Algunas obras de arte parecen golpear al espectador en la cabeza, impresionantes y sorprendentes. Algunos te llevan al pensamiento y a la búsqueda de capas de significado, simbolismo secreto. Algunas pinturas están envueltas en secretos y misterios místicos, y otras sorprenden con precios exorbitantes.
La “rareza” es un concepto bastante subjetivo y cada uno tiene sus propias pinturas asombrosas que se destacan de otras obras de arte.Edvard Munch "El Grito"
1893, cartulina, óleo, tempera, pastel. 91×73,5cm
Galería Nacional, Oslo
El Grito se considera un acontecimiento expresionista emblemático y una de las pinturas más famosas del mundo.
“Estaba caminando por un sendero con dos amigos - el sol se estaba poniendo - de repente el cielo se puso rojo sangre, me detuve, sintiéndome exhausto, y me apoyé contra la cerca - miré la sangre y las llamas sobre el fiordo negro azulado y el ciudad: mis amigos siguieron adelante y yo me quedé temblando de emoción, sintiendo el grito interminable que desgarraba la naturaleza”, dijo Edvard Munch sobre la historia de la pintura.
Hay dos interpretaciones de lo representado: es el propio héroe quien, presa del horror, grita en silencio, tapándose los oídos con las manos; o el héroe cierra los oídos ante el grito del mundo y de la naturaleza que suena a su alrededor. Munch escribió 4 versiones de “El Grito”, y hay una versión de que este cuadro es fruto de la psicosis maníaco-depresiva que padecía el artista. Después de un tratamiento en la clínica, Munch no volvió a trabajar en el lienzo.
Paul Gauguin "¿De dónde venimos? ¿Quienes somos? ¿A dónde vamos?"
1897-1898, óleo sobre lienzo. 139,1×374,6cm
Museo de Bellas Artes de Boston
La pintura profundamente filosófica del postimpresionista Paul Gauguin fue pintada por él en Tahití, de donde huyó de París. Al finalizar la obra, incluso quiso suicidarse, porque “creo que este cuadro no sólo supera a todos mis anteriores, y que nunca crearé algo mejor o incluso similar”. Vivió otros 5 años y eso fue lo que pasó.
Según el propio Gauguin, la pintura debe leerse de derecha a izquierda: tres grupos principales de figuras ilustran las preguntas planteadas en el título. Tres mujeres con un niño representan el comienzo de la vida; el grupo medio simboliza la existencia cotidiana de la madurez; en el grupo final, según el proyecto del artista, “la anciana, acercándose a la muerte, parece reconciliada y entregada a sus pensamientos”, a sus pies “un extraño pájaro blanco... representa la inutilidad de las palabras”.
Pablo Picasso "Guernica"
1937, óleo sobre lienzo. 349×776cm
Museo Reina Sofía, Madrid
El enorme fresco "Guernica", pintado por Picasso en 1937, cuenta la historia de una incursión de una unidad de voluntarios de la Luftwaffe en la ciudad de Guernica, como resultado de la cual la ciudad de seis mil habitantes quedó completamente destruida. El cuadro se pintó literalmente en un mes: los primeros días de trabajo en el cuadro, Picasso trabajó de 10 a 12 horas y ya en los primeros bocetos se podía ver la idea principal. Ésta es una de las mejores ilustraciones de la pesadilla del fascismo, así como de la crueldad y el dolor humanos.
Guernica presenta escenas de muerte, violencia, brutalidad, sufrimiento e impotencia, sin especificar sus causas inmediatas, pero son obvias. Se dice que en 1940 Pablo Picasso fue citado por la Gestapo en París. La conversación giró inmediatamente hacia el cuadro. "¿Tú hiciste esto?" - “No, lo lograste.”
Jan van Eyck "Retrato del matrimonio Arnolfini"
1434, madera, óleo. 81,8×59,7cm
Galería Nacional de Londres, Londres
El retrato, supuestamente de Giovanni di Nicolao Arnolfini y su esposa, es una de las obras más complejas de la escuela occidental de pintura del Renacimiento del Norte.
El famoso cuadro está repleto de símbolos, alegorías y diversas referencias, hasta el título "Jan van Eyck estuvo aquí", que lo convirtió no sólo en una obra de arte, sino en un documento histórico que confirma un acontecimiento real en el que el El artista estuvo presente.
En Rusia en los últimos años, la pintura ha ganado gran popularidad debido al parecido del retrato de Arnolfini con Vladimir Putin.
Mikhail Vrubel "El demonio sentado"
1890, óleo sobre lienzo. 114×211cm
Galería Tretiakov, Moscú
La pintura de Mikhail Vrubel sorprende con la imagen de un demonio. El chico triste y de pelo largo no se parece en nada a la idea humana común de cómo debería ser un espíritu maligno. El propio artista habló de su cuadro más famoso: “El demonio no es tanto un espíritu maligno como un espíritu sufriente y triste, al mismo tiempo un espíritu poderoso y majestuoso”. Esta es una imagen de la fuerza del espíritu humano, la lucha interna, la duda. Trágicamente juntando sus manos, el Demonio se sienta con ojos enormes y tristes dirigidos a la distancia, rodeado de flores. La composición enfatiza la restricción de la figura del demonio, como si estuviera apretado entre las barras transversales superior e inferior del marco.
Vasily Vereshchagin "Apoteosis de la guerra"
1871, óleo sobre lienzo. 127×197cm
Galería Estatal Tretyakov, Moscú
Vereshchagin es uno de los principales pintores de batallas rusos, pero no pintó guerras y batallas porque las amaba. Al contrario, intentó transmitir a la gente su actitud negativa hacia la guerra. Un día, Vereshchagin, en el calor de la emoción, exclamó: "No pintaré más cuadros de batalla, ¡eso es todo!". Me tomo demasiado en serio lo que escribo, lloro (literalmente) por el dolor de cada herido y muerto”. Probablemente el resultado de esta exclamación fue el terrible y fascinante cuadro "La apoteosis de la guerra", que representa un campo, cuervos y una montaña de cráneos humanos.
La imagen está escrita de manera tan profunda y emocional que detrás de cada cráneo que se encuentra en esta pila, comienzas a ver personas, sus destinos y los destinos de aquellos que nunca volverán a ver a estas personas. El propio Vereshchagin, con triste sarcasmo, llamó al lienzo una "naturaleza muerta": representa una "naturaleza muerta".
Todos los detalles del cuadro, incluido el color amarillo, simbolizan la muerte y la devastación. El cielo azul claro enfatiza la aridez de la imagen. La idea de la "Apoteosis de la guerra" también se expresa en cicatrices de sables y agujeros de bala en los cráneos.
Grant Wood "Gótico americano"
1930, petróleo. 74×62cm
Instituto de Arte de Chicago, Chicago
“American Gothic” es una de las imágenes más reconocibles del arte estadounidense del siglo XX, el meme artístico más famoso de los siglos XX y XXI.
La imagen del padre y la hija sombríos está llena de detalles que indican la severidad, el puritanismo y el carácter retrógrado de las personas representadas. Caras enojadas, una horca justo en el centro de la imagen, ropa pasada de moda incluso para los estándares de 1930, un codo expuesto, costuras en la ropa de un granjero que repiten la forma de una horca y, por lo tanto, una amenaza dirigida a todos. quien invade. Puedes mirar todos estos detalles sin cesar y estremecerte de incomodidad.
Curiosamente, los jueces del concurso en el Instituto de Arte de Chicago percibieron "Gothic" como un "San Valentín humorístico", y la gente de Iowa se sintió terriblemente ofendida por Wood por retratarlos de una manera tan desagradable.
René Magritte "Amantes"
1928, óleo sobre lienzo
El cuadro “Amantes” (“Amantes”) existe en dos versiones. En uno, un hombre y una mujer, cuyas cabezas están envueltas en un paño blanco, se besan, y en el otro, “miran” al espectador. La imagen sorprende y fascina. Con dos figuras sin rostro, Magritte transmitía la idea de la ceguera del amor. Sobre la ceguera en todos los sentidos: los amantes no ven a nadie, no vemos sus verdaderos rostros y, además, los amantes son un misterio incluso para el otro. Pero a pesar de esta aparente claridad, seguimos mirando a los amantes de Magritte y pensando en ellos.
Casi todas las pinturas de Magritte son enigmas que no pueden resolverse por completo, ya que plantean interrogantes sobre la esencia misma de la existencia. Magritte siempre habla del engaño de lo visible, de su misterio oculto, que normalmente no notamos.
Marc Chagall "Caminar"
1917, óleo sobre lienzo
Galería estatal Tretiakov
Habitualmente extremadamente serio en su pintura, Marc Chagall escribió un delicioso manifiesto de su propia felicidad, lleno de alegorías y amor. “Walk” es un autorretrato con su esposa Bella. Su amada se eleva en el cielo y pronto arrastrará al vuelo a Chagall, que se encuentra precariamente en el suelo, como si sólo la tocara con las puntas de sus zapatos. Chagall tiene una teta en la otra mano: está feliz, tiene una teta en las manos (probablemente su cuadro) y un pastel en el cielo.
Hieronymus Bosch "El jardín de las delicias"
1500-1510, madera, óleo. 389×220cm
Prado, España
"El Jardín de las Delicias" es el tríptico más famoso de Hieronymus Bosch, que debe su nombre al tema de la parte central, dedicada al pecado de la voluptuosidad. Hasta la fecha, ninguna de las interpretaciones disponibles de la pintura ha sido reconocida como la única correcta.
El encanto perdurable y al mismo tiempo extraño del tríptico reside en la forma en que el artista expresa la idea principal a través de muchos detalles. El cuadro está lleno de figuras transparentes, estructuras fantásticas, monstruos, alucinaciones que se han hecho carne, caricaturas infernales de la realidad, que contempla con una mirada inquisitiva y extremadamente aguda. Algunos científicos querían ver en el tríptico una imagen de la vida humana a través del prisma de su inutilidad y las imágenes del amor terrenal, otros, el triunfo de la voluptuosidad. Sin embargo, la sencillez y cierto desapego con el que se interpretan las figuras individuales, así como la actitud favorable hacia esta obra por parte de las autoridades eclesiásticas, hacen dudar de que su contenido pueda ser la glorificación de los placeres corporales.
Gustav Klimt "Las tres edades de la mujer"
1905, óleo sobre lienzo. 180×180cm
Galería Nacional de Arte Moderno, Roma
“Las tres edades de una mujer” es a la vez alegre y triste. En él, la historia de la vida de una mujer está escrita en tres figuras: el descuido, la paz y la desesperación. La joven está orgánicamente entretejida en el patrón de vida, la anciana se destaca de él. El contraste entre la imagen estilizada de una mujer joven y la imagen naturalista de una anciana adquiere un significado simbólico: la primera fase de la vida trae consigo infinitas posibilidades y metamorfosis, la última, constancia inmutable y conflicto con la realidad.
El lienzo no suelta, se mete en el alma y te hace pensar en la profundidad del mensaje del artista, así como en la profundidad e inevitabilidad de la vida.
Egon Schiele "Familia"
1918, óleo sobre lienzo. 152,5×162,5cm
Galería Belvedere, Viena
Schiele fue alumno de Klimt, pero, como todo alumno excelente, no copió a su maestro, sino que buscó algo nuevo. Schiele es mucho más trágico, extraño y aterrador que Gustav Klimt. En sus obras hay mucho de lo que se podría llamar pornografía, diversas perversiones, naturalismo y al mismo tiempo dolorosa desesperación.
"Familia" es su último trabajo, en el que la desesperación es llevada al extremo absoluto, a pesar de ser su cuadro menos extraño. Lo pintó justo antes de su muerte, después de que su esposa Edith, embarazada, muriera a causa de la gripe española. Murió a los 28 años, apenas tres días después de Edith, después de haberla pintado a ella, a él mismo y a su hijo por nacer.
Frida Kahlo "Dos Fridas"
La historia de la difícil vida de la artista mexicana Frida Kahlo se hizo ampliamente conocida tras el estreno de la película “Frida” protagonizada por Salma Hayek. Kahlo pintó principalmente autorretratos y lo explicó de manera sencilla: “Me pinto porque paso mucho tiempo sola y porque soy el sujeto que mejor conozco”.
En ningún autorretrato Frida Kahlo sonríe: un rostro serio, incluso triste, cejas espesas y fusionadas, un bigote apenas perceptible sobre los labios apretados. Las ideas de sus cuadros se cifran en los detalles, el fondo, las figuras que aparecen junto a Frida. El simbolismo de Kahlo se basa en tradiciones nacionales y está estrechamente relacionado con la mitología india del período prehispánico.
En una de las mejores pinturas, "Dos Fridas", expresó los principios masculino y femenino, conectados en ella por un solo sistema circulatorio, demostrando su integridad.
Claude Monet "Puente de Waterloo. Efecto niebla"
1899, óleo sobre lienzo
Museo Estatal del Hermitage, San Petersburgo
Al observar la pintura de cerca, el espectador no ve más que el lienzo, sobre el que se aplican frecuentes y gruesas pinceladas de óleo. Toda la magia de la obra se revela cuando poco a poco empezamos a alejarnos del lienzo. Primero, frente a nosotros comienzan a aparecer semicírculos incomprensibles que pasan por el centro de la imagen, luego vemos los contornos claros de los barcos y, alejándonos a una distancia de aproximadamente dos metros, todas las obras de conexión se dibujan claramente frente a nosotros. nosotros y alineados en una cadena lógica.
Jackson Pollock "Número 5, 1948"
1948, tableros de fibra, óleo. 240×120cm
Lo extraño de esta pintura es que el lienzo del líder estadounidense del expresionismo abstracto, que pintó derramando pintura sobre un tablero de fibra colocado en el suelo, es el cuadro más caro del mundo. En 2006, en la subasta de Sotheby's pagaron por él 140 millones de dólares. David Giffen, productor de cine y coleccionista, se lo vendió al financiero mexicano David Martínez.
“Sigo alejándome de las herramientas habituales de un artista, como el caballete, la paleta y los pinceles. Prefiero palos, palas, cuchillos y pintura fluida o una mezcla de pintura con arena, vidrios rotos o cualquier otra cosa. Cuando estoy dentro de un cuadro, no soy consciente de lo que estoy haciendo. La comprensión viene después. No tengo miedo de cambios o destrucción de la imagen, ya que la pintura vive su propia vida. Sólo la estoy ayudando. Pero si pierdo el contacto con la pintura, se vuelve sucia y desordenada. Si no, entonces es pura armonía, la facilidad con la que tomas y das”.
Joan Miró "Hombre y mujer frente a un montón de excrementos"
1935, cobre, óleo, 23×32 cm.
Fundación Joan Miró, España
Buen nombre. ¿Y quién hubiera pensado que esta imagen nos habla de los horrores de las guerras civiles?
La pintura fue realizada sobre lámina de cobre durante la semana comprendida entre el 15 y el 22 de octubre de 1935. Según Miró, esto es el resultado de un intento de representar la tragedia de la Guerra Civil Española. Miró dijo que esta es una imagen sobre un período de ansiedad. La pintura muestra a un hombre y una mujer acercándose para abrazarse, pero sin moverse. Los genitales agrandados y los colores siniestros fueron descritos como "llenos de asco y de sexualidad repugnante".
Jacek Yerka “Erosión”
El neosurrealista polaco es conocido en todo el mundo por sus asombrosas pinturas en las que realidades se combinan para crear otras nuevas. Es difícil considerar sus obras extremadamente detalladas y, hasta cierto punto, conmovedoras una por una, pero este es el formato de nuestro material, y tuvimos que elegir una que ilustrara su imaginación y habilidad. Te recomendamos que lo leas.
Bill Stoneham "Las manos se le resisten"
Esta obra, por supuesto, no puede clasificarse entre las obras maestras de la pintura mundial, pero lo extraño es un hecho.
Hay leyendas que rodean el cuadro con un niño, un muñeco y sus manos apretadas contra el cristal. Desde “la gente está muriendo a causa de esta imagen” hasta “los niños que aparecen en ella están vivos”. La imagen parece realmente espeluznante, lo que genera muchos temores y especulaciones entre las personas con psiques débiles.
El artista insistió en que el cuadro lo representaba a él mismo cuando tenía cinco años, que la puerta representaba la línea divisoria entre el mundo real y el mundo de los sueños y que el muñeco era un guía que podía guiar al niño a través de este mundo. Las manos representan vidas o posibilidades alternativas.
La pintura ganó notoriedad en febrero de 2000 cuando se puso a la venta en eBay con una historia que decía que la pintura estaba "embrujada". “Hands Resist Him” fue comprada por 1.025 dólares por Kim Smith, quien luego simplemente fue inundada con cartas con historias espeluznantes y demandas de quemar la pintura.
¿Crees que las obras maestras artísticas sólo se pueden crear con la ayuda de lápices y pinturas? Estos 10 artistas contemporáneos demuestran que cualquier material bajo el pincel del talento se convierte en una obra maestra y, a veces, ni siquiera se necesita un pincel: se utilizan las herramientas más impredecibles. Algunas obras sorprenden por su realismo, otras por la habilidad del autor, y algunas están creadas de una manera tan extraña que no pueden dejar de dar buen humor.
1. Vinícius Quesada. "Blues escrito con sangre"
Al brasileño le encanta sorprender al público con sus obras: el artista crea sus cuadros apocalípticos utilizando sangre y orina humanas. En las pinturas sólo hay tres colores: amarillo, azul y rojo. El autor, en el sentido literal de la palabra, da vida a sus obras, ya que utiliza exclusivamente su propia sangre como material, liberando 450 ml de sangre cada 2 meses.
2. Elisabetta Rogai. Pinturas que solo “mejoran” con el tiempo
Elisabetta crea sus cuadros utilizando materiales bastante refinados: vino blanco y tinto. Además, no lo utiliza como fuente de inspiración, sino en lugar de pintura. La peculiaridad de su obra es que el color de las pinturas sobre el lienzo cambia con el tiempo, a medida que el vino envejece y adquiere nuevas tonalidades.
3. Tarinan von Anhalt (Jet Art). Arte azabache de una princesa de Florida.
La artista estadounidense crea sus pinturas abstractas utilizando los flujos de aire del motor de un avión. Los clientes de Tarinan pagan mucho dinero por la oportunidad de ver cómo crea el artista, porque este proceso en sí es una pequeña muestra que pone en riesgo la vida. Para crear una pintura abstracta, un conocedor de la creatividad tendrá que pagar al menos 50 mil dólares. La princesa también utiliza su técnica Jet Art para decorar la ropa, que demuestra en varios desfiles de moda.
4. Pinturas submarinas de artistas ucranianos.
Los creativos buceadores ucranianos crean sus obras a profundidades de 2 a 20 metros en las aguas del Mar Negro y Rojo. Los artistas están tan inspirados por la belleza del mundo submarino que han ideado una forma inusual de capturarla utilizando pintura común y lienzos con pegamento impermeable. Todo un grupo de artistas presenta anualmente sus pinturas en exposiciones en Kiev. Es de destacar que el número de seguidores crece cada año y la “pintura submarina” se está volviendo cada vez más popular no sólo entre los buceadores profesionales, sino también entre las personas creativas.
5. Natalie irlandesa. Imágenes con “amor”
¡El artista pinta con besos y utiliza lápiz labial común y corriente como material! En promedio, para pintar se necesitan alrededor de cinco tubos de lápiz labial y, gracias a las capacidades modernas de la industria de la belleza, la paleta para pintar es bastante amplia. El primer trabajo del artista fue un retrato de Marilyn Monroe; es con esta actriz con quien Natalie asocia el lápiz labial rojo. La artista admitió que crear sus cuadros no es un trabajo fácil, porque necesita dejar metódicamente besos en el lienzo según un patrón determinado, cambiando constantemente el foco de sus ojos. Una pintura tarda al menos 3 horas.
6. Otman Tom. Creatividad “con gusto” o la comida como arte
El artista de Bagdad combina lo agradable con lo creativo y utiliza helado en lugar de las pinturas habituales para crear sus obras. Sus obras se parecen a las acuarelas y presentan una amplia gama de colores intensos. El artista siempre fotografía su obra con restos de helado y pinceles sobre lienzo, mostrando así una pequeña parte del proceso de convertir en arte su postre favorito.
7. Karen Eland. Reproducciones de obras maestras mundiales y café.
El artista crea cuadros utilizando café expreso normal. Karen hace copias increíblemente precisas de cuadros famosos y les da su toque característico: una taza de café. Las copias de las obras de Matisse, Picasso y Da Vinci surgieron del pincel del artista de manera tan realista que es difícil creer que fueron creadas con café común. La artista confiesa que lo que más le gusta es trabajar en cafeterías, ya que el ambiente cálido que se respira allí la inspira muchísimo.
8. Judith Braun. “Digitación” de una mujer estadounidense inusual
La artista usa sus dedos y polvo de carbón para crear sus intrincadas pinturas. Es esta dirección de la creatividad del artista, que ha trabajado en diversas técnicas durante más de 30 años, la que es extremadamente popular, especialmente las series "Procedimientos simétricos" y "Polvo de diamante". La propia Judith no considera que su obra sea arte en estado puro.
9. Kira Ayn Varzegi Kira Ayn Varszegi. ¿Por qué el pecho no es una herramienta para crear pinturas?
Al parecer esto es lo que pensaba la artista estadounidense, que utiliza sus propios pechos en lugar de pinceles a la hora de pintar. Las pinturas abstractas tienen una gran demanda y la propia Kira es popular en línea. La artista creativa aún no está representada en exposiciones ni en galerías modernas, pero sus cuadros en Internet se agotan rápidamente y por buen dinero.
10. Paolo Troilo. Pinturas monocromáticas de un artista autodidacta italiano.
Paolo Troilo tuvo una exitosa carrera empresarial, aprendió a pintar por sí solo y en 2007 fue reconocido como el mejor creativo italiano. El maestro pinta cuadros con pinturas acrílicas sin ayuda de herramientas, sólo con los dedos. Un rasgo distintivo de sus pinturas es la paleta monocromática, el misterio y la belleza realista del cuerpo masculino.
Hechos increíbles
Ninguno de nosotros podrá apreciar este tipo de pintura en su verdadero valor y leer entre líneas el significado que pretende el autor. Pero, sin embargo, el costo de las pinturas de artistas contemporáneos a veces es simplemente fuera de escala, y coleccionistas y conocedores del arte de todo el mundo acuden a la subasta para comprar su creación favorita.
A veces pagan tales sumas de dinero por una imagen que les gusta que incluso Los propios autores de las pinturas quedan muy sorprendidos.
A continuación se muestra una lista de las pinturas modernas más extrañas que se han vendido por millones de dólares.
1. "Concepto espacial" - Lucio Fontana
Esta pintura se vendió por un dinero increíble en una subasta en Londres. Parece como si el autor simplemente pintara sobre el lienzo con color y “rasgó” la imagen con líneas oblicuas. Por supuesto, surge la pregunta del millón: si un artista quiere ganar aún más dinero por un cuadro como este, ¿debería simplemente hacer otro corte?
¿O tal vez cuanto más se entrecierren las líneas de corte, mayor será la calidad de la imagen?
2. "Espejo rojo sangre" - Gerhard Richter
Vendido para $1,100,000 .
“El cuadro es un espejo” se subastó por 1,1 millones. Por supuesto, este artista es autor de muchas hermosas obras Sin embargo, para entender esto, aparentemente, basta con nacer artista.
Se ha revelado el secreto de las pinturas de RembrandtEs difícil, si no imposible, discernir en esta obra maestra algo así como un espejo. Quizás el coleccionista que lo compró simplemente quería verse con más luz al mirarse en el espejo.
Los cuadros más caros.
3. "Verde y blanco" - Ellsworth Kelly
Las obras de este artista son muy controvertidas, los críticos tienen opiniones diferentes sobre su valor, pero, por supuesto, esta pintura es la más una verdadera joya.
Este es un lienzo muy ordinario con un círculo deformado en el medio, y hay personas dispuestas a pagar por el derecho de agregar esta creación a su colección tanto como un pequeño isla tailandesa .
4. "Sin título" - Mark Rothko
Mucha gente habló mal de esta imagen, pero es más bien aburrida. Si su hijo, después de graduarse de la escuela de arte, le trajera un dibujo así, entonces habría dos escenarios posibles para el desarrollo de los eventos:
a) te sentirías terriblemente orgulloso y colgarías un cuadro en lugar de un televisor
b) le decían: "Buen trabajo, chico. ¡La próxima vez dibujemos algo diferente!"
5. "Sin título" - Blinky Palermo
Vendido para $1.700.000.
Esta pintura, como muchas otras creaciones de este artista, es una superposición de lienzos de colores uno encima del otro. Uno de los críticos notó que miró esta imagen durante una hora, pero no pudo encontrar nada en ella.
Otro crítico lo expresó más profundamente: “Las pinturas de Palermo invitan al espectador a ver cambios multifacéticos de tonos, mientras que en la superficie de los lienzos no hay rastros de matices ni excesos pictóricos, sino que se pueden contemplar colores hermosos y puros”.
Los robos de cuadros más famosos¡Hay que ser un verdadero profesional para disimular la falta de soluciones de color de esta manera!
Fotos extrañas
6. "Perro" - Joan Mira
De hecho, el mundo tiene muchos buenos, pero este realmente se destaca y no desde el lado más positivo.
¿O tal vez el coleccionista que lo compró simplemente quería poseer parte del legado de un artista talentoso?
7. "Fuego blanco I" - Barnett Newman
Evidentemente, las personas que compran este tipo de cuadros son extraordinariamente ricas. Pero Los ricos se vuelven ricos gracias a su inteligencia.
Si esto es así, ¿por qué un coleccionista inteligente compró una obra de este tipo en una subasta en línea, basándose únicamente en la escasa descripción que se muestra en el sitio?
El título del cuadro es un término místico que está directamente relacionado con rasgó. La propia Torá tiene como objetivo una profunda unidad espiritual, que Newman intenta, según él, inculcar en el espectador a través de sus obras.
¿Pero es ese el caso realmente? ¿O tal vez simplemente es difícil para una persona inexperta rastrear la relación entre dos líneas en un lienzo en blanco y la Torá?
8. "Sin título" - Cy Twombly
Este trabajo se realizó apresuradamente en casa sobre papel normal utilizando un lápiz de cera común, es decir, el mismo material utilizado. un niño usa cuando aprende a escribir en el jardín de infantes.
El cuadro de Picasso es la obra de arte más caraSi miras un poco hacia abajo y miras la imagen, ¿no te parecería que esta obra maestra es extremadamente similar al intento de un niño de aprender a escribir la letra “e”?
9. "Vaquero" - Ellsworth Kelly
Kelly estudió arte durante más de cuatro años en instituciones culturales de Boston y París antes de decidir la dirección del estilo de su obra. Después de su investigación, concluyó que su trabajo será "bloque".
Para el ojo inexperto, la elección puede parecer errónea, porque ¿cuál es el valor de estos bloques realizados sobre el papel? Sin embargo, vale la pena admitir el error, porque desde el punto de vista económico la elección es muy acertada, pero desde el punto de vista estético, difícilmente el autor haya tomado la decisión correcta.
10. "El tonto azul" - Christopher Wool
Uno puede imaginar lo feliz que estaba Christopher, que se especializa en pintar palabras, cuando esta obra en particular se vendió por una cantidad tan grande de dinero. Me pregunto, cuando pintó su cuadro, ¿podría haber pensado que podría persuadir a alguien para que lo comprara?
¡Bravo, Cristóbal!
Las pinturas más caras de los artistas.
El hombre se ha sentido atraído por la creatividad desde tiempos inmemoriales. Desde pinturas rupestres de mamuts y dioses, vasijas de barro pintadas, frescos en las paredes, hasta obras maestras del arte moderno, que tenemos la oportunidad de admirar todos los días. Todos los pintores, en busca de lo extraordinario, intentan aportar algo único y diverso al estilo. Algunas personas prestan atención a los detalles más pequeños, otras buscan nuevos tonos y temas, pero hay una serie de artistas inusuales que decidieron sorprender al mundo no solo con la ayuda de un pincel.
El artista que pinta la lluvia.
Hace unos años, el artista de vanguardia Leandro Granato, de 30 años, se convirtió en un verdadero activo para Argentina. El artista inventó una técnica bastante inusual para aplicar pintura al lienzo, a través del conducto lagrimal. Desde pequeño, el chico sabía cómo meterse agua en la nariz e inmediatamente rociarla por los ojos.
Cuando la inspiración agotó sus recursos, Leandro decidió probar precisamente esa técnica de dibujo. Y tenía razón. Sus pinturas comienzan en $2,000 y se agotan extremadamente rápido. Curiosamente, para crear una de esas pinturas, Granato utiliza 800 ml de pintura en cada cuenca del ojo. El argentino incluso desarrolló una pintura especial para ojos inofensiva que, según los médicos, no afecta de ninguna manera la salud del artista.
Dos dedos en la boca y todo pasará
Millie Brown ha vivido bajo el lema “todo arte tiene derecho a existir” durante muchos años. Y todo porque la forma de pintar del artista no encaja en absoluto en el marco aceptado.
La niña, por muy feo que parezca, vomita. Millie traga leche de soja coloreada a intervalos especiales y luego se siente mal. La pintura sale naturalmente, creando “diseños especiales”. Curiosamente, los robots de la artista están ganando cada vez más popularidad, y entre sus devotos fans se puede encontrar incluso a la mismísima Miss Outrageous Lady Gaga.
Imágenes de pechos talla 4.
La artista estadounidense Kira Ain Vizerji también se hizo famosa por su extravagancia. Sus pechos prominentes la ayudan a crear pinturas que cuestan al menos 1.000 dólares cada una. La niña se convirtió en una innovadora en esta técnica y ya cuenta con decenas de seguidores en todo el mundo. La propia Kira explica este extraño enfoque de la pintura por el hecho de que sus pechos le permiten pintar desde ángulos completamente diferentes y le facilitan realizar todas las ideas del artista.
"Arte del pene"
Otro maestro que utiliza su cuerpo como herramienta para pintar y ganar dinero es el australiano Tim Patch. El pincel de un artista impactante es su dignidad. El propio Tim, sin excesiva modestia, pide que lo llamen "Pricasso" (del inglés "prick" - "miembro") y posiciona su obra como el primer "arte del pene" de la historia. Además de la técnica de aplicación, el australiano se hizo famoso por el hecho de que mientras trabaja usa solo un bombín, que debe ser plateado o rosa.
Herencia nigeriana y estiércol de elefante
El creador inglés Chris Ofili es uno de los admiradores más destacados de la cultura nigeriana. Todas sus pinturas están directamente imbuidas del espíritu de África, la cultura nigeriana, el sexo y los excrementos de elefante. Ofili utiliza estiércol en lugar de pintura. Por supuesto, para evitar olores, moscas y pinturas dañadas, las materias primas se someten a un tratamiento químico especial, pero el hecho sigue siendo un hecho.
"Blues escrito con sangre"
El pintor brasileño Vinicius Quesada fue aún más lejos y sorprendió al público con una colección de cuadros llamada “Blues escritos con sangre”. Este último en el sentido literal de la palabra. Para crear estas obras maestras, el artista necesitaba tres colores: rojo, amarillo y azul. El primer autor decidió extraer de sus propias venas.
Cada dos meses, Quezada va al hospital, donde los médicos le extraen 480 mililitros de sangre para crear obras maestras. Cuando los fans ofrecen al genio su sangre en lugar de pintura, él los envía a puntos de recogida de sangre para los enfermos, ya que cree que la donación es más importante que el arte.
arte submarino
Oleg Nebesny, residente en Kiev, es uno de los pocos artistas del mundo que decidió combinar sus dos aficiones favoritas: el buceo y el dibujo. Oleg pinta cuadros a una profundidad de 2 a 20 metros y lo explica por el hecho de que sólo el ojo y sólo el momento pueden captar toda la belleza del mundo submarino. Al artista le toma sólo 40 minutos crear sus obras. Antes de comenzar, se aplica pegamento impermeable al lienzo (de esta manera la pintura no se elimina del lienzo). Entre otras cosas, los colores en profundidad parecen completamente diferentes. Y el marrón de la superficie puede incluso volverse escarlata.
Oleg Nebesny ama tanto lo que hace que incluso abrió una escuela de pintura submarina y comparte con todos el secreto de los lienzos inusualmente hermosos pintados en el fondo del mar. Él, junto con el artista ruso Denis Lotarev, fue incluido en el Libro Guinness de los Récords como los autores de la pintura submarina más grande.
Cenizas y pintura.
Val Thompson traspasó todos los tabúes morales. Una mujer pinta hermosos lienzos añadiendo a la pintura las cenizas de personas cremadas. Sus pinturas se venden por miles y los clientes dejan críticas favorables en sitios web. El primer robot, Val, fue creado para Kiri, la vecina de Anna, después de la muerte de su marido John. El lienzo representaba una playa paradisíaca desierta, donde a John le encantaba pasar el tiempo. La pintura causó tal sensación que Val incluso abrió su propia empresa, Ashes for Art.
Pinturas con alma y cuerpo.
Lo que consideramos una verdadera desgracia, Alison Courtson logró utilizarlo como material para su creatividad. La estadounidense de 38 años pinta sus cuadros con el polvo más común. Curiosamente, Alison recoge material de aspiradoras, estanterías y armarios de los propios clientes. La artista dice que eligió un material tan extraño porque el polvo doméstico está compuesto en un 70% por la piel de los habitantes de la casa. Por lo tanto, podemos decir con seguridad que sus pinturas no tratan solo del alma, sino también del cuerpo.
Obras de arte menstrual
Pedimos a los lectores muy impresionables que se salten el último punto de nuestra excursión al arte poco convencional. La artista hawaiana Lani Beloso padece una enfermedad común entre las mujeres: la menorragia, es decir, menstruación abundante, y decidió utilizar este fenómeno en sus fotografías. Se desconoce cómo llegó a esto. Al principio, el "artista" simplemente se sentaba sobre el lienzo y la sangre misma pintaba ciertas imágenes. Más tarde, Lani comenzó a recolectar material todos los meses y a hacer dibujos a partir de él. Entonces la niña creó 13 cuadros en orden cronológico, como si mostrara a la sociedad cuánta sangre pierde en un año.
Lo peor es que esta no es la lista completa de personas que decidieron desviarse de los cánones aceptados. Entonces, si de repente eres artista y decides hacer tu contribución al desarrollo del arte, me temo que te resultará difícil encontrar ideas originales.
La pintura, si no tenemos en cuenta a los realistas, siempre ha sido, es y será extraña, metafórica, que busca nuevas formas y medios de expresión. Pero hay una serie de cuadros cuya extrañeza no puede dejar indiferente a nadie.
Algunas obras de arte parecen golpear al espectador en la cabeza, impresionantes y sorprendentes; algunos te llevan al pensamiento y a la búsqueda de capas de significado, simbolismo secreto. Algunas pinturas están envueltas en secretos y misterios místicos, y otras sorprenden con precios exorbitantes.
10 pinturas más extrañas del mundo.
1. Edvard Munch "El Grito"
1893, cartulina, óleo, tempera, pastel. 91×73,5cm
Galería Nacional, Oslo
Dejando a muchas personas con un regusto muy desagradable e incluso una imagen aterradora, “El Grito” es quizás una de las imágenes más extrañas del mundo.
El Grito se considera un acontecimiento expresionista emblemático y una de las pinturas más famosas del mundo.
“Estaba caminando por un sendero con dos amigos - el sol se estaba poniendo - de repente el cielo se puso rojo sangre, me detuve, sintiéndome exhausto, y me apoyé contra la cerca - miré la sangre y las llamas sobre el fiordo negro azulado y el ciudad: mis amigos siguieron adelante y yo me quedé temblando de emoción, sintiendo un grito interminable que atravesaba la naturaleza”, dijo Edvard Munch sobre la historia del cuadro.
2. Paul Gauguin “¿De dónde venimos? ¿Quienes somos? ¿A dónde vamos?"
1897-1898, óleo sobre lienzo. 139,1×374,6cm
Museo de Bellas Artes de Boston
El cuadro profundamente filosófico del postimpresionista Paul Gauguin fue pintado en Tahití, de donde huyó de París. Al finalizar la obra, incluso quiso suicidarse, porque creía: “Creo que este cuadro no sólo supera a todos mis anteriores, sino que nunca crearé algo mejor o incluso similar”.
3. Pablo Picasso “Guernica”
1937, óleo sobre lienzo. 349×776cm
Museo Reina Sofía, Madrid
No es necesario ser un experto en arte para ver mucho dolor en esta pintura que no parece extraña a primera vista. El enorme fresco "Guernica", pintado por Picasso en 1937, cuenta la historia de una incursión de una unidad de voluntarios de la Luftwaffe en la ciudad de Guernica, como resultado de la cual la ciudad de seis mil habitantes quedó completamente destruida. El cuadro se pintó literalmente en un mes: los primeros días de trabajo en el cuadro, Picasso trabajó de 10 a 12 horas y ya en los primeros bocetos se podía ver la idea principal. Ésta es una de las mejores ilustraciones de la pesadilla del fascismo, así como de la crueldad y el dolor humanos.
4. Jan van Eyck “Retrato del matrimonio Arnolfini”
1434, madera, óleo. 81,8×59,7cm
Galería Nacional de Londres, Londres
A primera vista, la imagen no da la impresión de ser una obra extraña e incomprensible, pero hace que los espectadores se queden paralizados y miren.
El retrato, supuestamente de Giovanni di Nicolao Arnolfini y su esposa, es una de las obras más complejas de la escuela occidental de pintura del Renacimiento del Norte.
El famoso cuadro está repleto de símbolos, alegorías y diversas referencias, hasta la firma "Jan van Eyck estuvo aquí", que lo convirtió no sólo en una obra de arte, sino en un documento histórico que confirma un acontecimiento real en el que el El artista estuvo presente.
5. Mikhail Vrubel "El demonio sentado"
1890, óleo sobre lienzo. 114×211cm
Galería Tretiakov, Moscú
La extrañeza de esta imagen radica principalmente en la imagen inesperada del demonio. El chico triste y de pelo largo no se parece en nada a la idea humana común de cómo debería ser un espíritu maligno. El propio artista habló de su cuadro más famoso: “El demonio no es tanto un espíritu maligno como un espíritu sufriente y triste, al mismo tiempo un espíritu poderoso y majestuoso”.
6. Vasily Vereshchagin "Apoteosis de la guerra"
1871, óleo sobre lienzo. 127×197cm
Galería Estatal Tretyakov, Moscú
Vereshchagin es uno de los principales pintores de batallas rusos, pero pintó guerras y batallas no porque las amara. Al contrario, intentó transmitir a la gente su actitud negativa hacia la guerra. Un día, Vereshchagin, en el calor de la emoción, exclamó: "No pintaré más cuadros de batalla, ¡eso es todo!". Me tomo demasiado en serio lo que escribo, lloro (literalmente) por el dolor de cada herido y muerto”. Probablemente el resultado de esta exclamación fue la terrible y extrañamente fascinante pintura "La apoteosis de la guerra", que representa un campo, cuervos y una montaña de cráneos humanos.
7. Grant Wood "Gótico americano"
1930, petróleo. 74×62cm
Instituto de Arte de Chicago, Chicago
“American Gothic” es una de las imágenes más reconocibles del arte estadounidense del siglo XX, el meme artístico más famoso de los siglos XX y XXI. La extrañeza de la imagen llama inmediatamente la atención. La imagen del padre y la hija sombríos está llena de detalles que indican la severidad, el puritanismo y el carácter retrógrado de las personas representadas. Caras enojadas, una horca justo en el centro de la imagen, ropa pasada de moda incluso para los estándares de 1930, un codo expuesto, costuras en la ropa de un granjero que repiten la forma de una horca y, por lo tanto, una amenaza dirigida a todos. quien los invade. Puedes mirar todos estos detalles sin cesar y evitar la incomodidad.
8. René Magritte “Amantes”
1928, óleo sobre lienzo
El cuadro “Amantes” (“Amantes”) existe en dos versiones. En uno, un hombre y una mujer, cuyas cabezas están envueltas en un paño blanco, se besan, y en el otro, “miran” al espectador. La imagen sorprende y fascina. Con dos figuras sin rostro, Magritte transmitía la idea de la ceguera del amor. Sobre la ceguera en todos los sentidos: los amantes no ven a nadie, el público no ve sus verdaderos rostros y, además, los amantes son un misterio incluso entre ellos.
9. Marc Chagall “Caminar”
1917, óleo sobre lienzo
Galería estatal Tretiakov
Habitualmente extremadamente serio en su pintura, Marc Chagall escribió un delicioso manifiesto de su propia felicidad, lleno de alegorías y amor. “Walk” es un autorretrato con su esposa Bella. Su amada se eleva en el cielo y pronto arrastrará al vuelo a Chagall, que se encuentra precariamente en el suelo, como si sólo la tocara con las puntas de sus zapatos. Chagall tiene una teta en la otra mano: está feliz, tiene una teta en las manos (probablemente su cuadro) y un pastel en el cielo.
10. Hieronymus Bosch “El jardín de las delicias”
1500-1510, madera, óleo. 389×220cm
Prado, España
"El Jardín de las Delicias" es el tríptico más famoso de Hieronymus Bosch, que debe su nombre al tema de la parte central, dedicada al pecado de la voluptuosidad. Hasta la fecha, ninguna de las interpretaciones disponibles de la pintura ha sido reconocida como la única correcta.
El encanto perdurable y al mismo tiempo extraño del tríptico reside en la forma en que el artista expresa la idea principal a través de muchos detalles.
