El martes por la noche, los interesados en la realidad digital se reunieron en uno de los recintos de Winzavod: aquí tuvo lugar la inauguración de una nueva exposición del Recycle Group, los ganadores del Premio Kandinsky y los participantes de la 57ª Bienal de Venecia. Los artistas exploran la interacción de personas y máquinas en una era en la que las tecnologías digitales invaden cada vez más nuestra vida cotidiana.
La exposición "Plantilla de vida" brinda la oportunidad de experimentar la "sensación" de una máquina en su transición del funcionamiento al apagado total.
El principal objeto de discusión es una cápsula luminosa que se asemeja a un túnel. El interior de la instalación está equipado con rieles a lo largo de los cuales se mueve lentamente una suave tumbona. Los visitantes se tumban sobre él y se sumergen en esa realidad virtual tan desconocida.
Entre los invitados a la exposición se encuentran el asesor, empresario y asesor presidencial, director del centro MARS, comisario del Pabellón Ruso de la Bienal de Venecia Semyon Mikhailovsky, propietarios de la galería Triumph, poeta y presentador de televisión.
Grupo de reciclaje
Desde los primeros minutos de la inauguración de la exposición, cerca de la cápsula ya se había acumulado una enorme cola de personas que querían probar el objeto y experimentar el proceso de desconectar un ordenador de la red. El efecto de inmersión total en la realidad virtual se crea mediante efectos visuales y sonoros.
“En parte, el túnel simboliza una desconexión total de la realidad, similar a la que experimentamos al acceder a Internet. El objetivo principal de la exposición es dar a la gente la oportunidad de sentir lo que podría sentir una máquina en el momento en que se apaga”, dijo a Gazeta.Ru Andréi Blokhin.
Según la curadora de la exposición Polina Mogilina,
La realidad virtual es la religión de nuestro tiempo y su número de seguidores amenaza con ser mayor que cualquier otra en la actualidad..
“La nueva exposición de Recycle Group es al menos una experiencia interesante que difícilmente se puede vivir en la vida cotidiana. Te sientes en la piel de tu propio portátil, mientras que la cuestión de si tu ordenador experimenta emociones positivas o negativas permanece completamente abierta. Creo que en la exposición una persona con cualquier nivel de formación encontrará algo interesante para sí misma. Será divertido para los niños simplemente viajar en el metro. Los adultos, al ver que la obra se basa en la filosofía, si Dios quiere, subirán y leerán lo que él piensa básicamente sobre la inmortalidad y cómo la gente vivirá en la inteligencia artificial”.
Por cada grado de profundidad de intelecto y deseo, los artistas tienen algo que mostrar.
El grupo Recycle siempre plantea preguntas urgentes, por ejemplo, qué nos sucederá después de la vida”, dijo la consultora artística y fundadora de Everal Lucy Shatkovskaya.
El segundo objeto que llama la atención son los círculos negros en la pared. Para comprender su propósito, debe caminar rápidamente a lo largo de las instalaciones; luego, cada uno de los círculos comenzará a reflejar la luz de una manera especial. Según Andrey Blokhin, los círculos negros aparecen unos milisegundos en el momento del apagado. “La máquina no se apaga inmediatamente. Hay algunas fracciones de segundos de refracción de la luz. Lo que vemos en la instalación son exactamente las mismas refracciones de la electricidad y la luz”, aclaró.
Grupo de reciclaje
La instalación se puede interpretar de diferentes maneras. A algunos les parecerá píxeles, como, por ejemplo, en una fotografía, a otros les parecerá simplemente un hermoso detalle interior que refleja la luz de una manera interesante. “Existe un píxel muerto que no refleja nada. ¿Cómo reflejar el vacío? Malevich hace esto a través de un cuadrado negro, Recycle Group creó círculos que parecen píxeles. La instalación puede percibirse como algo oculto a la mayoría, bloqueado por la censura. O algo que por problemas técnicos no se puede ver en la foto”, compartió Lucy Shatkovskaya.
Los artistas de Krasnodar Andrey Blokhin y Georgy Kuznetsov comenzaron a explorar la relación entre personas y máquinas hace cuatro años. Al principio expusieron en galerías de Moscú, luego la geografía comenzó a expandirse y sus obras se vieron en París, Londres y Nueva York. El trabajo de Recycle Group ya se ha presentado en la Bienal de Venecia tres veces, en 2011, 2013 y 2015. La exposición más destacada, que se convirtió en un verdadero reconocimiento del Grupo Recycle en Rusia, fue el proyecto "Contenido bloqueado".
Los artistas lo presentaron en 2017 en la 57ª Bienal de Venecia. Luego, Andrei Blokhin y Georgy Kuznetsov plantearon el tema de la realidad virtual y el lugar del hombre en ella. La instalación estaba conectada a una aplicación móvil: sólo con ella los visitantes podían animar el espacio y ver personajes cuyos cuerpos transmiten calor. Según los autores, la exposición fue “una discusión sobre la posibilidad de la muerte humana en el espacio virtual”.
A principios de verano, Recycle Group expuso en el Museo Pushkin. Pushkin con la exposición "Homo Virtualis": los artistas reflexionaron sobre la transformación de la percepción del arte en la era de los medios de comunicación.
Ahora Recycle Group se encuentra entre los diez primeros del Top 100 de artistas jóvenes de Rusia en 2017.
Según Dmitry Khankin, copropietario de la galería Triumph, Recycle Group es un actor serio en el mercado del arte contemporáneo. “Veo la exposición “Plantilla de vida” como un punto determinado de un grupo de proyectos que es muy importante para mí y para los artistas. Todo comenzó en Venecia con un proyecto en la Iglesia de San Antonino (luego los artistas presentaron la exposición “Conversión”, donde plantearon la pregunta de qué futuro nos espera si la obsesión por las nuevas tecnologías de telecomunicaciones mantiene su intensidad actual - “Gazeta .Ru”).
Luego continuó en la Bienal de Venecia y luego en el Museo Pushkin. Y ahora, punto, una gran instalación total en Winzavod”, explicó.
En su nuevo proyecto, los artistas continúan reflexionando sobre lo que nuestra modernidad dejará a las generaciones futuras, qué artefactos podrán encontrar los arqueólogos después de nosotros y si podrán ocupar su lugar en la "capa cultural".
Al mismo tiempo, "Paradise Network" abre una nueva trama en la obra de "Recycle": desde el "reciclaje" de obras de arte clásicas y las proyecciones arqueológicas de la modernidad hacia el futuro, los artistas llegan al desarrollo de la realidad virtual y las redes sociales. redes. En las redes sociales, Recycle revela las características de un sistema social completamente nuevo, con sus propias leyes, tradiciones y rituales. Nuestra era se diferencia de otras en que vive no sólo en tiempo real, sino también en el espacio virtual. “No es material ni espiritual, pero al mismo tiempo es lo que promete a una persona - o mejor dicho, a su perfil - la vida eterna, apropiándose de las funciones de la religión. Al fin y al cabo, no se borra ningún dato que acabe en Facebook. En las páginas de usuarios desaparecidos hace mucho tiempo se siguen enviando mensajes, a veces este perfil también recibe "spam", todavía tiene "amigos", continúa el intercambio de "me gusta", escriben los miembros del grupo.
Son las leyes de las redes sociales las que se convierten en una especie de mandamientos del siglo XXI, cuya violación a una persona se le niega el acceso a la vida eterna dentro de la red. Uno de los principales símbolos de este mundo y de las personas que viven en él, por supuesto, es la letra "f", la primera letra de la palabra "Facebook", convertida por los artistas en una instalación gigante.
Grupo de arte Reciclar
Andrey Blokhin (n. 1987, Krasnodar) y Georgy Kuznetsov (n. 1985, Stavropol) se graduaron en la Academia Estatal de Cultura y Artes de Krasnodar en 2010. Viven y trabajan en Krasnodar.
La primera exposición personal de Recycle en Moscú se celebró en el Centro de Arte Contemporáneo M'ARS en 2008. A partir de ese momento, los artistas realizaron siete exposiciones personales y también participaron en grandes proyectos grupales, como "Russian Poor" (Moscú, Perm), "Dior: bajo el signo del arte" en el Museo Pushkin. A. S. Pushkin, el proyecto público “Conservación” en New Holland (San Petersburgo), en el programa paralelo de la 54ª Bienal de Venecia Glasstress, en la exposición “Futurología”, que se celebró en el Centro Garage de Cultura Contemporánea en 2010 y en Nantes en 2012, y en muchos otros proyectos expositivos.
Los artistas han sido nominados repetidamente al Premio a la Innovación y al Premio Kandinsky. En 2010 recibieron el Premio Kandinsky en la categoría Artista Joven. Proyecto del año."
Anna Zaitseva: Tu nuevo proyecto se llama “Paradise Network” y, me parece, abre una nueva trama en tu trabajo. Anteriormente, si no el único, pero sí uno de los temas centrales de sus obras fue el “reciclaje” de obras de arte clásicas, extraídas principalmente del arte de Europa occidental. Trabajaste con la “fuente” histórica de una forma u otra. En el proyecto que precedió a Paradise Network, llamado The Cultural Layer, fuiste directamente al presente e intentaste mostrar una especie de proyección “arqueológica” de esta modernidad hacia el futuro. Y ahora ha llegado el momento de dominar la realidad virtual: la realidad informática en general y Facebook en particular...
Reciclar: La "capa cultural" realmente se preparó y en algún momento degeneró en nuestro proyecto actual sobre un milagro moderno: el milagro de una red social, en la que vimos las características de un sistema social completamente nuevo, con sus propias leyes, tradiciones y rituales. Aquí, como en “La capa cultural”, nos interesa la pregunta: ¿qué quedará de nuestra época en la historia? Se diferencia de otras épocas en que vive no sólo en tiempo real, sino también en el espacio virtual. Existe una vieja oposición estereotipada entre sustancias materiales y espirituales, pero la realidad de la vida actual muestra que también existe una tercera dimensión. No es material ni espiritual - y al mismo tiempo es precisamente lo que promete a una persona - o más bien, a su perfil - la vida eterna, apropiándose de las funciones de la religión. Y no estamos hablando sólo de memoria, sino de vida eterna. Los datos que llegan a Facebook no se borran y, a veces, las páginas de usuarios desaparecidos hace mucho tiempo incluso siguen enviando boletines. A veces este perfil también recibe “spam”, todavía tiene “amigos”, de alguna manera continúa el intercambio de “me gusta”, etc. Y uno de los principales símbolos de este mundo y de las personas que viven en él, por supuesto, es la letra "F", la primera letra de la palabra Facebook. Nuestros padres, por ejemplo, adquirieron una computadora casi al mismo tiempo que Facebook. Y la transición a trabajar con material moderno está relacionada, quizás, con el hecho de que nos hemos interesado en buscar un nuevo significado en lo que existe ahora, porque nadie, excepto su generación (tal vez un poco mayor o un poco más joven), lo entiende así. no lo verás más. Por lo tanto, decidimos tomar la situación con Facebook e introducirla en el esquema de la arquitectura existente del mito de la vida eterna, que el hombre siempre ha necesitado.
ARIZONA:¿Y cuál es su actitud personal ante estas nuevas formas de inmortalidad que ofrece Internet? ¿Es usted su usuario, está a favor, en contra o es un observador neutral?
Reciclar: Tenemos una respuesta muy simple a esto. La tarea principal es mostrar lo que tenemos ahora. Tómelo, llévelo al punto del absurdo y muéstrele a la gente: "Chicos, así es como puede ser". Y eso no significa que nos guste.
ARIZONA: Creo que en esta exposición tuviste que afrontar un nuevo desafío para ti. Anteriormente, sus "fuentes" eran de naturaleza material, y su procesamiento también dio como resultado un objeto material, y el campo de su juego se convirtió en un cierto cambio de trama (generalmente asociado con la transferencia de las tramas clásicas a los tiempos modernos) y/o un portador de materiales. Aunque, me parece, toda esta historia se complicó anteriormente por el hecho de que en realidad estabas trabajando con obras de arte que ya habían pasado por el primer ciclo de “reciclaje”. Ha elegido aquellas obras que ya han sido procesadas por la conciencia colectiva, que han pasado a formar parte de ella, que han pasado por la máquina de reproducción: ya sea “Piedad” o “La Última Cena”; la gente está más familiarizada con estas obras gracias a las reproducciones. , en lugar de los originales. Y usted, con su gesto de “reelaboración” artística, les devolvió volumen, materialidad, objetividad, y así los devolvió de la esfera de los medios a la sala del museo. Su trabajo con materiales cotidianos producidos en masa, que trasladó de un contexto “bajo” al contexto del arte, se basó en el mismo principio.
Y me parece que el nuevo desafío está relacionado con el hecho de que ahora se elige algo intangible como fuente: la realidad virtual, pero se trabaja con ello no sólo en formas materiales, sino, diría yo, deliberadamente pesadas y monumentales.
Reciclar: El primer objeto del que, de hecho, comenzó "Paradise Network" fue la "Letra F", y en nuestras obras realmente venimos en muchos sentidos del lado material, aunque ahora quizás ya no sea tan decisivo para nosotros. Por ejemplo, las primeras obras que hicimos como grupo “Reciclar” fueron de polietileno y espuma plástica: no teníamos mucho dinero y solo cogíamos los materiales que había. Y buscaban de ellos ciertas cualidades visuales. ¿Cómo surgió, por ejemplo, la red? Paramos en el supermercado y accidentalmente la vimos allí. Intentamos derretirlo con un secador de pelo, lo cual, en general, resultó extraño, pero lo logramos. Luego volvimos al supermercado, pero resultó que en Rusia ya no existía esa red y hubo que encargarla en Italia, y no sólo un poco, sino un contenedor entero. Como resultado, creamos una exposición completa basada en la cuadrícula, una de las primeras. Fue una especie de entrenamiento.
En algún momento, nuestros materiales empezaron a cambiar y empezamos a sentirlos. Y cuando empiezas a controlar el material, en lugar de que él te controle a ti, alcanzas un nuevo nivel significativo, porque ya sabes exactamente cómo se puede hacer. Pero el material sigue impulsándonos en este movimiento de "contenido": seguimos siendo perfeccionistas de la forma. Nuestro trabajo a veces parece lamentable y lamentable, ¡pero no creerás cómo lo logramos! Por ejemplo, tenemos un contaminante especial para hacer que el caucho parezca naturalmente viejo.
Volviendo a "Letra F" y otros trabajos nuevos para Paradise Network. Nos interesaba aquí la referencia a ciertos cimientos arquetípicos, en particular los casi arquitectónicos. Nos atraen por la sencillez de su estructura. Todos los edificios religiosos son cimientos arquetípicos y están construidos sobre formas simples: una cruz, un cubo, un rectángulo, etc. Por eso, la letra F, por ejemplo, resultó ser estricta y nada ornamentada. En realidad, esta idea se adaptaba bien al estricto diseño de fuente del Facebook original. Aquí todo confluyó, y lo que nos gusta de este trabajo es que todo se unió de forma natural. Cuantas más coincidencias de este tipo haya, mejor.
ARIZONA: La otra obra clave de este proyecto es, por supuesto, Las Tablas de la Alianza.
Reciclar: Sí. “Tablas”, que son portadoras de los diez mandamientos modernos, los diez mandamientos, cuya observancia garantiza vuestra inmortalidad. Cada uno de ellos comienza con las palabras “No…” y encuentra una analogía directa con los mandamientos reales de las redes sociales. Después de todo, si violas las reglas de uso de Facebook, éste bloquea tu página y, por lo tanto, bloquea el acceso a la vida eterna dentro de la red.
ARIZONA: Al principio usted mencionó que en este proyecto la pregunta principal para usted es qué quedará en la historia de nuestra modernidad. Es decir, en el futuro. ¿Crees que la realidad virtual tiene posibilidades de ocupar algún lugar en la “capa cultural”?
Reciclar: Ella ocupará el mismo lugar que, digamos, los antiguos dioses griegos. Lo que quedará es su caparazón material: los gadgets. Se almacenarán en la capa cultural de la tierra de la misma manera que las ánforas, sin importar cómo nos deshagamos de ellas, sin importar lo que intentemos hacer con ellas. Y aquí nos interesa jugar con un contexto arqueológico. Después de todo, cuando hablamos de, digamos, la Antigua Grecia, de sus dioses, etc., nos basamos en gran medida en excavaciones arqueológicas. Ninguno de nosotros fuimos testigos directos de esa época y nos vemos obligados a reconstruirla. Una reconstrucción, que es siempre una falsificación, porque cada vez está determinada por nuestro contexto político y de otro tipo.
ARIZONA: Es muy interesante aplicar esto a su trabajo, ya que estamos hablando de problemas arqueológicos. Obras como "Arqueología" o "El supermercado petrificado" pueden interpretarse como una crítica al consumismo. ¿Estaría de acuerdo con esta interpretación? ¿O para usted son una falsificación de esta crítica, que hoy en día se ha vuelto más o menos común? Es decir, ¿son una crítica a esta crítica al consumismo?
Reciclar: Por supuesto, hay una parte de ironía y sarcasmo en nuestras obras, y nos gusta que haya una cierta dualidad aquí: crítica o crítica del crítico. Quizás realmente haya ambas cosas aquí.
ARIZONA: También está claramente interesado en la falsificación de materiales. El mismo “Supermercado Petrificado” parece, por ejemplo, de hormigón, pero en realidad es poliuretano.
Reciclar: Sí, porque, en primer lugar, el hormigón no se presta al reciclaje, al que se presta el poliuretano, y en segundo lugar, el poliuretano puede vivir trescientos años. Y aquí nos atrae la misma dualidad: tanto la vitalidad de la obra como el hecho de que, si se desea, se puede transformar en algo. Sucede que haces un trabajo y luego te das cuenta de que no saldrá nada de él y lo conviertes en algo útil que, por ejemplo, puedes utilizar para apuntalar una puerta en casa. Es muy importante para nosotros no tener miedo de “tachar”. Y recuerda que el arte, como el mundo entero, no es eterno: también se crea a partir de materiales (mármol, lienzo, óleo, etc.) y si algo le sucede a este mundo, entonces no quedará nada del arte. Pero el reciclaje sigue siendo otra forma de inmortalidad, además de las redes sociales.
Del 21 de junio al 20 de agosto en el Museo Estatal de Bellas Artes que lleva el nombre de A.S. Pushkin acogerá una exposición-intervención “Recycle Group”.
El proyecto "Homo Virtualis" fue preparado específicamente para el Museo Pushkin y reflejó las reflexiones de los artistas sobre la transformación de la percepción del arte en la era de los medios de comunicación. En las salas de arte del Mundo Antiguo, de la Edad Media, así como entre las esculturas del Renacimiento, la exposición permanente albergará 16 objetos realizados con diversas técnicas.
Los artistas de Recycle Group, al colocar sus objetos y esculturas en el espacio de un museo clásico, entran en una especie de juego con el espectador. Les ofrecen obras que visualmente parecen fragmentos de artefactos antiguos, pero que en realidad están hechas de poliuretano y plástico. Esto es a la vez basura postindustrial y al mismo tiempo una discusión sutil sobre la “dimensión personal” en la era de la realidad virtual.
Los vestigios del “arte clásico” –o al menos lo que un espectador moderno podría percibir como un fragmento de la “alta cultura”– se convierten en parte de la “arqueología del futuro”. Iconos de redes populares parecen marcar el espacio del museo y dotar a las esculturas de significados adicionales. Los artistas del grupo plantean a los visitantes una pregunta: ¿cómo se puede medir hoy en día la autoridad, la influencia y la popularidad de un artista individual o de un museo entero, mediante el índice de citas, el número de suscriptores en las redes sociales, el número de me gusta y selfies? ¿Tomada frente a las obras?
La exposición incluyó nuevos objetos que utilizan realidad aumentada, cuya experiencia requiere instalar una aplicación especial en su dispositivo móvil. Utilizando la realidad aumentada como una nueva herramienta para percibir el arte, los artistas formulan las leyes de una nueva representación que existe en la intersección de los mundos virtual y material. Colocan estos objetos dentro de las paredes de un museo clásico junto con ejemplos de arte antiguo y de Europa occidental y así entran en una especie de juego con el espectador, invitándolo a encontrar rimas y ecos inusuales y a veces paradójicos de la modernidad y los clásicos.
La intervención también incluye esculturas de proyectos anteriores. Por ejemplo, “El Arca de Noé” y “Iluminador 12”, mostradas por primera vez en 2015 en la exposición “Conversión” como parte del programa paralelo de la 56ª Bienal de Arte Contemporáneo de Venecia. Estos objetos de arte hablaban de la vida de una persona en el espacio virtual: al almacenar información en una nube electrónica o utilizar servicios de almacenamiento de datos, el individuo se aseguraba la inmortalidad digital.
“Homo Virtualis” demuestra el desarrollo del tema principal “hombre/máquina” en el trabajo del “Recycle Group”. Las tecnologías digitales y las redes sociales están invadiendo cada vez más la vida cotidiana de una persona, transformando su visión del mundo y del arte clásico. Forman en el espectador moderno una visión de la vida en la que ya no distingue entre lo alto y lo bajo, lo único y lo replicado. No importa si estamos hablando de una persona, una obra maestra de arte o una pared de ladrillos, todos somos iguales ante la lente de un teléfono inteligente. Lo que se anunció como una revolución en las bellas artes a mediados del siglo XX se ha convertido hoy en día en un código de píxeles común y corriente.
APOYADO POR
LA FABRIQUE BARBOT ET FOURNIER, FRANCIA
GALERÍA "TRIUNFO"
Vídeo de la exposición.
Como parte del programa paralelo de la 56ª Bienal de Venecia - La Biennale di Venezia - el Museo de Arte Moderno de Moscú, La Fabrique Barbot et Fournier, Francia y la Galería Triumph presentan una exposición personal del Grupo Recycle (Andrey Blokhin y Georgy Kuznetsov) . La instalación total específica del sitio “CONVERSIÓN” se mostrará en la Iglesia de San Antonino, fundada en el siglo VII.
El proyecto "CONVERSIÓN" de Recycle Group habla sobre la vida de una persona moderna en la era del desarrollo de Internet y la aparición de nuevos dispositivos. La velocidad de la difusión de la información, su actualización cada segundo y su accesibilidad (uno de cada siete habitantes del planeta tiene un teléfono inteligente) ha dado lugar a un culto a la tecnología. En su proyecto, Recycle Group compara la conexión a la red global con un ritual de conversión a la religión, donde la deidad principal es la suma de toda la información ubicada en el espacio virtual.
En la antigua iglesia, Recycle Group presentará las ruinas de un santuario del siglo XXI. La exposición “CONVERSIÓN” incluirá esculturas y bajorrelieves en los que las figuras de los “neoapóstoles” aparecen como portadores de nuevos conocimientos sagrados que existen en el flujo de información virtual. Para esta grandiosa estructura, los artistas eligieron la ubicación tradicional del altar del templo, en cuyo centro se encuentra una “cruz” gigante de Facebook. La exposición se complementa con los “restos” de madera del Arca de Noé, en cuyos fragmentos se pueden distinguir iconos de aplicaciones familiares de las pantallas de los teléfonos inteligentes.
Para crear esculturas de “santos”, predicadores de nuevas tecnologías y bajorrelieves de múltiples figuras, Recycle Group utiliza caucho, malla de plástico, polietileno y tecnologías modernas. La basura se convierte en arte y se conserva para las generaciones futuras, y los artistas dirigen la mirada del espectador hacia cómo se verán en el futuro las evidencias de las paradojas de nuestra era, cuáles de ellas permanecerán en la historia. Las esculturas y bajorrelieves adquieren la apariencia de monumentos antiguos, en los que, como en los artefactos de alguna civilización pasada y olvidada, se ve el poder devastador del tiempo.
Las formas y características compositivas de las obras de Recycle Group hacen referencia a la iconografía cristiana tradicional, que contiene elementos modernos en forma de iconos de dispositivos electrónicos y logotipos de aplicaciones. En uno de los relieves, las torres de telefonía celular aparecen como figuras "sagradas", y en la obra "Buscando la red", la gente se agolpa tratando de captar la red en sus teléfonos móviles. Irónicamente, el campanario de la iglesia de San Antonio alberga una torre activa para transmitir señales de radio.
James Putnam, curador de la exposición: “Las obras del Recycle Group se distinguen por una extravagancia sutilmente calculada, basada en la oposición: los artistas combinan arquetipos y cánones clásicos con elementos de la cultura de masas de nuestra era. El proyecto CONVERSION compara la revolución tecnológica informática con la ilustración cristiana de las naciones convertidas. Sólo que ahora el conocimiento sagrado que antes se daba desde arriba se encuentra en el espacio virtual de los servicios en la nube”.
ACERCA DEL GRUPO RECICLAJE
ANDREY BLOKHIN Y GEORGEY KUZNETSOV En 2006, los artistas Andrey Blokhin (nacido en 1987, Krasnodar) y Georgy Kuznetsov (nacido en 1985, Stavropol) fundaron el grupo artístico Recycle. Desde 2008 participan regularmente en exposiciones de arte contemporáneo rusas e internacionales. En 2010, Recycle Group recibió el Premio Kandinsky en la categoría de Artista Joven por el proyecto Reverse. Posteriormente, el grupo de arte expuso activamente en varios lugares de arte contemporáneo en Francia, Italia, Gran Bretaña, Estados Unidos y Bélgica. En 2012, MAMM acogió una gran exposición individual del grupo “Paradise Network”. Los artistas participaron en el programa de la Bienal de Venecia en 2011 y 2013. El trabajo del grupo Recycle se distingue por la ironía y un enfoque inusual del concepto de "modernidad", combinando temas clásicos y materiales no convencionales: poliuretano, silicona, plástico, etc. Las obras del grupo se encuentran en varias colecciones públicas y privadas. incluyendo la colección Glasstress en Venecia, Museo Real de Escocia, MAMM, etc.
ACERCA DEL CURADOR
JAMES PUTNAM es curador y autor independiente. De 1999 a 2003 fue curador de los Programas de Cultura y Arte Contemporáneo del Museo Británico. Anteriormente, Putnam ocupó el cargo de curador del Departamento de Antigüedades Egipcias (1985 -1998). En 1994, concibió e implementó un proyecto expositivo pionero, The Time Machine, en el que se exhibían obras de artistas contemporáneos junto con esculturas antiguas de las salas egipcias del Museo Británico. Su monografía Arte y artefactos: el museo como medio de expresión (Thames & Hudson en 2000/10) explora la interacción entre los artistas contemporáneos y el museo. Fue curador de una serie de exposiciones de artistas contemporáneos aclamadas por la crítica en el Museo Freud de Londres que continúa hasta el día de hoy. Putnam también ha comisariado exposiciones en el Petrie Museum y el University College London, y fue curador asociado en el Bowes Museum, County Durham, de 2004 a 2006. En 2005, fue nombrado curador del festival Arte all’ Arte 9 en Toscana, y en 2006 formó parte del comité curatorial del festival internacional de arte Echigo Tsumari Triennial (Japón). En 2009, fue comisario de dos proyectos en la 53ª Bienal de Venecia: “Distorsión” y “Biblioteca”. También fue curador de proyectos en la Bienal de Busan (Corea del Sur) en 2010. James Putnam presentó su proyecto “Knowledge” en la 54ª Bienal de Venecia y un proyecto paralelo “White Light - White Heat, Glasstress” en la 55ª Bienal de Venecia. De 2003-2004 Fue profesor visitante de museología en la Universidad de Nueva York. Actualmente imparte un curso sobre gestión de exposiciones como investigador senior en la Universidad de las Artes de Londres.
SOBRE EL MUSEO
MUSEO DE ARTE MODERNO DE MOSCÚ El Museo de Arte Moderno de Moscú es una institución joven y activa que desempeña un papel importante en la escena del arte contemporáneo ruso. Este es el primer museo estatal de Rusia especializado en el arte de los siglos XX y XXI. La colección del museo cuenta con unas 12.000 piezas y sigue creciendo. En varios lugares del centro de Moscú, el museo presenta una amplia gama de fenómenos del arte contemporáneo ruso y mundial. La labor de investigación del museo se centra fundamentalmente en el estudio de la colección. El museo cuenta con una biblioteca con una amplia selección de libros de arte de autores rusos y extranjeros. El laboratorio de investigación del Museo de Arte Moderno de Moscú es uno de los principales centros técnicos y tecnológicos para el estudio de objetos de arte.
APOYADO POR
EMPRESAS LA FABRIQUE BARBOT ET FOURNIER, Lodève, Francia
La exposición personal de Recycle Group es el primer proyecto de la compañía creada por Oleg Chirkunov en 2014 para apoyar y promover a los artistas rusos contemporáneos en el extranjero.
GALERÍA "TRIUMPH" La galería "Triumph" fue fundada por Emelyan Zakharov y Dmitry Khankin en 2006. La galería se ocupa del arte contemporáneo y trabaja con importantes artistas rusos y extranjeros. Los artistas rusos más famosos de la galería son AES+F, Alexander Brodsky, Alexander Vinogradov y Vladimir Dubossarsky, Alexey Belyaev-Gintovt, Recycle Group. La galería también exhibe artistas extranjeros, entre ellos: Damien Hirst, los hermanos Chapman, Wolf von Lenkiewitz, Tim Noble y Sue Webster, entre otros. Además de proyectos en su propio espacio, Triumph organiza grandes exposiciones en Rusia y en el extranjero y apoya el arte joven. Desde 2013, la galería organiza, junto con Manege/MediaArt-Lab, exposiciones de jóvenes artistas mediáticos en el marco del proyecto Great Expectations. En 2013, la galería fundó el proyecto científico y artístico interdisciplinario “Departamento de Investigación de Artes”.
"Ahora corremos por Krasnodar", dice Andrey Blokhin. - En algún momento me di cuenta de que no tenía tiempo de llegar al estudio. Por eso uso Skype a través de mi teléfono.
¿Visitas raramente la capital?
Para nosotros, Moscú es una gran oficina. Venimos a resolver asuntos importantes y luego regresamos. Moscú, por supuesto, es buena, pero preferimos ciudades más tranquilas.
¿Pero todavía tienes lugares favoritos?
Visitamos un conjunto estándar de establecimientos.
Quizás deberíamos empezar por el hecho de que nuestros padres eran artistas. Egor y yo pasamos nuestra infancia en movimiento: viajando al aire libre, comunicándonos con gente de arte. Pero procedían de un entorno más clásico: la pintura y la escultura.
¿Por qué reciclar?
Estudiamos en institutos y, paralelamente a nuestros estudios, comenzamos a trabajar juntos. Inicialmente hicimos la primera exposición, que se llamó “Reciclaje”. Fue en 2008, en la galería de arte contemporáneo M’ARS. Después de la exposición, nos recordaron con este nombre y también nos gustó esta idea como nombre de nuestro grupo de arte.
Cuéntanos sobre tu primera colaboración.
Creo que la exposición Reciclar, que estuvo en la galería M'ARS, es una exposición con trabajos conjuntos, porque todos participaron en la discusión y el proceso de creación del objeto.
¿Qué materiales utilizas?
Al principio eran sencillos: poliestireno expandido, polietileno. No son caros y son cómodos. Luego empezaron a utilizar otros mejores: caucho, plástico. Nos gusta experimentar con la tecnología y las formas.
¿Se considera miembro de algún tipo de movimiento ecologista?
¡Somos más artistas! El medio ambiente, por supuesto, también es una preocupación... Pero estamos ocupados en el campo del arte.
¿Con qué artista contemporáneo te gustaría tener una exposición conjunta?
Participamos periódicamente en exposiciones conjuntas en el extranjero: Lastres, Venecia. Aparecemos en proyectos con y Jaume Plensa. Somos amigos de muchos artistas, pero para poder participar en exposiciones conjuntas debemos elegir aquellos con los que sea más agradable comunicarse.
Cuéntanos sobre la exposición Fast Food en la Galería de Arte K35, en la que participaste. ¿De qué tratan tus obras?
Una de nuestras obras muestra que la civilización de consumo está desprovista de imágenes de finalidad, ya que ni una sola cosa perteneciente a la modernidad es capaz de adquirir su forma final, convertirse en polvo y regresar a la tierra. Es la basura, y no la imagen del objeto, lo que constituye la esencia misma de la modernidad. La basura que la sociedad moderna acumula a la velocidad del rayo gracias al consumo ilimitado y descontrolado. La civilización del consumo carece de propósito. En ausencia de objetivos e imágenes de finalidad, nuestra civilización sólo puede convertirse en un montón de basura tecnológica. Este es nuestro entorno verdadero y auténtico. La historia de la modernidad termina en un cubo de basura, y el cubo de basura se convierte en su embalaje universal.
¿Tiene disputas o conflictos?
Siempre están presentes. Si Egor o yo tenemos una nueva idea, comienza una discusión que va en paralelo con la parte técnica y visual. Luego, cuando decimos juntos “sí” a la pregunta, el objeto está hecho.
¿Qué opinión sobre la creatividad es importante para ti?
¡Profesionales! La crítica siempre es importante. Especialmente saludable.
¿Cómo te sientes cuando los espectadores miran tu trabajo?
Me pregunto en qué estarán pensando: tal vez estén pensando en algo que a nadie se le ocurriría.
¿Crees que has encontrado a tu audiencia?
Creo que sí. Pero es imposible describirlo. No existe un público objetivo para nuestras obras. A las exposiciones asisten tanto niños como ancianos. Todo depende de las preferencias estéticas.
¿Parte favorita del proceso creativo?
Elaboración y dibujo de bocetos.
¿Ha habido altibajos?
Nos suceden periódicamente. Hubo dificultades con el trabajo cinético, que posteriormente resolvimos. Cuando se trabaja con materiales experimentales, de una forma u otra, existe el riesgo de fracasar.
¿Cómo te mantienes en forma?
Cualquier tipo de deportes de tabla y yoga.
¿Cuales son tus planes para el verano?
Se acerca una gran exposición en la que estamos trabajando actualmente. Se celebrará en Manege entre febrero y marzo del próximo año. Hacemos cuatro objetos. El nombre aproximado de la exposición es “Glass-tress”. También nos espera una de las galerías de Nueva York.
¿Dónde te ves en cinco años?
¡No queremos cambiar radicalmente, por eso preferimos seguir siendo los mismos!
Gracias por su ayuda en la organización de la entrevista.Galería de arte "K35" y en particularPolina Elshina
