Níže budou představeni umělci, kteří jsou známí po celém světě díky své schopnosti kreslit obyčejnou břidlicovou tužkou. Každý z nich má svůj vlastní styl, osobnost a také oblíbená témata pro kreativitu. Kromě toho je jméno každého autora také odkazem na autorovu osobní online galerii, kde si můžete podrobněji a podrobněji prostudovat kresby tužkou a životopis každého z nich.
Když si prohlížíte obrázky, některých si všimnete zajímavé funkce na obrázcích všech. Některé se vyznačují měkkými liniemi, hladkými přechody mezi světly a stíny a aerodynamickými tvary. Jiní naopak ve svém umění používají tvrdé linie a jasné tahy, které vytvářejí dramatický efekt.
Již dříve jsme na našich stránkách zveřejnili snímky některých mistrů. Zde je seznam článků, kde můžete vidět některé stejně atraktivní kresby tužkou.
- Album neuvěřitelných ilustrací Matthiase Adolfssona;
JD Hillberry
Přirozené schopnosti a silná touha přitáhnout pozornost k jeho práci se objevily u JD Hillberry již v dětství. Snaha a talent učinily mistra jedním z nich nejlepší umělci kresba tužkou na světě. Ještě během studií ve Wyomingu začal vyvíjet vlastní techniku, míchal dřevěné uhlí a grafit, aby ve svých kresbách dosáhl fotorealistického efektu. JD používá monochromatické světlo, aby přitáhlo divákovu pozornost ke hře světla a stínu a textury. Během své kariéry se snažil jít za hranice realismu a výrazu. Po přestěhování do Colorada v roce 1989 začal Hillberry experimentovat s trikovými kresbami. Tradičně se tento typ práce provádí v oleji, ale pomocí tužky úspěšně zprostředkoval realismus zápletky. Divák při pohledu na takové obrazy je oklamán a myslí si, že objekt je v rámu nebo v okně, ačkoli ve skutečnosti jsou všechny tyto prvky nakresleny. J.D. Hillberry, který pracuje ve svém studiu ve Westminsteru v Coloradu, svými kresbami nadále rozšiřuje vnímání veřejnosti.
Brian Duey
Brian je jedním z nejúžasnějších umělců kreslících tužkou, který krásně spolupracuje s tužkou a vytváří inspirativní umělecká díla. Zde je to, co on sám říká o své práci a o sobě:
"Jmenuji se Brian Duey. Narodil jsem se a vyrostl jsem v Grand Rapids v Michiganu. Navštěvoval jsem veřejnou školu v malé vesnici jménem Granville, kde jsem se poprvé seznámil s uměním. Nikdy jsem nepřemýšlel o závažnosti své vášně, ale zjistil jsem silná touha kreslit tužkou ve 20. Seděl jsem sám ve svém domě a z nudy jsem se rozhodl vzít do ruky tužku a začít kreslit. Okamžitě jsem se do kreslení zamiloval a chtěl jsem to dělat pořád. S každým kreslení jsem byl stále lepší.vlastní technika a originální triky při práci.Snažím se vytvářet realistické kresby a přidávat vlastní konceptuální nápady.Často dostávám otázku,co mě inspiruje a kde jsem se naučil kreslit.Můžu otevřeně prohlásit,že jsem samouk.
Moje ilustrace byly publikovány v knihách a blahopřáních, na obalech CD a v různých časopisech. Komerční práci se věnuji od roku 2005 a za tuto dobu jsem získal klienty po celém světě. Většina mých objednávek pochází ze Spojených států, Velké Británie a Kanady, ale pracuji také se zákazníky v Irsku. Moje obrazy byly vystaveny v galeriích ve Spojených státech. V roce 2007 jsem byl požádán, abych namaloval portrét Britney Spears, který byl součástí umělecké galerie v Hollywoodu v Kalifornii. Tato událost byla pokryta na MTV a já jsem se proslavil po celém světě. Nehodlám se u toho zastavit a pokračovat v práci. Mám nové nápady a plány. Jedním z mých cílů do budoucna je vydat návod na kreslení.
T. S. Abe
Přestože jsme Abeho kousků nenašli mnoho, její ilustrace ukazují, že se jedná o mistra vysoké třídy. Umělkyně má vynikající dovednosti s tužkou a je zběhlá v zobrazování složitých nápadů pomocí vlastních technik. Abeho obrazy jsou harmonické a vyvážené, komplexní a zároveň snadno vnímatelné. Je jednou z nejtalentovanějších umělkyň kreslících tužkou současnosti.
Cesar Del Valle
Umělec ve svých dílech používá speciální unikátní techniku kresby tužkou. Caesarovy ilustrace ukazují nejen jeho talent, ale odrážejí i autorovo jemné vnímání prostředí.
Henrik
Henrikovo dílo je vystaveno v Deviant Art Gallery. Jeho kresby jsou zajímavou ukázkou umění tužkou. Mistr zázračně používá černé a bílé tóny k přenosu originálních obrázků a neobvyklých nápadů.
Sbírka ruské grafiky konce 19. – 20. století v muzejní rezervaci Sergiev Posad je objemově malá, méně systematická a kompletní než její obrazová sbírka z tohoto období. Ale má svůj vlastní umělecký význam v obecném muzejním komplexu.
Specifikem grafické sbírky muzea (i té obrazové) je převaha děl místních umělců a určité tematické zaměření spojené s ikonografií Trojiční sergiovské lávry a města. Jeho speciální část tvoří jednotlivé listy (zřídka - cykly děl) slavných mistrů ruského výtvarného umění - I.I. Shishkina, B.M. Kustodieva, K.S. Petrova-Vodkina, V.A. Favorský, T.A. Mavrina a další (asi 80 děl).
První kroky k vytvoření sbírky byly učiněny na samém počátku činnosti muzea - v letech 1920-1921: z "Výstavy architektonických motivů TSL" bylo zakoupeno více než 30 grafických děl místních umělců.
Nejcennější částí sbírky je darování a nákup grafických děl od soukromých osob. Tímto způsobem jsou díla I.I. Shishkina, B.M. Kustodiev, V.A. Favorský, L.S. Bakst. "Jména" (I. Repin, V. Makovsky, I. Shishkin, K. Korovin a další) jsou "pojmenovaná", ale jsou zastoupena jednotlivými díly. „Personál“ ruské grafiky v muzejní sbírce je v podstatě stejný – T.A. Mavrina (sbírka SPMZ umožňuje na příkladu nejlepších prací ukázat její tvorbu ve vývoji od 40. do 70. let 20. století). Přesto jsou pro „provinční“ sbírku umění konce 19. a 20. století jednotlivá díla klasických umělců mimořádně cenná.
Nejstarší vzorky tištěná grafika v komplexu děl, o kterých uvažujeme, patří do 80. let XIX. Jsou spojeny s jednou "osobností" - významnou a významnou v dějinách ruského rytectví tohoto období - I.I. Shishkin (1832 1898).
Připomeňme, že 70. léta 19. století byla pro ruskou tištěnou grafiku obdobím přechodu a „průchodu“, dobou dominance tónové rytiny. Ale i v tomto ne nejtvořivějším období se našli opravdoví virtuosové dřevorytu (V.V. Mate) a leptu (I.I.Shishkin). V naší sbírce jsou čtyři umělcovy lepty, které vytvořil v 80. letech 19. století (období zvláště plodné v díle Šiškina). Jedná se o listy „Gurzuf“ (1885), „Černý les“ (1885), „Duben“ (1885), „Swamp on the Varšavské železnice“ (1886), brilantní ve svém provedení a jemnosti zprostředkování stavu přírody. . V muzejní sbírce jsou také kresby slavných ruských malířů, jako jsou potulný umělec Vladimir Egorovič Makovskij (1846-1920) a Valentin Alexandrovič Serov (1865-1911). Portréty V.E. Makovského, provedené v kresbě, jsou co do kompozice a úplnosti stejně dokonalé jako jeho olejomalby. Jako portrétní mistr V.E. Makovský měl talent správně zprostředkovat nejen vnější podobnost portrétované osoby, ale také rysy jeho duševních pohybů, zdůrazňující ty hlavní charakterové rysy, které určují jednání člověka, jeho myšlenky a pocity. Valentin Serov, jako každý skutečný umělec, pozoruhodně pracoval nejen v olejomalbě, ale také mistrně ovládal techniku kresby. Četná jeho díla tužkou a uhlem mají stejnou živost a přesnost ve vyjadřování charakteru zobrazovaných lidí, stejnou dokonalost provedení jako jeho olejomalby.
Sbírka muzea obsahuje několik děl slavných ruských umělců konce 19. - počátku 20. století. Jde především o kresbu Michaila Vrubela (1856-1910), největšího představitele symbolismu a secese v ruském výtvarném umění. Spolu s listy L.S. Bakst a M.A. Vrubelův rozkvět ruské grafiky na přelomu 19. – 20. století a 10. let 20. století představuje tvorba K.A. Korovin (1861–1939) - návrhová skica z roku 1917 pro operu N.A. Rimsky Korsakov "Sadko". Tato skica je jediným „přeživším“ příkladem divadelní a dekorativní grafiky. Stylově se náš list blíží řadě divadelních děl K. Korovina konce 20. – 10. let 20. století. Skici K. Korovina pro „Sadko“ v letech 1906, 1914 se vyznačují složitější kompoziční strukturou, zahrnují nejen obraz „Chorus“, ale také otevřenou terasu, přes jejíž rozpětí se krajina – „mořská modř“ “ je vidět. Naše prostěradlo má komorní zvuk: představuje interiér komory s vysokou klenbou, malými okny, kachlovými kamny a lavicemi.
V muzejní sbírce grafiky je i drobná kresba Ilji Jefimoviče Repina „Portrét spisovatele Leontyeva-Shcheglova“. I.L. Leontiev-Shcheglov (1856-1911) - talentovaný ruský spisovatel a dramatik
Grafické listy B.M. Kustodiev ve sbírce muzejní rezervace Sergiev Posad - jedná se o tři linoryty z roku 1926 (podepsané, datované autorem), získané v roce 1928 ze soukromé sbírky. Grafika zaujímala v umělcově díle velké místo, i když byl z velké části malíř. Ve 20. letech 20. století Kustodiev hodně ilustroval knihy, plakáty a ryl do stojanů (dřevořez, litografie, linoryt). V roce 1926 B.M. Kustodiev vytvořil několik kompozic s "Bathers" v technikách linorytu, dřevořezu a akvarelu. V deníkových záznamech pro rok 1926 prvního životopisce V.V. Kustodieva. Voinov (grafik, historik umění, umělecký kritik), téma práce Borise Michajloviče na linorytu „Bather“ a „Bather“ je neustále slyšet. Konstantní model v minulé rokyživot B.M. Kustodiev „pro portréty, postavy v obrazech, obálky, tisky, ilustrace“ sloužil své dceři Irině. Pózovala pro svého otce a pro rytinu "Bather".
Přes sérii "Bathers" od B.M. Kustodiev pracoval v doslovném smyslu slova až do posledních dnů svého života: poslední rytinu tohoto cyklu provedl 4. května 1927 (a 26. května umělec zemřel).
Dílo jedné z vynikajících postav ruského umění 20. století, klasika dřevorytu V.A. Favorského (1886-1964) v muzejní sbírce zastupuje šestnáct grafických listů z různých období: jedná se o malířské stojany a knižní ilustrace, a ukázky jeho "grafiky písma".
Výběr listů je z velké části náhodný, ne všechny jsou prvotřídní či ikonická díla mistra. V roce 1919 1939. členové této rodiny (včetně Vladimira Andreeviče Favorského) žili v Sergiev Zagorsku, byli zakořeněni v jeho duchovním a kulturním životě, vytvořili zde mnoho svých děl a V.A. Favorský byl jedním z organizátorů našeho muzea.
Mezi nimi - jedno z nejslavnějších, nejvýznamnějších děl tohoto období mistrovy tvorby - malířská rytina "říjen 1917" 1928 Tento dřevoryt byl vytvořen na první státní objednávku Rady lidových komisařů k 10. výročí Říjnové revoluce. Favorskij poté koncipoval sérii „Roky revoluce“, kde „kresby uspořádané v chronologickém pořadí měly během prvních 10 let rok co rok znovu vytvořit celou historii sovětského státu“. Dřevoryt „říjen 1917“ je detailní vyprávění a zároveň symbolická, metaforická kompozice s mnoha herci a několik epizod, zcela organicky spojených dohromady.
Pozdní období V.A. Favorského v naší sbírce jsou rytiny z jeho nejlepších, nejslavnějších cyklů z 50. let, za které byl umělec oceněn Leninovou cenou v roce 1962 - ilustrace z roku 1950 k "Laikovi Igorova pluku" a k "Boris Godunov" 1955., darováno do muzea v roce 1965.
Skvěle demonstrují „pozdní styl“ Favorského dřevořezů, kde se více dbá na vzhled postav, prostředí, kostým, kde se obrazové prostředky přirozeně mění: asketismus grafických řešení s obrysy a otevřeným stínováním je nahrazen určitá „malebnost“. Ve vícefigurové skladbě (Before the Battle), do níž Favorskij zahrnuje obrazy ruských vojáků pod bojovým praporem a Guslyara, plně vyznívá epická vážnost a epický charakter Layů. Z rozmanitosti grafických cyklů V.A. Favorsky z 50. let k dramatu A.S. Puškin ("Boris Godunov", "Malé tragédie") v muzejní sbírce je pouze jedna ilustrace k tragédii "Boris Godunov" - "Pimen a Grigory" 1955.
Sbírka děl vynikající ruské grafičky a malířky Tatyany Alekseevny Mavriny v muzejní rezervaci Sergiev Posad z hlediska objemu, úrovně děl, jejich žánrová rozmanitost lze srovnávat pouze s největšími muzejními sbírkami v zemi, které mají sbírky grafiky 20. století. (Puškinovo muzeum, Státní Treťjakovská galerie, Státní ruské muzeum). Jedná se o dvaašedesát listů, které se k nám dostaly v letech 1977-1978 po autorově osobní výstavě v muzeu. Čtyřicet pět prací představil T.A. Mavrina jako dárek.
Chronologicky pokrývá sbírka Mavrinových děl velké období umělcovy tvorby (poslední data jsou 1944 a 1976, navíc přibližně stejný počet listů náleží obdobím 40., 50., 60. a 70. let). Představuje dostatečnou rozmanitost grafických technik, ve kterých Mavrina plodně pracoval: akvarely, kvaše, archy vyrobené v kombinovaném médiu (tempera, kvaš nebo tempera, kvaš, akvarel), kresby tužkou, kresby tuší.
"Zagorský cyklus" T.A. Mavrina, živě vyjadřující svůj postoj, priority v umění, svůj jedinečný styl, často a právem nazývaný „Mavrinsky“, se začal formovat ve 40. letech 20. století. „Dějová řada“ Mavrinových děl z 50. let – „báječně viděný“ soubor Lávry, Pjatnický klášter, staré město a život jeho obyvatel – každodenní i sváteční, ztělesněný ve svém zvláštním, metaforickém a poetickém klíči spojené s obrazností lidového umění a folklóru. Listy 60. – 70. let jsou stejně výrazné a volné, odvážné kresebně, kompozičně i barevně. V jejich tematické skladbě stále převažují žánrové krajiny, v jejichž samotných názvech je zdůrazněn efektní a všední aspekt. Klasickým příkladem "Mavrinského portrétu" v naší sbírce je "Demidova" 1973. "Demidova" je nádherným příkladem organického spojení dvou žánrů - "portrét v krajině": velký, čelní, poloviční obraz "Ruská stařena" v bílém šátku na pozadí letní vesnice, krajina, kde jsou podle staré tradice lidových maleb a lidových tisků nápisy na samotných obrazech.
) ve svých expresivních rozmáchlých dílech dokázala zachovat průhlednost mlhy, lehkost plachty, hladké houpání lodi na vlnách.
Její obrazy jsou nápadné svou hloubkou, objemem, sytostí a texturou, že z nich nelze spustit oči.
Teplá jednoduchost Valentina Gubarev
Primitivní umělec z Minsku Valentin Gubarev nehledá slávu a dělá jen to, co miluje. Jeho dílo je v zahraničí šíleně populární, ale pro jeho krajany téměř neznámé. V polovině 90. let se Francouzi zamilovali do jeho každodenních skic a podepsali s umělcem smlouvu na 16 let. Snímky, které by, zdá se, měly být srozumitelné jen nám, nositelům „skromného kouzla nerozvinutého socialismu“, se evropské veřejnosti líbily a začaly se vystavovat ve Švýcarsku, Německu, Velké Británii a dalších zemích.
Smyslný realismus Sergeje Marshennikova
Sergeji Marshennikovovi je 41 let. Žije v Petrohradě a tvoří v nejlepších tradicích klasické ruské školy realistického portrétu. Hrdinkami jeho pláten jsou jemné a bezbranné ženy ve své polonahotě. Na mnoha z nejvíce slavné obrazy zobrazuje umělcovu múzu a manželku - Natalii.
Krátkozraký svět Philipa Barlowa
V moderní době obrazů s vysokým rozlišením a rozkvětu hyperrealismu dílo Philipa Barlowa okamžitě přitahuje pozornost. Od diváka se však vyžaduje určité úsilí, aby se přinutil podívat se na rozmazané siluety a světlá místa na plátnech autora. Pravděpodobně takto lidé s krátkozrakostí vidí svět bez brýlí a kontaktních čoček.
Sluneční zajíčci Laurenta Parselliera
Obraz Laurenta Parceliera je nádherný svět, ve kterém není ani smutek, ani sklíčenost. Nenajdete u něj ponuré a deštivé obrázky. Je tam hodně světla, vzduchu a světlé barvy, které umělec aplikuje charakteristickými rozpoznatelnými tahy. To vytváří pocit, že obrazy jsou utkány z tisíce slunečních paprsků.
Dynamika města v dílech Jeremyho Manna
Americký umělec Jeremy Mann maluje olejem na dřevěné panely dynamické portréty moderní metropole. „Abstraktní tvary, linie, kontrast světlých a tmavých skvrn – to vše vytváří obraz, který navozuje pocit, který člověk zažívá v davu a ruchu velkoměsta, ale také dokáže vyjádřit klid, který člověk nalézá při kontemplaci tiché krásy,“ říká umělec.
Iluzorní svět Neila Simona
Na obrazech britského umělce Neila Simonea není vše tak, jak se na první pohled zdá. „Svět kolem mě je pro mě řadou křehkých a neustále se měnících tvarů, stínů a hranic,“ říká Simon. A v jeho obrazech je vše skutečně iluzorní a propojené. Hranice jsou smyty a parcely se vlévají do sebe.
Milostné drama Josepha Lorassa
Současný americký umělec Joseph Lorusso, původem Ital, přináší na plátno scény, které viděl Každodenní život obyčejní lidé. Objetí a polibky, vášnivé impulsy, chvíle něhy a touhy naplňují jeho emotivní obrazy.
Život na vesnici Dmitrije Levina
Dmitrij Levin je uznávaným mistrem ruské krajiny, který se prosadil jako talentovaný představitel ruské realistické školy. Nejdůležitější zdroj jeho uměním je jeho připoutanost k přírodě, kterou vroucně a vášnivě miluje a jejíž součástí se cítí být sám.
Světlý východ Valeryho Blokhina
Grafika je nejvíc starověké druhy výtvarné umění. Za první grafické práce jsou považovány skalní malby primitivního člověka, odrážející jeho pohled na svět kolem sebe. Papyrusové knihy starých Egypťanů obsahovaly grafické symboly (hieroglyfy) a ilustrace. Z dávných dob se k nám dostaly nádherné ukázky grafiky v podobě maleb na vázách a keramických nádobách.
Dlouhou dobu bylo za grafiku považováno pouze písmo a kaligrafie. Ve středověku se knižní grafika rozšířila: ručně psané knihy byly zdobeny nádhernými kresbami a miniaturami a tvorba písem se proměnila v hotelovou uměleckou oblast.
Vynikající grafici a jejich významná díla
Největší mistr západoevropské renesance Albrecht Durer je jedním ze zakladatelů rytiny. Jeho nejznámější měděná díla jsou Rytíř, Smrt a ďábel (1513), Sv. Jeroným ve své cele "a" melancholie "(1514).
Velký italský umělec a vědec renesance Leonardo da Vinci byl nenapodobitelným kreslířem. Jeho rozsáhlé grafické dědictví zahrnuje: přípravné kresby k obrazům, obrazy zvířat a rostlin, ilustrace k technickému vývoji, kresby k pojednání.
Technika a druhy grafiky
Kresba je základem všech druhů grafiky. Obvykle se grafika kreslí na kus papíru, který hraje roli prostoru. K vytvoření svých děl může umělec použít celý arzenál nástrojů: tužka, kuličkové pero, uhel, inkoust, inkoust, sangvinik (červenohnědé tužky vyrobené z kaolinu a oxidů železa), barevná křída, omáčka (jedna z odrůd pastely), akvarel, kvaš.
Hlavním nástrojem evropské kresby v období pozdní gotiky a renesance bylo pero. Koncem 17. století začali používat grafitové tužky k tvorbě kreseb, kreseb, skic. V grafice se plátno prakticky nepoužívá, protože akvarely a kvaš na něj dobře nezapadají. Barva v grafických obrázcích se používá mnohem méně než v obrazech. Hlavními grafickými prostředky grafiky jsou čára, bod, šerosvit, tah a bod.
Grafika má stejně širokou škálu žánrů jako malba. Ale zde je častější žánr portrétu a krajiny, v menší míře - zátiší, historické, každodenní a další. Grafika se tradičně dělí na monumentální (plakát, nástěnná grafika), stojanovou (kresba a tisk), knižní (ilustrace, pohlednice) a také počítačovou grafiku, která však stojí stranou, protože nepoužívá tradiční materiály.
Grafika se vyznačuje širokou škálou technik, které umělec používá v čisté formě nebo v různých kombinacích. Existují dva typy grafiky podle techniky: kresba a tištěná grafika (printmaking). Výkres je vytvořen pouze v jedné kopii. V dávných dobách umělci používali papyrus, pergamen a od 14. století začali kreslit na papír.
Naopak tištěná grafika existuje v mnoha kopiích. Pro replikaci se používá rytina - kresba na pevném materiálu, který se překryje barvou a následně se vytiskne na list papíru. Podle materiálu se rozlišují různé druhy a techniky rytí: dřevoryt (dřevořez), linoryt (kresba vyřezávaná na linoleu), lept (kovoryt), litografie (kamenoryt). S příchodem rytiny se objevila tištěná kniha a začala se rozvíjet knižní grafika. Dnes se vývoj grafiky nezastavuje, objevují se nové žánry a techniky, ale stejně jako v dávných dobách zůstává grafika důležitou složkou výtvarného umění v našem životě.
Už delší dobu plánujeme udělat papírový rating nejdražších děl umělců z oběžné dráhy ruského umění. Nejlepším motivem se pro nás ukázal nový rekord v ruské grafice - 2,098 milionu liber za kresbu Kazimíra Maleviče 2. června
Při zveřejňování našich hodnocení se opravdu rádi poflakujeme se všemi možnými výhradami, abychom varovali před možnými otázkami. Takže první zásada: pouze originální grafika. Za druhé: používáme výsledky prodeje v otevřených aukcích pro díla umělců zařazených do oběžné dráhy ruského umění podle databáze webu (možná byly galerijní prodeje za vyšší ceny). Za třetí: samozřejmě by bylo lákavé dát 3,7 milionu dolarů na první místo pro Husatonic Arshila Gorky. Jak víte, on sám se všemi možnými způsoby snažil být považován za ruského umělce, nevyhýbal se podvodům, vzal si pseudonym na počest Maxima Gorkého atd.; v roce 2009 byly Gorkého díla vystaveny Ruským muzeem a Treťjakovskou galerií na výstavě „Američtí umělci z Ruské říše“, zařadili jsme je do databáze výsledků aukcí AI, ale počínaje ní je hodnocení ruské grafiky nespravedlivé z formálních důvodů. Za čtvrté: jeden list – jeden výsledek. Pro toto hodnocení jsme vybrali pouze díla skládající se z jednoho listu; formální přístup by nás nutil vzít v úvahu další tři položky, z nichž každá byla prodána jako jedna šarže: 122 originálních kreseb tuší pro „Knihu markýzy“ od Konstantina Somova, dvě složky s 58 kresbami a kvaše pro „The Bratři Karamazovi“ od FM Dostojevského od Borise Grigorjeva a část sbírky Jakova Peremena. Za páté: jeden autor – jedno dílo. Pokud bychom formálně vzali prvních 10 podle ceny (bez výsledků Gorky a prefabrikovaných partií), pak by bylo pět listů Kandinského, tři Chagalla a po jednom Malevič a Serebryakova. Nudný. Za šesté: analyzujeme období od roku 2001 do současnosti. Za sedmé: cenový rating byl sestaven v dolarech, výsledky v jiných měnách byly převedeny na dolary směnným kurzem v den obchodování. Za osmé: všechny výsledky jsou uvedeny s ohledem na provizi prodejce.
Kresba Kazimíra Maleviče „Sedlácká hlava“, která je přípravnou skicou ke ztracenému obrazu „Pohřeb rolníků“ z roku 1911, se celkem očekávaně stala top lotem ruské aukce Sotheby's 2. června 2014 v Londýně. Malevichova díla se na trhu s uměním objevují velmi zřídka, „Peasant's Head“ je prvním dílem uvedeným do aukce od prodeje „Suprematist Composition“ za 60 milionů dolarů v Sotheby's v roce 2008 a jednou z posledních významných věcí umělce v soukromé sbírky. Tato skica byla jedním ze 70 děl vystavených umělcem v Berlíně v roce 1927 a poté opuštěných v Německu, aby je zachránili před zákazem a umělým zapomněním, které na ně v Rusku nevyhnutelně čekalo. Dílo přišlo do aukce v Sotheby’s z nějaké mocné německé soukromé sbírky ruské avantgardy. Téměř všechny položky této sbírky byly pryč s přebytkem odhadu, ale Malevichova kresba byla prostě mimo soutěž. Za něj dali trojnásobek odhadu – 2,098 milionu liber. Jde o zdaleka nejdražší grafické dílo ruského umělce.
V seznamu nejdražších grafických děl Wassily Kandinsky je až 18 originálních kreseb v hodnotě přes milion dolarů. Jeho akvarely ve svém abstraktním poselství nejsou v žádném případě horší než obrazy. Připomeňme, že právě z grafického díla Kandinského - "První abstraktní akvarel" z roku 1910 - je zvykem počítat dějiny moderního abstraktního umění. Jak praví legenda, jednou Kandinskij, sedící v pološeru své dílny v Mnichově a hledící na své figurální dílo, na něm nerozeznal nic kromě barevných skvrn a tvarů. A pak si uvědomil, že musí opustit objektivitu a pokusit se zachytit skrze barvu „pohyb duše“. Výsledkem bylo dílo prosté jakéhokoli spojení s vnějším světem – „První abstraktní akvarel“ (Paříž, Centrum Georgese Pompidoua).
Kandinského plátna jsou na trhu vzácná a jsou velmi drahá, ale grafika dokonale zapadne do každé kolekce a bude v ní působit důstojně. Produkční grafiku si lze dovolit za několik tisíc dolarů. Ale za originální kresbu, která je například skicou slavného obrazu, budete muset zaplatit několikrát více. Nejdražší akvarel Untitled (1922) byl prodán během uměleckého boomu v roce 2008 za 2,9 milionu dolarů.
Marc Chagall byl na svou dobu neobvykle produktivním umělcem. Dnes Damienu Hirstovi a Jeffu Koonsovi pomáhá armáda asistentů a Mark Zakharovich sám vytvořil tisíce originálních grafických děl za 97 let svého života, nemluvě o tištěných dílech. Naše databáze výsledků Chagallových aukcí obsahuje více než 2000 originálních děl na papíře. Tento umělec neustále roste na ceně a investiční vyhlídky na nákup jeho děl jsou zřejmé - hlavní je, že pravost díla je potvrzena Chagallovým výborem. V opačném případě může dílo málem shořet (přesně tím Chagallův výbor hrozí majiteli, který nedávno poslal na expertizu do Paříže obraz, který se ukázal jako padělek). Volba by tedy měla být provedena pouze ve prospěch bezpodmínečně autentické grafiky. Jeho cena může dosáhnout 2,16 milionu $ - tolik bylo zaplaceno v květnu 2013 za kresbu "Horsemen" (papír na kartonu, kvaš, pastel, barevné tužky).
Pastel Ležící akt je nejen nejdražším grafickým dílem Zinaidy Serebryakové, ale také jejím nejdražším dílem vůbec. Téma nahého ženského těla bylo jedním z hlavních témat umělcovy tvorby. Nahá Serebryakova se vyvinula od obrázků koupajících se a ruských krásek v lázních v ruském období kreativity k ležení nahá, více v duchu evropského umění v období Paříže. Při pohledu na krásnou, smyslnou, idealizovanou nahou Serebryakovou je těžké si představit, jak tragický byl osud umělkyně - její manžel zemřel na tyfus a nechal ji se čtyřmi dětmi v náručí; Musel jsem žít z ruky do úst a nakonec emigrovat do Paříže (jak se ukázalo, navždy) a nechat děti v Rusku (později se podařilo přepravit do Francie jen dvě, další dvě musely být odděleny více než 30 let).
Zinaida Serebryakova ve svých dílech pěstovala dokonalou, věčnou, klasickou krásu. Pastel tak nějak ještě lépe vyjadřuje svou lehkost a vzdušnost. ženské obrázky, ve kterém je téměř vždy něco ze samotné umělkyně a jejích dětí (dcera Káťa patřila k jejím oblíbeným modelkám).
Poměrně velký pastel Leclining Nude byl zakoupen během uměleckého boomu v červnu 2008 za 1,07 milionu liber (2,11 milionu dolarů). Žádnému jinému dílu se od té doby nepodařilo tento rekord překonat. Zajímavé je, že v top 10 aukčních prodejích Zinaida Serebryakova je pouze nahá a tři díla jsou jen pastely.
Na londýnské aukci Sotheby’s 27. listopadu 2012, věnované malbě a grafice ruských umělců, se v žádném případě nekonal obraz, ale kresba tužkou na papíře – „Portrét Vsevoloda Meyerholda“ od Jurije Annenkova. Osm účastníků se dohadovalo o práci v sále i po telefonech. Výsledkem je, že kresba, odhadovaná na 30-50 tisíc liber, stála nového majitele několik desítekkrát dražší, než byl odhad. Výsledek 1,05 milionu liber (1,68 milionu dolarů) přes noc udělal z "Portrétu Vsevoloda Meyerholda" nejdražší grafiku autora a obsadil třetí místo v žebříčku nejvyšších aukčních cen za Annenkovova díla vůbec.
Proč byl o portrét tak silný zájem? Annenkov je skvělý malíř portrétů, který zanechal obrazy nejlepších postav té doby - básníků, spisovatelů, režisérů. Kromě toho byl velmi talentovaný graficky: svým způsobem spojoval techniky klasické kresby s avantgardními prvky kubismu, futurismu, expresionismu, uspěl jako divadelní a filmový výtvarník, např. knižní ilustrátor... Pozornost veřejnosti samozřejmě přitahovala osobnost modelky na portrétu – slavného režiséra Vsevoloda Meyerholda. No a ke všemu tato kresba pochází ze sbírky hudebního skladatele Borise Tyomkina, rodáka z Kremenčugu, který emigroval do USA a stal se slavným americkým skladatelem, čtyřnásobným držitelem Oscara za hudební díla do kina.
Jeden z hlavních umělců sdružení World of Art, Lev (Leon) Bakst, samozřejmě měl být na našem seznamu komerčně nejúspěšnějších grafiků. Jeho nádherná divadelní díla – náčrtky kostýmů pro nejlepší tanečníky té doby, kulisy pro představení – nám dnes dávají představu o tom, jakou nádhernou podívanou byla Ďaghilevova Ruská sezóna.
Bakstovo nejdražší grafické dílo, Žlutá sultána, vzniklo v roce, kdy Diaghilevův balet poprvé objížděl Spojené státy. V té době už byl Bakst široký slavný umělec, rozpoznatelný styl jeho divadelní tvorby se stal značkou, jeho vliv je citelný v módě, interiérovém designu a šperky... Smyslný akt "The Yellow Sultana", který vyrostl z jeho divadelních skečů, vyvolal divokou bitvu mezi dvěma telefony na aukci Christie's 28. května 2012. Výsledkem bylo 937 250 liber ( 1 467 810 dolarů) s přihlédnutím k provizi, přestože odhad byl 350–450 tisíc liber.
Svět vznešených hnízd, mlžných zámeckých parků a půvabných slečen procházejících se uličkami, které mizí v zapomnění, se objevuje v dílech Viktora Elpidiforoviče Borisova-Musatova. Někteří jeho styl nazývají „elegie v malbě“, vyznačuje se zasněností, tichou melancholií, smutkem po minulé době. Pro Borisova-Musatova šlechtických statků byly světem současnosti, ale v jeho zobrazeních tohoto světa je něco nadpozemského, tyto parky, verandy a rybníky jako by umělce snil. Zdálo se, že tušil, že tento svět už brzy nebude a on sám nebude (umělce vzala v 35 letech vážná nemoc).
Victor Borisov-Musatov preferoval pastely a akvarely před olejomalbou, dodávaly mu potřebnou lehkost tahu a oparu. Vystoupení jeho pastelů „Poslední den“ na ruské aukci Sotheby's v roce 2006 bylo událostí, protože hlavní díla Borisova-Musatova jsou v muzeích a jen asi tucet děl se dostal do otevřené aukce pro všechny čas. Pastel "Poslední den" pochází ze sbírky V. Napravnika, syna ruského dirigenta a skladatele Eduarda Napravnika. Tento pastel byl vyobrazen na „Portrétu Marie Georgievny Napravnik“ od Zinaidy Serebryakové, který je nyní uložen v Chuvash Art Museum. V monografii „Borisov-Musatov“ (1916) zmiňuje NN Wrangel „Poslední den“ v seznamu umělcových děl. Pravá věc tedy bezpochyby dosáhla rekordní ceny pro umělce 702 400 liber, neboli 1 314 760 dolarů.
Alexander Deineka byl v jeho raných fázích skvělý plán kreativní cesta grafika ho přitahovala ještě více než malba, především pro svůj propagandistický potenciál. Umělec hodně pracoval jako ilustrátor knih a časopisů, vytvářel plakáty. Později ho tato „časopisecko-plakátová práce“ unavila, začal se stále více věnovat malbě, monumentálnímu umění, ale získané dovednosti kreslíře se ukázaly jako velmi užitečné – například při tvorbě přípravných skic k obrazům. "Dívka, která si váže stuhu na hlavě" - skica k obrazu "Koupající se" (1951, sbírka Státní Treťjakovské galerie). Toto dosud nejdražší dílo Deineky spadá do pozdního období kreativity, kdy se již autorův styl z avantgardních rešerší 20. a 30. let silně rozvinul směrem k socialistickému realismu. Ale Deineka byla v socialistickém realismu upřímná. Síla a krása zdravého lidského těla je jedním z oblíbených témat Deineky. "Dívka uvazující stuhu" nás odkazuje na jeho nahou, podobně jako řecké bohyně - sovětské Venuše, které nacházejí štěstí v práci a sportu. Jedná se o kresbu učebnice Deineka, a proto není divu, že se na aukci Sovcom prodala za rekordních 27 500 000 rublů (1 012 450 dolarů).
Boris Dmitrievich Grigoriev emigroval z Ruska v roce 1919. V zahraničí se stal jedním z nejznámějších ruských umělců, ale zároveň ve své vlasti byl na dlouhá desetiletí zapomenut a jeho první výstavy v SSSR se konaly až koncem 80. let. Dnes je ale jedním z nejžádanějších a vysoce ceněných autorů na ruském uměleckém trhu, jeho díla, obrazová i grafická, se prodávají za statisíce a miliony dolarů. Umělec byl nesmírně pracovitý, věřil, že zvládne jakékoli téma, jakoukoli zakázku.
Asi nejznámější jsou jeho cykly „Race“ a „Tváře Ruska“ – duchem velmi blízké a liší se pouze tím, že první vznikl před emigrací a druhý již v Paříži. V těchto cyklech vidíme galerii typů („tváře“) ruského rolnictva – staříci, ženy, děti zachmuřeně hledí na diváka, přitahují pohled a zároveň ho odsouvají. Grigorjev se v žádném případě neklonil k idealizaci či přikrášlování těch, které napsal, naopak někdy dovádí obrazy až do grotesky. Jedna z „tváří“, provedená kvašem a vodovými barvami na papíře, se stala nejdražším grafickým dílem Borise Grigorjeva: v listopadu 2009 za ni v aukci Sotheby's zaplatili 986 500 dolarů.
A konečně desátý autor v našem seznamu nejdražších děl ruské grafiky - Konstantin Somov. Syn kurátora sbírek Ermitáže a hudebníka, láska k umění a všemu krásnému byla vštěpována od dětství, po studiu na Akademii umění u Repina se Somov brzy ocitl ve společnosti Svět umění, která propagovala kult krásy blízko jemu. Zvláště tato touha po dekorativnosti a "krásnosti" se projevila v jeho četných kresbách vycházejících z obrazů galantské doby, o něž zájem byl pozorován i v dílech jiných světových umělců (Lancer, Benois). "Somovští" markýzi a galantní pánové na tajných schůzkách, scény společenských recepcí a maškar s harlekýny a dámami v parukách odkazují na estetiku baroka a rokoka.
Ceny Somovových děl na uměleckém trhu začaly od roku 2006 růst fenomenálním a ne vždy pochopitelným tempem, některé jeho obrazy překonaly odhady 5krát, nebo dokonce 13krát. Jeho obraz stojí miliony liber. Pokud jde o grafiku, zde je zatím Somovův nejlepší výsledek 620 727 dolarů - to je jen jedna z kreseb "galantní" série "Maškaráda".
22. dubna 2010 v aukční síni Sotheby's v New Yorku bylo prodáno 86 děl - obrazů a kreseb - od téměř dvou desítek autorů jako jediná šarže číslo 349. Tento prodej mimochodem vnáší zmatek do aukční statistiky těch umělců, jejichž díla byla do této položky zařazena. Ano, sbírka je sama o sobě velmi cenná, má za sebou dlouhou, složitou a tragickou historii a na jednu stranu je dobře, že se sbírka dostala do stejných rukou. Ale na druhou stranu, pokud se někdy majitel rozhodne jednotlivá díla prodat, pak pro většinu autorů žádná cenová hladina prostě neexistuje. Po ohlušující „dělostřelecké přípravě“, která předcházela prodeji sbírky, se mohla objevit, ale ne, a kdyby se přeprodala, fungovala by v obrovském mínusu.
Pozornost! Veškeré materiály na webu a databáze výsledků aukcí webu, včetně ilustrovaných referenčních informací o dílech prodaných na aukcích, jsou určeny k použití výhradně v souladu s čl. 1274 občanského zákoníku Ruské federace. Použití pro komerční účely nebo v rozporu s pravidly stanovenými občanským zákoníkem Ruské federace není povoleno. stránka nenese odpovědnost za obsah materiálů předložených třetími stranami. V případě porušení práv třetích osob si správa stránek vyhrazuje právo na jejich odstranění ze stránek a z databáze na základě žádosti oprávněného orgánu.
