) es una dirección creativa que apareció en el último tercio del XIX. Bajo la influencia de la filosofía del positivismo, Kont y Spencer. La estética del naturalismo, transfiriendo los principios del positivismo al alcance del arte, se basó en la situación de que el artista debería reflejar el mundo sin ningún adorno, tipificación, convención y tabú, con la máxima objetividad. Los representantes del naturalismo afirman hablar sobre el hombre "toda la noche", mostrando especial atención a los partidos biológicos de su vida. La extrema manifestación del naturalismo, que ya pasa por alto la cara del arte, es una fila de pornoducción, la imagen de las fiestas "sucias" de la vida y las escenas de violencia, que visitaron la designación etiquetada "Chernuha".
Modernismo (de fr. Moderne - Nuevo, moderno): representa una combinación de escuelas estéticas y las corrientes de los siglos XIX XX. (Cubismo, futurismo, expresionismo, constructivismo, fusismo, dadaísmo, abstraccionismo, etc.), se opone a sí mismos con el arte del pasado y aprobar un nuevo enfoque a la imagen de la existencia social.
Postmodernismo - (formado en la segunda mitad del siglo XX). Es un tipo especial de visión del mundo, enfocada en la formación de un espacio de vida que niega todo tipo de normas y tradiciones y los principales valores de libertad en todos, la espontaneidad de la actividad, la jugada, la orientación cultural, " Deconstrucción "," descentralización ", la absolutización de la" novedad "como una forma de evaluar el mundo (R. Barth).
En el siglo XVII, se introdujo la separación de los géneros de pintura en "Altos" y "bajos". Para el primero fue histórico, batalla y géneros mitológicos. Los géneros de pintura de la segunda clasificación de la vida cotidiana, como el género doméstico, la naturaleza muerta, el animalismo, el retrato, el desnudo, el paisaje.
Género histórico
El género histórico en la pintura está representando un tema o persona en particular, pero cierto momento o un evento que tuvo lugar en la historia de las épocas pasadas. Se incluye en la principal. géneros de pintura En arte. Los géneros de retrato, batalla, hogar y mitológico a menudo están estrechamente entrelazados con históricos.
"Conquista Siberia Ermacom" (1891-1895)
Vasily surikov
En el género histórico, los artistas Nikola Poussin, Tintoretto, Eugene Delacroix, Peter Rubens, Vasily Ivanovich Surikov, Boris Mikhailovich Kustodiev y muchos otros.
Género mitológico
Leyendas, leyendas antiguas y mitos, folklore folclórico: la imagen de estas parcelas, héroes y eventos encontró su lugar en el género mitológico de la pintura. Tal vez se pueda asignar en la pintura de cualquier persona, porque la historia de cada etnos se cumple con las leyendas y las leyendas. Por ejemplo, tal parcela de mitología griega, como el romance secreto del dios de la guerra Ares y la diosa de la belleza Afrodita representan la pintura "Parnas" del artista italiano llamado Andrea Manteny.
"Parnas" (1497)
Andrea Mantenya
Finalmente, la mitología en pintura se formó en la época del Renacimiento. Los representantes de este género además de Andrea Manteny son Rafael Santi, Georgeon, Lucas Crane, Sandro Botticelli, Victor Mikhailovich Vasnetsov y otros.
Género de batalla
La pintura de batalla describe escenas de la vida militar. La mayoría de las veces, se ilustran varias caminatas militares, así como peleas de mar y tierra. Y dado que estas batallas a menudo se toman de la historia real, la batalla y los géneros históricos encuentran su punto de intersección aquí.
Fragmento de Panorama "Batalla Borodino" (1912)
Franz Rubu
La pintura de batalla tomó forma en los tiempos del renacimiento italiano en las obras de los artistas Michelangelo Buonaroti, Leonardo da Vinci, y luego Theodora Zheriko, Francisco Goya, Franz alekseevich Roubo, Mitrofan Borisovich Grekova y muchos otros pintores.
Género doméstico
Las escenas de la vida diaria, pública o privada de la gente común, sean algo urbano o de la vida campesina, representa un género doméstico en pintura. Como muchos otros géneros de pinturaLas pinturas domésticas rara vez se encuentran en forma de auto-forman, se convierten en parte de un género de retratos o paisajes.
"Vendedor de instrumentos musicales" (1652)
Karel Fabrichius
El nacimiento de la pintura doméstica ocurrió en el siglo X en el este, y pasó a Europa y Rusia solo en los siglos XVII-XVIII. Jan Vermeer, Karel Fabrichius y Gabriel Metsu, Mikhail Shibanov y Ivan Alekseevich Yermenhev son los artistas más famosos de las pinturas domésticas en ese momento.
Género animal
Los principales objetos del género animal son animales y aves, tanto salvajes como en la tarea, y en general, todos los representantes del mundo de los animales. Inicialmente, el animalismo era parte de los géneros de la pintura china, porque apareció por primera vez en China en el siglo VIII. En Europa, el animalismo se formó solo en la era del Renacimiento: los animales se representaban en ese momento como la encarnación de los vicios y las virtudes de una persona.
"Caballos en el prado" (1649)
Paulus Potter
Antonio Pisanello, Paulus Potter, Albrecht Durers, Francia Seders, Albert Cape - Representantes principales de Animalistas en Bellas Artes.
Naturaleza muerta
En el género, todavía la vida representan objetos que rodean a una persona en la vida. Estos son objetos inanimados combinados en un grupo. Dichos artículos pueden pertenecer a un género (por ejemplo, solo las frutas se muestran en la imagen), y pueden ser heterogéneas (frutas, objetos de platos, instrumentos musicales, flores, etc.).
"Flores en una canasta, mariposa y libélula" (1614)
Ambrosius Boshart Elder
Bodegón como un género independiente tomó forma en el siglo XVII. Especialmente asignó la escuela flamenca y holandesa de la naturaleza muerta. En este género, los representantes de varios estilos escribieron sus pinturas, del realismo al cubismo. Algunas de las vidas aún más famosas escritas en pintores Ambrosive Boshart Senior, Albertus Ion Brandt, Paul Cesanne, Vincent Van Gogh, Pierre Auguste Renoir, Villem Clas Heba.
Retrato
El retrato es un género de pintura, que es uno de los más comunes en el arte visual. El propósito del retrato en la pintura es retratar a una persona, pero no solo su apariencia, y también transferir los sentimientos internos y el estado de ánimo retratado.
Los retratos hay solteros, emparejados, grupos, así como un autorretrato, que a veces se distinguen por un género separado. Y el retrato más famoso de todos los tiempos, tal vez, es la imagen de Leonardo da Vinci llamada "Retrato de la Sra. Liza del Jocondo", conocida como "Mona Lisa".
"Mona Lisa" (1503-1506)
Leonardo da Vinci
Los primeros retratos aparecieron hace otro milenio en Egipto antiguo, estas fueron imágenes de Faraón. Desde entonces, la mayoría de los artistas se han intentado de alguna manera o de otra manera en este género. El retrato e histórico géneros de pintura también se pueden intersectar: \u200b\u200bla imagen de una gran persona histórica se considerará un trabajo del género histórico, al menos al mismo tiempo transferirá la apariencia y el carácter de esta persona como un retrato.
Nú
El objetivo de desnudo es una imagen de un cuerpo humano desnudo. El período del Renacimiento se considera el momento de la aparición y el desarrollo de este tipo de pintura, y el objeto principal de la pintura luego se convirtió en el cuerpo femenino, que incorporó la belleza de la era.
"Concierto rural" (1510)
Tiziano
Titian, Amedeo Modigliani, Antonio Sí Corredjo, Georgeon, Pablo Picasso son los artistas más famosos que escribieron fotos en el género de NU.
Paisaje
El tema principal del género del paisaje es la naturaleza, el medio ambiente, la ciudad, la rural o el desierto. Los primeros paisajes aparecieron en épocas antiguas cuando pintan palacios y templos, creando miniaturas e iconos. Como género independiente, el paisaje se elabora en el siglo XVI y desde entonces se incluye en el más popular. géneros de pintura.
Está presente en el trabajo de muchos pintores, comenzando con Peter Rubens, Alexei Kondratyevich Savrasova, Eduard Mana, que continúa con Isaac Ilyich Levitan, Pitom Mondrian, Pablo Picasso, George Matrimonio y terminando con los muchos artistas modernos del siglo XXI.
"Otoño Dorado" (1895)
Isaac Levitan
Entre la pintura del paisaje, tales géneros se pueden distinguir como paisajes marinos y de la ciudad.
Verbal
El plomo es un paisaje, cuyo propósito es retratar el tipo de área urbana y transferirla a la belleza y el sabor. Más tarde, con el desarrollo de la industria, el paisaje de la ciudad va al paisaje de Industrial.
"Plaza de San Marcos" (1730)
Kantelta
Puede calificar los paisajes urbanos, habiendo familiarizado con las obras de Cantelto, Peter Breygel, Fedor Yakovlevich Alekseeva, Sylvester Feodosievich Shchedrin.
Puerto pequeño
Paisaje marino, o marina representa la naturaleza del elemento marino, su grandeza. El marinista artista más famoso del mundo, quizás, es Ivan Konstantinovich Aivazovsky, cuya imagen "The Ninth Val" se puede llamar una obra maestra de la pintura rusa. El florecimiento de Marina se llevó a cabo simultáneamente con el desarrollo del paisaje como tal.
"Velero durante una tormenta" (1886)
James Battersworth
Katsusik Hokusai, James Edward Battersworth, Alexey Petrovich Bogolyubov, León Feliksovich Lagorio y Rafael Munlyon Torres, también son conocidos por sus paisajes marinos.
Si desea obtener más información sobre cómo surgió y se desarrolló los géneros de pintura en el arte, consulte el siguiente video:
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La pregunta principal que atormenta a todos los artistas novatos, ¿de dónde proviene el estilo del autor y cómo desarrollarlo?
La mayoría de los artistas que ya han consistido en esta pregunta como esta:
El estilo del autor es el caso, sobre el cual no debe pensar. Solo necesitas dibujar y vendrá sola.
De hecho, nunca cumplí esta respuesta y decidí solucionar este problema yo mismo.
¿Cómo necesitas formar el estilo de tu autor?
Me parece que inicialmente es necesario averiguar lo que generalmente se presenta el estilo de la ilustración. ¿Qué son ellos y cuáles son sus características?
¡Estilos en la ilustración hay una cantidad increíble! Todos están muy estrechamente entrelazados entre sí. Pero entre ellos puedes distinguir cinco principales:
- Realismo
- Estilo decorativo
- Grotesco
- Minimalismo
Realismo
El realismo es un estilo según el cual la tarea del artista consiste en lo más posible y la fijación objetiva de la imagen que se representa.El enfoque principal es la máxima fiabilidad de la imagen. Trabajando en el género de realismo, el artista debe cumplir claramente con las proporciones, leyes de iluminación y perspectivas. Sin embargo, sin embargo, hay algún grado de simplificación en este estilo disponible. El efecto de la simplificación se logra a expensas de la tecnología de ejecución: las trazas de pintura de lápiz, abundantes y negligentes, también cierta negligencia de dibujar elementos individuales en técnicas de pintura digital para resaltar el objeto principal. ¿Quién sale con el realismo?
- Todos los amantes del Academismo.
- Arters de conciertos
- Dibujo académico
- Cuadro
- Anatomía
- Luz
- Textura realista
Estilo decorativo
Estilo decorativo: estilo que tiene una combinación paradójica de convención decorativa y objeto realista de la instalación. La principal fortaleza del estilo decorativo es el contraste del realismo y la convencionalidad. Este efecto se logra mediante un relleno manchado denso de ciertos elementos del objeto, es decir, con un giro de color limpio y un dibujo realista obligatorio de otros elementos.
Para mejorar el efecto, puede usar la decoración del adorno de objetos individuales. Trabajar en estilo decorativo es muy importante para no exagerar el equilibrio de la convención y el realismo, de modo que la imagen cause tantos sentimientos encontrados como sea posible en el espectador.
¿Quién sale con un estilo decorativo?
- Todos los rebeldes tienen una buena escuela de dibujo académico.
- Ilustrador de la revista
- Artistas que desean crear un trabajo súper conceptual y causante.
- Anatomía
- Adorno y otros elementos decorativos.
Grotesco
Grotesque es una imagen artística y un estilo basado en la fantasía y la combinación de real e irreal. Alguna distorsión de la imagen y parcela.
Grotesque es uno de los estilos más populares en una ilustración. Se caracteriza por una distorsión significativa de proporciones, perspectivas, así como perspectivas inusualmente inusuales, que, gracias a las leyes de la perspectiva, el objeto representado se distorsiona significativamente.
Sin embargo, es muy importante no ir fundamentalmente desde la imagen inicial para preservar su reconocimiento. Para grotesco, cierta metaforicidad y surrealización de la trama y la imagen del personaje son característicos.
¿Quién sale grotesco?
- La mayoría de los ilustradores
- Artistas-Animatimizantes
- Concept-Designers personajes
- Composición
- Anatomía plástica
- Fantasía del propio autor.
Ingenuo
Ingenuo es un estilo, cuya característica principal es simplificar la forma de la percepción en el nivel subconsciente y emocional. La principal característica distintiva es la primitividad de las formas con el rechazo práctico de la anatomía y las proporciones. A menudo se conoce como un estilo infantil o de dibujos animados.
La tarea principal de ilustraciones en el estilo de ingenua es llamar emociones positivas del espectador y lunar.
Dibujando en el estilo de ingenuo, es importante no exagerar con una simplificación, reteniendo las propiedades y la conciencia del objeto del objeto.
¿Quién se adapta al estilo de ingenuo?
- La mayoría de los ilustradores
- Ilustradores infantiles
- Animadores de artistas
- Personajes y entorno de diseñadores de conciertos para dibujos animados
- Formación
- Trabajar con silueta
- Textura de software
- Varios métodos de eclosión decorativa.
Minimalismo
El minimalismo es un estilo para el cual se caracteriza la simplificación máxima de la forma de la imagen del objeto, el uso de medios mínimos de expresividad para la transmisión del diseño artístico. Ahora es muy popular y tiene otro nombre de diseño plano (diseño plano), es decir, "Piso".
Para el minimalismo, la ausencia de perspectivas, las leyes de la iluminación son características. Los objetos se simplifican a las figuras geométricas, o de ellos están compilados. Además, los objetos se pueden mostrar solo por varias líneas y manchas. Para respirar una pequeña vida en su trabajo y agregarlos un encanto, los ilustradores a menudo usan texturas agradables y ásperas.
¿Quién sale con cien minimalismo?
Ilustradores que desean trabajar con:
- Infografía
- Diseño de mourez
- Ilustración de la revista
- Composición
- Formación
Después de que hayamos desmontado los 5 estilos y aprendimos sobre sus características, la época del problema más importante viene:
¿Cómo formar tu estilo en una ilustración?
Formando el estilo del autor es necesario por lo que mejora. Pero ahora, cuando ya sabes acerca de qué estilos de estilo están allí, puede comparar sus dibujos con esos ejemplos que llevé y vea qué estilo son sus dibujos. Y para agregar pasas a su estilo y hacerlo lo más memorable, le aconsejo que combine las características de dos estilos diferentes en un solo estilo. Si es mejor dibujar un estilo ingenuo, agregando elementos del estilo decorativo, ya hice la letra de su propio autor.
Solo hay una gran variedad de direcciones y estilos en arte visual. A menudo, no tienen fronteras pronunciadas y pueden moverse suavemente de uno a otro, mientras están en desarrollo continuo, contrarrestando y mezclando. La mayoría de las direcciones en la pintura coexisten simultáneamente por esta razón: los "estilos limpios" prácticamente no suceden. Te presentamos los estilos de pintura más populares hoy.
Impresionismo
Claude Monet "Impresión. Sol naciente"
Recibió su nombre a través de la imagen "Impresión, Soleil Levant" Claude Monet. El impresionismo es un estilo de pintura, que, por regla general, está dirigido a trabajar al aire libre. La pintura en esta dirección está diseñada para transferir la sensación de luz del maestro.
Las características clave del impresionismo incluyen: trazos sutiles, relativamente pequeños, apenas visibles; iluminación precisamente transmitida; composición abierta; la presencia de cualquier movimiento; Visión inusual de los artículos.
Representantes brillantes del impresionismo: Pierre Renoir, Edgar Degas, Claude Monet.
Expresionismo
Edward Munch "Creek"
Una de las zonas modernas del arte, que se originó en Alemania en aproximadamente la primera mitad del siglo XX. Inicialmente, el expresionismo cubre solo poesía y pintura.
Los expresionistas generalmente representan el mundo que nos rodea solo la realidad subjetivamente, distorsionando completamente por un efecto emocional aún mayor. Por lo tanto, obligan a su espectador a pensar.
Entre sus representantes: Amedeo Modigliani, Edward Munk, Ernst Ludwig Kirchner, etc.
Cubismo
Pablo Picasso "Dora Maar"
El cubismo es una dirección de arte vanguardista que se originó en el siglo XX debido al famoso Pablo Picasso. Por lo tanto, es el que es el representante más vívido de este estilo. Cabe señalar que esta dirección hizo una revolución en la escultura y pintura de Europa, inspirando direcciones similares en arquitectura, literatura y música.
Para las obras de arte, en este estilo se caracterizan por artículos rotos y rotos en forma abstracta.
Modernismo
Henri Matisss "bailarina en un vestido azul"
El modernismo demuestra una combinación de diferentes tendencias de la cultura, así como una serie de direcciones de arte unidas que se originaron en los siglos XIX y XX.
Las pinturas llaman al modernismo de "otro arte", cuyo propósito es crear únicos, nada que ver con pinturas similares, es decir, muestran una visión especial del artista.
Representantes famosos: Henri Matisse y Pablo Picasso.
Neoclasicismo
Nicolas Pussen "Parnas"
El neoclasicismo fue la dirección principal en el norte de Europa sobre los siglos XVIII y XIX, para los cuales se caracteriza el arte del renacimiento, la antigüedad e incluso el clasicismo.
Debido a su profundo conocimiento de las leyes de la iglesia, los Maestros del Neoclasicismo intentaron reconstruir, así como entrar en los cánones en su trabajo.
Los representantes brillantes son: Nicolas Poussin, Franz Josef Haydn, Rafael.
Arte pop
Andy Warhol "Dollar"
Romanticismo
Francisco Goya "Inquisición del Tribunal"
El romanticismo como dirección del arte se originó en el siglo XVIII en Europa. Las emociones fuertes fueron consideradas la verdadera fuente de conocimiento estético. La mayoría de todos fueron valorados tales emociones como reverencia, miedo, horror y temor.
Entre sus representantes: Francisco Goya, Isaac Levitan, Ivan Shishkin, Ivan Aivazovsky, William Turner.
Realismo
Ilya repin "chico de tímido"
El surrealismo es la exposición de la verdad psicológica con la ayuda de separar objetos de su importancia ordinaria para crear una imagen fuerte para causar una empatía del espectador.
Representantes famosos de este estilo: Max Ernst, Rene Magritte y Salvador Dali.
Simbolismo
Mikhail Vrubel "Demonio trazado"
El simbolismo es una protesta a favor de la espiritualidad, los sueños y la imaginación, que se desarrolló en algunos países europeos al final del siglo XIX.
Los artistas simbolistas han hecho un fuerte impacto en el surrealismo y el expresionismo en la pintura. Estas dos direcciones ocurrieron directamente del simbolismo.
Entre los representantes del estilo: Mikhail Vrubel, Gustave Moro, Hugo Simberg, Victor Vasnetsov, etc.
Una de las principales formas de pensar. Su resultado es la formación de los conceptos y juicios más comunes (abstracciones). En el arte decorativo, la abstracción es el proceso de estilizar las formas naturales.
En actividades artísticas, la abstracción está constantemente presente; En su extrema expresión en la fina creatividad, conduce al abstraccionismo, una dirección especial en el arte visual del siglo XX, por lo que la negativa de la imagen de los objetos reales, la generalización límite o un fallo completo de la forma, ganando libremente. Composiciones (de líneas, puntos, puntos, aviones y aviones y el Dr.), experimentos con color, expresión espontánea del mundo interior del artista, su subconsciente en formas abstractas caóticas y no organizadas (expresionismo abstracto). A esta área se puede atribuir a la pintura del artista ruso V. Kandinsky.
Los representantes de algunas corrientes en el arte abstracto crearon estructuras ordenadas lógicamente, confiando con la búsqueda de una organización racional de formas en arquitectura y diseño (suprematismo del pintor ruso K. Malevich, constructivismo, etc.) en el abstraccionismo de esculturas expresado menos que en la pintura.
El abstraccionismo fue una respuesta a la falta de armonía general del mundo moderno y tuvo éxito porque proclamó la negativa a conscientes en el arte y pidió "dar formularios de iniciativa, pinturas, color".
Realismo
De fr. Realismo, desde Lat. Realis - Real. En el arte, en un sentido amplio, verdadero, objetivo, reflexión integral de la realidad de los medios específicos inherentes a los tipos de creatividad artística.
Los signos generales del método de realismo son la precisión en la reproducción de la realidad. Al mismo tiempo, el arte realista tiene una gran variedad de métodos de conocimiento, generalizaciones, reflexión artística de la realidad (G. Korzhev, M. B. Griegos, a.a. Plastov, A. M. Gerasimov, T. N. Yablonskaya, P. D. Corin et al.)
El siglo XX realista. Brillantes rasgos nacionales y variedades de formas adquieren. Realismo: el fenómeno es lo opuesto al modernismo.
Vanguardia
De fr. Avant - Advanced, Garde - Un destacamento: un concepto que define las empresas experimentales y modernistas en el arte. En cada época, los fenómenos innovadores surgieron en las artes visuales, pero el término "vanguardia" se estableció solo a principios del siglo XX. En este momento, tales direcciones aparecieron como el fusismo, el cubismo, el futurismo, el expresionismo, el abstraccionismo. Luego, en los años 20 y 30, las posiciones de vanguardia ocupan el surrealismo. En el período de los 60-70, se agregan nuevas variedades de abstraccionismo, varias formas de esfuerzos, trabajan con objetos (arte pop), arte conceptual, fotorrealismo, cinetismo, etc. Artista-Avant-Gardeistas expresan una especie de protesta contra tradicional cultura.
En todas las direcciones de vanguardia, a pesar de su gran variedad, puede identificar características generales: una negativa a las normas de la imagen clásica, la novedad formal, la deformación de formas, la expresión y las diversas transformaciones del juego. Todo esto conduce a la erosión de los límites entre el arte y la realidad (redi-dama, instalación, medio ambiente), creando un ideal de un trabajo abierto de arte que invade directamente el medio ambiente. El arte de Avant-Garde está diseñado para el diálogo del artista y el espectador, la interacción activa de una persona con obras de arte, complicidad en la creatividad (por ejemplo, arte cinético, heptening, etc.).
Las obras de direcciones de vanguardia a veces pierden el comienzo visual e igual a los objetos de los alrededores. Las direcciones modernas de Avant-Gardium están estrechamente entrelazadas, formando nuevas formas de arte sintético.
Andersrund
inglés Underground - subterráneo, mazmorra. El concepto que significa la cultura "subterránea" que se opone a la convención y las restricciones de la cultura tradicional. Las exposiciones de los artistas del área en consideración a menudo pasaban en los salones y galerías, sino directamente en la Tierra, así como en transiciones o metro subterráneos, que en varios países se llama el metro (metro). Probablemente, esta circunstancia también influyó en el hecho de que esta dirección en la técnica del siglo XX. Este nombre ha sido establecido.
En Rusia, el concepto del metro se ha convertido en la designación de la comunidad de artistas que representaban el arte informal.
Surrealismo
P. Surrealismo - Superdealismo. Dirección en la literatura y arte del siglo XX. La actual en la década de 1920. Al llegar a Francia a la iniciativa del escritor A. Breton, el surrealismo pronto se convirtió en una dirección internacional. Los surrealistas creían que la energía creativa proviene de la esfera del subconsciente, que se manifiesta durante el sueño, la hipnosis, las tonterías dolorosas, las ideas repentinas, las acciones automáticas (lápiz al azar que vagan en el papel, etc.)
Los artistas surrealistas, en contraste con los abstraccionistas, no rechazan la imagen de los objetos reales, sino que los representan en caos, deliberadamente desprovistos de relaciones lógicas. La ausencia de significado, la negativa de un reflejo razonable de la realidad es el principio principal del arte del surrealismo. El mismo nombre de la dirección también está hablando del divorcio de la vida real: "sur" en francés "sobre"; Los artistas no reclamaron el reflejo de la realidad, sino que colocó mentalmente sus creaciones "sobre el realismo, emitiendo fantasías locas para las obras. Por lo tanto, las pinturas surrealistas incluían similares, incapaz de explicar M. Ernsta, J. Miro, I. Tangi, así como objetos tratados con surrealistas más allá del reconocimiento (M. oppenheim).
La dirección surrealista, que estaba encabezada por S. Dali, se basó en la exactitud ilusoria de reproducir la imagen irreal que surge en el subconsciente. Sus pinturas se distinguen por una forma exhaustiva de escritura, transmisión precisa de la iluminación, la perspectiva, que es característica de la pintura académica. El espectador, dejando la persuasión de la pintura ilusoria, se introduce en un laberinto de engaños y misterios insolinales: los elementos sólidos se propagan, la transparencia densa densa, los objetos incompatibles se retorcen y resultan, los volúmenes masivos adquieren la ingravidez, y todo esto crea una imagen imposible en la realidad. .
Conocido tal hecho. Una vez en la exposición antes de la obra de S. le dio mucho tiempo al espectador, mirando con cuidado y tratando de entender el significado. Finalmente, en completa desesperación, dijo en voz alta: "¡No entiendo lo que significa!" La expresión del espectador se escuchó en la exposición S. DALI. "Como puedas entender lo que significa si yo mismo no entiendo", dijo el artista, expresando así el principio básico del arte surrealista: escribir pinturas sin pensar, sin reflexionar, abandonar la mente y la lógica.
Exposiciones de obras de surrealistas fueron acompañados, como regla general: la audiencia era indignada, considerando pinturas ridículas e incomprensibles, creía que fueron engañados, desconcertados. Los surrealistas acusaron a la audiencia, declararon que los detrás, no crecían en el trabajo de los artistas "avanzados".
Las características generales del arte del surrealismo son ficción absurda, alogyrismo, combinaciones paradójicas de formas, inestabilidad visual, variabilidad de las imágenes. Los artistas apelaron a la imitación del arte primitivo, la creatividad de los niños y las enfermedades mentales.
Los artistas de esta dirección quería crear una realidad en sus redes, no reflejar la realidad provocada por el subconsciente, pero en la práctica se vertió en la creación de imágenes patológicamente repulsivas, eclécticas y kitsch (It. - Kitsch; Productos de masa baratos y sin sabor. Diseñado para un efecto externo).
Los hallazgos separados de los surrealistas se utilizaron en áreas comerciales de arte decorativo, como ilusiones ópticas, lo que permite ver dos imágenes o parcelas diferentes en una imagen dependiendo de la dirección de la vista.
Las obras de los surrealistas causan que las asociaciones más complejas pueden identificarse en nuestra percepción con el mal. Visión de ayuno y sueños idílicos, una rue, una ruda, desesperación: estos sentimientos en varias versiones aparecen en las obras de los surrealistas, afectando activamente al espectador, la absurda de las obras de surrealismo actúa sobre la imaginación asociativa y la psique.
El surrealismo es un fenómeno artístico contradictorio. Muchas figuras culturales realmente avanzadas, conscientes de que esta dirección destruye el arte, posteriormente se negó a los puntos de vista surrealistas (artistas P. Picasso, P. CLEE, y otros, poetas F. Lorca, P. Neruda, Director español L. Bunuel, quien disparó películas surrealistas ). A mediados de la década de 1960, el surrealismo fue reemplazado por otros nuevos, incluso más áreas atractivas del modernismo, pero las obras extrañas, en su mayoría feo y sin sentido de los surrealistas aún llenan los salones de los museos.
Modernismo
P. Modernismo, de Lat. Modernus - nuevo, moderno. Designación colectiva de todas las últimas tendencias, direcciones, escuelas y actividades de artistas individuales del siglo XX., Ening la tradición del método creativo (fusismo, expresionismo, cubismo, futurismo, abstraccionismo, dadaísmo, surrealismo, arte pop, arte, cinético Arte, hiperrealismo, etc.). El modernismo está cerca del valor de Avant-Garde y opuesto al academismo. El modernismo ha sido evaluado negativamente por los historiadores del arte soviético como un fenómeno de crisis de la cultura burguesa. El arte tiene la libertad de elegir sus caminos históricos. Las contradicciones del modernismo, como tal, es necesario considerar no estático, sino en la dinámica histórica.
Arte pop
inglés Arte pop, del arte popular - arte popular. La dirección en el arte de Europa occidental y los Estados Unidos desde fines de la década de 1950. El florecimiento de arte pop llegó a los 60 tormentosos, cuando en muchos países de Europa y América, estalló bunts of Gente joven. El movimiento juvenil no tuvo un solo objetivo: se unió a un patetismo.
Los jóvenes estaban listos para tirar toda la cultura pasada en el extranjero. Todo esto se reflejó en el arte.
Característica distintiva de la combinación de arte pop con indiferencia. Todo es igualmente valioso o igualmente inválido, igualmente hermoso o igualmente feo, igualmente digno o no digno. Tal vez solo el negocio de la publicidad se basa en la misma actitud de negocios impasibles ante todo en el mundo. No es casual que el anuncio tuviera un gran impacto en el arte pop, y muchos de sus representantes trabajaron y trabajaron en centros de publicidad. Los creadores de programas y espectáculos publicitarios pueden encender las piezas y combinar el polvo de lavado y la famosa obra maestra de arte, pasta de dientes y un fugu de Bach en la combinación de ellos. De manera similar, pop art.
Los motivos de múltiples cultivos son operados de diferentes maneras. La imagen se introduce mediante collage o fotografías. Los objetos reales suelen estar en combinaciones inesperadas o absurdas absurdas (R. Raushenberg, E. War Hall, R. Hamilton). La pintura puede imitar las técnicas compuestas y la técnica de los escudos publicitarios, la imagen del cómic se puede aumentar al tamaño de una lona grande (R. Lichtenstain). La escultura se puede combinar con Milyales. Por ejemplo, el artista K. Olededenburg creó similitudes del show-windows que se consumen de alimentos de enormes tamaños de materiales inusuales.
A menudo no hay frontera entre la escultura y la pintura. La obra de arte del arte pop a menudo no solo tiene tres dimensiones, sino que también se llena de toda la sala de exposiciones. En virtud de tales transformaciones, la imagen inicial de un objeto de cultivo masivo se convierte y percibe de manera bastante diferente a la de un entorno familiar real.
La categoría principal del arte pop no es una imagen artística, sino su "designación", eliminando al autor del proceso hecho por el hombre de su creación, imágenes de algo (M. DUSHAN). Este proceso se introdujo para ampliar el concepto de arte e inclusión en ella de una actividad desconocida, "Salida" del arte en el campo de la cultura masiva. Los artistas de arte pop eran los iniciadores de tales formas como heptening, la instalación de sujetos, el medio ambiente y otras formas de arte conceptual. Flujos similares: subterráneo, hiperrealismo, op-art, sirvienta redi, etc.
ARTE ABSTRACTO.
inglés O Arte, Redfish. Del arte óptico - Arte óptico. La dirección en la técnica del siglo XX, que se generalizó en la década de 1960. Los artistas de op-artes utilizaron varias ilusiones visuales, basadas en las peculiaridades de la percepción de las figuras planas y espaciales. Los efectos del desplazamiento espacial, la fusión, las formas se lograron mediante la introducción de repeticiones rítmicas, colores afilados y contrastes tonales, cruzando las configuraciones de espiral y enrejado, líneas de retorcimiento. En OP-ART, las instalaciones de las luces cambiantes, los diseños dinámicos se utilizaron a menudo (más en la sección de arte cinético). Las ilusiones del movimiento que fluye, el cambio constante de imágenes, la forma inestable y reconstruida continuamente surgen en la optaña solo en la sensación del espectador. La dirección continúa la línea técnica del modernismo.
Arte cinético
Desde C. Kinetikos - impulsado en movimiento. La dirección en el arte contemporáneo asociado con el amplio uso de estructuras en movimiento y otros elementos de la dinámica. El cinetismo como una dirección independiente se formó en la segunda mitad de la década de 1950, pero fue precedido por experimentos para crear plásticos dinámicos en el constructivismo ruso (V. Tatlin, K. Melnikov, A. Rodchenko), Dadaísmo.
Anteriormente, el arte popular también demostró muestras de objetos y juguetes en movimiento, como las aves de felicidad de madera de la región de Arkhangelsk, los juguetes mecánicos, imitando los procesos laborales, desde el pueblo de Bogorodskoye, etc.
En el arte cinético, la moción se introduce de diferentes maneras. Algunas obras son transformadas dinámicamente por el propio espectador, el otro, las oscilaciones del entorno aéreo y el tercero son impulsadas por el motor o las fuerzas electromagnéticas. Infinitamente variedad de materiales utilizados, desde medios técnicos tradicionales hasta súper modernos, hasta computadoras y láseres. A menudo en composiciones cinéticas aplican espejos.
En muchos casos, la ilusión de movimiento se crea cambiando la iluminación: aquí el cinetismo está cerrado con op-art. Las técnicas de cinotismo se utilizan ampliamente en la organización de exposiciones, ferias, discotecas, en el diseño de áreas, parques, interiores públicos.
El cinetismo busca sintetizar las artes: el movimiento del objeto en el espacio puede complementarse con los efectos de la iluminación, el sonido, la música ligera, la película, etc.
Recepciones de arte moderno (vanguardia).
Hiperealismo
inglés Hiperrealismo. La dirección en la pintura y la escultura que surge en los Estados Unidos y se ha convertido en un evento en el arte visual global de los años 70 del siglo XX.
Otro nombre del hiperealismo es el fotorrealismo.
Los artistas de esta área imitaban las fotos con medios pintorescos sobre lienzo. Retrataron al mundo de la ciudad moderna: tiendas de ventanas de tiendas y restaurantes, estaciones de metro y semáforos, edificios residenciales y transeúntes en las calles. Al mismo tiempo, se prestó especial atención a la luz de la superficie brillante y reflejada: vidrio, plástico, pulido de automóviles, etc. El juego de reflexiones sobre tales superficies crea la impresión de la interpenetración de los espacios.
El objetivo de los Hyperealists fue retratar al mundo no solo de manera confiable, sino superfluo, súper proceso. Para hacer esto, utilizaron formas mecánicas de copiar fotos y aumentarlas al tamaño de una web grande (diápesion y cuadrícula a gran escala). Pinte, como regla general, rociada con un aerógrafo para preservar todas las características de la imagen de la foto, elimine la manifestación de la letra individual del artista.
Además, los visitantes de las exposiciones de esta área podrían reunirse en los salones de figuras humanas hechas de materiales poliméricos modernos en un valor natural, vestidos con el vestido acabado y pintados de tal manera que no difieran en absoluto de la audiencia. Causó mucha confusión y personas conmocionadas.
El fotorrealismo elevó su tarea para afilar nuestra percepción de la diario, simboliza el ambiente moderno, refleja nuestro tiempo en las formas de "artes técnicas", ampliamente propagado en nuestra era del progreso técnico. La fijación y exposición de la modernidad, ocultando las emociones del autor, el fotorrealismo en sus obras de software estaba en la frontera del arte visual y casi la cruzó, porque buscaba competir con su vida misma.
Criada redi
inglés Listo hecho - listo. Una de las técnicas comunes del arte moderno (vanguardista), que consiste en el hecho de que el tema de la producción industrial está escapando de la situación habitual de los hogares y se exhibe en la sala de exposiciones.
El significado de la criada de Redi es la siguiente: al cambiar el medio ambiente, la percepción del objeto cambia. El espectador ve en el sujeto exhibido en el podio, no es una cosa utilitaria, y un objeto artístico, expresividad de la forma y el color. El nombre de la criada de Redi por primera vez en 1913 - 1917 aplicó M. DUSHAN en relación con sus "objetos terminados" (peine, rueda de bicicleta, secadora de botellas). En la década de 1960, Redi-Maid fue distribuida ampliamente en diversas direcciones de arte vanguardista, especialmente en Dadaísmo.
Instalación
De inglés. Instalación - Instalación. Composición espacial creada por un artista de varios elementos: artículos para el hogar, productos industriales y materiales, objetos naturales, información textual o visual. Los extranjeros de instalación fueron Dadist M. Dushan y surrealistas. Creando combinaciones inusuales de cosas ordinarias, el artista les da un nuevo significado simbólico. El contenido estético de la instalación en el juego de valores semánticos, que varían dependiendo de dónde se encuentra el sujeto, en el entorno familiar familiar o en la sala de exposiciones. Muchos artistas de Avant-Garde R. Raushenberg, D. Dyane, Yukker, I. Kabakov, crearon instalación.
Instalación: una forma de arte, generalizada en el siglo XX.
Ambiente
inglés Medio ambiente - Entorno, miércoles. Una extensa composición espacial que cubre al espectador como un entorno real, una de las formas características del arte vanguardista de los 60-70. ENVIARO DE TIPO naturalista, imitando el interior con figuras creadas esculturas D. Segal, E. Kinholz, K. Odoland, D. Hanson. Tal realidad realidad podría incluir elementos de la ficción loca. Otro tipo de entorno es un espacio de juego que sugiere ciertas acciones de la audiencia.
Sucediendo
inglés Sucediendo, por lo tanto, teniendo lugar. Una variedad de esfuerzos, los más comunes en el arte vanguardista de los 60-70. El suceso se desarrolla como un evento, más bien provocado que organizado, pero los iniciadores de la acción involucran necesariamente a la audiencia. Sucesidad se originó a fines de los años 50 como la forma del teatro. En la organización adicional de la sucesión, los artistas son los más a menudo directamente en el entorno urbano o la naturaleza.
Consideran este formulario como un género de un trabajo en movimiento, en el que el medio ambiente, los elementos no desempeñan menos papel que los participantes vivos en la acción.
El efecto de Hepting provoca la libertad de cada participante y manipulando objetos. Todas las acciones se están desarrollando de acuerdo con un programa previamente planificado en el que la improvisación es muy importante, lo que emite una perspectiva inconsciente diferente. El hustio puede incluir elementos del humor y el folclore. En Heptening, el deseo de avant-garde a la fusión del arte con el curso de la vida se expresó vívidamente.
Y finalmente el tipo más avanzado de arte moderno - superplavanidad
Superplane
Superflat es un término inventado por el artista japonés moderno Takasi Murakami.
El término superflato está diseñado para explicar el nuevo idioma visual, utilizado activamente por la generación de jóvenes artistas japoneses, como Takasi Murakami: "Pensé en las realidades del dibujo y la pintura japoneses y cómo difieren de la técnica occidental. Para Japón, la sensación del avión es importante. Nuestra cultura no tiene formas 3D. 2D-Formularios aprobados en la pintura histórica japonesa, similar a un lenguaje visual simple y plano de la animación moderna, los cómics y el diseño gráfico ".
