एक संगीत क्या है, एक संगीत का इतिहास। रूसी इतिहास में संगीत - मूल से वर्तमान तक एक संगीत संक्षिप्त परिभाषा क्या है

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म्यूजिकल(अंग्रेजी संगीत), एक विशेष मंच शैली, जहां नाटकीय, संगीतमय, मुखर, नृत्यकला और प्लास्टिक कला एक अविभाज्य एकता में विलीन हो जाती है। वर्तमान स्तर पर, यह सबसे जटिल और अजीबोगरीब शैलियों में से एक है, जिसमें, एक डिग्री या किसी अन्य तक, मंच कला की लगभग सभी शैलियां जो पहले से मौजूद थीं, परिलक्षित होती हैं। 20 वीं शताब्दी की शुरुआत में संयुक्त राज्य में गठित।

उत्पत्ति के निर्धारण के लिए ऐतिहासिक निष्कर्ष

19 वीं शताब्दी के अंत तक संयुक्त राज्य अमेरिका की नाट्य कला। एक कठिन रास्ते के साथ विकसित हुआ, एक विशेष पथ के साथ जो व्यावहारिक रूप से सामान्य यूरोपीय एक के साथ संबंध नहीं था। अंग्रेजी पुरिंटन, जिन्होंने युवा देश के अधिकांश प्रवासियों को बनाया, उनके साथ विशेष रूप से कलात्मक संस्कृति और विशेष रूप से थिएटर कला के प्रति एक बहुत असहिष्णु रवैया लाया। इसका उद्भव 17 वीं शताब्दी में अंग्रेजी बुर्जुआ क्रांति के समय से हो सकता है, जब 1642 में अंग्रेजी संसद ने विशेष डिक्री द्वारा सभी नाटकीय प्रदर्शनों पर प्रतिबंध लगा दिया था। हालांकि, इंग्लैंड, अपने द्वीपीय स्थान के बावजूद, 18 वीं शताब्दी के यूरोपीय ज्ञानोदय की सामान्य प्रवृत्तियों से अलगाव में विकसित नहीं हो सका, जिसने थिएटर को अपनी विचारधारा की सेवा में डाल दिया और, परिणामस्वरूप, नाट्य कला पर बहुत ध्यान दिया। संयुक्त राज्य अमेरिका, यूरोप से अपनी दूरदर्शिता के कारण, कलात्मक संस्कृति में प्रवृत्तियों के एकीकरण का विरोध करने की क्षमता अधिक थी। दो शताब्दियों तक, शुद्धतावादी प्रवासियों ने, तपस्वियों की विचारधारा का लगातार प्रचार करते हुए, थियेटर को एक "निम्न" और सामाजिक रूप से अस्वीकृत प्रकार की मानवीय गतिविधि की भूमिका सौंपी, जो बौद्धिक रूप से घोषित की गई, लेकिन कलात्मक विकास को आध्यात्मिक जीवन के रूप में नहीं। यह थिएटर को बिल्कुल भी नष्ट नहीं कर सकता था, लेकिन इसके विकास के पूरी तरह से निश्चित रूपों को निर्धारित करता है।

19 वीं शताब्दी में अस्तित्व। आधिकारिक विचारधारा के बाहर अमेरिकी रंगमंच ने अपने सरल और सबसे कठोर रूपों के विकास में योगदान दिया, जो एक अनुभवहीन और इसलिए निराधार दर्शक के लिए डिज़ाइन किया गया है। इसके अलावा, रंगमंच मंडली और व्यक्तिगत अभिनेता यूरोप से, एक नियम के रूप में, सबसे प्रतिभाशाली नहीं थे और सबसे अमीर लोग नहीं थे जो अपनी मातृभूमि में सफल नहीं हो सकते थे। उस समय सबसे व्यापक रूप से यात्रा मंडली थीं, जिनमें बहुत कम कलाकार थे। मंडली की छोटी रचना ने उनके प्रदर्शनों की सूची निर्धारित की: विषम का एक सेट, ज्यादातर हास्य, संख्या, लघु रेखाचित्र, संगीत या नृत्य के दृश्य। किसी भी थियेटर की तरह, जिसकी सामग्री भलाई सीधे दर्शकों के विशिष्ट हितों से संबंधित है, इन मंडलों को "स्थानीय बारीकियों" को नीग्रो लोककथाओं सहित मास्टर करने के लिए मजबूर किया गया था। 19 वीं शताब्दी के मध्य तक। अमेरिकी नाट्य शैलियों का गठन किया गया था, उनका प्रतिनिधित्व करते हुए, यूरोपीय रंगमंच से उनके नाम उधार लेने के बावजूद, उनमें से एक बहुत ही विशेष किस्म। उन सभी का एक सामान्य ध्यान था - मनोरंजन। इन शैलियों के बीच का अंतर मौलिक होने के बजाय औपचारिक था।

संगीत के मूल

मिन्स्टरेल शो ("मिनस्ट्रल" से - मध्ययुगीन गायक, संगीतकार, गायिका)। प्रारंभ में, खानों के प्रदर्शन श्वेत अभिनेताओं द्वारा किए गए लघु हास्य दृश्य थे, जो कि अश्वेतों के रूप में प्रच्छन्न थे, उनके जीवन, संगीत और नृत्य में पैरोडी करते थे। उत्तर और दक्षिण के बीच गृह युद्ध के अंत में, नीग्रो मंडली दिखाई दी, जिसने सफेद टकसालों की परंपरा को जारी रखा। नीग्रो लोककथाओं में विसर्जन, और विशेष रूप से अपनी संगीत संस्कृति में, मंत्रालयों के शो में जैज़ के उद्भव का नेतृत्व किया (विशेष रूप से, reg-time, इसके शुरुआती रूपों में से एक के रूप में)। ऐसा लगता है कि यह ठीक है कि क्यों शैली ने संगीत के निर्माण में एक विशेष भूमिका निभाई और नाट्य कला अमेरीका। खदान शो की लोकप्रियता का चरम 1870 के दशक तक समाप्त हो गया।

बर्लेस्क, जो यूरोप में एक भ्रामक, गंभीर नाटकीय प्रदर्शन की पैरोडी के रूप में उठी, संयुक्त राज्य अमेरिका में अस्पष्टता और अश्लीलता के आधार पर विभिन्न प्रकार की पॉप संख्याओं का एक संग्रह बन गया है। 19 वीं शताब्दी के अंत तक। स्ट्रिपटीज़ नंबरों का बोझ दिखाई देने लगा, जिसने बाद में इसका मुख्य "हाइलाइट" बनाया।

वूडविले - एक नियम के रूप में, अपने यूरोपीय संस्करण के विपरीत, एक आम साजिश नहीं थी और, एक किस्म शो, एक संगीत हॉल प्रदर्शन, जहां विभिन्न संगीत, नृत्य और सर्कस संख्याओं ने एक-दूसरे के साथ एक मनमाने क्रम में पालन किया। एक रिव्यू को एक प्रकार का वूडविले माना जा सकता है, जिसमें संख्या एक निश्चित विषयगत रेखा से जुड़ी होती थी।

शायद एकमात्र संगीतमय और नाटकीय शैली जो अमेरिका में अपनी यूरोपीय जड़ों को बनाए रखती है, वह थी ऑपेरेटा। 19 वीं शताब्दी के अंत में। सबसे लोकप्रिय अंग्रेजी, फ्रेंच और ऑस्ट्रियाई लेखकों के ओपेरा थे।

20 वीं शताब्दी की शुरुआत में। क्या हुआ, अतिशयोक्ति के बिना, अमेरिका की संस्कृति के विकास में एक क्रांतिकारी मोड़ माना जा सकता है, और बाद में - पूरी दुनिया का: संगीत कला की एक नई सामान्य अवधारणा के रूप में जैज़ का निर्माण और विकास। जैज धीरे-धीरे न केवल संगीत बन गया, बल्कि सोचने का भी एक तरीका बन गया, यह थिएटर सहित कलात्मक संस्कृति के सभी क्षेत्रों में प्रवेश कर गया। धीरे-धीरे एक विशिष्ट राष्ट्रीय संगीत के रूप में पहचाने जाने वाले, जैज़ रचनाओं ने अधिक से अधिक लोकप्रियता हासिल की। 1940 के दशक की शुरुआत तक, एक संगीत कॉमेडी प्रदर्शन को खोजना मुश्किल था जिसमें जैज़ नंबर शामिल नहीं थे। उनकी पृष्ठभूमि के खिलाफ, अन्य दृश्यों और रेखाचित्रों की तुच्छता अधिक से अधिक अशिष्ट दिखती थी। संगीत और नाटकीय प्रदर्शन में एक गुणात्मक छलांग आगे बढ़ना अपरिहार्य हो गया। यह सोचते हुए कि सभी संगीत और शानदार शैली नए सिद्धांतों पर एक दूसरे से बहुत अलग नहीं हैं, उनके प्रकाश और सतही चरित्र को एक अप्रत्याशित गहराई दे रही है। संगीत की प्रकृति में अनिवार्य रूप से बदलाव के कारण नाटकीय आधार पर मूलभूत परिवर्तन हुआ। तो, प्रतीत होता है कि असंगत कलात्मक दिशाओं के चौराहे पर, एक संगीत पैदा हुआ।

अमेरिका में संगीत

नई शैली के जन्म की आधिकारिक तारीख मार्च 1943 मानी जाती है, जब नाटक का प्रीमियर ब्रॉडवे पर हुआ ओकलाहोमा! आर। रोजर्स और ओ। हैमरस्टीन। हालाँकि पहले लेखकों ने पारंपरिक रूप से अपने प्रदर्शन को "संगीतमय कॉमेडी" कहा, लेकिन जनता और आलोचकों ने इसे एक नवाचार के रूप में माना, जो स्थापित तोपों को नष्ट कर देता है। प्रदर्शन संरचनात्मक रूप से एक एकल था: कोई सम्मिलित डायवर्टिसमेंट वोकल और डांस नंबर नहीं थे; कथानक, पात्रों के चरित्र, संगीत, गायन - सभी घटकों में अविभाज्य रूप से अस्तित्व था, विभिन्न तरीकों से जोर देना और विकसित करना मंच के काम की सामान्य रेखा। मूल मूल्य - प्रेम, सामाजिक समुदाय, देशभक्ति - एक सरल और निराधार साजिश के पीछे खड़े थे। कोई आश्चर्य नहीं कि दस साल बाद, ओक्लाहोमा राज्य ने इस शो के गीत को अपने आधिकारिक गीत के रूप में घोषित किया।

प्रीमियर के बाद, जो असाधारण सफलता के साथ आयोजित किया गया था, लेखकों ने प्रदर्शन की शैली के लिए एक नया शब्द प्रस्तावित किया: संगीत। संगीत ओकलाहोमा!पांच साल से अधिक ब्रॉडवे चरण नहीं छोड़ा है; के बाद - उन्होंने एक दौरे पर पूरे अमेरिका की यात्रा की। 1944 में उन्हें पुलित्जर पुरस्कार मिला। पहली बार, एक डिस्क को व्यक्तिगत संगीत नंबरों की रिकॉर्डिंग के साथ जारी किया गया था, लेकिन पूरे प्रदर्शन के लिए नहीं। फिल्म की शूटिंग 1955 में हुई थी ओकलाहोमा!, जिसने दो ऑस्कर प्राप्त किए हैं - सर्वश्रेष्ठ संगीत और ध्वनि के साथ सर्वश्रेष्ठ काम के लिए। 2002 में ब्रॉडवे पर फिर से इसका मंचन किया गया। न्यूयॉर्क ड्रामा लीग की घोषणा की ओकलाहोमा! सदी का सबसे अच्छा संगीत।

इस प्रकार पहले अमेरिकी और फिर विश्व रंगमंच के इतिहास में एक नया युग शुरू हुआ, जिसे जे। गेर्शविन, आर। रोजर्स, एल। बर्नस्टीन, ई। लॉयड वेबर, जे। हरमन और अन्य जैसे संगीतकारों ने महिमामंडित किया। डब्ल्यू। शेक्सपियर, एम। सेर्वेंटेस, सी। डिकेंस, बी। शॉ, टी.एस. एलियट, डी। हेवर्ड और अन्य।

संगीत की सभी सिंथेटिक शैली के लिए, इसकी विशिष्ट विशेषता नाटक में "संवादी दृश्यों" की अनिवार्य उपस्थिति नहीं है: निस्संदेह संगीत लिखे गए हैं और मंचन किया जाता है जैसे कि एक ऑपरेटिव तरीके से, जहां भूमिका भागों में बदल जाती है: पोरी और बेस, बिल्ली की, जीसस क्राइस्ट सुपरस्टार, एविताआदि भ्रम से बचने के लिए, ऐसे कार्यों को अक्सर "रॉक ओपेरा" कहा जाता है। हालांकि, वास्तव में, वे अभिनय के सामान्य तरीके से संगीत से संबंधित होते हैं, जब अभिनय तकनीक का कोई भी साधन हो, यह नृत्य, मुखर या प्लास्टिक नंबर हो, भावना या विचार की अभिव्यक्ति में कलाकार के लिए बिल्कुल जैविक हो जाता है। यह अत्यंत पारंपरिक, ज्वलंत नाटकीय शैली अभिव्यक्ति के एक साधन से दूसरे में संक्रमण की स्वाभाविकता के साथ समझ से दूर होना चाहिए। इसके अलावा, उच्चतम स्तर के तकनीकी प्रदर्शन के साथ, स्वर या प्लास्टिक के मंचन को शास्त्रीय संगीत शैलियों की तुलना में मौलिक रूप से अलग होना चाहिए: आवाज "ऑपरेटिव" ध्वनि नहीं कर सकती है, और नृत्य "बैले" नहीं देख सकता है। भाषण, चेहरे का भाव, प्लास्टिसिटी, नृत्य को केवल मंच व्यवहार की एक पंक्ति में समेटा जा सकता है, एक अभिन्न छवि बनाने का कार्य।

यह ब्रॉडवे संगीत के सर्वश्रेष्ठ प्रस्तुतियों में अभिनेताओं द्वारा प्रदर्शित होने का तरीका है, साथ ही साथ उनके सिनेमाई संस्करणों में भी दिखाया गया है: संगीत की आवाज़(1965), पश्चिम की कहानी(1961), हैलो डॉली!(1969), अजीब लड़की(1968), जीसस क्राइस्ट सुपरस्टार(1973), मेरी हसीन औरत(1964), छत पर फडलर(1971) आदि। इनमें से कई फिल्मों को उच्च सिनेमाई पुरस्कार मिले हैं।

जल्द ही, अमेरिकी संगीतकारों ने दुनिया भर में अपना विजयी मार्च शुरू किया। हालाँकि, उनके यूरोपीय निर्माण गंभीर कठिनाइयों से भरे थे। तथ्य यह है कि एक बहुमुखी अभिनेता का अनूठा मंच प्रशिक्षण, जो एक संगीत की आवश्यकताओं को पूरा करता है, ब्रॉडवे पर अपनाई गई नाटकीय अभ्यास के एक निश्चित रूप के कारण होता है: एक विशिष्ट, जब एक विशिष्ट मंडली एक विशिष्ट परियोजना को लागू करने के लिए इकट्ठा होती है।

प्रबंधन और प्रबंधन के प्रारूप

उद्यम के रूप में काम की व्यावसायिक सफलता का एक सावधानी से गलतकरण होता है। हिस्सेदारी को रचनात्मक टीम की कला और निर्माता की कला पर समान रूप से रखा गया है। प्रदर्शन पर काम "गहरी विसर्जन" विधि द्वारा किया जाता है, अन्य परियोजनाओं में भाग लेने से इनकार करके। तकनीकी पूर्णता के स्तर पर लाया गया समाप्त प्रदर्शन, लगातार संचालित होता है, जब तक कि इसके लिए दर्शकों की मांग है (यदि सफल, कई वर्षों के लिए)। रूप का परिशोधन, विशेष रूप से काम के प्रवेश द्वार की ओर अभिनेताओं के मनोवैज्ञानिक अभिविन्यास के साथ संयुक्त है, प्रदर्शन को लंबे समय तक अप्रचलन से बचने और दर्शकों की संरचना की परवाह किए बिना एक ही प्रकार की दर्शकों की प्रतिक्रिया प्राप्त करने की अनुमति देता है। इसके अलावा, शानदार प्रभावों का जटिल विकास, जो एक आधुनिक संगीत की पहचान में से एक बन गया है, निस्संदेह प्रदर्शन के पूरे स्कोर के सटीक अवलोकन में अभिनेताओं से स्वचालितता की आवश्यकता होती है। दर्शक के साथ इस तरह के प्रदर्शन का संपर्क फिल्म की धारणा से किया जा सकता है: दर्शकों की व्यक्तिगत प्रतिक्रिया की परवाह किए बिना, कला का एक काम नहीं बदलता है, यह एक बार और सभी के लिए बनाया जाता है। एक मनोरंजक प्रदर्शन बस दर्शकों की प्रतिक्रिया में उतार-चढ़ाव की अनुमति नहीं दे सकता है: परियोजना में ब्याज में कमी उनकी मृत्यु के लिए समान है। इसके अलावा, अमेरिकी प्रबंधन के लिए, एक शानदार प्रदर्शन की शुरुआत सिर्फ शुरुआत है। लगभग हर परियोजना ऑडियो और वीडियो रिकॉर्डिंग की आय से होती है, और बड़ी सफलता के साथ, अन्य सिनेमाघरों में मंचन के लिए लाइसेंस प्राप्त होता है।

एक स्थायी मंडली और एक बड़े, विविध प्रदर्शनों वाले स्थिर थिएटर यूरोपीय नाट्य परंपरा की अधिक विशेषता हैं। यह कार्य की एक पूरी तरह से अलग शैली और दर्शक के साथ एक अलग प्रकार का रिश्ता तय करता है: अधिक अंतरंग और जटिल। हर दिन अलग-अलग भूमिकाओं में पुनर्जन्म लेते हुए, प्रत्येक प्रदर्शन पर प्रदर्शनों के रंगमंच के अभिनेता दर्शकों के साथ संपर्क स्थापित करते हैं, उनका ध्यान आकर्षित करते हैं और दर्शकों की प्रतिक्रियाओं को समायोजित करते हैं। कोई आश्चर्य नहीं कि ऐसा माना जाता है कि इस तरह के थिएटर में दो समान प्रदर्शन नहीं होते हैं: अर्थपूर्ण लहजे, रिश्तों और पात्रों के चरित्रों की बारीकियों को अभिनेताओं की मनोदैहिक स्थिति और दर्शकों की ग्रहणशीलता और मनोदशा पर निर्भर करता है। और अगर थिएटर को सब्सिडी भी मिलती है, तो प्रदर्शन की व्यावसायिक सफलता निश्चित रूप से बनी रहती है, एक महत्वपूर्ण, लेकिन इसके अस्तित्व के लिए एक महत्वपूर्ण शर्त नहीं है। यह सब अभिनेताओं के सामने आने वाले तकनीकी कार्यों की सेटिंग और निष्पादन के मानकीकरण को बहुत जटिल करता है। नतीजतन, एक संगीत के सफल उत्पादन की संभावना कम हो जाती है।

फिर भी, संगीत की शैली सभी देशों के अभिनेताओं और सभी नाटकीय दिशाओं के लिए बेहद आकर्षक निकली। यह निस्संदेह न केवल लोकप्रियता के लिए प्राकृतिक लालसा के साथ जुड़ा हुआ है, बल्कि अपनी रचनात्मक संभावनाओं का विस्तार करने के लिए एक नई शैली में महारत हासिल करने की इच्छा के साथ भी जुड़ा हुआ है।

रूस में संगीत का इतिहास

रूस में, संगीत के साथ संबंध एक लंबे समय से पहले बंधे होने लगे, इस शैली के कुछ अलग, मूल संशोधन में। हालांकि, संगीत के लिए पहला दृष्टिकोण अमेरिका में उसी तरह से चला गया - जैज के माध्यम से। जी। अलेक्जेंड्रोव की फ़िल्मों में और विशेष रूप से में ऐसा हुआ हंसमुख लोग जैज़ बैंड एल। उत्तोव की भागीदारी के साथ। इस तथ्य के बावजूद कि स्कोर में इतने सारे संगीतमय संख्या नहीं हैं, वास्तव में वे फिल्म में अधिकृत प्रतिभागी हैं, जो अभिनेताओं के साथ एक समान पायदान पर मौजूद हैं। इस लाइन को निर्देशक ने जारी रखा सर्कस, और - कुछ हद तक कम जैविक - में वोल्गा वोल्गाजहां अक्सर म्यूजिकल नंबर डाले जाते थे। अलेक्जेंड्रोव का यह अनुभव सोवियत सिनेमा में व्यावहारिक रूप से अद्वितीय है, जहां संगीत कॉमेडी की शैली का विकास मुख्य रूप से ऑपरेटेट की पंक्ति के साथ आगे बढ़ता है (आई। पियर्सिक की शैली की क्लासिक जे के काम के लिए शुरुआती फिल्मों से)।

1960 के दशक के मध्य से, सोवियत मंच पर संगीत के मंचन के लिए कई प्रयास किए गए हैं। लेनिन कोम्सोमोल के नाम पर लेनिनग्राद थियेटर का मंचन भी किया गया था पश्चिम की कहानी... हालाँकि, मुख्य रूप से संगीत प्रदर्शन के मंचन की सीमा सामाजिक पत्रकारिता जैसे ब्रेख्त गीत-ओपेरा () अच्छा व्यक्ति सेज़ुआन से टैगंका पर, थ्रीपनी ओपेरा तथा लोग और जुनूनलेन्सोवेट थिएटर में) और एक गेय म्यूजिकल कॉमेडी-ऑपरेटेट, कम या ज्यादा मनोवैज्ञानिक दृढ़ता के साथ खेला जाता है ( डुलसीनिया तोबोस्काया थिएटर में मायाकोवस्की और लेंसोवेट के नाम पर, लेफ्टी लेंसोवेट थिएटर और यहां तक \u200b\u200bकि Khanuma (BDT में)। हालांकि, संगीत के प्रति कई वास्तविक सफलताएं भी थीं। वे एक नियम के रूप में, रूसी संगीतकारों की रॉक कला से जुड़े थे। इसलिए, प्रदर्शन पूरी तरह से अप्रत्याशित था क्रेचिन्स्की की शादी लेनिनग्राद ऑपरेटरेट थियेटर में (संगीतकार ए। कोलर, निर्देशक वी। वोरोब्योव)। और, निश्चित रूप से, मिखाइल ज़खारोव के लेनकोमोव प्रदर्शन - थिएल(संगीतकार जी। ग्लैडकोव), जोकिन मुरीटा का सितारा और मृत्युतथा "जूनो और एवोस"(संगीतकार ए। रायबनिकोव)। उनमें से आखिरी किसी ने अमेरिकी संगीत के नियमों के अनुसार किसी भी तरह बेवजह चंगा किया, दशकों तक स्थिर दर्शकों की प्रतिक्रिया को बनाए रखा (इस तथ्य के बावजूद कि कलाकार थिएटर के बाकी हिस्सों में व्यापक रूप से कार्यरत हैं)।

तातियाना शबीना

जब संगीत को एक अलग नाटकीय शैली के रूप में बनाया गया था, तो यह दुनिया में अधिक से अधिक लोकप्रियता हासिल करना शुरू कर दिया। दर्शकों से पहचान पाने वाले सर्वश्रेष्ठ नाटकों को विभिन्न देशों में मंच पर स्थानांतरित किया जाता है।

संगीतकारों ने तुरंत दर्शकों को एक तीव्र मंच ताल के साथ पकड़ लिया और इस लय के माध्यम से उन्हें भावनाओं का एक पूरा झरना अनुभव करते हैं: नाटकीय टकराव का तनाव, हास्य स्थितियों का हास्य, यहां तक \u200b\u200bकि नायकों का गेय उदासी। दर्शकों को एक पूरी तरह से भावनात्मक झटका मिलता है। लय को शानदार ढंग से निष्पादित भीड़ के दृश्यों, रंगीन दृश्यों और वेशभूषा द्वारा बनाया गया है। कार्रवाई की तेज गति और ऊर्जावान नृत्यों के संयोजन में, चमकीले रंग कार्रवाई में समृद्धि जोड़ते हैं। "आदर्श रूप से, सब कुछ: शब्द, आवाज, चाल, हाथ, पैर, कपड़े, टोपी, पतलून, पोर्टल, छत, छत और झूमर - संगीत में यह सब छोटी से छोटी विस्तार से एक साथ विलीन हो जाना चाहिए, इस अप्रत्याशित एकता तक पहुंचना, पूर्णता की शानदार परिणति, जो दर्शकों को अपनी चकाचौंध से भरपूर दिखाती है, "- नाटक और फिल्म" माई फेयर लेडी "की वेशभूषा के लेखक, अंग्रेजी कलाकार सेसिल बीटन ने लिखा है। उपरोक्त सभी संगीत में प्रयुक्त अर्थपूर्ण अर्थ है।

इसलिए, उपरोक्त अध्ययन से, यह पता लगाया जा सकता है कि 19 वीं शताब्दी के दौरान, लगभग सभी नाटकीय शैलियों में नृत्य किया गया था, जो संगीत के गठन से पहले सफलतापूर्वक इस्तेमाल किया गया था और इस तरह के प्रदर्शनों में रुचि, चमक और मनोरंजन दिया गया था। इसलिए, एक संगीत में कोरियोग्राफी के महत्व की भूमिका पर विचार करना काफी संभव है।

यदि पहले संगीत में नृत्य बहुत कम दिया गया था और ये मुख्य रूप से प्लग-इन संख्याएं थीं जो मुखर प्रदर्शन को पतला करती हैं, तो आज नृत्य किसी भी संगीत में एक महत्वपूर्ण स्थान रखता है। नई नाट्य शैली के अस्तित्व के शुरुआती वर्षों (1943) में, संगीत में मुख्य रूप से टैप डांस के तत्व शामिल थे। एक उदाहरण "ओक्लाहोमा" नाटक का प्रसिद्ध उत्पादन है, जो अभी भी दुनिया भर में नल नर्तकियों को प्रसन्न करता है। ब्रॉडवे मंच पर हिट करने के लिए बैले अगली नृत्य शैली थी। मंचन "दसवीं एवेन्यू पर नरसंहार" को इस शैली का एक महत्वपूर्ण प्रतिनिधि माना जाता है। प्रसिद्ध कोरियोग्राफर रॉबर्ट एल्टन ने संगीत के लिए लैटिन अमेरिकी प्लास्टिक के जैज ताल और तत्वों को जोड़ा।

आधुनिक संगीत में नृत्य महत्वपूर्ण भूमिका निभाता है। नृत्य नायकों की भावनाओं और भावनाओं को व्यक्त करने का एक साधन है, नृत्य के प्रदर्शन के युग के साथ, मंच पर जो कुछ भी हो रहा है, उसका वातावरण प्रकट होता है। और कोरियोग्राफिक टेक्स्ट की मदद से कोरियोग्राफी, पात्रों की छवियों को बढ़ाती है, जिससे वे अधिक अभिव्यंजक बनते हैं। इसलिए, संगीत में कोरियोग्राफिक निर्माण के अभिव्यंजक साधन एक अभिन्न अंग हैं। "अभिव्यंजक साधनों" की अवधारणा में शामिल हैं: प्रदर्शन के निर्माण का प्रकार (डायवर्टिसमेंट, गीतात्मक चित्र, सिम्फोनिक विकास, आदि के माध्यम से), एक कोरियोग्राफिक पाठ जिसमें विभिन्न प्रकार के नृत्य और नृत्य विशेषताओं से मिलकर, कोरियोग्राफिक और संगीत रूपों की बातचीत होती है, कोरियोग्राफिक चित्रों को हल करने, द्विभाजन और प्रजनन के तरीके, उनके दार्शनिक अर्थ, प्रदर्शन में सहायक उपकरण और वस्तुओं की भूमिका, दर्शनीय स्थल, आदि। अवधारणा में मंच अभिव्यक्ति का एक सेट भी शामिल है, जो है: एक प्लास्टिक विचार (शब्दावली), एक संगीत विचार, एक प्राकृतिक विचार, एक कलाकार का व्यक्तित्व।

एक विशिष्ट उदाहरण संगीतकार एंड्रयू लॉयड वेबर द्वारा प्रसिद्ध संगीतमय "कैट्स" है - एक आकर्षक और मनमोहक शो। "कैट्स" के लिए साउंडट्रैक की लोकप्रियता के बावजूद, यह नृत्य है जो संगीत की सुंदरता और छवि बनाता है। इसी समय, मुख्य पात्रों के अलावा, संगीत में एक अतिरिक्त दृश्य है - वे बड़े पैमाने पर चरित्र बनाते हैं, संगीत को अतिरिक्त आकर्षण देते हैं, स्थान को भरते हैं, एक प्रतीत होता है एकल छवि बनाते हैं, लेकिन इस अतिरिक्त दृश्य में प्रत्येक चरित्र का अपना चरित्र है - हर बिल्ली जिसमें एक नाम भी नहीं है और एक निश्चित भूमिका। और सुविधाएँ, नाच नृत्य आंदोलन द्वारा बनाया गया है।

यदि आप नृत्य को एक सौंदर्यवादी अभिनय, सजावट के रूप में देखते हैं, तो आप इसमें कई विशेषताएं भी पा सकते हैं: इशारे, आसन, चेहरे के भाव, पूर्वाभास, प्रत्येक चरण का अपना अर्थ है। इसलिए, नृत्य का उपयोग किसी भी क्रिया को व्यक्त करने के लिए किया जाता है।

निर्देशक, मंच पर एक कलात्मक और प्लास्टिक निर्माण का निर्माण करता है, प्लास्टिक की छवियों में सोचता है, शब्दों और सामग्री के मनोविज्ञान को एक ज्वलंत नाट्य प्रदर्शन में अनुवाद करता है, नाटकीय शो के आकर्षण और संक्रामकता के लिए मूल अभिव्यंजक तकनीक की तलाश करता है। ज्वलंत रूप में कोरियोग्राफी की भाषा प्रदर्शन की सामग्री को प्रकट करती है और निर्देशक की अभिव्यंजक तकनीकों में से एक है।

एक निर्देशक के लिए मुख्य बात अपने काम की अभिव्यक्ति और संक्रामकता है। छवियां बनाना, वह किसी चीज के सार, उसके महत्वपूर्ण गुणों और गुणों की खोज करने के लिए हर विवरण का चयन और संकलन करता है। जो कुछ दिखाया गया है उस पर ध्यान आकर्षित करने के लिए यह सब आवश्यक है। निर्देशक भावनात्मक रूप से हलचल करना चाहता है, विस्मित होता है, अपने दर्शक की सामग्री की खोज से विस्मित होता है, जिससे वह महसूस करता है, सोचता है, कल्पना करता है, सहयोगी बनता है, सामान्यीकरण करता है।

ओपेरा और ओपेरेटा ने दर्शकों को डायवर्टिसमेंट-टाइप बैले दृश्यों के आदी किया: कभी-कभी ये अलग-अलग संख्याएं होती हैं, कभी-कभी पूरे सुइट्स बाधित होते हैं, मुख्य साज़िश के विकास को रोकते हैं। संगीत, अपने सर्वश्रेष्ठ उदाहरणों में, पात्रों के विकास के साथ इस तरह के दृश्यों को कथानक से जोड़ता है। इस प्रकार, बैले एपिसोड सम्मिलित संख्याओं को समाप्त कर देते हैं, कार्रवाई का हिस्सा बन जाते हैं। लेकिन यह पर्याप्त नहीं है: कोरियोग्राफी और प्लास्टिक गायन के साथ-साथ संगीत के अभिव्यंजक साधनों की प्रणाली में सबसे महत्वपूर्ण तत्व बन जाते हैं। एक नियम के रूप में, संगीत की संख्या भी बहुतायत से हल की जाती है। पात्रों के चरित्र गायन और नृत्य दोनों में प्रकट होते हैं।

आधुनिक संगीत में भी, कोरियोग्राफी की अभिव्यक्ति दिलचस्प प्राकृतिक तकनीकों द्वारा दी गई है, जिसका उद्देश्य न केवल विशेष प्रभाव पैदा करना है जो दर्शकों को आश्चर्यचकित और आश्चर्यचकित कर सकता है, उन्हें साहचर्य धारणा के लिए भी संबोधित किया जाता है। संगीत की कोरियोग्राफिक पाठ में बुनी गई काल्पनिक छवियां और रूपक, दर्शकों को नृत्य नाटक और दृश्यों की बातचीत का विश्लेषण करने के लिए प्रेरित करते हैं। उदाहरण के लिए, एक सजावट और रंगमंच की सामग्री के रूप में उत्पादन में बाल्टी का उपयोग, जो चूल्हा के प्रतीक के रूप में कार्य करता है, या कोहरे (धुआं) स्क्रीन एक उपकरण है जो छवियों या वीडियो को प्रदर्शित करने के लिए छोटे पानी की बूंदों से एक सपाट सतह बनाता है। स्मोक स्क्रीन की प्रमुख विशेषता इसे नष्ट किए बिना स्थापना के माध्यम से स्वतंत्र रूप से चलने की क्षमता है (इस तरह की सजावट नर्तकियों को मंच के चारों ओर स्वतंत्र रूप से आगे बढ़ने में मदद करती है)। उसी समय, कोरियोग्राफिक संख्या "अवास्तविक" ध्वनि प्राप्त कर सकती है, और नर्तक असामान्य दिखते हैं, जैसे एक दृष्टि।

ब्याज की भी संगीतमय "कैट्स" (संगीतकार - एंड्रयू लॉयड वेबर, कोरियोग्राफर गिलियन लिन) के दर्शनीय निष्कर्ष हैं। संगीत का मूल डिज़ाइन डिजाइनर जॉन नेपियर द्वारा बनाया गया था। हॉल और मंच एक एकल स्थान हैं, और कार्रवाई पूरी तरह से नहीं बल्कि पूरे गहराई से होती है। असाधारण कौशल वाले संगीत में, अभिव्यक्ति के एक महत्वपूर्ण साधन का उपयोग किया गया था - मेकअप, जिसे प्रत्येक अभिनेता के लिए व्यक्तिगत रूप से विकसित किया गया था और संगीत के प्रत्येक नायक के चरित्र के दृश्य प्रतिबिंब के रूप में सेवा की गई थी। कलाकारों को लेयर्ड मेकअप, हाथ से पेंट की हुई चड्डी, ऊन के विग, फर कॉलर, पूंछ और चमकदार कॉलर के साथ सुंदर बिल्लियों के रूप में पुनर्जन्म दिया जाता है।

मैं यह नोट करना चाहूंगा कि 20 वीं शताब्दी का आधुनिक संगीत मंच कला घटकों (नृत्यकला, संगीत, पोशाक, मेकअप, स्टेज प्रभाव) के सामंजस्यपूर्ण और पूर्ण संश्लेषण के विचार पर आधारित है। दृश्य सूचना श्रृंखला (पोशाक, मंच डिजाइन) के घटक प्लास्टिक की अभिव्यक्ति के साथ "साथ" होते हैं, संगीत में कोरियोग्राफिक पाठ की सामग्री को पूरक करते हैं।

संगीत के अवसर को जन्म देता है। 1886 में, न्यूयॉर्क के संगीत थिएटरों में से एक में आग लग गई और बैले मंडली बिना काम के रह गई। पोगोरेल्टसेव के निर्माता ने नाटक थिएटर के एक सहयोगी की ओर रुख किया, जहां मेलोड्रामा का पूर्वाभ्यास किया गया था। साथ में वे एक मूल कदम के साथ आए: उन्होंने दोनों मंडलों को जोड़ा और एक असामान्य संगीत प्रदर्शन दिखाया। यह साढ़े पांच घंटे तक चला, लेकिन दर्शक नहीं थके - उन्होंने इसे उत्साह के साथ स्वीकार किया। सफलता ने सिनेमाघरों के निर्देशकों को प्रेरित किया और इसी तरह के प्रदर्शन विभिन्न चरणों में दिखाई देने लगे।

यह ऊपर से इस प्रकार है कि संगीत की शैली मुख्य रूप से संयुक्त राज्य अमेरिका में नाटकीय उद्यमशीलता के अभ्यास के कारण है। अमेरिकी रंगमंच मुख्य रूप से एक व्यावसायिक उद्यम है, और एक असाधारण प्रकाश-शैली कला के रूप में आकार लिया है, आमतौर पर मनोरंजन की ओर उन्मुख होता है। इस प्रकार, संगीत में एक दोहरी प्रकृति है: यह एक तरफ, कला और दूसरी तरफ, एक शक्तिशाली मनोरंजन उद्योग है।

एक संगीत नाट्य और संगीत प्रदर्शन की एक शैली है, जहाँ नृत्यकला और संगीत, गायन और संवाद, नाट्य नाटक को गढ़ा जाता है।

एक शैली, अवधारणा और सुविधाओं के रूप में संगीत का उद्भव

इस तरह की कला का जन्म पिछली शताब्दी के 20 के दशक में यूएसए में हुआ था। हालांकि, इस कला रूप को केवल 40 के दशक में एक स्वतंत्र दिशा के रूप में मान्यता दी गई थी, जब ब्रॉडवे पर पहली बार संगीतमय "ओक्लाहोमा" का सफलतापूर्वक मंचन किया गया था। इस तथ्य के बावजूद कि लेखकों ने खुद को काम को "संगीतमय कॉमेडी" कहा, दर्शकों ने इसे कुछ नया और असामान्य माना। बाद में, लेखकों ने खुद अपने काम को "संगीतमय" कहा - इससे नई शैली को नाम दिया गया। ओक्लाहोमा पांच साल के लिए मंच पर था। और 2002 में वह फिर से मंच पर लौट आईं।

लंबे समय तक, संगीत प्रदर्शन अमेरिकी मनोरंजन उद्योग का अनन्य डोमेन था। यह पिछली शताब्दी के 80 के दशक में ही लंदन मंच पर लेस मिजरेबल्स का मंचन किया गया था - इस क्षण से इस शैली की यूरोपीय प्रस्तुतियों का इतिहास शुरू होता है।

शैली के मुख्य "तीन व्हेल":

• कामेच्छा, गीत और संगीत समान रूप से काम के आधार हैं;
• शैलियों की एक विस्तृत श्रृंखला - कॉमेडी से नाटक तक;
• प्रसिद्ध साहित्यिक कृतियों पर आधारित;
• बड़ी संख्या में लोग शामिल थे: निर्देशक, पटकथा लेखक, कॉस्ट्यूम डिजाइनर, रोशनी, कोरियोग्राफर, सज्जाकार।

कला की एक शैली के रूप में संगीतमय। वाडेविल और ओपेरा से अंतर

कला के इन दोनों क्षेत्रों में कई समानताएं हैं। इसलिए, उदाहरण के लिए, 20 वीं शताब्दी की शुरुआत तक, संगीत को "अमेरिकी ओपेरा" कहा जाता था। आधार के बाद संगीत का काम करता है स्थानीय परंपराएं और प्राथमिकताएं बनने लगीं, यह एक स्वतंत्र कला शैली बन गई। आपरेटा को प्रकाश, कॉमेडी शैली के रूप में माना जाता है, जिसमें संगीत प्रदर्शन का एक अनिवार्य हिस्सा है। उनके विपरीत, संगीत में, मुख्य हैं संवाद, पॉप संगीत के करीब, अधिक जटिल नृत्य और संगीत डिजाइन। इसके अलावा, नृत्य शैली का एक अभिन्न अंग है।

वाडेविले नृत्य और छंद के साथ एक कॉमेडी पीस है। विभिन्न प्रभावों के उत्पादन और उपयोग के संदर्भ में, यह कम खर्चीला है।

सबसे प्रसिद्ध विश्व संगीत

विश्व प्रसिद्ध कार्य जैसे

"माई फेयर लेडी", "कैबरे", "कैट्स", "शिकागो", "एविता", "लेस मिजरेबल्स", "द फैंटम ऑफ़ द ओपेरा", "मामा मिया"

अपनी प्रासंगिकता न खोएं, वे अभी भी ब्रॉडवे और लंदन में मंचन कर रहे हैं।

एक संगीत चैंपियन के रूप में गिनीज बुक ऑफ रिकॉर्ड्स में दर्ज किया गया सबसे महान काम "शानदार" है। यह 42 वर्षों से लोकप्रिय है। इस दौरान, 17,162 प्रदर्शन हुए।

"यीशु मसीह सुपरस्टार" के प्रसिद्ध उत्पादन, जिसने अपनी शानदारता और त्रासदी के साथ दर्शकों को मोहित कर दिया, दुनिया भर में केवल 33 वर्षों के लिए मंचन किया गया था (हम केवल मूल उत्पादन के बारे में बात कर रहे हैं)।

संगीत और नाटक संगीत के आधार के प्रतिबिंब के रूप में

संगीत के मुख्य घटक समान रूप से हैं:

• शब्द,
• संगीत,
• सीनरी,
• कोरियोग्राफी।

वे एक दूसरे को समझाते हैं, उत्पादन को गतिशीलता देते हैं। संगीत नाटक एक्शन का एक महत्वपूर्ण हिस्सा है, एक सामान्यीकरण का मतलब है कि शुरुआत से अंत तक नाटक में मौजूद है। संगीत साथ देता है कि मंच पर क्या हो रहा है, पाठ का अनुसरण करता है, मूड, खुशी और त्रासदी के परिवर्तन को दर्शाता है, काम का मुख्य विचार व्यक्त करता है। साथ में, यह दर्शकों को काम के नाटक की पूरी गहराई को महसूस करने की अनुमति देता है।

एक संगीत प्रदर्शन का नाटकीयता अपने समय के तीव्र सामाजिक मुद्दों और उनके महत्वपूर्ण मूल्यांकन को प्रतिबिंबित करना है। यह शैली के विकास की एक और विशेषता है।

रूस में संगीत की उत्पत्ति

रूस में, संयुक्त राज्य अमेरिका की तरह, जाज इस प्रवृत्ति के उद्भव के लिए एक शर्त बन गया।

संगीत के विकास का "रूसी तरीका" अमेरिकी एक से अलग है। उन्होंने रूसी नाटकीय वातावरण में जन्म लिया, विदेशों से उनके "सहकर्मी" की तुलना में एक अलग विशिष्टता है। इसलिए, 70 के दशक में, उन्हें संगीत और नाटकीय प्रदर्शन माना जाने लगा, जो शास्त्रीय कार्यों पर आधारित था, जिसमें संगीत संगत उत्पादन की धारणा के अधिकतम प्रभाव के समानांतर था।

दूसरी ओर, अमेरिकी संगीत प्रस्तुतियों, ब्रॉडवे पर व्यापक रूप से नाटकीय अभ्यास के एक विशेष रूप का व्यापक उपयोग करते हैं: प्रवेश। यूनिवर्सल अभिनेता, निर्माता - हर कोई प्रदर्शन की व्यावसायिक सफलता पर काम कर रहा है। उनके लिए, दर्शक के साथ संपर्क वित्तीय भाग जितना महत्वपूर्ण है, रूसी के विपरीत, जहां सामग्री माध्यमिक है।

सभी अधिक दिलचस्प काम "जूनो और एवोस" का भाग्य है, जिसने कई दशकों तक दर्शकों को बनाए रखने के विकास के अमेरिकी मार्ग का अनुसरण किया।

यूएसएसआर में संगीत: यूटसोव से "थ्री मस्किटर्स"

स्क्रीन पर "मेरी फैलो" की रिलीज के बाद, जहां लियोनिद यूटसोव के जैज़ बैंड ने इतना शानदार अभिनय किया, यूएसएसआर ने पहली बार एक संगीत के बारे में बात करना शुरू किया। हालांकि फिल्म में कई संगीतमय संख्याएं नहीं थीं, फिर भी, वे मुख्य अभिनेताओं के साथ फिल्म में भाग ले रहे थे। उसके बाद, अन्य फिल्मों में संगीत लाइन का पता लगाया जाने लगा: "सर्कस", "वोल्गा-वोल्गा", जहां संगीत की संख्याओं को फिल्म में शामिल किया गया था।

एक ही शैली के एक और निर्माण के बाद एक बार पर्दे पर आने वाली फिल्मों की सफलता के लिए धन्यवाद: "स्कारलेट सेल", "ऑर्फ़ियस और एरीडिस", "जूनो और एवोस", "फ्री विंड", "व्हाइट बबूल" और अन्य।

नाट्य प्रदर्शन के अलावा, संगीत फिल्में सोवियत स्क्रीन पर न केवल वयस्कों के लिए, बल्कि बच्चों के लिए भी दिखाई जाती हैं: "बर्टिनो", "डेविल"। और ए। डुमास "द थ्री मस्किटर्स" के उपन्यासों के रूपांतरण ने अभिनेताओं और निर्देशक को दर्शकों के साथ एक शानदार सफलता दिलाई, और फिल्म ने अपनी अपील नहीं खोई।

रूस में समकालीन संगीत

रूसी काल के संगीतकारों ने यूएसएसआर की ऐसी प्रस्तुतियों की उच्च-प्रोफ़ाइल सफलताओं का समर्थन नहीं किया। केवल 90 के दशक के उत्तरार्ध में रूसी पर ऐसी प्रस्तुतियों का प्रदर्शन शुरू हुआ नाट्य मंचन... इस शैली का पहला उत्पादन पोलिश मेट्रो (1999) का एक अनुकूलित संस्करण था।

इसके तुरंत बाद, एक रूसी उत्पादन - "नॉर्ड-ओस्ट" (2001) सामने आया। यह वी। केवरिन के "टू कैप्टन" का बड़े पैमाने पर उत्पादन था, जिसने बहुत लोकप्रिय होने का वादा किया था। दुर्भाग्य से, इस काम की संभावनाओं को एक बड़े आतंकवादी हमले द्वारा रद्द कर दिया गया था - 23-26 अक्टूबर, 2002 को डब्रोवका पर थियेटर सेंटर की इमारत में बंधक। तीन दिनों के टकराव और एक सैन्य अभियान के परिणामस्वरूप, विभिन्न स्रोतों के अनुसार, लगभग 174 लोग मारे गए। तब से, "नॉर्ड-ओस्ट" नाम विशेष रूप से उस त्रासदी के साथ जुड़ा हुआ है। उन्होंने कई बार काम को फिर से शुरू करने की कोशिश की, लेकिन कोई फायदा नहीं हुआ।

कई वर्षों के दौरान, एक के बाद एक दिखाई देते हैं:

• "नोट्रे डेम डे पेरिस", "शिकागो", "फोर्टी-सेकंड स्ट्रीट" (सभी 2002),

• ईस्टविक चुड़ैलों, 12 अध्यक्षों (2003),

• रोमियो एंड जूलियट (2004),

• "कैट्स" (2005)।

2006 में, एबीबीए समूह के गीतों के आधार पर एक प्रोडक्शन जारी किया गया - संगीतमय "मम्मा मिया!" - वह रूस में उस समय सबसे सफल हो गया। हालांकि, "12 कुर्सियों" को छोड़कर, ये सभी विदेशी लेखकों के लाइसेंस के तहत प्रोडक्शंस थे।

आधुनिक रूस में शैली के विकास के इतिहास में 2008 एक महत्वपूर्ण मील का पत्थर है। इस समय, पहली रूसी संगीतमय फिल्म "हिपस्टर्स" रिलीज़ हुई थी। उस समय से, रूस में संगीत के उत्पादन को स्ट्रीम पर रखा गया है। प्रसिद्ध और इतना सफल और असफल नहीं, विदेशी और रूसी - 5-7 कार्यों को सालाना प्रकाशित किया गया था।

आज, संगीत वाद्ययंत्र अभी भी मांग में हैं और उनकी लोकप्रियता नहीं खोई है, उन्हें दुनिया की विभिन्न भाषाओं में अनुवादित किया जाता है और पूरी दुनिया में खेला जाता है। नए प्रोडक्शंस दिखाई देते हैं जो अभी तक अपने दर्शकों को जीतने के लिए हैं।

यूएसएसआर की संगीत शैली के संगीतकार:
I. दुनावेस्की।
जी। ग्लैडकोव।
ए। रायबनिकोव।
उ। कोलर।
वी। दशकेविच।
एम। दुनेवस्की।

रूसी संगीत शैली के संगीतकार:
एम। दुनेवस्की।
ए। रायबनिकोव।
ए ग्रेडस्की।
ए ज़ुराबिन।
ए। इवासचेंको।
जी। वासिलिव।

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उग्रा स्टेट यूनिवर्सिटी

मानवीय संस्था

शिक्षाशास्त्र और मनोविज्ञान विभाग

विषय पर सार

"एक संगीत शैली के रूप में संगीत"

अकादमिक अनुशासन द्वारा

"निष्क्रिय और जैज़ संगीत के विकास का इतिहास »

प्रदर्शन किया:

4 साल का छात्र

समूह संख्या 9175

उसके। सोकोलोवा

जाँच:

सह - आचार्य

संगीत की शिक्षा

N.M. Provozina

Khanty-Mansiysk

1. एक संगीत क्या है?

2. संगीत के विकास के "अमेरिकन वे"।

3. रूस में संगीत।

ग्रंथ सूची।

एक संगीत क्या है?

समकालीन संगीत कला विभिन्न प्रकार की शैलियों और प्रवृत्तियों से भरी हुई है। अब मंच पर आप शास्त्रीय स्कूल के प्रतिनिधियों, और विभिन्न युवा उपसंस्कृति, और सभी प्रकार के संगीत प्रवृत्तियों से मिल सकते हैं। एक संगीत क्या है और इस अनूठी शैली की विशेषताएं क्या हैं?

संगीत (कभी-कभी एक संगीत कॉमेडी कहा जाता है) एक संगीत और मंचीय कार्य है जिसमें संवाद, गीत, संगीत को परस्पर जोड़ा जाता है, नृत्यकला एक महत्वपूर्ण भूमिका निभाती है।

संगीत एक विशेष मंच शैली है, जहां नाटकीय, संगीत, मुखर, नृत्यकला और प्लास्टिक कला एक अविभाज्य एकता में विलीन हो जाती है। उनके संयोजन और अंतर्संबंध ने संगीत को असाधारण गतिशीलता प्रदान की, अभिलक्षणिक विशेषता कई संगीत के माध्यम से, गंभीर नाटकीय समस्याओं का समाधान कलात्मक माध्यम से धारणा के लिए आसान हो गया है। वर्तमान स्तर पर, यह सबसे जटिल और अजीबोगरीब शैलियों में से एक है, जिसमें, एक डिग्री या किसी अन्य तक, मंच कला की लगभग सभी शैलियां जो पहले से मौजूद थीं, परिलक्षित होती हैं। जबकि संगीत अपने प्रारंभिक दौर में था, कई लोग इसकी सफलता में विश्वास नहीं करते थे।

एक संगीत के तीन मुख्य घटक संगीत, गीत और कामेच्छा हैं। संगीत का लिबेटो "शो" या शो के इतिहास को संदर्भित करता है - वास्तव में, इसकी संवादी (मुखर नहीं) लाइन। हालाँकि, "लीब्रेट्टो" एक साथ एक ओपेरा में लिबरेटो की तरह संवादों और गीतों को भी संदर्भित कर सकता है। संगीत और गीत एक साथ संगीतमय स्कोर बनाते हैं। रचनात्मक टीम द्वारा संगीत की व्याख्या संगीत को प्रस्तुत करने के तरीके को बहुत प्रभावित करती है। रचनात्मक टीम में एक फिल्म निर्देशक, संगीत निर्देशक और आमतौर पर एक कोरियोग्राफर शामिल होता है। संगीत का उत्पादन रचनात्मक रूप से तकनीकी पहलुओं जैसे कि सेट, वेशभूषा, मंच के गुण, प्रकाश व्यवस्था आदि द्वारा किया जाता है। यह आम तौर पर उत्पादन से उत्पादन में बदलता है (हालांकि उत्पादन के कुछ उल्लेखनीय पहलू मूल उत्पादन से बने रहते हैं, जैसे कि शिकागो में बॉब फॉसे की कोरियोग्राफी)।

एक संगीत के लिए कोई निश्चित लंबाई नहीं है, और यह एक छोटे से एक अभिनय प्रदर्शन से लेकर कई कार्य और कई घंटे (या यहां तक \u200b\u200bकि कई शाम) तक हो सकता है। हालांकि, अधिकांश संगीत आधे घंटे से तीन घंटे के बीच चलते हैं। संगीत आज आम तौर पर दो कृत्यों में प्रस्तुत किया जाता है, जिसमें दस से 20 मिनट तक एक ब्रेक होता है। पहला अधिनियम लगभग हमेशा दूसरे अधिनियम की तुलना में कुछ लंबा होता है, और आम तौर पर अधिकांश संगीत का प्रतिनिधित्व करता है। एक संगीतमय 4-6 मुख्य विषयगत धुनों का निर्माण किया जा सकता है जो पूरे शो में दोहराए जाते हैं, या इसमें गीतों की एक श्रृंखला शामिल हो सकती है जो सीधे संगीत से संबंधित नहीं हैं। संवादी संवाद आम तौर पर संगीत की संख्याओं के बीच में मिलाया जाता है, हालांकि "मुखर संवाद" या पुनरावर्ती के उपयोग को बाहर नहीं किया जाता है।

संगीत के विकास का "अमेरिकन वे"।

संगीत कितना पुराना है? गीतों के माध्यम से कहानी कहने की कला समय से पहले की है। हम जानते हैं कि प्राचीन यूनानियों ने 5 वीं शताब्दी ईसा पूर्व के रूप में अपने नाट्य प्रदर्शन में संगीत और नृत्य को शामिल किया था। उनमें से कुछ ने प्रत्येक संगीत के लिए विशेष गीत लिखे, दूसरों ने मौजूदा का उपयोग किया। इन नाटकों ने राजनीतिक और सामाजिक व्यंग्य को जोड़ा और कुछ भी जो आम जनता का मनोरंजन कर सके। गीतों की मदद से कार्यों पर टिप्पणी करना, क्या हो रहा था, आदि के बारे में बात करना संभव था।

रोमन ने ग्रीक थिएटर के लगभग सभी रूपों और परंपराओं की नकल की, लेकिन उन्होंने कुछ बदलाव भी किए। विशेष रूप से, उन्होंने नर्तकियों के आंदोलन को बेहतर ढंग से सुनने के लिए धातु के साथ जूते गांठना शुरू कर दिया, जो विशेष प्रभावों के महत्व पर जोर देना शुरू कर दिया।

आधुनिक संगीत के अग्रदूत कई प्रकाश शैलियों थे: ओपेरेटा, कॉमिक ओपेरा, वाडेविल, ब्यूरो। कुछ लोग इसे आम तौर पर सिर्फ एक अमेरिकी संस्करण के रूप में मानते हैं। यह कोई बड़ी गलती नहीं है। कला शैलियों का विकास होता है, और ओपेरा ने अपनी राष्ट्रीय और शैली विशिष्टता को एक से अधिक बार बदल दिया है। आई। कलमैन और एफ। लेहर द्वारा सेंटीमेंटल मेलोड्रामैटिक ओपेरटस 19 वीं सदी के विनीज़ ओपेरा के विपरीत थे, और सोवियत लेखकों के संगीतमय हास्य पश्चिमी उत्पादन से इतने भिन्न थे कि कभी-कभी उन्होंने एक नई शैली के रूप में उनके बारे में बात करने के लिए भी जन्म दिया। शब्द "यह एक ओपेरा नहीं है" 20 वीं शताब्दी के कई ओपेरा लेखकों के लिए अच्छी तरह से जाना जाता था। ओपेरा और संगीत के बीच मुख्य संरचनात्मक अंतर उस भूमिका से निर्धारित होता है जो संगीत बोले गए दृश्यों की तुलना में निभाता है। ऑपरेटेट ने बड़े पैमाने पर संगीत वाद्ययंत्रों की विशेषताओं को बरकरार रखा है, जो कि लेटमोटिफ़्स और सिम्फ़ोनिक विकास के तत्वों के साथ फाइनल और फ़ाइनल के साथ हैं। संगीत अधिक नाटकीय रूप है, जिसमें संगीत कोरियोग्राफी, प्लास्टिक, मंचन प्रभाव आदि के साथ-साथ संगीत और मंच संपादन का एक साधन है। "संरचना में, संगीत उस तरह के ओपेरा के करीब है जो हमारे पास है और अन्य देशों में, "म्यूजिकल कॉमेडी" नाम प्राप्त हुआ और जो शैली की शुद्धता के पैरोकारों को कभी-कभी ऑपरेटिव से मौलिक रूप से मिलता था। यह अमेरिकी संगीत थिएटर में था जो गुणात्मक छलांग लगाता था, जो कई लोगों को संगीत को एक स्वतंत्र मंच शैली के रूप में विचार करने की अनुमति देता है, हालांकि यह करीबी रिश्तेदारी और रिश्ते में है संचालनकर्ता के साथ निरंतरता।

संगीत के उद्भव में एक बड़ी भूमिका (एक कह सकता है, संगीत इस शैली के लिए धन्यवाद प्रकट हुआ) जैज़ द्वारा निभाई गई थी, जो XX सदी की शुरुआत में थी। धीरे-धीरे न केवल संगीत बन गया, बल्कि यह सोचने का भी एक तरीका बन गया, यह रंगमंच सहित कलात्मक संस्कृति के सभी क्षेत्रों में प्रवेश कर गया। धीरे-धीरे एक विशिष्ट राष्ट्रीय संगीत के रूप में पहचाने जाने वाले, जैज़ रचनाओं ने अधिक से अधिक लोकप्रियता हासिल की। 1940 के दशक की शुरुआत तक, एक संगीत कॉमेडी प्रदर्शन को खोजना मुश्किल था जिसमें जैज़ नंबर शामिल नहीं थे। उनकी पृष्ठभूमि के खिलाफ, अन्य दृश्यों और रेखाचित्रों की तुच्छता अधिक से अधिक अशिष्ट दिखती थी। संगीत और नाटकीय प्रदर्शन में आगे एक गुणात्मक छलांग अपरिहार्य हो गई। यह सोचते हुए कि सभी संगीत और शानदार शैली नए सिद्धांतों पर एक दूसरे से बहुत अलग नहीं हैं, उनके प्रकाश और सतही चरित्र को एक अप्रत्याशित गहराई दे रही है। संगीत की प्रकृति में परिवर्तन अनिवार्य रूप से नाटकीय आधार पर एक मूलभूत परिवर्तन का कारण बना। तो, प्रतीत होता है कि असंगत कलात्मक दिशाओं के चौराहे पर, एक संगीत पैदा हुआ।

विश्व संगीत का इतिहास आज लगभग 100 साल पुराना है। हालांकि कुछ विशेषज्ञ जॉर्जेस बिज़ेट के ओपेरा कारमेन (1874) को दुनिया में पहला संगीत मानते हैं, कुछ और भी आगे जाते हैं और मोजार्ट की द मैजिक फ्लूट (1791) के साथ गिनती शुरू करते हैं। संगीत के बिना शर्त अग्रदूतों को जॉन गे (1787) या गिल्बर्ट और सुलिवन (19 वीं शताब्दी के मध्य) के कॉमिक ओपेरा "द भिखारियों का ओपेरा" माना जा सकता है। संगीतकार जेरोम कर्न और कामेच्छावादी ऑस्कर हैमरस्टीन (1927) द्वारा पहला वास्तविक अमेरिकी संगीत "शो बोट" है। इसमें, पहली बार, पाठ और संगीत के एकीकरण की डिग्री "संगीत संगति" तक पहुंच गई। हालांकि, उस समय "फ्लोटिंग शिप" को संगीत नहीं, बल्कि एक संगीत कॉमेडी कहा जाता था।

नई शैली के जन्म की आधिकारिक तारीख मार्च 1943 मानी जाती है, जब नाटक का प्रीमियर ब्रॉडवे पर हुआ ओकलाहोमा! आर। रोजर्स और ओ। हैमरस्टीन। हालाँकि पहले लेखकों ने पारंपरिक रूप से अपने प्रदर्शन को "संगीतमय कॉमेडी" कहा, लेकिन जनता और आलोचकों ने इसे एक नवाचार के रूप में माना जो स्थापित कैनन को नष्ट कर देता है। प्रदर्शन पूरी तरह से एकल था: इसमें डायवर्टिसमेंट वोकल और डांस नंबर सम्मिलित नहीं थे; कथानक, पात्रों के चरित्र, संगीत, गायन - सभी घटक अविभाज्य रूप से अस्तित्व में थे, विभिन्न तरीकों से जोर देना और विकसित करना मंच के काम की सामान्य रेखा है। एक सरल और निराधार साजिश के पीछे, मौलिक मूल्य थे - प्रेम, सामाजिक समुदाय, देशभक्ति। कोई आश्चर्य नहीं कि दस साल बाद, ओक्लाहोमा स्टेट ने इस शो के गाने को अपने आधिकारिक गान के रूप में घोषित किया।

प्रीमियर के बाद, जो असाधारण सफलता के साथ आयोजित किया गया था, लेखकों ने प्रदर्शन की शैली के लिए एक नया शब्द प्रस्तावित किया: संगीत। संगीत ओकलाहोमा! पांच साल से अधिक ब्रॉडवे चरण नहीं छोड़ा है; के बाद - उन्होंने एक दौरे पर पूरे अमेरिका की यात्रा की। 1944 में उन्हें पुलित्जर पुरस्कार मिला। पहली बार, एक डिस्क को व्यक्तिगत संगीत नंबरों की रिकॉर्डिंग के साथ जारी किया गया था, लेकिन संपूर्ण प्रदर्शन। फिल्म की शूटिंग 1955 में हुई थी ओकलाहोमा!, जिसने दो ऑस्कर प्राप्त किए हैं - सर्वश्रेष्ठ संगीत और ध्वनि के साथ सर्वश्रेष्ठ काम के लिए। 2002 में ब्रॉडवे पर फिर से इसका मंचन किया गया। न्यूयॉर्क ड्रामा लीग की घोषणा की ओकलाहोमा! सदी का सबसे अच्छा संगीत।

इस प्रकार पहले अमेरिकी और फिर विश्व रंगमंच के इतिहास में एक नया युग शुरू हुआ, जिसे जे गेर्शविन, आर। रोजर्स, एल। बर्नस्टीन, ई। लॉयड वेबर, जे। हरमन और अन्य जैसे संगीतकारों ने महिमामंडित किया।

अमेरिका में, इस तरह के एक ज्वलंत संगीत और नाटकीय प्रदर्शन के उपरिकेंद्र, निश्चित रूप से, ब्रॉडवे - न्यूयॉर्क में पंथ गली है, जहां बड़ी संख्या में थिएटर और संगीत हॉल केंद्रित हैं, ने हमेशा अभिनेताओं और दर्शकों दोनों की कल्पना को आकर्षित किया है। ब्रॉडवे संगीत एक असली ब्रांड बन गया है, हॉलीवुड सितारे अब और फिर स्थानीय प्रस्तुतियों में भाग लेते हैं, और थिएटर प्रेमी उत्सुकता से समाचार पत्रों में नए प्रदर्शन की समीक्षा पढ़ते हैं। 42 वें स्ट्रीट के साथ ब्रॉडवे के चौराहे पर टाइम्स स्क्वायर है - जहां प्रसिद्ध ब्रॉडवे थिएटर स्थित हैं। आज, इस तिमाही में लगभग 40 बड़े थिएटर हैं, जो अमेरिकी थिएटर संस्कृति की रीढ़ हैं। इसलिए, गली का नाम लंबे समय से एक घरेलू नाम बन गया है, सिद्धांत रूप में संयुक्त राज्य में इस कला का एक पर्याय।

ब्रॉडवे ने वर्षों से संगीत की दुनिया के लिए टोन निर्धारित किया है। 1920 और 1930 के दशक में, संगीत की दुनिया में सबसे उल्लेखनीय संगीतकार रुडोल्फ फ्रिमल (रोज़मेरी, 1924), ओस्कर हैमरस्टीन (फ्लोटिंग थियेटर, 1927) और जॉर्ज गेर्शविन (आई सिंग अबाउट यू, 1931) थे। , - पुलित्जर पुरस्कार प्राप्त करने वाला पहला संगीतमय लोकगीत पोरी और बेस, 1935)। 1937 तक, नाटकीय संगीत ने जमीन खोना शुरू कर दिया, अपने दुर्जेय प्रतिद्वंद्वी - सिनेमा के लिए उपज। ध्वनि फिल्मों के विकास ने तुरंत स्क्रीन पर संगीत और गाने सुनने की इच्छा पैदा की, और इसके लिए कौन सी शैली संगीत से बेहतर थी?

फिर भी, संगीत मंच पर बच गया। 1943 में, प्रसिद्ध "ओक्लाहोमा!" रोजर्स और हैमरस्टीन, जिसका पहले ही उल्लेख किया जा चुका है, बाद में भारी सफलता के साथ फिल्माया गया था। यह "ओक्लाहोमा है!" संगीत के विकास में एक नए दौर के लिए टोन सेट करें।

बाद के वर्षों में, ब्रॉडवे ने लगभग हर साल लोकप्रिय संगीत का उत्पादन किया। बर्थोल्ड ब्रेख्त द्वारा द थ्रीपनी ओपेरा, बिसवां दशा में लिखा गया था, एक बड़ी सफलता थी। रोजर्स और हैमरस्टीन ने द किंग एंड आई, गर्ट्रूड लॉरेंस और यूल ब्रायनर और द साउंड ऑफ म्यूजिक की प्रस्तुति दी। लेकिन पचास के दशक के संगीत का शिखर अब तक के सबसे महान संगीतकारों में से एक था, फ्रेडरिक लोवे की माय फेयर लेडी। मेरा फेयर लेडी के लिए कामेच्छा बर्नार्ड शॉ द्वारा प्रसिद्ध पेग्मेलियन पर आधारित थी। लोव और उनके सह-लेखकों ने कई बार शॉ को पाइग्मेलियन पर आधारित संगीत के मंचन की अनुमति देने के लिए कहा, लेकिन ब्रिटिश क्लासिक ने हठपूर्वक उन्हें मना कर दिया, संगीत को एक "तुच्छ" शैली माना। जब "लेडी" आखिरकार मंच पर दिखाई दी, तो यह स्पष्ट हो गया कि संगीत क्लासिक कहानियों को पेश करने में काफी सक्षम था। दरअसल, भविष्य में यह पता लगाया जा सकता है कि डब्ल्यू। शेक्सपियर, एम। सेर्वेंटेस, सी। डिकेन्स, बी। शॉ, टी.एस. एलियट, डी। हेवर्ड और अन्य के कार्य संगीत के प्राथमिक प्राथमिक स्रोत बन गए।

महान संगीत अभिनेत्री, जूलिया एंड्रयूज़ ने माई फेयर लेडी में अपनी शुरुआत की और बाद में संगीत और साउंड मैरीपिन के संगीत में प्रसिद्ध हुई। इसके अलावा, 50 के दशक ने महान अमेरिकी संगीतकार लियोनार्ड बर्नस्टीन के उत्तराधिकार को देखा। यह उनके तीन कार्यों का उल्लेख करने योग्य है: "द वंडरफुल सिटी", "कैंडाइड" और वेस्ट साइड स्टोरी, जो संगीत के इतिहास में हमेशा के लिए रहेगा।

साठ के दशक में, ब्रॉडवे ने दुनिया को कुछ अविस्मरणीय संगीत दिए। स्टीन की "फनी गर्ल" ने बारबरा स्ट्रिसैंड को स्टार बना दिया। 1969 में, बारबरा स्ट्रीसंड ने शानदार ब्रॉडवे म्यूजिकल हैलो, डॉली के फिल्म रूपांतरण में अभिनय किया! हरमन। दशक की कलात्मक कृति जॉन कैंडर की संगीतमय कैबरे थी, जिसने 1930 के बर्लिन के माहौल को शानदार ढंग से पुनर्जीवित किया। कैबरे, हेरोल्ड प्रिंस का निर्देशन डेब्यू था, जो अब तक म्यूज़िकल थिएटर के सबसे प्रसिद्ध स्टेज डायरेक्टर थे। प्रसिद्ध कोरियोग्राफर और निर्देशक बॉब फॉस ने बाद में उत्पादन में भाग लिया।

और साठ के दशक की सबसे बड़ी सफलता थी ... फिर से एक क्लासिक कथानक पर आधारित संगीतमय - इस बार शोले एमीकेम द्वारा "टेवे द मिल्कमैन" पर आधारित जैरी बॉक द्वारा "फ़िडलर ऑन द रूफ"। छत पर फिडलर लगभग आठ वर्षों से न्यूयॉर्क में चल रहा है - ब्रॉडवे के इतिहास में एक अभूतपूर्व घटना जो हमेशा कुछ नया करने की आवश्यकता होती है।

60 के दशक के उत्तरार्ध में, ब्रॉडवे पर थिएटर तेजी से खाली हो रहे थे। डिस्को, रॉक और अन्य नई संगीत शैलियों ने चार्ट में पहला स्थान प्राप्त किया, संगीतकारों की लोकप्रियता खो गई, संगीतकारों ने अपना प्रेस खो दिया - और लोग नए, फैशनेबल संगीत सुनने के लिए चले गए। ब्रॉडवे पर असफलता के बाद विफलता। शैली के लिए सौभाग्य से, कुछ संगीतकार इस विचार के बारे में सोचने लगे कि यदि संगीत एक सिंथेटिक कला है, तो संगीत में फैशन के रुझान के साथ नाटकीय उत्पादन के विचार को क्यों नहीं जोड़ा जाए?

रॉक म्यूजिक को सबसे पहले गलकट मैक्डरमोट द्वारा संगीतमय मंच पर लाया गया था। जॉन फॉन्डर की "शिकागो", बॉब फॉसे द्वारा कोरियोग्राफ की गई, ने 1920 के दशक के नृत्य ताल को पुनर्जीवित किया। और 70 के दशक के सर्वश्रेष्ठ ब्रॉडवे संगीत को मार्विन हेमिश द्वारा "कॉर्प्स डी बैले" माना जाता है, जिन्होंने ब्रॉडवे "रसोई" के बारे में बात की थी - एक नए उत्पादन के लिए मंडली में नर्तकियों को देखकर; इस संगीत ने पुलित्जर पुरस्कार जीता। एंड्रयू लॉयड वेबर द्वारा रॉक और बाइबिल की कहानियां पहली बार जुड़ी नहीं थीं। पहले रॉक संगीतकारों में से एक स्टीफन श्वार्ट्ज की "चार्म ऑफ़ द लॉर्ड" थी ... मैथ्यू के सुसमाचार पर आधारित। और 70 और 80 के दशक के मोड़ पर, एक "संगीत जिसने दुनिया को हिला दिया" अचानक दिखाई दिया। हम बात कर रहे हैं "लेस मिजरेबल्स" के बारे में एलेन बुब्लिल और क्लाउड-मिशेल शोनबर्ग की। संगीत की दुनिया ने कभी ऐसा कुछ नहीं देखा। बेशक, यह पहला संगीत नहीं था जिसका साहित्यिक क्लासिक्स के अनुसार मंचन किया गया था, लेकिन पहली बार एक संगीत थिएटर के मंच पर इतने बड़े पैमाने पर ऐतिहासिक कैनवास दिखाई दिए। विक्टर ह्यूगो का उपन्यास वास्तविक घटनाओं के साथ जुड़ा हुआ है; गीतात्मक नायकों ने खुद को ऐतिहासिक फूलगोभी के केंद्र में पाया। पहली बार एक संगीत में, ऐसे शक्तिशाली कोरल दृश्य दिखाई दिए हैं; इसके अलावा, लेखकों ने लगभग पूरी तरह से संवादात्मक संवादों को छोड़ दिया, प्रदर्शन को यथासंभव ओपेरा के करीब लाया। संगीत के लेखक दो युवा फ्रांसीसी थे, जो ब्रॉडवे परंपराओं से दूर थे। जाहिर है, वे सिर्फ फ्रेंच क्लासिक्स पर आधारित एक संगीत प्रदर्शन बनाना चाहते थे।

जल्द ही, अमेरिकी संगीतकारों ने दुनिया भर में अपना विजयी मार्च शुरू किया। हालांकि, उनके यूरोपीय निर्माण गंभीर कठिनाइयों से भरे थे। तथ्य यह है कि एक बहुमुखी अभिनेता का अनूठा मंच प्रशिक्षण, जो एक संगीत की आवश्यकताओं को पूरा करता है, ब्रॉडवे पर अपनाया गया नाट्य अभ्यास के एक निश्चित रूप के कारण है: एक विशिष्ट, जब एक विशिष्ट मंडली एक विशिष्ट परियोजना को लागू करने के लिए इकट्ठा होती है। उद्यम के रूप में काम की व्यावसायिक सफलता का एक सावधानी से गलतकरण होता है। हिस्सेदारी को रचनात्मक टीम की कला और निर्माता की कला पर समान रूप से रखा गया है। प्रदर्शन पर काम "गहरी विसर्जन" विधि द्वारा किया जाता है, अन्य परियोजनाओं में भाग लेने से इनकार करके। तैयार प्रदर्शन, तकनीकी पूर्णता के स्तर पर लाया गया, लगातार संचालित किया जाता है, जब तक कि इसके लिए दर्शकों की मांग है (यदि सफल, कई वर्षों तक)। दर्शकों के साथ इस तरह के प्रदर्शन का संपर्क फिल्म की धारणा से किया जा सकता है: दर्शकों की व्यक्तिगत प्रतिक्रिया की परवाह किए बिना, कला का एक काम नहीं बदलता है, यह एक बार और सभी के लिए बनाया जाता है। एक मनोरंजक प्रदर्शन बस दर्शकों की प्रतिक्रिया में उतार-चढ़ाव की अनुमति नहीं दे सकता है: परियोजना में ब्याज में कमी उनकी मृत्यु के लिए समान है।

एक स्थायी मंडली और एक बड़े, विविध प्रदर्शनों वाले स्थिर थिएटर यूरोपीय नाट्य परंपरा की अधिक विशेषता हैं। यह कार्य की एक पूरी तरह से अलग शैली और दर्शक के साथ एक अलग प्रकार का रिश्ता तय करता है: अधिक अंतरंग और जटिल। हर दिन अलग-अलग भूमिकाओं में पुनर्जन्म लेते हुए, प्रत्येक प्रदर्शन पर प्रदर्शनों के रंगमंच के अभिनेता दर्शकों के साथ संपर्क स्थापित करते हैं, उनका ध्यान आकर्षित करते हैं और दर्शकों की प्रतिक्रियाओं को समायोजित करते हैं। कोई आश्चर्य नहीं कि ऐसा माना जाता है कि इस तरह के थिएटर में दो समान प्रदर्शन नहीं होते हैं: अर्थपूर्ण लहजे, रिश्तों और पात्रों के चरित्रों की बारीकियों को अभिनेताओं की मनोदैहिक स्थिति और दर्शकों की ग्रहणशीलता और मनोदशा पर निर्भर करता है। और अगर थिएटर को सब्सिडी भी मिलती है, तो प्रदर्शन की व्यावसायिक सफलता निश्चित रूप से बनी रहती है, एक महत्वपूर्ण, लेकिन इसके अस्तित्व के लिए एक महत्वपूर्ण शर्त नहीं है। यह सब अभिनेताओं के सामने आने वाले तकनीकी कार्यों की सेटिंग और निष्पादन के मानकीकरण को बहुत जटिल करता है। नतीजतन, एक संगीत के सफल उत्पादन की संभावना कम हो जाती है।

फिर भी, संगीत की शैली सभी देशों के अभिनेताओं और सभी नाटकीय दिशाओं के लिए बेहद आकर्षक निकली। यह निस्संदेह न केवल लोकप्रियता के लिए प्राकृतिक लालसा के साथ जुड़ा हुआ है, बल्कि अपनी रचनात्मक संभावनाओं का विस्तार करने के लिए एक नई शैली में महारत हासिल करने की इच्छा के साथ भी जुड़ा हुआ है।

रूस में संगीत।

रूस में, संगीत के साथ संबंध बहुत पहले से बंधे होने लगे थे, हालांकि इस शैली में थोड़ा अलग, अजीब बदलाव था। हालांकि, संगीत के लिए पहला तरीका अमेरिका में उसी तरह से चला गया - जैज के माध्यम से। यह जी। अलेक्जेंड्रोव की फिल्मों में हुआ, और विशेष रूप से जैज बैंड एल। उत्तसोव की भागीदारी के साथ "मेरी फैलो" में। इस तथ्य के बावजूद कि स्कोर में इतने सारे संगीतमय संख्या नहीं हैं, वास्तव में वे फिल्म में अधिकृत प्रतिभागी हैं, जो अभिनेताओं के साथ एक समान पायदान पर मौजूद हैं। सर्कस में निर्देशक द्वारा इस लाइन को जारी रखा गया था, और - कुछ हद तक कम संगठित रूप से - वोल्गा-वोल्गा में, जहां अक्सर संगीत की संख्या डाली जाती थी।

1960 के दशक के मध्य से, सोवियत मंच पर संगीत के मंचन के लिए कई प्रयास किए गए हैं। लेनिनग्राद के लेनिनवादी कोम्सोमोल थियेटर में भी वेस्ट साइड स्टोरी का मंचन किया गया था। हालाँकि, संगीत प्रदर्शनों के मंचन की सीमा मुख्य रूप से सामाजिक पत्रकारिता जैसे कि ब्रेख्त के ज़ोंग-ओपेरा ("द गुड मैन इन सेसुअन", टैगंका, "थ्रीपनी ओपेरा" और "पीपुल एंड पैशन) द लेंसवेट थियेटर" और गीतात्मक संगीत कॉमेडी-संचालिका के बीच अधिक से अधिक के साथ खेली जाती है। कम मनोवैज्ञानिक दृढ़ता (मायाकोवस्की और लेंसोवेट के नाम पर सिनेमाघरों में "डुलिसिया टोबोस्काया", लेंसोवेट थियेटर में "लेफ्टी")। हालांकि, संगीत के प्रति कई वास्तविक सफलताएं भी थीं। वे एक नियम के रूप में, रूसी संगीतकारों की रॉक कला से जुड़े थे। तो, लेनिनग्राद ऑपरेटर थिएटर (संगीतकार ए। कोलर, निर्देशक वी। वोरोब्योव) के नाटक "क्रेचिन्स्की की शादी" पूरी तरह से अप्रत्याशित दिखी। और, निश्चित रूप से, एम। ज़खरोव के लेनकोमोव प्रदर्शन - "तिल" (संगीतकार जी। ग्लेडकोव), "द स्टार एंड डेथ ऑफ़ जोक्विन मुरीटा" और "जूनो और एवोस" (संगीतकार ए। रायबोव)। उनमें से आखिरी किसी ने अमेरिकी संगीत के नियमों के अनुसार किसी भी तरह बेवजह चंगा किया, दशकों तक स्थिर दर्शकों की प्रतिक्रिया को बनाए रखा (इस तथ्य के बावजूद कि कलाकार थिएटर के बाकी हिस्सों में व्यापक रूप से कार्यरत हैं)।

ग्रंथ सूची।

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3. शबलिना टी। लेख "म्यूजिकल"

संगीत

विकिपीडिया, मुक्त विश्वकोश से

एक संगीत (कभी-कभी एक संगीत कॉमेडी कहा जाता है) एक संगीतमय मंचीय कार्य है जिसमें संवाद, गीत, संगीत, नृत्य परस्पर जुड़े होते हैं, जबकि कथानक आमतौर पर सरल होता है। संगीत पर कई शैलियों का बहुत प्रभाव था: ओपेरा, कॉमिक ओपेरा, वाडेविल, ब्यूरो। लंबे समय तक इसे नाट्य कला की एक अलग शैली के रूप में मान्यता नहीं दी गई थी और अभी भी सभी द्वारा मान्यता प्राप्त नहीं है।

संगीत एक मंचन शैली है, प्रत्येक परियोजना पर काम एक नाटक लिखने के साथ शुरू होता है। नाटक का निर्माण मंच निर्देशक द्वारा किया जाता है। कोरियोग्राफर और गायन विशेषज्ञ भी उत्पादन में भाग ले सकते हैं।

संगीत थिएटर की सबसे वाणिज्यिक शैलियों में से एक है। यह इसकी शानदारता के कारण है, उत्पादन के लिए कई प्रकार के विषय, अभिनेताओं के लिए अभिव्यक्ति के साधनों का असीमित विकल्प।

जब संगीत का मंचन किया जाता है, तो गायन और नृत्य के साथ भीड़ के दृश्य अक्सर उपयोग किए जाते हैं, विभिन्न विशेष अक्सर उपयोग किए जाते हैं। प्रभाव।

रूप में, एक संगीत अक्सर एक दो-अभिनय प्रदर्शन होता है।
सामग्री
1. इतिहास
१.१ संगीत की उत्पत्ति
1.2 अमेरिका में विकास
1.3 आगे का विकास
2 सबसे प्रसिद्ध संगीत
2.1 ब्रॉडवे संगीत
2.2 फ्रेंच संगीत
2.3 ऑस्ट्रियाई संगीत
2.4 रूसी संगीत

इतिहास

संगीत की उत्पत्ति

संगीत के पूर्ववर्ती कई प्रकाश शैलियों थे, जहां विभिन्न प्रकार के शो, फ्रेंच बैले और नाटकीय अंतराल मिश्रित थे। सितंबर 1866 में, न्यूयॉर्क के मंच पर ब्लैक क्रुक का उत्पादन हुआ, जहाँ रोमांटिक बैले, मेलोड्रामा और अन्य शैलियों को परस्पर जोड़ा गया। यह वह है जिसे नई शैली का प्रारंभिक बिंदु माना जाता है। अंग्रेजी निर्माता जॉर्ज एडवर्ड्स ने उनकी एक हिट "द कोरस गर्ल" को एक संगीतमय कॉमेडी बताया। एक संगीतमय कॉमेडी का मतलब एक हल्का मनोरंजक प्रदर्शन था, जहाँ कथानक महत्वपूर्ण नहीं था, बल्कि दर्शकों की मूर्तियों द्वारा प्रस्तुत लोकप्रिय मुखर संख्या थी। एडवर्ड्स की प्रस्तुतियों ने न्यूयॉर्क में भारी सफलता हासिल की, और 20 वीं शताब्दी की शुरुआत तक, नई शैली में फैशन अंग्रेजी प्रदर्शनों द्वारा तय किया गया था।

अमेरिका में विकास

प्रथम विश्व युद्ध से पहले के वर्षों में, प्रतिभाशाली अमीरों हर्बर्ट, फ्रिमल, रोमबर्ग और अन्य ने अमेरिका में संगीत के सक्रिय विकास के लिए प्रेरणा दी। 1920 और 1930 के दशक में, नए अमेरिकी संगीतकार जेरोम कर्न, जॉर्ज गेर्शविन, कर्नल पोर्टर और अन्य लोगों के आगमन के साथ, संगीत एक सच्चे अमेरिकी स्वाद पर आधारित है। लिबरेटो अधिक जटिल हो गया, लय में जैज, रैगटाइम का प्रभाव ध्यान देने योग्य हो गया, गाने में विशिष्ट अमेरिकी मोड़ दिखाई दिए। संगीत से कई गीत संगीत शास्त्रीय बन गए हैं। गायकों के अभिनय कौशल में काफी वृद्धि हुई है। 1932 में, संगीतकार गेर्शविन को पहली बार "द आई सिंग" (1931) के संगीत पर उनके काम के लिए पुलित्जर पुरस्कार से सम्मानित किया गया था। रोजर्स और हैमरस्टीन II के सहयोग से, ओक्लाहोमा जैसे प्रोडक्शंस! (ओक्लाहोमा! ", 1943)," कैरोसेल "(" हिंडोला ", (1945)," साउथ पैसिफिक "(1949), एक उच्च स्तर के नाटक द्वारा प्रतिष्ठित। वे जनता के साथ एक शानदार सफलता थे।

द्वितीय विश्व युद्ध के बाद, संगीतकारों की साजिश अधिक गंभीर हो गई, और लियोनार्ड बर्नस्टीन की "वेस्टसाइड स्टोरी" (1957) दिखाई दी। उत्पादन शेक्सपियर की त्रासदी "रोमियो एंड जूलियट" पर आधारित है, जबकि कार्रवाई आधुनिक न्यूयॉर्क में होती है। नृत्यों की अभिव्यंजना ने नृत्यकला के बढ़ते महत्व को इंगित किया।

आगामी विकाश

XX सदी के अंत के 60 के दशक में, नई संगीत शैलियों के प्रभाव में, शैली के रूप में संगीत की एक नई समझ आती है। नाटक "हेयर" (1967) ने हिप्पी के तत्कालीन फैशनेबल विचारों को प्रतिबिंबित किया, इस प्रकार उत्पादन को "आदिम अमेरिकी गेय रॉक का संगीत" कहा गया। 70 के दशक के बाद से, प्रदर्शन की संख्या कम हो रही है, लेकिन नए संगीत के सेट और वेशभूषा अधिक शानदार होते जा रहे हैं। संगीतकार एंड्रयू लॉयड वेबर और लिब्रेटिस्ट टिम राइस द्वारा "यीशु मसीह सुपरस्टार" के 1971 के उत्पादन ने संगीत की अवधारणा में एक नाटकीय बदलाव लाया। संगीत "इविता" (1978) के गंभीर विषय ने लंबे समय तक साबित किया कि शैली ने अपने विकास के दौरान यात्रा की है। टी.एस. के काव्य चक्र पर आधारित वेबर "कैट्स" ("कैट्स", 1981) का निर्माण। इलियट की "ओल्ड पॉसम की प्रैक्टिकल कैट्स बुक" ज्वलंत, यादगार छवियां प्रस्तुत करती है, संगीत में बिल्ली के स्वर को पहचाना जाता है, नृत्य लचीले और प्लास्टिक के होते हैं। वेबर द्वारा एक और लोकप्रिय काम संगीत "द फैंटम ऑफ द ओपेरा" था, जो एक जासूस और थ्रिलर के तत्वों को जोड़ती है।

1985 में संगीत के एंग्लो-अमेरिकी एकाधिकार का अंत हो गया, जब विक्टर ह्यूगो द्वारा इसी नाम के उपन्यास पर आधारित फ्रांसीसी उत्पादन लेस मिसेबल्स का प्रीमियर लंदन के मंच पर हुआ। लेखक संगीतकार क्लाउड मिशेल शोनबर्ग और लिबरेटिस्ट एलेन बुब्लिल हैं। एक शैली के रूप में संगीत के उच्च स्तर को "मिस सैगॉन", पक्कीनी "मैडम बटरफ्लाई" द्वारा एक आधुनिक ओपेरा द्वारा साबित किया गया है।

सबसे प्रसिद्ध संगीत

ब्रॉडवे संगीत

ब्रॉडवे संगीत ने दुनिया को प्रसिद्धि दिलाई।
माई फेयर लेडी: म्यूज़िक: फ्रेडरिक लोवे, लिबरेटो और गीत के बोल: एलन जे लर्नर (1956)
साउंड ऑफ़ म्यूज़िक, द / "साउंड ऑफ़ म्यूज़िक" संगीत: रिचर्ड रोजर्स, लिबरेटो: हॉवर्ड लिंडसे और रसेल क्रूज, गीत के बोल: ऑस्कर हैमरस्टीन (1959)
ओलिवर! / "ओलिवर!": संगीत, लिबरेटो और गीत के बोल: लियोनेल बर्थ (1960)
रूफ म्यूजिक पर फिडलर: जेरी बॉक, लिबरेटो: जोसेफ स्टीन, गीत के बोल: शेल्डन हारनिक (1964)
यीशु मसीह सुपरस्टार संगीत: एंड्रयू लॉयड-वेबर, लिरिक्स: टिम राइस (1970)
लेस मिसेरेबल्स / लेस मिजरेबल्स: म्यूज़िक: क्लाउड-माइकल शोनबर्ग, लिबरेटो: एलेन बुब्लिक (1980)
कैट्स / "कैट्स" संगीत: एंड्रयू लॉयड-वेबर, लिबरेटो: टीएस एलियट (1981)
42 वीं स्ट्रीट / चालीस-सेकंड स्ट्रीट: संगीत: हैरी वारेन, लिरिक्स: अल डबिन, लिब्रेटो: मार्क ब्रंबल और माइक स्टीवर्ट (1981)
द फैंटम ऑफ़ द ओपेरा, द म्यूज़िक: एंड्रयू लॉयड-वेबर, लिब्रेट्टो: रिचर्ड स्टिलगो और एंड्रयू लॉयड-वेबर, गीत के बोल: चार्ल्स हार्ट (1986)
जेकिल और हाइड / "जेकेल एंड हाइड" संगीत: फ्रैंक वाइल्डहॉर्न, लिबरेटो और गीत: लेस्ली ब्रिकस (1989)
थ्रीपनी ओपेरा / संगीत: कर्ट वेल, लिबरेटो: बर्टोल्ट ब्रेख्त (द थ्रीपेड नॉट पर आधारित)

फ्रेंच संगीत

सबसे पहले, फ्रांस में, संगीतकारों ने एक अलग रास्ता लिया: वे कम शानदार थे और दृश्यों की एक न्यूनतम लागत (ब्रॉडवे की तुलना में) और सामान्य तौर पर, कई पॉप गायकों द्वारा संगीत कार्यक्रमों की याद ताजा करती थी। इसका एक उल्लेखनीय उदाहरण रिकॉएर्डो कोकोसेंट और ल्यूक प्लामोंडोन द्वारा संगीतमय नॉट्रे-डेम डे पेरिस का मूल संस्करण है। लेकिन समय के साथ स्वाद बदल गया है, और हाल के वर्षों में फ्रांस ने वेशभूषा और दृश्यों, संगीत प्रदर्शन, जैसे कि रोमियो एट जूलियट, ऑटेंट एन एम्पोर्टे ली वेंट, ले रूई सोइल, आदि के रूप में काफी रंगीन प्रस्तुत किया है।
हटिया: संगीत: मिशेल बर्जर, लिबरेटो: ल्यूक प्लैमोंडन (1979)
मिसरेबल्स, लेस / लेस मिजरेबल्स: म्यूज़िक: क्लाउड-माइकल शोनबर्ग, लिबरेटो: एलेन बुब्लिल (1980)
ला लीजेंड डे जिमी / द लीजेंड ऑफ जिमी: संगीत: मिशेल बर्जर, लिबरेटो: ल्यूक प्लैमोंडन (1990)
नॉट्रे-डेम डे पेरिस / नोट्रे डेम डे पेरिस: संगीत: रिकार्डो कोकोसेंटे, लिबरेटो: ल्यूक प्लैमोंडन (1998)
रोमियो एट जूलियट / रोमियो और जूलियट: संगीत: जेरार्ड प्रेगुर्विक, लिबरेटो: जेरार्ड प्रेगुविक (2000)
अली बाबा / "अली बाबा": संगीत: चैनल अबुलेकर (12 जून 2001)
लेस डिक्स कमांडेट्स / "10 कमांड": संगीत: पास्कल ओबिस्पो (2001)
ले पेटिट प्रिंस / "द लिटिल प्रिंस": संगीत: रिकार्डो कोकोन्सी, लिबरेटो: एलिजाबेथ अनाइस (2002)
डॉन जुआन / डॉन जुआन: संगीत: फेलिक्स ग्रे (3 अगस्त 2003)
ले रोइ सोलेल / द सन किंग: संगीत: अल्बर्ट कोहेन, लिबरेटो: एली शुरकी (2005)
ड्रैकुला, एन्ट्रे ल'मोर एट ला मोर्ट / "ड्रैकुला: बिटवीन लव एंड डेथ": संगीत: साइमन लेक्लेर, लिबरेटो: रोजर तबरा (2005) - फ्रेंच में कनाडाई संगीत
Cléopâtre, la dernière reine d'Egypte / "क्लियोपेट्रा, मिस्र की अंतिम रानी": (2009)

ऑस्ट्रियाई संगीत
एलिज़ाबेथ / "एलिजाबेथ": संगीत: सिल्वेस्टर लेवी, लिबरेटो: माइकल कुन्ज़ (1992)
तंज डेर वैम्पायर / वैम्पायर बॉल: म्यूज़िक: सिल्वेस्टर लेवी, लिबरेटो: जिम स्टाइनमैन (1997)
मोजार्ट! / "मोजार्ट!": संगीत: सिल्वेस्टर लेवी, लिबरेटो: माइकल कुन्ज़ (1999)
रेबेका / रेबेका: संगीत: सिल्वेस्टर लेवी, लिबरेटो: माइकल कुन्ज (2006)

रूसी संगीत
Orpheus और Eurydice शायद रूसी संगीत के संस्थापक हैं। यह अभी भी सेंट पीटर्सबर्ग थिएटर "रॉक ओपेरा" द्वारा किया गया लगता है
"जूनो और एवोस" एलेक्सी रब्बनिकोव द्वारा एक रॉक ओपेरा है, जो पहली बार 1981 में लेनकोम के मंच पर किया गया था।
"द स्टार एंड डेथ ऑफ़ जोक्विन मुरीता" - नाटक को यूएसएसआर में एक विनाइल रिकॉर्ड पर जारी किया गया था।
"नॉर्ड-ओस्ट" पहला विश्व स्तरीय रूसी संगीत है। जार्ज वासिलीव और एलेक्सी इवासचेंको द्वारा मंचित
"Www.silikonovaya dura.ru" अलेक्जेंडर पेंटिकिन और कोंस्टेंटिन रुबिन्स्की द्वारा संगीतमय है, जिसका मंचन 2007 में येकातेरिनबर्ग में किया गया और 2008 में नामांकन में दो "गोल्डन मास्क" प्राप्त किए।
ओपन डोर्स नाइट येवगेनी कर्माज़िन और कोंस्टेंटिन रुबिन्स्की द्वारा संगीतमय है, 2005 में येकातेरिनबर्ग में मंचित और दो नामांकन में एक गोल्डन मास्क प्राप्त किया, जिसमें शामिल हैं सबसे अच्छा प्रदर्शन».
"12 चेयर्स" एक रूसी संगीत है जो आई। इलफ़ और ई। पेट्रोव के इसी नाम के उपन्यास पर आधारित है।
मॉगली एक रूसी फंतासी संगीत का संगीत है जो मॉस्को ऑपरेटेटा थिएटर में आयोजित किया जाता है। यह 2005 से मास्को में चल रहा है। संगीत और कामवासना - व्लाद स्टैशिंस्की, स्टेज डायरेक्टर - अलीना चेविक, म्यूजिक डायरेक्टर - व्लाद स्टैशिंस्की, कोरियोग्राफर - बोरिस बैरानोव्स्की, कलाकार - विक्टर आरैफिएव, कॉस्ट्यूम डिज़ाइनर - वेलेंटीना कोमोलोवा, मेकअप आर्टिस्ट - एंड्री ड्राईकिन, लाइटिंग डिज़ाइनर - ए कुज़नेत्सोव, चोइमास्टर - पी। सुकोव।
"मोंटे क्रिस्टो" ए डुमस "द काउंट ऑफ मोंटे क्रिस्टो" उपन्यास पर आधारित एक रूसी संगीत है। संगीतकार - रोमन इग्नाटिव, लिबरेटो लेखक - जूलियस किम, संगीत के निर्माता - व्लादिमीर टार्टाकोवस्की और एलेक्सी बोलोनिन, मंच निर्देशक - एलिना चेविक, कोरियोग्राफर - इरीना कोर्नीवा, प्रोडक्शन डिज़ाइनर - व्यस्कलेव ओकुनेव, मेकअप और विग कलाकार - एंड्री ड्राईकिन, प्रकाश डिजाइनर - Gleb Filshtinsky, Parkour स्टंट निर्देशक - ओलेग Krasnyansky
"द लास्ट टेस्ट" एंटोन क्रूगलोव और एलेना खानपीरा का फंतासी संगीत है।
सूर्य के बच्चे व्लादिमीर पोडगोरत्स्की द्वारा एक जातीय-संगीत है।
द ब्रेमेन टाउन म्यूज़िशियन एक पारिवारिक संगीत है, जो गेनेडी ग्लैडकोव के मेगा-लोकप्रिय गीतों पर आधारित है और यूरी एंटिन के बोल हैं।