Pintura Italia
En Italia, donde, en el siglo XVII, finalmente probó la reacción católica, se forma muy temprano, florece y se convierte en una dirección dominante del arte del barroco.
Para la pintura de este tiempo, se caracterizaron las composiciones decorativas espectaculares, los retratos de desfile que representan titulados nobles y damas con una postura predeterminada, ahogándose en lujosas túnicas y joyas.
En lugar de la línea, se le dio preferencia a un pintoresco mancha, masa, contrastes en blanco y negro, con la ayuda de la forma. Barroco violó los principios del espacio dividido en los planes, los principios de la perspectiva lineal directa para mejorar la profundidad, la ilusión de la atención al infinito.
El nacimiento de la pintura de Barochko en Italia está relacionada con las obras de los hermanos Carrachchi, los fundadores de una de las primeras escuelas de arte de Italia - "Academia del Camino Right" (1585), la llamada Academia de Bolonia, un taller en el que Los maestros de novatos fueron entrenados en un programa especial.
Annibal Carrachci (1560-1609)fue el más talentoso de los tres hermanos Carragechi. En su trabajo, los principios de la Academia de Bolonia, que hicieron su tarea principal, el renacimiento del arte monumental y las tradiciones del Renacimiento del período de su apogeo, que los contemporáneos Carrenci fueron vean venerados como una muestra de una perfección mejorada y una Ciergo "Absoluto" artístico. Por lo tanto, Carragechi percibe las obras maestras de sus grandes predecesores, más bien como una fuente de donde puede dibujar los titanos del renacimiento de las soluciones estéticas, y no como un punto de partida para su propia búsqueda creativa. Caséticamente hermosa, perfecta no es el "grado más alto" real para él, sino solo una norma artística obligatoria, el arte, por lo tanto, oponerse a la realidad en la que el maestro no encuentra un nuevo ideal fundamental. De ahí la condicionalidad y la distracción de sus imágenes y soluciones pintorescas.
Al mismo tiempo, el arte de los hermanos Carrolgechi y Bolonia Academismo resultó ser más adecuado para ser puesto en el Servicio de ideología oficial, no es de extrañar en las esferas más altas (estatales y católicas), su trabajo recibió rápidamente el reconocimiento.
El trabajo más grande de Annibal Carragechi en el campo de la pintura monumental: la pintura de la galería Palazzo Farneza en Roma Frescos, contando sobre la vida de los dioses: sobre las parcelas de "metamorfosis" del antiguo poeta Ovidi Roman (1597-1604, Se realizó conjuntamente con su hermano y asistentes).
La pintura consta de paneles separados, que se encuentran en la gran composición central que representa el "triunfo de Vakha y Ariadne", lo que hace que el elemento de los oradores en un grupo pintoresco. Las figuras desnudas de los hombres colocadas entre estos paneles imitan la escultura, al estar al mismo tiempo actuando por los dolores. El resultado fue un impresionante producto a gran escala, espectacular hacia afuera, pero no unido por cualquier idea significativa, sin las cuales los conjuntos de renacimiento monumental eran impensables. En el futuro, estos principios karráticos incorporados son el deseo del dinamismo de la composición, los efectos ilusionistas y la decoratividad autodecorativa, será característica de toda la pintura monumental del siglo XVII.
Los motivos tomados en el arte del Renacimiento, Annibal Karratchi quiere llenar con vida, contenido moderno. Alienta a estudiar la naturaleza, en el primer período de creatividad, incluso atrae a la pintura de géneros. Pero, desde el punto de vista del Maestro, la naturaleza en sí es demasiado desgastada e imperfecta, por lo que debe mostrarse en el lienzo ya convertible, refinado de acuerdo con las normas de arte clásico. Por lo tanto, los motivos de vida específicos podrían existir en la composición solo sobre los derechos de un fragmento separado, diseñados para revivir la escena. Por ejemplo, en la imagen de los "Eartos de los frijoles" (1580), la actitud irónica del artista a lo que está sucediendo es que enfatiza la primitividad espiritual del campesino, los frijoles alimenticios con avidez; Las imágenes de figuras y artículos se simplifican deliberadamente. En el mismo espíritu, otros géneros de pinturas de un pintor joven son soportantes: "Butcher's Shop", "autorretrato con el Padre", "Caza" (todo - 1580S) - Adj., Fig. uno.
Muchas pinturas de Annibal Carrenci tienen temas religiosos. Pero la perfección fría de las formas las deja un poco de manifestación de sentimientos. Solo en casos raros, el artista crea obras de un plan diferente. Este "luto de Cristo" (aprox. 1605). En la Biblia narra, a medida que los Santos Admiradores de Cristo parecían adorar a su tumba, pero lo encontraron vacío. Desde el ángel sentado en el borde del sarcófago, aprendieron sobre su maravillosa resurrección y fueron felices y sorprendidos por este milagro. Pero la imagen y la emoción del texto antiguo no encuentran una respuesta especial de la carencia; Solo podía oponerse a los pulmones, revoloteando un ángel de la masividad y la estadística de las figuras de las mujeres. El sabor de las pinturas también es bastante capellinado, pero al mismo tiempo se caracteriza por la fuerza y \u200b\u200bla intensidad.
El grupo especial consiste en sus obras sobre temas mitológicos, en los que su pasión por los maestros de la escuela veneciana. En estas pinturas, glorificando la alegría del amor, la belleza del cuerpo femenino desnudo, Annibal se manifiesta como un colorista maravilloso, un artista vivo y poético.
Entre las mejores obras, Annibal Carrachchi, su trabajo de paisaje. Carragechi y sus estudiantes crearon sobre la base de las tradiciones del paisaje veneciano del siglo XVI el tipo de llamado paisaje clásico, o heroico. En la naturaleza, el artista también se transformó en un espíritu elevado artificialmente, pero sin patiados externos. Su trabajo fue puesto en una de las instrucciones más fructíferas en el desarrollo de la pintura del paisaje de esta era ("Egipto a Egipto", aprox. 1603), que luego encontró su continuación y desarrollo en el trabajo de los maestros de las generaciones posteriores, en particular, en Poussin.
Michelangelo Caravaggio (1573-1610).El pintor italiano más importante de este período fue Michelangelo Caravaggio, que se puede encontrar a los maestros más grandes del siglo XVII.
El nombre del artista proviene del título de la ciudad en el norte de Italia, en el que nació. Desde los once, ya había trabajado como aprendiz de uno de los pintores de Milán, y en 1590 fue a Roma, que a fines del siglo XVIII se convirtió en el centro de arte de toda Europa. Es aquí donde Caravaggio alcanzó el éxito y la gloria más significativos.
A diferencia de la mayoría de sus contemporáneos, que percibían solo un conjunto de valores estéticos más o menos familiares, Caravaggio logró abandonar las tradiciones del pasado y crear su propio estilo, profundamente individual. En parte, se convirtió en el resultado de su reacción negativa a los sellos de arte de la época.
Nunca pertenezca a una cierta escuela de arte, ya en las primeras obras se opuso a la expresividad individual del modelo, motivos domésticos ordinarios de idealización de imágenes y interpretación alegórica de la trama, inherentes al arte del manierismo y el academismo ("pequeño paciente VAKH" , "Jóvenes con una cesta de frutas", ambos 1593).
Aunque a primera vista puede parecer que se alejó de los cánones artísticos del Renacimiento, además, los dejaron, en realidad, el pathos de su arte realista apareció a su continuación interna que sentó los fundamentos del realismo del siglo XVII. Esto se explica por sus propias declaraciones con toda certeza. "Cada imagen, independientemente de lo que ella representa, y alguien fue escrito, - afirmó Karavaggio, - no es adecuado en ninguna parte si todas sus partes no se cumplan de la naturaleza; Este mentor no puede preferir nada ". En esta declaración de Caravaggio con su rectitud inherente y su categórica, todo el programa de su arte está encarnado.
El artista hizo una gran contribución a la formación de un género doméstico ("Schulers", 1596; "El niño, atado por un lagarto", 1594). Los héroes de la mayoría de las obras de Caravaggio son personas de la gente. Los encontró en una multitud de Motley Street, en calabacín barato y en las ruidosas ciudades de las ciudades, llevó a su taller como simular, prefiriendo este método de trabajo para estudiar las estatuas antiguas, esto es evidenciado por el primer biógrafo del artista D. Beloria. Sus personajes favoritos son soldados, jugadores en cartas, fortuna, músicos ("Gadalthack", "Butterist" (ambos - 1596); "músicos", 1593) - adj., Fig. 2. Es que "habitan" las pinturas de género de Caravaggio, en las que aprueba no es solo el derecho a existir, sino también el significado artístico de un motivo privado doméstico. Si en las primeras obras de pintura de Karavago, con toda su plasticidad y su persuasión, seguía siendo algo grosero, entonces en el futuro se deshace de este inconveniente. Las obras maduras del artista son los luchos monumentales con una fuerza dramática excepcional ("vocación del apóstol Mateo" y "Martirria del Apóstol Mateo" (ambos - 1599-1600); "Posición en el ataúd", "La muerte de María" (ambos - OK. 1605-1606)). Estos trabajos, aunque cerca del estilo de sus escenas de género temprano, pero ya están llenas de un drama interno especial.
La forma pintoresca de Caravaggio durante este período se basa en los poderosos contrastes de la luz y la sombra, la simplicidad expresiva de los gestos, el modelado energético de los volúmenes, la saturación de las recepciones de color que crean un estrés emocional que enfatiza la afectación aguda de los sentimientos. Por lo general, el artista representa varios formas tomadas de primer plano, cerca del espectador y escrito con toda la plasticidad, materialidad y precisión visible. Un papel importante en sus obras comienza a tocar el medio ambiente, el interior del hogar y la naturaleza muerta. Así es como, por ejemplo, en la imagen "La vocación de Matthew", el maestro muestra el fenómeno de la elevación-espiritual en el mundo "bajo" ordinario.
La trama de las obras se basa en una historia del Evangelio sobre cómo Cristo llamó al coleccionista de Mateo, despreciado por todos, para convertirse en su estudiante y seguidor. Los actores se representan sentados en la mesa en una habitación incómoda y vacía, y los personajes se presentan a tamaño completo, vestidos con disfraces modernos. El Cristo y el apóstol Peter, que vinieron a la habitación, y el apóstol Peter son causados \u200b\u200bpor la reacción diverso reunida, del asombro a la precaución. El flujo de luz, que se incluye en la sala oscura, organiza rítmicamente lo que está sucediendo, resaltando y atando sus elementos principales (la cara de Matthew, la mano y el perfil de Cristo). Cuidando figuras de la oscuridad y enfrentan bruscamente la luz brillante y la sombra profunda, el pintor da una sensación de tensión interna y emoción dramática. La escena domina el elemento de los sentimientos, las pasiones humanas. Para crear un ambiente emocional, Caravaggio utiliza magistralmente color y color saturado. Desafortunadamente, muchos de sus contemporáneos no entendieron el realismo severo de Caravaggio, los adherentes del "arte alto". Después de todo, incluso crear trabajos sobre temas mitológicos y religiosos (los más famosos de ellos, "descansan en el camino a Egipto", 1597), invariablemente se mantuvo fiel a los principios realistas de la pintura de su hogar, por lo que incluso las parcelas bíblicas más tradicionales. Recibió una interpretación psicológica íntima completamente diferente que no sea tradicional. Y la apelación a la naturaleza, que hizo el objeto directo de la imagen de sus obras, y la veracidad de su interpretación causó muchos ataques al artista por parte del clero y funcionarios.
Sin embargo, entre los artistas del siglo XVII, tal vez no fue, ni un solo significado, que de una forma u otra no habría experimentado el poderoso efecto del arte Caravaggio. Es cierto, la mayoría de los seguidores del Maestro que fueron llamados Karavagisti, solo sus técnicas externas se copiaron diligentemente, y sobre todo, su famosa luz contrastante, la intensidad y la materialidad de la pintura.
Pyter Paul Rubens, Diego Velásquez, Husepore de Ribera, Rembrandt Wang Rhine, Rembrandt van Rin, Georges de Latat y muchos otros artistas famosos se celebraron a través de los escalones. Es imposible imaginar el desarrollo posterior del realismo del siglo XVII sin el golpe de estado, que se hizo en la pintura europea Michelangelo Caravaggio.
Alessandro manyla (1667-1749).Su creatividad se asocia con una dirección romántica en el arte italiano del siglo XVII.
Nació un futuro artista en Génova. Primero estudió a su padre, luego, después de su muerte, en Milán de uno de los maestros locales, que la entrenó con técnicas técnicas de pintura veneciana y enseñó el arte del retrato. En el futuro, Manyla trabajó durante muchos años en Milán, Génova, Florencia, y solo en la pendiente de años, en 1735, finalmente regresó a su ciudad natal.
Este talentoso, pero el artista extremadamente contradictorio fue dotado de una personalidad extremadamente brillante. La creatividad de MAYA no es susceptible a ninguna clasificación: es profundamente religiosa, luego la blasfemia, en sus obras, se mostró por el decorador ordinario, luego un pintor con un alma temblorosa. Su arte está imbuido de una mayor emocionalidad, de pie al borde del misticismo y la exaltación.
La naturaleza de las primeras obras del artista, realizada durante su estadía en Milán, determinó las tradiciones de la Escuela Genaria de Pintura, que tuvieron lugar a pastoral. Pero ya tales obras, como unos pocos "vakhanals", "Banditov" (todos - 1710) - que representan figuras humanas rodantes contra el fondo de las majestuosas ruinas antiguas: llevan un cargo emocional completamente diferente, en lugar de pastorales serenos de sus predecesores. Se hacen en un esquema de color oscuro, un frotis dinámico racheado, testificando para la percepción de la paz en un aspecto dramático (adj., Fig. 3).
La atención del artista atrae a todas las escenas inusuales de los tribunales de la Inquisición, la tortura, que podía observar en Milán bajo el gobierno de España ("Tortura de la cámara"), Sermón en una sinagoga ("Sinagoga", final 1710-X- 1720-e), gitano de vida nómada ("Mesto Gypsy") y otros.
Parcelas favoritas Manya - Una variedad de episodios de la vida del monasterio ("Funerario de Monk", "Montañas MONDES", ambas - 1720s), Celi guardias y alquimistas, ruinas de edificios y paisajes nocturnos con figuras rosadas, mendigos, músicos callejeros, etc. Los personajes de sus obras son mafiosos, pescadores, ermitaños, gitanos, comediantes, soldados, bares ("paisajes con paisajes", 1720) - operan en un ambiente fantástico. Se representan contra el fondo de las ruinas sombrías, el mar furioso, el bosque salvaje, las duras gargantas. Moda dibuja sus figuras exageradamente alargadas, como si estuvieran erigiendo y en constante movimiento continuo; Sus siluetas curvas alargadas están subordinadas al ritmo nervioso del frotis. Las imágenes están permeadas por la trágica sensación de una nulidad de un hombre frente a las fuerzas ciegas de la naturaleza y la severidad de la realidad social.
La misma dinámica alarmante distingue sus bocetos de paisaje, con su subjetividad y emocionalidad subrayadas, pasando al fondo la transmisión de pinturas reales de la naturaleza ("paisaje marino", 1730; "paisaje de montaña", 1720s). En algunas obras posteriores del Maestro, la influencia de los paisajes del Salvatore italiano Rose, el artista francés-Manterista Jacques Callo. Esta cara cansada de la realidad y un un extraño mundo creado por la fantasía del artista, que sintió que todos los eventos trágicos y alegres que se producen a su alrededor siempre estarán presentes en sus obras, dándoles el carácter de la parábola, luego la escena del hogar.
Una manera pintoresca expresiva de manda en algo anticipó la búsqueda creativa de artistas del siglo XVIII. Escribe rabiado, trazos rápidos, usando la luz rodante, aburriendo los efectos inquietos de la iluminación, lo que le da a sus pinturas un boceto deliberado y, a veces, incluso la decoratividad. Al mismo tiempo, el sabor de sus obras está privado de colorido multicolor, generalmente el maestro se limita a una gama de marrón grisáceo o verdoso, sin embargo, a su manera bastante sofisticada y exquisita. Reconocido en la vida y los descendientes olvidados, esta peculiar artista ganó de nuevo popularidad solo a principios del siglo XX, cuando vi la prontitud del impresionismo e incluso el expresionismo.
Giuseppe Maria Kressee (1665-1747), Nativo de Bolonia, comenzó su pintoresca carrera con una copia diligente de pinturas y frescos de maestros famosos, incluidos sus campos hermanos Carracchechi. Más tarde viajó por el norte de Italia, conociéndole las obras de altos maestros de renacimiento, principalmente veneciano (Titiano y Veronés).
A principios del siglo XVIII. Los crecientes ya son bastante conocidos, en particular, con sus imágenes de altar. Pero el trabajo principal del período temprano de su trabajo es la pintura monumental del conteo del Palazzo Peplia (1691-1692) en Bolonia, los personajes mitológicos de los cuales (dioses, héroes, ninfas) en sus interpretaciones se parecen a la Tierra de la Rareza, Lively y convincente, a diferencia de las imágenes barrocas perturbadas tradicionales.
Cescentes trabajaron en varios géneros. Escribió imágenes sobre parcelas mitológicas, religiosas y familiares, creó retratos y vidas aún, y en cada uno de estos géneros tradicionales trajo una nueva y sincera visión del mundo moderno. El compromiso del artista con la naturaleza, mostrando con precisión la realidad circundante, entró en una contradicción irreconciliable con los drenajes, se convirtió en un freno del desarrollo del arte por las tradiciones del Academismo de Bolonia. Por lo tanto, a través de toda su creatividad, el hilo rojo pasa la lucha definitiva contra las convenciones de la pintura académica para la celebración del arte realista.
A principios de la década de 1700. Cescentes se mueve de escenas mitológicas a la imagen de las parcelas de la vida campesina, tratándolos primero en el espíritu de pastoral, y luego dándoles una naturaleza cada vez más convincente de la pintura doméstica. Uno de los primeros entre los artistas del siglo XVIII, comenzó a retratar la vida de la gente común: laundoral, la lavaplatos, cocinar, así como los episodios de la vida campesina.
El deseo de dar sus pinturas Una gran confiabilidad hace que sea referirse a la recepción de la luz "bodega" de Caravaggio, una fuerte iluminación de una parte del espacio oscuro del interior, de modo que las figuras adquieren claridad plástica. La simplicidad y la sinceridad de la narrativa se complementan con una imagen interior del artículo de las personas en el interior, que siempre se descargan en la cruz con una gran habilidad pintoresca ("escena en la bodega"; "Familia campesina").
El mayor logro de la pintura doméstica de ese tiempo fue su tela "Feria en Podzhio-a-Kaiyan" (aprox. 1708) y "Feria" (aprox. 1709) que representa escenas populares concurridas.
Mostraron el interés del artista en la carta de Jacques Callo, así como a su tendencia estrecha con el trabajo de los maestros holandeses de la pintura del género del siglo XVII. Pero las imágenes de los campesinos en Kressev están privados de la ironía de CALLO, y él no puede poder caracterizar maestremente el miércoles, como lo hizo el género holandés. Las figuras y objetos del primer plan se escriben con más detalle con más detalle que el resto, recuerda a MAÑA MANA. Sin embargo, las creaciones del pintor genovés, realizado en la manera de Bravura, siempre contienen un elemento de ficción. Kresses buscó una historia exhaustiva y precisa sobre una escena colorida y divertida. Distribuyendo claramente la luz y la sombra, le da a sus figuras con la concretividad de la vida, superando gradualmente las tradiciones del género pastoral.
El trabajo más importante de un maestro maduro fue una serie de siete "siete sacramentos" (1710), el mayor logro de la pintura barroca del comienzo del siglo XVIII (Adj., Fig. 4). Esto es completamente nuevo en el espíritu del trabajo, en el que la salida de la interpretación abstracta tradicional de escenas religiosas.
Todas las pinturas ("confesión", "bautismo", "matrimonio", "comunión", "sacerdocio", "miropomanazing", "correspondencia") escrito en Rembrandt Tonalidad cálida de color marrón rojizo. La recepción de la luz afilada introduce una cierta nota emocional en la narración de los sacramentos. La paleta de colores del artista es bastante monocromática, pero al mismo tiempo sorprendentemente rica en varios tonos y desbordamientos de flores combinadas con suaves, a veces luminosas de la luz interior. Esto le da a todos los episodios representados de la sombra de la misteriosa intimidad de lo que está sucediendo y, al mismo tiempo, enfatiza el concurso, buscando decir lo más significativo para cada persona de la época de las particiones de ser, que se presentan en la forma. de escenas de la realidad real, adquiriendo el carácter de un tipo de parábola. Además, esta historia se distingue a la edacidad barroca doodáctica, peculiar y secular.
Casi todo lo que fue escrito por el Maestro después de eso, representa una imagen de la desvanecimiento gradual de su talento. Cada vez más, utiliza en sus pinturas los sellos con sobrecargo, esquemas compuestos, posturas académicas, que previamente evitadas. No es sorprendente que poco después de su muerte se olvidó rápidamente la creatividad del viaje.
Como maestro brillante y distintivo, se abrió solo en el siglo XX. Pero en términos de su amabilidad, profundidad y saturación emocional, la pintura de Kresses, el arte final del siglo XVII, es inferior en sus mejores manifestaciones, quizás solo Caravaggio, cuya creatividad es tan brillantemente e innovadores comenzó el arte italiano de esta era. .
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TADDEO DI BARTOLO TADDEO DI BARTOLO
Nacido alrededor de 1362 en Siena (?), Murió en 1422 allí. SIENSKAYA SCHOOL. Tal vez estudió en Jacomo di Mino de Pelicala; Experimentó la influencia de Andrea Banny y especialmente Barbolo DI. Trabajó en Siena, San Jiñano, Génova, Pisa, Perugia, Volterre.
San Pablo
Árbol, TEMPEA 22.5x17.5. GE 9753. Parte del límite. En el libro en las manos de la calle PAUL: AD ROMA / NOS (A ROMANES).
"S t. Paul "fue listado por el trabajo de un artista de Siensky desconocido del siglo XIV, mientras que M. Laklot (oralmente) no lo atribuyó, de manera bastante convincente, Taddeo di Bartolo.
En un pequeño fragmento, una solución plana de formas, combinada con un sabor saturado manifiesta la placa. El artista, de color fino, compara el impermeable rojo, bordado a lo largo del borde del adorno de oro, con una barba rojiza y un cabello de Pavla, con una superficie de espada fría.
Cerrar una analogía de la imagen de la ermita es un límite de las columnas. X. L. Moisés en Nueva York (Juego: Berenson 1968, Pi. 477).
El límite de Nueva York incluye cinco figuras, de las cuales están especialmente cerca de St. Pablo, que está en el centro, y la figura de St. Andrei. De manera similar, cabezas de posición, dibujo ocular, cejas, boca, arrugas en la frente. Los mismos adornos en el borde del impermeable y el Nimbi. Origen: Post, en 1954 del Departamento de East GE. Anteriormente: Contras. Suposición.
En las guías y catálogos de la ermita de la mitad del siglo XIX. No se mencionan las obras anteriores al Renacimiento. No es de extrañar en 1859, A. I. Somov, señaló: "La antigua escuela florentina, la Rhodonacham de todas las escuelas locales de Italia, no existe en nuestra ermita".
Madonna de la escena "Anunciación"
Árbol, TEMPEA 122 × 41. GE 5521. Pareja a GE 5522. La parte superior está redondeada.
Abajo en la firma del pedestal: LVCE OPVS
Ángel de la escena "Anunciación"
Árbol, TEMPEA 122 × 41. GE 5522. Pareja a G'e 5521. La parte superior está redondeada.
Echmangelie de Luke, I, 26-38.
Aparentemente, las pinturas eran solapas triptgrafías. Esta conclusión se puede hacer sobre la base de la composición: en comparación, la faja no coincide en una solución prometedora, se supone que suponga así la presencia de un enlace de conexión, es decir, la parte central del altar.
Cuando llega la foto, el trabajo de un artista italiano desconocido.
Siglo xv Luego, la firma trató de descifrar como el nombre del maestro Lombard Luke Chiverkio. Ahora, la atribución existente fue realizada por VSEVolozhskaya (1972) sobre la base de una similitud estilística con tales obras de Luke Baudo, como "adoración de bebé" (Museo de la Ciudad, Savona), "Navidad de Cristo" (Museo de Polonia Petzoli, Milán). "La Navidad de Cristo" está fechada 1501 y se proporciona con la misma firma corta que la soldadura de ermita. Un artista disfrutó de tal firma en el último período de creatividad. Por analogía con la pintura de Milán, las obras de ermita también se pueden fechar 1500-1501.
Origen: Post, en 1925 de Shuvalovsky Palace-Museum en Leningrado. Anteriormente: Contras. Gráficos de Shuvalov en San Petersburgo.
Así que no fue solo con Florentine, sino también con otras escuelas italianas. Fue explicado por el hecho de que antes del comienzo del siglo XX, es decir, a lo largo de la existencia de 150 años del museo, el liderazgo oficial casi no mostró interés a las llamadas "primitivas".
El término "primitivos" se consume en relación con las primeras obras de pintura italiana. La definición es condicional y no exitosa; En este caso, no significa elementalidad, simplicidad. Más bien, es necesario recurrir a otro valor de la palabra italiana, la raíz, la inicial. Luego, se queda claro que es necesario tener en cuenta que la base, aquellos orígenes de donde surgió gradualmente el arte del Renacimiento.
La ermita tiene primitivos principalmente gracias a los coleccionistas rusos, especialmente las colecciones de Stroganov - Pavel Sergeevich y Gregory Sergeevich. El amor de los hermanos al arte fue hereditario: su antepasado A. S. Stroganov, los clientes y un coleccionista apasionado, ayudó a Catherine II a reclutar la ermita.
G1. S. Stroganov aún a mediados del siglo pasado fue arrastrado por las obras de renacimiento temprano. Describiendo su reunión en San Petersburgo, director del Museo de Berlín, el profesor G. F. Wengen destacó que P. S. Stroganov "pertenece a la cantidad de coleccionistas raros que ... aprecian el contenido espiritual de las pinturas por los siglos XIV y XV". Después de la muerte
P. S. STROGANOVA En 1912, la ermita se transfirió a la "adoración del bebé" de Filipinas "Lippi, que ocupa un lugar digno de la exposición permanente del arte italiano.
La reunión de S. Stroganova estaba en Roma, donde vivió durante muchos años. El grigory Sergeevich entendió perfectamente en la pintura: él mismo determinó al autor "Madonna de la escena" Anunciación ", llamando al nombre Simon Martini. Este díptico de la faja, así como el reliquitario Frand Angeliko, se presentaron con la ermita en 1911 por los herederos de G. S. Stroganov, quienes sugirieron hacer que un museo le perteneciera más.
En 1910, la formación de una pequeña sección de primitivas se facilitó por el hecho de que algunas imágenes se pasaron del Museo Ruso a Hermitage, compradas por la iniciativa del Príncipe Gagarin en los años 60. Siglo xix Para el museo en la Academia de Artes de San Petersburgo. Ahora ya era posible decir: "En el VI Hall, ... Tres o cuatro primitivas, de las cuales un tipo de JOTTO, realmente maravilloso ... Esta era de la pintura italiana no se presentó en absoluto ... a partir de ahora "Los maestros que leen la historia de las artes por nuestras muestras pueden comenzar, ella no está con Beato Angeliko, sino de la aparición de la pintura italiana".
San Jacob Jr.
Árbol, aceite. 68.7x43. GE 4109. Parte del poléféptico.
En el NIMBE: SANGTVS IACOBVS es una imagen de la pintura en el recuento recolectado G. S. Stroganov, Wagen (1864), describiéndolo, llamado Jacob Senior representado. Sin embargo, no tiene uno de los principales atributos del Senior Jacob, el fregadero, el símbolo de peregrino. Más bien, Jacob Jr., que fue comparado por el tipo por Cristo; Eso es él y un panorama de la ermita. Atributos: personal y libro - Típico de Jacob Younger.
WAGEN (1864) escribió que no se conocía.
artista Niccolo Orvietanne: bajo este nombre, la imagen se enumera en el gato. G. S. STROGANOVA - Y agregó que la transferencia de Nunkarnat se asemeja a Niccolo Aluno. El investigador alemán notó el talento del autor "SV. Jacob "y como dibujante y como colorista.
Hark (1896) atribuyó una imagen de Burgówon y lo atribuyó a la etapa tardía del trabajo del Maestro. Creía que el nombre de los NPCCO Ornes podría ser el nombre del cliente, no al artista.
Una atribución de Burgreon se confirma en comparación con tales pinturas del Maestro como "St. Elizabeth con St. Francis "y" St. Peter Martyr con St. Christofore "(Ambrosparan, Milán). Tipo de SV. Jacob es el mismo. Que en camino Francis, y el pelo rizado y el adorno a lo largo del borde de la capa se repiten en la imagen de St. Christopher. La faja de ermita se puede fechar bien. 1500. Origen: Post, en 1922 PZ Stroganovsky Palace-Museum en Petrograd. Anteriormente: Contras. Cuenta G. S. Stroganova en San Petersburgo. Catálogos de Hermitage: Gato. 1958. Con. 69; Gato. 1976, p. 76.
Coronando mary
Árbol, TEMPEA 120x75. GE 6662.
La trama se remonta a la "leyenda de oro" de Jacopo Sí Voradzhin (aproximadamente 1230-1298). El Merip de la escena de Corona aparece en el arte italiano en 1270/80 y se convierte en un tema favorito del siglo XIV de la pintura veneciana. Se desarrolló un cierto esquema de composición: Cristo y María apretar en el trono, seguido del cielo y los ángeles. Todo esto está en la imagen de la ermita, donde, sin embargo, Cristo está representada sin una corona (rara vez se encuentra motivo), pero con un cetro en sus manos. Coronando a Madonna simultáneamente percibido y como una glorificación de la misma. El gesto de la oración de Mary trae el tema de la intercesión a la escena.
La imagen entró en la ermita como una obra de un artista italiano desconocido XIV. En gato. 1958 y 1976 entraron en el trabajo de Katerino Venetciano (?). Pallukkini (1964) admitió que "Coronación de Madonna" puede referirse a la etapa temprana de las actividades de Donato, que siguen imitando a Paolo Venetgano.
La imagen de Hermitage está estilísticamente cercana a las obras realizadas por Katerino ("Coronación de María", Academia, Venecia; "Coronación de María", Tríptico, Academia, Venecia) y aquellos que fueron creados junto con Donato ("Coronación de María", Galera Kuerntp - Stampalia, Venecia). Sin embargo, los tipos de personas (especialmente los ángeles), más altamente marcados por la tradición bizantina, se ven obligados a asumir que el trabajo puede preferirse más cerca de las obras de Katerino Venetziano.
Origen: Post, en 1923 de los directorios de tiempo de la ermita: gato. 1958, p. 109; Gato. 1976, p. 101.
Los fundadores del humanismo, dejando las raíces en el siglo XIII, fueron Francesco Petrack (1304-1374) y Giovanni Boccaccio (1313-1375). Confiando en la antigüedad, la nueva cosmovisión ha pagado sus ojos por persona. Así, el humanismo se opuso a la relación de la Iglesia-Bogoslovsky con el mundo. Sin embargo, para el siglo XIV. Se caracteriza por una cierta brecha entre el pensamiento humanista y el arte que aún no se ha hecho secular. Aquí, el humanismo obtendrá frutos solo con el inicio del renacimiento temprano (siglo XV).
XIV. Pasó bajo el signo de la lucha de las ciudades contra los feudalistas; Son las ciudades las que se convirtieron en los focos de una nueva cultura. En una Italia fragmentada, se mantuvo a lo largo de la historia de los siglos de antigüedad (hasta la mitad del siglo XIX), en el período de Tryto5, un papel principal en la esfera política y económica de la cultura pertenecía a Florencia.
El padre de la pintura europea occidental a menudo se conoce como JOTTO (1267-1337). A veces, en comparación con su trabajo, consideramos que cualquier pintor florentino del siglo XIV, a veces estos maestros se llaman generalmente "jottistas", aunque la influencia de uno, incluso el genio, el artista no puede volverse decisivo durante un siglo entero. Pero es difícil sobreestimar la innovación de JOTTO, que se rompió resueltamente con la arbitrariedad de las conexiones y la convención del lugar de acción de la pintura bizantina. Entre las obras de JOTTO y el espectador hay nuevas relaciones que no sean el período de arte anterior, cuando el icono, el mosaico o el fresco concluyeron la idea de magnitud, la incomprensión de la deidad y, por lo tanto, la realización figurativa existía de acuerdo con sus propias leyes. , no basado en realidades específicas.
JOTTO logró primero dar historias religiosas a la condena por la vida. En sus pinturas lacacionales creadas en Florencia, Padua, asís de la narrativa, la narrativa no se desarrolló en el avión, sino en la profundidad, y las caras de actuación de las tristezas o se regocijan como mortales ordinarios. Tal pintura no podía sacudir a los contemporáneos.
Después de JOTTO, fue posible completar nuevos detalles y desarrollar las decisiones que se les ofrecen, retirarse de su búsqueda, para encontrar el olvido en retrospectivos góticos, ya que sucede al borde de los siglos XIV-XV, pero era imposible cambiarlo. La línea más grande de desarrollo de la pintura.
JOTTO Principalmente monumentalista, es extremadamente pequeño. Solo unos pocos museos del mundo pueden estar orgullosos de su posesión. Ermita, desafortunadamente, no pertenece a este número.
En nuestro museo, se presenta pintura florentina, a partir de la mitad del siglo XIV. Este es el momento en que, después de una serie de catástrofes con experiencia, la crisis económica, los levantamientos, la terrible epidemia de la plaga de 1348.- La reevaluación de los valores ocurre: el aumento de la religiosidad dictó un retorno al "ícono". La humanidad de Jottov por un tiempo reiteró el lugar de la solemnidad distraída y la rigidez de los santos, en la que los maestros buscaban enfatizar la importancia y la alta posición jerárquica ocupada por ellos en las esferas celestiales. No hay maestría florenora del siglo XIV. No puede ser comparable desde DIA OTTO. Solo un nuevo reformista Mazacho (1401-1428) aparecerá al comienzo del Quatropento (1401-1428), uno de los fundadores del Renacimiento temprano. Y cuanto más resueltamente el golpe que sucedió a la vuelta de los dos siglos, XIV y XV, si recuerdas eso, junto con la pintura, Mazacho existió el estilo de la gótica internacional, refinada y sofisticada, que vino de los Caballeros del Norte del Norte Europa, que en una ciudad con este artista continuó trabajando los últimos seguidores de JOTTO, y un maestro como Bichci di Lorenzo (1373-1452), Mazach, muy reforzado. Como si ella no notara los turnos que ocurrieron en arte florentino, aún compatibles con las figuras planas de las elegantes aplicaciones santidas contra el fondo de las telas de Richat.
Para toda la independencia de la escuela florentina, ella misma admiró los impulsos de otros centros de arte, y se convirtió en la fuente de exposición.
Crucifixión con maria y john
Árbol, TEMPEA 62x31. GE 277. En el marco gótico.
"Crucifixión" se refiere a un número relativamente pequeño de obras del artista, hecha con cuidado en miniatura. A pesar de que las cifras se presentan en un fondo de oro, el Pietro se logra por su ubicación de una cierta profundidad de espacio. La composición concisa se interpreta emocionalmente en la transferencia de tristeza profunda, pero restringido de María y Juan. Un poco común para salir con un artista con pintura Jotto sintió en cierta masividad de las figuras.
Por encima del crucifijo, en una finalización triangular, se representa un pelícano, alimentando a los pollitos con su sangre, un símbolo de la víctima redentora de Cristo (ver: Reau L. Iconographie de 1'art Chretien. París, 1955, 1, pág. 95, 1, p. 95 ).
La imagen entró en la ermita como un trabajo de un siglo XIV de artista de Siensky desconocido, en gato. 1912-1916 incluido con la misma atribución, en gato. 1958 - Escuela Ambrogo Lorentzetti. La autoría de Pietro Lorentzetti fue establecida por Vsevolozhskaya (1981) sobre la base de una comparación estilística con la hoja derecha de Tríptico (Museo, Dijon) y la crucifixión de Pietro (Polonia Petzol Museum, Milán). "Crucifixión con María, John y Maria Magdalina" (National Pinakotek, Siena, Inv. No. 147, 82 × 42.5) sobre la composición, las proporciones son una analogía cercana a la imagen de la ermita; La figura de un Cristo crucificado se repite en ambos casos casi sin cambios. En gato. 1976 "Crucifix" por analogía con el altar de Dijon con fecha de 1335-1340. Sobre la base de la comparación con el "Crucifijo" del National Pinakotek en Siena, parece más convincente a salir con la imagen del Hermitage de la segunda mitad de la década de la 1320 (ver: Mostra di Opere d'Arte Restaurateate Nelle Province di Siena e Grosetto. Genova, 1981, p. 47).
Origen: Post, en 1910 del tiempo. Anteriormente: Max en San Petersburgo, adquirido por AH ViceZidite Prince G. Gagarin, catálogos de Hermitage: Gato. 1912-1916, No. 1944; Gato. 1958. Con. 123; Gato. 1976, p. 106 LITERATURA: VSEVOLOZHSKAYA 1981, № 3
Las relaciones cercanas existían entre Florencia y la segunda ciudad principal de Toscana - Siena. En cierto sentido, estas dos escuelas con antípodas. En Florencia, con su constante deseo de libertades democráticas, el arte monumental, hablando por el idioma, simple y claro, el interés en el espacio prevaleció aquí. En las condiciones del marinero aristocrático, las pinturas monumentales preferían la maquinaria preferida, buscaban elegancia, decoratividad, armonía de color. Syen Encendedor Florencia digetó las lecciones góticas.
El mayor maestro de la Escuela Siena de la primera mitad del XIV V.- Simon Martini (alrededor de 1284-1344) en su temperamento fue una letra penetrante en la pintura. Al igual que nadie más, Simone logró hacer una línea de transmisión a la transmisión no solo formas, sino también de sentimiento. En las obras de Martini, el color está marcado por la riqueza de combinaciones finamente seleccionadas de un festivo generalmente visto.
La exposición muestra la detención de dípticos con la imagen de Madonna de la escena "Anunciación" Simone. Según V. N. LAZAREV, ".. Este es un icono precioso, que es una de las perlas de la Asamblea de Hermitage. La pureza de su sonido lírico y en los cantantes de sus líneas solo se puede combinar con los mejores sonetos de Petrarca ".
Junto con Simon Martini, los hermanos Lorenzetti, Pietro (trabajados con 1306-1348) y Amrajo (USS. 1321-1348) desempeñaron un papel destacado en el desarrollo de la pintura de Siensky. Tal vez ambos se convirtieron en víctimas de "muerte negra", que tomaron más de la mitad de los habitantes de la Toscana. Existe la suposición de que los hermanos encabezaron el gran taller cuyas obras fueron ampliamente fama en Siena. Confiando en los logros de los florentinos, Lorentzetti envió la atención sobre la expansión prometedora del espacio, a la forma exacta de expresar pensamientos en imágenes artísticas; Ambos distinguieron la capacidad de liderar una historia lírica, crear una historia fascinante basada en impresiones de la vida circundante. Vale la pena señalar que Ambrodzho demostró en la "alegoría de la buena junta", uno de los famosos frescos en el Palazzo Pubblelo, no tan frecuente para los pintores de ese tiempo interés en la antigüedad.
En la segunda mitad de Kreteneo, Siena no presentó un solo artista de Simone Martini o Lorentzetti Brothers. Durante este período, el NCCCO DI SOSCHSTSO (1340-1360-E) funcionó, cuya creatividad se "descubrió" solo en los años 30. de nuestro siglo. Las obras de este maestro son un poco, y lo más importante es que las Fundaciones de Hermitage son relativamente descubiertas por Madonna con un bebé "El trabajo de Piccolo. Después de haber experimentado la influencia de Martini y Lorentzetti, S. SOTSZO, sin duda, tenía contactos con la cultura florentina, lo que confirma la cosa en nuestra reunión. En ella, la plasticidad, la composición de equilibrio, la monumentalidad de las figuras se combinan orgánicamente con una gama de colores puramente vista, suave y brillante.
Uno de los primeros representantes de la Gótica Internacional en Siena - Bartolo di Fredi (trabajó con 1353-1410), Wekovodil, trabajó activamente en el taller. Describiendo las peculiaridades de este estilo paneuropeo de la aldea de dos siglos, A. ershi escribió: "El anhelo de la nobleza se reflejó en el pasado no solo en el tema de las pinturas ordenadas, sino también en el estilo de la pintura, porque Fui resucitado ya en el declive de gótico. Las artes esperaban la alabanza de la percepción romántica (en el sentido inicial de la palabra) de la vida que enfrenta el pasado, a las novelas caballerescas; Esperó la compensación, la remuneración por perderse en la posición de la vida real, y a menudo llevó a exageraciones desenfrenadas. Como resultado, el culto de la increíble lujo, la idealización, la realidad distorsionada conscientemente, y un lenguaje estilizado, es decir, todo lo que caracteriza al gótico internacional ".
Madonna con un bebé; Cuatro santos
Árbol, TEMPEA 40x16. GE 6665, sala de vapor a GE 6666.
Soldadura de diptych izquierda.
En el pergamino en las manos de Juan una inscripción de Half clasificación: EC1 / VOX / .. .NA / TI. / ES / RT.S (/ SE / Aplasión del ojo en el desierto). Evangelio de Mateo, 3, 3.
Crucifijo; Cuatro santos
Árbol, TEMPEA 40 × 16. GE 6666, sala de vapor a GE 6665.
Detección derecha de díptico.
Entre los santos, a la izquierda, la dedicación de Diptych puede ser identificada por el SV. Nikolay, St. Christopher, Juan el Bautista. A la derecha - St. Francisco y San Elena.
Likhachev (1911) consideró el trabajo italiano de Diptych del siglo XIV, Talbot Ricce (1940) - El trabajo de la Escuela de Venecia del siglo XIII, Lazarev (1954, 1965) se atribuyó al grupo de monumentos, "ocupando un lugar separado en La pintura veneciana de la primera mitad del siglo XIV ". Y lo conectó con obras de maestros, el punto inicial de la creatividad de la cual fue la pintura en miniatura. En DIPTYJA, las características bizantinas están conectadas (el tipo de Madonna con el bebé que juega en sus manos, el diseño en línea de las figuras) con el gótico (el alargamiento de las proporciones). Lazarev trajo el espíritu hermético con los iconos con escenas de la vida de Cristo: una de ellas se almacena en el Museo de la Ciudad de Trieste, el otro en el Museo Estatal de Arte Occidental y Oriental en Kiev.
Pallukkini (1964), convencionalmente llamado el artista "Master of the Leningrad Diptych", no vio la conexión entre el trabajo de ermita y el ícono de Trieste, pero acordó que Diptych se creó en una cama con una imagen de Kiev, así como Tríptico del museo arqueológico en Speed \u200b\u200bSummer.
En gato. 1958 y 1976 Diptych fue listado por el trabajo de un artista desconocido del siglo Rimini XIII.
Origen: Post, en 1923 desde el momento. Anteriormente: Contras. N. P. Likhacheva en San Petersburgo.
Catálogos de Hermitage: Gato. 1958, p. 141; Gato. 1976, p. 116.
Un ejemplo típico de Gótico Internacional en la Exposición sirve como Polyptypes, realizado, posiblemente en los alrededores más cercanos de uno de los adeptos más importantes de este estilo, Gentile da Fabryano (aproximadamente 1370-1427), quien trabajó en diferentes centros de Italia. La fragilidad frágil de los contornos destaca la forma de cinco santos elegantes sofisticados en el fondo brillante, y el color gamma del altar es una magnífica sorpresa de combinaciones de colores.
Después de las actividades de JOTTO, la tradición bizantina se convirtió en uno de los términos más conservadores Kreitto. Pero fue ella quien obstinó obstinadamente el siglo XIV de la pintura veneciana.
La rica República Patricia, la "Pearl of Adriatic", gracias a las rutas comerciales conectadas al oeste con el este. Sus contactos constantes con Bizancio llevaron al hecho de que la estética de la pintura bizantina Venecia percibió de manera fácil y orgánica, como algo, y no traído desde el exterior. Los maestros griegos estaban trabajando constantemente en la ciudad, en particular, trabajaron principalmente en las decoraciones de mosaico de la Catedral de San Marco.
Entre los artistas venecianos, la herencia bizantina de Paolo Venetciano fue interpretada creativamente (trabajó 1333-1358). Tal vez algunos de los seguidores de Paolo son hechos por los "Patrones de Cristo en el templo de Jerusalén". Si comparas este fragmento con las obras de la escuela Florentine y Sienskaya, se siente tan lejos como estamos inmersos en imágenes y vistas medievales. Este es el trabajo, en nuestra opinión, sirve como una ilustración visual en la característica exacta del pensamiento medieval M. Dvorakik. Así que la encarnación de la "no misericordia del pensamiento divino" está en la imagen de los patrones de Cristo que Katzheno en su relación con las personas que los rodean y la construcción del templo, bebiendo esta proporción, entiendes que es Cristo que Está en todo todo, sin todo en todo ".
Tal encarnación de la incomprensión del pensamiento divino está en los patrones de cine de Cristo, que se expresa en su relación con las personas que los rodean y el edificio del templo. Evaluando esta relación, entiende que es Cristo lo que se necesita para todos, bajo todo, más allá de todo, en todo.
La expresión del icono de la ermita se agradeció en la literatura histórica de arte: "Actualmente no conozco otro trabajo, que podría compararse con una pequeña tabla, la única parte del poléféptico conservado con la imagen de Cristo entre los hombres sabios, Almacenado en las reservas de la ermita: un fragmento único en especie de fuerza expresiva, casi Chimabuevskaya, "escribió R. Pallukkini.
Cuando se familiardezca con las obras de la escuela veneciana, expuesta a la exposición, y todos ellos se refieren principalmente a la segunda mitad, el comienzo de los siglos XV, entonces se sorprenderá de la rapidez con que el final del XV - El comienzo de los siglos XVI: Venecia atrapada, y de muchas maneras y, por delante de la mejor escuela de Quatrocheto - Florencia.
Obviamente, en la actualidad, las peculiaridades y la importancia de la Escuela de PISA de la pintura del siglo XIV aún no están completamente identificadas. Sigue existiendo que el PISA está en este momento al arte de otras ciudades. Pero el principal florecimiento de la pintura de PISA sobrevivió en el siglo XIII anterior. Es por este período que uno de los primeros monumentos de la exposición es una cruz que representa el "Crucifijo" de Ugolino di Tedich (trabajó en el segundo piso. Siglo XIII). Esta cruz confirma que, sobre la base de la Toscana PPZU absorbida y transformó la envoltura de las formas bizantinas.
El comienzo del Renacimiento temprano está bastante asociado con un apoyo discretado por maestros italianos en arte antiguo. Pero lejos de una antigüedad fue la fuente de avivamiento. Sin preparación viajada en el siglo XIV, el surgimiento de un nuevo sistema de pensamiento, el nuevo arte sería imposible. El renacimiento absorbido no solo la antigüedad, sino también el naturalismo de la pintura gótica y las tradiciones de la pintura bizantina. No importa cómo el bizancio transformó varias formas, la "figura de un hombre que estaba en el centro de interés de los artistas antiguos permaneció por los bizantinos, el tema principal de la imagen".
Aunque TreTeno no era "inepto", como apareció Vazarn. Se suponía que Italia pasaba por este siglo para abrir una nueva página en la historia del arte, que se asocia con nosotros con los más altos logros del genio humano.
Esta exposición no se pudo realizar sin el enorme trabajo realizado por los restaurantes de Hermitage. Uso el caso para expresarlos todos, especialmente T. D. Chizova, su profundo aprecio. Ellos, eliminando registros antiguos y barniz multicapa, devolvieron las imágenes allí. Donde fue posible, la frescura prístina y brillo de las pinturas.
Foppa, Vincenzo Foppa, Vincenzo
Nacido en Bresche alrededor de 1430, murió en 1515/16 en Milán. Escuela Lombard. Probó la influencia de Donat de'Bardi, Mantenía, Bellini, Bramte. Trabajó en Pavia, Bresche, Bergamo, Milán.
San Esteban
Árbol, TEMPEA 89 × 34. GE 7772, sala de vapor a GE 7773.
Polyptych Sash.
En el Nimbe: Sancvs Stefanvs Promar-Tirvs.
Archangel Michael
Árbol, TEMPEA 91 × \u200b\u200b34. GE 7773, sala de vapor a GE 7772.
Polyptych Sash.
En el ágil: sanctvs mich .. .gelvs tráfico. ..
La faja de Polptich pertenece a la etapa temprana de las actividades del FOPP, uno de los mayores representantes de la Escuela Lombard durante su transición de Gótico hasta el Arte del Renacimiento. En este trabajo, el artista intentó conectar las lecciones tradicionales del arte lombardo con las tendencias avanzadas de la pintura de los Países Bajos. En la relación iconográfica, las cifras tranquilas de los santos se ajustan fácilmente al esquema habitual, mientras que el problema de la luz percibió fresco y directamente. Con el interés peculiar de los Países Bajos, el FOPPA transmite el juego de luz en la armadura de metal de Arcángel Mikhail, y su suave deslizamiento en los sharp pliegues de Dalmatics St. Stephen.
A medida que el médico demostró (1986), la hoja de la ermita era parte del mismo poléfético que dos tableros con la imagen de Juan el Bautista y San Dominica de la Asamblea Privada en Bérgamo. Los tamaños de fragmentos son los mismos distritos dorados. Es especialmente significativo que el bajo parapeto, que cuesta a cada santo, se encuentra en un nivel. El artista parece implicar un solo espacio para todas las figuras. Obviamente, en el centro de Polpttich fue Madonna con un bebé, que dice Juan el Bautista.
El médico llama como un prototipo para la forma de St. Stephen "St. Stephen »Donato de'Bardi (Cycon Chicken Mozzoni, Milán, Jugar: Zeri F. Diari di Lavoro 2. Torino, 1976, Fig. 41).
El médico data de todas las aletas de aproximadamente 1462 y las notas correctas en ellas, la combinación de una tradición portondida con las tendencias holandesas, percibida por el joven FOPP debido al estudio de las muestras de Donat de'Bardi.
La faja entró en la ermita como una obra de un siglo XV de artista lombardo desconocido, ¡entonces el trabajo comenzó a ser considerado! Biggon Circle. En gato. 1958 y 1976 se incluyen como las obras de la escuela FPPA. Esta atribución fue hecha por VSEVolozhskaya (1981) sobre la base de la comparación con Polptich di Santa Maria della Grazia (Brera, Milán, Inv. No. 307) y "St. Catherine y St. Agnes "(Galería de arte de Walters, Baltimore, Inv. No. 37.706). Vsevolozhskaya primero llamó la atención sobre la similitud entre los Hedgetes y Santo Dominica "desde la columuría privada. en bergamo.
Origen: Post, en 1921 a través del GMF. Anteriormente: Contras. N. K. Roerich en San Petersburgo; Catedral Coronel Mojardini en Florencia (de acuerdo con la inscripción previamente existente en la facturación de una de las solapas).
Catálogos de Hermitage: Gato. 1958, p. 203; Gato. 1976, p. 146.
Literatura: Vsevolozhskaya 1981, No. 33. 34; Medica M. Quattro Tavole por PolitTico di Vincenzo Foppa.- Paragone, 1986, 431-433, p. 12-14
Fungai, Bernardino Fungai, Bernardino
Nacido en 1460 en Siena, murió en 1516 allí. SIENSKAYA SCHOOL. Estudió en Giovanni di Paolo, experimentó la influencia de Francesco di Georgho, Pietro di Domenico, Perugino, Signórelos. Trabajó principalmente en Siena.
GRANDE GANADOR SCYPION AFRICANO
Árbol, aceite, tempera. 62x166. GE 267. Tablero de Casson.
Bajo las figuras de los nombres de los actores: Sponsvs; Lvceivs; Escipión; LVCEI FILIA. Sobre la figura: Lelivs.
La parcela se toma prestada de la "historia romana" de Tita Libia. Según Libia, comandante comandante! Cornelius SciPion (235-185 aC), llamado africano, después de tomar un nuevo Carthagen, devolvió a la niña cautiva a su prometida alianza, y el rescate sugerido por sus padres por hija entregó todos los regalos de boda.
Tras la tradición que se estableció en la pintura de la Kasson (cofres para el almacenamiento de dote), Fungai combinó tres episodios diferentes en una escena. En el centro de Szipixión, african devuelve a la novia al novio, a la izquierda de las cabezas de allas, los corredores les concedieron a la disposición del comandante generoso, a la derecha, los guerreros lideran el cautivo a Scypion.
La acción se desarrolla en el contexto de un paisaje detallado que emite la influencia de la escuela umpal. Imagen en Pietaliana a Pietroburgo .- 'L'Arte, 1912, FAST. 2, p. 123-124; Warriors 1922, p. 75; Weigelt S. Die SienisSische Maleei des Vierzehnten Jahrhun- Derts. Firenze - Mtinchen, 1930, S. 73, 111; Marie R., Van. 1924, 2, p. 90-92; Lazarev 1959, p. 284-285, aprox. 264; Pintura italiana XIII-XVIII siglos. 1964, № 2; BERENSON 1968, R. 119; Vsevolozhskaya 1981, № 4, 5
los pasos fueron listados por el trabajo de un artista desconocido de Umbría. En gato. 1922 fue incluido como el trabajo del círculo de Pinturik - Kyuo. Fungai podría experimentar la influencia de Pinturikko, cuando trabajó en Siena en 1508-1512. Basado en los efectos de Pinturikocho, la pared del Casson se feche un período tardío de la creatividad de Fungai - 1512-1516. Ahora, la atribución existente adoptada por todos los investigadores está hecha (oralmente) O. Sirena.
Pareja a la "generosidad de Scypion of African" Casson Board "La muerte de Sophophyux" se almacena en GMI. Ambas composiciones se construyen de acuerdo con un principio y las figuras centrales se repiten casi por completo. Origen: Post, en 1902 de las columnas. F. Rus-Owl en San Petersburgo
Catálogos de Hermitage: Gato. 1907-1912, No. 1892; Gato. 1958, p. 206; Gato. 1976, p. 147-148 Exposiciones: 1922 Petrogrado, No. 48 LITERATURA: THIEME U.- Becker F. Allgai-es Lexikon der Bildeden Kunstler. Leipzig, 1916, S. 587; Warriors 1922, p. 77; Borenius T. Paneles de Cassone III.- The Burlington Magazine, 1922, abril, P. 189-190; Schu- Trae P. Cassoni. Truhen und Truhenbilder der Italienischen Fruhreissance. Leipzig, 1923, 1, S. 138, 355; BERENSON 1932, p. 211; Marie R., Van. 1937, 16, p. 481; Pigler A. Barockthemen. Eine auswahl von verzeichnissen zur iconographie des 17. und 18. Jahrhunderts. Budapest, 1956, 2, S. 404; Pintura italiana XIII-XVIII siglos. 1964, № 29, 30; BERENSON 1968, p. 150; Vsevolozhskaya 1981, número 45; Cassoni italiana de las colecciones de arte de los museos soviéticos. Leningrado, 1983, № 15-19
Paolo Venetsiano (Maestro Paolo), seguidor
Paolo Veneziano (Maestro Paolo)
56. Patrones de Cristo en el templo de Jerusalén.
Árbol, TEMPEA 25x18.5. GE 6670. Fragmento de Polptico. El Evangelio de Lucas, 2, 42-52 Tras las leyes de la pintura bizantina, el artista no crea un espacio cerrado en el que se lleva a cabo la acción. Cristo se representa al mismo tiempo en el templo y fuera de él, domina a todos y todos. No hay y no puede ser un solo punto, con el que se percibiría la escena, ya que está enfocado, no tanto en lo real, cuánto de la visión interna de quién lo considera. Pero con las tendencias generales que caracterizan la dirección bizantina en la pintura veneciana del siglo XIV, el Maestro transfiere extremadamente expresivamente el brillo de las pasiones, la desesperación, dominada por los ancianos, con. 3; Venturi L. Saggio Sulle Opere d'Arte Italiana A Pietroburgo.- L'Arte, 1912, FAST. 2-3, p. 123; Reinach S. Repertorio de Peintures DN MOYEN EDE ET DE LA RENAISSIANZA (1280-1580). París, 1922, 5, p. 314; Meiss 1951, p. 169; Meiss M. Notas en tres estilos sieneses vinculados.- El Boletín de Arte, 1963, 45, marzo, p. 47; Klese 1967, S. 249; De Benedictis 1979, p. 24, 96 de los cuales las Fracciones de Cristo superaron la sabiduría, la atención, con la que María y Joseph escucharon las palabras de Cristo.
Lazarev (oralmente) determinó la imagen como una obra de Lorenzo Venetsiano; en gato. 1958 y 1976 El trabajo se incluye como obra de Paolo Venetsiano (?). Pallukkini (1964), quien publicó por primera vez un fragmento, también creía que su autor estaba conectado con Paolo Venetsiano y trabajó al comienzo de la segunda mitad.
XIV. El artista, sin duda, detecta los puntos de contacto con Paolo Venetsiano, y en particular con el Master Polptico de la Academia de Venecia (Inv. No. 16), en relación con los que Pallukkini señaló (1964). Sin embargo, a diferencia del Creador del Político Veneciano, el autor del fragmento de Hermitage se mantuvo alienígena a las innovaciones del estilo gótico. Origen: Post, en 1923 desde el momento. Anteriormente: hasta 1914 Cathed. N. P. Likhacheva en San Petersburgo Catálogos de la ermita: Gato. 1958, p. 148; Gato. 1976, p. 120.
Literatura: Pallucchini 1964, R. 56.
Artista desconocido de la escuela florentina del final de los siglos XIV-principios de XV.
Escenas de las vidas de Cristo y María.
Árbol, TEMPEA 42x54 (en el marco 50x61,5]. GE 4158
Fila superior: Anunciación (Evangelio de Luke, 1, 26-38); María reunión con Elizabeth (Luke Gospel, 2, 39-56); Navidad de Cristo (Evangelio de Luke, 2, 6-7); Trayendo al templo (Evangelio de Luke, 2, 22-8); Métodos de Cristo en el templo de Jerusalén (Evangelio de Luke, 2, 41-52); Orando sobre el tazón (Evangelio de Mateo, 26, 36-44; de Mark, 14, 32-42; de Luke, 22, 39-46). Fila media: soledad de Cristo (Evangelio de Marcos, 15, 15; de John, 19, 1); Certificado de Cristo (Evangelio de Mateo, 27, 28-30; de Mark, 15, 17-19; de Juan, 19, 2-3); Transportador cruzado (Evangelio de Mateo, 27, 31-32; de Mark, 15, 20; de Luke, 23, 26; de John, 19, 16-17); Crucifixión con María y Juan.
Rango inferior: Resurrección de Cristo; Ascensión de Cristo (Evangelio de Marcos, 16, 19; de Luke, 24, 51); Descenso de san Espíritu (actos de apóstoles, 2, 1-4); Ascensión de Madonna (La CXVII, 1), coronación de Madonna (La CXVII, 1).
En quince escenas (cinco en cada fila), el artista de una manera algo ingenua, con amor por una historia completa y entretenida presentó varios episodios de la historia de Cristo y María.
A juzgar por la forma de ejecución, este maestro menor trabajaron en Florencia a fines del siglo XV. Sin duda, experimentó la influencia de Baldovinetti, Rosselly, Domenico Gilladayo, Botticelli. Por ejemplo, la pared con las cipresiones visibles detrás de él es un motivo, ascendente a una serie de obras de baldovinetti. La figura de María en general está cerca de Madonne en la "Anunciación" de Baldovinetti (Uffizi, Florencia).
San Bernardpn Siensky
Árbol, TEMPEA 41 × 31 (en el marco gótico 49 × 36). GE 4767. Parte del Polptico.
En el pergamino en la mano de san Bernardine: Pater Manifestavi Nomen Tuum Hminbs (Padre, abrí tu nombre a la gente). Evangelio de Juan, 17, 6.
En gato. 1922 y en gato. 1957 y 1976 Santo no fue identificado. Representado sv. Bernardine Siensky en la túnica de la Orden de San Francis, un miembro de donde se convirtió en 1402. Iconográficamente, este es el TPP del anciano Monk-Askta, en este caso, es reconocido por uno de sus atributos: en el rollo de la inscripción con las palabras del Evangelio de Juan (Ver: Kaf-Tal G. Santos en el arte italiano. Iconografía de los santos en escuelas de pintura central y sur de Italia. Florencia, 1965, p. 198).
En gato. 1922 La imagen fue atribuida al artista noroeste (?) Del final del siglo XV. Parece que el autor del fragmento de ermita podría ser el maestro de Siena, quien trabajó a mediados del siglo XV, y no solo porque se representa uno de los Siena Saints más populares, sino también porque la interpretación de la imagen y las formas da Razón para asumir que el autor de la imagen podría entrar en contacto con el círculo de Sano di Pietro.
Origen: Post, en 1920.
Catálogos de Hermitage: Gato. 1958, p. 142; Gato.
1976, p. 116.
Exposiciones: 1922 Petrogrado, No. 15 Literatura: Warriors 1922, p. 76.
Escenas de la vida de san Juliani di columna
Árbol, TEMPEA 73 × 64.5 (tamaño de cada marca 28 × 30). GE 6366. Parte del Polptico.
En el cerebro superior izquierdo sobre las cabezas de las monjas: VEAT / GVLIANA. Por encima de la cabeza de Cristo: ic.xc. En el cerebro superior derecho entre el ángel y la calle Juliana: BEA / TA GVLI / ANA. Sobre el grupo en el que se encuentra Juliana: Beata / Gvliana. En la parte inferior derecha de la marca sobre el fallecido Juliana: Gvliana VEAF.
Pallukkini (1964) sugirió que el fragmento de la ermita era la parte izquierda del Político, que era anteriormente en la Iglesia de San Biangio y Cataldo en la isla de JUDECKE, y la parte central de él fue la junta con la figura de St. Juliana (Coll., Venecia, Jugar: Pallucchini 1964, Fig. 599).
Representado varios episodios de la historia de San Juliana. Julian di Collanthova (1186-1262) - Histórico, fundador y primera vuelta del monasterio de San Vijo y Kataldo en la isla de JUDECKE. El comienzo del culto de Santos se refiere al final del siglo XIII.
En el cerebro superior izquierdo, el santo toma pan de Cristo, habiendo perdido monjas del hambre. En la marca superior derecha, la figura de Juliana se repite dos veces: ora un ángel sobre la curación de una monja, rompió la mano sobre la lápida, y aquí a sí misma sana al joven. El artista lo describió sosteniendo la tercera, las manos rotas. En el cerebro inferior, la construcción del monasterio se representa a la derecha. El último episodio se refiere a la historia póstumosa del Santo. Después de que su cuerpo fue enterrado en la Iglesia del Cementerio del Monasterio, una luz misteriosa era visible sobre la tumba. El sarcófago se abrió en 1290 y encontró que los restos de Giuliana no son tocados por un enfriamiento, su cuerpo fue trasladado al monasterio, y la gente, llegó a la tumba, comenzó a curarse. Se presenta una pareja casada con un niño enfermo.
La trama del fragmento fue definida correctamente por Pallukkin (1984), quien atribuyó la imagen al maestro Donato, un artista relativamente conservador de Circle Paolo Venetsiano y fechó su 1360. Antes de eso, en la ermita "Escenas de la vida de St. Juliana ", que recibió como trabajo de un artista italiano desconocido del siglo XIV, se incluyeron en el gato. 1958 como "escenas de la vida de San Julitas »Trabajo del Maestro Paduan Judo di Giovanni de Menabio (?). V. Lazarev (oralmente) encontró que la imagen de la ermita debe ser excluida de Paolo Venetciano. La misma opinión se adhirió a Muraro (1970).
Origen: Post, en 1923 desde el momento. Anteriormente: Contras. N. P. Likhacheva en San Petersburgo Catálogos de la ermita: Gato. 1958, p. 94; Gato. 1976, p. 116.
Artista desconocido de la escuela veneciana XIV V.
St. Philip y SV. Elena
Árbol, TEMPEA 64 × 39. GE 6704. Pareja a GE 6705
En un fondo de oro cerca de Namibov Saints: .s / f / i / li / p sca / le / na.
Lawrence y St. Elizabeth
Árbol, TEMPEA 64 × 39. GE 6705. Pareja a GE 6704
En un fondo de oro cerca de Namibov Saints Names: S / L / A / VR / EN / CI / VS S / EL. / BE / TA.
Las figuras de los santos fueron hechas por el artista, luchando por la monumentalidad, el sonido limpio de los colores brillantes. Los contornos afilados enfatizan la interpretación rígida de los pliegues.
Hay un grupo de obras, que incluyen "santos" de las columnas. Ermita. Están escritos, aparentemente, un artista asociado con el taller (mosaico) con la Catedral de San Marco (Lazarev 1954, 1965). Estas obras incluyen un "Tribunal terrible" (Museo de Artes, Worcester, Massachusetts), "Francis Assisi, un Santo Desconocido, St. Catherine, St. Nikolai "(Galerai Sabauda, \u200b\u200bTurín). Pallukkini (1964) convencionalmente llamado el artista "Maestro de la Corte de miedo", Schpataya, que esta es una de las personas más interesantes de la Escuela de Venecia del segundo trimestre del siglo XIV.
Lazarev (1965) permitió la posibilidad de que la "cancha terrible" y los "santos" de la ermita y la Galera Sabauda fueran el altar original. Devis (1974) no vio la razón suficiente para tal suposición.
Por analogía con el "Tribunal Terrible" (ver: desviados 1974), los fragmentos de ermita podrían hacerse entre 1325 y 1350.
Artista desconocido de la Escuela Venecia de la primera mitad de XV V.
Madonna con un bebé, St. Francisco de Assisian y St. Vintsy ferrer
Árbol, TEMPEA GE 6663. 180 × 169.5 en el libro de San VINZENTA: HARKET / EDEUS / ETDAT / EILLIHO / NORES./ QUIA / VENIT / HERAIM / DICII / EIIUD. (Lucha contra Dios y dale la fama, por la hora de la corte. Revelación de Juan, 14, 7. Sobre la cabeza de Madonna bajo el marco de parches de los restos de la inscripción griega con la pintura roja: MR 0V (Madre de Dios). Los trazos de pintura inmediatamente son la paleta de prueba del artista, que barrió las combinaciones de colores. En la parte inferior del marco: el escudo de armas de Venetian Matteo y Medio; El escudo de armas entró en el círculo, en la parte conservada del campo: el motivo de la "piel de Belich". Dos círculos en los lados del escudo de armas inscriben el nombre de Matteo Sí Medio: MTTV DMO. En la etapa del trono en el lado derecho de una persona separada de nosotros durante siglos, se rascó un patrón de un velero.
Un tipo similar de composición: Madonna con un bebé en el trono y los santos, de pie a su alrededor, consiguió el nombre "Holy Entrevista" ("Sacra Conversazione"). La imagen fue entregada de una situación real, sin una motivación específica, como algo atemporal, eterno. La figura central (como en la imagen de la ermita) podría asignarse en tamaño, que enfatizó su primacía con significado; Lado (el número podría ser diferente), como equivalente. Existirá un tipo similar de composición llena de contenido nuevo en toda la era del avivamiento.
En gato. 1958 Santo en la parte derecha de la imagen se llamó incorrectamente Dominic. El texto de la "Revelación de Juan" en el libro y el gesto, señalando a Cristo en Mandorle, testifique que está representado por SV. Winezzene Ferrer (ver: Kaftal G. Santos en el arte italiano. Iconografía de los santos en escuelas de pintura central y sur de la italiana. Florencia, 1965; Consulte también: Kaftal 1978).
Likhachev (1911) consideró un icono con un modelo raro de la escuela de criton-veneciana del siglo XIV. Schweinfurt (1930) se inclinó al hecho de que la imagen puede incluirse en el número de obras venecianas del siglo XIV. Al mismo tiempo, señaló una relación muy estrecha entre los artistas venecianos y los talleres de Italia-Bizcantes en Venecia. Bettini (1933) agregó que el icono está planeado entre las tradiciones venecianas y de crédito.
Lazarev (1954, 1959) atribuyó una imagen del taller de Katerino y Donato, citas a la década de 1370. Pallukkini (1964) explicó la diferencia que vio de una manera entre las figuras centrales y laterales, el hecho de que Madonna podría ser realizado por Donato, y los santos quizás Katerino.
J. FiOcco (oralmente) atribuyó la imagen de Jacobello di Bonomo. Con esta atribución, la imagen está incluida en el gato. 1958, y en gato. 1976 - Como obra de un artista veneciano desconocido.
XIV.
El Museo del Correll en el icono de las tiendas de Venecia con la imagen de Madonna con un bebé en el trono (61x48), repitiendo la parte central de la parte central del trabajo de la ermita. El catálogo de museos atribuido al artista de la Escuela Creto-veneciana comenzó el comienzo del siglo XV. (Ver: Mariaper S. II Museo CORRER DI VENEZIA. DI-PINTI DAL XIV AL XV SECOLO. VENEZIA, 1957, pág. 131-132).
En el gato. Willamsen en Copenhague es "Madonna con un bebé", compositamente cerca de la parte central de la pintura de la ermita. 1325 Fechas de vuelta (Ver: Willumsen J. E. La Jeunse du Peintre El Greco. Essai-sur La Transformación de l'Artiste Byzantin en Peintre Europeen. París, 1927, 1, p. 75).
Pallukkini (1964) creía que el ícono del corrector del museo repite la ermita de una manera más fraccional y decorativa, y el icono del campamento. Willamsen, a su vez, es la repetición de la versión del Museo Correll.
La imagen de la ermita difícilmente podría crearse antes que la primera mitad del siglo XV, ya que con razón fechó su caftal (1978). La base para tales citas puede ser la imagen de SV. Winster Ferrera (1350-1419), canonizado en 1455. Podría ser representado antes de la canonización, pero difícilmente en la vida ya en la imagen del santo de pie en el trono de Madonna.
Por lo tanto, el creador de los iconos de la ermita se repitió bastante la composición previamente establecida con la imagen de Madonna con un bebé, y el trabajo del Museo de la Correll y los contras. Willlamsen está precedido, y no repite la parte central del trabajo de la ermita.
Milagro con los invitados
Árbol, TEMPEA 15x35. GZ 7657. Parte del límite.
Al ingresar a la trama de la ermita, las pinturas se definieron como género, y bajo el nombre "Tienda" se incluyó en el gato. 1958.
La decodificación adecuada de la trama pertenece a Gukovsky (1965, 1969). Como fuente, se dirigió a la "representación de una de las maravillas del cuerpo de Cristo", un libro publicado en Florencia a fines del siglo XV. Y ahora conocido en tres copias (una, en la biblioteca de Corsini, Roma; dos, en el campamento. Trivulzio, Milán). El libro consta de dieciséis páginas y es un tipo de "escenario" de una de esas ideas que a menudo se jugaban en Florencia en la época del Renacimiento.
Tres episodios se muestran en la imagen de la ermita. En el lado izquierdo de Gulslmo Jambekkkari, beber vino, pierde en la precisión del dinero. En la parte correcta, la esposa de GulyMo llega al Roshchik judío para comprar un vestido acostado con su esposo. Roshovist Manuel exige que la mujer lo traiga a cambio a la vida (la nube para la comunión). Está representado inmediatamente a medida que Burns de Manuel lo llevó a la vida en el tostador, la desconcierta con una espada, y un milagro sucede: la nube, simbolizando el cuerpo de Cristo, comienza a sangrar.
El grabado en un árbol que ilustra la "imagen de una de las maravillas del cuerpo de Cristo", que Gukovsky se comparó con el fragmento de la ermita, está muy cerca de la parte correcta de la imagen, por lo que sugirió que el grabado sirvió como prototipo de Una decisión pintoresca (Jugar: Goukovsky 1969, Fig. 2).
Gukovsky consideró que, debido a un pequeño tamaño, este trabajo podría ser un límite de un pequeño altar portátil, sino que sirvió la decoración de los muebles.
Según Gukovsky, el autor del "milagro del invitado" fue contabilizado, o alguien de los artistas de su taller. Sin embargo, esto es contrario a la comparación con el límite para la trama "Leeche of the Hotels" (Galería Nacional, Urbino). La claridad y la novedad en el espacio de construcción en la precisión es muy diferente de una solución más conservadora de espacio en la producción de ermita. Origen: Post, en 1933 del campamento. B. N. Chicherina en Leningrado.
Catálogos de Hermitage: Gato. 1958, p. 142; Gato. 1976, p. 117.
Literatura: Gukovsky M. A. La llamada "tienda" de la ermita y su probable autor. Las tesis de los informes de la sesión científica, dedicados a los resultados del trabajo de la ermita estatal para 1965. L, -m., 1966, p. 39-41; Goukovsky M. A. Una representación de la ermita y su posible autor.- El boletín de arte, 1969, 101, p. 170-173.
Maestro en Tríptico Imole
Trabajó en la primera mitad del siglo XV. Escuela de Emilia. Probó la influencia de los maestros venecianos y los miniaturistas lombardos. El grupo de obras de este maestro, cerca de Antonio Alberti, fue resaltado por Padovani sobre la base de la similitud con Triptych "Madonna con un bebé, St. Christina y Peter Martyr "de las columnas. Pinakoteki Imola (ver: Padovani 1976, p. 49--50).
Madonna con un bebé, Juan el Bautista de Antonle Abbat
Árbol, TEMPEA 43.5 × 29.5. GE 9751 en la parte inferior del derecho a la firma falsa nointeligible de Madonna Cloor y la fecha del MSSS. En la esquina superior izquierda del rollo del profeta Isaías: iae ..pffte. En la esquina superior derecha en el rollo del profeta David: DAVT PPFTE. En el libro en manos del Dios del Padre: EGO SUM / LUX MN / DI QUI SEQUITN / ME N.AMBU / LAT I TE / NEBR; S. S. (Soy la luz del mundo, que me seguirá, no caminará en la oscuridad). El Evangelio de Juan, 8, 12. En el pergamino en las manos de Juan el Bautista: Esse Agnus Dei (CE LAMB DE DIOS). Evangelio de Juan, 1,
29, 36. En el mismo pergamino, los restos de las letras de su nombre: Ogah.
La firma y la fecha se refieren al siglo XIX, que demuestra la presencia de proteínas de zinc en la pintura. En la parte inferior debajo de la capa de barniz, en la que hay una firma y fecha, no se repiten.
La composición está construida de modo que un encuadre de tres partes ornamentales separa a los profetas de otros caracteres; Por lo tanto, se demostró que los profetas de Isaías y David preceden a Cristo y, al mismo tiempo, predicen su aparición en el mundo.
Dios-Padre apunta al bebé, explicando el gesto a quien se dibujan las líneas evangélicas, dibujadas en el libro.
La imagen vino como una obra de un desconocido siglo XV del artista del Norte-Malino. Se puede definir como el trabajo del Maestro de Tríptico Imola, ya que descubre una parecido cercano a una serie de pinturas que le atribuyen. Esta es "Navidad" (en 1910 fue el Antiquary Paolini en Roma; Jugar: Padovani 1976, Fig. 38); "Bienvenido a los magnies" (Coll. Kister, Crazlingen, Jugar: Padovani 1976, Fig. 39); "Madonna Himphenia" (Cashier di Risparmio, Ferrara, Juego: Padovani 1976, Fig. 33).
No solo se repiten detalles individuales, pero es mucho más importante, en todos estos trabajos, hay un solo comienzo estilístico. El artista provincial, que fue el maestro de Tríptico Imola, trabajando ya en la primera mitad del siglo XV, prefería una solución extra promocional al espacio. Las figuras son inherentes al verticalismo estricto, ligeramente ablandadas por una ligera inclinación de las cabezas, la cara se dibuja con fuerza y \u200b\u200bcuidadosamente. A menudo se introduce rubí-rojo como un acento de color (en la imagen de la ermita, estas son las túnicas del Padre de Dios y el Bautista).
Fecha - 1430s, - Se puede aceptar el vaciado propuesto para la "Navidad" y la "adoración de los MAGI", por la analogía para "Madonna con el bebé y los santos".
Maestro de la pareja casada DATINI MAESTRO DEI CONIUGI DATINI
Trabajó en la segunda mitad del siglo XIV. Escuela florentina
Bendición de Cristo
Árbol, TEMPEA Diamante 43 (TDDO). GE 270. Parte superior de la cruz pintada.
En el siglo XIV. En la Toscana y, en particular, en Florencia, las cruces pintadas con la imagen del crucifijo estaban generalizadas. A menudo, en la parte superior, estaban decorados con medallones con una semi-imagen de una bendición. Tal cita también tuvo un Hermitage Tondo. La bendición iconográfica Cristo se refiere al tipo de tipo de Pantokratcher (ver: Lexikon der Christlichen Ikonographie. Rom; Freiburg; Basilea; Wien, 1968, 1, S. 392-394).
Tondo entró en la ermita como una obra de un siglo XIV del Maestro Toscano desconocido. Círculo JOTTO. Según la información proporcionada en el gato. 1922, Ainalov atribuyó a Mod Tommazo Gottino, y Lipgart - Bernardo Duddy. Lazarev (1928) creía que el trabajo se llevó a cabo bajo la influencia directa de JOTTO, y la fecha de 20 años del siglo XIV.
En gato. 1958 y 1976 Fragmento ingresado como obra de la Escuela Jotto: Ambrogo di Bon hecho (?). Corti (1971) publicó el Hermitage TDDO como trabajo de un maestro florentino desconocido de la segunda mitad
XIV. Boskovic (1975) lo incluyó en la lista de fotos Pietro Nellie. Con esta atribución, Tartuferi acordó (1984). Como analogía, trajo un medallón con la imagen de una bendición de Cristo, el "crucifijo" final de la Iglesia de San Donato en Piezho, Piere, Escuela de Pietro Nellie. Notando una imagen de calidad mucho más alta de la ermita, Tartuferi señaló la similitud en la interpretación del cabello, la ropa y los adornos. Sobre esta base, sugirió que los maestros procedían de un prototipo, además, posiblemente de un dibujo.
Belleosi (1984) atribuyó a la ermita Tondo al artista, a quien convencionalmente llamó el "Maestro de la Cena de Datini" en la imagen "Trinity" (Museo del Capitolio, Roma), en el que hay un escudo de armas mercante de Prato, Francesco Datini, y él mismo, su cónyuge y recepción, la hija está representada por cigüeñal al pie del crucifijo. Para la pintura capitola, Belleosi ofreció una cita alrededor de 1400. En su opinión, "Maestros del cónyuge de los gansos Figh Datini" podrían ser Tommaso del Mazzo, quien colaboró \u200b\u200bcon el Pietro Nelly, y más tarde, alrededor de 1391 - de Niccolo Di Pietro Jerini, o Giovanni di Tano Fairy, trabajó para la familia Datini. La similitud entre el dios del padre en el panorama del Capitolio y una bendición de Cristo en el Hermitage Tordo es tan grande que la pertenencia de ambas obras en el mismo maestro de duda no causa. La hipótesis de Belleosy parece ser bastante convincente. Origen: Post, en 1910 del tiempo. Anteriormente: Mach en San Petersburgo
Catálogos de Hermitage: Gato. 1958, p. 93; Gato. 1976, p. 91.
Exposiciones: 1922 Petrograd, No. 3 Literatura: Prokhorov 1879, No. 2; Warriors 1922, p. 76; Lasareff 1928, r. 25-26; Corti G. Sul Commercio Dei Quadri A Firenze VERSO LA FINE DEL SECOLO XIV.- Comentario, 1971, 22, p. 86; Bos- Kovs 1975, p. 420; Tartuferi A. Due Croci Di-Pinte Poco Note del treceno Fiorentino.- Arte Cristiana, 1984, Gennaio - Febbraio, p. 6; 12 NOTA 16; BELLOSI L. TRE NOTA EN MARGINE A UNO STUDIO SULL'ARTE A PRATO.- PROPETTIVA, APRILE 1983 - Gennaio 1984, 33-36, pág. 46.
María de la coronación María de la Iglesia de la Iglesia
Maestro dell'Incoronazione Christ Church
Trabajó en la segunda mitad del siglo XIV. Escuela de Florensk. Este nombre condicional fue propuesto por OFFERN (1981) para las obras de un seguidor desconocido de los hermanos de Chione, que se han agrupado alrededor de la "Coronación de María" de la Iglesia de la Iglesia en Oxford.
Coronación marin
Árbol, TEMPEA 78.5x49.7. GE 265. TOP ROUNDED
En el Juan: ECC / E / AG / NVS / VOX (CE AG / NVS / VOX (CE) [Aplique en el desierto]). Evangelio de Juan, 1, 29; Desde Mateo, 3, 3. En la parte inferior de la placa entre el escudo de armas de las familias florentinas, Seriborp y Gerandsca: Ave. Gratia. Plena Domin ... (regocíjate, amable! Señor ...). Evangelio de Luke, 1,
28. En la parte posterior de las tablas, la inscripción, que actualmente se lee solo en los rayos infrarrojos: Les Araad ... SONT DE LA MAISON DE SERISTORI ... Autres Sont de Gherardeschi de Florencia. Ecole de Toscane (este es el escudo de armas de las casas de Serristory, otra Gerandsca de Florencia. Escuela Toscana).
El tablero semicircular superior, que representa un crucifijo con María, John, St. Francisco y San Dominica, se conectó a la base de un marco de parches posteriores.
La composición central representa la coronación de María por tipo, que se ha desarrollado en la pintura florentina de la segunda mitad del siglo XIV. Esto corresponde a la ubicación de las figuras de Cristo y María sentado (sin un trono visible) contra el fondo de la tela ricamente adornada, la finalización aguda de la corona, el aislamiento de los principales actores de los santos de un determinado condicional enmarcado, a lo que Se adjunta la cortina.
Según Oficina (1981), hay siglos en la escena de la coronas. Paul, St. Mateo, Desconocido Santo, St. Bartholomew, Ioapn Bauttist, St. Louis Toulouse (en el lado izquierdo de la composición); sv. Andrei, St. Peter, St. Catherine, Dos Santos Obispo, St. Jacob (en el lado derecho de la composición), dos muzitsy Angel.
La imagen vino como una obra de un artista florentino desconocido XIV. Lazarev (1959) encontró que podría atribuirse a la escuela de Bjonde. Offer (1981) atribuido a su maestro de Coronaling Mary de la Iglesia de la Iglesia. La analogía más cercana de la imagen de la ermita es "Coronación de Madonna" de la primera. Catedral Luigzhp Bellini en Florencia (Jugar: Offer 1981, Fig. 53). En ambas pinturas, se repite el tipo de personas, patrones de tela, instrumentos musicales en las manos de los ángeles.
Origen: POST, EN 1899, DAR PRING. Director de la Hermitage I. A. Vsevolozhsky. Anteriormente: Contras. Barona P. K. Meyendorf en San Petersburgo.
Catálogos de Hermitage: Gato. 1900-1916, No. 1851 Literatura: Lazarev 1959, p. 296, aprox. 311; Ofner 1981, r. treinta
Máster de Fuceccio.
Trabajó a mediados del siglo XV. Escuela florentina El seudónimo de este artista, cuyas obras que más a menudo incluyen la lista de obras de Francesco d'Antonio, fue propuesta por Van Marle (ver: Marie R., Van. 1937, 16, p. 191-192). Experimentó la influencia de las obras tempranas de los pintores de Mazacho y Siensky. Colaboró \u200b\u200bcon Paolo Schiavo. A veces, los maestros de Fuceccio están asociados con el Maestro de la Casona de Deli Adimari.
Madonna con un bebé y dos ángeles.
Árbol, TEMPEA 49 × 35. GE 4113 Al entrar en la ermita, la imagen se incluyó en el inventario como una pieza de Giovanni Broketya da Kamenino.
"Madonna con un bebé y dos ángeles" constituye una estrecha analogía de trabajo relacionada con el trabajo del maestro de Fuceccio. En sus pinturas, un tipo completamente especial de rostro femenino con una nariz recta, una boca pequeña, caprichosamente definida, y una ronda, como una manzana, barbilla ("Madonna con bebé y ángeles", ubicación desconocida, juego: Fremantle 1975, no . 1142; "Madonna con un bebé y ángeles", juega. Ibid., No. 1143; En este último caso, se repite el gesto del bebé que sosteniendo a la madre para el cuello). Las figuras de los ángeles, mejorando las manos en el pecho, sus contornos de gracia y sutileza confirman el contacto del maestro con muestras de arte visto.
Origen: Post, en 1922 del Museo del Palacio Stroganovsky en Petrograd.
Maestro de Marredy
Trabajó a finales del siglo XV. Escuela florentina El seudónimo fue propuesto por Dzerna sobre la base de un grupo de obras en la Iglesia de Badia del Bogo, cerca de Marradi (ver: Zeri F. La Mostra "Arte en Valdesa A Cerialdo" .- Bollettino d'Arte, 1963, 48, Luglio - Settembre, pág. 249, Nota 15). El maestro de Marrei es el artista del círculo de Domenico Girondayo, quien trabajó alrededor de 1475 en Florencia y sus alrededores. Escribió los Casones, mostrando puntos de contacto con el arte de Bartolomeo di Giovanni. En la última etapa de la creatividad (alrededor de 1490), Piero della Francesca experimentó la influencia de Piero.
Madonna en Glava
Temperaturas de lona 80 × 48. GE 4129 Madonna está representada en Glory, en Mandorrel, rodeada de Cheruvimov. El tipo de composición similar iconográfico está estrechamente cerrado con la "Ascensión de Madonna", cuando María a menudo se retrató, en una posición estrictamente frontal, con las manos plegadas con oración, en el mandorro apoyado por los ángeles (por ejemplo, el fresco de Antonio Venetsiano "Ascension Madonna", Monasterio de San Tommazo, PISA).
La imagen entró en la ermita como una obra de un maestro florentino desconocido de la segunda mitad del siglo XV.
Ahora, la atribución existente se propuso oralmente independientemente de M. Laklot y E. Faim.
La analogía más cercana a Madonne en Glory es una imagen en la misma parcela del campamento. Instituto Kurto en Londres (Play: Fahya E. Algunas primeras fotos italianas en la Colección Gambier-Parry.- La revista Burlington, 1967, marzo, p. 135, Ill. 31). La similitud de la manera pintoresca se manifiesta en la interpretación de la cara de Madonna, en la transferencia de las nubes redondas, densas y el mandorla en forma de rayos de oro delgados, en la interpretación de pliegues de ropa. Sin embargo, la postura de María en la imagen de la ermita es diferente de la postura de Madonna Madonna de la Asamblea de Londres.
Origen: Post, en 1926 del Museo del Palacio Stroganovsky en Leningrado.
San Cristóbal
Árbol, TEMPEA 108 × 46. GE 5504. Finalización del ajuste. Polyptych Sash.
En la esfera en la mano en el bebé: Asia / África / Evropa.
Según la leyenda, San Christopher sufrió a un bebé de Cristo a través del río. El artista muestra los intereses de interés característicos de los últimos seguidores de JOTTO: representa una variedad de peces siscendiendo en agua (simbolizan las fuerzas del mal), mostrando, junto con comer y patinar, fantásticos peces dentidos con una aleta de aves. . Bebé para quedarse en el hombro de san Christopher, agarró la cadena de su cabello.
En la exposición 1922 "St. Christopher "fue expuesto como una obra de un artista desconocido (norte-thalian?) De la mitad del siglo XIV. En el catálogo de la misma exposición, la opinión de Lipgarta, que consideraba un fragmento de la obra del círculo de GADDI. Los guerreros (1922) también tomaron el trabajo a la escuela toscana, pidiéndole un círculo de jotto.
Tal vez los derechos de M. Gregorio (oralmente, 1985), expresando el supuesto de que Lorenzo di Biccchi podría ser el autor de esta faja; Esto no contradice la atribución de Lipgart.
Cierta proximidad estilística "St. Christopher "descubre con" St. Mikhail "En la hoja del altar de la Iglesia de Santa Maria Assunta, Loro Chuffenna (Juego: Fremantle 1975, Fig. No. 848). Se pueden observar similitudes en la formulación de la figura y en la interpretación de las formas, especialmente las patas, ligeramente translúcidas a través de la ropa corta. En ambos casos, se representa una capa corta con un patrón peculiar de pliegues en la parte inferior.
El fragmento de ermita fue creado por un artista que conocía bien su oficio: él busca hábilmente la impresión del volumen de figuras, algo rígidamente, pero claramente simula la cara, el cabello, las túnicas. Todo esto no contradice la manera de Lorenzo, pero la nivelación estilística del arte de los últimos seguidores de JOTTO no permite finalmente insistir finalmente en nombre de Lorenzo di Beatchi. Origen: Post, en 1919 del Departamento de Protección Monumento. Anteriormente: Contras. A. K. Rudanovsky en St. Petersburg Exhibitions: 1922 Petrograd, No. 17 Literatura: Warriors 1922, p. 76.
Madonna con bebé, ángeles santos
Árbol, TEMPEA 52 × 36.5 (en el marco gótico - 92x54, el encuadre está cubierto con oro nuevo). GE 5505.
En el pergamino en la mano de Juan: Esse AG ... (CE LAMB]). Evangelio de Juan, 1, 29, 36
Madonna se representa sentada en el trono con un bebé en sus brazos, cerca del trono en el lado derecho de la composición está representada por St. Peter, Arcángel Mikhail, St. Elizabeth y Ángel; en la izquierda - sv. Christopher, Juan el Bautista, San Catalina y Ángel. En la parte superior - Cristo en un tribunal terrible.
La imagen, que entró en el museo como trabajo de un maestro de Siena desconocido del comienzo del siglo XIV, descubre similitud con las obras atribuidas a la Pietro Jiorentzetti, o el llamado Maestro del Altar Diafon. Bajo este seudónimo dio (ver: Dewald E. T. Pietro Lorenzetti.- Estudios de arte, 1929, p. 154-158) Agruparon una serie de obras, estilísticamente cerrar Tryptih del museo en Dijon (44x50). Anteriormente, se les atribuyó principalmente a Pietro Lorenzetti, y más tarde, muchos científicos continuaron considerando el altar de su trabajo (ver: Laclotte M. de Giotto A Bellini. Les Primitifs Italiens Dans Les Musees de France. Mai - Juillet 2e ed. Ediciones des musees natsaux, 1956, p. 11-12). En gato. 1922 Se señaló que, según Liparight, el autor de la imagen de Hermitage es Pietro Lorenzetti. Lazarev (1959) creía que esta es la obra temprana del Maestro del Altar Dijon. En gato. 1958 "Madonna con un bebé, santo y ángeles" se incluye como una obra del maestro del altar de Dijon, y en gato. 1976 - Tan perteneciente al círculo de Pietro Lorentzetti.
Di a la calidad, el trabajo de la ermita es en gran parte (compuesto, por el tipo, la comprensión del espacio), recuerda a otro que el altar de Dijon, "Madonna con un bebé, santo y ángeles" (Museo de Polonia Petzoli, Milán, 55x26), "Madonna con un bebé" (Coll. Burnson, Florence) Pietro Lorenzetti y Madonna con bebé, santos y ángeles "(Galería de arte de Walters, Baltimore); La mayoría de los investigadores atribuyen la imagen de Baltimore de Pietro Lorenzetti.
Parece posible atribuir la imagen de la ermita al círculo de Pietro Lorentzetti y alejarlo con el final de la década de 1330, el comienzo de las 1340.
St. Romuald.
Árbol, TEMPEA 122.5x42.5. GE 271, sala de vapor a GE 274. Parte de Polpic.
Apóstol Andrey
Árbol, TEMPEA 122x42. GE 274, sala de vapor a GE 271. Parte de Polpic.
En 1910, tres fragmentos fueron inscritos en Hermitage, que en gato. 1912 se incluyeron como obras de un siglo XIV del Maestro de Florencia desconocido.
Dos tablas - "Apóstol Andrey" y "St. Romuald ", permaneció en la ermita, la tercera:" Madonna con un bebé y ángeles ", en 1924 se transfirió a GMII (PNV. No. 176, 164 × 92).
Aunque en el gato. 1912 Las tres partes del poléfépico se reproducieron cerca, se desconoce, ya sea que se reconozcan que constituyen una imagen de un solo altar. En el futuro, Lazarev (1928, r. 31), quien determinó la imagen de Moscú como una obra de cristiano, no consideró la faja con la imagen de los santos como pertenecientes al mismo poléfético. Más tarde (1959) fue atribuido a su escuela Nerda Di Chion, tal vez Jottino. De acuerdo con la atribución de Lazarev, se incluyeron las aletas en el gato. 1958 Cómo trabajar Nerda Di Chion con una pregunta.
A la pequeña Oeuvre Christian Officon (Ofner R. A Ray of Light en Giovanni del Biondo y Niccolo di Tommaso.- Mitteilun- Gen des Kunsthisthistorischen Institutes en Flo-Renz, 1956, 7, S. 192.) Añadidas dos imágenes - "St. . Bartholomew "y" St. Dominic "desde el Museo de Bandini en Fyezol (122 × 42.6 cada uno).
Finalmente, Dzheri (1961) atribuida correctamente a las obras de la ermita cristiana y, sobre la base del artículo de la incapacidad, reconstruyó plenamente el Polyptych de cinco partes, cuya parte central está en GMIA, dos solapas dejadas en la ermita, dos a la derecha. El museo de Bandini. El hecho de que constituyan un solo todo demuestra no solo los momentos formales, las mismas dimensiones de las solapas de los laterales, el adorno de la tela debajo de los pies de los santos, una propagación de tres sólidos de las figuras al centro, sino también Las características estilísticas del arte de Giovanni di Bartholomeo. Sin embargo, las figuras ligeramente alargadas en las que, sin embargo, no hay nada de la fragilidad de la gótica, difieren en la claridad escultural de los volúmenes y rellene casi por completo el espacio. Los pliegues de la ropa se acuestan en un ritmo aplicado geométricamente. El equilibrio lógico señaló no solo la construcción compuesta, sino también la solución de color de la polcpic. Ropa sv. Romuald y St. Dominica, cerrando el altar, son culpables (Dominica todavía está formada con una capa negra), y el elegante brocado del SV. Bartholomew está armonizado con una ropa de hojas verdosas de St. Andrei.
Dzheri (1961) creía que se representaba no SV. Romuald, y St. Benedicto. St. Romald, el fundador de la Orden del Kamaldulov, que siguió las reglas de la Orden de San Benedicto. Ambos podrían estar representados en la túnica monástica blanca con el personal del libro en las manos. Origen: Post, en 1910 del tiempo. Anteriormente: Max en San Petersburgo, adquirido por Mach por vicepresidente AH KNYAZH, G. GAGARIN en la década de 1860.
Catálogos de Hermitage: Gato. 1912, № 1976, 1975; Gato. 1958, p. 140; Gato. 1976, p. 89-90 Exposiciones: 1920 Petrograd; 1922 Petrograd, No. 9, 10 (los santos en el catálogo de la exposición no se nombran incorrectamente: St. Jacob y St. Bernardine).
Madonna con un bebé en el trono, St. Nikolai, St. Laurentia, Juan el Bautista con St. Jacob Younger
Árbol, TEMPEA 132 × 162. GE 6443. Los acantilados de cinco partes.
En la etapa de la firma del trono: iohas en .. .tholfe fecit. En el pergamino de Juan el Bautista: ECCE / AGN / DEI / QUI / TOLI ../PEC.../ (CE LAMB DE DIOS, QUE LLEVA EL PECADO [DEL MUNDO]). Evangelio de Juan, 1, 29 a pesar de la firma, el autor del poléféptico no se definió de inmediato; Flushes de la capa colorida en una grieta que pasa a través de la mitad de la firma, complicó su lectura. Simplemente lea solo la primera palabra: Giovanni y el último - Hizo (FECIT).
Al ingresar al museo, Polyptych se definió como la obra de los Maestros Toscanos del siglo XIV, luego Giovanni Menabop.
Hay tres obras de suscripción de Giovanni di Bartolomeo: Polptih "Evangelist John y ocho escenas de su vida" (Iglesia de San Giovanni Furichivitas, Pistoia, fechas. 1370); "Madonna con un bebé y seis ángeles" (Museo Urbano, Pide), "Madonna con un bebé" (Coll. Rivuti, Biella, Fechas. 1390).
Actualmente, el Polptih Hermitage, que detecta la proximidad estilística a las obras de Christian, se puede agregar a este grupo de trabajo, pero lo que es especialmente importante: la firma en ella coincide con la firma del artista en el poléféptico poléfético. La comparación estilística muestra que el Hermitage Polptih se ha creado un poco más tarde que el PHNEASKY, tal vez en la segunda mitad de las 1380. El artista buscó estricta formas geometrizadas de equilibrio de P para limpiar combinaciones de colores sonoros.
Crucifixión con maria y john
Árbol, TEMPEA 85.5x52.7 (en el marco gótico-103 × 57.7). GE 4131 en el signo de la cruz: i.n.r.i. A continuación, en el marco: Pater NOSTER QVIES INCIELIS SANTETIFI (nuestro Padre, en el cielo). Evangelio de Mateo, 6, 9.
En el catálogo manuscrito de la colección de Count P. S. Stroganova (1864) "Crucifix" se enumeró por el trabajo de un seguidor desconocido del siglo XIV XIV.
M. I. Shcherbacheva (oralmente) atribuyó la imagen de Giovanni Dal Ponte; Esta atribución se refleja en el gato. 1958 y 1976.
Sin embargo, el autor del "crucifijo" no es Giovanni Dal Ponte, quien había experimentado la fuerte influencia de Lorenzo Mónaco y desarrolló tradiciones góticas en la pintura de Florencia, y Niccolo di Pietro Jerini. Este artista, según Lazarev, "hace la tradición de Jot-Teskov en el siglo XV. Como ningún otro, contribuyendo a su degeneración hacia el sistema académico, sin vida y esquemático "(Lazarev
1959, p. 92).
Son las limitaciones del repertorio del artista en el campo de la composición, los tipos y los gestos, facilitó la definición del nombre del autor del trabajo de la ermita, que es una analogía directa para "crucifixion con María y John y St. Francisco "(National Pinakotek, Siena, Inv. No. 607, 122 × 64).
La diferencia más significativa entre las pinturas de Leningrado y Siena se reduce al hecho de que en la última Madonna y John no están de pie, pero se sientan al pie de la cruz y la figura de St. SV. Francis, abrazando una crucifixión.
Niccolo di Pietro Jerini actúa como un seguidor tardío de JOTTO. La convencionalidad del espacio y el fondo de oro con él contrasta particularmente con una solución subrayada de volúmenes.
Boskovic dató la foto de Siena 1390-1395 (Boskovits 1975, R. 415). Se pueden aceptar las mismas cifras y para el trabajo de la ermita que pertenece a una manera madura, que es diferente en color y dibujo claro. Origen: Post, en 1926 del Museo del Palacio Stroganovsky. Anteriormente: Contras. Cuenta P. S. STROGANOVA, comprada en 1855 en Roma en Troy para 200 francos.
Catálogos de Hermitage: Gato. 1958, p. 90; Gato. 1976, p. 89.
Literatura: Kustodiyev T. "Crucifixion con María y John" Niccolo di Pietro Jerini. - SIGHT, 1984, [emisión] 49, p. 4-5
Giovanni di Bartolomeo Christiani Giovanni di Bartolomeo Cristiani
Trabajó en 1367-1398, nacido en Pistay. Escuela florentina Probó la influencia de Mazo di Banko y Nerda di Campon.
Evangelista Mateo (?), St. Nikolai (?), St. Victor (?), St. Louis Toulouse, Evangelist Mark
Árbol, TEMPEA 94 × 29 (tamaño de cada faja). GE 5501.
Cinco polepties pintores. Las cinco tablas tienen un número de inventario.
No se sabe cómo los Polyptypes analizan la forma inicial, y todo el sash nos llegó. En este trabajo, en la formulación de las figuras, en la gracia, con qué movimientos de cabezas y manos se transmiten, en la adicción a los tejidos ricamente adornados, en un esquema de colores extremadamente exquisito, las características de los góticos internacionales son claramente notables.
Benua en el prefacio al gato. 1922 escribió sobre la pertenencia de los Cinco Santos "Algunos maestros de primera clase desde el círculo de influencia gentile, sí, Fabrpano (la posibilidad de que seamos el trabajo del Maestro)" no se excluye. Esta opinión parece bastante convincente, especialmente después de la restauración recientemente producida, como resultado de lo cual se abrió la riqueza cromática y la finura del sabor.
Gentil da Fabryano (aproximadamente 1370-1427) fue uno de los mayores representantes del estilo de Gothic International. Trabajó en el campo de la marca, Venecia, Bresche, Florencia, Siena, Roma.
En gato. 1922 muestra las opiniones de diferentes investigadores sobre la autoría del trabajo de Hermitage. Zhardansky habló a favor del mismo gentil, Ainalov - Bopfules de Umbría. Lipgart creía que Polptih podría ser creado por Pietro di Domenico Montepulnia. Los guerreros (1922) tomaron una foto a un círculo de gentil da fabryano.
En gato. 1958 y 1976, las políticas se incluyen como un trabajo de un artista desconocido del siglo XV de la Escuela Dalmato-Venecia, que indica que este trabajo está cerca del círculo del maestro veneciano de Michele Dzhambono, también que experimentó la influencia de Gentile y Fabrpano.
Obviamente, la idea de la proximidad a Dzhambono trajo Polyptypes de este artista del Museo de la Ciudad a Fano o la faja de Polyptych con la imagen de St. Jacob (suscripción) de las columnas. Academia en Venecia. En estas obras, hay una cierta similitud con las figuras de la ermita en la formulación de las cifras en la configuración del stand y en la interpretación de los pliegues, pero otro tipo de personas, y las formas en sí están en cuclillas y pesadas.
Los nombres de los dos santuarios no se dudan: es San Louis Toulouse (o Anjui) es un obispo francés en un manto, decorado con lirios reales, y con la corona a los pies, así como la marca evangelista, cerca de la cual un pequeño león es visible.
La definición del resto de los santos es controvertida. Santo con un alfiler en sus manos en el gato. 1958 y 1976 llamado Victor. Pero ninguno de los santos italianos con este nombre tenía un atributo de la piedra de molino. Un raro Saint-Victor Marseilskpi podría estar representado con Herrow, pero fue representado en forma de un caballero con una pancarta que se asemeja a su aparición de St. Jorge. Entre los santos, venerados en Italia, Panteleimon podría estar representada con Herrow. Pero por lo general se enfatizó que primero el sanador, y en sus manos, este joven de pelo oscuro mantuvo una caja con pastillas como sv. MOW y St. Damian.
Según la lógica compuesta, un par de sv. La marca debe ser alguien de los evangelistas. Dado que, además de la pluma y el libro, el santo no tiene otros atributos, es muy probable: Matthew: cuando se representan los cuatro evangelistas, Mateo, como regla general, celebró un libro.
El Santo Obispo es nombrado en gato. 1958 y 1976 Nikolai, que es bastante posible, aunque por completo confianza no hay suficiente ordinario para Nicholas de bolas de oro.
Origen: Post, en 1919. Anteriormente: Contras. A. A. Waykov en San Petersburgo.
Catálogos de Hermitage: Gato. 1958, p. 142; Gato. 1976, p. 117.
Exposiciones: 1920 Petrogrado, pág. cinco; 1922 Petrogrado, No. 23-27.
Literatura: Warriors 1922, p. 76.
Mencionado de 1392 a 1411. Un estudiante de su padre, Niccolo di Pietro Jerini, trabajó en su taller. Probó la influencia de Spinello Aretino, con quien colaboró, y Lorenzo Mónaco. Trabajó principalmente en Florencia y San Jimignano, así como en Corton.
Navidad navidad
Lienzo (traducido de un árbol en 1909 I. Vasilyev), TEMA. 213 × 102. GE 4153.
En la Madonna de Nimbe: QVIA EX Ortvs Est Sol Ivsticie Crist (para que el sol del sol se levantó de ti). En la dilución del vestido: Ets Benedictvs FRV (fruta bendita). En la muñeca de las mangas: Tyi IHS ([trigo] tuyo - Jesús). El Evangelio de Lucas, 1, 42. En el pergamino en las manos de los ángeles: Gloria en Exsis Deo (Fame en el Dios Alto). Evangelio de Luke, 19, 38; Evangelio de Luke, 2, 8-20.
En la región del Palacio de Stroganov 1922 (No. 409), la imagen se enumeró por el trabajo de un artista alemán desconocido. Obviamente, este pensamiento trajo un ambiente fabuloso, en el que se produce la acción, y algo resistente en algunos casos (Ropa de José) interpretación de pliegues que se asemejan a hilos de madera.
Al ingresar a la ermita, la imagen se atribuyó a la escuela del extremo del norte.
XV - siglos XVI a principios de XVI., Y en el gato. 1958 Incluido según lo atribuido a Spunkotti, artista de la escuela Piamonte. Finalmente, D. Romano (1970) llamó el nombre del genuino creador de la obra: Gandolfino y Rogeto, y le dio una imagen de una alta calificación.
Tras la tradición que prevaleció en la escuela Piamonte, Gandolfino trata la Navidad de Cristo como una escena, que tiene lugar entre las ruinas en presencia de pequeños ángeles.
La arquitectura dilapida con los elementos antiguos puede simplemente simbolizar el paganismo, el cristianismo viene a reemplazar. Inscripciones latinas incluidas en el adorno de los vestidos de María y se dibujan en el pergamino en las manos de los ángeles elevados, glorifican al recién nacido. El artista muestra un gran interés en detalle (en particular, una billetera llena en el cinturón de San José), muchas de ellas están dotadas de un significado simbólico. Joseph tiene un personal con un abdamper en forma de salamandra, uno de los símbolos de Cristo (Evangelio de Luke, 12, 49). La antigua idea de la invulnerabilidad de Salamandra en el fuego y su intimidad llevó al hecho de que en el arte del Renacimiento comenzaron a percibirlo como una castidad de suplementos (ver: Lexikon der Christlichen Ikonographie. Rom; Freiburg; Basilea; WIEN, 1972, 4, S. 11). Repelik: un indicio de pecado original, que está destinado a canjear a Cristo.
Por decisión de la composición, imágenes y arquitectura, la imagen de Hermitage está cerca del trabajo en la misma parcela de la Iglesia de Santa Maria Nova en Asti.
Origen: Post, en 1926 del Museo del Palacio Stroganovsky en Leningrado.
Catálogos de Hermitage: Gato. 1958, p. 181: Gato. 1976, p. 83.
EXPOSICIONES: 1984 LENDERRAD, NOW 2 LITERATURA: ROMANO G. CASALESE DEL CINQUECENTO. L'AVVENTO DEL MANIERISMO EN UNA CITTA PADANA. Torino, 1970, p. 22.
Madonna con infante y ángeles.
Lienzo (trans. De un árbol en 1860 taburtesov), a tempera. 94.5 × 82.5. GE 276.
En la Nimbe Madonna: Ave María Gratia Plena do ... (regocíjate, Marne, Gracious, [Señor contigo]). Evangelio de Luke, I, 28. En el NiMbe Baby: Vere Filiio Aisum Auu (verdadero hijo, gloria). En el desplazamiento en las manos del bebé: EGO S / UM LUX / MUNDI / Veritas / et Vita (encenderon el mundo ... Verdad y vida). Evangelio de Juan, 8, 12; 14, 6.
En el tipo de personas Madonna y ángeles, en una composición estricta rítmica, no hay duda, la influencia de Simone Martini se siente. Sin embargo, la comprensión de la forma es diferente, los volúmenes se simulan, no tan suavemente, el contorno se vuelve más claro y predominante. La foto fue programada para gato. 1916 (bajo el No. de 1999) como el trabajo de un artista florentino desconocido del siglo XIV, pero no ingresó a este directorio.
Shcherbacheva (1941) determinó correctamente que el trabajo fue creado por el Maestro Siena
XIV. Con su autor, ella consideraba Chekcarelli y que databa "Madonna con un bebé y ángeles" 1350. La opinión de M. Laklot y M. Lonjon, quienes (oralmente), parecen considerar la imagen por la obra de Bartolo di Fredi.
La atribución de Bartolo di Credit se confirma en comparación con las obras del artista como "St. Lucía "(Museo Metropolitano, Nueva York) y" Welcome Worshilation "(National Pinakotek, Syen). El estilo se puede fechar bien. 1390.
Origen: Post, en 1910 del tiempo. Anteriormente: Mach en San Petersburgo, adquirido por Mach por Vicepresidente AH Knyazh, G. Gagarin en la década de 1860.
Madonna con bebé, santos y ángeles.
En la parte posterior del tablero: crucifixión con maria p john
Árbol, TEMPEA 151x85. GE 8280. La parte superior está apuntada.
En los escalones de la firma del trono: Antonivs De- Florentia. En el Nimbe María: Ave María Gratia (regocíjate, María, Graciosa). Evangelio de Luke, 1, 28.
En el ágil del Bautista: S IOVANES WAT ... en el pergamino de la mano de St. John: Esse Angn .. (CE AGN [EC]). Evangelio de Juan, 1, 29, 36. En la NIM de St. Obispo (inaudible): s mentira ... .vs ..pis. En la parte posterior de las tablas: en la cruz: INRI. En el Nimbe María: Virgo María. En el Nimbe John: IOVANES VANG ... En un extremo triangular en la escena de la Anunciación: Ave. Maria. Gratia. PLENA (regocíjate, María, Graciosa).
La imagen es Horugwy, que creyentes llevaban durante los procesos religiosos.
En la parte frontal en conclusión triangular, una bendición Cristo rodeado de Serafimov. En la parte posterior del pie del pie del crucifijo, excepto las figuras tradicionales, Mary N John, dos monjes más se presentan en túnicas blancas con capucha que cubren a las personas para que solo los ojos sean visibles en las ranuras. Sobre los hombros de cada uno de ellos, un sintonizador para la auto-vacunación. Dzheri (1980), basado en las imágenes de los monjes, creía que el Horugwe de Kapuchin pertenecía.
Por encima de la crucifixión en la conclusión triangular se coloca el escenario de la Anunciación, cuya composición se repite completamente por el trabajo de Fra Angeliko en la misma parcela de la iglesia parroquial Monte Carlo en la Toscana.
A pesar de la presencia de una firma, sigue sin estar claro quién fue el autor de la ermita Horugwi. Había varios artistas que fueron llamados Antonio y Firenz. Shcherbacheva (1957) sugirió que el autor del icono era Antonio y Firenz, quien trabajó al final de los siglos XV a principios de XVI. (Murió alrededor de 1504-1506). En 1472, este maestro de Florentinsk se mudó a Venecia. Mantenerse en el norte de Italia Shcherbachev explicó la combinación de las características provenientes de Mazacho, Mazolino, Fra Angeli, Kastano con adicción puramente veneciana a la riqueza de motivos ornamentales, paleta de colores sonoros, fondo de oro.
FIOKKO (1957) creía que el carácter de la pintura no te permite tomar el korugvy mucho más allá de los límites de 1440. Vio en Antonio y Frenz el artista que experimentó la influencia de Kastano II trabajando como un mosaico en medio del XV siglo. en Venecia.
Dzheri (1960) comparó el icono de Hermitage con Tríptico "Madonna con un bebé, St. Obispo P SV. Catherine "(Bernso-On. Florencia), identificando Antonio y Firenz desde Antoppo di Yakopo, mencionado en las listas de la Hydia Luke en 1415, y luego en documentos 1416, 1433, 1442. El punto de vista de Dzheri parece ser el más convincente. Ella fue apoyada por Gukovsky (1981). Origen: Post, en 1936 a LGZK. Anteriormente: Contras. M. P. Botkin en San Petersburgo.
En el siglo XIII en Italia, la tradición bizantina, hostil a cualquier desarrollo libre o una comprensión individual dominada. Solo para el siglo XIII, el esquema petrificado de la imagen fue revivido en el trabajo de algunos artistas grandes, principalmente Florencia.
Aparece una nueva y orientada a la realidad de la armonía de los colores y una expresión más profunda de los sentimientos. De los artistas de 13-14 siglos, puedes voz, como Ercole de Roberti, Francesco Frank, Jacopo de Barbari.
Yatlyanskaya viviendo 15 - Siglo XVI
Durante este período, se distribuyó un estilo de pintura como el marderismo. Se caracteriza por el cuidado de la unidad y la armonía de una persona con naturaleza, todo el material y espiritual, esto en contraste con el renacimiento.
Gran centro de pintura - Venecia. La contribución de T Tiziano determinó en gran medida a la pintura de Venecia del siglo XVI, tanto los logros artísticos del maestro y su productividad. Igualmente propiedad de todos los géneros, brilló en composiciones religiosas, mitológicas y alegóricas, creó numerosos retratos emocionantes. Titian siguió las direcciones estilísticas de su tiempo y, a su vez, las influenció.
Veronese y Tintoretto, en contraste con estos dos artistas, la dualidad de la pintura veneciana de mediados del siglo XVI, la manifestación tranquila de la belleza de la existencia terrenal en el resultado del Renacimiento en Veronés, un movimiento asertivo y un extremo de otro mundo, y En algunos casos, también una seducción refinada de un carácter secular, en el trabajo del tintoretto. En las imágenes de Veronese, no hay problemas de ese tiempo, escribe todo como si no pudiera ser de otra manera, como si la vida sea hermosa, tal como está. La escena representada en sus pinturas lleva la existencia "real" que no permite ninguna duda.
De lo contrario, Tintoretto, todo lo que escribe, lleno de una acción tensa, moviéndose dramáticamente. Nada es inquebrantable para él, las cosas tienen muchos lados y pueden manifestarse de diferentes maneras. Lo opuesto entre profundamente religiosos y secular, al menos elegantes, pinturas, sobre las cuales dos creaciones "salvación de arsinoe" y "Arcángel Mikhail con Satanás" y "Luchando Arcángel Mikhail", sacan nuestra atención sobre la originalidad del manierismo, no inherente a Solo al tintoretto veneciano, pero también celebramos el Correggio Parmajanino que venía de las tradiciones.
Pintura italiana del siglo XVII.
Este siglo se observa como el tiempo de amplificación del catolicismo, la consolidación de la iglesia. La imagen de la pintura en Italia estaba conectada, como en los siglos anteriores, con la división en escuelas locales separadas, lo cual fue consecuencia de la situación política en este país. El Renacimiento Italia se entendió como el punto inicial de las búsquedas de gran alcance. Puedes asignar artistas de la escuela romana y bologna. Esta es Carlo Stroretia de Florencia, Pumpcoon, Nyolone y Pagani de Milán, Alessandro Turks, Pietro Negri y Cofre Andrea de Venecia, Ruoppolo y Luka Jordano de Nápoles. La escuela romana sacude toda la serie de pinturas a las parábolas del Nuevo Testamento de Domenico Fetty, se enteró en ejemplos de Caravaggio y Rubens.
Andrea Sakki, estudiante Francesco Albani, representa una pronunciada dirección clásica de la pintura romana. El clasicismo como un movimiento opuesto al barroco siempre existió en Italia y en Francia, pero en estos países tenía un peso diferente. Esta dirección representa a Carlo Maratto, alumno de Sakki. Uno de los principales representantes de la tendencia clásica fue Domenicino, quien estudió en Denis Kalvart y Karachchi en Bolonia.
El centro comercial Pierre Francesco bajo la influencia de los puros era mucho más barroco, más fuerte en la interpretación de la sombra de la luz, en la transferencia de tono de cálido marrón. También experimentó la influencia de Caravaggio.
En el siglo XVII, desarrolló expresivamente las formas barrocas con la sensación de "naturalidad" y en la imagen de las maravillas y las visiones, organizadas, sin embargo, teatrales, lavadas como los límites entre la realidad y la ilusión.
Las tendencias de realismo y clasicismo son características de esta era, independientemente de si son combatidos por barroco o percibidos como componentes de este estilo. Rose salvator de Nápoles fue un sistema de paisaje con una influencia muy significativa. Sus obras fueron estudiadas por Alessandro Manya, Marco Ricci, francés Claude Joseph tiene razón.
La pintura italiana hizo una impresión poderosa en toda Europa, pero Italia, a su vez, no estaba libre de la exposición opuesta a los maestros del norte. Un ejemplo de seguir el género de la pintura Wauverman, pero con una escritura a mano individualmente desarrollada y fácilmente reconocible, es Michelangelo Cherkvochechi con su "despertador después de la batalla". Estaba formado como un artista en Roma bajo la influencia de lo que estaba sucediendo de Harlem y que vivía en Roma Peter Wang Lara.
Si la pintura veneciana del siglo XVII le da la impresión de Intermezzo, la intermedia entre los primeros años 15 y los siglos XVI y la próxima floración en el siglo XVIII, luego frente a Bernardo Strozzi, pintura genovesa tiene un artista de los más altos. Rango, introducido en la pintura de pintura barroca en Italia, acentos extensos.
Pintura italiana Siglo XVIII.
Al igual que en los siglos anteriores, las escuelas individuales de la pintura italiana tenían su propia cara en el siglo XVIII, aunque la cantidad de centros verdaderamente significativos disminuyó. Venecia y Roma fueron un gran foco del desarrollo del arte del siglo XVIII, Bolonia y Nápoles también tenían sus propios logros sobresalientes. Gracias a los maestros del Renacimiento Venecia, en el siglo XVII, una escuela secundaria para artistas de otras ciudades de Italia y toda Europa en general, que estudió aquí Veronese y Tintoretto, Titian y Georgeon. Esto es, por ejemplo, Johann Fox y Nikola Rainier, Domenico Fetti, Rubens y Bernardo Strozzi.
El siglo XVIII comienza en artistas como Cofre Andrea, Piero Negri, Sebastian Ricci, Giovanni Battista Piazzette. La expresión más característica de su originalidad proporciona imágenes de Giovanni Battista Tapolo, Antonio Channel y Francesco Guard. El magnífico alcance decorativo de los productos se pronuncia vívidamente en sus frescos monumentales.
Bolonia con sus convenientes conexiones con Lombardía, Venecia y Florencia es el centro de Emilia, la única ciudad de esta área, que presentó en los siglos XVII y XVIII de los maestros excepcionales. En 1119, la universidad más antigua de Europa fue fundada aquí con la famosa Facultad de Derecho, la vida espiritual de la ciudad influyó significativamente en la pintura italiana del siglo XVIII.
Las obras más atractivas son el trabajo de Giuseppe Maria Cresmen, en primer lugar, realizado en 1712. Serie "Siete Sacramentos de la Iglesia". La pintoresca escuela de Bolonia tiene frente al asesoramiento del artista de la escala europea. Su vida se refiere la mitad de los 17 años, la mitad del siglo XVIII. Como estudiante de Carlo Kinyani, quien a su vez estudió desde Francesco Albani, dominó el lenguaje artístico académico, quien asignó la pintura de Bolonia desde Carragechi. Dos veces, Knesses visitó Venecia, aprendiendo a sí mismo e inspirando a otros. Especialmente el pianzetta parece haber recordado sus obras durante mucho tiempo.
La pintura de Bologone de principios del siglo XVIII, que no sean los Kresses, representa a Hambarini. El sabor frío y la claridad dibujada a mano, el contenido atractivo-anecdótico de sus pinturas se ve obligado, en comparación con el fuerte realismo del Consejo, para atribuirlo más a la escuela académica.
Ante Francesco Solimers, la pintura napolitana tenía un representante reconocido por toda la Europa. En la pintura romana del siglo XVIII se manifiesta una tendencia clásica. Los artistas como Francesco Trevizani, Pompoo Dzhirolamo Batoni y Giovanni Antonio Bouti son este ejemplo. El siglo XVIII fue un siglo de disfrute. La cultura aristocrática en todas las áreas en la primera mitad del siglo XVIII estaba preocupado por el brillante florecimiento de la tardía barroca, manifestada en los festivales de la Corte, excelentes operaciones y en los actos principesos.
Italia es un país que siempre ha sido famoso por los artistas. Grandes maestros que alguna vez han vivido en Italia, arte glorificado a todo el mundo. Se puede decir de seguro que si no fuera para artistas, escultores y arquitectos italianos, el mundo se veía muy diferente hoy. Se considera lo más significativo en el arte italiano, por supuesto. Italia en la era del Renacimiento o Renacimiento alcanzó un ascensor y apogeo sin precedentes. Talentosos artistas, escultores, inventores, genios reales, que aparecieron en aquellos días, todavía son conocidos por cada estudiante. Su arte, creatividad, ideas, desarrollos de hoy se considera un clásico, la vara en la que se construyen el arte y la cultura del mundo.
Uno de los genios más famosos del renacimiento italiano, por supuesto, es genial. Leonardo da Vinci (1452-1519). Da Vinci fue tan dotado que logró un gran éxito en muchas áreas de actividad, incluso en las artes visuales y la ciencia. Otro artista famoso que es un maestro reconocido es. Sandro Botticelli (1445-1510). Imágenes de Botticelli son un verdadero regalo para la humanidad. Hoy en día es densa en los museos más famosos del mundo y son verdaderamente invaluables. No menos famoso que Leonardo da Vinci y Botticelli es y Rafael Santia (1483-1520), que vivió 38 años, y durante este tiempo logró crear una capa completa de pintura acechadora, que se convirtió en uno de los ejemplos brillantes de renacimiento temprano. Otro gran genio del renacimiento italiano, sin duda, es Michelangelo Buonotti. (1475-1564). Además de la pintura, Michelangelo se dedicó a la escultura, la arquitectura y la poesía, y logró en estas artes de los grandes resultados. La estatua de Michelangelo llamada David se considera una obra maestra insuperable, un ejemplo del mayor logro del arte de la escultura.
Además de los artistas, sobre los que los mejores artistas de Italia, el Renacimiento, eran maestros como Antonello da Messina, Giovanni Bellini, Giovanni, Paolo Veronese, Yakopo Tintoretto, Domenico Fetty, Bernardo Strozzy, Giovanni Battista Tapolo, Guardia de Francesco y otros. Todos ellos fueron un ejemplo vívido de la encantadora escuela de pintura veneciana. Artistas, tales como: Mazaccho, Andrea del Virrocko, Paolo, Andrea del Kastano, Benozzo Gozzoli, Sandro Bottichelli, Fra Angelico, Filippo Lippi, Piero di Kozimo, Leonardo da Vinci, Michelangelo, Fra Bartolomeo, Andrea del Sarto.
Para enumerar a todos los artistas que trabajaron en el Renacimiento, así como en los últimos tiempos de avivamiento, y más tarde, siglos, que se conocieron por todo el mundo y glorificaron el arte de la pintura, desarrollaron principios básicos y leyes que subyacen a todas las especies y géneros. Sin embargo, de bellas artes, tal vez necesites escribir algunos volúmenes, esta lista es suficiente para entender que los grandes artistas italianos son el mismo arte que sabemos que amamos y que apreciaremos para siempre!
Fotos de grandes artistas italianos.
Andrea Manteny - Fresco en la Cámara Schosie Deli
Georgeon - Tres Filósofos
Leonardo da Vinci - Mona Lisa
Artista italiano Michelangelo Merisi Sí Caravaggio Luces famosas glorificadas. Figuras en sus pinturas como si sobresalen de la oscuridad, a la parrilla las brillantes rayos de luz. Este método después de la muerte del artista adoptó a numerosos seguidores.
Toma a Cristo en custodia, 1602
El arte de Caravaggio tuvo un gran impacto en la creatividad no solo por muchos italianos, sino también los principales maestros de Europa occidental del siglo XVII, Rubens, Yordens, George de Latur, Surbaran, Velásquez, Rembrandt. Karavadzhisti apareció en España (José Ribera), Francia (Trofim Bigo), Flandes y los Países Bajos (Utrecht Caravagists - Gerrit y Villem Wang Honthorsti, Hendrik Terbrujgen, Judis Leist) y otros países europeos, sin mencionar a Italia en sí (ORAZIO JEGENISKI, su Hija Artemisia Gegenish).
"Posición en el ataúd" (1603)
Michelangelo Merisi Sí Caravaggio / Michelangelo Merisi Da Caravaggio (29 de septiembre, 1571, Milán - 18 de julio de 1610, Porto Ercole) - Artista italiano, reformador de la pintura europea del siglo XVII, fundador del realismo en la pintura, uno de los maestros más grandes del barroco. Uno de los primeros en aplicar la carta a la letra "Kyarostkuro", una aguda opresión de luz y sombra. No se encontró un solo dibujo ni un boceto, el artista sus composiciones complejas se realizaron inmediatamente en el lienzo.
Milán 1571-1591
El hijo del arquitecto Farm Merisi y su segunda esposa Lucia Arantori, hija del terrateniente de la ciudad de Caravaggio, no lejos de Milán. Padre servido por el gerente de la Marqués Francesco Sforza da Caravaggio. En 1576, el padre y el abuelo murieron durante la plaga, la madre y los niños se mudaron a Caravaggio.
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David y Goliat 1599
Los primeros clientes del futuro artista fueron el duque y la duquesa de la columna.
En 1584, en Milán, Michelangelo Merisi llega al taller de Peterckano, quien fue considerado un estudiante de Tiziano. En ese momento, el manierismo dominó el mundo artístico de Italia, pero los puestos de realismo de Lombard eran fuertes en Milán.Las primeras obras del artista, escritas en Milán, escenas de género y retratos, no llegaron a este día.
A finales de la década de 1580, la vida útil del genio en la naturaleza de la medición está eclipsada por escándalos, peleas y encarcelamiento, lo que lo acompañará toda su vida.
En 1589, el artista llega a casa para vender su tierra puesta, aparentemente, necesitando dinero. La última vez que asiste a la casa después de la muerte de la madre en 1590. En el otoño de 1591, se ve obligado a huir de Milán después de una pelea detrás de un juego de cartas terminado por el asesinato. Habiéndose detenido al principio a Venecia, él va a Roma.
"La vocación del apóstol Mateo" (1600)
Roma 1592-1594
En la capital, según las costumbres de los artistas italianos de esa época, obtiene un apodo asociado con el lugar de nacimiento, como, por ejemplo, fue con Veronese o Correzo. Así que Michelangelo Merisi se convirtió en Caravaggio.
En 1593, Caravaggio entra en el taller de Cesari d'Arpino, que instruye a la Caravaggio para escribir flores y hojas en los frescos. En el taller, d'Arpino, conoció parches y artistas, en particular, por Jan Breighel.
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Las primeras obras de Caravaggio están escritas bajo la influencia de Leonardo da Vinci (con "Madonna en las rocas" y "la última cena" se reunió en Milán), Georgeon, Titian, Giovanni Bellini, Mantenía.
La primera imagen que ha venido a nosotros es "Chico, limpieza de frutas" (1593).En el taller, D'Arpino Caravaggio se encuentra con Mario Minni, quien se convirtió en su estudiante y un modelo de varias pinturas, la primera de las cuales es el "hombre joven con una cesta de frutas" (1593-1594)."Chico con cesta de frutas", 1593-94, galería Borghese
Después de la pelea, Caravaggio entra en la prisión de la MI-DI NONA, donde su reunión está pasando con Jordan Bruno.
Pronto, él cría desde Cesari d'Arpino, la caravaggio sin hogar invitó a sí mismo a la gramática.En 1593, la fiebre romana cayó enferma (uno de los nombres de la malaria), estaba en el hospital durante seis meses al borde de la vida y la muerte. Tal vez, bajo la impresión de la enfermedad, crea una imagen del "Paciente WAKM" (1593), el primer autorretrato.
"Pacientes Vaks" (Fragmento) (1593), Galería Borghese
Las primeras pinturas multifiguras fueron creadas en 1594: esto es "Schuler" y "Gadalka" (museos capitolios). Georges de Latat registrará posteriormente su "adivino" con una composición idéntica.
"Schuler" (1594)
"GADALKA" (1594)
En el otoño, 1594 Caravaggio comienza a trabajar en el cardenal Francesco del Monte, se muda a su villa Madama, donde se encuentra con Galileem, Campella, Dromold The Port, Marino y Milesi poetas.
Roma 1595-1599
Este período de vida, celebrado en la Villa Madama, fue muy fructífera para Caravaggio, además, las pinturas creadas en este momento casi todo se conservó hasta nuestros días.
En la imagen "Músicos" (1595) en el centro representó a Mario Minni, y junto al artista se publicó con un cuerno."Músicos" (1595). Caravaggio se escribió con un cuerno entre dos músicos.
En forma de AMUR con uvas, algunos investigadores ven un indicio erótico de relaciones con Minniti. Minni también se representa en la imagen "Boy, bited by A Lizard" (1596, London), vendido por Valentino Artículos de arte.
"El niño, atado por un lagarto".
En 1595, a pesar de las recomendaciones, gentiles, datos de gramática, prosperar Orsi, Caravaggio, se le negó la admisión a la Academia de San Lucas. El principal oponente de la recepción de Caravaggio a la Academia fue su presidente - Federico Zuccaro. Creía que los efectos de la pintura Caravaggio eran consecuencia de un carácter extravagante, y el éxito de sus pinturas está obligado solo por su "tinte de novedad", que apreciaban los ricos patrones.
En 1596, Caravaggio crea la primera vida inmóvil en la historia de la pintura italiana - "Cesta de frutas".
"Cesta de frutas" (1596), Pinakotek Ambrosian, Milán
En la "mantequilla" (1596, ermita), la puntuación a leer fue fácil, es Madrigal Jacob Arcades "Sabes que te amo". A quien se aborda este mensaje es desconocido.
Escribe tal lona como:
"Vakh" (1596)
Así como "Kurtyzanian Willia" (1597), "Retrato de Maffeo Barberini" (1598).
En 1597, el cardenal del Monte recibió una orden para la pintura del techo de su residencia. Así que apareció el único fresco de Caravaggio "Júpiter, Neptuno y Plutón". 
Las pinturas de Caravaggio se están volviendo populares.
La gloria genuina de Caravaggio trajo pinturas en las historias bíblicas: la innovadora en la ejecución es "descansa en el camino a Egipto" (1597). "La principal dignidad de la pintura es el entorno de corazón alegre que recrea magistralmente, creando una atmósfera de poesía y paz, complementada por un paisaje modesto, escrito bajo la impresión explícita de los recuerdos de la lombardía nativa con su caña, rusos en agua, plateado. Pila en el fondo de una cresta Hilly y la noche SIZOG SKY ""Vacaciones en Egipto" (1597)
También están escritos "Ecstasy St. Franciska "(1595)," Sacrificio Isaac "(1598).
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Éxtasis de San Francisco, 1595
"Sacrificio Isaac"
La primera imagen femenina en el trabajo de Caravaggio: "Circling Maria Magdaline" (1597) muestra la capacidad del artista a una interpretación profunda y poéticamente significativa de la imagen. La imagen se vendió al banquero y al patrón de Arte Vincenzo Justignani.
"Caminando María Magdalena"
Seguido de ella
"Holy Ekaterina Alejandría" (1598)
"March y María" (1598)
"Judith, decapitados de Oloferna" (1598) demuestra que Caravaggio en su realismo no es ajeno a los efectos deliberadamente naturalistas
En "John The Baptist" (1598), la influencia de Michelangelo es notable:
Caravaggio se hizo famoso. Sale de la villa de Madama y se muda a la casa de Banquero y coleccionista Chiriako Mattei, quien compró la "melodía de la fortuna". Mario Minni después de una pelea con Caravaggio se casó y se fue de Sicilia.
Roma 1600-1606.
Varios meses Caravaggio se escondieron en la finca de la columna. Allí escribió varias pinturas, pero su estilo se hizo sombrío: "San Francisco en el pensamiento" (1606), "Cena en Emaús" (1606). La figura de Cristo se asemeja al fresco de Leonardo "Última Cena".
Caravaggio se mueve a Nápoles, donde se escribieron más de diez pinturas, aunque no todas fueron preservadas:
Ecstase Magdalene (1606)
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"Cristo en la columna" (1607)
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"Salomé con la cabeza de Juan el Bautista" (1607)
Por orden de la Iglesia, Pío Monte della Miserikhondi, escribió con una gran imagen de energía pintoresca "Siete Mercy Assocatio" (1607), que aún está en esta iglesia.
De repente, en julio de 1607, Caravaggio va a Malta, en La Valletta.
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"S t. Jerome "(1608)
NORTE. los anáatean para la catedral de San Giovanni dei Kalieri, le gustó el Gran Maestro de la Orden Malta de Aloof de Vinyakur. Caravaggio escribe retratos: Alofa de Vignyakura, más tarde, altamente apreciado Delacra, y compañero de maestría Antonio Martelli.
El 14 de julio de 1608, Caravaggio se convierte en el caballero del orden maltés sin el derecho de usar la cruz maltesa, ya que no era noble.
